egroj world: junio 2014

lunes, 30 de junio de 2014

Sidney Bechet • Vogue V5014-V5042 [singles]

Añejo vinilo ...

1 Bechet Creole blues (Sidney Bechet) 3:07
2 Anita birthday (Sidney Bechet) 2:39
Vogue V5014 v3017/8
3 Porter love song (Waller) 3:22
4 You rascal you (Theard) 2:57
Vogue V5142 52 v.4336/4340

Les Alligators • Rockabillygator

Dibujos de muebles y otros objetos principios s.19, pdf

Collection de meubles et objets de goût comprenant.
Son 8 tomos con más de 400 páginas de dibujos de muebles, carruajes, decoración y otros.

Formato pdf / 111 MB

Pintura China - Paisajismo, 300 imágenes

Reseña en inglés:
Chinese people always have awe to the landscape, considering the great universe with unlimited wonders. Chinese landscape paintings present not only the colorful natural beauty, but Chinese people’s natural view and aesthetics. Also the paintings express social life indirectly. “Chinese Landscape Paintings” is divided into three volumes, containing more than 300 paintings covering Sui and Tang Dynasties, Five Dynasties, Northern and Southern Song Dynasties, Yuan Dynasty, Ming Dynasty, and Qing Dynasty.

Formato pdf - 340 pág. / 90MB / idioma: chino

Booker T. & The MG's • And Now

And Now! was the third studio album released by southern soul band Booker T & The MGs, released in November 1966. It is notable as the first MGs album featuring bassist Duck Dunn on every track. “My Sweet Potato” was the only track released as a single with the non album cut “Booker Loo” as its B-side. “Summertime” was released in 1967 as the B-side to the song “Hip Hug-Her”.

Year: 1966 / 35:86

“My Sweet Potato” (Steve Cropper, Booker T. Jones, Al Jackson, Jr.) - 2:47
“Jericho” (Traditional) - 2:37
“No Matter What Shape (Your Stomach's In)” (Granville Burland) - 3:01
“One Mint Julep” (Rudy Toombs) - 3:05
“In the Midnight Hour” (Steve Cropper, Wilson Pickett) - 2:58
“Summertime” (George Gershwin, Ira Gershwin, Dubose Heyward) - 4:41
“Working in the Coal Mine” (Lee Dorsey, Allen Toussaint) - 2:42
“Don’t Mess up a Good Thing” (Oliver Sain) - 2:44
“Think” (Lowman Pauling) - 2:58
“Taboo” (Bob Russell, Margarita Lecuona) - 4:25
“Soul Jam” (Cropper, Donald "Duck" Dunn, Jones, Jackson) - 3:05
“Sentimental Journey” (Les Brown, Bud Green, Ben Homer) - 3:13

Steve Cropper – guitar
Booker T. Jones – organ, bass guitar, guitar, keyboards
Donald "Duck" Dunn – electric bass
Al Jackson, Jr. – drums

The Jazz Crusaders • Live At The Lighthouse

Review by Scott Yanow
Because the Jazz Crusaders in the early '70s dropped the "Jazz" from their name and later in the decade veered much closer to R&B and pop music than they had earlier, it is easy to forget just how strong a jazz group they were in the 1960s. This CD reissues one of their rarer sessions, augmenting the original seven-song LP program (highlighted by "Blues Up Tight," "Doin' That Thing," and "Milestones" with previously unissued versions of "'Round Midnight" and John Coltrane's "Some Other Blues." the Jazz Crusaders (comprised of tenor saxophonist Wilton Felder, trombonist Wayne Henderson, pianist Joe Sample, drummer Stix Hooper, and, during this period, bassist Leroy Vinnegar) are heard in prime form. Felder shows the strong influence of Coltrane, Henderson recalls J.J. Johnson, Sample displays the most originality and the quintet on a whole (with its tenor-trombone frontline) sounds quite distinctive. An excellent set of primarily straight-ahead (but soulful) jazz.

A1 Aleluia
A2 Blues Up Tight
A3 You Don't Know What Love Is
A4 Miss It
B1 Scratch
B2 Doin' That Thing
B3 Milestones

Bass – Leroy Vinnegar
Drums – Stix Hooper
Piano – Joe Sample
Tenor Saxophone – Wilton Felder
Trombone – Wayne Henderson

recorded live at: The Lighthouse, Hermosa Beach, California on January 14-16, 1966.

107 MB / mp3-320Kbps

Johnny 'Hammond' Smith • Dirty Grape

Review by Richie Unterberger
On this pleasant but moderately by-numbers set of late 1960s soul-jazz, Smith leads a combo whose most notable member is tenor saxophonist Houston Person. On the original numbers (Smith and guitarist Wally Richardson contribute two apiece), they sound rather like a jazzy Booker T. & the MG's. Also included are covers of R&B and pop tunes: "Hi Heel Sneakers" is a predictable treatment with no surprises, but Smith pulls out more stops on the funky arrangement of "To Sir With Love" and offers a spirited take on Lou Rawls' "Love Is a Hurtin' Thing." These interpretations have the sly ingenuity characteristic of Smith's cover-stuffed Soul Flowers album, which he cut just four months before this session with the same supporting cast. Dirty Grape is now available in its entirety on Prestige's CD of Soul Flowers, which puts both LPs onto one disc.

Born in Louisville, Kentucky, Johnny ‘Hammond’ Smith began playing piano at age five. Growing up to influences such as Oscar Peterson, Charlie Parker, Lionel Hampton, Arthur Rubenstein, Gershwin, etc., Johnny sought to bring a new dimension to jazz piano.
Forming his first professional group at age twelve, he knew exactly what he wanted to present and how to present it. Since then he has recorded dozens of albums under his own name and even more as a guest artist, awarding him the acclaim as one of the top jazz organist record sellers in the world. He has taken the keyboard into a new realm via exciting performance and fluent technique. A true stylist and innovator of the jazz tradition, he has been a featured artist at Concerts by the Sea, the Lighthouse, the Dorothy Chandler Pavilion, the Hollywood Bowl, and the Hollywood Palladium. He has also toured outside of the U.S. in such countries as France, Japan, Spain, Canada, Germany, England, Italy, Sweden, and numerous others.
In addition to the many places he has toured, Johnny has also toured and recorded with many top performers such as George Benson, Grover Washington, Jr., and Ron Carter, to name a few. Many see Johnny as one of the founders of today’s jazz sound.
Johnny was a key part in bringing the Hammond organ from gospel into jazz, but that is not why ‘Hammond’ is in his name: “I was working at Prestige Records in 1959,” Johnny said, “and there was already a Jimmy Smith and a Johnny Smith. So a producer gave me the name ‘Hammond’ to distinguish me from the two; and I’ve had it ever since…but I don’t mind.”
Other than recording and performing, Johnny has also focused his talent in the areas of writing music, prose, and poetry. He has also worked as an executive at CTI records.
Johnny is currently spending his ‘temporary retirement’ teaching privately and at a California University to young musicians with a “desire to learn, just as I had.” Although he receives the most satisfaction and fulfillment now in writing, he still very much enjoys helping young artists and, of course, playing.
The future for Johnny Hammond Smith shines with a “brightness on the horizon.” Johnny foresees much success in the area of music composition, hoping to be a pioneer to another generation of young artists and another era of music.
Johnny passed away at home in Hesperia, California in 1997 (Other bios indicate his death in Chicago, which is erroneous. He played the Charles Earland Organ Summit in Chicago only days before his death, but did not pass away there.)
Billboard Magazine’s Obit, from August 9, 1997, page 30:
Johnny “Hammond” Smith, a highly skilled organist who came to prominence in the 1960?s, died of cancer June 4 in Victorville, Calif. Known for his deep blues feeling on the Hammond B-3 organ, he recorded for Prestige for most of the decade. One of his classic discs is 1969 “Soul Talk.” Smith was 64 years old.

Blue Harlem • Hot News!

