Cal Tjader • The Shining Sea

 

 

Biography by Richard S. Ginell
From the 1950s until his death, Cal Tjader was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.

Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ").

Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death in 1982.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549#biography

 

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Biografía de Richard S. Ginell
Desde los años 50 hasta su muerte, Cal Tjader fue prácticamente el punto de unión entre el mundo del jazz latino y el bop mainstream; su forma de tocar el vibráfono, ligera, rítmica y alegre, podía abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en la bahía de San Francisco acabaron influyendo profundamente en Carlos Santana y, por ende, en el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, sobre todo en "Rap Your Troubles in Drums", del quinteto de George Shearing, y ocasionalmente también tocaba el piano.

Tjader estudió música y pedagogía en el San Francisco State College antes de unirse a Dave Brubeck, también residente en la bahía, como batería del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Después trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo y, en 1953, se unió al entonces popularísimo quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing donde comenzó la historia de amor de Tjader con la música latina, encendida por el bajista de Shearing, Al McKibbon, alimentada por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría y Armando Peraza, y galvanizada por la moda del mambo de los años 50. Cuando dejó Shearing al año siguiente, se incorporó al quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Cuando dejó a Shearing al año siguiente, Tjader no tardó en formar su propia banda, que enfatizaba el elemento latino pero también tocaba jazz convencional. Bobo y Santamaría acabaron uniéndose a la banda de Tjader como músicos de acompañamiento, y Vince Guaraldi actuó durante un tiempo como pianista y colaborador en el cancionero de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ").

Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz latino para Fantasy desde mediados de los 50 hasta principios de los 60, y en 1961 pasó a Verve, donde bajo la tutela de Creed Taylor amplió su paleta estilística y formó equipo con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Por el camino, Tjader consiguió un pequeño éxito en 1965 con "Soul Sauce", una versión de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había grabado previamente para Fantasy. Tjader volvió a Fantasy en la década de 1970, y en 1979 se trasladó al nuevo sello Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte en 1982.
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Art Pepper • The Living Legend

 

 

Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

Grant Green • Grant's First Stand

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

 

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Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros músicos. Colaboró con muchos organistas, entre ellos Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green tocó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

Al Di Meola • Casino

Review by Daniel Gioffre

Following up the superb Elegant Gypsy was no mean feat, but Al di Meola gave it his best shot with the similarly styled Casino, released in 1978. Featuring a core band of Steve Gadd, Anthony Jackson, and Barry Miles (whom di Meola came up with before the guitarist was invited to join Return to Forever), the playing is sharp and fiery, matching the youthful intensity of the leader. Di Meola is a good composer in the fusion idiom, and the four original compositions on Casino, although clearly bearing the mark of Chick Corea's influence, are strong. His "Fantasia Suite for Two Guitars," featuring di Meola accompanying himself via multi-tracking, is beautiful and dramatic, and hints at the guitarist's later all-acoustic works such as Friday Night in San Francisco. "Dark Eye Tango" opens with a slow theme before turning into an uptempo vehicle for di Meola's darting Les Paul. In fact, it is the leader's solos that frequently prevent the Latin grooves and rhythms found on Casino from sounding stale and a bit dated. His trademark staccato phrasing and high-velocity improvisations are what is noticed upon first listen, but di Meola does have an excellent sense of phrasing that is undeniably present. Contrary to popular opinion, he knows how to use his technique to good effect. Casino is not as strong as either Elegant Gypsy or Romantic Warrior, but is nevertheless well worth picking up for fans either of di Meola himself or of the entire 1970s fusion scene.

