VA • Rock Comedy

 

Willie Bobo ‎• Bobo Motion

 

Review:

Recorded and released in 1967, Bobo Motion is one of percussionist Willie Bobo's best-known recordings of the 1960s. The album is best-known for its version of the Sonny Henry nugget "Evil Ways" that Carlos Santana and his band made their own a couple of years later, but there's more to it than that. Since Bobo signed with Verve in 1965, he'd been releasing wily blends of hot Latin tunes, and soul-jazz interpretations of pop tunes of the day. His five previous albums for the label had all been variations on this theme. On the earlier ones, safer pop and easy tunes played with Bobo's trademark hand drum grooves won out over original material. Indeed, 1965's Spanish Grease and 1966's Uno, Dos,Tres 1-2-3 had featured one tune apiece that featured the cooking Afro-Cuban flavored jams he'd become known for, and the rest were either soul-jazz arrangements of Latin standards or "with it" pop tunes of the day (Afro-Cuban versions of the organ trio records that Blue Note was shoveling out by the truckload at the time). Bobo Motion, however, is a different animal. While there are no originals on the Bert Keyes/Sonny Henry-arranged set, the grooves are tighter and more sophisticated, and the drumming is mixed way up above an uncredited smaller combo playing horns, electric bass, and Henry' electric guitar. The tune selection is also weirder and reflects the range of Bobo' eclectic tastes, and turns more firmly toward jazz (unlike Juicy, the 1967 precursor to this set, which was pregnant with workouts of soul hits of the day). There are trad standards like "Tuxedo Junction," Neal Hefti's swinging "Cute," -- which was almost a Count Basie evergreen of the early '60s -- and a smoking blues-out read of Sonny Burke' "Black Coffee." That's not to say there are no pop tunes here, Henry's "Evil Ways" features Bobo's less than hip vocals but the tune itself is so steamy and strange in its minor-key articulations, and the groove is such a monster, it doesn't matter. The same goes for Arthur Sterling's "Ain't That Right," that becomes a whomping boogaloo with the triple-time congas, gourd shaker, and timbales atop a fluid electric guitar groove. The transformation of Joe Tex's "Show Me," into a Latin jazz tune is remarkable to say the least -- even if it keeps its funky soul feel (the horns are the melody line here, and Bobo plays all around them setting up a monster conguero groove). Bobo Motion ends with a brief but burning version of "La Bamba." Its traditional roots are all on display here as Bobo's congas drive the rhythms into overdrive. Forget the quaint version by Trini Lopez, this one gets it. Recommended.

by Thom Jurek

///////

Revisión:

Grabado y lanzado en 1967, Bobo Motion es una de las grabaciones más conocidas del percusionista Willie Bobo de los años 60. El álbum es más conocido por su versión de la pepita de Sonny Henry "Evil Ways" que Carlos Santana y su banda hicieron suya un par de años después, pero hay más que eso. Desde que Bobo firmó con Verve en 1965, ha estado lanzando astutas mezclas de calientes melodías latinas, e interpretaciones de soul-jazz de las melodías pop de la época. Sus cinco álbumes anteriores para el sello habían sido variaciones de este tema. En los primeros, el pop seguro y las melodías fáciles tocadas con los ritmos de tambor de mano característicos de Bobo triunfaron sobre el material original. De hecho, Spanish Grease de 1965 y Uno, Dos, Tres 1-2-3 de 1966 habían presentado una canción cada uno que incluía las mermeladas de sabor afrocubano por las que se había hecho famoso, y el resto eran arreglos de soul-jazz de estándares latinos o canciones pop "con ello" de la época (versiones afrocubanas de los discos del trío de órgano que Blue Note estaba sacando a paladas por el camión en ese momento). Bobo Motion, sin embargo, es un animal diferente. Mientras que no hay originales en el set arreglado por Bert Keyes/Sonny Henry, los surcos son más cerrados y más sofisticados, y la batería está mezclada muy por encima de un combo más pequeño no acreditado tocando trompetas, bajo eléctrico y la guitarra eléctrica de Henry. La selección de los temas también es más extraña y refleja el rango de los gustos eclécticos de Bobo, y se vuelve más firmemente hacia el jazz (a diferencia de Juicy, el precursor de este set en 1967, que estaba preñado de entrenamientos de éxitos soul de la época). Hay estándares comerciales como "Tuxedo Junction", "Cute" de Neal Hefti, que era casi un Count Basie de principios de los 60, y una humeante lectura blues-out de "Black Coffee" de Sonny Burke. Eso no quiere decir que no haya canciones pop aquí, "Evil Ways" de Henry tiene la voz de Bobo, pero la canción en sí es tan vaporosa y extraña en sus articulaciones de teclas menores, y el ritmo es un monstruo, no importa. Lo mismo ocurre con "Ain't That Right" de Arthur Sterling, que se convierte en un enorme boogaloo con las congas de tres tiempos, el agitador de calabaza y los timbales sobre un fluido ritmo de guitarra eléctrica. La transformación de "Show Me" de Joe Tex, en una melodía de jazz latino es notable, por no decir otra cosa, incluso si mantiene su sensación de alma funky (los cuernos son la línea de melodía aquí, y Bobo toca a su alrededor estableciendo un groove de conguero monstruoso). Bobo Motion termina con una breve pero ardiente versión de "La Bamba". Sus raíces tradicionales están todas en exhibición aquí, mientras las congas de Bobo llevan los ritmos a una sobrecarga. Olvida la pintoresca versión de Trini López, ésta lo entiende. Recomendado.

por Thom Jurek 

Tubby Hayes Orchestra • Tubbs' Tours

 

Artist Biography by Thom Jurek

Nicknamed "The Little Giant", English saxophonist Tubby Hayes was an excellent hard bop and modal stylist whose solos were dynamic, expertly articulated, and intricately constructed, as well as expressive and imaginative. In addition to saxes and woodwinds, he was also an highly skilled arranger, composer, and an accomplished vibraphonist. He was a dazzling, highly acrobatic player who drew as much criticism for his virtuosic flurries of notes as praise. A ubiquitous presence on the 1960s and early-'70s British jazz scene, he died at age 38 in 1973. His influence, now undisputed, has made him the standard bearer for British jazz during the 20th century. His traveling forays into America may not have registered in the jazz press as much, but he was revered by virtually every jazzman on the other side of the Atlantic who heard or played with him: Among them Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus, and Duke Ellington. He was deeply admired by Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper, and Sonny Rollins. Hayes, along with saxophonist Ronnie Scott, co-led the Jazz Couriers during the late '50s. The saxists and trumpeter Jimmy Deuchar singlehandedly changed the face of England's jazz landscape which, at that time, had consisted primarily of dance bands from the '30s on. After the split, Scott started his legendary club -- opening night featured Hayes' new band -- and Tubbs established himself as a prolific musician; he led quartets, quintets, and sextets, as well as big bands. He had his own television series and amassed a vast canon of albums from 1955 onward for a slew of labels including Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash, and Mole.