Blue Harlem have been widely regarded as one of the top swing/jump-blues bands on the London scene for over 15 years. They have become regular favourites at venues such as the world famous Ronnie Scott's, The100 Club, The Hippodrome, Hideaway, Jitterbugs and many, many more.
They enjoy an international reputation - 2007 found them launching the 4th International Film Festival of Dubai and in 2008, they were personally invited by Baz Luhrmann to perform for the launch of his 1940's blockbuster movie ‘Australia’.
They have been invited on three separate occasions to perform at Highgrove House charity balls for the Prince’s Trust. They have an enviable reputation as a party band, having played for society soirees all over the UK - including Buckingham Palace, Annabel’s, The Sands Venue and Burgh Island. They also regularly perform abroad, appearing at jazz festivals in Spain, Norway, Belgium and Germany.
Blue Harlem launched the career of rising star Imelda May, and are now proud to feature as their vocalist the sensational Sophie Shaw. Blue Harlem is led by Al Nicholls on Tenor Sax and features Paul Eldridge on Piano, Sandy Burnett on Double Bass, Sam Brown on Drums, Gethin Liddington on trumpet and Horace Cardew on Baritone Sax.
01. I Ain't Getting Any Younger (02:54)
02. Harry Diamond (04:05)
03. Fever (03:40)
04. Soul on Fire (04:06)
05. Jump Jack Jump (03:05)
06. I Love to Ride (03:16)
07. Hot News (04:48)
08. Meglio Stasera (03:23)
09. Ain't Nobody's Business If I Do (04:34)
10. Mr. Pleaser (04:12)
11. Teach Me Tonight (03:48)
12. Swing Brother Swing (03:11)
13. Fess Up (04:11)
14. Diamonds Are a Girl's Best Friend (03:47)

Year Of Release: 2011
  Total Time: 00:53:06
  123 MB / 320 Kbps

domingo, 29 de junio de 2014

Frank Frost • Harpin' On It

Review by Stephen Thomas Erlewine
WestSide's 13-track collection Harpin' on It: The Complete Jewel Recordings compiles all of the songs Frank Frost cut for the Louisiana label in the mid-'60s. While these sides aren't as down-and-dirty as his earlier material for Sun, they're still enjoyable, revved-up juke joint blues. If anything, he stretches the form a little bit here, getting a little funkier with the rhythms, a little rockier in the guitar, and all the production sounds a bit more modern, more like the mid-'60s (which, ironically enough, means it doesn't sound as timeless as his earlier recordings). Throughout it all, Frost's great harp is front and center, and his playing is always first-rate, even when the material is a little pedestrian. Fortunately, he hit the mark more often than not while on Jewel -- most notably on instrumentals, plus the great Slim Harpo takeoff, "My Back Scratcher" -- which is why this is worth hearing.

1. My Back Scratcher 2:39
2. Harp And Soul 2:54
3. Pocket Full Of Money 2:23
4. Things To Do 2:32
5. Harpin' On It 2:57
6. Five Long Years 3:34
7. Ride With Your Daddy Tonight 2:37
8. Got My Mojo Working 2:50
9. Feel Good Babe 2:29
10. Janie On My Mind 3:22
11. Never Leave Me At Home 2:24
12. Didn't Mean No Harm 3:59
13. Pretty Baby 2:15

Label: Westside Records Release Date: Jun 26, 2002

85 MB / mp3-320Kbps

The Treniers • Rockin' Is Our Bizness

The Treniers son, indudablemente, uno de los primeros (si no el primero), auténticos grupos autónomos de rock and roll. También son, probablemente, los más longevos entertainers en activo en el showbiz. Entre los más agudos observadores, ellos permanecen como el único grupo de pioneros de Jump Blues que no sólo prosperaron cuando el resto del mundo se subió al carro de su material Rock'n'Roll (unos diez años después de iniciarlo) sino que continuaron prosperando en décadas posteriores como un grupo de éxito lejos de las típicas actuaciones de hotel. El grupo ha sobrevivido a los interminables ciclos de tendencias pop, no a pesar de su resistencia a cambiar, sino precisamente por eso. Las actuaciones de The Treniers son hoy tan vitales e hipnóticas como lo eran en la época en que ayudaron a crear el Rock'n'Roll. Me gusta pensar que han estado demasiado ocupados divirtiéndose como para percatarse de ello.

