Wynton Kelly • Piano

 

Review by Lee Bloom

In January 1958, producer Orrin Keepnews brought pianist Wynton Kelly and guitarist Kenny Burrell into the studio. Although he had for years been a highly regarded sideman with the likes of Dizzy Gillespie, Lester Young and Dinah Washington, Kelly had only cut one date as a leader prior to this -- and that had been seven years earlier. Whisper Not showcases Kelly and Burrell in a trio setting with bassist Paul Chambers, and for one side adds drummer Philly Joe Jones. The tunes include Harold Arlen's "Ill Wind," Billie Holiday's "Don't Explain," and the title track, penned for the Gillespie band by Benny Golson. Unfortunately, Kelly is not given an opportunity to shine in the conventional piano trio setting -- with only bass and drums -- a format in which he excelled. His distinctive drive and buoyant swing feel is in evidence, however, and despite a less than perfect audio mix (a bit dry), Whisper Not is recommended as an important recording in the oeuvre of Wynton Kelly.

Wynton Kelly, who was both an elegant piano soloist with a rhythmically infectious solo style in which he combined boppish lines with a great feeling for the blues as well as a particularly accomplished accompanist, gifted with perfect pitch and a highly individual block chording style. Kelly’s work was always highly melodic, especially in his ballad performances, while an irresistible sense of swing informed his mid and up-tempo performances.

Kelly was one of the most prolific sideman pianists of his era, performing on scores of jazz albums, and led albums under his own name, as well as being a superb accompanist and a distinctive soloist. He distinguished himself on record with such talent as J.J. Johnson, Sonny Rollins, Johnny Griffin and especially Hank Mobley whom Kelly inspired to some of his best work on classic Blue Note albums like Soul Station, Work Out, and Roll Call.

In early 1959 Miles Davis invited Wynton to joint his sextet as a replacement for Bill Evans. Kind of Blue, recorded in March 1959, on which he shares the piano stool with Evans, Kelly excels on the track “Freddie Freeloader”. Wynton proved a worthy successor to Red Garland and Bill Evans in the Miles Davis combo, together with bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb.

A fundamentally unobtrusive pianist who liked above all to swing, Wynton Kelly nevertheless became many people’s ideal pianist during the 60s. A solid mainstream player grounded in the blues. He could make anything he played bounce. An important stylist, but largely unrecognized except by fellow pianists, Kelly’s mature style was hinted at in his earliest recordings. He combined boppish lines and blues interpolations with a taut sense of timing quite unlike anyone else except his imitators. The same quality made his equally individual block chording into a particularly dynamic and driving accompanying style that was savored by the many soloists that he backed.

“Wynton Kelly always projects a happy feeling, regardless of the tempo.”

— J. J. Johnson

https://wyntonkelly.jazzgiants.net/

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Reseña de Lee Bloom

En enero de 1958, el productor Orrin Keepnews trajo al estudio al pianista Wynton Kelly y al guitarrista Kenny Burrell. Aunque durante años había sido un sideman muy respetado con jugadores de la talla de Dizzy Gillespie, Lester Young y Dinah Washington, Kelly sólo había saltado una cita como líder antes de esto, y eso había sido siete años antes. Whisper Not presenta a Kelly y Burrell en un trío con el bajista Paul Chambers, y por un lado añade al baterista Philly Joe Jones. Las canciones incluyen "Ill Wind" de Harold Arlen, "Don't Expllain" de Billie Holiday, y el tema que da título al disco, escrito para la banda Gillespie por Benny Golson. Desafortunadamente, a Kelly no se le da la oportunidad de brillar en el escenario de un trío de piano convencional -- con sólo bajo y batería -- un formato en el que sobresalió. Sin embargo, su característica impulsión y su sensación de swing flotante son evidentes, y a pesar de una mezcla de audio menos que perfecta (un poco seca), Whisper Not se recomienda como una grabación importante en la obra de Wynton Kelly.

Wynton Kelly, que era a la vez un elegante solista de piano con un estilo rítmicamente contagioso de solitario en el que combinaba líneas boppish con un gran sentido del blues, así como un acompañante particularmente logrado, dotado de un tono perfecto y un estilo de acordes de bloque altamente individualizado. El trabajo de Kelly siempre fue altamente melódico, especialmente en sus interpretaciones de baladas, mientras que un irresistible sentido del swing influyó en sus interpretaciones de ritmo medio y alto.

Kelly fue uno de los pianistas sideman más prolíficos de su época, tocando en partituras de álbumes de jazz, y dirigió álbumes bajo su propio nombre, además de ser un magnífico acompañante y un solista distintivo. Se distinguió con talentos como J.J. Johnson, Sonny Rollins, Johnny Griffin y especialmente Hank Mobley, a quien Kelly inspiró para algunos de sus mejores trabajos en álbumes clásicos de Blue Note como Soul Station, Work Out y Roll Call.

A principios de 1959 Miles Davis invitó a Wynton a unirse a su sexteto como reemplazo de Bill Evans. Kind of Blue, grabado en marzo de 1959, en el que comparte el taburete de piano con Evans, Kelly sobresale en el tema "Freddie Freeloader". Wynton demostró ser un digno sucesor de Red Garland y Bill Evans en el combo de Miles Davis, junto con el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb.

Un pianista fundamentalmente discreto al que le gustaba sobre todo el swing, Wynton Kelly se convirtió en el pianista ideal de muchas personas durante los años 60. Un sólido jugador de la corriente dominante basado en el blues. Podía hacer rebotar cualquier cosa que jugara. Un estilista importante, pero en gran parte no reconocido, excepto por sus compañeros pianistas, el estilo maduro de Kelly fue insinuado en sus primeras grabaciones. Combinó las líneas boppish y las interpolaciones de blues con un tenso sentido del tiempo muy distinto a todos los demás, excepto a sus imitadores. La misma calidad hizo de sus acordes de bloque, igualmente individuales, un estilo de acompañamiento particularmente dinámico y dinámico que fue saboreado por los muchos solistas a los que apoyó.

"Wynton Kelly siempre proyecta un sentimiento de felicidad, sin importar el tempo."

- J. J. Johnson

https://wyntonkelly.jazzgiants.net/

James Brown ‎• Soul Pride, The Instrumentals 1960-1969

 

Review by Richie Unterberger
Everyone knows how hot James Brown's bands were, but not everyone's aware that he and his sidemen recorded lots of instrumental sides in the '60s. Originally scattered haphazardly over many out-of-print singles and albums, Soul Pride brings together the best of this work into one cohesive and chronological package. These cuts are nearly equal in power to J.B.'s vocal performances. Not only does the band cook on most of these insinuating vamps, but you can also hear the evolution of the man's sound from gritty R&B to tight-as-a-drum soul to free-form funk. Soul Brother number one himself plays organ and adds unpredictable shouts and screams on most of these tracks. But the chief stars are sidemen like Maceo Parker, Fred Wesley, and Pee Wee Ellis, who broke new ground with their compulsive counterpoint riffs. This fiery two-disc, 36-track box set contains over two hours of music, as well as a few non-LP B-sides and previously unreleased tracks.

 

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Reseña de Richie Unterberger
Todo el mundo sabe lo buenas que eran las bandas de James Brown, pero no todo el mundo es consciente de que él y sus acompañantes grabaron muchas caras instrumentales en los años 60. Originalmente dispersos al azar en muchos singles y álbumes descatalogados, Soul Pride reúne lo mejor de este trabajo en un paquete cohesivo y cronológico. Estos cortes son casi tan potentes como las actuaciones vocales de J.B. No sólo la banda se encarga de la mayoría de estos insinuantes temas, sino que también se puede escuchar la evolución del sonido de este hombre, desde el R&B más duro hasta el soul más ajustado y el funk más libre. El propio Soul Brother number one toca el órgano y añade gritos imprevisibles en la mayoría de estos temas. Pero las estrellas principales son los acompañantes como Maceo Parker, Fred Wesley y Pee Wee Ellis, que abrieron nuevos caminos con sus compulsivos riffs de contrapunto. Esta ardiente caja de dos discos y 36 pistas contiene más de dos horas de música, así como algunas caras B que no son LP y temas inéditos.

