Saturday, October 3, 2026

Fats Navarro • The Fabulous Fats Navarro

 



Review from AllMusic (by Stephen Cook):
Primarily comprised of recordings made with pianist Tadd Dameron, The Fabulous Fats Navarro spotlights the fluid and inventive bebop trumpeter on nine master takes and several alternate versions. (The impressive bonus cuts will not only excite completists, but should please the casual fan as well.) From the two Dameron-led dates in 1947 and 1948, we have classic Navarro performances like "The Chase," "Our Delight," "The Squirrel," and "Lady Bird." Navarro's stellar solos here (both muted and not) are complimented by equally impressive statements from alto saxophonist Ernie Henry and tenor saxophonists Wardell Gray and Charlie Rouse. And while drummers Shadow Wilson and Kenny Clarke provide fine rhythmic support throughout, conga player Chino Pozo (cousin of Chano Pozo) provides some nice additional texture on a few numbers. Also included on this disc are excellent tracks from a 1948 date with trumpeter Howard McGhee. Covering McGhee and Navarro originals like "Boperation" and "Double Talk," this session features more stellar solo work from Henry as well as some fine contributions by vibraphonist Milt Jackson (who actually plays piano on most of the cuts). And rounding out things are a few alternate takes from a date with pianist Bud Powell, including worthwhile versions of "Wail" and "Bouncing With Bud." This is an essential title for jazz enthusiasts, but one that seems to go in and out of print quite often.
https://www.allmusic.com/album/the-fabulous-fats-navarro-vol-1-mw0000199614

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Reseña de AllMusic (por Stephen Cook):
Compuesto principalmente de grabaciones realizadas con el pianista Tadd Dameron, The Fabulous Fats Navarro pone de relieve al fluido e inventivo trompetista de bebop en nueve tomas maestras y varias versiones alternativas. (Los impresionantes cortes adicionales no solo emocionarán a los coleccionistas, sino que también deberían complacer al aficionado casual.) De las dos fechas lideradas por Dameron en 1947 y 1948, tenemos actuaciones clásicas de Navarro como "The Chase," "Our Delight," "The Squirrel" y "Lady Bird." Los estelares solos de Navarro aquí (con y sin sordina) están complementados por declaraciones igualmente impresionantes del saxofonista alto Ernie Henry y los saxofonistas tenores Wardell Gray y Charlie Rouse. Y mientras los bateristas Shadow Wilson y Kenny Clarke proporcionan un excelente soporte rítmico a lo largo del disco, el congero Chino Pozo (primo de Chano Pozo) aporta una agradable textura adicional en algunos números. También se incluyen excelentes temas de una fecha de 1948 con el trompetista Howard McGhee. Cubriendo originales de McGhee y Navarro como "Boperation" y "Double Talk," esta sesión presenta más trabajo solista estelar de Henry, así como finas contribuciones del vibrafonista Milt Jackson (quien en realidad toca el piano en la mayoría de los cortes). Y para rematar, hay algunas tomas alternativas de una fecha con el pianista Bud Powell, incluyendo versiones valiosas de "Wail" y "Bouncing With Bud." Este es un título esencial para los entusiastas del jazz, aunque parece entrar y salir de la imprenta con bastante frecuencia.
https://www.allmusic.com/album/the-fabulous-fats-navarro-vol-1-mw0000199614


Mickey Baker • Guitar



Biography by Richie Unterberger
Of all the guitarists who helped transform rhythm & blues into rock & roll, Mickey Baker was one of the very most important, ranking almost on the level of Chuck Berry and Bo Diddley. The reason he wasn't nearly as well known as those legends is that a great deal of his work wasn't issued under his own name, but as a backing guitarist for many R&B and rock & roll musicians. Baker originally aspired to be a jazz musician, but turned to calypso, mambo, and then R&B, where the most work could be found.

In the early and mid-'50s, he did countless sessions for Atlantic, King, RCA, Decca, and OKeh, playing on such classics as the Drifters' "Money Honey" and "Such a Night," Joe Turner's "Shake, Rattle & Roll," Ruth Brown's "Mama, He Treats Your Daughter Mean," and Big Maybelle's "Whole Lot of Shakin' Going On." He also released a few singles under his own name, and made a Latin jazz-tinged solo album, Guitar Mambo.

