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domingo, 21 de julio de 2019

Elsie Bianchi Trio • At Chateau Fleur De Lis



Recently unearthed tapes from the estate of Elsie Bianchi, recorded 1968 at Chateau Fleur De Lis in Atlanta/ Georgia. Unknown repertoire of her Swiss trio, with Elsie and Siro Bianchi performing on instruments they otherwise never recorded with: hammond organ, tenor saxophone and flute - including Now`s the Time', Pennies From Heaven', Alice In Wonderland', Swingin` Shepherd Blues' and even a French sung version of Take Five'.
https://www.deejay.de/Elsie_Bianchi_Trio_At_Chateau_Fleur_De_Lis_SONOL102_Vinyl__283188


Elsie Bianchi Brunner née Elsie Brunner
She was born November 5th, 1930 in Zurich, Switzerland and died on July 17, 2016 in the USA.

Awarded as a pianist on the first "Amateur Jazz Festival" Zurich in 1953, Elsie Brunner also impressed the audience there on accordion. Her brothers played trumpet, saxophone and other instruments in the musical family, but above all, collected all American jazz records they could find. As early as 1946 Elsie and her siblings were invited to an international accordion competition in Paris, where they won first prizes. In those early days there were also jam sessions in Zurich, from which Elsie should constitute her first own formation.

On bass and Clarinet was Siro Bianchi, whom she later married and with whom she moved to the United States in 1958 - first as music professionals, then as farm owners. Today Elsie and Siro Bianchi-Brunner live in Royston, Georgia. For the first time in 1958 the two traveled to the U.S. and had engagements in Palm Springs and Sun Valley from spring to autumn, along with an American drummer. They were also working together with other American jazz musicians now: Elsa and Siro played with Bob Cooper and his Allstar Ensemble at a session in Hermosa Beach and were good friends of Hampton Hawes, Pete Jolly and Curtis Counce.

From August 1959 to March 1962 they returned to Switzerland and played in Basel (mostly at the Atlantis) as well as in a hotel in Les Diablerets. In April 1962 Elsa and Siro went back to the States. Until 1968 the band toured the U.S. and also played some concerts in Canada. In between, they were always active in Switzerland, especially at the Atlantis/ Basel or in the well-known Swiss winter resorts. During her time in the U.S. Elsa and Siro played with American drummers, while back home they were accompanied by Swiss drummers. In those days Hans Georg Brunner-Schwer of the SABA/ MPS Records label from Villingen heard the band at the Atlantis Club in Basel and provided them with a spontaneous music production, this time accompanied by drummer Charly Antolini. The album entitled "Elsie Bianchi Trio - The Sweetest Sound" was recorded and released in 1965.

Until 1968 the trio played in Houston, Fort Worth and Fort Walton. For two years they were accompanied by the drummer Kenny Schmidt from Basel. Sometimes Siro also played flute or tenor saxophone. In winter 1968, they received an engagement at the Grand Hotel in Gstaad. Then they decided to stop the travelling. Already in the summer of 1967 Elsa and Siro bought a house in Atlanta, Georgia and settled there in spring 1968. From this year, Elsie`s nephew Peter Brunner was sitting at the drums. In 1968 they received a permanent commitment there and played this club for ten long years.

In 1977, Elsie and Siro participated in the "K-Swiss Sportshoe Factory" Atlanta, whose California headquarters were managed by Elsie`s two brothers. The trio worked at the Fleur De Lis until the tennis shoe factory was built. Then they withdrew from the music business. In 1987 K-Swiss was sold. They bought a first ranch in Marysville, Georgia. In 1995, they found their dream farm in Royston, where they live till today.
https://www.discogs.com/artist/557878-Elsie-Bianchi

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Recientemente desenterradas cintas de la finca de Elsie Bianchi, grabadas en 1968 en Chateau Fleur De Lis en Atlanta/ Georgia. Repertorio desconocido de su trío suizo, con Elsie y Siro Bianchi tocando con instrumentos con los que de otra manera nunca habrían grabado: órgano de Hammond, saxofón tenor y flauta - incluyendo Now`s the Time', Pennies From Heaven', Alice In Wonderland', Swingin` Shepherd Blues' e incluso una versión francesa cantada de Take Five'.
https://www.deejay.de/Elsie_Bianchi_Trio_At_Chateau_Fleur_De_Lis_SONOL102_Vinyl__283188


Elsie Bianchi Brunner de soltera Elsie Brunner
Nació el 5 de noviembre de 1930 en Zurich, Suiza y murió el 17 de julio de 2016 en los Estados Unidos.

Premiada como pianista en el primer "Amateur Jazz Festival" de Zúrich en 1953, Elsie Brunner también impresionó al público con el acordeón. Sus hermanos tocaban trompeta, saxofón y otros instrumentos de la familia musical, pero sobre todo, coleccionaban todos los discos de jazz americanos que podían encontrar. Ya en 1946 Elsie y sus hermanos fueron invitados a un concurso internacional de acordeón en París, donde ganaron primeros premios. En aquellos primeros días también hubo jam sessions en Zurich, a partir de las cuales Elsie debería constituir su primera formación propia.