Gemelos idénticos, Claude y Cliff Trenier nacieron en una familia muy musical en Mobile, Alabama, un 1q4 de Julio de 1919. En 1939 empezaron a acudir a la Alabama State, pero los estudios no desviaron su amor por la música. Montgomery era entonces un semillero de talento musical y los gemelos pronto se pusieron a actuar con colegas como Joe Newman, el saxofonista Don Hill (que todavía sigue con el grupo hoy), y el pianista Gene Gilbeaux. Después de dejar la escuela, y después de que la IIª Guerra Mundial los alejara de la música durante un tiempo, regresaron. Claude inició una estancia con la imperecedera Jimmie Lunceford Orchestra, llevándose a Cliff para grabar "Buzz Buzz Buzz" (que aparece en la reedición de Dr. Horse, You're Killin' Me) y el propio Claude prestó su voz para unas cuantas leyendas del jazz. En 1945 Claude tuvo un año de éxito ocupando plaza en el Melody Club y después reemplazó al genial (pero malhablado) Wynonie Harris en el Club Alabam. Los gemelos, sin embargo, eran inseparables y se unieron enseguida y, finalmente, echaron mano de Gene Gilbeaux, que se convirtió en el arreglista de la banda, y Don Hill acompañando desde la cortina.
Estos artistas fueron conocidos primero como “The Trenier Twins and the Gene Gilbeaux Orchestra”, después como The Trenier Twins y, finalmente, como The Treniers. Habían nacido, con toda seguridad, pateando y aullando. Firmaron su primer contrato discográfico hace más de medio siglo con Mercury Records; rápidamente se forjaron una reputación, sobre todo por sus frenéticos movimientos en escena y también por su propia música. Aunque Claude y Cliff fueran innegablemente los protagonistas al frente, la banda al completo se meneaba en perfecta sincronía, como siameses quíntuples conectados por un sencillo interruptor. Ágiles como una serpiente, más salvajes que una hiena, el grupo era una permanente máquina móvil. Por lo tanto, ¿cómo no moverse cuando The Treniers están en tu aparato stereo, tu TV o, si eres lo bastante afortunado, en escena, en vivo y ante tus ojos? El ritmo y la alegría que generan, es contagiosa.
A principios de los 50 empezó en auténtico apogeo de The Treniers. En unión de su hermano mayor Buddy y del más joven Milt, firmaron con el legendario sello OKeh, produciendo una notable cadena de lados Rock'n'Roll estremecedores, cada uno de ellos extraordinario en términos de calidad, cuando no también de ventas. Se ha dicho que The Treniers no podían trasladar toda la energía que desplegaban en sus actuaciones en vivo, a sus grabaciones en estudio, pero lo que nos legaron fueron algunos de los mejores momentos del Rock'n'Roll que se hayan hecho nunca. "Rockin' Is Our Business", "Rockin' On Saturday Night" y "It Rocks, it Rolls, it Swings!", todos ellos son evidencias de su facilidad para el rock’n’roll.
La celebración a la bebida en "Hadacol (That's All)", el “horniness” de "Poon-Tang!" («Poon is a hug! Tang is a kiss! Uh, yeah...») y la audaz letra en el clásico "(Uh Oh) Get Out Of The Car" (copiada por Richard "Louie Louie" Berry y Sammy Davis, Jr.), fueron todas hechas en clave de alegría, pero fueron los comienzos de una revolución que, afortunadamente, fue televisada. Tomando prestado lo que aprendieron de aritstas con los que habían trabajado y admirado como Louis Jordan, Amos Milburn, Wynonie Harris, Roy Brown y Jimmie Lunceford, The Treniers añadieron su toque personal e inimitable e hicieron prácticamente de todo de cualquier forma imaginable. La expresión “Rock and Roll” era todavía más conocida como una metáfora sexual y The Treniers se encargaron de llevarla al climax.
Otros artistas recogerían pronto los frutos de las semillas que otros habían sembrado, pero The Treniers se encontraron por derecho propio en una posición muy respetable, visible hacia 1956, pese a su marcha de OKeh Records. Alcanzaron una audiencia más amplia a través de varios programas de televisión, entre ellos los de Jackie Gleason y Red Skelton, y a través de algunas películas como “Don't Knock the Rock” y “The Girl Can't Help It”, que son hoy sus interpretaciones más conocidas. En la primera, The Treniers aparecieron con Alan Freed, (que había sido honrado por The Treniers con un tema que sirvió de sintonía para algunos de sus programas) y junto a Little Richard y Bill Haley. Para aquellos que reconocen el lugar de Haley como una de las puntas de lanza del rock’n’roll con "Rock Around The Clock", existe otro linaje directo entre The Treniers y el nacimiento del rock’n’roll.
Haley, que había visto las actuaciones de The Treniers en New Jersey cuando él era todavía un artista country con The Saddlemen, «y no era nadie» como dice Claude, se vio influido significativamente por su sonido y su show. En “Don't Knock The Rock”, la interpretación explosiva y alocada de "Rockin' On Saturday Night" a cargo de The Treniers, repleta de palmadas y chasquidos de dedos es, a la vez, provocativa y surrealista. Pero la incluso más bufona, "Out Of The Bushes", se lleva el premio. Junto al guaperas de Milt, con su casi robótica afectación, Claude y Cliff hold court in bughouse square, each attempting to outdo the other in sheer craziness, even resorting (before even some parents of the Lallapaloser Nation were born) to stage diving! The song itself, more or less a word of warning from a stalker, ("Something's gonna jump out of the bushes and grab you..." is an outrageous combination of some more complicated Jazzy sequences and The Treniers' own brand of contagious humor. It even spawned one purely novelty version by Joe Besser soundalike Crazy Otto. "It was big in Guam," Claude jokes today.
Su momento cinematográfico culminante llegó en forma de “The Girl Cant Help It”, la película sobre rock’n’roll más grande de todos los tiempos. En primoroso Technicolor y sonido estereofónico, The Treniers interpretaron una auténtica locura, "Rockin' Is Our Business", entonces su canción emblemática y con la que todavía abren sus actuaciones. Incluidos en un “package”, entre una pléyade de estrellas que incluían a Little Richard, Julie London, Gene Vincent, Eddie Cochran, Fats Domino, Abbey Lincoln y The Platters, The Treniers still stand out like Jayne Mansfield's Double D's! Únicamente Little Richard podía tener posibilidades de superarles por su fastuosidad y convicción, pero también porque tuvo la oportunidad de hacer ¡tres! canciones.
A finales de los 50 el rock'n'roll estaba en llamas, no de gloria sino de defunción, escándalos y confusión personal. Alan Freed fue crucificado por escándalos de payola. Dick Clark, inexplicablemente, eludió un destino parecido, aunque empezara programando disco tanmalos, que el propio Freed no se hubiera molestado en pagar por ellos. Clark se convirtió en el nuevo líder del movimiento, mientras Freed murió en la ruina. A los que quedaron vivos no les fue mucho mejor. The Treniers estaban incluidos en la desgraciada gira de Jerry Lee Lewis por Inglaterra, y donde se destrozó a sí mismos al hacer público su matrimonio con su prima adolescente. «¡Qué falsedad tan enorme!», señala Claude. ¿Dónde podían refugiarse The Treniers en los albores de una época de teen idols que no sabían hacer rock’n’roll aunque les partieran la cabeza? ¿Puedes creerlo? ¡Las Vegas!
Una vez que el humo dejó paso a una mejor visión, The Treniers se encontraron funcionando bien en el circuito Las Vegas - Atlantic City. Milt les había dejado por entonces para intentar una carrera por cuenta propia, grabando algunos lados muy fuertes con una voz baritonal no muy diferente de la de Screamin' Jay Hawkins. Su sobrino Skip, también poseído por una buena colección de instrumentos de viento, y de buen aspecto que era capaz de que las damas giraran la cabeza, ocupó el puesto de Milt y sigue con el grupo hasta el el día de hoy. Rock’n’roll y Las Vegas habían sido hasta ese momento compañeros extraños. Incluso Elvis fracasó en Las Vegas en su primera aparición en 1956. Pero The Treniers supieron anticipar que los patrones no sólo querían un espectáculo, sino el sol, la luna y las estrellas también, y The Treniers estaban allí para dárselas. Louis Prima ya había demostrado que se podía rockear en Sin City (la ciudad del pecado) y no morir de hambre. Aunque sus primos lejanos, los componentes del Rat Pack (excepto Sammy al que le gustaba cualquier cosa que sonara hip) menospreciaran al rock'n'roll calificándolo como una moda pasajera, Prima escenificó su regreso incorporando sus ritmos en sus actuaciones. Con carisma y versatilidad (dominaban perfectamente cada estilo imaginable de pop de la época) The Treniers, junto a Prima y su compañero Sam Butera, fueron los únicos artistas que hicieron rock’n’roll en Las Vegas y Atlantic City con clase y sin compromiso. Para cuando otros intérpretes de rock'n'soul fueron ganando aceptación a principios de los 70, ellos ya se habían consolidado. Una de aquellas figuras fue Elvis Presley que cuando conoció a The Treniers les dijo que cuando era chico él había aprendido "Good Rockin' Tonight" a partir de su versión, la de los Treniers.
Su hermano Milt abrió un lounge de tipo más swing en la ciudad de la que era su esposa, Chicago. Contrata a la banda dos veces al año entre sus compromisos en Las Vegas y Atlantic City, aunque sus visitas a la Windy City (ciudad de los vientos) han sido más esporádicas desde que el aura de Atlantic City haya perdido intensidad en años recientes. A lo largo de los años han compartido escenario con tipos como Sinatra, Sammy Davis, Jr. y Bill Cosby. Cosby se encariñó de tal forma con Cliff que llamó a su personaje televisivo, Heathcliff Huxtable, después de conocerle. Su éxito en Las Vegas ha sido fenomenal e incluso recientemente, contra todo pronóstico, han conquistado el “Las Vegas Entertainers of the Year” unas cuantas veces.
El grupo mantenía una longevidad notable y parecía indestructible pero, desgraciadamente, hace catorce años llegó un recordatorio de nuestra propia fragilidad. En 1983, Cliff Trenier falleció. Claude tuvo que enfrentarse entonces a, probablemente, la decisión más importante de su vida. ¿Debía dejar el grupo o debería conducirlo en memoria de Cliff? La obligación era tan fuerte entre estos gemelos, que las decisiones de cada uno estaban indudablemente influidas por el otro. Cliff había sido llamado a un nuevo hogar y, para el resto de los Treniers, su hogar en esta vida estaba claro. Volvieron al escenario. Skip, cerca ya de sus 25 años con el grupo, fue capaz de desenvolverse al frente con Claude (Buddy ya se había retirado). Don Hill todavía sigue prestando su hechicero saxo para la banda, mientras actúa ante las incesantes pifias de Claude y Skip. Dave Akins, también un veterano de años, sigue el ritmo mientras fuma, y mientras las adquisiciones más recientes, el bajista Donald Jackson y el hombre de los teclados Jack Holland, siguen la senda y colaboran en los movimientos.
Presenciar ahora a The Treniers es sentirse trasladado a una atmósfera y una edad que que uno ya había olvidado al creer que nunca jamás la vería. La cordialidad que comunican y el evidente amor por su trabajo son también genuinos. Su complicidad con el público, uno a uno, se ve raramente en otras partes, y nos trae cosas que nuestra generación se ha perdido. La mayoría de los intérpretes más jóvenes deberían moverse como lo hacen Claude y Skip do todavía hoy. Por supuesto que The Treniers acabarían en el Hospital si siguieran haciendo todas las cosas que solían hacer en escena, pero eso mismo sucedería si mucha gente de mi edad intentara hacer lo que los Treniers hacen todavía cada noche. The Treniers son todavía, como siempre, un grupo para el directo. Siempre vivos y siempre en vivo.
By John Battles and Jake Austen
(From october #18, 1997)


From Wikipedia, the free encyclopedia
Genres R&B, jump blues
Years active 1947-2003
The Treniers were an American R&B and jump blues musical group,[1] led by identical twins Cliff and Claude Trenier with the Gene Gilbeaux Orchestra which included Don Hill on saxophone, Shifty Henry and later James (Jimmy) Johnson on bass, Henry (Tucker) Green on drums and Gene Gilbeaux on piano, along with the Treniers Twins and later, additional Treniers brothers Milt, Buddy and nephew Skip joining the group on vocals. The group's name was shortened to "The Treniers", and there were many other session musician and line up changes over the years including Herman Washington and Mickey Baker on guitar.