Baker's best work, though, was recorded as half of the duo Mickey & Sylvia. Their hit "Love Is Strange," as well as several other unknown but nearly equally strong tracks, featured Baker's keening, bluesy guitar riffs, which were gutsier and more piercing than most anything else around in the late '50s. Mickey & Sylvia split in the late '50s (though they recorded off and on until the middle of the next decade), and Baker recorded his best solo album, the all-instrumental The Wildest Guitar. In 1961, he took the male spoken part (usually assumed to be Ike Turner) on Ike & Tina Turner's first hit, "It's Gonna Work Out Fine." Shortly afterwards he moved to France, making a few hard-to-find solo records and working with a lot of French pop and rock performers, including Ronnie Bird, the best '60s French rock singer. He recorded only sporadically after the mid-'60s. Mickey Baker died at his home in Montastruc-la-Conseillère, France on November 27, 2012, at the age of 87. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography

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Compilado de este extraordinario guitarrista, que se reparte entre interpretaciones propias y como acompañante.

Biografía de Richie Unterberger
De todos los guitarristas que ayudaron a transformar el rhythm & blues en rock & roll, Mickey Baker fue uno de los más importantes, situándose casi al nivel de Chuck Berry y Bo Diddley. La razón por la que no era tan conocido como esas leyendas es que gran parte de su trabajo no se publicó con su propio nombre, sino como guitarrista de apoyo para muchos músicos de R&B y rock & roll. Baker originalmente aspiraba a ser un músico de jazz, pero se dedicó al calypso, al mambo y luego al R&B, donde se encontraba la mayor parte de su trabajo.

A principios y mediados de los 50, hizo innumerables sesiones para Atlantic, King, RCA, Decca y OKeh, tocando en clásicos como "Money Honey" y "Such a Night" de los Drifters, "Shake, Rattle & Roll" de Joe Turner, "Mama, He Treats Your Daughter Mean" de Ruth Brown y "Whole Lot of Shakin' Going On" de Big Maybelle. También lanzó algunos sencillos bajo su propio nombre, e hizo un álbum en solitario con un toque de jazz latino, Guitar Mambo.

El mejor trabajo de Baker, sin embargo, fue grabado como la mitad del dúo Mickey & Sylvia. Su éxito "Love Is Strange", así como varios otros temas desconocidos pero casi igual de fuertes, presentaban los agudos riffs de guitarra de Baker, que eran más audaces y penetrantes que cualquier otra cosa de finales de los 50. Mickey & Sylvia se separaron a finales de los 50 (aunque grabaron de vez en cuando hasta mediados de la siguiente década), y Baker grabó su mejor álbum en solitario, el todo-instrumental The Wildest Guitar. En 1961, tomó la parte masculina hablada (normalmente asumida como Ike Turner) en el primer éxito de Ike & Tina Turner, "It's Gonna Work Out Fine". Poco después se mudó a Francia, haciendo algunos discos en solitario difíciles de encontrar y trabajando con muchos artistas franceses de pop y rock, incluyendo a Ronnie Bird, el mejor cantante de rock francés de los 60. Sólo grabó esporádicamente después de mediados de los 60. Mickey Baker murió en su casa de Montastruc-la-Conseillère, Francia, el 27 de noviembre de 2012, a la edad de 87 años. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography




John Coltrane • Olé Coltrane

  


John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/



www.johncoltrane.com ...



Billy Boy Arnold and the Groundhogs • Live at the Venue

 

 



Biography by Bill Dahl
Talk about a comeback. After too many years away from the studio, Chicago harpist Billy Boy Arnold returned to action in a big way with two fine albums for Alligator: 1993's Back Where I Belong and 1995's Eldorado Cadillac. Retaining his youthful demeanor despite more than four decades of blues experience, Arnold's wailing harp and sturdy vocals remained in top-flight shape following the lengthy recording layoff.

Born in Chicago rather than in Mississippi (as many of his musical forefathers were), young Arnold gravitated right to the source in 1948. He summoned up the courage to knock on the front door of his idol, harmonica great John Lee "Sonny Boy" Williamson, who resided nearby. Sonny Boy kindly gave the lad a couple of harp lessons, but their relationship was quickly severed when Williamson was tragically murdered. Still in his teens, Arnold cut his debut 78 for the extremely obscure Cool logo in 1952. "Hello Stranger" went nowhere but gave him his nickname when its label unexpectedly read "Billy Boy Arnold."

Arnold made an auspicious connection when he joined forces with Bo Diddley and played on the shave-and-a-haircut beat specialist's two-sided 1955 debut smash "Bo Diddley"/"I'm a Man" for Checker. That led, in a roundabout way, to Billy Boy's signing with rival Vee-Jay Records (the harpist mistakenly believed Leonard Chess didn't like him). Arnold's "I Wish You Would," utilizing that familiar Bo Diddley beat, sold well and inspired a later famous cover by the Yardbirds. That renowned British blues-rock group also took a liking to another Arnold classic on Vee-Jay, "I Ain't Got You." Other Vee-Jay standouts by Arnold included "Prisoner's Plea" and "Rockinitis," but by 1958, his tenure at the label was over.