En el bajo y el clarinete estaba Siro Bianchi, con quien se casó más tarde y con quien se mudó a los Estados Unidos en 1958, primero como profesional de la música y luego como dueña de una granja. Hoy en día Elsie y Siro Bianchi-Brunner viven en Royston, Georgia. Por primera vez en 1958 los dos viajaron a los Estados Unidos y tuvieron compromisos en Palm Springs y Sun Valley desde la primavera hasta el otoño, junto con un baterista estadounidense. También estaban trabajando ahora junto con otros músicos de jazz estadounidenses: Elsa y Siro tocaron con Bob Cooper y su Allstar Ensemble en una sesión en Hermosa Beach y fueron buenos amigos de Hampton Hawes, Pete Jolly y Curtis Counce.

De agosto de 1959 a marzo de 1962 regresaron a Suiza y tocaron en Basilea (principalmente en el Atlantis), así como en un hotel de Les Diablerets. En abril de 1962 Elsa y Siro regresaron a los Estados Unidos. Hasta 1968 la banda realizó una gira por los Estados Unidos y también dio algunos conciertos en Canadá. Mientras tanto, siempre estuvieron activos en Suiza, especialmente en el Atlantis/Basilea o en las conocidas estaciones invernales suizas. Durante su estancia en los EE.UU. Elsa y Siro tocaron con bateristas estadounidenses, mientras que en su país los acompañaron bateristas suizos. En aquellos días Hans Georg Brunner-Schwer del sello SABA/MPS Records de Villingen escuchó a la banda en el Atlantis Club de Basilea y les proporcionó una producción musical espontánea, esta vez acompañada por el baterista Charly Antolini. El álbum titulado "Elsie Bianchi Trio - The Sweetest Sound" fue grabado y lanzado en 1965.

Hasta 1968 el trío tocó en Houston, Fort Worth y Fort Walton. Durante dos años estuvieron acompañados por el baterista Kenny Schmidt de Basilea. A veces Siro también tocaba la flauta o el saxofón tenor. En el invierno de 1968, recibieron un compromiso en el Grand Hotel de Gstaad. Entonces decidieron dejar de viajar. Ya en el verano de 1967 Elsa y Siro compraron una casa en Atlanta, Georgia y se establecieron allí en la primavera de 1968. A partir de este año, el sobrino de Elsie, Peter Brunner, estaba sentado en la batería. En 1968 recibieron un compromiso permanente y jugaron en este club durante diez largos años.

En 1977, Elsie y Siro participaron en la "K-Swiss Sportshoe Factory" de Atlanta, cuyas oficinas centrales en California estaban dirigidas por los dos hermanos de Elsie. El trío trabajó en la Fleur De Lis hasta que se construyó la fábrica de zapatillas de tenis. Luego se retiraron del negocio de la música. En 1987 se vendió K-Swiss. Compraron un primer rancho en Marysville, Georgia. En 1995, encontraron la granja de sus sueños en Royston, donde viven hasta hoy.
https://www.discogs.com/artist/557878-Elsie-Bianchi


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Pete Candoli • More Peter Gunn



It would seem that Pete Candoli has been biding his time in the wings all these years. While Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Miles Davis, etc. have long enjoyed broad public recognition; Pete has finally attained the level of popular acceptance that the quality of his talents as a jazz trumpeter deserves.

Within the Music World Pete Candoli is regarded as one of the most precise and eloquent interpreters of jazz. He and his trumpet playing brother Conte have what amounts to a cult following among aficionados.

A trumpet player of major importance, Pete's association with top bands reads like a “Who's Who” of jazz. He has been featured with Tommy Dorsey, Glen Miller, Woody Herman, Stan Kenton, Les Brown, Count Basie, Freddy Slack, Charlie Barnet, etc... in fact, he has played with over 27 of the top named bands.

Although Pete Candoli is best known for the jazz trumpet, his musical background and experience is as varied as it can be. He is equally expert with classical music and pop. He has conducted music seminars and concerts at some  universities and colleges when he is not playing a jazz festival, concert, or nightclub somewhere. To date he has worked over (5000) record dates.

He has composed and arranged music and conducted for Judy Garland, Ella Fitzgerald, and Peggy Lee among others. Having played first trumpet for Igor Stravinsky’s “Ebony Concerto” written for the Woody Herman Orchestra. Pete has received much acclaim for his versatility as a solo trumpeter.