Hayes was born Edward Brian Hayes in London. His father was a BBC studio violinist and traveling dance band leader. Wishing to instill his love for music in his son, he gave him violin lessons from an early age. By the age of ten, Hayes was playing the piano, and he started on the tenor sax at 11. The youngster fell in love with jazz thanks to his dad's record collection and European radio that was playing recordings by bebop pioneers such as Dizzy Gillespie and Charlie Parker. After playing with various semi-professional bands around London for a time, Hayes left school and started playing professionally at age 15. In 1951, at the of 16, Hayes joined Kenny Baker's sextet, and subsequently worked with bandleaders such as Vic Lewis and Jack Parnell. He was already a sophisticated arranger, and penned charts for the bands he played in as a teen. In 1955, Hayes formed his own octet, with which he toured the U.K. for 18 months. He took up vibraphone in 1957, having tried Victor Feldman's instrument during a gig. Although the vibes were a key instrument in his arsenal, he eventually tired of playing them. From 1957 to 1959, he joined Ronnie Scott in co-leading the Jazz Couriers quintet. They became the hottest property on the British jazz scene at the time and recorded for the Tempo label. Despite their relatively short tenure, their influence is still felt in the 21st century.

After the Jazz Couriers split, Hayes formed his own quartet, and toured Germany. In 1961 he received an invitation to America to play the Half Note Club in New York City as part of a Musician's Union exchange that brought American saxophonist Zoot Sims to England to play Scott's club. In America, Hayes recorded Tubbs in NY with Clark Terry, Eddie Costa, and Horace Parlan. He returned in 1962 and cut Return Visit with James Moody, (pre-Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr., Sam Jones, and Louis Hayes. He played at the Half Note again in 1964, and at the Boston Jazz Workshop the same year. He traveled to the West Coast for the first time in 1965, playing a multi-night gig at drummer Shelly Manne's Manne-Hole in Los Angeles.

When at home in London, Hayes was a hotly debated commodity among critics, but was beloved by the record-buying public. Given his ubiquity in concert halls on tour and on television -- he hosted three different television programs between 1961 and 1963 -- his biographer Simon Spillet wrote: "Tubby faced almost as much criticism within the press as he did praise, most of it centered upon his technical ability…both a yardstick against which to measure others and, all too often, simply a club with which to beat him….He also suffered from something we appear to have somewhat of a gift for in this country: taking someone apart for doing nothing more than being superbly accomplished at what they do."

In addition to television, Hayes also worked in film and on radio, penning and arranging scores, commercials, and songs. In 1964, he subbed for Paul Gonsalves in Duke Ellington's orchestra and in 1965 recorded with the saxophonist on Just Friends, and later Change of Setting.

Hayes appeared in films too, including All Night Long with Charles Mingus and Dave Brubeck, with his own group in A King in New York starring Charlie Chaplin (1957), and The Beauty Jungle (1964). He also a regular at European jazz festivals form the U.K. to Spain to Italy, Vienna, and Berlin. He appeared on a number of soundtracks at in 1965, notably on Lalo Schifrin's score for The Liquidator, and appeared with his quintet in the anthology film Dr. Terror's House of Horrors. His section, "Voodoo," found his band performing behind actor Roy Castle, who played a jazz musician. A three-track EP from the soundtrack titled Voodoo Session was released by Trunk Records in 2009.

Though he was already a prolific recording artist under his own name, Hayes also found time to guest on recordings by other British jazz musicians, including the Harry South Big Band, the Ian Hamer Sextet, and Ted Heath’s Orchestra. Among his many studio credits, Hayes led the brass section on the sessions for Music in a Doll's House -- the 1967 debut album by Family -- that also featured string and brass charts by a young Mike Batt, who lionized Hayes. Batt credited Hayes with saving his brass arrangement on the track "Old Songs for New Songs." When the arranger realized he had inadvertently notated parts in the wrong key, Hayes and his colleagues, realizing his mistake, discreetly transposed their parts by ear so that they would match the backing track. That same year, Hayes' quartet released what is arguably (yet widely) regarded as his finest offering, the album Mexican Green for Fontana, which was issued in 1968. Hayes was lucky in continuing to record and tour, but times were tough. Given the rise of commercial rock & roll, jazz became marginalized in Great Britain and, a little later, in the U.S. as well. What was thought to be his final recording session for the year was with his big-band's The Orchestra project -- a more commercial outing aimed at pop and easy listening audiences; it featured sophisticated charts for covers of hit songs by the Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, and others. Released by Fontana as catalog number 6309 002 in 1970, it fared poorly. Hayes, a longtime drug addict and alcoholic, began to experience severe health issues. He underwent open-heart surgery and a long period of recuperation. He started performing again in 1971, and in 1972 toured Norway and Sweden. In 1973, after suffering faltering health again, he underwent another heart surgery but expired on the operating table.