A1 Rockin Is Our Bizness (US NO. Okeh, April 1953)
Written-By – Claude Trenier, Cliff Trenier
A2 Rock-A-Beatin' Boogie (Okeh 7023, March 1954)
Written-By – Bill Haley
A3 Get Out Of The Car (Okeh 7050, January 1955)
Written-By – Richard Berry
A4 Hi-Yo Silver (Okeh 6932, December 1952)
Written-By – Claude Trenier, Harold Burrage
A5 It Rocks, It Rolls, It Swings (Okeh 6853, February 1952)
Written-By – Claude Trenier, Cliff Trenier, Don Hill
A6 Plenty Of Money (Okeh 6804, July 1951)
Written-By – Claude Trenier, Cliff Trenier
A7 Hadacole That's All ( Okeh 6876, May 1952)
Written-By – Unknown Artist
A8 Rockin' On Sunday Night (Okeh 6904, August 1952)
Written-By – Mary Holtzman, Ray Ellis
B1 Go Go Go (Epic 9127, October 1955)
Written-By – Claude Trenier, Don Hill, Gene Gilbeaux
B2 Trapped In A Web Of Love (Okeh 723, March 1954)
Written-By – Jeanne Burns
B3 Long Distance Blues (Okeh 6876, May 1952)
Written-By – Claude Trenier, Cliff Trenier
B4 Hey Little Girl (Okeh 6826, September 1951)
Written-By – Robert Hill (4), Sam Singer (3)
B5 Bald Head (Okeh 7035, June 1954)
Written-By – Claude Trenier, Roy Byrd
B6 Poon Tang (Okeh 6932, December 1952)
Written-By – Jerry Ross (2), Richard Adler
B7 The Moon Dog (Okeh 6937, January 1952)
Written-By – Fletcher Peck, Francis Short
B8 Taxi Blues (Okeh 6853, February 1952)
Written-By – Feather*

102 MB / 320 Kbps

Melvin Sparks • Spark Plug

Review by Richie Unterberger
Sparks used a similar soul-jazz approach as he had on his previous Prestige session (Sparks!), revamping the lineup to put Reggie Roberts on organ and a young Grover Washington, Jr. on tenor sax (Idris Muhammad remained behind the drums). He also introduced some compositions of his own this time around; three of the five numbers are Sparks originals. It's more relaxed, funky, occasionally bluesy jazz with guitar and organ to the fore, very much of a piece with the Prestige soul-jazz "house" sound circa 1970. Pleasant fare, although it does tend to fade into suitable background music instead of attracting attention or intense scrutiny.

A1 Who's Gonna Take The Weight? 9:05
A2 Spark Plug 8:50
B1 Conjunction Mars 8:05
B2 Alone Together 4:14
B3 Dig Dis 6:45

Guitar – Melvin Sparks
Drums – Idris Muhammad
Organ – Leon Spencer Jr.* (tracks: A1),
Reggie Roberts (tracks: A2 to B3)
Tenor Saxophone – Grover Washington Jr.*
Trumpet – Virgil Jones

Recorded At:
Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs,
NJ, March 1, 1971, March 8, 1971
Engineer – Rudy Van Gelder
Released: 1971

87 MB / 320 Kbps

James Brown • Grits & Soul

Review by Kurt Edwards Grits and Soul finds James Brown in serious Ray Charles mode, drawing inspiration from Charles' big band and organ playing. The results are pure James Brown, of course; his personality has always been too strong to allow any one influence to achieve top billing. Like Brother Ray, the band is razor sharp, no doubt from the endless one-nighters, and the strong hand of their leader. The jazz backgrounds of most of the players are in evidence here, especially on their steady if unspectacular take of Lee Morgan's "Sidewinder." Where they really shine is on "Grits," a slow, throbbing, burbling blues that continually threatens to boil over before simmering down. Guitarist Les Buie's tasteful solo acts as a counterpoint to the wild organ solo by Alvin "Fats" Gonder. James Brown also plays organ on Grits and Soul, but this solo seems almost refined when compared to Brown's individualistic take on the instrument. This is a strong representation of the band, including many of the players soon to be name-checked during the "Soul Brother Number One" career phase who are present here, including Bernard Odum, Maceo Parker, and his brother Melvin. "Grits & Soul" was also a slick way for Brown to sidestep his contractual obligations with King Records, as there are no vocals on this release.

A1 Grits
A2 Tempted
A3 There
A4 After You're Trought
A5 Devil's Hideaway
B1 Who's Afraid Of Virginia Woolf
B2 Infatuation
B3 Wee Wee
B4 Mister Hip
B5 Headache

116 MB / mp3-320Kbps

Dave Baby Cortez • Tweetie pie

David Cortez Clowney, known by the stage name Dave "Baby" Cortez (born August 13, 1938, Detroit, Michigan), is an American pop and R&B organist and pianist.

Clowney attended Northwestern High School in Detroit. His father played the piano, and encouraged him to pursue a musical career. Clowney played the piano for 10 years, then he took up the organ.

Clowney made his first record in 1956 under his own name but it was not until three years later that he scored a major success using the stage name Dave "Baby" Cortez. His instrumental, "The Happy Organ", was the first pop/rock hit to feature the electronic organ as lead instrument; it featured drummer Gary Hammond and was co-written by noted celebrity photographer James J. Kriegsmann and frequent collaborator Kurt Wood. The guitar solo is by session musician Wild Jimmy Spruill. The 45 rpm single was the first instrumental No. 1 on Billboard magazine's Hot 100 chart. Clowney became the first African-American artist to have an instrumental #1 hit. Before making his big break with an instrumental record, Clowney had sung with two doo-wop groups, the Pearls and the Valentines.

The original 45 rpm single was released on the independent Clock Records label but the LP which featured it was released by RCA Victor by arrangement with Clock.

Cortez had another Top Ten hit in 1962 with "Rinky Dink" on Chess Records. This record became well known in the UK as the signature tune of the Saturday afternoon programme Professional Wrestling, introduced by Kent Walton, although few knew the name of the tune or the artist. The song has a strong resemblance to 1957's "Love Is Strange" by Mickey & Sylvia, since it used the same guitar riff.

In 2011, after a 39-year hiatus from recording, Cortez returned with a new album on Norton Records backed by Lonnie Youngblood and His Bloodhounds, including underground luminary Mick Collins of the Dirtbombs and the Gories.