Pete Candoli has won awards as outstanding trumpet player from Downbeat and Metronome Magazines, the 20 most prestigious publications in the music business. Pete also won the Esquire Magazine and the Look Magazine Awards as one of the  all-time outstanding jazz trumpet players. The  were Louis Armstrong, Bix Biederbeck, Harry James, Bunny Berigan, Dizzy Gillespie and Bobby Hackert, there is more. Pete and his brother Conte won The International Jazz Hall of Fame award in 1997, and was honored with The Big Band award in 2003.

Pete began playing lead and jazz for Sonny Dunham’s Orchestra in 1941, followed by a long string of other name bands including Woody Herman’s famed “First Herd.” Pete settled into the studio scene in the 50’s after tenures with Herman, Tex Beneke, Jerry Gray and Stan Kenton among others. He and Conte also co-led a band (1957-62). As a preeminent lead trumpeter, Pete played for the Orchestras of Alex Stordahl, Gordon Jenkins, Nelson Riddle, Don Costa, Michel LeGrand, Henry Mancini, as well as Frank Sinatra.

Pete’s exuberant premier lead work and dashing high note specialty is fueled with gratifying surprises always. His sharp, peppered trumpet recalls the brilliance of Louis Armstrong and Roy Eldridge bulking peaks and climaxes. As for jazz, “I’m radical! I never play the same jazz thing twice!” asserts Pete. “I’m like a chameleon and I play what I feel, although I may favor some patterns. Also, I’m a little staccato... on edge of my fiery type of playing.” In summary both bothers define jazz force at it’s best.
https://musicians.allaboutjazz.com/petecandoli

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Parece que Pete Candoli ha estado esperando su momento entre bastidores todos estos años. Aunque Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Miles Davis, etc. han gozado durante mucho tiempo de un amplio reconocimiento público, Pete ha alcanzado finalmente el nivel de aceptación popular que la calidad de sus talentos como trompetista de jazz merece.

Dentro del mundo de la música, Pete Candoli está considerado como uno de los intérpretes más precisos y elocuentes del jazz. Él y su hermano Conte, que toca la trompeta, tienen lo que equivale a un culto entre los aficionados.

Trompetista de gran importancia, la asociación de Pete con las mejores bandas se lee como un "Who's Who" del jazz. Ha participado con Tommy Dorsey, Glen Miller, Woody Herman, Stan Kenton, Les Brown, Count Basie, Freddy Slack, Charlie Barnet, etc.... de hecho, ha tocado con más de 27 de las mejores bandas.

Aunque Pete Candoli es mejor conocido por la trompeta de jazz, su formación musical y experiencia es tan variada como puede ser. Es igualmente experto en música clásica y pop. Ha dirigido seminarios de música y conciertos en algunas universidades y colegios cuando no está tocando en un festival de jazz, concierto o club nocturno en algún lugar. Hasta la fecha ha trabajado más de (5000) fechas de registro.

Ha compuesto y arreglado música y dirigido para Judy Garland, Ella Fitzgerald y Peggy Lee entre otros. Habiendo tocado la primera trompeta para el "Ebony Concerto" de Igor Stravinsky, escrito para la Woody Herman Orchestra. Pete ha recibido muchos elogios por su versatilidad como trompetista solista.

Pete Candoli ha ganado premios como trompetista sobresaliente de Downbeat y Metronome Magazines, las 20 publicaciones más prestigiosas en el negocio de la música. Pete también ganó el Esquire Magazine y el Look Magazine Awards como uno de los trompetistas de jazz más destacados de todos los tiempos. Louis Armstrong, Bix Biederbeck, Harry James, Bunny Berigan, Dizzy Gillespie y Bobby Hackert, hay más. Pete y su hermano Conte ganaron el premio del Salón Internacional de la Fama del Jazz en 1997, y fueron honrados con el premio The Big Band en 2003.

Pete comenzó a tocar como líder y jazz para la Orquesta de Sonny Dunham en 1941, seguido por una larga serie de otras bandas con nombre, incluyendo la famosa "First Herd" de Woody Herman. Pete se instaló en la escena del estudio en los años 50 después de trabajar con Herman, Tex Beneke, Jerry Gray y Stan Kenton, entre otros. Él y Conte también co-lideraron una banda (1957-62). Como trompetista principal preeminente, Pete tocó para las orquestas de Alex Stordahl, Gordon Jenkins, Nelson Riddle, Don Costa, Michel LeGrand, Henry Mancini, así como Frank Sinatra.

