Willis Jackson • Loose

Biography

An exciting tenor saxophonist whose honking and squeals (although influenced by Illinois Jacquet) were quite distinctive, Willis Jackson was also a strong improviser who sounded perfectly at home with organ groups. He played locally in Florida early on, until joining Cootie Williams (on and off during 1948-1955). His two-sided honking feature "Gator Tail" with "Cootie" (which earned Williams a lifelong nickname) was a hit in 1948, and he started recording as a leader in 1950. Jackson had a romantic and creative partnership with singer Ruth Brown for eight years, and often appeared on her recordings during this era. His extensive series of Prestige recordings (1959-1964) made him a big attraction on the organ circuit. Although generally overlooked by critics, Willis Jackson continued working steadily in the 1970s and '80s. In 1977, he recorded one of the finest albums of his career for Muse, Bar Wars.

Jackson died in New York City one week after heart surgery, in October 1987, at the age of 55.

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Biografía

Un excitante saxofonista tenor cuyos bocinazos y chillidos (aunque influenciado por Illinois Jacquet) eran bastante distintivos, Willis Jackson era también un fuerte improvisador que sonaba perfectamente en casa con los grupos de órgano. Tocó localmente en Florida desde el principio, hasta que se unió a Cootie Williams (de vez en cuando durante 1948-1955). Su característica de tocar la bocina por los dos lados "Gator Tail" con "Cootie" (lo que le valió a Williams un apodo de por vida) fue un éxito en 1948, y comenzó a grabar como líder en 1950. Jackson tuvo una relación romántica y creativa con la cantante Ruth Brown durante ocho años, y a menudo apareció en sus grabaciones durante esta época. Su extensa serie de grabaciones de Prestige (1959-1964) lo convirtió en una gran atracción en el circuito de los órganos. Aunque generalmente pasado por alto por los críticos, Willis Jackson continuó trabajando firmemente en los años 70 y 80. En 1977, grabó uno de los mejores álbumes de su carrera para Muse, Bar Wars.

Jackson murió en la ciudad de Nueva York una semana después de una operación de corazón, en octubre de 1987, a la edad de 55 años.

 

Paul Desmond Quartet ‎• East of the Sun

Paul Desmond was revered for the pure, gentle tone of his alto saxophone, and the elegant lyricism of his improvisations. For seventeen years he was the lead soloist in the most commercially successful jazz combo ever, the Dave Brubeck Quartet. In an era that worshipped the frenetic, bebop style of Charlie Parker, Paul Desmond found his own sound, a tone that he claimed imitated a "dry martini." It was a sound that made him a favourite with critics and fans alike, and won him jazz poll after jazz poll. "I have won several prizes as the world's slowest alto player, as well as a special award in 1961 for quietness." He was a modest, retiring man, known to his friends for his wit and charm. Twenty years after his death from cancer, his music still sells, is still played, and still moves people.

To me his lyricism has never been equalled, as far as logic and lyricism combined, because there's always a strand going back some place in his melodies, and in his choruses that shows a great intellect combined with a great emotionalism, and usually you don't find the two things in one person. —Dave Brubeck

Born in San Francisco in 1924, Desmond was one of the leading proponents of the West Coast "cool" style. Influenced by Lester Young and Pete Brown he originally played clarinet in the big bands of Jack Fina and Alvino Rey. But it was his simpatico partnership with the formally-trained pianist Dave Brubeck that rocketed him to fame on the concert stages of the world. Desmond's melodic solos were in marked contrast to the polytonal rhythms of Brubeck, but somehow they clicked and drove each other to greatness. After meeting and playing together in the late 40s, they formed the Dave Brubeck Quartet in 1951 and never looked back.

For the critics it was a strange musical relationship. Some found Brubeck's playing heavy-handed. In one Down Beat review he was described as "oftimes loud and pounding and seemingly at a loss for melodic ideas." Desmond meanwhile was gaining a reputation for his "original, intensely personal style." Famed critic Nat Hentoff called him "one of the most creative figures in modern jazz." No wonder that articles started appearing questioning the basis of the Desmond-Brubeck collaboration. In 1953, Down Beat proclaimed, "It is again a case where the sideman (in this instance Desmond) seems to be quite superior to the leader as a jazzman." But through their years together Desmond remained remarkably loyal to his partner, "There's certainly nobody else with whom I would have stuck around this long." Perhaps it was their uncanny ability to play counterpoint that endeared them to their fans and to each other. Theirs was a musical rapport that Desmond described as "kind of scary."

They toured the world, playing 300 concerts a year, and had a Columbia recording contract that called for four albums a year. In 1959, Desmond penned the first million-seller, jazz single, "Take Five". It became the theme for the Quartet, de rigueur at all their concert appearances, and it made Desmond a small fortune in royalties.

At the time I really thought it was kind of a throw-away. I was ready to trade the entire rights, lifetime-wise of "Take Five" for a used Ronson electric razor. And the thing that makes "Take Five" work is the bridge, which we almost didn't use. We really came within ... I shudder to think how close we came to not using that, because I said "Well I got this theme that we could use for a middle part". And Dave said, "Well let's run it through." And that's what made "Take Five". - Paul Desmond

When the Quartet split up in 1967, Desmond unofficially retired. He was 43 years old, and he didn't play his horn again for three years. Officially he was writing a humorous memoir of his years on the road with the Quartet, to be titled How Many of You Are There in the Quartet? — a question invariably asked by airline stewardesses. The book never appeared. Desmond who had studied creative writing and loved the "concept" of being a writer never got around to it. The closest he came was one hilarious chapter that appeared in the British humour magazine, Punch.

One thing I learned during the years of not playing — I started hanging out in the bar in New York called Elaine's, where a lot of heavyweight writers spend a lot of time, and I discovered over a year or so that almost all of them have secret Walter Mitty dreams of becoming jazz players. And I figure that it's a dumb move to trade a fairly secure place in the world of jazz for Number 493 Unemployed Humorist. - Paul Desmond

Eventually he was coaxed out of retirement to play occasional gigs with his friends. He fronted a quartet featuring guitarist Jim Hall for two weeks at the "Half Note" in New York City, and broke their attendance record. At the New Orleans Jazz Festival he played a soaring set with Gerry Mulligan. As guest soloist he ventured out with the Modern Jazz Quartet for a 1971 Christmas concert. He blew on a couple of albums with his old friend Chet Baker. He appeared with Dave Brubeck in a series of concerts called "Two Generations of Brubeck" in which Dave played with his musical sons, and in 1976, the Quartet reunited for the Silver Anniversary Tour. They were greeted with enthusiasm wherever they played until the deteriorating eyesight of drummer Joe Morello cut short the tour. But his best work of the period was a happy collaboration with three Toronto musicians. Jim Hall talked him into coming to Toronto to play with Canada's premier jazz guitarist Ed Bickert. So thrilled was he with his first two weeks at Toronto's "Bourbon Street", that Desmond rushed back to New York and talked record producer Creed Taylor into flying Bickert in so that he could record an album with him. Desmond appeared only half a dozen times with his "Canadian Quartet" — Ed Bickert on guitar, Don Thompson on bass, and Jerry Fuller on drums. Fortunately Don Thompson also doubles as a recording engineer, and a number of the club dates were recorded and released. The group also appeared on CBC-TV's Take 30, and were recorded at the Edmonton Jazz Festival.

He was great to play with. He was very easy, because harmonically there was a real clear logic in everything he played musically. The harmony was always right, the melodies were always right. His time was amazing. You don't think of Paul Desmond as a real swinging musician, he's not famous for that. But he had really great time feel, he really did swing beautifully. Playing with him, you really couldn't go wrong. It was really easy to play." - Don Thompson

At first glance, his seems a small, perhaps insignificant, career. Was he just a minor figure in a jazz landscape of greats? One of the greats, Charlie Parker, named him as his favourite alto player. Julian "Cannonball" Adderley, an arch rival in various jazz polls said, "I believe that Paul Desmond shares with Benny Carter the title of most lyrical altoist. He is a profoundly beautiful player." Though various critics credited the success of the Dave Brubeck Quartet to Desmond's horn, others over-looked his playing as "too pretty". Brubeck himself, thought that Desmond lacked ambition, but was upset when he signed a deal with RCA to record on his own, while still part of the Quartet. That RCA deal called for two albums a year and led to an incredible series of recording dates with guitarist Jim Hall, and the Modern Jazz Quartet drummer Connie Kay. Standards such as "I Get a Kick Out of You" and "For All We Know" shared album space with Desmond originals like "Take Ten", and "El Prince". They recorded fifty tunes in all, plus an album with strings. There were also two albums with a Desmond/Gerry Mulligan quartet. Then in the 70s he changed labels to CTI, and did half a dozen more albums, proving once again that he was more than just a sideman.

Desmond's pure tone, the ingenuity of his melodic lines, his harmonic resourcefulness, the musical wit that reflected his literate and sophisticated personality, made him one of the most personal and appealing of all jazz stylists. —Doug Ramsey

Though a mild-mannered, professorial-looking man, Desmond was capable of strong emotion. When pushed musically he rose to the occasion, turning out chorus after brilliant chorus. But he was also a moody man. When drummer Joe Morello joined the Quartet in 1956, Desmond disliked his crowd-pleasing performances so much that he threatened to quit the Quartet. Instead, though they shared the same concert stage nearly every night, he didn't speak to Morello for a year. Eventually they became friends, but Desmond could often be found backstage, reading a book during Morello's extended drum solo on "Take Five".

His friends called him "the perennial bachelor" — few knew that he had been married early in life. He had a reputation as a lady's man, and was often seen accompanied by gorgeous models. When pianist Marian McPartland asked him about his dates he punned, "Sometimes they go around with guys who are scuffling — for a while. But usually they end up marrying some cat with a factory. This is the way the world ends, not with a whim but a banker." Despite his many friends, Gene Lees wrote that Desmond was the "loneliest man" he ever knew.

His last concert was with Dave Brubeck in February, 1977 at New York's Avery Fisher Hall. Observers noted that he seemed out of shape, needing 2 or 3 breaths to complete a phrase that he usually did with one great gasp. His many fans didn't know that he was dying, and incapable of the level of playing that he was famous for.

Paul never said it would be the end. But we knew he was getting weaker and weaker. So he just played the second half. And when it came time for the encore, because the whole audience wanted Paul back onstage he said the old cliche "Leave em wanting more." And we didn't go back on. - Dave Brubeck

In a business where booze and drugs abound, his drinking was legendary, but it was three packs a day that caught up with him in May of that year. Much to his own amusement his liver was fine, "Pristine, one of the great livers of our time. Awash in Dewars and full of health." He had spoken to Don Thompson earlier that month, making plans to play New York with his quartet, but he never made it.

His friends tell of his last weeks, when an old friend, jazz legend Charles Mingus, appeared at his apartment draped in a swirling black cape and a matching Spanish cowboy hat. He stood in silent vigil at Desmond's bedside. Then slowly, Desmond awoke. Looking up, he searched his memory, trying to make sense of the image looming before him. Finally it clicked — the hooded harvester from Ingmar Bergman's The Seventh Seal. "Okay, set up the chess board." And he grinned.

One of the things I thought about after Paul died was that it was really a shame because he would have been a really great old man. I could see him about 70-75 years old — he would have been terrific just to talk to and hang out with. —Jim Hall
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-desmond/

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Paul Desmond era venerado por el tono puro y gentil de su saxofón alto y el elegante lirismo de sus improvisaciones. Durante diecisiete años fue el solista principal del combo de jazz más exitoso comercialmente de la historia, el Dave Brubeck Quartet. En una época que adoraba el frenético estilo bebop de Charlie Parker, Paul Desmond encontró su propio sonido, un tono que, según él, imitaba un "martini seco"."Fue un sonido que lo convirtió en el favorito de críticos y fanáticos por igual, y le valió una encuesta de jazz tras otra. "He ganado varios premios como el violinista más lento del mundo, así como un premio especial en 1961 por tranquilidad."Era un hombre modesto y retirado, conocido por sus amigos por su ingenio y encanto. Veinte años después de su muerte por cáncer, su música todavía se vende, todavía se toca y todavía conmueve a la gente.

Para mí, su lirismo nunca ha sido igualado, en lo que respecta a la lógica y el lirismo combinados, porque siempre hay un hilo que regresa a algún lugar en sus melodías y en sus coros que muestra un gran intelecto combinado con un gran emocionalismo, y generalmente no encuentras las dos cosas en una persona. - Dave Brubeck

Nacido en San Francisco en 1924, Desmond fue uno de los principales defensores del estilo "cool" de la Costa Oeste. Influenciado por Lester Young y Pete Brown, originalmente tocaba el clarinete en las grandes bandas de Jack Fina y Alvino Rey. Pero fue su asociación simpática con el pianista de formación formal Dave Brubeck lo que lo impulsó a la fama en los escenarios de conciertos del mundo. Los solos melódicos de Desmond contrastaban marcadamente con los ritmos politonales de Brubeck, pero de alguna manera hicieron clic y se llevaron unos a otros a la grandeza. Después de conocerse y tocar juntos a finales de los 40, formaron el Dave Brubeck Quartet en 1951 y nunca miraron atrás.

Para los críticos fue una extraña relación musical. Algunos encontraron que Brubeck está jugando con mano dura. En una reseña de Down Beat, fue descrito como "a menudo ruidoso y palpitante y aparentemente sin ideas melódicas. Mientras tanto, Desmond estaba ganando reputación por su "estilo original e intensamente personal". El famoso crítico Nat Hentoff lo llamó "una de las figuras más creativas del jazz moderno."No es de extrañar que comenzaran a aparecer artículos cuestionando la base de la colaboración Desmond-Brubeck. En 1953, Down Beat proclamó: "Nuevamente es un caso en el que el acompañante (en este caso Desmond) parece ser bastante superior al líder como jazzista."Pero a lo largo de sus años juntos, Desmond se mantuvo notablemente leal a su pareja", ciertamente no hay nadie más con quien me hubiera quedado tanto tiempo."Quizás fue su extraña habilidad para tocar el contrapunto lo que los hizo querer por sus fanáticos y entre ellos. La suya fue una relación musical que Desmond describió como " un poco aterradora."

Realizaron giras por el mundo, tocando en 300 conciertos al año, y tenían un contrato de grabación con Columbia que exigía cuatro álbumes al año. En 1959, Desmond escribió el primer sencillo de jazz con un millón de ventas, "Take Five". Se convirtió en el tema del Cuarteto, de rigor en todas sus apariciones en conciertos, y le valió a Desmond una pequeña fortuna en regalías.

En ese momento realmente pensé que era una especie de descarte. Estaba listo para intercambiar todos los derechos, de por vida, de "Take Five" por una afeitadora eléctrica Ronson usada. Y lo que hace que "Take Five" funcione es el puente, que casi no usamos. Realmente vinimos adentro ... Me estremezco al pensar lo cerca que estuvimos de no usar eso, porque dije "Bueno, obtuve este tema que podríamos usar para una parte intermedia". Y Dave dijo :" Bueno, repasémoslo."Y eso es lo que hizo "Take Five". - Paul Desmond

Cuando el Cuarteto se separó en 1967, Desmond se retiró extraoficialmente. Tenía 43 años y no volvió a tocar la bocina durante tres años. Oficialmente, estaba escribiendo una memoria humorística de sus años de gira con el Cuarteto, que se titularía ¿Cuántos de Ustedes hay en el Cuarteto? - una pregunta que invariablemente hacen las azafatas de las aerolíneas. El libro nunca apareció. Desmond, que había estudiado escritura creativa y amaba el "concepto" de ser escritor, nunca llegó a hacerlo. Lo más cerca que estuvo fue un capítulo hilarante que apareció en la revista de humor británica Punch.

Una cosa que aprendí durante los años que estuve sin tocar: comencé a pasar el rato en el bar de Nueva York llamado Elaine's, donde muchos escritores de peso pesado pasan mucho tiempo, y descubrí durante más o menos un año que casi todos ellos tienen sueños secretos de Walter Mitty de convertirse en músicos de jazz. Y me imagino que es una tontería cambiar un lugar bastante seguro en el mundo del jazz por el humorista desempleado Número 493. - Paul Desmond

Eventualmente fue sacado de su retiro para tocar ocasionalmente con sus amigos. Lideró un cuarteto con el guitarrista Jim Hall durante dos semanas en el "Half Note" en la ciudad de Nueva York, y rompió su récord de asistencia. En el Festival de Jazz de Nueva Orleans tocó un set altísimo con Gerry Mulligan. Como solista invitado se aventuró con el Cuarteto de Jazz Moderno para un concierto navideño de 1971. Grabó un par de álbumes con su viejo amigo Chet Baker. Apareció con Dave Brubeck en una serie de conciertos llamados "Two Generations of Brubeck" en los que Dave tocó con sus hijos musicales, y en 1976, el Cuarteto se reunió para la gira Silver Anniversary Tour. Fueron recibidos con entusiasmo dondequiera que tocaran hasta que el deterioro de la vista del baterista Joe Morello interrumpió la gira. Pero su mejor trabajo de la época fue una feliz colaboración con tres músicos de Toronto. Jim Hall lo convenció de venir a Toronto para tocar con el principal guitarrista de jazz de Canadá, Ed Bickert. Tan emocionado estaba con sus primeras dos semanas en la "Calle Bourbon" de Toronto, que Desmond regresó apresuradamente a Nueva York y convenció al productor discográfico Creed Taylor para que llevara a Bickert para que pudiera grabar un álbum con él. Desmond apareció solo media docena de veces con su "Cuarteto Canadiense": Ed Bickert a la guitarra, Don Thompson al bajo y Jerry Fuller a la batería. Afortunadamente, Don Thompson también se desempeña como ingeniero de grabación, y varias de las fechas del club fueron grabadas y lanzadas. El grupo también apareció en Take 30 de CBC-TV y se grabó en el Festival de Jazz de Edmonton.

Era genial jugar con él. Era muy fácil, porque armónicamente había una lógica muy clara en todo lo que tocaba musicalmente. La armonía siempre fue correcta, las melodías siempre fueron correctas. Su tiempo fue increíble. No piensas en Paul Desmond como un verdadero músico de swing, no es famoso por eso. Pero se lo pasó realmente bien, realmente hizo swing maravillosamente. Jugando con él, realmente no podías equivocarte. Fue muy fácil de tocar."- Don Thompson

A primera vista, la suya parece una carrera pequeña, quizás insignificante. ¿Era solo una figura menor en un panorama jazzístico de grandes? Uno de los grandes, Charlie Parker, lo nombró su violinista favorito. Julian "Cannonball" Adderley, un archirrival en varias encuestas de jazz, dijo: "Creo que Paul Desmond comparte con Benny Carter el título de altoista más lírico. Es un jugador profundamente hermoso. Aunque varios críticos atribuyeron el éxito del Cuarteto de Dave Brubeck a la trompa de Desmond, otros pasaron por alto su interpretación como "demasiado bonita". El propio Brubeck pensó que Desmond carecía de ambición, pero se molestó cuando firmó un contrato con RCA para grabar por su cuenta, cuando aún formaba parte del Cuarteto. Ese acuerdo con RCA requería dos álbumes al año y condujo a una increíble serie de fechas de grabación con el guitarrista Jim Hall y la baterista del Cuarteto de Jazz Moderno Connie Kay. Estándares como "I Get a Kick Out of You" y "For All We Know" compartieron espacio en el álbum con Desmond originals como "Take Ten" y "El Prince". Grabaron cincuenta canciones en total, más un álbum con cuerdas. También hubo dos álbumes con un cuarteto de Desmond / Gerry Mulligan. Luego, en los 70, cambió de sello a CTI e hizo media docena de álbumes más, demostrando una vez más que era más que un acompañante.

El tono puro de Desmond, el ingenio de sus líneas melódicas, su ingenio armónico, el ingenio musical que reflejaba su personalidad alfabetizada y sofisticada, lo convirtieron en uno de los estilistas de jazz más personales y atractivos. - Doug Ramsey

Aunque era un hombre de modales apacibles y aspecto de profesor, Desmond era capaz de tener fuertes emociones. Cuando se le presionó musicalmente, estuvo a la altura de las circunstancias, produciendo coro tras coro brillante. Pero también era un hombre temperamental. Cuando el baterista Joe Morello se unió al Cuarteto en 1956, a Desmond le disgustaban tanto sus actuaciones que agradaban al público que amenazó con abandonar el Cuarteto. En cambio, aunque compartían el mismo escenario de concierto casi todas las noches, él no habló con Morello durante un año. Eventualmente se hicieron amigos, pero a menudo se podía encontrar a Desmond detrás del escenario, leyendo un libro durante el solo de batería extendido de Morello en "Take Five".

Sus amigos lo llamaban "el soltero perenne"; pocos sabían que se había casado temprano en la vida. Tenía la reputación de ser un hombre de damas, y a menudo se lo veía acompañado de hermosas modelos. Cuando la pianista Marian McPartland le preguntó sobre sus citas, dijo: "A veces andan por ahí con chicos que se pelean, por un tiempo. Pero generalmente terminan casando a algún gato con una fábrica. Así se acaba el mundo, no con un capricho sino con un banquero. A pesar de sus muchos amigos, Gene Lees escribió que Desmond era el "hombre más solitario" que había conocido .

Su último concierto fue con Dave Brubeck en febrero de 1977 en el Avery Fisher Hall de Nueva York. Los observadores notaron que parecía fuera de forma, necesitando 2 o 3 respiraciones para completar una frase que generalmente hacía con un gran jadeo. Sus muchos fanáticos no sabían que se estaba muriendo, e incapaces del nivel de juego por el que era famoso.

Pablo nunca dijo que sería el fin. Pero sabíamos que se estaba debilitando cada vez más. Así que solo tocó la segunda mitad. Y cuando llegó el momento del bis, porque toda la audiencia quería que Paul volviera al escenario, dijo el viejo cliché: "Déjalos con ganas de más."Y no volvimos atrás. - Dave Brubeck
En un negocio donde abundan el alcohol y las drogas, su consumo de alcohol era legendario, pero fueron tres paquetes al día los que lo alcanzaron en mayo de ese año. Para su propia diversión, su hígado estaba bien, " Prístino, uno de los grandes hígados de nuestro tiempo. Inundado de Dewars y lleno de salud."Había hablado con Don Thompson a principios de ese mes, haciendo planes para tocar en Nueva York con su cuarteto, pero nunca lo logró.

Sus amigos cuentan de sus últimas semanas, cuando un viejo amigo, la leyenda del jazz Charles Mingus, apareció en su apartamento envuelto en una capa negra arremolinada y un sombrero de vaquero español a juego. Permaneció en vigilia silenciosa junto a la cama de Desmond. Luego, lentamente, Desmond se despertó. Levantando la vista, buscó en su memoria, tratando de darle sentido a la imagen que se avecinaba ante él. Finalmente hizo clic: la cosechadora encapuchada de El séptimo sello de Ingmar Bergman. "Está bien, prepara el tablero de ajedrez."Y él sonrió.

Una de las cosas en las que pensé después de que Paul muriera fue que realmente era una pena porque habría sido un gran anciano. Pude verlo alrededor de los 70-75 años; habría sido fantástico hablar y pasar el rato con él. - Jim Hall
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-desmond/

VA • Impulse! 60 The Best of Impulse Records

 

 

 

Oliver Nelson, Gabor Szabo, John Coltrane, Art Blakey, Max Roach, Quincy Jones, McCoy Tyner, Coleman Hawkins, Charles Mingus, Duke Ellington, Freddie Hubbard, Sonny Stitt, Chico Hamilton, Shirley Scott,Stanley Turrentine, Yusef Lateef ...

 

Joey DeFrancesco • Snapshot The Original Trio

 

www.joeydefrancesco.com ... 

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

 

Sam 'The Man' Taylor • In The Mood For Sax More Blue Mist

  

American jazz and blues saxophonist (tenor, baritone), born July 12, 1916 in Lexington, Tennessee, died October 5, 1990 in Lexington, Tennessee.
Worked with Scat Man Crothers (late 1930's), Cootie Williams, Lucky Millinder (early 1940s), Cab Calloway, Ray Charles, Buddy Johnson, Louis Jordan, Big Joe Turner, Ella Fitzgerald and many others.


Artist Biography by Ron Wynn
A certified honking sax legend, Sam "The Man" Taylor's non-stop drive and power worked perfectly in swing, blues, and R&B sessions. He had a huge tone, perfect timing, and sense of drama, as well as relentless energy and spirit. Taylor began working with Scat Man Crothers and the Sunset Royal Orchestra in the late '30s. He played with Cootie Williams and Lucky Millinder in the early '40s, then worked six years with Cab Calloway. Taylor toured South America and the Caribbean during his tenure with Calloway. Then, Taylor became the saxophonist of choice for many R&B dates through the '50s, recording with Ray Charles, Buddy Johnson, Louis Jordan, and Big Joe Turner, among others. He also did sessions with Ella Fitzgerald and Sy Oliver. During the '60s, Taylor led his own bands and recorded in a quintet called the Blues Chasers. He currently has one session available on CD, recorded in the late '50s with Charlie Shavers and Urbie Green.

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Saxofonista americano de jazz y blues (tenor, barítono), nacido el 12 de julio de 1916 en Lexington, Tennessee, fallecido el 5 de octubre de 1990 en Lexington, Tennessee.
Trabajó con Scat Man Crothers (finales de los años 30), Cootie Williams, Lucky Millinder (principios de los años 40), Cab Calloway, Ray Charles, Buddy Johnson, Louis Jordan, Big Joe Turner, Ella Fitzgerald y muchos otros.


Biografía del artista por Ron Wynn
Una leyenda del saxofón, Sam "The Man" Taylor, con su potencia y su conducción ininterrumpida, funcionaba perfectamente en sesiones de swing, blues y R&B. Tenía un tono enorme, una sincronización perfecta y sentido del drama, así como una energía y espíritu implacables. Taylor empezó a trabajar con Scat Man Crothers y la Sunset Royal Orchestra a finales de los años 30. Tocó con Cootie Williams y Lucky Millinder a principios de los 40, y luego trabajó seis años con Cab Calloway. Taylor hizo una gira por Sudamérica y el Caribe durante su estancia en Calloway. Luego, Taylor se convirtió en el saxofonista elegido para muchas fechas de R&B hasta los años 50, grabando con Ray Charles, Buddy Johnson, Louis Jordan y Big Joe Turner, entre otros. También hizo sesiones con Ella Fitzgerald y Sy Oliver. Durante los años 60, Taylor lideró sus propias bandas y grabó en un quinteto llamado The Blues Chasers. Actualmente tiene una sesión disponible en CD, grabada a finales de los 50 con Charlie Shavers y Urbie Green.

VA • Organized!

Baby Face Willette, Barbara Dennerlein, Bill Doggett, Brother Jack McDuff, Hammond, Ingfried Hoffmann, James Brown, Jimmy Smith, Milt Buckner, Odell Brown, Rhoda Scott, Shirley Scott, Walter Wanderley ...

Tropical Jazz Trio • On Peut Parler D'autre Chose

 

 

Toujours teinté du soleil des Caraïbes et des rythmes Afro jazz, ce nouvel album de Tropical Jazz Trio se déguste comme un vieux rhum. Patrice Caratini, Alain Jean-Marie et Roger Raspail perpétuent une conversation musicale entamée autour de la rencontre séculaire de l’Afrique et de l’Europe aux Amériques. Un futur grand classique du Jazz.
https://www.french-paradox.paris/discographie/on-peut-parler-dautre-chose

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Always tinged with Caribbean sunshine and Afro jazz rhythms, this new album by Tropical Jazz Trio is best enjoyed like an old rum. Patrice Caratini, Alain Jean-Marie and Roger Raspail continue a musical conversation based on the age-old meeting of Africa and Europe in the Americas. A future jazz classic.
https://www.french-paradox.paris/discographie/on-peut-parler-dautre-chose

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Siempre teñido de sol caribeño y ritmos de afrojazz, este nuevo álbum de Tropical Jazz Trio se disfruta como un ron añejo. Patrice Caratini, Alain Jean-Marie y Roger Raspail continúan una conversación musical basada en el encuentro ancestral de África y Europa en las Américas. Un futuro clásico del jazz.
https://www.french-paradox.paris/discographie/on-peut-parler-dautre-chose


De solarlatinclub.com:
El Tropical Jazz Trio, una agrupación parisina, presentó el disco Peut Parler d’autre Chose (French Paradox), podemos hablar de otra cosa… sugestivo título para una producción, sin lugar a dudas. Compartida por Laurent de Cubop sous les étoiles (@cubop_sous_les_etoiles), esta producción nos enamoró, por su carácter orgánico y minimalista. Conformados en la capital francesa por el contrabajista Patrice Caratini, el pianista guadalupense Alain Jean Marie y el percusionista Roger Raspail.

Tras su debut epónimo Tropical Jazz Trio en el año 2019, el trio sigue con su fusion entre el Jazz y  los ritmos antillanos y afrocaribeños

El fonograma abre con el movido A Casa De La Socera, en el cual Alain Jean Marie nos deja una hermosa interpretación. Dindé establece una conexión con la música folclórica puertorriqueña, en esta ocasión, la Bomba. El artista destacado en el solo es el contrabajista Patrice Caratini. La melancólica pieza Consolation le da vía libre al clásico de Chucho Valdés Mambo Influenciado, el cual respira nueva vida en esta reinterpretación, bella, hermosa… 22 Mezouk, con toques de Plena, pone de relieve la ejecución de Roger Raspail en la percusión. Miss Jo es un encuentro, tranquilo y místico que destaca la parte vocal. Con Alma es un tema elegante. El cadencioso Papa Doble propone un discurso de Jazz Latino con buena marcha y en el que los ritmos afrocubanos conversan con los afrobrasileros. Roger Raspail se mete un solo endiablado en las tumbadoras. When Love Is New de Cedar Walton establece un balance a ritmo de Bolero, poniendo de relieve la ejecución de Alain Jean Marie en el piano. El estándar Nica’s Dream de Horace Silver es revisitado conjugando armonías del Jazz con el Mambo. En Dry Bones In The Valley sobresale el solo de Patrice Caratini en el contrabajo.
Mambo Inn de Bauzá es un tributo al padre del Jazz Latino. Se Pou Velo tiende puentes con los ritmos antillanos y, para concluir, The Feast, inspirado en la pieza de McCoy Tyner Blues On The Corner
https://www.solarlatinclub.com/tropical-jazz-trio-on-peut-parler-dautre-chose/

Clifford Brown • Lost Rehearsals 1953-1956

 

 

This release contains a batch of rare rehearsals preserved by Brownie himself with his own amateur tape recorder. They feature such stars as Tadd Dameron, Benny Golson and Gigi Gryce, as well as the classic quintet with Sonny Rollins and Max Roach. Clifford plays amazing solos on all of these tunes, many of which, like Somebody Loves Me, Bula-Beige Blues and Sometimes I'm Happy, he would never record again.
https://www.jazzmessengers.com/en/6366/clifford-brown/the-lost-rehearsals-1953-56

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Este lanzamiento contiene un lote de ensayos raros conservados por el propio Brownie con su propia grabadora amateur. Cuentan con estrellas como Tadd Dameron, Benny Golson y Gigi Gryce, así como el quinteto clásico con Sonny Rollins y Max Roach. Clifford toca solos increíbles en todas estas canciones, muchas de las cuales, como Somebody Loves Me, Bula-Beige Blues y Sometimes I'm Happy, nunca volvería a grabar.
https://www.jazzmessengers.com/en/6366/clifford-brown/the-lost-rehearsals-1953-56

 

 cliffordbrown.net ...

 

Hank Jones • Here's Love

 

Artist Biography by Ron Wynn

The oldest of the Jones brothers, Hank Jones has been a supreme accompanist and underrated soloist. He's among the most accomplished sight readers in jazz, and his flexibility and sensitive style have kept him extremely busy cutting sessions and working in various groups and styles ranging from swing to bebop. He's worked with vocalists, played in big bands and done many solo, trio, and combo dates.

Born in 1918 in Vicksburg, Mississippi, Jones moved with his family to the Detroit area while still a child, and studied piano early, listening carefully to Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines, and Fats Waller. He began playing in the midwest at age 13, and worked in territory bands. Jones met Lucky Thompson in one of these groups, and Thompson invited him to New York in 1944 to work with Hot Lips Page at the Onyx Club. Jones worked for a while with John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk, and Billy Eckstine, then began touring in 1947. He worked with Jazz at the Philharmonic, then accompanied Ella Fitzgerald from 1948 to 1953. Jones also cut many sessions for Norman Granz's labels in the late '40s and early '50s, many with Charlie Parker. He worked and recorded in the '50s with Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson, and Cannonball Adderley before joining CBS' staff in 1959. He worked on such programs as The Ed Sullivan Show and stayed with CBS until they disbanded the staff in 1976. He recorded several sessions with Savoy in the mid- and late '50s, playing with Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall, and Kenny Clarke, among others. He also recorded solo and quartet dates for Epic. His quartet with Osie Johnson, Barry Galbraith, and Milt Hinton became one of New York's busiest during the early '60s, sometimes doing three dates a day. They cut albums for Capitol and ABC in 1958, though Galbraith missed the ABC sessions. Jones continued recording at Capitol, Argo, and Impulse in the early '60s, at times working with his brother Elvin. He made a host of recordings in the '70s. There were solo dates for Trio and Galaxy, and trio sessions for Interface and Concord, among others in the '70s. There were duo dates with Flanagan for Verve and Galaxy in the late '70s. Jones served as pianist and conductor for the Broadway musical Ain't Misbehavin in the late '70s. He also played in the Great Jazz Trio, originally with Ron Carter and Tony Williams. (Buster Williams replaced Carter on the trio's first recording date.) Jones continued with the trio into the '80s, though Eddie Gomez and Al Foster later became his mates, and Jimmy Cobb replaced Foster in 1982. The trio also backed Art Farmer, Benny Golson, and Nancy Wilson. Jones was the resident pianist at the Cafe Ziegfeld in the early '80s, and toured Japan with George Duvivier and Sonny Stitt. He kept his recording blitz going into the digital era. In 1989, he was named a National Endowment for the Arts Jazz Master. In 2004, he was awarded as an ASCAP Jazz Living Legend; five years later, he received a National Medal of Arts; and in 2009, Jones earned a Lifetime Achievement award at the Grammys. One year later, he died in the Bronx while in hospice, just a few weeks after returning from performance dates in Japan.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

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Biografía del artista por Ron Wynn

El mayor de los hermanos Jones, Hank Jones, ha sido un acompañante supremo y un solista subestimado. Es uno de los más destacados lectores de jazz, y su flexibilidad y estilo sensible le han mantenido extremadamente ocupado cortando sesiones y trabajando en varios grupos y estilos que van desde el swing hasta el bebop. Ha trabajado con vocalistas, tocado en grandes bandas y ha hecho muchos solos, tríos y citas combinadas.

Nacido en 1918 en Vicksburg, Mississippi, Jones se mudó con su familia al área de Detroit cuando aún era un niño, y estudió piano temprano, escuchando cuidadosamente a Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines y Fats Waller. Comenzó a tocar en el medio oeste a la edad de 13 años, y trabajó en bandas de territorio. Jones conoció a Lucky Thompson en uno de estos grupos, y Thompson lo invitó a Nueva York en 1944 para trabajar con Hot Lips Page en el Onyx Club. Jones trabajó durante un tiempo con John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk y Billy Eckstine, y luego comenzó a hacer giras en 1947. Trabajó con Jazz en la Filarmónica, luego acompañó a Ella Fitzgerald de 1948 a 1953. Jones también cortó muchas sesiones para los sellos de Norman Granz a finales de los'40 y principios de los'50, muchos con Charlie Parker. Trabajó y grabó en los años 50 con Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson y Cannonball Adderley antes de unirse al personal de CBS en 1959. Trabajó en programas como The Ed Sullivan Show y se quedó con CBS hasta que se disolvió el personal en 1976. Grabó varias sesiones con Savoy a mediados y finales de los años 50, tocando con Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall y Kenny Clarke, entre otros. También grabó fechas como solista y cuarteto para Epic. Su cuarteto con Osie Johnson, Barry Galbraith y Milt Hinton se convirtió en uno de los más ocupados de Nueva York a principios de los años 60, a veces con tres citas al día. Recortaron álbumes para Capitol y ABC en 1958, aunque Galbraith se perdió las sesiones de ABC. Jones continuó grabando en Capitol, Argo e Impulse a principios de los 60, a veces trabajando con su hermano Elvin. Hizo un montón de grabaciones en los años 70. Hubo fechas en solitario para el Trío y la Galaxia, y sesiones de trío para Interface y Concord, entre otros en los años 70. Hubo citas a dúo con Flanagan para Verve y Galaxy a finales de los 70. Jones fue pianista y director del musical de Broadway Ain't Misbehavin a finales de los años 70. También tocó en el Great Jazz Trio, originalmente con Ron Carter y Tony Williams. (Buster Williams reemplazó a Carter en la primera fecha de grabación del trío.) Jones continuó con el trío en los años 80, aunque Eddie Gómez y Al Foster más tarde se convirtieron en sus amigos, y Jimmy Cobb reemplazó a Foster en 1982. El trío también apoyó a Art Farmer, Benny Golson y Nancy Wilson. Jones fue el pianista residente en el Café Ziegfeld a principios de los 80, y estuvo de gira por Japón con George Duvivier y Sonny Stitt. Siguió grabando y entrando en la era digital. En 1989, fue nombrado National Endowment for the Arts Jazz Master. En 2004, fue galardonado como ASCAP Jazz Living Legend; cinco años más tarde, recibió una Medalla Nacional de las Artes; y en 2009, Jones ganó un premio Lifetime Achievement en los Grammys. Un año más tarde, murió en el Bronx mientras estaba en el hospicio, sólo unas semanas después de regresar de sus presentaciones en Japón.

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Horace Silver • Blowin' The Blues Away

 

Review by Steve Huey
Blowin' the Blues Away is one of Horace Silver's all-time Blue Note classics, only upping the ante established on Finger Poppin' for tightly constructed, joyfully infectious hard bop. This album marks the peak of Silver's classic quintet with trumpeter Blue Mitchell, tenor saxophonist Junior Cook, bassist Gene Taylor, and drummer Louis Hayes; it's also one of the pianist's strongest sets of original compositions, eclipsed only by Song for My Father and Horace Silver and the Jazz Messengers. The pacing of the album is impeccable, offering up enough different feels and slight variations on Silver's signature style to captivate the listener throughout. Two songs -- the warm, luminous ballad "Peace" and the gospel-based call-and-response swinger "Sister Sadie" -- became oft-covered standards of Silver's repertoire, and the madly cooking title cut wasn't far behind. And they embody what's right with the album in a nutshell -- the up-tempo tunes ("Break City") are among the hardest-swinging Silver had ever cut, and the slower changes of pace ("Melancholy Mood") are superbly lyrical, adding up to one of the best realizations of Silver's aesthetic. Also, two cuts ("Melancholy Mood" and the easy-swinging "The St. Vitus Dance") give Silver a chance to show off his trio chops, and "Baghdad Blues" introduces his taste for exotic, foreign-tinged themes. Through it all, Silver remains continually conscious of the groove, playing off the basic rhythms to create funky new time patterns. The typical high-impact economy of his and the rest of the band's statements is at its uppermost level, and everyone swings with exuberant commitment. In short, Blowin' the Blues Away is one of Silver's finest albums, and it's virtually impossible to dislike.
https://www.allmusic.com/album/blowin-the-blues-away-mw0000245581

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Reseña de Steve Huey
Blowing the Blues Away es uno de los clásicos Blue Note de Horace Silver, sólo que sube la apuesta establecida en Finger Poppin' para el hard bop bien construido y alegremente infeccioso. Este álbum marca la cima del quinteto clásico de Silver con el trompetista Blue Mitchell, el saxofonista tenor Junior Cook, el bajista Gene Taylor y el baterista Louis Hayes; también es uno de los conjuntos de composiciones originales más fuertes del pianista, eclipsado sólo por Song for My Father y Horace Silver y los Jazz Messengers. El ritmo del álbum es impecable, ofreciendo suficientes sensaciones diferentes y ligeras variaciones en el estilo característico de Silver para cautivar al oyente en todo momento. Dos canciones - la cálida y luminosa balada "Peace" y el swing de llamada y respuesta basado en el gospel "Sister Sadie" - se convirtieron en los estándares del repertorio de Silver, y el corte del título "Madly Cooking" no se quedó atrás. Y encarnan lo que es correcto en el álbum en pocas palabras: las melodías de ritmo rápido ("Break City") están entre las más duras que Silver ha grabado, y los cambios de ritmo más lentos ("Melancholy Mood") son magníficamente líricos, lo que se suma a una de las mejores realizaciones de la estética de Silver. Además, dos cortes ("Melancholy Mood" y el fácil baile "The St. Vitus Dance") le dan a Silver la oportunidad de mostrar sus chuletas de trío, y "Baghdad Blues" introduce su gusto por los temas exóticos y con tintes extranjeros. A través de todo esto, Silver se mantiene continuamente consciente del ritmo, tocando los ritmos básicos para crear nuevos patrones de tiempo. La típica economía de alto impacto de sus declaraciones y las del resto de la banda está en su nivel más alto, y todo el mundo se balancea con un compromiso exuberante. En resumen, Blowin' the Blues Away es uno de los mejores álbumes de Silver, y es virtualmente imposible no gustarle.
https://www.allmusic.com/album/blowin-the-blues-away-mw0000245581


http://www.bluenote.com/

David Hazeltine Trio • Alfie

 

 

David Hazeltine is one of a handful of contemporary pianists who has mastered all of the major musical skills, from improvisation and technique, to accompaniment, arranging, and composition. Even more impressive, David is the rare artist able to innovate in each category. Thus it’s no surprise that he’s the most recorded contemporary jazz pianist of our time, having recorded thirty five cd’s as a leader and hundreds more as a sideman, on various major labels globally. A Milwaukee native, David was playing the clubs as a preteen, and before he’d even come of age he was already grabbing the attention and respect of jazz legends like Sonny Stitt, and Chet Baker. They urged him to make the move to New York City, which he did in 1992.
Beautifully complex and memorable

The mark of a true artist, David’s style appeals to a wide range of musical tastes and levels of sophistication. His melodies and harmonies are beautifully complex and memorable. As a composer and instrumentalist, he has developed a signature style that is readily recognizable. His cooperative group “One For All” featuring tenor great Eric Alexander, has attained critical acclaim with their impressive 16 cd discography, and live concerts worldwide including appearances at the North Sea Jazz Festival and the Newport Jazz Festival.

Hazeltine is one of the most sought after pianists today. He has worked with some of the world’s most respected jazz legends including James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks, and Marlena Shaw. David is known for taking a familiar or unexpected song and making it new, making it his own. He effortlessly transfers this skill from song to stage. Whether he’s composing or interpreting, accompanying or leading, you are certain to end the set remembering the sounds of David Hazeltine.
Carrying the art forward

A brilliant teacher, David is also determined to carry the art forward to the next generation. Formerly an Associate Professor at Berklee, he currently teaches at SUNY-Purchase in New York. David is also a highly skilled clinician, and has served on the Jamey Aebersold Summer Jazz Camp faculty for the past 15 years. His teaching has had a major impact on many of today’s young professional pianists including Ben Markley, who published his doctorate “The David Hazeltine Method” based on his lessons with Mr. Hazeltine. Hal Leonard has published the new “Real Book - Enhanced Edition”, featuring David’s own re-harmonizations of 200 well known standards. Lessons from David are also available on his online workshops; check out his sessions on harmony at www.jazzpianomastery.com, and on the essentials of bebop at www.mymusicmasterclass.com.

Check the itinerary for upcoming dates; don’t miss your chance to hear one of the most talented and accomplished jazz pianists of our time.
https://www.davidhazeltine.com/biography

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David Hazeltine es uno de los pocos pianistas contemporáneos que domina las principales habilidades musicales, desde la improvisación y la técnica hasta el acompañamiento, los arreglos y la composición. Aún más impresionante, David es el raro artista capaz de innovar en cada categoría. Por eso no es de extrañar que sea el pianista de jazz contemporáneo más grabado de nuestro tiempo, con treinta y cinco discos como líder y cientos más como acompañante, en varios de los principales sellos del mundo. Nacido en Milwaukee, David ya tocaba en los clubes cuando era un preadolescente, y antes de cumplir la mayoría de edad ya había captado la atención y el respeto de leyendas del jazz como Sonny Stitt y Chet Baker. Ellos le animaron a trasladarse a Nueva York, lo que hizo en 1992.
Bellamente complejo y memorable

La marca de un verdadero artista, el estilo de David atrae a una amplia gama de gustos musicales y niveles de sofisticación. Sus melodías y armonías son hermosamente complejas y memorables. Como compositor e instrumentista, ha desarrollado un estilo propio fácilmente reconocible. Su grupo cooperativo "One For All", en el que participa el gran tenor Eric Alexander, ha sido aclamado por la crítica gracias a su impresionante discografía de 16 CD y a sus conciertos en directo en todo el mundo, incluidas sus apariciones en el Festival de Jazz del Mar del Norte y en el Festival de Jazz de Newport.

Hazeltine es uno de los pianistas más solicitados de la actualidad. Ha trabajado con algunas de las leyendas del jazz más respetadas del mundo, como James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks y Marlena Shaw. David es conocido por tomar una canción conocida o inesperada y convertirla en algo nuevo, haciéndola suya. Transfiere sin esfuerzo esta habilidad de la canción al escenario. Ya sea componiendo o interpretando, acompañando o dirigiendo, seguro que acabas el concierto recordando los sonidos de David Hazeltine.
Llevar el arte adelante

David, un brillante profesor, también está decidido a transmitir el arte a la próxima generación. Fue profesor asociado en Berklee y actualmente enseña en SUNY-Purchase, en Nueva York. David es también un clínico altamente cualificado, y ha formado parte del profesorado del Campamento de Jazz de Verano Jamey Aebersold durante los últimos 15 años. Su enseñanza ha tenido un gran impacto en muchos de los jóvenes pianistas profesionales de hoy en día, incluyendo a Ben Markley, quien publicó su doctorado "The David Hazeltine Method" basado en sus lecciones con el Sr. Hazeltine. Hal Leonard ha publicado el nuevo "Real Book - Enhanced Edition", que incluye las rearmonizaciones del propio David de 200 estándares muy conocidos. Las lecciones de David también están disponibles en sus talleres en línea; echa un vistazo a sus sesiones sobre armonía en www.jazzpianomastery.com, y sobre los fundamentos del bebop en www.mymusicmasterclass.com.

Consulte el itinerario para conocer las próximas fechas; no pierda la oportunidad de escuchar a uno de los pianistas de jazz con más talento y talento de nuestro tiempo.
https://www.davidhazeltine.com/biography 

www.davidhazeltine.com ...