VA • Timelessː Savoy Jazz Sampler

 

Review by Matt Collar
Sampler: Timeless Savoy Jazz is a skimpy compilation of tracks available on some of the iconic jazz label's many recordings from the '40s through the '60s. It accompanies a reissue/repackage campaign by the label featuring other budget-line collections of its artists. Given that the disc is less than ten tracks, listeners would do well to simply check out the other compilations or, better yet, seek out the original albums.
https://www.allmusic.com/album/sampler-timeless-savoy-jazz-mw0000228242

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Reseña de Matt Collar
Sampler: Timeless Savoy Jazz es una escasa recopilación de temas disponibles en algunas de las numerosas grabaciones del icónico sello de jazz desde los años 40 hasta los 60. Acompaña a una campaña de reedición/reempaquetado del sello con otras colecciones de sus artistas de bajo presupuesto. Dado que el disco tiene menos de diez pistas, los oyentes harían bien en consultar las otras recopilaciones o, mejor aún, en buscar los álbumes originales.
https://www.allmusic.com/album/sampler-timeless-savoy-jazz-mw0000228242

Tal Farlow • Tal

Artist Biography by Scott Yanow

Nearly as famous for his reluctance to play as for his outstanding abilities, guitarist Tal Farlow did not take up the instrument until he was already 21, but within a year was playing professionally and in 1948 was with Marjorie Hyams' band. While with the Red Norvo Trio (which originally included Charles Mingus) from 1949-1953, Farlow became famous in the jazz world. His huge hands and ability to play rapid yet light lines made him one of the top guitarists of the era. After six months with Artie Shaw's Gramercy Five in 1953, Farlow put together his own group, which for a time included pianist Eddie Costa. Late in 1958, Farlow settled on the East Coast, became a sign painter, and just played locally. He only made one record as a leader during 1960-1975, but emerged a bit more often during 1976-1984, recording for Concord fairly regularly before largely disappearing again. Profiled in the definitive documentary Talmage Farlow, the guitarist can be heard on his own records for Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969), and Concord. He died of cancer July 25, 1998, at age 77.

https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Casi tan famoso por su renuencia a tocar como por sus extraordinarias habilidades, el guitarrista Tal Farlow no tomó el instrumento hasta que ya tenía 21 años, pero al cabo de un año ya estaba tocando profesionalmente y en 1948 estaba con la banda de Marjorie Hyams. Mientras que con el Trío Red Norvo (que originalmente incluía a Charles Mingus) de 1949 a 1953, Farlow se hizo famoso en el mundo del jazz. Sus enormes manos y su habilidad para tocar líneas rápidas pero ligeras lo convirtieron en uno de los mejores guitarristas de la época. Después de seis meses con Gramercy Five de Artie Shaw en 1953, Farlow formó su propio grupo, que por un tiempo incluyó al pianista Eddie Costa. A finales de 1958, Farlow se estableció en la costa este, se convirtió en pintor de signos y sólo tocaba localmente. Sólo hizo un disco como líder durante 1960-1975, pero emergió un poco más a menudo durante 1976-1984, grabando para Concord con bastante regularidad antes de volver a desaparecer en gran medida. Perfilado en el documental definitivo Talmage Farlow, el guitarrista puede ser escuchado en sus propios discos para Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969) y Concord. Murió de cáncer el 25 de julio de 1998, a la edad de 77 años.

https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography

Roy Haynes • My Shining Hour

 

 This live recording from the JAZZPAR tour shows why Roy Haynes stands as the creator of the modern drum game. It's creative, exciting and naughty! With Tomas Franck, NHØP and Thomas Clausen in front of Haynes, you can only surrender.
 
The JAZZPAR award was awarded 16 times to a host of the world's greatest musicians, all of whom deserved greater attention. The man behind it all was Arnved Meyer who uniquely got the Scandinavian Tobacco Company to sponsor the prize of DKK 200,000. An unprecedented amount of money in Danish jazz at the time. Among other things it allowed Tommy Flanagan to get a required by-pass operation. Thanks again to Arnved Meyer.
 
Now Storyville is releasing a number of recordings that both award winners and Danish musicians were allowed to make as part of the awarding of the JAZZPAR awards. All have been re-mastered and redesigned by the Danish star graphic artist Finn Nygaard. In addition, there are new liner notes by Brian Priestly and booklets contain unprecedented photos by Jan Persson. Over time, several productions are scheduled for re-release as a tribute to the participating musicians and a unique project in Danish jazz.
 
Roy Haynes is a living legend and is considered one of the most influential drummers in jazz ever. He has played with Charlie Parker, John Coltrane, Miles Davis, Chick Corea and Michel Petrucciani. Just about all of the greatest in jazz. Roy Haynes is known for his very personal style, as a drummer and in fashion – being both elegant and cutting edge in everything he does. A true master and artist in his own right. This all-star group featuring Niels-Henning Ørsted Pedersen plays both beautiful ballads and jazz in honor of Roy Haynes great achievements as drummer, bandleader and african american jazz icon.
https://storyvillerecords.com/product/my-shining-hour-remastered-2020/


Biography
by Scott Yanow
A veteran drummer long overshadowed by others, but finally gaining recognition for his talents and versatility, Roy Haynes has been a major player since the 1940s. He worked early on with the Sabby Lewis big band, Frankie Newton, Luis Russell (1945-1947), and Lester Young (1947-1949). After some engagements with Kai Winding, Haynes was a member of the Charlie Parker Quintet (1949-1952); he also recorded during this era with Bud Powell, Wardell Gray, and Stan Getz. Haynes toured the world with Sarah Vaughan (1953-1958); played with Thelonious Monk in 1958; led his own group; and gigged with George Shearing, Lennie Tristano, Eric Dolphy, and Getz (1961). He was Elvin Jones' occasional substitute with John Coltrane's classic quartet during 1961-1965, toured with Getz (1965-1967), and was with Gary Burton (1967-1968). In addition to touring with Chick Corea (1981 and 1984) and Pat Metheny (1989-1990), Haynes has led his own Hip Ensemble on and off during the past several decades. When one considers that he has also gigged with Miles Davis, Art Pepper, Horace Tapscott, and Dizzy Gillespie, it is fair to say that Haynes has played with about everyone. He led dates for EmArcy and Swing (both in 1954), New Jazz (1958 and 1960), Impulse (a 1962 quartet album with Roland Kirk), Pacific Jazz, Mainstream, Galaxy, Dreyfus, Evidence, and Storyville. In 1994, Haynes was awarded the Danish Jazzpar prize, and two years later, he received the prestigious French Chevalier des l'Ordres Artes et des Lettres. In the late '90s, Haynes formed a trio with pianist Danilo Perez and bassist John Pattitucci, and they released their debut album, The Roy Haynes Trio Featuring Danilo Perez & John Pattitucci, in early 2000 on Verve. Haynes' son Graham is an excellent cornetist. Haynes paid tribute to Charlie Parker in 2001 with Birds of a Feather, his fourth release for the Dreyfus Jazz label, which was subsequently nominated for a Grammy in 2002; Fountain of Youth followed two years later. Also released in 2004, Quiet Fire compiled two of his prior releases for Galaxy (1977's Thank You Thank You and 1978's Vistalite) into one back-to-back record. Whereas appeared in mid-2006, and it earned Haynes a Grammy nomination for Best Jazz Instrumental Solo.
https://www.allmusic.com/artist/roy-haynes-mn0000290464/biography

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 Esta grabación en directo de la gira JAZZPAR demuestra por qué Roy Haynes es el creador del juego moderno de la batería. Es creativo, emocionante y travieso. Con Tomas Franck, NHØP y Thomas Clausen al frente de Haynes, sólo puedes rendirte.
 
El premio JAZZPAR se concedió en 16 ocasiones a una serie de grandes músicos del mundo, todos ellos merecedores de una mayor atención. El hombre que estaba detrás de todo esto era Arnved Meyer, que consiguió de forma excepcional que la Compañía Escandinava de Tabaco patrocinara el premio de 200.000 coronas danesas. Una cantidad de dinero sin precedentes en el jazz danés de la época. Entre otras cosas, permitió que Tommy Flanagan se sometiera a una operación de by-pass. Gracias de nuevo a Arnved Meyer.
 
Ahora Storyville publica una serie de grabaciones que tanto los ganadores de los premios como los músicos daneses pudieron realizar como parte de la concesión de los premios JAZZPAR. Todas han sido remasterizadas y rediseñadas por el artista gráfico estrella danés Finn Nygaard. Además, hay nuevas notas de acompañamiento de Brian Priestly y los folletos contienen fotos inéditas de Jan Persson. Con el tiempo, está prevista la reedición de varias producciones como homenaje a los músicos participantes y como proyecto único en el jazz danés.
 
Roy Haynes es una leyenda viva y está considerado como uno de los bateristas más influyentes del jazz de todos los tiempos. Ha tocado con Charlie Parker, John Coltrane, Miles Davis, Chick Corea y Michel Petrucciani. Casi todos los más grandes del jazz. Roy Haynes es conocido por su estilo muy personal, como baterista y en la moda, siendo a la vez elegante y vanguardista en todo lo que hace. Un verdadero maestro y artista por derecho propio. Este grupo de estrellas, en el que participa Niels-Henning Ørsted Pedersen, toca hermosas baladas y jazz en honor a los grandes logros de Roy Haynes como baterista, director de banda e icono del jazz afroamericano.
https://storyvillerecords.com/product/my-shining-hour-remastered-2020/


Biografía
por Scott Yanow
Roy Haynes, un veterano baterista que durante mucho tiempo fue eclipsado por otros, pero que finalmente ha obtenido el reconocimiento por su talento y versatilidad, ha sido un músico importante desde la década de 1940. Trabajó desde el principio con la big band de Sabby Lewis, Frankie Newton, Luis Russell (1945-1947) y Lester Young (1947-1949). Tras algunos compromisos con Kai Winding, Haynes fue miembro del Charlie Parker Quintet (1949-1952); también grabó durante esta época con Bud Powell, Wardell Gray y Stan Getz. Haynes realizó una gira mundial con Sarah Vaughan (1953-1958); tocó con Thelonious Monk en 1958; dirigió su propio grupo; y actuó con George Shearing, Lennie Tristano, Eric Dolphy y Getz (1961). Fue el sustituto ocasional de Elvin Jones en el cuarteto clásico de John Coltrane durante 1961-1965, realizó una gira con Getz (1965-1967) y estuvo con Gary Burton (1967-1968). Además de las giras con Chick Corea (1981 y 1984) y Pat Metheny (1989-1990), Haynes ha dirigido su propio Hip Ensemble de forma intermitente durante las últimas décadas. Si tenemos en cuenta que también ha actuado con Miles Davis, Art Pepper, Horace Tapscott y Dizzy Gillespie, es justo decir que Haynes ha tocado con casi todo el mundo. Dirigió fechas para EmArcy y Swing (ambas en 1954), New Jazz (1958 y 1960), Impulse (un álbum de cuarteto de 1962 con Roland Kirk), Pacific Jazz, Mainstream, Galaxy, Dreyfus, Evidence y Storyville. En 1994, Haynes fue galardonado con el premio danés Jazzpar y, dos años más tarde, recibió el prestigioso Chevalier des l'Ordres Artes et des Lettres francés. A finales de los 90, Haynes formó un trío con el pianista Danilo Pérez y el bajista John Pattitucci, y publicaron su primer álbum, The Roy Haynes Trio Featuring Danilo Perez & John Pattitucci, a principios de 2000 en Verve. El hijo de Haynes, Graham, es un excelente cornetista. Haynes rindió homenaje a Charlie Parker en 2001 con Birds of a Feather, su cuarto disco para el sello Dreyfus Jazz, que fue nominado al Grammy en 2002; Fountain of Youth le siguió dos años después. También publicado en 2004, Quiet Fire recopiló dos de sus anteriores lanzamientos para Galaxy (Thank You Thank You, de 1977, y Vistalite, de 1978) en un disco consecutivo. Whereas apareció a mediados de 2006, y le valió a Haynes una nominación al Grammy al Mejor Solo Instrumental de Jazz.
https://www.allmusic.com/artist/roy-haynes-mn0000290464/biography


storyvillerecords.com ...