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Traducción Automática:
Reseña por Daniel Gioffre

Seguir al magnífico Elegant Gypsy no fue poca cosa, pero Al di Meola dio lo mejor de sí con el Casino de estilo similar, lanzado en 1978. Con una banda central de Steve Gadd, Anthony Jackson y Barry Miles (a quien se le ocurrió a di Meola antes de que el guitarrista fuera invitado a unirse a Return to Forever), la interpretación es aguda y ardiente, a juego con la intensidad juvenil del líder. Di Meola es un buen compositor en el idioma de la fusión, y las cuatro composiciones originales de Casino, aunque claramente llevan la marca de la influencia de Chick Corea, son fuertes. Su "Suite Fantasia para Dos Guitarras", con Di Meola acompañándose a sí mismo a través de múltiples pistas, es hermosa y dramática, y alude a los trabajos posteriores totalmente acústicos del guitarrista, como Friday Night in San Francisco. "Dark Eye Tango" comienza con un tema lento antes de convertirse en un vehículo uptempo para la Les Paul de Di Meola. De hecho, son los solos del líder los que con frecuencia evitan que los ritmos y ritmos latinos que se encuentran en Casino suenen rancios y un poco anticuados. Su característico fraseo entrecortado e improvisaciones de alta velocidad son lo que se nota en la primera escucha, pero di Meola tiene un excelente sentido del fraseo que está innegablemente presente. Contrariamente a la opinión popular, él sabe cómo usar su técnica con buenos resultados. Casino no es tan fuerte como Elegant Gypsy o Romantic Warrior, pero vale la pena elegirlo para los fanáticos del propio di Meola o de toda la escena de fusión de la década de 1970.

 

 

 

 

aldimeola.com ...

Ronnie Earl & the Broadcasters • Hope Radio

Biography:

One of the finest blues guitarists to emerge during the '80s, the award-winning Ronnie Earl often straddled the line between blues and jazz, throwing in touches of soul and rock as well. His versatility made him one of the few blues guitarists capable of leading an almost entirely instrumental outfit, and his backing band the Broadcasters became one of the more respected working units in contemporary blues over the course of the '90s. Earl's instrumental acumen and versatility resulted in a host of celebrated recordings, including that from his Broadcasters' quartet, 1993's Still River. The Broadcasters released Language of the Soul in 1994 and The Colour of Love in 1997 (which featured a single guest vocal appearance from Gregg Allman), and concluded in 2000 with Healing Time. Earl's albums have been influenced by spiritual themes ever since. He signed to Stony Plain in 2004 and has remained with the powerhouse Canadian independent, delivering four charting dates on the Blues Albums charts, with 2009's Healing Time and 2017's The Luckiest Man among them.

Ronnie Earl was born Ronald Horvath in Queens, New York on March 10, 1953. He didn't start playing guitar until after he entered college at Boston University in the early '70s and became fascinated with the local blues scene. Developing his craft quickly, he landed a job as a member of the house band at the Speakeasy Club in Cambridge, Massachusetts, and changed his last name to the bluesier-sounding Earl, in tribute to Earl Hooker, one of his greatest influences. Prior to the name switch, he'd made some recordings for the small Baron label under his original moniker beginning in 1977, first backing Guitar Johnny & the Rhythm Rockers, then as a founding member of Sugar Ray & the Bluetones with harmonica player/singer Sugar Ray Norcia. In 1979, Earl was invited to replace Duke Robillard in the prominent Rhode Island band Roomful of Blues, whose swinging jump blues revivalist sound demanded a jazz sensibility as well as ample blues feeling. Earl spent the next eight years with Roomful of Blues and watched their national profile grow steadily larger.

Meanwhile, Earl also made a few recordings on his own for Black Top Records, forming the first versions of the Broadcasters in the early '80s. He released his first solo album, Smokin', in 1983 and followed it with They Call Me Mr. Earl in 1984 (both of those albums were later compiled on the CD Deep Blues). Still, they were a sidelight to his main gig with Roomful of Blues -- that is, until he left the band in 1987 to make a go of it as a solo artist and bandleader in his own right. A new version of the Broadcasters debuted in 1988 on Soul Searchin', which featured vocalist Darrell Nulisch, harmonica player Jerry Portnoy (ex-Muddy Waters), bassist Steve Gomes, and drummer Per Hanson. Peace of Mind followed in 1990, as did I Like It When It Rains, a live album on Antone's that actually dated from 1986. Released in 1991, Surrounded by Love reunited Earl with Sugar Ray Norcia and also proved the last in his long string of Black Top releases.