A1 Tweetie Pie
A2 Shake
A3 Watermelon Man
A4 The Boy From New York City
A5 Can't Buy Me Love
A6 Twine Time
B1 Stagger Lee
B2 Yeh Yeh
B3 Searchin'
B4 Come See About Me
B5 Things Ain't What They Used To Be
B6 Paper Tiger

71 MB / mp3-320Kbps

The Hula Girls • The Curse Of The Tiki

1. [02:53] Hula Girl
2. [03:30] Hawaii’s Not That Far Away
3. [03:49] Curse Of The Tiki
4. [01:56] Suck ‘Em Up
5. [02:43] Moonshine Mai Tai
6. [02:12] Hulabilly Honey
7. [04:10] Volcano
8. [02:39] Leilani
9. [02:58] Longboard Baby
10. [02:41] The Warm Sands Of Huntington Beach
11. [03:28] Desert Isle
12. [04:04] Surfin’ With Von Franco
13. [02:27] Waikiki Moon
14. [03:12] The Hidden Village

2010 / 128 kbps / 42:54
40 MB / mp3-128Kbps

sábado, 28 de junio de 2014

VA • Autour De Minuit - Bossa Nova

01. Desafinado - Stan Getz & Joao Gilberto
02. The Boy from Ipanema - Diana Krall
03. Aguas De Marco - Antonio Carlos Jobim & Elis Regina
04. Corcovado (Quiet Nights Of Quiet Stars) [Live-Cafe Au Go Go] - Stan Getz & Astrud Gilberto
05. Chega De Saudade - Nara Leao
06. Coracao Vagabundo - Gal Costa & Caetano Veloso
07. Wave - Antonio Carlos Jobim
08. So Nice (Summer Samba) - Marcos Valle
09. Canto De Ossanha - Baden Powell
10. Meditation - Astrud Gilberto
11. One Note Samba (Samba De Uma Nota So) - Coleman Hawkins
12. Agua De Beber (feat. Antonio Carlos Jobim) - Astrud Gilberto
13. Insensatez - Lalo Schifrin
14. A Felicidade (Non mixe) - Agostinho dos Santos
Release August 20, 2012
Label Classics Jazz France
Total Time 46:32

107 MB / mp3-320Kbps

Bizarre Discotheque: Jorgelina Aranda • Erotica

Antes que Madonna lo hiciera, esta señora "grabó" su Erótica.
Jorgelina Aranda saltó a la popularidad como una de las secretarias de Roberto Galán en "Si lo sabe cante".
Además de modelar, su belleza y sensualidad rápidamente la llevaron a ser una de los símbolos sexuales de los años 70 trabajando en TV, cine y teatro con grandes como Alberto Olmedo y Jorge Porcel entre otros. Y esa sensualidad que desplegaba fue llevada al disco de la mano del historico rocker argentino Billy Bond, quien produjo, compuso y musicalizó el disco junto a su banda "La pesada del rock" titulado Erótica.
En el cine argentino trabajó en varias películas.

1) Erotiquisima
2) Es el bossanova
3) Que nene lindo
4) Muy soul
5) I love you
6) Pensando en la hora del té
7) Tú sei sei tú
8) La lección: mi conejito

61 MB / 320 Kbps

VA • Autour De Minuit - Piano Bar

01. Georgia On My Mind - The Oscar Peterson Trio
02. Moanin' - Bobby Timmons
03. After Hours - The Three Sounds
04. Blue Moon - Blossom Dearie
05. Days Of Wine And Roses - McCoy Tyner
06. Sweet Lorraine - George Shearing
07. Willow Weep For Me - Ray Bryant
08. Things Ain't What They Used To Be - Claude Bolling
09. Ain't Misbehavin' - Teddy Wilson
10. I Can't Give You Anything But Love - Sonny Clark
11. The "In" Crowd - Ramsey Lewis Trio
12. Ahmad's Blues - Ahmad Jamal Trio
Year Of Release: 2012
Total Time: 00:48:01

111 MB / mp3-320Kbps

Terry Gibbs • The Family Album

A1 Button Up Your Lip
A2 Up At Logue's Place
A3 One For My Uncle
A4 Ballad Of Barbara
A5 Sunny Girl
A6 El Cheapo
B1 Henny Time
B2 Moany Moons Ago
B3 Better To Be Richie Than Poor
B4 Sherry Bossa Nova
B5 Sol Right With Me
B6 Half Stuie

Bass – Ernie Farrow
Drums – Steve Little
Piano – Alice McLeod
Vibraphone – Terry Gibbs

80 MB / mp3-320Kbps

VA • Autour De Minuit - Saxophone Ballads

01. Desafinado - Coleman Hawkins
02. There Will Never Be Another You - Lester Young & Oscar Peterson
03. In a Sentimental Mood - Duke Ellington & John Coltrane
04. Stardust - Ben Webster
05. The Shadow of Your Smile - Dexter Gordon & Slide Hampton
06. Harlem Nocturne - Illinois Jacquet
07. Don't Blame Me - Sonny Criss
08. The Last Time I Saw Paris - Johnny Hodges
09. Dear Kathy - Benny Golson
10. Moonlight In Vermont - Stan Getz, Astrud Gilberto & Claus Ogerman
11. Prelude In E Minor - Gerry Mulligan
12. You Don't Know What Love Is - Sonny Rollins
Release August 20, 2012
Label Classics Jazz France
Total Time 49:22

112 MB / mp3-320Kbps

Messer Chups • Bermuda 66

01. Daphne Blue Lagoon
02. Lipstick Twang
03. Swamp Farming
04. Back To The Bermuda Triangle
05. Dead Down Comedy
06. Chupacabra Twist
07. Man In A Caiman Boots
08. Jason Bond 0013
09. El Zombierello Vs. Octopus Man Attack
10. Authentic Bllodsucking Melody
11. Voodoo Man
12. Aquanatic Business
13. Hollywood Devils
14. Caligari Shadow
15. Aniamal Woman

92 MB / mp3-320Kbps

Esquivel • See It in Sound

Juan García Esquivel, conocido como Esquivel, o Esquí (Tampico, 20 de enero de 1918 — Jiutepec, Morelos, 3 de enero del 2002), fue un arreglista, pianista y compositor internacional. Es conocido por crear un estilo de música único en su género, ocasionalmente llamado"Lounge" o "Space Age Pop", en México también se le recuerda por haber hecho la música del programa infantil Odisea Burbujas.
Juan García Esquivel, el indiscutible padre del Lounge moderno, quién además fuese compositor, pianista y creador de cientos de jingles para la televisión occidental, nace el 20 de Enero de 1918 en Tampico, una ciudad portuaria del estado de Tamaulipas, México. A la edad de diez años se mudó junto a sus padres a la Ciudad de México donde cuatro años más tarde ya era pianista de la estación XEW. Cuatro años después dirigía su propia orquesta de 22 músicos componiendo arreglos para el programa de radio cómico de Panzón Panzeco (Arturo Manrique), que se transmitía por la XEW. Sus jingles llegaron a ser muy populares anunciando productos comerciales. Esquivel se graduó de la Facultad de Ingeniería del Instituto Politécnico Nacional, posteriormente los conocimientos ahí adquiridos le ayudarían en sus pioneros experimentos con la música electrónica.

Su principal mérito radica en el haber comenzado a experimentar grabando en distintos canales, lo cuál le permitió incorporar a la música fuentes sonoras jamás exploradas.
En Estados Unidos compuso y grabó pequeñas piezas para los Estudios Universal en los sesenta que en su tiempo se llamaron “arreglos sonorámicos" Estos temas han sido usados desde entonces en cientos de programas televisivos como: Los Picapiedra, Quincy, Alfred Hítchcock, Ironside, Kojak, Los Angeles de Charlie, Elery Queen, Emergencia, El Hombre Nuclear, La Mujer Biónica. También en programas como Columbo, McCloud McMillan y Esposa (Ia famosa "Trilogía Policiaca" El Hombre Increíble, Baretta, los Hardy Boys lnvestigadores, Magnum, Miami Vice, La Última Frontera, Fuera de este Mundo, Viajeros en el Tiempo, Harry y los Hendersons y Guardianes de la Bahía. Aunque también volvió a México en 1979 para realizar la música del programa infantil de nombre Burbujas que rápidamente vendió un millón de copias. Todos con el inconfundible sonido "esquiveliano"'
Y aunque en 1994 Esquivel sufrió un accidente que le imposibilitó volver a caminar, siguió creando en su mente arreglos que esperaba grabar más adelante. De hecho la compañía Microsoft consideró usar sonidos de Esquivel para el sistema operativo Windows 95. Además, se esta llevando a cabo el rodaje de la película "Esquivel" quien será interpretado por el actor John Leguizamo. Esta película será dirigida por Alexander Payne y producida por Fox Searchlight Pictures y Rebel Films - Production Company. wiki