Paul Weston And His Music From Hollywood • Solo Mood

 

Paul Weston was born, with the given name of Paul Wetstein, on March 12, 1912 in Springfield, Massachusetts. He died September 20, 1996 in Santa Monica, CA. He was a US pianist, arranger, conductor, composer and the original music director for Capitol Records.
Weston was the chief arranger for Tommy Dorsey's Orchestra from 1936 to 1940.
https://www.discogs.com/artist/299937-Paul-Weston-2

VA • Mississippi Saxophone

Offering a wide range of sounds in a small, inexpensive, novice-friendly package, the harmonica played a key role in the development of the blues, a sound that continues to resonate in the modern blues world. The compilation Mississippi Saxophone: The Great Blues Harmonica Players reviews this history, covering artists who helped define the harmonica blues sound as well as those who continue its legacy.

Taking a dual-minded approach, the collection focuses on artists known for their techniques - Big Walter Horton's colorful solos, Sonny Boy Williamson II's warble-like hand effects, Little Walter's punchy amplified sounds - while traveling from the title state (Charlie Musselwhite) to Chicago (James Cotton) and across the pond to the U.K. (Giles Robson). /Chrysta Cherrie, AllMusic

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Traducción Automática:

Al ofrecer una amplia gama de sonidos en un paquete pequeño, económico y fácil de usar para los principiantes, la armónica jugó un papel clave en el desarrollo del blues, un sonido que continúa resonando en el mundo del blues moderno. La compilación Saxophone de Mississippi: The Great Blues Harmonica Players repasa esta historia, cubriendo a los artistas que ayudaron a definir el sonido de la armónica de blues así como a los que continúan con su legado.
Con un enfoque dual, la colección se centra en artistas conocidos por sus técnicas: los solos de colores de Big Walter Horton, los efectos de mano de Sonny Boy Williamson II, los sonidos amplificados de Little Walter, mientras viajaba desde el estado del título (Charlie Musselwhite) a Chicago (James Cotton) y al otro lado del estanque al Reino Unido (Giles Robson). / Chrysta Cherrie, AllMusic

Valaida Snow • The Chronological Classics [1933-1953]

 

Valaida Snow- The Real Queen of Jazz

http://www.angelfire.com/jazz/ninamaemckinney/ValaidaSnow.html

Valaida Snow is another unsung gem!

Valaida Snow in her time was known as "Queen of the Trumpet and Song," "The Female Louis Armstrong," "Little Louis," and "Lady Louis."

She was the hardest working woman in show business.

Attractive, Talented with Mellow and Hot Rhythm, and an Irresistible Performer.

Exciting Vocalist, Band-Leader, Dancer, Songwriter, and Arranger.

Ella Fitzgerald is known for being the so-called First Lady of Jazz and for her fast, hypnotic scatting. But Valaida Snow was the First Lady of Jazz and could scat you into a frenzy.

There isn't a lot of footage on her. A lot of it is lost and hard to find. But, Valaida Snow's music is very easy to find. A lot of her music has just been released and its selling like hotcakes. Valaida Snow high singing voice sounds like Betty Boop, but her voice possessed clarity, strength, perfect pitch, feeling and charisma. She could put a song over the way Bessie Smith would but Valaida didn't have to sound rough to do so. Valaida was different from other Black vocalist when it came to singing, a lot of Black vocalists were loud, rough and raunchy; Valaida's voice was easy-going, sweet and mellow but she still could strongly put a song over and move you in a classy way. In the 1920's Blues singers with their loud, powerful, raunchy voices ruled but Valaida was the start of the change of the style Black females sing. If you listen to most Black singers after Valaida, you'll see that Valaida served as kind of a role model for many Black singers who began to sing graciously. Valaida would sing sometimes without even using words. She would hum, squeak or scat and still give you the same feel as she would if she sung the words. Valaida sang like an angel and sounded just like an instrument. She had a lot of soul before there was soul.

Valaida Snow was born in Chattanooga, Tennessee, on June 2, 1905, one of 5 children in a musical family. From an early age Valaida was tutored by her parents on various instruments. In her teens she already was a professional appearing with various touring shows. In the 1920's, Valaida Snow was no stranger to show business. The young trumpet player, dancer, and singer appeared in New York for the first time with Will Mastins' show band. Legendary Noble Sissle next employed Valaida in a production that became popular when it was performed on Broadway under a different title "The Chocolate Dandies"... one of most popular Black shows on stage at the time and a sensation. Valaida's appearance in the show took her career to big strides. The 1920's was the start of the greatest era of Black Entertainment. The 1920's was the start of the Black influence on the world through entertainment. Valaida Snow, Florence Mills, Ethel Waters, Blanche Calloway, Gertrude Saunders, Mamie Smith, Alberta Hunter, Fredi Washington, Mae Alix, Adelaide Hall, Josephine Baker was the pioneers, the ones who set the foundation for the future of black performers.

During the 1920's, Valaida set sail for the first of her many adventurous tours that took her around the globe. She performed in Shanghai with Jack Carter's band, followed by engagements back in the United States. She played in Paris as a member of the "Blackbirds" show and then appeared in Germany, Russia, British Isles and the Middle East.

Valaida Snow was a lady before her time. You can tell what type of performer she was just by listening to her sing...Vivacious, Passionate, Energetic, and a Breath-Taking Performer.

Valaida was a sight to behold on stage! People who've seen Valaida perform said she was a powerhouse performer. Every inch of what an entertainer suppose to be. Her image on stage was beauty of class, elegance, glamour, talent and magnetism. You can just tell the competition was tough between the jazz ladies back then, because all had talent and did anything to please and wow their audience. But Valaida Snow had advantages over Bessie Smith, Ethel Waters, Josephine Baker; they either had just a voice or dancing talent. Valaida had many talents besides singing and dancing. She could write, arrange, play just about every instrument, led fine bands, and was always looking for different ways to enhance her performances with her many talents. Valaida Snow could give any performer, man or woman, a run for their money and she did. Valaida Snow stood above all her contemporaries because she was a musical prodigy. Valaida was most popular for her signature trumpet playing. She was so good at the trumpet, people called her "The Female Louis Armstrong."

Valaida could dance, also! She sometimes danced without moving her feet...she could make her trumpet and voice dance as smoothly and gracefully as her feet. Valaida was intoxicating...those were the qualities that took the world by storm and won the hearts of many even to this day Valaida is still winning hearts.

Being a female with the talent Valaida had was looked at as a threat and at times she wasn't taken seriously. Even in the Black side of show business, males dominated. Valaida was a woman with talent, and not just some glamorous pretty woman singing and shaking her hips. She wanted to be more then just a vocalist with an all-male band. The males were threatened by Valaida's talent outside of singing because she could hit any note higher than any male trumpeter and arrange and write songs that were as good and rivaled any male musicians. Men in show business felt as long as women stayed in their place by letting the males do their work of playing the instruments, arranging and songwriting and women just sing and perform men's work that would help her to become a star. But if a woman, like Valaida Snow tried to surpass male musicians, men tried anything to bring her down. Men didn't want competition with a woman, even if she proved herself worthy. Men rather have a woman sing with their band instead of playing or running a band and arranging and songwriting. But with the strong, independent will and driving force of Valaida's, she prevailed despite prejudices because of her race and sex.

Valaida Snow was a hot commodity in the U.S. People in the business were scared that they would lose Valaida permanently to Europe when she went to entertain like Josephine Baker. People within the business and fans were afraid Great Britain would promise her a better career and life and that Valaida wouldn't want to come back to the United States. The U.S. already lost Josephine Baker, Adelaide Hall, Alberta Hunter and others to Europe. Valaida did love the attention, publicity, love, the popularity, and being the Queen in Europe. Yet, she knew the U.S. was her home and made frequent visits back, even though she did her best work in Europe and had a lot of freedom when it came to recording, writing, producing, arranging and being a star.

In Europe, Black performers were highly admired and treated like royalty by royalty. Queen Wilhemina was so impressed with Valaida's performance that she awarded Valaida with a golden trumpet and famous actors like Maurice Chevalier escorted Valaida to famous spots.