El exuberante trabajo de Pete como líder y su elegante especialidad de notas altas siempre está lleno de gratificantes sorpresas. Su trompeta puntiaguda y sazonada recuerda la brillantez de Louis Armstrong y Roy Eldridge, que abarrotaban los picos y los clímaxes. En cuanto al jazz, "¡Soy radical! Nunca toco el mismo jazz dos veces", afirma Pete. "Soy como un camaleón y toco lo que siento, aunque puedo favorecer algunos patrones. Además, soy un poco staccato.... al borde de mi fogoso tipo de tocar." En resumen, ambas cosas definen la fuerza del jazz en el mejor de los casos.
https://musicians.allaboutjazz.com/petecandoli




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VA • Rockin' The Spirit



Review by Scott Yanow
After attending an annual boogie-woogie concert organized by Mark Braun (Mr. B.), Monty Alexander headed a recording project that paid tribute to both boogie-woogie and spirituals. Five pianists participated, performing two numbers apiece, with four of the players (all but Alexander) playing a pair of duets. Alexander, Eric Reed, and Johnny O'Neal are better known nationally than Bob Seeley and Mark Braun, but all five pianists fare well, stretching beyond boogie-woogie and spirituals to include a few swing standards and even a bluish duet on Benny Golson's "Whisper Not." Recommended to boogie-woogie fans and the curious.
Five exceptional pianists join forces for an unforgettable evening of stomping boogie-woogie and soulful gospel music. As heard in these performances, both boogie-woogie and gospel are intricately linked. Both can light up a room, warm the heart, and stir emotions like nothing else.


Reviews
Five phenomenal pianists show how close boogie-woogie is to gospel music, united as they are by a common directness and passion. Anyone who saw the movie Ray will remember the scene where Ray Charles and Art Tatum play a piano duet and come to the same conclusion. Johnny O'Neal played Tatum, and boogie is his speciality. In his hands, and in those of contemporary masters Bob Seeley and Mark Braun, the venerable idiom comes ferociously to life. It's hard to believe that one pair of hands can create such power and drive. - The Observer (UK)

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Reseña de Scott Yanow
Después de asistir a un concierto anual de boogie-woogie organizado por Mark Braun (Sr. B.), Monty Alexander dirigió un proyecto de grabación que rindió homenaje tanto al boogie-woogie como a los espirituales. Participaron cinco pianistas, interpretando dos números cada uno, con cuatro de los músicos (todos menos Alejandro) tocando un par de dúos. Alexander, Eric Reed y Johnny O'Neal son más conocidos a nivel nacional que Bob Seeley y Mark Braun, pero a los cinco pianistas les va bien, ya que van más allá del boogie-woogie y los rituales e incluyen algunos estándares de swing e incluso un dúo azulado en "Whisper Not" de Benny Golson. Recomendado para los aficionados al boogie-woogie y los curiosos.
Cinco pianistas excepcionales unen sus fuerzas para disfrutar de una velada inolvidable de boogie-woogie y música gospel conmovedora. Como se ha escuchado en estas actuaciones, tanto el boogie-boogie como el gospel están íntimamente ligados. Ambos pueden iluminar una habitación, calentar el corazón y despertar emociones como ninguna otra cosa.


Reseñas
Cinco pianistas fenomenales muestran lo cerca que está el boogie-woogie de la música gospel, unidos como están por una franqueza y una pasión comunes. Cualquiera que haya visto la película Ray recordará la escena en la que Ray Charles y Art Tatum tocan un dúo de piano y llegan a la misma conclusión. Johnny O'Neal tocaba Tatum, y el boogie es su especialidad. En sus manos, y en las de los maestros contemporáneos Bob Seeley y Mark Braun, el venerable lenguaje cobra vida de forma feroz. Es difícil de creer que un par de manos puedan crear tal potencia y conducción. - El observador (Reino Unido)


 Discogs ...


The Ventures • Theme From Shaft



 Artist Biography by John Bush
Not the first but definitely the most popular rock instrumental combo, the Ventures scored several hit singles during the 1960s -- most notably "Walk-Don't Run" and "Hawaii Five-O" -- but made their name in the growing album market, covering hits of the day and organizing thematically linked LPs. Almost 40 Ventures' albums charted, and 17 hit the Top 40. And though the group's popularity in America virtually disappeared by the 1970s, their enormous contribution to pop culture was far from over; the Ventures soon became one of the most popular world-wide groups, with dozens of albums recorded especially for the Japanese and European markets. They toured continually throughout the 1970s and '80s -- influencing Japanese pop music of the time more than they had American music during the '60s.

The Ventures' origins lie in a Tacoma, Washington group called the Impacts. Around 1959, construction workers and hobby guitarists Bob Bogle and Don Wilson formed the group, gigging around Washington state and Idaho with various rhythm sections as backup. They recorded a demo tape, but after it was rejected by the Liberty Records subsidiary Dolton, the duo founded their own label, Blue Horizon. They released one vocal single ("Cookies and Coke"), then recruited bassist Nokie Edwards and drummer Skip Moore and decided to instead become an instrumental group.

The Ventures went into the studio in 1959 with an idea for a new single they had first heard on Chet Atkins' Hi Fi in Focus LP. Released on Blue Horizon in 1960, the single "Walk-Don't Run" became a big local hit after being aired as a news lead-in on a Seattle radio station (thanks to a friend with connections). In an ironic twist, Dolton Records came calling and licensed the single for national distribution; by summer 1960, it had risen to number two in the charts, behind only "It's Now or Never" by Elvis Presley. After Howie Johnson replaced Moore on drums, the Ventures began recording their debut album, unsurprisingly titled after their hit single.