Esquivel - See It in Sound (1960)
1. The Peanut Vendor (El Manisero) (3:26)
2. Amazon Paddle Boat (3:58)
3. Honky Tonky Cha Cha (3:03)
4. Cumana (2:47)
5. Brazil (6:03)
6. Chubasco (3:54)
7. Walk to the Bull Ring (2:17)
8. Aurora (2:11)
9. Similau (3:53)
10. Inca's Dream (2:34)
11. Latingo (4:16)
duration 39:02

57 MB / mp3-224Kbps

viernes, 27 de junio de 2014

Bomboras • Head Shrinkin' Fun

Recorded in just seven days on Rob Zombie's Zombie A Go-Go label, the Bomboras' fourth album is a compilation of 15 tracks (only two of which are longer than three minutes), comprised almost entirely of fast, furious instrumentals that combine the surf of Dick Dale and the frenzy of the Ramones with a decidedly dark overtone. Of course, this all adds up to goofy fun; you almost expect to hear a surf version of the Munsters theme (which is, actually, covered by Los Straitjackets on Halloween Hootenanny on the same label). Based in Southern California, Shane Van Dyke on bass, Dave Klein on drums, Gregg Hunt on lead guitar, Jake Cavaliere on organ, and Johnny De Villa on rhythm guitar churn out rollicking concoctions that don't come up for air with a psychotic bent that is raw and instantly accessible. It's great party music, whether you're at the beach, home, or a club, and it's a perfect CD to have on hand for Halloween. ~ Bryan Buss Recorded at For The Record, Orange, California. Includes liner notes by Bob Morris. Personnel: Gregg Hunt (guitar); Jake Cavaliere (organ); Dave Klein (drums, background vocals); Jim Monroe (background vocals). Audio Mixer: Scott Humphrey. Liner Note Author: Bob Morris. Recording information: For the Record, Orange, CA. Photographer: Reggie Ige. The Bomboras: Jake Cavaliere (vocals, organ); Shane Van Dyke (vocals, bass); Gregg Hunt, Johnny De Villa (guitar); Dave Klein (drums, background vocals). Additional personnel: Jim Monroe (background vocals).

34 MB / 128 Kbps

Amos Milburn • Let's Have A Party

Amos Milburn fue uno de los pioneros del R&B que surgieron del área de Texas y Oklahoma y se trasladaron al Sur de California a mediados de los 40. Milburn procedía del área de Houston y en una época fue conocido con el inusual apodo de «The He-Man Martha Raye» (El Martha Raye masculino). Después de cumplir el serivico militar durante la IIª Guerra Mundial, Milburn formó una unidad de seis miembros y empezó a labrarse una reputación en su entorno gracias a un intenso trabajo en night clubs. Pronto sus destinos se vieron guiados por Lola Cullum, que les consiguió un contrato discográfico con la nueva etiqueta Philo Records de Los Angeles en 1946. Este sello fue el inicio de la Aladdin Records Company después de cambiar su nombre para evitar cualquier confusión con la Philco Corporation. Inmediatamente Milburn se fue al estudio de grabación y se inició una larga asociación con el sello.

Las primeras grabaciones de Milburn fueron Aladdin #159 - "After Midnight" / "Amos's Blues"; #160 - "Darling How Long" / "My Baby's Boogie" y #161 - "Don't Beg Me" / "Down The Road Apiece". Este último tema, un jumping boogie, le dio a Milburn su primer contacto con la fama y su estilo encontró una audiencia receptiva entre los aficionados al R&B del área de Los Angeles. Después siguió con "Amos' Boogie" partes 1 y 2 en #173, y "Operation Boogie" / "Cinch Blues" en #174. En una sesión posterior, la house band de Aladdin incluyó a Maxwell Davis al saxo tenor proporcionando apoyo instrumental en las siguientes ediciones del sello. "Money Hustlin' Woman" y "Real Gone" aparecieron en #191, "My Love Is Limited" y "Blues At Sundown" en #201, y "Sad And Blue" / "That's My Chick" en #202. "Train Time Blues" y "That's My Boogie" fueron editadas en #206, y "Pool Playing Blues" / "I Still Love You" en #211.

A finales de 1947 Aladdin revisó su sistema de numeración y la siguiente edición de Amos Milburn salió como Aladdin #3014: "Chicken Shack Boogie" y "It Took A Long Long Time". El lado jump boogie´, "Chicken Shack", tuvo un éxito inmenso y se convertiría en el tema emblemático de Milburn para el resto de su vida. La continuación fue también un gran éxito, pero esta vez se trataba de una balada bluesy, más en el estilo de Nat Cole y Charles Brown; el tema se titulaba "Bewildered", y estaba acompañado de "A & M Blues" (Aladdin #3018).
A mediados de 1948, Amos Milburn volvió de nuevo al top el el circuito R&B con dos éxitos sucesivos que también colocaron al sello Aladdin en el mapa como uno de los ‘4 grandes’ de la posguerra en la Costa Oeste (con Imperial, Modern y Specialty). "Jitterbug Parade" y "Hold Me Baby" llegaron en Aladdin #3023, y en #3026 estaban "Middle Of The Night" y "Pot Luck Boogie". Debido al éxito de los dos enormes temas de Milburn, las ventas de los dos últimos discos quedaron eclipsadas por la venta continuada de lanzamientos anteriores.

En 1949 Milburn llegó al éxito de nuevo con "Rooming House Boogie" en #3032. Este sólido hit fue seguido en #3037 con un tema de temporada, "Let's Make Christmas Merry" / "Bow Wow" y #3038 con su versión de "Driftin Blues" y "Real Pretty Mama", composición de Dootsie Williams. En Enero de 1950 Aladdin #3043 emparejó "Tell Me How Long Has This Train Been Gone" y "I'm Just A Fool In Love". Amos Milburn solidificó su status como un top R&B artist cuando fue designado como intérprete nº 1 de Rhythm & Blues de 1949 en una lista del magazine Billboard, entre operadores de juke boxes del país. Durante ese año colocó cuatro temas entre los 30 mejores de los Estados Unidos.

En Marzo Milburn actuó en New York City por primera vez en el Bop City, usualmente un local dedicado al modern jazz. Inmediatamente se embarcó en un amplio tour de ‘one nighters’ por todo el Sur. "Walkin' Blues" y "Johnson Rag" fueron publicadas en Abril, en #3049. Milburn y su banda aparecieron en Filadelfia con Wini Brown y The Ravens. Éstos, que eran el otro grupo ‘pájaro’ pionero junto con los Orioles, formarían parte de la gira de Milburn por el Sur. El emparejamiento fue un éxito en Atlanta, tanto en el Civic Center como en el Royal Peacock de esa ciudad. "Anybody's Blues" y "Square Dance Boogie" salieron en #3056. El peligro, siempre presente en todas las giras de ‘one nighters’, golpeó a la formación de Milburn cuando se vieron involucrados en un serio accidente de tráfico cuando se dirigían a New York City para aparecer en el Apollo Theater.

Aladdin Records sacó dos nuevos discos de Milburn en rápida sucesión durante el verano con Aladdin #3058, "I Love Her" / "Birmingham Bounce" y #3059 con un par de cover songs: "Two Years Of Torture" (original de Percy Mayfield) y "Hard Luck Blues" (original de Roy Brown). En Septiembre Milburn lanzó "Sax Shack Boogie" en #3064, que cayó como una bomba y originó unos pedidos iniciales de unos cincuenta mil discos, lo que era una cantidad descomunal para un tema R&B de un sello indie en 1950. Amos Milburn y su banda, ahora llamada The Chickenshackers, aparecieron con Joe Liggins y sus Honeydrippers con éxito espectacular en Oakland, California. Los miembros de la banda era are Willie Arthur Smith, Willie Simpson, Don Wilkerson, Harper Crosby y Elden MacIntosh. Se preparó una gira a lo largo de Texas para el mes de Octubre.