In all, Hayes' discography as a leader and/or sideman encompasses more than 400 albums. Unfortunately, many of those recordings -- up to 100 -- didn't appear until long after his passing. In 2017, Spillett's acclaimed The Long Shadow of the Little Giant: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes was published by Equinox in the U.K. and received good reviews on both sides of the Atlantic. In 2019, two major events took place that further expanded the reach and influence of Hayes' legend. The first was the appearance of the documentary feature film A Man in a Hurry directed by Lee Cogswell and written by Mark Baxter. The second was the release of a holy grail of jazz, Hayes' album Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. The rediscovery came about when late jazz writer and Polygram catalog manager Richard Cook spotted entries in Hayes' diary that detailed several recording sessions. He found the 1969 tapes in the archive. Cook left the company in 1997, and it was only in 2018 that their existence resurfaced. Decca/Universal hired high-end vinyl specialists Gearbox Studios to master the sessions for the first time. In July 2019, before the film's commercial appearance, Gearbox issued the set in various configurations: As a 180-gram vinyl edition created by using a '60s-era Studer C37 tape machine and a Scully Lathe (the very same model used by jazz engineer legend Rudy Van Gelder), and as single- and double-compact disc editions. In an interview Spillett said "It really is a lost masterpiece, make no mistake....It's hard to believe that this music has lain unheard for 50 years, it's so fresh. There's no doubt in my mind that had they been issued at the time, these recordings would have been seen as Tubby's last great album." [In September 2019, Decca issued the 12-disc box set The Complete Fontana Albums 1960-1969. The LP version contained 11 LPs. The recordings were remastered at Gearbox Records' studios, directly from the original tapes, using a Studer C37 ¼-inch stereo tape machine, equalized through an all-valve mastering deck built for Decca studios during the late 1950s.]

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

///////

Biografía del artista por Thom Jurek

Apodado "The Little Giant", el saxofonista inglés Tubby Hayes era un excelente hard bop y estilista modal cuyos solos eran dinámicos, expertamente articulados y construidos de manera intrincada, así como expresivos e imaginativos. Además de saxos y vientos de madera, también fue un arreglador, compositor y vibrafonista muy hábil. Era un jugador deslumbrante y muy acrobático que atrajo tanto críticas por sus virtuosas ráfagas de notas como elogios. Una presencia ubicua en la escena del jazz británico de los años sesenta y principios de los setenta, murió a los 38 años en 1973. Su influencia, ahora indiscutible, lo ha convertido en el abanderado del jazz británico durante el siglo XX. Sus incursiones en Estados Unidos tal vez no se hayan registrado en la prensa de jazz, pero fue venerado por prácticamente todos los jazzistas del otro lado del Atlántico que lo escucharon o tocaron con él: Entre ellos Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus y Duke Ellington. Fue profundamente admirado por Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper y Sonny Rollins. Hayes, junto con el saxofonista Ronnie Scott, co-lideró los Jazz Couriers a finales de los años 50. Los saxistas y el trompetista Jimmy Deuchar cambiaron por sí solos la faz del paisaje del jazz inglés que, en aquel entonces, estaba formado principalmente por bandas de baile de los años 30 en adelante. Después de la separación, Scott comenzó su legendario club -- la noche del estreno presentó la nueva banda de Hayes -- y Tubbs se estableció como un músico prolífico; dirigió cuartetos, quintetos y sextetos, así como grandes bandas. Tenía su propia serie de televisión y acumuló un vasto canon de álbumes desde 1955 en adelante para una gran cantidad de sellos discográficos, incluyendo Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash y Mole.

Hayes nació como Edward Brian Hayes en Londres. Su padre era un violinista de estudio de la BBC y líder de una banda de baile ambulante. Deseoso de inculcar en su hijo el amor por la música, le dio clases de violín desde muy temprana edad. A la edad de diez años, Hayes tocaba el piano y comenzó a tocar el saxo tenor a los 11 años. El joven se enamoró del jazz gracias a la colección de discos de su padre y a la radio europea que tocaba grabaciones de pioneros del bebop como Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Después de tocar con varias bandas semiprofesionales en Londres durante un tiempo, Hayes dejó la escuela y comenzó a tocar profesionalmente a los 15 años. En 1951, a los 16 años, Hayes se unió al sexteto de Kenny Baker, y posteriormente trabajó con directores de orquesta como Vic Lewis y Jack Parnell. Ya era un sofisticado arreglista, y componía las listas de éxitos de las bandas en las que tocaba en su adolescencia. En 1955, Hayes formó su propio octeto, con el que recorrió el Reino Unido durante 18 meses. Empezó a trabajar con el vibráfono en 1957, después de haber probado el instrumento de Victor Feldman durante un concierto. Aunque las vibraciones eran un instrumento clave en su arsenal, finalmente se cansó de tocarlas. De 1957 a 1959, se unió a Ronnie Scott en la co-liderazgo del quinteto Jazz Couriers. Se convirtieron en la propiedad más caliente de la escena jazzística británica de la época y grabaron para el sello Tempo. A pesar de su relativamente corta permanencia en el cargo, su influencia todavía se siente en el siglo XXI.

Después de la separación de Jazz Couriers, Hayes formó su propio cuarteto y realizó una gira por Alemania. En 1961 recibió una invitación a Estados Unidos para tocar en el Half Note Club de la ciudad de Nueva York como parte de un intercambio de la Unión de Músicos que llevó a la saxofonista americana Zoot Sims a Inglaterra para tocar en el club de Scott. En América, Hayes grabó Tubbs en Nueva York con Clark Terry, Eddie Costa y Horace Parlan. Regresó en 1962 y cortó "Return Visit" con James Moody, (antes de Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr, Sam Jones y Louis Hayes. Tocó de nuevo en el Half Note en 1964, y en el Boston Jazz Workshop ese mismo año. Viajó a la Costa Oeste por primera vez en 1965, tocando en un concierto de varias noches en el Manne-Hole del baterista Shelly Manne en Los Ángeles.

Cuando estaba en su casa en Londres, Hayes era una mercancía muy debatida entre los críticos, pero era muy querida por el público que compraba discos. Dada su ubicuidad en las salas de conciertos durante las giras y en la televisión -organizó tres programas de televisión diferentes entre 1961 y 1963-, su biógrafo Simon Spillet escribió: "Tubby enfrentó casi tantas críticas en la prensa como elogios, la mayoría de ellas centradas en su habilidad técnica... tanto un criterio con el que medir a los demás como, con demasiada frecuencia, un simple palo con el que derrotarlo....".También sufrió de algo para lo que parece que tenemos un don en este país: desarmar a alguien por no hacer nada más que ser magníficamente realizado en lo que hace".