When Valaida Snow opened at the London Colliseum on August 25, 1934, billed as one of the stars of the "Blackbirds" show, she was still a virtually unknown artist in Great Britain. However, Valaida had already seen more of the world than possibly anyone in and out of the business but surely and quickly she took the British public by storm. Based on her success, she stayed on in London and was able to make the first of her rather extraordinary recordings. Her stage appearances in Great Britain proved enormously popular and enabled her to record, arrange and write with the best British musicians - white and black. Valaida wrote syncopacted, rhythmatic songs for dancing and wrote and sung songs that seemed to describe Negro women's love rites and created songs that identified Negro life. A song written by Valaida Snow that was her most popular and simply brilliant was "High Hat, Trumpet, And Rhythm" - It described just what type of performer Valaida Snow was. A lot of songs Valaida wrote were recorded by other jazz artists, including "High Hat, Trumpet, And Rhythm," "I Want A Lot Of Love," and "Take Care Of You For Me." Valaida's simple but empowering lyrics proved her a outstanding songwriter.

Valaida was one of first few Black vocalist to step (sing) outside the box by not just singing Black jazz and blues. Valaida proved that a Black vocalist could sing anything and still have that "Negro feeling" in singing. Valaida recorded many American/Broadway standards like "Singing in the Rain," "It Had To Be You," "Maybe I'm To Blame," and "Sing You Sinners" but with her artistry she transformed them from white Tin Pan Alley songs to Jazz/Scat standards and at times she sung the songs the way they were written to be sung but with "Valaida's smooth touch" she sang the songs as if they were her own. The song "I Wish I Were Twins," ranks among the very finest examples of Valaida Snow's artistry. The sympathetic accompanying band supports her in a swinging manner but never overshadows the leader. The relative success of this and some of the subsequent recordings brought raving reviews in the English press, not least because Louis Armstrong had also been heard in the country but was then unable to record. No wonder some critics referred to Valaida as "Little Louis." Whoever didn't get to hear Louis Armstrong in Europe, got a little taste of Louis Armstrong's style through Valaida Snow. Being compared to Armstrong and being called "The Female Louis Armstrong" was an honor to Valaida but Valaida was no copycat she had an original style of her own and wanted people to notice that - again in a way it was sexist to just call Valaida - The Female Louis Armstrong...Valaida Snow was Valaida Snow. Though Louis Armstrong was Valaida's role model, Valaida was certainly a genuine and original star in her own right, despite Satchmo's undeniable influence.

Valaida's life was full of many failed love affairs and failed marriages. She had a romance that led to marriage with a young popular dancer by the name of Ananias Berry (member of the Berry Brothers) whose parents did anything to end the union because of the age difference (Valaida was in her early 30s, Ananias was under 20). Some say the real problem was the father wanted Valaida and when he couldn't get her, he surely couldn't take it when the son and Valaida took interest in one another. His family got back at Valaida any chance they got by publicly shaming Valaida, including one attempt when they found she was married twice before and made sure bigamy charges were made against her. She had to face the possibility of going to jail in court. Valaida suffered through suicide attempts (backstage at some shows), alcoholism, drugs, and, some say, relations with same sex. Valaida made people frown as well as smile. Valaida was the first of black performers to receive so much attention in the press. She was a hot topic in the gossip and entertainment sections of the front page newspapers for her glorious endeavors as well as her down-falls. Valaida was the most talked-about woman in show business during the 1930's - that was an achievement for a Black performer, though Valaida didn't like the publicity and fought it, many Black performers wished for publicity. Many stars of that time kept their business to themselves and did anything possible to keep their personal doings from the public and maintain a good image, but Valaida's life always made headline news. She went through what stars today go through having no privacy. The press loved gossiping about her as well as glorifying her.

Valaida had an extraordinary and tragic life. Some sources say as tragic as Billie Holiday. The Black newspapers followed Valaida's every move with praise and scrutiny. Valaida Snow was as flamboyant off stage as she was on it. Valaida was known for her music, as well for trouble that seemed to always follow her, but also for her glamorous, extravagant costumes, cars, and clothes. Josephine Baker was known for shocking people in Europe. Valaida shocked people in the U.S. with her bright colored, expensive cars and with her monkeys and driver dressed in the same outfits. She lived the life of a star and enjoyed every minute of it and also suffered the tragic side that seems to haunt many greats. She may not be remembered much today, but people in and outside the business held Valaida Snow in high regard.

The 1930's was the highlight of Valaida's career. She graduated to being the biggest star of her race alongside Adelaide Hall, Ethel Waters, and Josephine Baker. Throughout the 1930's, Valaida was the busiest female performer entertaining in the U.S. and abroad. In mid-1934 Valaida appeared in England with an updated version of the "Blackbirds" show and produced the first recordings under her own name. A year later she appeared in two Hollywood films (and also appeared in European films) but she was only in California a short time before a new tour took her back to the Far East and India. Throughout the Thirties Valaida was mainly active in England and in the U.S. but missed the right moment to return to the States. Good friend Josephine Baker warned Valaida to get out of Europe as fast as she could, she knew a breakout was coming. But Valaida was too late...

Valaida Snow would have became one of the greatest entertainers of Jazz of the 20th Century, some believe, had it not been for a tragic incident during the outbreak of WW II that damaged and halted her career and caused her great suffering until her death, as well.

Returning to Denmark from a tour through Sweden Valaida was imprisoned by the occupying Nazis in Copenhagen and was subsequently placed in an internment camp. Some sources say Valaida was imprisoned in prison or a concetration camp for drug use, but Valaida stuck to her story for many years and said she was wrongfully put in a concentration camp. With the help of influential friends, Valaida Snow was traded and was able to return to her homeland towards the end of 1942. Many said Valaida Snow never was the same again mentally and physically; on her return to the states, Valaida weighed under 100 lbs and looked near death. The press was suspicious of Valaida's story of being in a concentration camp. Valaida's story was often mocked and fun was poked at her. Whether Valaida was wrongfully or rightfully incarcerated one can't imagine the horror and hell she went through. Despite her dreadful experiences, she was able to stage a minor comeback in the U.S. In her 40's, Valaida still could fill a nightclub; she attracted nightclub-goers and record buyers. Her career never was the same as it was in the 1930's because some say she loss that "magic" that made her so appealing. Yet, she still drew a crowd until her death. On May 30, 1956, while performing at the Palace Theater in Brooklyn, New York, Valaida suffered a stroke and died backstage. She died the way many performers would like to die...performing.

Despite what happened to Valaida in the early 1940s, she still accomplished enough to be remembered. Jazz historians and Entertainment historians are foolish to overlook a great like Valaida Snow. Who can be considered alongside Duke Ellington, Louis Armstrong and even Judy Garland.

But no matter what, Valaida always knew "the show must go on," a saying which sould have been created for her, because no matter what, she went on and gave her all. Whatever she lacked in life, she made up for in her talents. Valaida died doing what she did all her life... performing. I don't think she would have wanted to go any other way.

I have to say if Valaida Snow was around today, she would be considered a superstar and a genius - with many awards and credits to her name but even today there is no Valaida Snow. She is one of a kind!

There is finally a book out about Valaida Snow beautifully written by Candace Allen. I think you will enjoy it. Do yourself a favor and read it.

Enjoyed Valaida Snow's story, Come Home to the Main Page for stories and introductions of other unsung Black Beauties and Talents of Stage and Screen!

 Valaida Snow es otra joya desconocida.
Valaida Snow fue conocida en su época como "la reina de la trompeta y la canción", "la mujer Louis Armstrong", "la pequeña Louis" y "Lady Louis".
Era la mujer más trabajadora del mundo del espectáculo.
Atractiva, talentosa con un ritmo meloso y ardiente, y una intérprete irresistible.
Emocionante vocalista, líder de banda, bailarina, compositora y arreglista.
Ella Fitzgerald es conocida por ser la llamada Primera Dama del Jazz y por su rápido e hipnótico scatting. Pero Valaida Snow era la Primera Dama del Jazz y podía hacer scatings hasta el frenesí.