"Bad Bad Whiskey" y "I'm Gonna Tell My Mama" salieron en #3068. A finales de Noviembre, Aladdin editaría sus primeros Lps. El primero fue titulado "Boogie Woogie" e incluía lados grabados por Milburn, mientras el segundo, "Blues After Hours", también contenía música de Milburn junto a la de Wynonie Harris, Calvin Boze y Helen Humes. Hasta ese momento la compañía sólo había editado discos de 78rpm. En Diciembre, Aladdin anunció que la grabación de Milburn de "Bad Bad Whiskey" (escrita por Maxwell Davis) había sobrepasado los cien mil discos vendidos en menos de cuatro semanas desde su salida y todo hacía indicar que el disco sería el de mayores ventas en la historia del sello, reemplazando el "Chicken Shack Boogie" del propio Milburn.

A principios de 1951, Aladdin Records firmó a la leyenda del jazz Billie Holiday, y se plantearon la posibilidad de grabarla con Amos Milburn y/o Charles Brown. En Marzo, se lanzó Aladdin #3080, con "Let's Rock Awhile" y "Tears Tears Tears", y a eso le siguió en Mayo el #3090 con "Everybody Clap Hands" y "That Was Your Last Mistake". En Julio se editó "Ain't Nothing Shaking" / "Just One More Drink" en #3093. Los tres se vieron empalidecidos por la continua demanda de "Bad Bad Whiskey". El último tour para la formación de Milburn tuvo lugar en Octubre junto a la banda con la que una vez más unirían fuerzas, The Orioles. En el momento de la gira, "Boogie Woogie" y "She's Gone Again" fueron puestos en circulación en Aladdin #3105.

En 1952 los temas de drinking jump continuaron con Aladdin #3124, "Thinking And Drinking" y "Trouble In Mind". De nuevo el recurso pareció dar alas y buena suerte a Milburn. En Mayo utilizó su toque R&B con el clásico de Lionel Hampton, "Flying Home", acompañado de "Put Something In My Hand" en #3125. "Roll Mister Jelly" y "I Won't Be The Fool Anymore" salieron después en Aladdin #3133. Amos Milburn emplearía el verano en Atlantic City, New Jersey, actuando en clubs. Un crucero en un barco fluvial, por el río Chesapeake, en el área de Washington D. C., incluiría a la estrella Milburn con Ruth Brown. En Septiembre "Greyhound" y "Kiss Me Again" fueron lanados en Aladdin #3150. En el transcurso de dos semanas, "Greyhound" era ya un vendedor contundente y se vio rápidamente versionado por Buddy Morrow para RCA Victor, por Ella Mae Morse para Capitol y por Vic Damone para Mercury. Milburn fue sondeado para interpretar un papel en una película que estaba siendo planificada por Don Productions. A finales de año Aladdin publicó "Boo Hoo" y "Rock Rock Rock" en #3159.

Una serie de apariciones en vivo en el Noreste fueron canceladas debido al SRO business (¿) y una estancia de tres meses en California fueron una muestra de la gran popularidad de la formación con el público R&B. El momento para la visita al Este se pospuso a mediados de Marzo iniciándose en el Pep’s de Filadelfia. En Febrero, manteniendo la tendencia, el nuevo éxito de Milburn llegó con "Let Me Go Home Whiskey" en #3164. El flip era "Three Times A Fool". Como parte de la gira por el Este, Amos y su banda estuvieron una semana en el Howard Theater de Washington D. C., y también fueron parte de un gran espectáculo en el Mosque Theater de Newark, New Jersey, con Linda Hayes y The Orioles. En Mayo, "Please Mr. Johnson" y "Long Long Day" vieron la luz en Aladdin #3168. Ese Agosto, "One Scotch One Bourbon One Beer" (composición de Rudy Toombs) salió en #3197.

Este tema tuvo un avance de ventas de más de cincuenta mil pedidos, el más impresionante en la historia de Aladdin. Se le puede comparar a "Bad Bad Whiskey", que vendió arriba de seiscientos mil, y "Let Me Go Home Whiskey", que tuvo ventas de más de trescientos mil. Durante una excursión por el Medio Oeste en el verano, Milburn anunció que estaba considerando disolver su combo y continuar como intérprete en solitario. En Octubre, un R&B show bien redondeado, incluía a Milburn en Laurel Gardens de New Jersey. En el cartel también estaban Ruth Brown, Fats Domino, Margie Day y la orquesta de Paul Williams. En Octubre, Amos Milburn inició realmente su andadura en solitario, y unió fuerza con Charles Brown y la banda de Choker Campbell para una gira por el Sur. A finales de año, Milburn grabó una «answer» para uno de sus primeros hits, cuando puso en disco "Good Good Whiskey" y "Let's Have A Party" en Aladdin #3218.

En Febrero de 1954, la prensa especializada dio la noticia del oportuno regreso de Milburn. A principios de Marzo inició una gira nacional de one nighters. "How Could You Hurt Me So" y "Rocky Mountain" fueron lanzadas en #3226. En Mayo, "Milk And Water" y "I'm Still In Love With You" fueron emparejados en #3240. Milburn actuó en shows en el norte de California y en el Pacífico Noroeste. En Junio, Milburn grabó el standard "Glory Of Love" y "Baby Baby All The Time" para Aladdin #3248. Después de una appearance en el Savoy Ballroom de Los Angeles, Milburn se dirigió a Ohio y el Medio Oeste. En Noviembre, Amos Milburn formó parte del Top Ten del R&B show tour que también incluía a Fats Domino, Joe Turner, The Clovers, Faye Adams, The Moonglows, Charlie & Ray, Bill Doggett y Paul Williams & his orchestra. Studio Films hizo una serie de films para la televisión bajo el título de "Apollo Varieties", con Amos Milburn como una de sus estrellas. Amos tomó parte en el gran show ‘Jam with Sam’, en Chicago con el d. j. Sam Evans. Aladdin #3253 puso juntos "I Done Done It" y "Vicious Vicious Vodka", que apenas llegaron a despuntar, indicando que quizás la época de las «drinking songs» habían agotado su ciclo. Al final del año, "That's It" y "One Two Three Everybody" fueron editadas en Aladdin #3269.

Amos Milburn se acercó a la «rock and roll age» mediante un tour de one nighters que concentraba sesenta citas en diez semanas, desde Enero hasta Marzo. "Why Don't You Do Right" y "I Love You Anyway" aparecieron en Marzo en Aladdin #3281. En Mayo, Amos participó de nuevo en el ‘Jam with Sam’ show en Chicago, que tuvo lugar en el Trianon Ballroom junto a Ruth Brown, Bo Diddley y The Moonglows. A continuación llegó una estancia de cuatro días en el Uptown Theater de Cleveland con The Orioles y Margie Day a principios de Julio, seguida por la publicación de "All Is Well" en #3293. Este tema le proporcionó a Milburn su inclusión entre los best sellers después de una buena temporada, y fue el primero en la era del rock and roll. En Octubre Studio Films preparó una R&B variety movie que contaría con la participación de Amos Milburn. En Noviembre llegaron "House Party" y "I Guess I'll Go" en #3306. El film "Rhythm and Blues Review" se estrenó en el Royal Theater de Baltimore durante la semana de Navidad e incluyó a Milburn interpretando "All Is Well".

En Marzo de 1956 Amos Milburn regresó a su home town de Houston, Texas, y emepzó a recomponer su banda después de actuar en solitario durante casi tres años. En Mayo, "I Need Someone" y "French Fried Potatoes And Ketchup" vieron la luz en #3320, y "French Fried" fue versionada casi inmediatamente por Sammy Davis Jr. En Agosto Aladdin planificó editar un Lp con sus éxitos R&B de los años inmediatamente anteriores, incluyendo algunos de Milburn. En Septiembre salió Aladdin #3332 con "Chicken Shack Boogie" y "Juice Juice Juice". El tema distintivo de Milburn, "Shack", fue regrabado con músicos de sesión de New Orleans, y entre ellos Lee Allen al saxo tenor, Red Tyler al saxo barítono y "Hungry" Williams a la batería. "Every day Of The Week" y "Girl Of My Dreams" fueron editadas en #3340. Como sucediera con la mayoría de sus últimos discos, este último apenas tuvo impacto en términos de ventas, y ponía de manifiesto la dificultad creciente de conseguir difusión para sus discos debido al empuje del mercado teenage.