Además de la televisión, Hayes también trabajó en cine y radio, escribiendo y arreglando partituras, comerciales y canciones. En 1964, sustituyó a Paul Gonsalves en la orquesta de Duke Ellington y en 1965 grabó con el saxofonista en Just Friends, y más tarde en Change of Setting.

Hayes también apareció en películas, incluyendo All Night Long con Charles Mingus y Dave Brubeck, con su propio grupo en A King in New York protagonizado por Charlie Chaplin (1957), y The Beauty Jungle (1964). También es habitual en festivales de jazz europeos desde el Reino Unido hasta España, pasando por Italia, Viena y Berlín. Apareció en varias bandas sonoras en 1965, especialmente en la partitura de Lalo Schifrin para The Liquidator, y apareció con su quinteto en la antología de la película Dr. Terror's House of Horrors. Su sección, "Voodoo", encontró a su banda actuando detrás del actor Roy Castle, que interpretó a un músico de jazz. Un EP de tres bandas sonoras titulado Voodoo Session fue lanzado por Trunk Records en 2009.

Aunque ya era un artista prolífico bajo su propio nombre, Hayes también encontró tiempo para ser invitado a grabaciones de otros músicos de jazz británicos, incluyendo la Harry South Big Band, el Ian Hamer Sextet y la Orquesta de Ted Heath. Entre sus muchos créditos de estudio, Hayes dirigió la sección de metales de las sesiones de Music in a Doll's House, el álbum debut de 1967 de Family, que también incluía cartas de cuerdas y metales de un joven Mike Batt, que leonó a Hayes. Batt le dio crédito a Hayes por guardar su arreglo de latón en el tema "Old Songs for New Songs". Cuando el arreglista se dio cuenta de que había anotado sin querer las partes en la clave equivocada, Hayes y sus colegas, al darse cuenta de su error, transpusieron discretamente sus partes por la oreja para que coincidieran con la pista de acompañamiento. Ese mismo año, el cuarteto de Hayes lanzó lo que se puede decir (aunque ampliamente) considera su mejor oferta, el álbum Mexican Green for Fontana, que se publicó en 1968. Hayes tuvo la suerte de seguir grabando y haciendo giras, pero los tiempos eran difíciles. Dado el auge del rock & roll comercial, el jazz quedó marginado en Gran Bretaña y, un poco más tarde, también en Estados Unidos. Lo que se pensó que sería su última sesión de grabación del año fue con el proyecto The Orchestra de su big-band -- una salida más comercial dirigida a audiencias pop y de fácil escucha; incluía sofisticadas listas de éxitos de los Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, y otros. Lanzado por Fontana con el número de catálogo 6309 002 en 1970, le fue mal. Hayes, una antigua drogadicta y alcohólica, comenzó a experimentar graves problemas de salud. Se sometió a una cirugía a corazón abierto y a un largo período de recuperación. Comenzó a actuar de nuevo en 1971, y en 1972 realizó giras por Noruega y Suecia. En 1973, después de sufrir de nuevo una mala salud, se sometió a otra cirugía cardíaca pero expiró en la mesa de operaciones.

En total, la discografía de Hayes como líder y/o sideman abarca más de 400 álbumes. Desafortunadamente, muchas de esas grabaciones, hasta 100, no aparecieron hasta mucho después de su muerte. En 2017, Spillett aclamó La larga sombra del pequeño gigante: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes fue publicado por Equinox en el Reino Unido y recibió buenas críticas a ambos lados del Atlántico. En 2019, se produjeron dos acontecimientos importantes que ampliaron aún más el alcance y la influencia de la leyenda de Hayes. La primera fue la aparición del documental A Man in a Hurry, dirigido por Lee Cogswell y escrito por Mark Baxter. El segundo fue el lanzamiento de un santo grial del jazz, el álbum de Hayes Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. El redescubrimiento se produjo cuando el difunto escritor de jazz y director del catálogo de Polygram, Richard Cook, descubrió en el diario de Hayes una serie de entradas que detallaban varias sesiones de grabación. Encontró las cintas de 1969 en el archivo. Cook dejó la empresa en 1997, y sólo en 2018 resurgió su existencia. Decca/Universal contrató a los especialistas en vinilos de alta calidad de Gearbox Studios para dominar las sesiones por primera vez. En julio de 2019, antes de la aparición comercial de la película, Gearbox emitió el set en varias configuraciones: Como una edición de vinilo de 180 gramos creada utilizando una máquina de cinta Studer C37 de los años 60 y un Torno Scully (el mismo modelo utilizado por la leyenda del ingeniero de jazz Rudy Van Gelder), y como ediciones de discos compactos simples y dobles. En una entrevista Spillett dijo "Es realmente una obra maestra perdida, no se equivoque....Es difícil creer que esta música ha permanecido sin escuchar durante 50 años, es tan fresca. No tengo ninguna duda de que si se hubieran publicado en ese momento, estas grabaciones habrían sido vistas como el último gran álbum de Tubby". En septiembre de 2019, Decca publicó la caja de 12 discos The Complete Fontana Albums 1960-1969. La versión LP contenía 11 LPs. Las grabaciones fueron remasterizadas en los estudios de Gearbox Records, directamente de las cintas originales, usando una máquina de cinta estéreo Studer C37 ¼ pulgadas, ecualizadas a través de una plataforma de masterización de válvulas construida para los estudios Decca a finales de la década de 1950].

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Willie Dixon • What Happened To My Blues

Artist Biography

Willie Dixon was a prolific blues songwriter with more than 500 compositions to his credit. Born and raised in Mississippi, he rode the rails to Chicago during the Great Depression and became the primary blues songwriter and producer for Chess Records. Dixon's songs literally created the so-called “Chicago blues sound” and were recorded by such blues artists as Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor, and many others.