Two singles, "Perfidia" and "Ram-Bunk-Shush," hit the Top 40 during 1960-61, but the Ventures soon began capitalizing on what became a trademark: releasing LPs which featured songs very loosely arranged around a theme implied in the title. The group's fourth LP, The Colorful Ventures, included "Yellow Jacket," "Red Top," "Orange Fire" and no less than three tracks featuring the word "blue" in the title. The Ventures put their indelible stamp on each style of '60s music they covered, and they covered many -- twist, country, pop, spy music, psychedelic, swamp, garage, TV themes. (In the '70s, the band moved on to funk, disco, reggae, soft rock and Latin music.) The Ventures' lineup changed slightly during 1962. Howie Johnson left the band, to be replaced by session man Mel Taylor; also, Nokie Edwards took over lead guitar with Bob Bogle switching to bass.

One of the few LPs not arranged around a theme became their best-selling; 1963's The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull featured a cover of the number one instrumental hit by the British studio band the Tornadoes and produced by Joe Meek. Though their cover of "Telstar" didn't even chart, the album hit the Top Ten and became the group's first of three gold records. A re-write of their signature song -- entitled "Walk-Don't Run '64" -- reached number eight that year. By the mid-'60s however, the Ventures appeared to be losing their touch. Considering the volatility of popular music during the time, it was quite forgivable that the group would lose their heads-up knowledge of current trends in the music industry to forecast which songs should be covered. The television theme "Hawaii Five-O" hit number four in 1969, but the Ventures slipped off the American charts for good in 1972. Instead, the band began looking abroad for attention and -- in Japan especially -- they found it with gusto. After leaving Dolton/Liberty and founding their own Tridex Records label, the Ventures began recording albums specifically for the Japanese market. The group eventually sold over 40 million records in that country alone, becoming one of the biggest American influences on Japanese pop music ever.

Nokie Edwards left the Ventures in 1968 to pursue his interest in horse racing for a time, and was replaced by Gerry McGee; though he returned by 1972, Mel Taylor left the group that year for a solo career, to be replaced by Joe Barile. (Taylor also returned, in 1979.) By the early '80s, the Ventures' core quartet of Wilson, Bogle, Edwards, and Taylor could boast of playing together for over 20 years. Edwards left the band for good in 1984 (replaced again by Gerry McGee), and the following decades were marked by the deaths of several of the group's earliest members -- Mel Taylor died midway through a Japanese tour in 1996 (replaced by his son Leon), co-founder Bob Bogle died in 2009, and Nokie Edwards himself died in 2018 -- yet latter-day incarnations of the Ventures continued to pack venues around the world.

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Biografía del artista por John Bush
No es el primer pero definitivamente el combo instrumental de rock más popular, los Ventures marcaron varios éxitos durante los años 60 -- más notablemente "Walk-Don't Run" y "Hawaii Five-O" -- pero se hicieron un nombre en el creciente mercado de álbumes, cubriendo los éxitos del día y organizando LPs temáticamente ligados. Casi 40 álbumes de Ventures registrados, y 17 llegaron al Top 40. Y aunque la popularidad del grupo en Estados Unidos prácticamente desapareció en la década de 1970, su enorme contribución a la cultura pop estaba lejos de haber terminado; los Ventures pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares del mundo, con docenas de álbumes grabados especialmente para los mercados japonés y europeo. Hicieron giras continuas a lo largo de los años setenta y ochenta, influyendo en la música pop japonesa de la época más de lo que habían hecho con la música americana durante los años sesenta.

Los orígenes de los Ventures se encuentran en un grupo de Tacoma, Washington llamado los Impactos. Alrededor de 1959, los obreros de la construcción y los guitarristas aficionados Bob Bogle y Don Wilson formaron el grupo, tocando en el estado de Washington e Idaho con varias secciones rítmicas como apoyo. Grabaron una cinta de demostración, pero después de ser rechazada por la filial Dolton de Liberty Records, el dúo fundó su propio sello, Blue Horizon. Ellos lanzaron un sencillo vocal ("Cookies and Coke"), luego reclutaron al bajista Nokie Edwards y al baterista Skip Moore y decidieron convertirse en un grupo instrumental.

Los Ventures entraron en el estudio en 1959 con la idea de un nuevo single que habían escuchado por primera vez en el LP Hi Fi in Focus de Chet Atkins. Publicado en Blue Horizon en 1960, el sencillo "Walk-Don't Run" se convirtió en un gran éxito local después de haber sido transmitido como noticia en una estación de radio de Seattle (gracias a un amigo con conexiones). En un giro irónico, Dolton Records llegó llamando y licenciando el sencillo para su distribución nacional; para el verano de 1960, ya era el número dos en las listas de éxitos, detrás de sólo "It's Now or Never" de Elvis Presley. Después de que Howie Johnson reemplazara a Moore en la batería, los Ventures comenzaron a grabar su álbum debut, que no es de extrañar, titulado después de su exitoso sencillo.