No hay mucho material sobre ella. Muchas se han perdido y son difíciles de encontrar. Pero la música de Valaida Snow es muy fácil de encontrar. Mucha de su música acaba de salir al mercado y se vende como pan caliente. La voz alta de Valaida Snow parece la de Betty Boop, pero su voz poseía claridad, fuerza, tono perfecto, sentimiento y carisma. Podía poner una canción como lo haría Bessie Smith, pero Valaida no tenía que sonar ruda para hacerlo. Valaida era diferente de otras vocalistas negras a la hora de cantar, muchas vocalistas negras eran ruidosas, ásperas y picantes; la voz de Valaida era fácil de llevar, dulce y melosa, pero aún así podía poner una canción con fuerza y emocionar de una manera elegante. En los años 20, los cantantes de blues, con sus voces fuertes, potentes y picantes, dominaban, pero Valaida fue el comienzo del cambio de estilo de las mujeres negras. Si escuchas a la mayoría de las cantantes negras después de Valaida, verás que Valaida sirvió como una especie de modelo para muchas cantantes negras que empezaron a cantar con gracia. Valaida cantaba a veces sin usar palabras. Tarareaba, chirriaba o hacía scat y aún así te daba la misma sensación que si cantara la letra. Valaida cantaba como un ángel y sonaba como un instrumento. Tenía mucha alma antes de que existiera el alma.
Valaida Snow nació en Chattanooga, Tennessee, el 2 de junio de 1905, siendo una de los cinco hijos de una familia de músicos. Desde muy pequeña, Valaida recibió clases de sus padres para tocar varios instrumentos. En su adolescencia ya era una profesional que actuaba en varios espectáculos de gira. En los años 20, Valaida Snow no era ajena al mundo del espectáculo. La joven trompetista, bailarina y cantante apareció por primera vez en Nueva York con la banda de espectáculos de Will Mastins. El legendario Noble Sissle empleó a continuación a Valaida en una producción que se hizo popular cuando se representó en Broadway con otro título, "The Chocolate Dandies"... uno de los espectáculos negros más populares de la época y que causó sensación. La aparición de Valaida en el espectáculo llevó su carrera a grandes pasos. La década de 1920 fue el comienzo de la mayor era del entretenimiento negro. La década de 1920 fue el inicio de la influencia de los negros en el mundo a través del entretenimiento. Valaida Snow, Florence Mills, Ethel Waters, Blanche Calloway, Gertrude Saunders, Mamie Smith, Alberta Hunter, Fredi Washington, Mae Alix, Adelaide Hall, Josephine Baker fueron las pioneras, las que sentaron las bases para el futuro de los artistas negros.
En los años 20, Valaida se embarcó en la primera de sus muchas giras de aventura que la llevaron por todo el mundo. Actuó en Shanghái con la banda de Jack Carter, y luego volvió a actuar en Estados Unidos. Actuó en París como miembro del espectáculo "Blackbirds" y luego actuó en Alemania, Rusia, las Islas Británicas y Oriente Medio.
Valaida Snow fue una dama antes de su tiempo. Se puede saber qué tipo de artista era con sólo escucharla cantar... Vivaz, apasionada, enérgica y una intérprete que cortaba la respiración.
Valaida era un espectáculo para contemplar en el escenario. La gente que ha visto a Valaida actuar dice que es una artista poderosa. Cada centímetro de lo que un artista supone ser. Su imagen en el escenario era una belleza de clase, elegancia, glamour, talento y magnetismo. Se puede decir que la competencia era dura entre las damas del jazz de entonces, porque todas tenían talento y hacían cualquier cosa para complacer y asombrar a su público. Pero Valaida Snow tenía ventajas sobre Bessie Smith, Ethel Waters, Josephine Baker; ellas sólo tenían voz o talento para bailar. Valaida tenía muchos talentos además de cantar y bailar. Podía escribir, hacer arreglos, tocar casi todos los instrumentos, dirigir buenas bandas y siempre buscaba formas diferentes de mejorar sus actuaciones con sus muchos talentos. Valaida Snow podía dar a cualquier artista, hombre o mujer, una carrera por su dinero y lo hizo. Valaida Snow estaba por encima de todos sus contemporáneos porque era un prodigio musical. Valaida era muy popular por su forma de tocar la trompeta. Era tan buena con la trompeta que la gente la llamaba "La mujer Louis Armstrong".
Valaida también sabía bailar. A veces bailaba sin mover los pies... podía hacer que su trompeta y su voz bailaran con la misma suavidad y gracia que sus pies. Valaida era embriagadora... esas fueron las cualidades que tomaron el mundo por asalto y ganaron los corazones de muchos incluso hasta el día de hoy Valaida sigue ganando corazones.

Ser una mujer con el talento de Valaida se consideraba una amenaza y a veces no se la tomaba en serio. Incluso en el lado negro del mundo del espectáculo, los hombres dominaban. Valaida era una mujer con talento, y no sólo una mujer bonita y glamurosa que cantaba y movía las caderas. Quería ser algo más que una simple vocalista en una banda de hombres. Los hombres se sentían amenazados por el talento de Valaida fuera del canto porque podía tocar cualquier nota más alta que cualquier trompetista masculino y arreglar y escribir canciones que eran tan buenas y rivalizaban con cualquier músico masculino. Los hombres del mundo del espectáculo pensaban que mientras las mujeres se mantuvieran en su lugar dejando que los hombres hicieran su trabajo de tocar los instrumentos, arreglar y escribir canciones y las mujeres se limitaran a cantar e interpretar el trabajo de los hombres, eso la ayudaría a convertirse en una estrella. Pero si una mujer, como Valaida Snow, intentaba superar a los músicos masculinos, los hombres intentaban cualquier cosa para hundirla. Los hombres no querían competir con una mujer, aunque ésta demostrara ser digna. Los hombres preferían que una mujer cantara con su banda en lugar de tocar o dirigir una banda y hacer arreglos y componer canciones. Pero con la voluntad fuerte e independiente y la fuerza motriz de Valaida, se impuso a pesar de los prejuicios por su raza y sexo.
Valaida Snow era una mercancía caliente en los Estados Unidos. La gente del negocio tenía miedo de perder a Valaida definitivamente en Europa cuando se fuera a actuar como Josephine Baker. La gente del negocio y los aficionados temían que Gran Bretaña le prometiera una carrera y una vida mejores y que Valaida no quisiera volver a Estados Unidos. Los Estados Unidos ya habían perdido a Josephine Baker, Adelaide Hall, Alberta Hunter y otras a Europa. A Valaida le encantaba la atención, la publicidad, el amor, la popularidad y ser la reina en Europa. Sin embargo, sabía que Estados Unidos era su hogar y volvía a visitarlo con frecuencia, aunque hizo su mejor trabajo en Europa y tuvo mucha libertad a la hora de grabar, escribir, producir, arreglar y ser una estrella.

En Europa, los artistas negros eran muy admirados y tratados como la realeza por la realeza. La reina Wilhemina quedó tan impresionada con la actuación de Valaida que la premió con una trompeta de oro y actores famosos como Maurice Chevalier acompañaron a Valaida a lugares famosos.
Cuando Valaida Snow se estrenó en el Colliseum de Londres el 25 de agosto de 1934, anunciada como una de las estrellas del espectáculo "Blackbirds", todavía era una artista prácticamente desconocida en Gran Bretaña. Sin embargo, Valaida ya había visto más del mundo que posiblemente nadie dentro y fuera del negocio, pero con seguridad y rapidez tomó al público británico por sorpresa. Gracias a su éxito, se quedó en Londres y pudo realizar la primera de sus extraordinarias grabaciones. Sus apariciones en los escenarios de Gran Bretaña fueron muy populares y le permitieron grabar, arreglar y componer con los mejores músicos británicos, tanto blancos como negros. Valaida escribió canciones sincopadas y rítmicas para bailar y escribió y cantó canciones que parecían describir los ritos de amor de las mujeres negras y creó canciones que identificaban la vida de los negros. Una canción escrita por Valaida Snow que fue su más popular y simplemente brillante fue "High Hat, Trumpet, And Rhythm" - Describe el tipo de intérprete que era Valaida Snow. Muchas de las canciones que escribió Valaida fueron grabadas por otros artistas de jazz, como "High Hat, Trumpet, And Rhythm", "I Want A Lot Of Love" y "Take Care Of You For Me". Las letras sencillas pero empoderadas de Valaida demostraron que era una excelente compositora.

 

Valaida fue uno de los primeros vocalistas negros en salirse de la norma al no limitarse a cantar jazz y blues negro. Valaida demostró que un vocalista negro podía cantar cualquier cosa y seguir teniendo ese "sentimiento negro" al cantar. Valaida grabó muchos estándares americanos/de Broadway, como "Singing in the Rain", "It Had To Be You", "Maybe I'm To Blame" y "Sing You Sinners", pero con su arte los transformó de canciones blancas de Tin Pan Alley a estándares de Jazz/Scat, y a veces cantó las canciones de la forma en que fueron escritas para ser cantadas, pero con el "toque suave de Valaida" cantó las canciones como si fueran suyas. La canción "I Wish I Were Twins" es uno de los mejores ejemplos del arte de Valaida Snow. La simpática banda de acompañamiento la apoya de manera oscilante, pero nunca eclipsa a la líder. El relativo éxito de ésta y de algunas de las grabaciones posteriores suscitó críticas muy favorables en la prensa inglesa, sobre todo porque Louis Armstrong también había sido escuchado en el país, pero entonces no pudo grabar. No es de extrañar que algunos críticos se refirieran a Valaida como "el pequeño Louis". Quien no pudo escuchar a Louis Armstrong en Europa, tuvo una pequeña muestra del estilo de Louis Armstrong a través de Valaida Snow. Ser comparada con Armstrong y ser llamada "La mujer Louis Armstrong" era un honor para Valaida, pero Valaida no era una imitadora, tenía un estilo propio y original y quería que la gente se diera cuenta de ello - de nuevo, en cierto modo, era sexista llamar a Valaida - La mujer Louis Armstrong... Valaida Snow era Valaida Snow. Aunque Louis Armstrong era el modelo de Valaida, ésta era sin duda una estrella genuina y original por derecho propio, a pesar de la innegable influencia de Satchmo.
La vida de Valaida estuvo llena de muchos fracasos amorosos y matrimonios fallidos. Tuvo un romance que la llevó a casarse con un joven y popular bailarín llamado Ananias Berry (miembro de los Berry Brothers), cuyos padres hicieron todo lo posible por poner fin a la unión debido a la diferencia de edad (Valaida tenía poco más de 30 años y Ananias menos de 20). Algunos dicen que el verdadero problema fue que el padre quería a Valaida y cuando no pudo conseguirla, seguramente no pudo soportar que el hijo y Valaida se interesaran el uno por el otro. Su familia se vengó de Valaida en cualquier oportunidad que tuvo, avergonzando públicamente a Valaida, incluyendo un intento cuando descubrieron que se había casado dos veces antes y se aseguraron de que se presentaran cargos de bigamia contra ella. Tuvo que enfrentarse a la posibilidad de ir a la cárcel en los tribunales. Valaida sufrió intentos de suicidio (entre bastidores en algunos espectáculos), alcoholismo, drogas y, según algunos, relaciones con personas del mismo sexo. Valaida hizo que la gente frunciera el ceño y también sonriera. Valaida fue la primera de las artistas negras en recibir tanta atención en la prensa. Era un tema candente en las secciones de cotilleo y entretenimiento de los periódicos de primera plana, tanto por sus gloriosos esfuerzos como por sus caídas. Valaida era la mujer del mundo del espectáculo de la que más se hablaba en la década de 1930, lo cual era un logro para una artista negra, aunque a Valaida no le gustaba la publicidad y luchaba contra ella, ya que muchos artistas negros deseaban tenerla. Muchas estrellas de la época se guardaban sus asuntos para sí mismas y hacían todo lo posible por ocultar sus actos personales al público y mantener una buena imagen, pero la vida de Valaida siempre fue noticia. Pasó por lo mismo que las estrellas de hoy, que no tienen privacidad. A la prensa le encantaba cotillear sobre ella, así como glorificarla.