Willie Dixon was born on July 1, 1915, in Vicksburg, Mississippi. Vicksburg was a lively town located on the Mississippi River midway between New Orleans and Memphis. As a youth, Dixon heard a variety of blues, dixieland, and ragtime musicians performing on the streets, at picnics and other community functions, and in the clubs near his home where he would listen to them from the sidewalk.

Dixon grew up in an integrated neighborhood on the northern edge of Vicksburg, where his mother ran a small restaurant. The family of seven children lived behind the restaurant, and next to the restaurant was Curley's Barrelhouse. Listening from the street, Dixon, then about eight years old, heard bluesmen Little Brother Montgomery and Charley Patton perform there along with a variety of ragtime and dixieland piano players.

Dixon was only twelve when he first landed in jail and was sent to a county farm for stealing some fixtures from an old torn-down house. He recalled, “That's when I really learned about the blues. I had heard 'em with the music and took 'em to be an enjoyable thing but after I heard these guys down there moaning and groaning these really down-to-earth blues, I began to inquire about 'em.... I really began to find out what the blues meant to black people, how it gave them consolation to be able to think these things over and sing them to themselves or let other people know what they had in mind and how they resented various things in life.”

About a year later Dixon was caught by the local authorities near Clarksdale, Mississippi, and arrested for hoboing. He was given thirty days at the Harvey Allen County Farm, located near the infamous Parchman Farm prison. At the Allen Farm, Dixon saw many prisoners being mistreated and beatenDixon himself was mistreated at the county farm, receiving a blow to his head that he said made him deaf for about four years. He managed to escape, though, and walked to Memphis, where he hopped a freight into Chicago. He stayed there briefly at his sister's house, then went to New York for a short time before returning to Vicksburg.

When Dixon arrived in Chicago in 1936, he started training to be a boxer. He was in excellent physical condition from the heavy work he had been doing down south, and he was a big man as well. In 1937 he won the Illinois Golden Gloves in the novice heavyweight category. Throughout the late 1930s, Dixon was singing in Chicago with various gospel groups, some of which performed on the radio. Dixon had received good training in vocal harmony from Theo Phelps back in Vicksburg, where he sang bass with the Union Jubilee Singers. Around the same time, Leonard “Baby Doo” Caston gave Dixon his first musical instrument--a makeshift bass made out of an oil can and one string. Dixon, Caston, and some other musicians formed a group called the Five Breezes. They played around Chicago and in 1939 made a record that marked Dixon's first appearance on vinyl.

In 1946 Dixon and Caston formed the Big Three Trio, named after the wartime “Big Three” of U.S. president Franklin Roosevelt, British prime minister Winston Churchill, and Soviet political leader Joseph Stalin. The group was modeled after other popular black vocal groups of the time, such as the Mills Brothers and the Ink Spots. Dixon by this time was singing and playing a regular upright bass. While Chicago blues musicians like Muddy Waters and Little Walter were playing to all-black audiences in small clubs, the Big Three Trio played large show clubs with capacities of three to five thousand.

In 1951 after several years of successful touring and recording, the Big Three Trio disbanded. Many of Dixon's compositions were never recorded by the trio, but these songs turned up later in the repertoire of the blues artists Dixon worked with in the 1950s.

Leonard and Phil Chess began recording the blues in the late 1940s, and by 1950 the Chess brothers were releasing blues records on the label bearing their name. Over the next decade, Chess became what many consider to be the most important blues label in the world, releasing material by such blues giants as Muddy Waters and Howlin' Wolf and rhythm and blues artists like Bo Diddley and Chuck Berry. Many of the blues songs recorded at Chess were written, arranged, and produced by Willie Dixon.

Dixon was first used on recording sessions by the Chess brothers in the late 1940s, as his schedule allowed. After the Big Three Trio disbanded, Dixon became a full-time employee of Chess. He performed a variety of duties, including producing, arranging, leading the studio band, and playing bass.

Dixon's first big break as a songwriter came when Muddy Waters recorded his “Hoochie Coochie Man” in 1954. Waters was one of Chess's most popular artists and the song became Waters's biggest hit, reaching Number Three on the rhythm and blues charts, Dixon became the label's top songwriter. Chess also released Waters's recordings of Dixon's “I Just Wanna Make Love to You” and “I'm Ready” in 1954, and they both became Top Ten R & B hits.

In 1955 Dixon charted his first Number One hit when Little Walter recorded “My Babe,” a song that became a blues classic.One of Dixon's most widely recorded songs, “My Babe” has been performed and recorded by artists as varied as the Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, the Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike and Tina Turner, and blues artists John Lee Hooker, Bo Diddley, and Lightnin' Hopkins.

Dixon supplied Chess blues recording artists with songs for three years, from 1954 through 1956. At the end of 1956, however, he left the label over disputes regarding royalties and contracts. He continued to play on recording sessions at Chess, though, most notably providing bass on all of Chuck Berry's sessions starting with the recording of “Maybelline” in 1955.

In 1957 Dixon joined the small independent Cobra Records, where he recorded such bluesmen as Otis Rush, Buddy Guy, and Magic Sam, creating what became known as the “West Side Sound.” It was a blues style that fused the Delta influence of classic Chicago blues with single-string lead guitar lines la B. B. King. The West Side gave birth to a less traditional, more modern blues sound and the emphasis placed on the guitar as a lead instrument ultimately proved to be a vastly influential force on the British blues crew in their formative stages.”

Gradually learning more about the music business, Dixon formed his own publishing company, Ghana Music, in 1957 and registered it with Broadcast Music Incorporated (BMI) to protect his copyright interest in his own songs. His “I Can't Quit You Baby” was a Top Ten rhythm and blues hit for Otis Rush, but Cobra Records soon faced financial difficulties. By 1959 Dixon was back at Chess as a full-time employee. The late 1950s were a difficult time for bluesmen in Chicago, even as blues music was gaining popularity in other parts of the United States. In 1959 Dixon teamed up with an old friend, pianist Memphis Slim, to perform at the Newport Folk Festival in Newport, Rhode Island. They continued to play together at coffee houses and folk clubs throughout the country and eventually became key players in a folk and blues revival among young white audiences that achieved its height in the 1960s.