Dos sencillos, "Perfidia" y "Ram-Bunk-Shush", llegaron al Top 40 durante 1960-61, pero los Ventures pronto empezaron a sacar provecho de lo que se convirtió en una marca registrada: el lanzamiento de LPs que contenían canciones muy poco estructuradas en torno a un tema implícito en el título. El cuarto LP del grupo, The Colorful Ventures, incluía "Yellow Jacket", "Red Top", "Orange Fire" y nada menos que tres temas con la palabra "blue" en el título. Los Ventures pusieron su sello indeleble en cada estilo de la música de los'60 que cubrieron, y cubrieron muchos: twist, country, pop, música de espías, psicodélica, pantano, garaje, temas de televisión. (En los años 70, la banda pasó al funk, la discoteca, el reggae, el soft rock y la música latina.) La alineación de los Ventures cambió ligeramente durante 1962. Howie Johnson dejó la banda, para ser reemplazado por el hombre de sesión Mel Taylor; también, Nokie Edwards se hizo cargo de la guitarra principal con Bob Bogle cambiando al bajo.

Uno de los pocos LPs no arreglados en torno a un tema se convirtió en su best-seller; The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull, de 1963, incluía una portada del éxito instrumental número uno de la banda de estudio británica Tornadoes y producida por Joe Meek. Aunque su portada de "Telstar" ni siquiera figuraba en la lista de éxitos, el álbum llegó al Top Ten y se convirtió en el primero de los tres discos de oro del grupo. Una reescritura de su canción principal, titulada "Walk-Don't Run '64", llegó al número ocho ese año. Sin embargo, a mediados de los años 60, los Ventures parecían estar perdiendo su toque. Considerando la volatilidad de la música popular durante ese tiempo, era bastante perdonable que el grupo perdiera su conocimiento de las tendencias actuales en la industria de la música para pronosticar qué canciones deberían ser cubiertas. El tema televisivo "Hawaii Five-O" llegó al número cuatro en 1969, pero los Ventures se salieron definitivamente de las listas de éxitos estadounidenses en 1972. En cambio, la banda comenzó a buscar atención en el extranjero y, especialmente en Japón, la encontraron con gusto. Después de dejar Dolton/Liberty y fundar su propio sello Tridex Records, los Ventures comenzaron a grabar álbumes específicamente para el mercado japonés. El grupo finalmente vendió más de 40 millones de discos sólo en ese país, convirtiéndose en una de las mayores influencias estadounidenses en la música pop japonesa de todos los tiempos.

Nokie Edwards dejó los Ventures en 1968 para dedicarse a las carreras de caballos por un tiempo, y fue reemplazado por Gerry McGee; aunque regresó en 1972, Mel Taylor dejó el grupo ese año para una carrera en solitario, para ser reemplazado por Joe Barile. (Taylor también regresó, en 1979.) A principios de los'80, el cuarteto principal de los Ventures, formado por Wilson, Bogle, Edwards y Taylor, podía presumir de haber tocado juntos durante más de 20 años. Edwards dejó la banda para siempre en 1984 (reemplazado de nuevo por Gerry McGee), y las décadas siguientes estuvieron marcadas por la muerte de varios de los primeros miembros del grupo - Mel Taylor murió a mitad de una gira japonesa en 1996 (reemplazado por su hijo Leon), el co-fundador Bob Bogle murió en 2009, y el propio Nokie Edwards murió en 2018 - sin embargo, las encarnaciones más recientes de los Ventures continuaron llenando las salas de conciertos en todo el mundo.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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Charlie Musselwhite • Stone Blues



 Artist Biography by Dan Forte
Harmonica wizard Norton Buffalo can recollect a leaner time when his record collection had been whittled down to only the bare essentials: The Paul Butterfield Blues Band and Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite's South Side Band. Butterfield and Musselwhite will probably be forever linked as the two most interesting, and arguably the most important, products of the "white blues movement" of the mid- to late '60s -- not only because they were near the forefront chronologically, but because they both stand out as being especially faithful to the style. Each certainly earned the respect of his legendary mentors. No less than the late Big Joe Williams said, "Charlie Musselwhite is one of the greatest living harp players of country blues. He is right up there with Sonny Boy Williamson, and he's been my harp player ever since Sonny Boy got killed." Musselwhite in particular, from the very beginning of his recording career in the early '60s, established himself as a true lineage member of an earlier generation of Delta bluesmen who made the trek to Chicago to further their careers, creating a new form of blues in the process. Musselwhite is the winner of seven Grammy awards, 27 Blues Music Awards, and is a Blues Hall of Fame inductee.

It's interesting that Williams specifies "country" blues, because, even though he made his mark leading electric bands in Chicago and San Francisco, Musselwhite began playing blues with people he'd read about in Samuel Charters' Country Blues -- Memphis greats like Furry Lewis, Will Shade, and Gus Cannon. It was these rural roots that set him apart from Butterfield, and decades later Musselwhite began incorporating his first instrument, guitar.

Musselwhite was born in Kosciusko, Mississippi in 1944, and his family moved north to Memphis, where he went to high school. He migrated to Chicago in search of the near-mythical $3.00-an-hour job (the same lure that set innumerable youngsters on the same route), and became a familiar face at blues haunts like Pepper's, Turner's, and Theresa's, sitting in with and sometimes playing alongside harmonica lords such as Little Walter, Shakey Horton, Good Rockin' Charles, Carey Bell, Big John Wrencher, and even Sonny Boy Williamson. Before recording his first album, Musselwhite appeared on LPs by Tracy Nelson and John Hammond and duetted (as Memphis Charlie) with Shakey Horton on Vanguard's Chicago/The Blues/Today series.

When his aforementioned debut LP became a standard on San Francisco's underground radio, Musselwhite played the Fillmore Auditorium and never returned to the Windy City. Leading bands that featured greats like guitarists Harvey Mandel, Freddie Roulette, Luther Tucker, Louis Myers, Robben Ford, Fenton Robinson, and Junior Watson, Musselwhite played steadily in Bay Area bars and mounted somewhat low-profile national tours. It wasn't until the late '80s, when he conquered a career-long drinking problem, that Musselwhite began touring worldwide to rave notices. He became busier than ever and continued releasing records to critical acclaim.

His two releases on Virgin, Rough News in 1997 and Continental Drifter in 2000, found Musselwhite mixing elements of jazz, gospel, Tex-Mex, and acoustic Delta blues. After signing with Telarc Blues in 2002, he continued exploring his musical roots by releasing One Night in America. The disc exposed Musselwhite's interest in country music with a cover version of the Johnny Cash classic "Big River," and featured guest appearances by Kelly Willis and Marty Stuart. Sanctuary, released in 2004, was Musselwhite's first record for Real World. After extensive touring globally, he returned to the studio for its follow-up, the back-to-basics Delta Hardware, recorded in Mississippi. The set was hard-edged and raw blues and featured one live track, the hip-shaking "Clarksdale Boogie," recorded in front of a small but enthusiastic audience at Red's Juke Joint in that very town. Musselwhite returned to Alligator in 2009 and got down to business and cut The Well in Chicago, an all-original program that featured a guest duet appearance from Mavis Staples on the track "Sad Beautiful World." The song references the murder of his 93-year-old mother during a burglary in her home.

Musselwhite met guitarist and songwriter Ben Harper, a lifelong fan, during a tour playing harmonica for John Lee Hooker; Harper's band opened those gigs. The pair got on exceptionally well -- the elder bluesman knew Harper's work. Hooker felt strongly that the two men should work together and brought them into the studio to record "Burnin' Hell" with him. The two became friends as their paths periodically crossed on the road. Ultimately, they collaborated on 2013's Get Up!; the album won the following year's Grammy for Best Blues Album. That same year, Musselwhite and his own band released the raw, kinetic Juke Joint Chapel, a collection of five originals and seven covers that many critics argued should have won the Grammy. Musselwhite followed it with the live I Ain't Lyin' in 2015. Given the success of their first collaborative effort and an ever-deepening friendship, the pair teamed again for 2018's No Mercy in This Land for Anti. Produced by Harper, its ten tracks recount both men's personal stories. The title track single appeared in January of 2018, followed by second single "The Bottle Wins Again" and the full-length in March.

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 Biografía del artista por Dan Forte
El mago de la armónica Norton Buffalo puede recordar una época en la que su colección de discos se había reducido a lo esencial: La Paul Butterfield Blues Band y retrocede! Aquí viene Charley Musselwhite's South Side Band. Butterfield y Musselwhite probablemente estarán siempre ligados como los dos productos más interesantes, y posiblemente los más importantes, del "movimiento del blues blanco" de mediados a finales de los años 60, no sólo porque estaban cerca de la vanguardia cronológicamente, sino porque ambos destacan por ser especialmente fieles al estilo. Cada uno se ganó el respeto de sus legendarios mentores. Nada menos que el difunto Gran Joe Williams dijo: "Charlie Musselwhite es uno de los mejores arpistas vivos del country blues. Está ahí arriba con Sonny Boy Williamson, y ha sido mi arpista desde que mataron a Sonny Boy". Musselwhite en particular, desde el comienzo de su carrera discográfica a principios de los años 60, se estableció como un verdadero miembro del linaje de una generación anterior de bluesmen del Delta que hizo el viaje a Chicago para avanzar en sus carreras, creando una nueva forma de blues en el proceso. Musselwhite es el ganador de siete premios Grammy, 27 premios Blues Music Awards, y es un miembro del Salón de la Fama del Blues.