Valaida tuvo una vida extraordinaria y trágica. Algunas fuentes dicen que tan trágica como la de Billie Holiday. Los periódicos negros seguían cada movimiento de Valaida con elogios y escrutinio. Valaida Snow era tan extravagante fuera del escenario como dentro de él. Valaida era conocida por su música, así como por los problemas que parecían seguirla siempre, pero también por sus glamurosos y extravagantes trajes, coches y ropa. Josephine Baker era conocida por escandalizar a la gente en Europa. Valaida escandalizaba a la gente en Estados Unidos con sus coches caros y de colores brillantes y con sus monos y su chófer vestidos con los mismos trajes. Vivió la vida de una estrella y disfrutó cada minuto de ella y también sufrió el lado trágico que parece perseguir a muchos grandes. Puede que hoy no se la recuerde mucho, pero la gente dentro y fuera del negocio tenía a Valaida Snow en alta estima.

La década de 1930 fue el punto álgido de la carrera de Valaida. Se convirtió en la mayor estrella de su carrera junto a Adelaide Hall, Ethel Waters y Josephine Baker. A lo largo de la década de 1930, Valaida fue la intérprete femenina más ocupada en el entretenimiento en los Estados Unidos y en el extranjero. A mediados de 1934, Valaida apareció en Inglaterra con una versión actualizada del espectáculo "Blackbirds" y realizó las primeras grabaciones con su propio nombre. Un año más tarde apareció en dos películas de Hollywood (y también apareció en películas europeas), pero estuvo poco tiempo en California antes de que una nueva gira la llevara de nuevo al Lejano Oriente y a la India. A lo largo de los años treinta, Valaida estuvo principalmente activa en Inglaterra y en Estados Unidos, pero no llegó el momento de volver a los Estados Unidos. Una buena amiga, Josephine Baker, advirtió a Valaida de que saliera de Europa lo más rápido posible, pues sabía que se avecinaba una ruptura. Pero Valaida llegó demasiado tarde...
Valaida Snow se habría convertido en una de las más grandes artistas de jazz del siglo XX, según algunos, de no haber sido por un trágico incidente durante el estallido de la Segunda Guerra Mundial que dañó y detuvo su carrera y le causó un gran sufrimiento hasta su muerte.
Al regresar a Dinamarca de una gira por Suecia, Valaida fue encarcelada por los nazis ocupantes en Copenhague y posteriormente fue internada en un campo de internamiento. Algunas fuentes dicen que Valaida fue encarcelada en una prisión o en un campo de concetración por consumo de drogas, pero Valaida se aferró a su historia durante muchos años y dijo que fue puesta injustamente en un campo de concentración. Con la ayuda de amigos influyentes, Valaida Snow fue canjeada y pudo regresar a su tierra natal a finales de 1942. Muchos dijeron que Valaida Snow nunca volvió a ser la misma mental y físicamente; a su regreso a los Estados Unidos, Valaida pesaba menos de 100 libras y parecía estar al borde de la muerte. La prensa sospechaba de la historia de Valaida de haber estado en un campo de concentración. La historia de Valaida fue a menudo objeto de burla y se mofaron de ella. Tanto si Valaida fue encarcelada por error como por derecho, no se puede imaginar el horror y el infierno que vivió. A pesar de sus terribles experiencias, fue capaz de hacer una pequeña reaparición en EE.UU. A sus 40 años, Valaida todavía podía llenar un club nocturno; atraía a los asistentes a las discotecas y a los compradores de discos. Su carrera nunca volvió a ser la misma que en los años 30 porque algunos dicen que perdió esa "magia" que la hacía tan atractiva. Sin embargo, siguió atrayendo al público hasta su muerte. El 30 de mayo de 1956, mientras actuaba en el Palace Theater de Brooklyn (Nueva York), Valaida sufrió un derrame cerebral y murió entre bastidores. Murió de la forma en que a muchos artistas les gustaría morir... actuando.
A pesar de lo que le ocurrió a Valaida a principios de la década de 1940, logró lo suficiente para ser recordada. Los historiadores del jazz y del entretenimiento son tontos si pasan por alto a una grande como Valaida Snow. Que puede ser considerada junto a Duke Ellington, Louis Armstrong e incluso Judy Garland.
Pero pase lo que pase, Valaida siempre supo que "el espectáculo debe continuar", un dicho que debería haberse creado para ella, porque pase lo que pase, siguió adelante y lo dio todo. Lo que le faltaba en la vida, lo compensaba con su talento. Valaida murió haciendo lo que hizo toda su vida... actuando. No creo que hubiera querido irse de otra manera.
Tengo que decir que si Valaida Snow existiera hoy en día, sería considerada una superestrella y un genio, con muchos premios y créditos a su nombre, pero aún hoy no existe Valaida Snow. Es única en su género.
Por fin se ha publicado un libro sobre Valaida Snow, maravillosamente escrito por Candace Allen. Creo que lo disfrutarás. Hágase un favor y léalo.
Si has disfrutado de la historia de Valaida Snow, ¡vuelve a la página principal para ver las historias y presentaciones de otras bellezas y talentos negros no reconocidos del escenario y la pantalla!

Zoot Sims • Recorded Live At E.J's

 

The music on this CD (69 min./10 tunes) has never been released before. The music was recorded live in a nightclub in Atlanta, Ga., in 1981, and features Zoot Sims with a top local rhythm section lead by pianist Yancey Korosi; local tenor sax-player Rick Bell sits in on the last three numbers Sims plays in an easy-swinging, mainstream jazz style, heavily influenced by Lester Young. The repertoire consists of tasty and tasteful standards, including tunes by Dizzy Gillespie, Duke Ellington, Fats Waller and Harold Arlen. As always, Zoot Sims uses his beautiful tone and lots of melody to tell his story, rather than firing off endless notes and runs. Mostly known for his tenor sax-playing, Sims also shows his fluency and warmth on soprano sax, for example on an up-tempo version of ”Softly, As in a Morning Sunrise”. Zoot Sims beautiful, warm tone and perfect phrasing stem from his major influence, Lester Young.

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La música de este CD (69 min./10 temas) no se ha publicado nunca antes. La música se grabó en directo en un club nocturno de Atlanta, Georgia, en 1981, y presenta a Zoot Sims con una sección rítmica local de primer orden, liderada por el pianista Yancey Korosi; el saxo tenor local Rick Bell interviene en los tres últimos números que Sims interpreta en un estilo de jazz fácil y corriente, muy influenciado por Lester Young. El repertorio se compone de sabrosos estándares, incluyendo temas de Dizzy Gillespie, Duke Ellington, Fats Waller y Harold Arlen. Como siempre, Zoot Sims utiliza su hermoso tono y mucha melodía para contar su historia, en lugar de disparar interminables notas y carreras. Conocido sobre todo por su forma de tocar el saxo tenor, Sims también muestra su fluidez y calidez con el saxo soprano, por ejemplo en una versión a ritmo de "Softly, As in a Morning Sunrise". El bello y cálido tono de Zoot Sims y su perfecto fraseo provienen de su mayor influencia, Lester Young.


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Big Joe Williams • Piney Woods Blues

 

Biography by Barry Lee Pearson

Big Joe Williams may have been the most cantankerous human being who ever walked the earth with guitar in hand. At the same time, he was an incredible blues musician: a gifted songwriter, a powerhouse vocalist, and an exceptionally idiosyncratic guitarist. Despite his deserved reputation as a fighter (documented in Michael Bloomfield's bizarre booklet Me and Big Joe), artists who knew him well treated him as a respected elder statesman. Even so, they may not have chosen to play with him, because -- as with other older Delta artists -- if you played with him you played by his rules.

As protégé David "Honeyboy" Edwards described him, Williams in his early Delta days was a walking musician who played work camps, jukes, store porches, streets, and alleys from New Orleans to Chicago. He recorded through five decades for Vocalion, OKeh, Paramount, Bluebird, Prestige, Delmark, and many others. According to Charlie Musselwhite, he and Big Joe kicked off the blues revival in Chicago in the '60s.

When appearing at Mike Bloomfield's "blues night" at The Fickle Pickle, Williams played an electric nine-string guitar through a small ramshackle amp with a pie plate nailed to it and a beer can dangling against that. When he played, everything rattled but Big Joe himself. The total effect of this incredible apparatus produced the most buzzing, sizzling, African-sounding music one would likely ever hear.