Dixon began internationalizing the blues when he went to England with Memphis Slim in 1960. Dixon performed as part of the First American Folk Blues Festival that toured Europe in 1962. Organized by German blues fans Horst Lippmann and Fritz Rau, the festival also included Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry and Brownie McGhee, and other blues musicians.

The American Folk Blues Festival ran from 1962 through 1971 and helped the blues reach an audience of young Europeans. American blues musicians soon found they could make more money playing in Europe than in Chicago. They played in concert halls and were reportedly treated like royalty. Dixon played on the tour for three years, then became the Chicago contact for booking blues musicians for the tour.

Toward the end of the 1960s soul music eclipsed the blues in black record sales. Chess Records' last major hit was Koko Taylor's 1966 recording of Willie Dixon's “Wang Dang Doodle.” Many prominent bluesmen had died, including Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter, and J.B. Lenoir. Chess Records was sold in 1969 and Dixon recorded his last session for the label in 1970.

The many cover versions of his songs by the rock bands of the 1960s enhanced Dixon's reputation as a certified blues legend. He revived his career as a performer by forming the Chicago Blues All-Stars in 1969. The group's original lineup included Johnny Shines on guitar and vocals, Sunnyland Slim on piano, Walter “Shakey” Horton on harmonica, Clifton James on drums, and Dixon on bass and vocals.

Throughout the 1970s Dixon continued to write new songs, record other artists, and release his own performances on his own Yambo label. Two albums, “Catalyst,” in 1973 and “What's Happened to My Blues?” in 1977, received Grammy nominations. His busy performing schedule kept him on the road in the United States and abroad for six months out of the year until 1977, when his diabetes worsened and caused him to be hospitalized. He lost a foot from the disease but, after a period of recuperation, continued performing into the next decade.

Dixon resumed touring and regrouped the Chicago Blues All-Stars in the early 1980s. A 1983 live recording from the Montreux Jazz Festival in Switzerland resulted in another Grammy nomination. In the 1980s, Dixon established the Blues Heaven Foundation, a nonprofit organization providing scholarship awards and musical instruments to poorly funded schools. Blues Heaven also offers assistance to indigent blues musicians and helps them secure the rights to their songs. Ever active in protecting his own copyrights, Dixon himself reached an out-of-court settlement in 1987 over the similarity of Led Zeppelin's 1969 hit “Whole Lotta Love” to his own “You Need Love.”

Dixon's final two albums were well received, with the 1988 album “Hidden Charms” winning a Grammy Award for best traditional blues recording. In 1989 he recorded the soundtrack for the film “Ginger Ale Afternoon,” which also was nominated for a Grammy.

When Dixon died in 1992 at the age of 76, the music world lost one of its foremost blues composers and performers. From his musical roots in the Mississippi Delta and Chicago, Dixon created a body of work that reflected the changing times in which he lived.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon

///////

Biografía del artista

Willie Dixon fue un prolífico compositor de blues con más de 500 composiciones en su haber. Nacido y criado en Mississippi, viajó en tren a Chicago durante la Gran Depresión y se convirtió en el principal compositor y productor de blues de Chess Records. Las canciones de Dixon crearon literalmente el llamado "Chicago blues sound" y fueron grabadas por artistas del blues como Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor y muchos otros.

Willie Dixon nació el 1 de julio de 1915 en Vicksburg, Mississippi. Vicksburg era una ciudad animada situada en el río Mississippi, a medio camino entre Nueva Orleans y Memphis. De joven, Dixon escuchó una variedad de músicos de blues, dixieland y ragtime tocando en las calles, en picnics y otros eventos comunitarios, y en los clubes cercanos a su casa donde los escuchaba desde la acera.

Dixon creció en un barrio integrado en el borde norte de Vicksburg, donde su madre tenía un pequeño restaurante. La familia de siete niños vivía detrás del restaurante, y al lado del restaurante estaba Curley's Barrelhouse. Escuchando desde la calle, Dixon, que entonces tenía unos ocho años, escuchó a los bluesmen Little Brother Montgomery y Charley Patton tocar allí junto con una variedad de pianistas de ragtime y dixieland.

Dixon tenía sólo doce años cuando aterrizó en la cárcel por primera vez y fue enviado a una granja del condado por robar algunos artefactos de una vieja casa derribada. Recordó: "Fue entonces cuando realmente aprendí sobre el blues. Los había escuchado con la música y los había tomado como algo agradable, pero después de escuchar a estos chicos quejándose y gimiendo con los pies en la tierra, empecé a preguntarles sobre ellos...... Realmente empecé a descubrir lo que significaba el blues para la gente negra, cómo les daba consuelo poder reflexionar sobre estas cosas y cantarlas para sí mismos o dejar que otras personas supieran lo que tenían en mente y cómo les molestaban varias cosas en la vida".

Aproximadamente un año después, Dixon fue capturado por las autoridades locales cerca de Clarksdale, Mississippi, y arrestado por vagabundear. Le dieron treinta días en la Granja del Condado de Harvey Allen, ubicada cerca de la infame prisión de la Granja Parchman. En la granja Allen, Dixon vio a muchos prisioneros siendo maltratados y golpeados. El mismo Dixon fue maltratado en la granja del condado, recibiendo un golpe en la cabeza que, según él, lo dejó sordo durante unos cuatro años. Logró escapar, sin embargo, y caminó hasta Memphis, donde se embarcó en un tren de carga hacia Chicago. Permaneció allí brevemente en casa de su hermana, luego se fue a Nueva York por un corto tiempo antes de regresar a Vicksburg.

Cuando Dixon llegó a Chicago en 1936, comenzó a entrenar para ser boxeador. Estaba en excelente condición física por el duro trabajo que había estado haciendo en el sur, y también era un hombre grande. En 1937 ganó los Guantes de Oro de Illinois en la categoría de peso pesado para principiantes. A lo largo de la década de 1930, Dixon estuvo cantando en Chicago con varios grupos de gospel, algunos de los cuales actuaron en la radio. Dixon había recibido un buen entrenamiento en armonía vocal de Theo Phelps en Vicksburg, donde cantó el bajo con los Union Jubilee Singers. Más o menos al mismo tiempo, Leonard "Baby Doo" Caston le dio a Dixon su primer instrumento musical, un bajo improvisado hecho de una lata de aceite y una cuerda. Dixon, Caston, y algunos otros músicos formaron un grupo llamado las Cinco Brisas. Tocaron en Chicago y en 1939 grabaron un disco que marcó la primera aparición de Dixon en vinilo.