A principios de 1957 Aladdin sacó #3363 con "Rum And Coca Cola" y "Soft Pillow". El siguiente disco fue una reedición de "Greyhound" / "Dear Angel" en #3370. Ninguno vendió mucho, ni tampoco la siguiente edición, "Thinking Of You Baby" / "If I Could Be With You" en #3383. Éste fue el final discográfico para Milburn en Aladdin, que puso fin a once años de prolífica excelencia R&B. En Septiembre Milburn apareció en un gran R&B show en Chicago, presentado por Al Benson, en el Regal Theater. También se incluyeron algunos de sus temas en un nuevo álbum lanzado por Aladdin en su etiqueta Score.

The time left for Aladdin Records would not be long either with the last release ironically, Thurston Harris version of Milburn's "One Scotch" in less than two years. Amos Milburn intentaría ganar audiencia unas cuantas veces más en varios sellos como Ace Records en Mississippi, ("I Want To Go Home" y "Educated Fool" con su colega y veterano del R&B Charles Brown, en #561), King e incluso Motown, pero en vano. Su época había transcurrido y había sido excepcionalmente notable para un pianista y cantante boogie woogie de Texas. Fats Domino por ejemplo, siempre mencionó a Milburn como una de las influencias de su música. Amos Milburn fue verdaderamente un pionero musical, un intérprete singular que estuvo conectado con el swing y el jump blues de los 40s, hasta el R&B de finales de los 40 y principios de los 50, yq ue desarrollaron toda la música que hoy domina todo el planeta. Cada intérprete y cada oyente tienen una deuda de gratitud con Amos Milburn.


A1 Let's Have A Party
A2 One Scotch, One Bourbon, One Beer
A3 I'm Still A Fool For You
A4 That's What I've Been Through
A5 Rocky Mountain
A6 Baby, Baby
B1 Chicken Shack
B2 Good, Good Whiskey
B3 My Happiness Depends On You
B4 All Is Well
B5 I Know You Love Me
B6 Trouble In Mind

Label: Score (3) – SLP-4012
Released: 1957

62 MB / 320 Kbps

Al McKibbon • Black Orchid

Artist Biography by Jason Ankeny 

Noted for his rich, resonant tone and metronomic precision, Al McKibbon was one of the premier bassists of the early bebop era, supporting giants like Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, and Thelonious Monk in addition to collaborating with percussionist Chano Pozo to forge the sound of Afro-Cuban jazz. Born January 1, 1919, in Chicago, McKibbon was the son of a minister who played tuba and guitar, often with Al's mother on piano accompaniment. The family relocated to Detroit in 1921, where McKibbon's older brother later played with the Midwest Territorial Orchestra and recommended that his younger sibling adopt the bass. While a student at Detroit's Cass Tech, McKibbon studied bass and piano, and by 17 was gigging steadily at the local nightclub the B&C. Later, he backed Kelly Martin at the Conga Club, followed by a stint with Jimmie Lunceford's former saxophonist Ted Bruckner. In 1943, Lucky Millinder headlined Detroit's Paradise Theater, and when Millinder and band left town for a date in New York City, they took McKibbon with them. The bassist eventually settled in the Big Apple, making his first studio recordings with Millinder before signing on with Tab Smith.

In October 1945 McKibbon joined Hawkins, whose band included Monk on piano. Via Hawkins, the bassist also landed a spot on Norman Granz's first Jazz at the Philharmonic tour, which also featured Lester Young and Buck Clayton. Although McKibbon's tenure with Hawkins was relatively brief, his collaboration with Monk spanned decades -- he played on some of the legendary pianist's earliest headlining recordings, and was featured during his landmark run at Minton's Playhouse. In 1946, McKibbon joined J.C. Heard's band during its stint at New York's Café Society, and the following year he was hired by Dizzy Gillespie to replace bassist Ray Brown, who'd alienated his bandmates by beginning a romance with singer Ella Fitzgerald. McKibbon roomed on tour with Cuban-born percussionist Pozo, and despite their language barrier, the two men created the rhythmic template that would become the foundation for Afro-Cuban jazz, beginning with their work on Gillespie's seminal "Manteca" and continuing across Latin-inspired sessions including "Cubano Be," "Cubano Bop," and "Guarichi Guaro."

Although the Gillespie band splintered in 1949, McKibbon remained immersed in Latin music for the duration of his career. After playing on Miles Davis' groundbreaking Birth of the Cool sessions, he worked briefly with Count Basie, Earl Hines, and Johnny Hodges before settling in with the George Shearing Quartet in 1951, the beginning of the pianist's own exploration of Afro-Cuban music. McKibbon spent seven years behind Shearing, followed by a year with Cal Tjader, another bandleader who grabbed the Latin baton. The bassist relocated to Los Angeles in 1958, working for over a decade as a session player and also recording for film and television. In the early '70s he returned to the road alongside Gillespie and Monk on the Giants of Jazz tour -- in 1971, he also played on Monk's final recording date. Sometime later McKibbon acquired a bass created by Jacob Steiner, "the German Stradivarius," in 1650 -- his tone grew even richer and more robust in turn, and in time he moved into classical performance, in 1992 traveling to the Mojave Desert to play with a symphony orchestra recording Beethoven's Ninth amid the sandy desolation. Only in 1999 did McKibbon finally release his first LP as a leader, Tumbao Para los Congueros de Mi Vida. He died July 29, 2005, at age 86.

01 - U.M.M.G.
02 - Black Orchid
03 - Little Niles
04 - Tres Palabras
05 - Ode to Billie Joe
06 - Monsieur Philippe
07 - Isfahan
08 - Big Al's Blues

 Personnel :
Ramon Banda - drums
Al McKibbon - bass
Frank Morrocco - accordion
Barry Zweig - guitar
Joe Deleon - percussion
Rob Kyle - saxophone
Robert Kyle - saxophone
Donald Vega - piano

Year Of Release: 2003

147 MB / 320 Kbps

jueves, 26 de junio de 2014

Sonny Rhodes • I Don't Want My Blues Colored Bright

Artist Biography by Richard Skelly

Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert King and Albert Collins.

Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in his playing today. Other guitarists he credits as being influences include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.

In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color jokes in between the country and blues records he would spin for the entertainment of the sailors.

Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass. He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label. Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European market to him, and he was recorded by several European labels, but without much success. His European recordings include I Don't Want My Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again, Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just Blues, on his own Rhodesway label.

Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s, when he began recording first for the Ichiban label and later for Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).

More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced 1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake, for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe. They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter, and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.

1 One More Drink See All 2
2 Take the Bitter With the Sweet
3 Just Got In
4 All Night Long They Play the Blues
5 Killing Floor
6 I'm So Lonely See All 2
7 Country Boy
8 How Long
9 J.J.'s Blue in G
10 Stranded
11 Sitting & Thinking
12 Worried Time, Hard Time
13 Next Time You See Me

Alto Saxophone – Brad Johnson (5)
Baritone Saxophone – Michael Marcus
Bass – Charles Banks, Steve Gomes
Drums – Harold Banks, Richard Milton
Guitar – Mike Watson (10)
Harmonica, Arranged By [Horns] – Gary Smith (21)
Piano, Vocals – J.J. Malone
Tenor Saxophone – Ken Baker
Trumpet – Harold Attyberry
Vocals, Guitar – Sonny Rhodes

Release Date May 27, 1997
Recording Date August 16, 1976 - March 20, 1977

96 MB / 256 Kbps