Anyone who wants to learn Delta blues must one day come to grips with the idea that the guitar is a drum as well as a melody-producing instrument. A continuous, African-derived musical tradition emphasizing percussive techniques on stringed instruments from the banjo to the guitar can be heard in the music of Delta stalwarts Charley Patton, Fred McDowell, and Bukka White. Each employed decidedly percussive techniques, beating on his box, knocking on the neck, snapping the strings, or adding buzzing or sizzling effects to augment the instrument's percussive potential. However, Big Joe Williams, more than any other major recording artist, embodied the concept of guitar-as-drum, bashing out an incredible series of riffs on his G-tuned nine-string for over 60 years.

https://www.allmusic.com/artist/big-joe-williams-mn0000060679/biography

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Biografía de Barry Lee Pearson

Big Joe Williams pudo haber sido el ser humano más cantankerous que alguna vez caminó la tierra con la guitarra en la mano. Al mismo tiempo, era un increíble músico de blues: un compositor dotado, un vocalista poderoso y un guitarrista excepcionalmente idiosincrásico. A pesar de su merecida reputación como luchador (documentado en el extraño folleto de Michael Bloomfield, Me and Big Joe), los artistas que lo conocían bien lo trataron como un respetado estadista. Aun así, es posible que no hayan elegido jugar con él, porque, al igual que con otros artistas antiguos de Delta, si jugaste con él, jugaste según sus reglas.

Como lo describió el protegido David "Honeyboy" Edwards, Williams, en sus primeros días en el Delta, era un músico ambulante que tocaba campos de trabajo, jukes, porches de tiendas, calles y callejones desde Nueva Orleans hasta Chicago. Grabó durante cinco décadas para Vocalion, OKeh, Paramount, Bluebird, Prestige, Delmark y muchos otros. Según Charlie Musselwhite, él y Big Joe iniciaron el renacimiento del blues en Chicago en los años 60.

Cuando apareció en la "noche de blues" de Mike Bloomfield en The Fickle Pickle, Williams tocó una guitarra eléctrica de nueve cuerdas a través de un pequeño amplificador desvencijado con un plato de pastel clavado y una lata de cerveza colgando contra eso. Cuando él jugó, todo lo sacudió, excepto el mismo Big Joe. El efecto total de este increíble aparato produjo la música más vibrante, que chisporrotea y que suena en África, que es probable que alguna vez escuche.

Cualquiera que quiera aprender Delta blues debe algún día aceptar la idea de que la guitarra es un tambor y un instrumento que produce melodías. En la música de los incondicionales Charley Patton, Fred McDowell y Bukka White se puede escuchar una tradición musical continua derivada de África que enfatiza las técnicas de percusión en instrumentos de cuerda desde el banjo hasta la guitarra. Cada uno empleó técnicas decididamente de percusión, golpeando en su caja, golpeando el cuello, rompiendo las cuerdas o agregando zumbidos o chisporroteantes para aumentar el potencial de percusión del instrumento. Sin embargo, Big Joe Williams, más que cualquier otro artista de grabación importante, encarnó el concepto de guitarra como batería, tocando una increíble serie de riffs en sus nueve cuerdas afinadas en G durante más de 60 años.

https://www.allmusic.com/artist/big-joe-williams-mn0000060679/biography

 

The Jazzpickers & Red Norvo • Command Performance

Harry Babasin (19 de marzo de 1921, Dallas, Texas - 21 de mayo de 1988, Los Ángeles, California) fue un contrabajista y violonchelista estadounidense de jazz.
Tras tocar en orquesta locales de Texas, se trasladó a Nueva York, donde entró a formar parte de las big bands de Gene Krupa, Charlie Barnet y, en 1945 y ya instalado en California, Benny Goodman, con el que participa en el film , A Song Is Born. Después tocó con Woody Herman y con su propio grupo, The Jazz Pickers. Más tarde se convertirá en uno de los sidemen más solicitados de la escena de la Costa Oeste, formando con frecuencia sección con el batería Roy Harte. En sus últimos años, trabajó básicamente para bandas sonoras de cine y televisión.

Su estilo se caracterizaba por el uso frecuente de los registros agudos y el walking bass, siendo además pionero en el uso del violonchelo tocado en pizzicato (1947, en grabaciones con el pianista Dodo Marmarosa).

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Yervant Harry Babasin, Jr. (19 March 1921 Dallas, Texas - 21 May 1988 Los Angeles) was an American jazz bassist. His nickname was "The Bear".
Babasin was born in Texas to an American mother and an Armenian father. He attended North Texas State University, one of many noted jazz alumni from the school. Among them were Jimmy Giuffre, with whom Babasin played in Bill Ware's orchestra around 1940, and Herb Ellis, who played with Babasin in the Charlie Fisk Orchestra starting in 1942. Fisk actually fired his rhythm section after hearing Ellis and Babasin play, and after he was admitted, Babasin quit school to go on tour with Fisk. He also toured in the 1940s with Jimmy Joy, Bob Strong, Billie Rogers, Gene Krupa, Charlie Barnet, Boyd Raeburn, Benny Goodman, Woody Herman, Frank DeVol, and Jerry Gray. He also appeared in A Song Is Born, one of many jazz stars to play roles in the film. On the set of the film, he met Brazilian guitarist Laurindo Almeida, and the two began jamming together; along with Roy Harte and Bud Shank, their quartet was an early experiment blending Brazilian music and jazz. Their 1954 10" discs are predecessors to the bossa nova explosion of the late 1950s and early 1960s.
In 1947, he recorded the first cello solos known in jazz music, with the Dodo Marmarosa Trio. In order to do so, he tuned his strings in fourths. In later cello ensembles he added a bass player. He and Oscar Pettiford did a session together with two cellos. In the mid-1950s, he put together his own ensemble, Harry Babasin & the Jazzpickers, who played regularly at the Purple Onion in Hollywood; this ensemble released three albums. One recording of note was made in 1952 at the Tradewinds nightclub in Inglewood. It features Charlie Parker, Chet Baker, Sonny Criss, Al Haig, Larance Marable, and Harry, in one of Bird's few West Coast appearances.
His career cooled in the 1960s, returning to work with Charlie Barnet and supporting Bob Hope on USO tours. In the 1970s he and Harte initiated the Los Angeles Theaseum, a jazz archive and preservation society. Some of the recordings preserved through this effort were released on the Jazz Chronicles label.
Babasin's last tour was given in 1985 with John Banister on piano. Babasin died of emphysema three years later, having participated in possibly as many as 1,500 recordings.

Nightcrawlers • Down In The Bottom

Editorial Reviews
Greasy organ quintet backed up by jazz orchestra that conjures up memories of 60s Jimmy Smith albums.
A who s who of Canadian jazz!
Great arrangements from the likes of Jack McDuff, Hank Marr, and Dr. Lonnie Smith.


Review
With the dog days approaching, Presenting captures the cool, refreshing atmosphere of The Cellar Jazz Club ... faithful to the funky organ music made in the 60s and 70s by the likes of Big John Patton and Charles Earland. --All About Jazz


Review
Various shades of indigo, as in the blues, are more than suggested on Down in the Bottom, by Vancouver, Canada's The Night Crawlers. The music is crafted around the alliterative, musical hyperbole-flinging sound of the Hammond B3 organ. Cofounder Cory Weeds suggests that this is tribute to the Hammond B3 bands of the '50s and '60s, but that is where all comparison ends. The verve and depth of soulful musical excursions bring a unique character to the music produced by The Night Crawlers. This is music of the highest degree of creativity; a truly honest aural experience, wrought by a certain communal aspect of performance that seems to have almost vanished today.

The lean, yet sinewy arrangements have a force that enables the music to cascade over conscious listening and bury itself into the memory, where it takes hold of the inner ear. Chris Gestrin's stellar turn on the Hammond B3 recalls the magic of Booker T, Lonnie Smith, and the great Jimmy Smith as well, as he creates wave after wave of oceanic sound with his cohort of brass and woodwinds. And they rise up to the call every time they are poked and prodded by the crashing chords that Gestrin uses to lure them in. Weeds finds the biggest sound on the alto saxophone, echoing with heroism and soaring glissandos. Steve Kaldestad's dry roar on tenor saxophone is no less gigantic, but it is Gestrin who is always in the pocket, with one command performance after the other. The charts seem to have been written just for his genius, and the mighty cresting and falling continues from "Apercu" through "Goin' Down," "Zattitude," Lonnie Smith's "Love Bowl" and the tantalizing "Modal Issue."

Lest there seem to be just one pivot for this memorable performance, it must be said that baritone saxophonist, Chad Makela carves the air with the mighty harmonics of his big horn. His searing solo on "Zattitude" reaches for the heart of the melody, draws it out and twists and turns it inside out, imparting an elasticity to it that gives his harmonic turn an almost gymnastic quality to it. And guitarists Dave Sikula and Bill Coon bring a driving harmony to the charts whenever they step out and solo as well.