En 1946 Dixon y Caston formaron el Trío de los Tres Grandes, que lleva el nombre de los Tres Grandes del presidente estadounidense Franklin Roosevelt, del primer ministro británico Winston Churchill y del líder político soviético Joseph Stalin. El grupo se inspiró en otros grupos vocales negros populares de la época, como los Mills Brothers y los Ink Spots. Dixon en ese momento estaba cantando y tocando un bajo erguido regular. Mientras los músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter tocaban en clubes pequeños para todo el público negro, el Big Three Trio tocaba en clubes de espectáculos grandes con capacidades de tres a cinco mil personas.

En 1951, después de varios años de exitosas giras y grabaciones, el Big Three Trio se disolvió. Muchas de las composiciones de Dixon nunca fueron grabadas por el trío, pero estas canciones aparecieron más tarde en el repertorio de los artistas de blues con los que Dixon trabajó en la década de 1950.

Leonard y Phil Chess comenzaron a grabar el blues a finales de los años 40, y en 1950 los Chess Brothers lanzaron discos de blues en el sello que lleva su nombre. Durante la siguiente década, Chess se convirtió en lo que muchos consideran el sello de blues más importante del mundo, publicando material de gigantes del blues como Muddy Waters y Howlin' Wolf y artistas del rhythm and blues como Bo Diddley y Chuck Berry. Muchas de las canciones de blues grabadas en Chess fueron escritas, arregladas y producidas por Willie Dixon.

Dixon fue usado por primera vez en sesiones de grabación por los hermanos Chess a finales de los años 40, según lo permitía su horario. Después de la disolución del Big Three Trio, Dixon se convirtió en un empleado de tiempo completo de Chess. Realizó una variedad de tareas, incluyendo la producción, arreglos, dirección de la banda del estudio y tocar el bajo.

La primera gran oportunidad de Dixon como compositor llegó cuando Muddy Waters grabó su "Hoochie Coochie Man" en 1954. Waters fue uno de los artistas más populares del ajedrez y la canción se convirtió en el mayor éxito de Waters, alcanzando el número tres en las listas de éxitos del rhythm and blues, Dixon se convirtió en el mejor compositor de la discográfica. Chess también lanzó las grabaciones de Waters de "I Just Wanna Make Love to You" y "I'm Ready" de Dixon en 1954, y ambos se convirtieron en éxitos de Top Ten R & B.

En 1955 Dixon trazó su primer éxito número uno cuando Little Walter grabó "My Babe", una canción que se convirtió en un clásico del blues. Una de las canciones más grabadas de Dixon, "My Babe", ha sido interpretada y grabada por artistas tan variados como Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike y Tina Turner, y los artistas de blues John Lee Hooker, Bo Diddley, y Lightnin' Hopkins.

Dixon proveyó a los artistas de blues de ajedrez con canciones durante tres años, desde 1954 hasta 1956. A finales de 1956, sin embargo, dejó la etiqueta por disputas sobre regalías y contratos. Sin embargo, continuó tocando en sesiones de grabación en Chess, sobre todo proporcionando bajo en todas las sesiones de Chuck Berry, comenzando con la grabación de "Maybelline" en 1955.

En 1957 Dixon se unió al pequeño sello independiente Cobra Records, donde grabó bluesmen como Otis Rush, Buddy Guy y Magic Sam, creando lo que se conoció como el "West Side Sound". Era un estilo de blues que fusionaba la influencia del Delta del blues clásico de Chicago con las líneas de guitarra principal de una sola cuerda de la B. B. King. El West Side dio lugar a un sonido blues menos tradicional y más moderno, y el énfasis puesto en la guitarra como instrumento principal resultó ser, en última instancia, una fuerza muy influyente en el equipo de blues británico en sus etapas de formación".

Gradualmente aprendiendo más sobre el negocio de la música, Dixon formó su propia compañía editorial, Ghana Music, en 1957 y la registró en Broadcast Music Incorporated (BMI) para proteger los derechos de autor de sus propias canciones. Su "I Can't Quit You Baby" fue un éxito en el Top Ten del rhythm and blues de Otis Rush, pero Cobra Records pronto se enfrentó a dificultades financieras. En 1959 Dixon volvió a Chess como empleado a tiempo completo. Los últimos años de la década de 1950 fueron una época difícil para los bluesistas en Chicago, a pesar de que la música blues estaba ganando popularidad en otras partes de los Estados Unidos. En 1959 Dixon se asoció con un viejo amigo, el pianista Memphis Slim, para actuar en el Newport Folk Festival en Newport, Rhode Island. Continuaron tocando juntos en cafés y clubes folclóricos de todo el país y, con el tiempo, se convirtieron en protagonistas de un renacimiento del folclore y el blues entre el público joven blanco que alcanzó su apogeo en la década de 1960.

Dixon comenzó a internacionalizar el blues cuando fue a Inglaterra con Memphis Slim en 1960. Dixon actuó como parte del Primer Festival de Folk Blues Americano que recorrió Europa en 1962. Organizado por los fans del blues alemán Horst Lippmann y Fritz Rau, el festival también incluyó a Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry y Brownie McGhee, y otros músicos de blues.

El American Folk Blues Festival se llevó a cabo de 1962 a 1971 y ayudó a que el blues llegara a una audiencia de jóvenes europeos. Los músicos de blues estadounidenses pronto descubrieron que podían ganar más dinero tocando en Europa que en Chicago. Tocaban en salas de conciertos y, según se informa, eran tratados como si fueran de la realeza. Dixon tocó en la gira durante tres años, y luego se convirtió en el contacto de Chicago para contratar músicos de blues para la gira.