Jimmy McGriff • Avenida McGriff

  

Biography by Steve Huey
One of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic enough to blur the lines of classification. His sound -- deep, down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him quite popular with R&B audiences, even more so than some of his peers; what was more, he was able to condense those charms into concise, funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl," "Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement, switching to various electric keyboards and adopting an increasingly smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his creative vitality and take his place as one of the genre's elder statesmen.

James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his cousins. First getting involved in music through his family's church, he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass remained his primary instrument for a while, although he was inspired to try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military after high school, and served in the Korean War as a military policeman. Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement a career, and after completing the necessary training, he worked on the Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's Showboat club.

With the Hammond organ rising in popularity around Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house (where he stored the instrument). Skipping more and more work time to play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local Combe College to study music. He later moved on to the prestigious Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958; it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become one of the instrument's quintessential performers.

McGriff was performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout from the small Jell label heard him and offered him a chance to record. McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic "I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release. With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman" hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in 1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl" (number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several more McGriff albums over the next two years, including the live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single "Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.

In 1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade, including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with "The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally, McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and again from 1971-1972.

McGriff made Groove Merchant his primary label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans, which also sold respectably.

After 1977's Tailgunner (on LRC), McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford during the late '80s, which released several albums, including 1990's popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K., McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David "Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would become familiar faces on McGriff recordings in the years to come. Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue, which looked back on some of his '60s hits.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography

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Biografía de Steve Huey
Jimmy McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su ciudad natal de Filadelfia. Era casi con certeza el más blues de los principales pioneros del soul-jazz y, de hecho, a menudo insistía en que era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se mantuvo lo suficientemente ecléctico como para difuminar las líneas de clasificación. Su sonido, ritmos profundos y realistas empapados de blues y sentimiento gospel, lo hizo bastante popular entre el público de R & B, incluso más que algunos de sus compañeros.; lo que es más, fue capaz de condensar esos encantos en sencillos concisos, funky y listos para tocadiscos que a menudo le fueron sorprendentemente bien en las listas de R&B. Su reorganización de "I Got a Woman" de Ray Charles fue un éxito entre los cinco primeros de R&B en 1962, y otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los 70 tratando de seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Al amanecer de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y volvió a su sonido clásico de trío de órgano; por suerte, el soul-jazz vintage pronto volvió a ponerse de moda con un culto devoto de fanáticos y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su lugar como uno de los estadistas más veteranos del género.

James Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre y su padre tocaban el piano, y contaba con el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin entre sus primos. Primero se involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia, había tomado el bajo acústico y el saxo alto, y también aprendió vibras, piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. El bajo siguió siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró para probar suerte con el órgano Hammond después de ver a Richard "Groove" Holmes en un club de Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff fue reclutado en el ejército después de la secundaria y sirvió en la Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos, decidió hacer de la aplicación de la ley una carrera y, después de completar la capacitación necesaria, trabajó en la fuerza policial de Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor frecuencia, Big Maybelle, quien tenía un concierto regular en el club local Pep's Showboat.

Con el órgano Hammond ganando popularidad en Filadelfia, los trabajos para bajistas eran escasos, y McGriff contactó a Groove Holmes para aprender el órgano, esta vez en serio. Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses practicando tan duro como pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa de Archie Shepp(donde guardaba el instrumento). Saltándose más y más tiempo de trabajo para tocar, finalmente renunció a la fuerza policial y se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music de Nueva York, y también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el sencillo "Foxy Due", grabado para el pequeño sello White Marsh en 1958; presentaba a un joven saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los intérpretes por excelencia del instrumento.

McGriff estaba actuando en un pequeño club en Trenton, Nueva Jersey, en 1962, cuando un cazatalentos del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como sencillo y se vendió lo suficientemente bien como para que el sello Sue de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo recogiera para un lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción detrás ,"I've Got a Woman" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un éxito de buena fe, subiendo al Top Cinco en las listas de R&B y al Top 20 en el lado pop. Sue publicó el álbum debut de McGriff, naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un éxito, casi llegando al Top 20 del pop, y generó dos sencillos más en las listas de éxitos de McGriff originals "All About My Girl" (número 12 de R & B, Top 50 pop) y " M. G. Blues."Sue lanzó varios álbumes más de McGriff durante los siguientes dos años, incluidos live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (que produjo el sencillo "Kiko"), el éxito navideño Christmas With McGriff (en realidad, su álbum más alto en las listas en el número 15 pop), Topkapi (una colección de temas de la banda sonora con respaldo orquestal) y otro éxito en las listas, Blues for Mister Jimmy, que resultó ser el último con Sue.

En 1966, McGriff se mudó al sello Solid State, donde se conectó con el productor Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos durante los años 70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band,que lo encontró al frente de una orquesta de swing de estrellas con muchos alumnos de Count Basie (más tarde se reeditó como tributo a Count Basie). McGriff grabó prolíficamente para Solid State durante el resto de la década, incluidos álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y I've Got a New Woman (1968; principalmente una mirada retrospectiva a su material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff obtuvo otro sencillo exitoso con "The Worm", que llegó al Top 30 de R&B y envió al LP del mismo nombre al Top Ten de R&B a principios de 1969. Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff grabó varios álbumes para Blue Note entre 1969 y 1971, sobre todo Electric Funk, una incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió con el arreglista/pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluía versiones de pop/rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de la banda de Buddy Rich a fines de los 60, y nuevamente entre 1971 y 1972.

McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal en 1971, y aunque abandonó brevemente el negocio en 1972 para iniciar una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música resultó demasiado poderoso para superarlo. A principios de la década, alternó entre salidas eléctricas funky (generalmente con versiones de éxitos de rock contemporáneo y R&B) y escenarios de jazz de órgano más tradicionales y de grupos pequeños. Álbumes notables incluyeron Giants of the Organ Come Together de 1973, a summit con su mentor y viejo amigo Groove Holmes; un álbum a dúo con el bluesman Junior Parker; Mean Machine de 1976, un LP de jazz-funk más pulido que lo devolvió al Top 50 de la lista de álbumes de R&B; y el seguimiento de 1977 Red Beans, que también se vendió respetablemente.

Después de Tailgunner de 1977 (en LRC), la producción grabada de McGriff disminuyó en los años siguientes. Resurgió en el sello Milestone en 1983, debutando con Countdown, un regreso a su estilo clásico de blues soul-jazz que comenzó a llevarlo de regreso al centro de atención del jazz. Una serie de álbumes fuertes siguieron durante los años 80, incluidos Skywalk de 1984, State of the Art de 1985, el aclamado The Starting Five de 1986 y Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de LP de jazz); también grabó una sesión única para Headfirst en 1990, You Ought to Think About Me, que llegó al Top Ten del jazz. Además, McGriff codirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a fines de los 80, que lanzó varios álbumes, incluido popular On the Blue Side de 1990 (número tres en las listas de jazz). También regresó a sus raíces en la iglesia tocando en el álbum en vivo de la cantante de gospel Tramaine Hawkins en 1990. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de álbumes entre 1994 y 1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. A medida que el soul-jazz volvió a la popularidad de culto tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, McGriff se encontró tocando en conciertos y lugares de alto perfil a ambos lados del Atlántico. Regresó a Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con Dream Team, que contó con el saxofonista David "Fathead" Newman y el baterista Bernard "Pretty" Purdie, quienes se convertirían en caras conocidas en McGriff recordings en los años venideros. Los seguimientos incluyeron discos sólidos como Straight Up de 1998, Mcgriff's House Party de 2000, Feelin' It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordaba algunos de sus éxitos de los 60.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography

VA • Rhythm Accordeon

 

Art Van Damme, Bengt Hallberg, Clifton Chenier, Gus Viseur, Richard Galliano ...