The surprise and somewhat of a highlight on the album is "Moonlight in Vermont." There is a certain taut emotion throughout this chart that is reminiscent of the great arrangements that Quincy Jones made for the Basie Band, when he wrote and arranged for them. This ballad breaks the mould of the blues that peppers the album, but it is outstanding. Chris Davis cries his way through several choruses in one of his best solos on record and Gestrin weeps and wails with high emotion as well. If this band were a more regular working group the world might be a better place because of their superlative music which seems to flow like a force of nature.
https://www.allaboutjazz.com/down-in-the-bottom-the-night-crawlers-cellar-live-review-by-raul-dgama-rose

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Reseñas editoriales
Quinteto de órgano grasiento respaldado por una orquesta de jazz que evoca recuerdos de los álbumes de Jimmy Smith de los años 60.
Un "quién es quién" del jazz canadiense.
Grandes arreglos de la talla de Jack McDuff, Hank Marr, y Dr. Lonnie Smith.


Reseña
Con la llegada de los días de calor, Presenting captura la atmósfera fresca y refrescante de The Cellar Jazz Club.
refrescante de The Cellar Jazz Club ... fiel a la música de órgano funky hecha en los años 60 y 70 por gente como Big John Patton y Charles Earland. -Todo sobre el Jazz


Reseña
Varios tonos de índigo, como en el blues, están más que sugeridos en Down in the Bottom, de los canadienses The Night Crawlers, de Vancouver. La música está elaborada en torno al sonido aliterado e hiperbólico del órgano Hammond B3. Su cofundador, Cory Weeds, sugiere que se trata de un homenaje a las bandas de Hammond B3 de los años 50 y 60, pero ahí acaban las comparaciones. El brío y la profundidad de las excursiones musicales con alma aportan un carácter único a la música producida por The Night Crawlers. Se trata de música del más alto grado de creatividad; una experiencia auditiva verdaderamente honesta, forjada por un cierto aspecto comunitario de la actuación que parece haber desaparecido hoy en día.

Los arreglos, delgados y sinuosos, tienen una fuerza que permite que la música caiga en cascada sobre la escucha consciente y se entierre en la memoria, donde se apodera del oído interno. La actuación estelar de Chris Gestrin en el Hammond B3 recuerda la magia de Booker T, Lonnie Smith y el gran Jimmy Smith, ya que crea una ola tras otra de sonido oceánico con su cohorte de metales y maderas. Y se levantan a la llamada cada vez que son pinchados y empujados por los acordes chocantes que Gestrin utiliza para atraerlos. Weeds encuentra el mayor sonido en el saxofón alto, que resuena con heroísmo y glissandos de gran altura. El rugido seco de Steve Kaldestad en el saxo tenor no es menos gigantesco, pero es Gestrin quien está siempre en el bolsillo, con una actuación de mando tras otra. Los gráficos parecen haber sido escritos sólo para su genio, y el poderoso cresteo y caída continúa desde "Apercu" hasta "Goin' Down", "Zattitude", "Love Bowl" de Lonnie Smith y la tentadora "Modal Issue".

Para que no parezca que sólo hay un eje en esta memorable actuación, hay que decir que el saxofonista barítono Chad Makela esculpe el aire con los poderosos armónicos de su trompa. Su abrasador solo en "Zattitude" llega al corazón de la melodía, la extrae y la retuerce, dándole una elasticidad que confiere a su giro armónico una cualidad casi gimnástica. Y los guitarristas Dave Sikula y Bill Coon aportan una armonía impulsora a los gráficos cada vez que salen y hacen un solo.

La sorpresa y algo más destacado del álbum es "Moonlight in Vermont". Hay una cierta emoción tensa a lo largo de este tema que recuerda a los grandes arreglos que Quincy Jones hacía para la Basie Band, cuando escribía y arreglaba para ellos. Esta balada rompe el molde del blues que salpica el álbum, pero es excepcional. Chris Davis llora durante varios estribillos en uno de sus mejores solos del disco y Gestrin también llora y se lamenta con gran emoción. Si esta banda fuera un grupo de trabajo más regular, el mundo podría ser un lugar mejor gracias a su música superlativa, que parece fluir como una fuerza de la naturaleza.
https://www.allaboutjazz.com/down-in-the-bottom-the-night-crawlers-cellar-live-review-by-raul-dgama-rose


coryweeds.com/events/the-nightcrawlers ...

Xavier Cugat • Twist With Cugat

Artist Biography

Xavier Cugat was the first bandleader to front a successful Latin orchestra in the United States. He was largely responsible for popularizing Latin music among North American audiences, paving the way for such future stars as Perez Prado, and Tito Puente.

Sources differ widely on Cugat's early life and career. It seems, though, that he was born on January 1, 1900, in the Catalonian region of Spain and moved to Cuba with his family when he was only a few years of age. A child prodigy on the violin, at age 12 he earned a seat as first violin with the orchestra of the Teatro Nacional in Havana. The young Cugat also apparently struck up a friendship with famed opera singer Enrico Caruso, who brought him to America near the end of the First World War. In New York Cugat met pianist and fellow Catalonian Agusto Borgunyó. Together they formed a classical duo.

In the early 1920s Cugat decided to abandon classical for popular music. His main interest lay in Latin rhythms, and picking up on the tango craze he formed a short-lived band called the Gigolos. He spent the next few years playing odd engagements and working with such popular orchestras as those of Vincent Lopez and Phil Harris. In the late 1920s he jumped on the sound movie bandwagon and formed a new version of the Gigolos. With this group he finally achieved a modicum of success, opening at the Los Angeles Coconut Grove in 1928 and appearing in the 1929 film Mexicana.

Cugat worked in Anson Weeks' orchestra during the early 1930s before forming a new outfit of his own. He continued to lead his band throughout the 1930s and into the 1940s, spending a great deal of time at the Waldorf- Astoria Hotel in New York. Cugat also had his own radio program. In the early 1930s he had a big hit with the song ''El Manicero'' (''The Peanut Vendor''), which started a rumba craze across America. His other hits were “Perfida” in 1940, and the original recording of “Babalu” in 1944. Cugat’s band always had very fine musicians and singers, and he put on a top notch performance on stage.

He was married five times, including to two of his vocalists, Abbe Lane and in the ‘60’s to Charo, who incidentally is still capitalizing on her association with him. He used his popularity in the music business to also have a very successful film career and made scores of film 1930 to 1960. During the ‘50’s and 60’s Cugat continued performing and recording, both on the Mercury and Decca labels. He left quite a recorded history and his music is still very popular today, and always sells. He briefly had his own television program in 1957 and also spent time in Europe directing Italian television. He was also quite a talented cartoonist and his caricatures are now valued by collectors. Cugat retired from show business in 1971 after suffering a stroke. In 1978 he settled in Barcelona.

Xavier Cugat died in 1990 from heart failure.

https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat

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Biografía del artista
Xavier Cugat fue el primer director de orquesta en liderar una exitosa orquesta latina en Estados Unidos. Fue en gran parte responsable de popularizar la música latina entre el público norteamericano, allanando el camino para futuras estrellas como Pérez Prado y Tito Puente.

Las fuentes difieren ampliamente sobre los comienzos de la vida y la carrera de Cugat. Parece, sin embargo, que nació el 1 de enero de 1900 en la región catalana de España y se trasladó a Cuba con su familia cuando sólo tenía unos pocos años de edad. Niño prodigio del violín, a la edad de 12 años obtuvo un asiento como primer violín con la orquesta del Teatro Nacional de La Habana. Al parecer, el joven Cugat también entabló una amistad con el famoso cantante de ópera Enrico Caruso, que lo trajo a América cerca del final de la Primera Guerra Mundial. En Nueva York, Cugat conoció al pianista y compatriota catalán Agusto Borgunyó. Juntos formaron un dúo clásico.

A principios de la década de 1920, Cugat decidió abandonar la música clásica por la música popular. Su interés principal residía en los ritmos latinos, y recogiendo la moda del tango formó una banda de corta duración llamada The Gigolos. Pasó los siguientes años tocando en compromisos extraños y trabajando con orquestas tan populares como las de Vincent Lopez y Phil Harris. A finales de la década de 1920 se subió al tren de las películas de sonido y formó una nueva versión de los Gigolos. Con este grupo finalmente logró un mínimo éxito, abriendo en Los Angeles Coconut Grove en 1928 y apareciendo en la película Mexicana de 1929.

Cugat trabajó en la orquesta de Anson Weeks a principios de la década de 1930 antes de formar su propio equipo. Continuó dirigiendo su banda durante los años 30 y 40, pasando mucho tiempo en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York. Cugat también tenía su propio programa de radio. A principios de la década de 1930 tuvo un gran éxito con la canción ''El Manicero'' (''El Manicero''), que inició una locura de rumba en toda América. Sus otros éxitos fueron "Perfida" en 1940 y la grabación original de "Babalu" en 1944. La banda de Cugat siempre tuvo músicos y cantantes muy buenos, y él hizo una actuación de primera clase en el escenario.

Se casó cinco veces, incluyendo a dos de sus vocalistas, Abbe Lane y en los años 60 con Charo, quien por cierto sigue capitalizando su asociación con él. Utilizó su popularidad en el negocio de la música para tener también una carrera cinematográfica muy exitosa e hizo partituras de películas de 1930 a 1960. Durante los años'50 y'60 Cugat continuó tocando y grabando, tanto en los sellos Mercury como Decca. Dejó una historia bastante grabada y su música sigue siendo muy popular hoy en día, y siempre se vende. Tuvo brevemente su propio programa de televisión en 1957 y también pasó un tiempo en Europa dirigiendo la televisión italiana. También era un caricaturista con mucho talento y sus caricaturas son ahora muy apreciadas por los coleccionistas. Cugat se retiró del mundo del espectáculo en 1971 tras sufrir un derrame cerebral. En 1978 se instaló en Barcelona.

Xavier Cugat murió en 1990 de un paro cardíaco.
https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat