Regina Carter • Paganini After a Dream

The title of this project is aptly-named. Regina Carter, a Detroit-born, classically-trained jazz violinist, traveled to Genoa, Italy in December, 2001, and performed on Paganini’s legendary Guarneri violin nicknamed “the Canon.” After winning the hearts of the skeptical Italians, with armed gunmen surveying her every move, Carter played flawlessly, and became the first jazz musician and African-American to the play the instrument. The next year, Carter returned to Genoa, recorded on Paginini’s violin and performed a pleasing program of crossover-friendly light classics, South American compositions, a movie tune, and original works. Produced and arranged by Jorge Calandrelli and Ettore Strata, and backed by a combo led by pianist Werner “Vana” Gierig, the selections, while not exactly groundbreaking, successfully show off Carter’s impeccable and soulful playing, and the violin’s rich and reverent tones. An 18-piece orchestra supports Carter on Ravel’s “Pavane pour une infante defunte,” Piazzolla’s “Oblivion,” and Ennio Morrricone’s Cinema Paradiso theme. Borislav Strulev’s cello co-stars on Luiz Bonfa’s “Black Orpheus (Manha de Carnaval)” and Faure’s “Apres un reve.” For Debussy’s “Reverie,” Carter delivers some straight-ahead swing. In sum: She came, she saw, she conquered and, she swung. –Eugene Holley, Jr.

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El título de este proyecto es muy apropiado. Regina Carter, una violinista de jazz nacida en Detroit y con formación clásica, viajó a Génova (Italia) en diciembre de 2001 y actuó con el legendario violín Guarneri de Paganini, apodado "el Canon". Tras ganarse el corazón de los escépticos italianos, con hombres armados vigilando cada uno de sus movimientos, Carter tocó de forma impecable y se convirtió en el primer músico de jazz y afroamericano en tocar el instrumento. Al año siguiente, Carter regresó a Génova, grabó con el violín de Paginini e interpretó un agradable programa de clásicos ligeros, composiciones sudamericanas, una melodía de película y obras originales. Producido y arreglado por Jorge Calandrelli y Ettore Strata, y respaldado por un combo dirigido por el pianista Werner "Vana" Gierig, las selecciones, aunque no son precisamente rompedoras, muestran con éxito la impecable y conmovedora forma de tocar de Carter, y los ricos y reverentes tonos del violín. Una orquesta de 18 músicos apoya a Carter en la "Pavane pour une infante defunte" de Ravel, "Oblivion" de Piazzolla y el tema Cinema Paradiso de Ennio Morrricone. El violonchelo de Borislav Strulev es coprotagonista de "Black Orpheus (Manha de Carnaval)" de Luiz Bonfa y "Apres un reve" de Faure. Para "Reverie" de Debussy, Carter ofrece un swing directo. En resumen: Llegó, vio, conquistó y se columpió. -Eugene Holley, Jr.

reginacarter.com ...

Stan Getz • At Birdland 1961

 

Reviews:

"Stan Getz At Birdland 1961 (Fresh Sound 741) is a special treat for the music is being released for the first time. After two years living in Europe, Getz had just returned to the U.S. and his Jazz Samba bossa nova album had not been released yet. He is teamed with three musicians who had associations with John Coltrane: pianist Steve Kuhn (McCoy Tyner's predecessor with 'Trane), bassist Jimmy Garrison and drummer Roy Haynes (who was Elvin Jones' main sub). While the recording quality of these broadcasts is not flawless, it is decent and the beauty of Getz's luscious tone comes through. He alternates uptempo material with ballads, sounding beautiful and creative throughout."
Scott Yanow -Jazz Around Town, May 2013
Los Angeles Jazz Scene



"If theres anyone with a more gorgeous tone than Stan Getz, would you please let me know? If todays artists sounded even 33 1/3 as much as he did, Id be content. What weve got here is an extremely rare pair of concerts from November of 1961 in NYC, when Getz had just returned from his 2 year European exile. Hes with an incredible team of Steve Kuhn/p, Jimmy Garrison/b (fresh from Coltrane?!?) and Roy Haynes/dr and they are full of vim on an hour long set. Getz sounds like hes got something to prove on fiery, frenetic and frantic takes of Airgin and Woodyn You. A pair of ballads like Autumn Leaves and Yesterdays Gardenias show the lighter side. The ONLY caveat on this essential disc is that the recording on the first four songs are a bit rough on the lower end (bass and bass drum) making the sound quality a bit of a test at times. For Getz freaks, its a bridge worth crossing."
George W. Harris -May 13, 2013
www.jazzweekly.com