By the early '90s, Earl had addressed and overcome his problems with alcohol and cocaine and began to rethink his approach. He formed a new version of the Broadcasters featuring organist Bruce Katz, bassist Rod Carey, and longtime drummer Per Hanson, and boldly elected to go without a vocalist. Earl debuted his new instrumental direction -- which was more informed by jazz than ever before -- on 1993's Still River (released by AudioQuest) and embarked on a tour of Europe. He signed with the Bullseye Blues label and issued a string of acclaimed albums including 1994's Language of the Soul, 1995's Blues Guitar Virtuoso Live in Europe (from his 1993 tour and originally titled Blues and Forgiveness), and 1996's Grateful Heart: Blues and Ballads (which featured David "Fathead" Newman). The latter two were particular critical favorites, with Live in Europe winning Pulse magazine's year-end poll as Best Blues Album and Grateful Heart doing likewise in Down Beat.

Thanks to all the positive attention, Earl signed a major-label deal with Verve. His label debut, The Colour of Love, was issued in 1997 and sold more than 65,000 copies, making it one of the biggest hits of Earl's career; he also won a W.C. Handy Award as Best Blues Instrumentalist the same year. However, feeling that he was under too much pressure to move more units, Earl soured on the deal, and around the same time suffered a bout with manic depression. He wound up not only leaving Verve, but taking a break from bandleading and live performance; he disbanded the Broadcasters and signed with the smaller Telarc label as a solo act.

His Telarc debut, 2000's Healing Time, teamed him with legendary soul-jazz organist Jimmy McGriff. The follow-up, 2001's Ronnie Earl and Friends, was a loose, jam session-type affair featuring a number of special guests, including the Fabulous Thunderbirds' Kim Wilson, Irma Thomas, Luther "Guitar Junior" Johnson, and the Band's Levon Helm. In 2003, Earl returned with an album of mainly instrumental material, I Feel Like Goin' On, on the Canadian-based label Stony Plain. A second album from Stony Plain, Now My Soul, appeared in 2004, while a third, The Duke Meets the Earl, which paired Earl with fellow ex-Roomful of Blues guitarist Duke Robillard, was released in 2005. Earl's third album for Stony Plain, 2009's Living in the Light, found him reunited with the Broadcasters. Earl and his longtime backing band returned for 2010's Spread the Love, an instrumental tribute to mentors, friends, and family.

After a long period of global touring, Earl and band took some well-deserved time off. Just for Today was issued in 2013, and featured guest spots from vocalist Diane Blue (who joined the group, becoming its first female member) and Detroit guitarist Nicholas Tabarias. Earl & the Broadcasters returned to the studio late in the year. They emerged with Good News, a collection of originals and covers that included Blue and Tabarias in the line-up on selected cuts, along with guitarist Zach Zunis. It was issued for release in June of 2014. In 2015, Earl and his latest edition of the Broadcasters -- Jim Mouradian on bass, Dave Limina on keyboards, and Lorne Entress on drums -- teamed up with vocalist Blue and a horn section for the album Father's Day, a set of songs recorded in tribute to Earl's dad, Akos Horvath. The following year he issued Maxwell Street, a tribute to former Broadcasters' bandmate and blues piano legend David Maxwell. In 2017, Earl & the Broadcasters delivered The Luckiest Man, which peaked at number two on the Blues Album Charts and in the top spot at streaming, netting Earl a Blues Music Award (his fifth) as Best Blues Guitarist at the industry's annual event in Memphis. Summer 2019 saw the release of Beyond the Blue Door, a jazz-blues outing that included a host of old friends joining the Broadcasters, including David Bromberg, Greg Piccolo, and Kim Wilson.

by Steve Huey

https://www.allmusic.com/artist/ronnie-earl-mn0000844950/biography

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Biografía:

Uno de los mejores guitarristas de blues que surgieron en los 80, el galardonado Ronnie Earl a menudo se situó en la línea entre el blues y el jazz, aportando también toques de soul y rock. Su versatilidad lo convirtió en uno de los pocos guitarristas de blues capaz de dirigir un equipo casi totalmente instrumental, y su banda de apoyo, los Broadcasters, se convirtió en una de las unidades de trabajo más respetadas en el blues contemporáneo en el transcurso de los 90. La perspicacia instrumental y la versatilidad de Earl dio como resultado una gran cantidad de grabaciones celebradas, incluyendo la de su cuarteto de Broadcasters, Still River de 1993. Los Broadcasters lanzaron Language of the Soul en 1994 y The Colour of Love en 1997 (que contó con una sola aparición vocal de Gregg Allman), y concluyó en 2000 con Healing Time. Los álbumes de Earl han sido influenciados por temas espirituales desde entonces. Firmó con Stony Plain en 2004 y ha permanecido con la poderosa empresa independiente canadiense, con cuatro fechas en las listas de Blues Albums, entre las que se encuentran Healing Time de 2009 y The Luckiest Man de 2017.

Ronnie Earl nació Ronald Horvath en Queens, Nueva York, el 10 de marzo de 1953. No empezó a tocar la guitarra hasta que entró en la Universidad de Boston a principios de los años 70 y quedó fascinado con la escena local de blues. Desarrollando su arte rápidamente, consiguió un trabajo como miembro de la banda de house en el Speakeasy Club de Cambridge, Massachusetts, y cambió su apellido por el de Earl, en homenaje a Earl Hooker, una de sus mayores influencias. Antes del cambio de nombre, había hecho algunas grabaciones para el pequeño sello Baron bajo su apodo original a partir de 1977, primero apoyando a Guitar Johnny & the Rhythm Rockers, y luego como miembro fundador de Sugar Ray & the Bluetones con el armonicista/cantante Sugar Ray Norcia. En 1979, Earl fue invitado a reemplazar a Duke Robillard en la prominente banda de Rhode Island Roomful of Blues, cuyo sonido revivalista de swing jump blues exigía una sensibilidad de jazz así como un amplio sentimiento de blues. Earl pasó los siguientes ocho años con Roomful of Blues y vio cómo su perfil nacional crecía constantemente.

Mientras tanto, Earl también hizo algunas grabaciones por su cuenta para Black Top Records, formando las primeras versiones de los Broadcasters a principios de los 80. Lanzó su primer álbum en solitario, Smokin', en 1983 y lo siguió con They Call Me Mr. Earl en 1984 (ambos álbumes fueron recopilados más tarde en el CD Deep Blues). Aún así, fueron un complemento a su concierto principal con Roomful of Blues, es decir, hasta que dejó la banda en 1987 para hacerla funcionar como solista y líder de la banda por derecho propio. Una nueva versión de los Broadcasters debutó en 1988 en Soul Searchin', que incluía al vocalista Darrell Nulisch, al armónico Jerry Portnoy (ex-Muddy Waters), al bajista Steve Gomes y al baterista Per Hanson. Peace of Mind siguió en 1990, al igual que I Like It When It Rains, un álbum en vivo de Antone que en realidad data de 1986. Lanzado en 1991, Surrounded by Love reunió a Earl con Sugar Ray Norcia y también demostró ser el último en su larga serie de lanzamientos de Black Top.

A principios de los 90, Earl había abordado y superado sus problemas con el alcohol y la cocaína y comenzó a repensar su enfoque. Formó una nueva versión de las Emisoras con el organista Bruce Katz, el bajista Rod Carey y el baterista de larga data Per Hanson, y audazmente eligió quedarse sin vocalista. Earl debutó su nueva dirección instrumental - que estaba más informada por el jazz que nunca antes - en Still River de 1993 (publicado por AudioQuest) y se embarcó en una gira por Europa. Firmó con el sello Bullseye Blues y publicó una serie de álbumes aclamados, incluyendo el de 1994 Language of the Soul, 1995 Blues Guitar Virtuoso Live in Europe (de su gira de 1993 y originalmente titulado Blues and Forgiveness), y 1996 Grateful Heart: Blues y Baladas (con David "Fathead" Newman). Los dos últimos fueron favoritos de la crítica, con Live in Europe ganando la encuesta de fin de año de la revista Pulse como Mejor Álbum de Blues y Grateful Heart haciendo lo mismo en Down Beat.