Hacia finales de la década de 1960, la música soul eclipsó al blues en las ventas de discos negros. El último gran éxito de Chess Records fue la grabación de Koko Taylor en 1966 de "Wang Dang Doodle" de Willie Dixon. Muchos destacados bluesmen habían muerto, incluyendo a Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter y J.B. Lenoir. Chess Records se vendió en 1969 y Dixon grabó su última sesión para el sello en 1970.

Las muchas versiones de sus canciones de las bandas de rock de los años 60 mejoraron la reputación de Dixon como una leyenda del blues certificada. Revivió su carrera como intérprete formando las Chicago Blues All-Stars en 1969. La formación original del grupo incluía a Johnny Shines en guitarra y voz, Sunnyland Slim en piano, Walter "Shakey" Horton en armónica, Clifton James en batería y Dixon en bajo y voz.

A lo largo de la década de 1970, Dixon continuó escribiendo nuevas canciones, grabando a otros artistas y lanzando sus propias actuaciones en su propio sello Yambo. Dos álbumes, "Catalyst", en 1973, y "What's Happened to My Blues", en 1977, recibieron nominaciones a los Grammy. Su apretada agenda de presentaciones lo mantuvo en la carretera en los Estados Unidos y en el extranjero durante seis meses del año hasta 1977, cuando su diabetes empeoró y lo hospitalizó. Perdió un pie de la enfermedad pero, después de un período de recuperación, siguió actuando en la siguiente década.

Dixon reanudó sus giras y reagrupó a las Chicago Blues All-Stars a principios de la década de 1980. Una grabación en vivo de 1983 del Festival de Jazz de Montreux en Suiza resultó en otra nominación a los Grammy. En la década de 1980, Dixon estableció la Blues Heaven Foundation, una organización sin fines de lucro que ofrece becas e instrumentos musicales a escuelas con pocos fondos. Blues Heaven también ofrece asistencia a músicos de blues indigentes y les ayuda a asegurar los derechos de sus canciones. Siempre activo en la protección de sus propios derechos de autor, el propio Dixon llegó a un acuerdo extrajudicial en 1987 por la similitud del éxito de Led Zeppelin en 1969 "Whole Lotta Love" con su propio "You Need Love".

Los dos últimos álbumes de Dixon fueron bien recibidos, con el álbum de 1988 "Hidden Charms" ganando un premio Grammy a la mejor grabación de blues tradicional. En 1989 grabó la banda sonora de la película "Ginger Ale Afternoon", que también fue nominada a un Grammy.

Cuando Dixon murió en 1992 a la edad de 76 años, el mundo de la música perdió a uno de sus principales compositores e intérpretes de blues. Desde sus raíces musicales en el delta del Mississippi y Chicago, Dixon creó un cuerpo de trabajo que reflejaba los tiempos cambiantes en los que vivió.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

 

www.willie-dixon.com ...

Phil Upchurch • Upchurch

 

Artist Biography by Ron Wynn

A prolific guitarist who is comfortable playing blues, soul, R&B, and jazz, Phil Upchurch has been a prominent figure in Chicago music circles since the mid-'50s. He initially did freelance sessions with such musicians as Jerry Butler before becoming house guitarist for Chess. Upchurch's sensitive, often funky chording, riffs, and licks were heard on numerous releases by such artists as the Dells, Howlin' Wolf, Gene Chandler, and Muddy Waters. He frequently teamed with drummer Maurice White, who later headed Earth, Wind & Fire. He formed the Phil Upchurch Combo in the early '60s, and had a hit with the instrumental "You Can't Sit Down" in 1961. They did some follow-up singles, but none equaled the initial record's success. Upchurch did several soul-jazz and funk dates for such labels as Sue and Cadet in the mid- and late '60s. He signed with Blue Thumb in the '70s and split his time between sessions with the Crusaders and Ben Sidran and making his own albums. Tommy LiPuma produced Darkness, Darkness and Lovin' Feelin in 1972 and 1973. Upchurch did one LP for Creed Taylor's Kudu label in 1975, Upchurch Tennyson, with pianist/vocalist Tennyson Stephens. He returned to studio work, but recorded as a leader for Palladin in 1985, Ichiban in 1991, and Ridgetop in 1995 and 1997. He remains active as a session musician and bandleader, returning in 1999 with Rhapsody & Blues. Tell the Truth appeared in spring 2001.

https://www.allmusic.com/artist/phil-upchurch-mn0000286479/biography

///////

 Biografía del artista por Ron Wynn

Un guitarrista prolífico que se siente cómodo tocando blues, soul, R&B y jazz, Phil Upchurch ha sido una figura prominente en los círculos musicales de Chicago desde mediados de los años 50. Inicialmente hizo sesiones freelance con músicos como Jerry Butler antes de convertirse en guitarrista de Chess. Los acordes, riffs y lamidas de Upchurch fueron escuchados en numerosos lanzamientos por artistas como Dells, Howlin' Wolf, Gene Chandler, y Muddy Waters. Frecuentemente se asoció con el baterista Maurice White, quien más tarde dirigió Earth, Wind & Fire. Formó el Phil Upchurch Combo a principios de los años 60, y tuvo un éxito con el instrumental "You Can't Sit Down" en 1961. Hicieron algunos sencillos de seguimiento, pero ninguno igualó el éxito del disco inicial. Upchurch hizo varias citas de soul-jazz y funk para sellos como Sue y Cadet a mediados y finales de los años 60. Firmó con Blue Thumb en los años 70 y dividió su tiempo entre sesiones con los Crusaders y Ben Sidran y haciendo sus propios álbumes. Tommy LiPuma produjo Darkness, Darkness and Lovin' Feelin en 1972 y 1973. Upchurch hizo un LP para el sello Kudu de Creed Taylor en 1975, Upchurch Tennyson, con el pianista y vocalista Tennyson Stephens. Volvió al trabajo de estudio, pero grabó como líder para Palladin en 1985, Ichiban en 1991 y Ridgetop en 1995 y 1997. Sigue activo como músico de sesión y director de orquesta, regresando en 1999 con Rhapsody & Blues. Tell the Truth apareció en la primavera de 2001.

https://www.allmusic.com/artist/phil-upchurch-mn0000286479/biography

 

www.philupchurch.com ...