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Reseñas:

"Stan Getz At Birdland 1961 (Fresh Sound 741) es un regalo especial ya que la música se edita por primera vez. Después de dos años viviendo en Europa, Getz acababa de regresar a los EE.UU. y su álbum Jazz Samba bossa nova aún no había sido publicado. Forma equipo con tres músicos que se habían asociado con John Coltrane: el pianista Steve Kuhn (predecesor de McCoy Tyner con 'Trane), el bajista Jimmy Garrison y el batería Roy Haynes (que fue el principal sustituto de Elvin Jones). Aunque la calidad de grabación de estas emisiones no es impecable, es decente y se aprecia la belleza del exquisito tono de Getz. Alternó material uptempo con baladas, con un sonido bello y creativo en todo momento".
Scott Yanow -Jazz Around Town, mayo de 2013
Escena de jazz de Los Ángeles



"Si hay alguien con un tono más magnífico que Stan Getz, ¿podría hacérmelo saber? Si los artistas de hoy en día sonaran aunque fuera 33 1/3 como él, me daría por satisfecho. Lo que tenemos aquí es un par de conciertos extremadamente raros de noviembre de 1961 en Nueva York, cuando Getz acababa de regresar de su exilio europeo de 2 años. Está con un equipo increíble de Steve Kuhn/p, Jimmy Garrison/b (¿¡recién salido de Coltrane!?) y Roy Haynes/dr y están llenos de brío en un set de una hora de duración. Getz suena como si tuviera algo que demostrar en las fogosas, frenéticas y frenéticas tomas de Airgin y Woodyn You. Un par de baladas como Autumn Leaves y Yesterdays Gardenias muestran su lado más ligero. La ÚNICA advertencia sobre este disco esencial es que la grabación de las cuatro primeras canciones es un poco áspera en el extremo inferior (bajo y bombo), lo que pone a prueba la calidad del sonido en algunos momentos. Para los fanáticos de Getz, es un puente que merece la pena cruzar".
George W. Harris -13 de mayo de 2013
www.jazzweekly.com 

www.freshsoundrecords.com ...

Johnny Griffin • Masters Of Jazz, Vol. 7

 

American tenor-saxophonist Johnny Griffin earned the title “Fastest tenor in the West” in the 1950s and it’s obvious why from the great tracks on this CD. *”The Little Giant is in his element here - playing to enthusiastic audiences on these three sessions in Copenhagen’s Montmartre and Slukefter clubs, stretching out on some of his favourite compositions by J. J. Johnson, Diz, Lester Young, Monk and Gene Ammons & Sonny Stitt, enjoying two highly exuberant outings with his old Tough Tenors partner Eddie “Lockjaw” Davis and getting excellent support throughout from the rhythm sections” - * from the new liner notes by Mike Hennessey.

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El tenor-saxofonista estadounidense Johnny Griffin se ganó el título de "Tenor más rápido del Oeste" en la década de 1950 y es obvio por qué en las grandes pistas de este CD. *El Pequeño Gigante está en su elemento aquí - tocando para un público entusiasta en estas tres sesiones en los clubes Montmartre y Slukefter de Copenhague, extendiéndose en algunas de sus composiciones favoritas de J. J. Johnson, Diz, Lester Young, Monk y Gene Ammons & Sonny Stitt, disfrutando de dos salidas muy exuberantes con su viejo compañero de los Tough Tenors Eddie "Lockjaw" Davis y obteniendo un excelente apoyo en todo momento de las secciones rítmicas" - * de las nuevas notas de presentación de Mike Hennessey.

Jimmy Smith • The Boss

Review by Anthony Tognazzini
This live date captures Hammond organ master Jimmy Smith, guitarist George Benson, and drummer Donald Bailey performing in 1968 for a fun-loving crowd at an intimate club in Atlanta, Georgia. As per usual with Smith, the fare is bluesy soul-jazz par excellence, with a warm feeling reminiscent of Sunday church meetings and backyard barbecues. But where many of Smith's albums pack a funky wallop suitable for dancefloor workouts, The Boss hangs back a bit, grooving smoothly along blues progressions that allow Benson and Smith to stretch out. The trio setting abets the reserved vibe here; there is an almost chamber-jazz feel at times, as Smith and Benson trade leads, while Bailey keeps the ship steady. Smith's mastery of the keys unfurls itself in flurries of activity (especially on the swirling clouds of sound on the title cut), and Benson's beautifully phrased solos remind listeners that he was a fine, straight-up jazz player (before moving into commercial pop in the later '70s and '80s). While not as hot and sweaty as some of Smith's output, The Boss' grooves are no less admirable (or intense) for their measure and grace.
https://www.allmusic.com/album/the-boss-mw0000209259

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Reseña de Anthony Tognazzini
Esta cita en vivo captura al maestro del órgano Hammond Jimmy Smith, al guitarrista George Benson y al baterista Donald Bailey actuando en 1968 para un público amante de la diversión en un club íntimo de Atlanta, Georgia. Como es habitual en Smith, el plato es el soul-jazz bluesero por excelencia, con un sentimiento cálido que recuerda a las reuniones dominicales en la iglesia y a las barbacoas en el patio trasero. Pero donde muchos de los álbumes de Smith tienen un toque funky adecuado para los entrenamientos en la pista de baile, The Boss se queda un poco más atrás, siguiendo las progresiones del blues que permiten a Benson y Smith estirarse. La configuración del trío favorece la vibración reservada aquí; a veces hay una sensación casi de jazz de cámara, ya que Smith y Benson llevan la delantera en el comercio, mientras que Bailey mantiene el barco firme. El dominio de los teclados por parte de Smith se despliega en ráfagas de actividad (especialmente en las nubes de sonido arremolinadas del corte del título), y los solos bellamente fraseados de Benson recuerdan a los oyentes que era un excelente y directo músico de jazz (antes de pasar al pop comercial a finales de los 70 y 80). Aunque no son tan calientes y sudorosos como algunos de los trabajos de Smith, los ritmos de The Boss no son menos admirables (o intensos) por su medida y gracia.
https://www.allmusic.com/album/the-boss-mw0000209259

 

 

 

Skip James • Ten Songs For You

 

Biography by Cub Koda
Among the earliest and most influential Delta bluesmen to record, Skip James was the best-known proponent of the so-called Bentonia school of blues players, a genre strain invested with as much fanciful scholarly "research" as any. Coupling an oddball guitar tuning set against eerie, falsetto vocals, James' early recordings could make the hair stand up on the back of your neck. Even more surprising was when blues scholars rediscovered him in the '60s and found his singing and playing skills intact. Influencing everyone from a young Robert Johnson (Skip's "Devil Got My Woman" became the basis of Johnson's "Hellhound on My Trail") to Eric Clapton (who recorded James' "I'm So Glad" on the first Cream album), Skip James' music, while from a commonly shared regional tradition, remains infused with his own unique personal spirit.
https://www.allmusic.com/artist/skip-james-mn0000017137#biography

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Biografía de Cub Koda
Skip James fue uno de los primeros y más influyentes músicos de blues del Delta en grabar, y el más conocido de la llamada escuela Bentonia de músicos de blues, una corriente de género con tanta «investigación» erudita como cualquier otra. Las primeras grabaciones de James, en las que combinaba una extraña afinación de la guitarra con una inquietante voz en falsete, podían erizar el vello de la nuca. Aún más sorprendente fue cuando los estudiosos del blues lo redescubrieron en los años 60 y descubrieron que sus habilidades como cantante y músico estaban intactas. Influenciando a todo el mundo, desde un joven Robert Johnson (la canción de Skip «Devil Got My Woman» se convirtió en la base de «Hellhound on My Trail» de Johnson) hasta Eric Clapton (que grabó «I'm So Glad» de James en el primer álbum de Cream), la música de Skip James, aunque procede de una tradición regional comúnmente compartida, sigue impregnada de su espíritu personal único.
https://www.allmusic.com/artist/skip-james-mn0000017137#biography