Gracias a toda la atención positiva, Earl firmó un contrato con Verve. Su debut en el sello, The Colour of Love, se publicó en 1997 y vendió más de 65.000 copias, convirtiéndolo en uno de los mayores éxitos de la carrera de Earl; también ganó un premio W.C. Handy como Mejor Instrumentista de Blues ese mismo año. Sin embargo, sintiendo que estaba bajo mucha presión para mover más unidades, Earl se enfadó con el trato, y más o menos al mismo tiempo sufrió un ataque de depresión maníaca. Terminó no sólo dejando a Verve, sino tomando un descanso de la dirección de la banda y de las actuaciones en vivo; disolvió las emisoras y firmó con el pequeño sello Telarc como solista.

Su debut en el Telarc, en Healing Time del 2000, lo unió al legendario organista de soul-jazz Jimmy McGriff. El siguiente, Ronnie Earl and Friends, de 2001, fue un asunto informal, tipo jam session, con varios invitados especiales, incluyendo a Kim Wilson de los Fabulosos Thunderbirds, Irma Thomas, Luther "Guitar Junior" Johnson, y Levon Helm de la banda. En 2003, Earl regresó con un álbum de material principalmente instrumental, I Feel Like Goin' On, en el sello canadiense Stony Plain. Un segundo álbum de Stony Plain, Now My Soul, apareció en 2004, mientras que un tercero, The Duke Meets the Earl, que emparejó a Earl con su compañero ex-guitarrista de Blues Duke Robillard, fue lanzado en 2005. El tercer álbum de Earl para Stony Plain, Living in the Light de 2009, lo encontró reunido con los Broadcasters. Earl y su banda de apoyo de larga data regresaron para Spread the Love de 2010, un tributo instrumental a los mentores, amigos y familiares.

Después de un largo período de gira mundial, Earl y la banda se tomaron un merecido descanso. Just for Today se publicó en 2013, y contó con la participación de la vocalista Diane Blue (que se unió al grupo, convirtiéndose en su primer miembro femenino) y el guitarrista de Detroit Nicholas Tabarias. Earl & the Broadcasters regresaron al estudio a finales de año. Salieron con Good News, una colección de originales y portadas que incluían a Blue y Tabarias en la alineación en cortes seleccionados, junto con el guitarrista Zach Zunis. Se publicó para su lanzamiento en junio de 2014. En 2015, Earl y su última edición de las Emisoras -- Jim Mouradian en el bajo, Dave Limina en los teclados, y Lorne Entress en la batería -- se unieron con el vocalista Blue y una sección de trompa para el álbum Father's Day, un conjunto de canciones grabadas en homenaje al padre de Earl, Akos Horvath. Al año siguiente publicó Maxwell Street, un tributo al ex compañero de banda de la Broadcasters y leyenda del piano de blues David Maxwell. En 2017, Earl & the Broadcasters entregaron The Luckiest Man, que alcanzó el número dos en las listas de álbumes de blues y el primer lugar en streaming, consiguiendo para Earl un premio de música de blues (su quinto) como mejor guitarrista de blues en el evento anual de la industria en Memphis. El verano de 2019 vio el lanzamiento de Beyond the Blue Door, una salida de jazz-blues que incluyó a un montón de viejos amigos que se unieron a las Emisoras, incluyendo a David Bromberg, Greg Piccolo, y Kim Wilson.

por Steve Huey

https://www.allmusic.com/artist/ronnie-earl-mn0000844950/biography