Es interesante que Williams especifique el blues "country", porque, a pesar de haber dejado su huella en las principales bandas eléctricas de Chicago y San Francisco, Musselwhite comenzó a tocar blues con gente de la que había leído en Samuel Charters' Country Blues -- grandes de Memphis como Furry Lewis, Will Shade, y Gus Cannon. Fueron estas raíces rurales las que lo diferenciaron de Butterfield, y décadas más tarde Musselwhite comenzó a incorporar su primer instrumento, la guitarra.

Musselwhite nació en Kosciusko, Mississippi, en 1944, y su familia se mudó al norte, a Memphis, donde fue a la escuela secundaria. Migró a Chicago en busca del casi mítico trabajo de $3.00 la hora (el mismo señuelo que puso a innumerables jóvenes en la misma ruta), y se convirtió en una cara familiar en los sitios de blues como Pepper's, Turner's y Theresa's, sentados y a veces tocando junto a señores de la armónica como Little Walter, Shakey Horton, Good Rockin' Charles, Carey Bell, Big John Wrencher, e incluso Sonny Boy Williamson. Antes de grabar su primer álbum, Musselwhite apareció en LPs de Tracy Nelson y John Hammond y a dúo (como Memphis Charlie) con Shakey Horton en la serie Chicago/The Blues/Today de Vanguard.

Cuando el mencionado LP de debut se convirtió en un estándar en la radio subterránea de San Francisco, Musselwhite tocó en el Fillmore Auditorium y nunca regresó a la Ciudad de los Vientos. Bandas líderes que presentaron a grandes figuras como los guitarristas Harvey Mandel, Freddie Roulette, Luther Tucker, Louis Myers, Robben Ford, Fenton Robinson y Junior Watson, Musselwhite tocaron constantemente en los bares del área de la bahía y montaron giras nacionales de bajo perfil. No fue hasta finales de los años 80, cuando conquistó un problema con la bebida, que Musselwhite comenzó a viajar por todo el mundo para llamar la atención. Se puso más ocupado que nunca y continuó publicando discos que fueron aclamados por la crítica.

Sus dos lanzamientos en Virgin, Rough News en 1997 y Continental Drifter en 2000, encontraron Musselwhite mezclando elementos de jazz, gospel, Tex-Mex y blues acústico Delta. Después de firmar con Telarc Blues en 2002, continuó explorando sus raíces musicales con el lanzamiento de One Night in America. El disco expuso el interés de Musselwhite por la música country con una versión cover del clásico de Johnny Cash "Big River", y contó con la participación de Kelly Willis y Marty Stuart como invitados. Sanctuary, lanzado en 2004, fue el primer disco de Musselwhite para Real World. Después de una extensa gira por todo el mundo, regresó al estudio para su seguimiento, el regreso a los fundamentos de Delta Hardware, grabado en Mississippi. El set era hardedged y blues crudo y contenía un tema en vivo, el "Clarksdale Boogie", grabado frente a una pequeña pero entusiasta audiencia en Red's Juke Joint en esa misma ciudad. Musselwhite regresó a Alligator en 2009 y se puso manos a la obra y cortó The Well in Chicago, un programa totalmente original que incluía una aparición a dúo de Mavis Staples en el tema "Sad Beautiful World". La canción hace referencia al asesinato de su madre de 93 años durante un robo en su casa.

Musselwhite conoció al guitarrista y compositor Ben Harper, un fanático de toda la vida, durante una gira tocando la armónica para John Lee Hooker; la banda de Harper abrió esos conciertos. La pareja se llevaba excepcionalmente bien, el bluesista mayor conocía el trabajo de Harper. Hooker estaba convencido de que los dos hombres debían trabajar juntos y los trajo al estudio para grabar "Burnin' Hell" con él. Los dos se hicieron amigos cuando sus caminos se cruzaban periódicamente en el camino. Finalmente, colaboraron en Get Up! de 2013; el álbum ganó el Grammy al año siguiente por Mejor Álbum de Blues. Ese mismo año, Musselwhite y su propia banda lanzaron la cruda y cinética Juke Joint Chapel, una colección de cinco originales y siete versiones que muchos críticos argumentaban que deberían haber ganado el Grammy. Musselwhite lo siguió con el Live I Ain't Lyin' en 2015. Dado el éxito de su primer esfuerzo de colaboración y una amistad cada vez más profunda, la pareja se unió de nuevo para el 2018's No Mercy in This Land for Anti. Producida por Harper, sus diez temas relatan las historias personales de ambos hombres. El single con el título de la canción apareció en enero de 2018, seguido por el segundo sencillo "La botella gana de nuevo" y el largometraje en marzo.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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