 

Mildred Anderson • Person To Person

Review

Mildred Anderson, who recorded with organist Bill Doggett as early as 1953, only made two albums as a leader and, although thought of as as being in the R&B/blues field, both records have some notable jazz players supporting her. For this CD reissue, Anderson is joined by tenor-saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis, organist Shirley Scott, bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill for such songs as "Hello Little Boy," "Person to Person" and "Kidney Stew Blues" (the latter two tunes were associated with Eddie "Cleanhead" Vinson). Despite being rather brief (just 31 minutes), this set is worth checking out if quite obscure.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/person-to-person-mw0000108898

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Reseña

Mildred Anderson, que grabó con el organista Bill Doggett ya en 1953, sólo hizo dos álbumes como líder y, aunque se considera que está en el campo del R&B/blues, ambos discos cuentan con el apoyo de notables músicos de jazz. Para esta reedición del CD, Anderson está acompañada por el tenor y saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis, la organista Shirley Scott, el bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill para canciones como "Hello Little Boy", "Person to Person" y "Kidney Stew Blues" (estos dos últimos temas se asociaron con Eddie "Cleanhead" Vinson). A pesar de ser bastante breve (sólo 31 minutos), vale la pena revisar este set si es bastante oscuro.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/person-to-person-mw0000108898

Rick Wurzbacher • The Essence

Jazz organ trio featuring Rick Wurzbacher on Guitar, the incredible "Papa John" DeFranceso on B-3 Organ and Glenn Ferracone on percussion. Groove Be-bop, blues, jazz, swing and much more. If you love organ trios, this is the one to get.

RICK WURZBACHER One of the most exhilarting guitarists to make his enterance into the "Big Leagues" in 2002. Primarily influenced by his good friend, mentor, and guitar virtuoso Pat Martino, as well as the late Stevie Ray Vaughn, Rick puts it right in the pocket. His playing genuinely demostrates "The Essence" of his soul. After playing and recording with Joey DeFrancesco, Rick's next logical step was to record a studio album with....

"PAPA" JOHN DEFRANCESCO Legendary Jazz Organist, "Papa" John DeFrancesco is truly on one of the worlds greatest Hammond B-3 Organ players of all time. This incredible musician has been driving jazz, blues, and bebop for more than 40 years with his heart-pounding bass lines, rhythmic dexterity and breath taking solos. You can feel his deep groove from begining to end as "Papa" creates an enormous sound with his own drummer....

GLENN FERRACONE Serious Rhythm, versatility, and creativity best describe this awesome percussionist. Glenn wears many hats including performer, teacher, clinician, and recordist. His awesome performace on this record clearly shows his high level of excellence in his craft. From swing to blues to driving jazz, you will enjoy Glenn's signature sound all the way through, as he emphasizes his great collective effort of this album.

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Trío de órgano de jazz con Rick Wurzbacher en la guitarra, el increíble "Papa John" DeFranceso en el órgano B-3 y Glenn Ferracone en la percusión. Groove Be-bop, blues, jazz, swing y mucho más. Si te gustan los tríos de órgano, este es el que hay que conseguir.

RICK WURZBACHER Uno de los guitarristas más excitantes que entró en las "Grandes Ligas" en 2002. Principalmente influenciado por su buen amigo, mentor y virtuoso de la guitarra Pat Martino, así como por el difunto Stevie Ray Vaughn, Rick se lo mete en el bolsillo. Su forma de tocar demuestra genuinamente "La esencia" de su alma. Después de tocar y grabar con Joey DeFrancesco, el siguiente paso lógico de Rick fue grabar un álbum de estudio...

"PAPA" JOHN DEFRANCESCO El legendario organista de jazz, "Papa" John DeFrancesco es uno de los mejores organistas de Hammond B-3 de todos los tiempos. Este increíble músico ha estado impulsando el jazz, el blues y el bebop durante más de 40 años con sus líneas de bajo que te hacen latir el corazón, su destreza rítmica y sus solos que te dejan sin aliento. Puedes sentir su profundo ritmo de principio a fin mientras "Papa" crea un enorme sonido con su propio baterista...

GLENN FERRACONE Ritmo serio, versatilidad y creatividad es lo que mejor describe a este impresionante percusionista. Glenn lleva muchos sombreros, incluyendo el de intérprete, profesor, clínico y grabador. Su impresionante actuación en este disco muestra claramente su alto nivel de excelencia en su oficio. Desde el swing hasta el blues y el jazz impulsivo, disfrutarán del sonido característico de Glenn durante todo el camino, ya que enfatiza el gran esfuerzo colectivo de este álbum.

 

Bradley Leighton • Soul Collective

Review by Scott Yanow

Bradley Leighton is a fine flute player who is a bit reminiscent in tone and style of Herbie Mann. Like Mann, Leighton is often heard in a wide variety of settings, ranging from creative jazz to crossover pop. The music on Soul Collective almost ranges that far, from fine examples of funky jazz to a pair of throwaway R&B vocals. Some of the music seems aimed at the smooth market while other selections would function best as background music for dancers. The musicianship is excellent, the rhythm sections groove, and the horn section (which includes Tom Scott on three selections) is full of talent. Leighton plays quite well throughout. But nothing all that unexpected occurs and the results are a bit too predictable and safe to be all that memorable.

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Reseña de Scott Yanow
Bradley Leighton es un excelente flautista que recuerda un poco el tono y el estilo de Herbie Mann. Como Mann, Leighton se escucha a menudo en una gran variedad de escenarios, desde el jazz creativo hasta el pop cruzado. La música de Soul Collective casi llega tan lejos, desde finos ejemplos de funky jazz hasta un par de voces de R&B desechables. Parte de la música parece dirigida al mercado de los smooth, mientras que otras selecciones funcionarían mejor como música de fondo para los bailarines. La musicalidad es excelente, las secciones rítmicas son excelentes, y la sección de trompa (que incluye a Tom Scott en tres selecciones) está llena de talento. Leighton toca bastante bien en todo momento. Pero nada tan inesperado ocurre y los resultados son demasiado predecibles y seguros para ser tan memorables.

 

 

bradleyleighton.com ...

 

VA • Instrumental Bossa Nova

Eddie Davis Trio with Shirley Scott • Roulette RS 52019

 

Bucky Pizzarelli, John Bunch & Jay Leonhart • Manhattan Swing- A Visit With The Duke

 

 

Review by Ken Dryden
The guitar/piano/bass trio of Bucky Pizzarelli, John Bunch, and Jay Leonhart, who have also recorded together under the group name of New York Swing, have a grand time with this collection of favorites from the Duke Ellington songbook. The interplay between them as well as their solos are never less than first rate, especially on an unusually brisk take of "I'm Beginning to See the Light," a foot-tapping "Don't Get Around Much Anymore" that has the flavor of western swing, and a bluesy "All Too Soon." But the trio really come into their own on the slow ballads, with a romantic "Passion Flower" and a shimmering "Isfahan." Jay Leonhart's liner notes are entertaining anecdotes, even if the time frame given for his one opportunity to sit in with Ellington is off by at least 15 years.
https://www.allmusic.com/album/manhattan-swing-a-visit-with-the-duke-mw0000004237

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Reseña de Ken Dryden
El trío de guitarra, piano y bajo de Bucky Pizzarelli, John Bunch y Jay Leonhart, que también han grabado juntos bajo el nombre de New York Swing, se divierten con esta colección de canciones favoritas del cancionero de Duke Ellington. La interacción entre ellos, así como sus solos, nunca es menos que de primera, especialmente en una inusualmente rápida toma de "I'm Beginning to See the Light", un "Don't Get Around Much Anymore" que tiene el sabor del swing del oeste, y un "All Too Soon" bluesero. Pero el trío realmente se destaca en las baladas lentas, con un romántico "Passion Flower" y un brillante "Isfahan". Las notas de Jay Leonhart son anécdotas entretenidas, incluso si el tiempo que se le da para su única oportunidad de estar con Ellington es de al menos 15 años.
https://www.allmusic.com/album/manhattan-swing-a-visit-with-the-duke-mw0000004237