Other than an excellent Samuel Charters-produced 1963 album for Prestige, More Blues on the South Side, Arnold's profile diminished over the years in his hometown (though European audiences enjoyed him regularly) and he first ended up driving a bus in his hometown of Chicago, then working as a parole officer for the state of Illinois. Fortunately, that changed: Back Where I Belong restored this Chicago harp master to prominence, and Eldorado Cadillac drove him into the winner's circle a second time. After a six year lull between recordings, 2001's Boogie 'n' Shuffle on Stony Plain found Arnold still in fine form, backed by Duke Robillard and his band on a set of rough and ready blues.
https://www.allmusic.com/artist/billy-boy-arnold-mn0000085021#biography

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Biografía de Bill Dahl
Habla de un regreso. Después de demasiados años alejado del estudio, el arpista de Chicago Billy Boy Arnold regresó a la acción a lo grande con dos excelentes álbumes para Alligator: Back Where I Belong de 1993 y Eldorado Cadillac de 1995. Conservando su comportamiento juvenil a pesar de más de cuatro décadas de experiencia en el blues, el arpa de lamentos y la voz robusta de Arnold se mantuvieron en plena forma después del largo despido de la grabación.

Nacido en Chicago en lugar de Mississippi (como lo fueron muchos de sus antepasados musicales), el joven Arnold gravitaba directamente hacia la fuente en 1948. Reunió el coraje para llamar a la puerta de entrada de su ídolo, el gran armónico John Lee "Sonny Boy" Williamson, que residía cerca. Sonny Boy amablemente le dio al muchacho un par de lecciones de arpa, pero su relación se rompió rápidamente cuando Williamson fue trágicamente asesinado. Aún en su adolescencia, Arnold hizo su debut 78 para el extremadamente oscuro logo Cool en 1952. "Hello Stranger "no llegó a ninguna parte, pero le dio su apodo cuando su etiqueta decía inesperadamente" Billy Boy Arnold."

Arnold hizo una conexión auspiciosa cuando unió fuerzas con Bo Diddley y tocó en el éxito debut de dos caras de 1955 de The shave-and-a-hair beat specialist "Bo Diddley"/"I'm a Man" para Checker. Eso llevó, de manera indirecta, a que Billy Boy firmara con su rival Vee-Jay Records (el arpista creía erróneamente que Leonard Chess no le gustaba). "I Wish You Would" de Arnold, utilizando ese ritmo familiar de Bo Diddley, se vendió bien e inspiró una versión famosa posterior de The Yardbirds. A ese renombrado grupo británico de blues-rock también le gustó otro clásico de Arnold en Vee-Jay, "I Ain't Got You. Otros destacados de Vee-Jay de Arnold incluyeron "Prisoner's Plea" y "Rockinitis", pero para 1958, su mandato en el sello había terminado .

Aparte de un excelente álbum de 1963 producido por Samuel Charters para Prestige, More Blues on the South Side, el perfil de Arnold disminuyó a lo largo de los años en su ciudad natal (aunque el público europeo lo disfrutaba regularmente) y primero terminó conduciendo un autobús en su ciudad natal de Chicago, luego trabajando como oficial de libertad condicional para el estado de Illinois. Afortunadamente, eso cambió: Back Where I Belong restauró la prominencia de este maestro del arpa de Chicago, y Eldorado Cadillac lo llevó al círculo de ganadores por segunda vez. Después de una pausa de seis años entre grabaciones, Boogie ' n ' Shuffle de 2001 en Stony Plain encontró a Arnold todavía en buena forma, respaldado por Duke Robillard y su banda en un set de blues rudo y listo.
https://www.allmusic.com/artist/billy-boy-arnold-mn0000085021#biography


Phil Woods with Red Garland • Sugan

 



Review by Scott Yanow
Sugan, from Fantasy's Original Jazz Classics series, is essentially a bebop jam session. The quintet (altoist Phil Woods, trumpeter Ray Copeland, pianist Red Garland, bassist Teddy Kotick, and drummer Nick Stabulas) performs three Charlie Parker compositions and three originals by Woods, but the melodies are quickly discarded in favor of heated solos. Woods and the greatly underrated Copeland work together very well, and Garland is a major asset both as a soloist and as an accompanist to the horns. This little-known date is quite enjoyable.
https://www.allmusic.com/album/sugan-mw0000121706

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Crítica de Scott Yanow
Sugan, de la serie Original Jazz Classics de Fantasy, es esencialmente una jam session de bebop. El quinteto (el contralto Phil Woods, el trompetista Ray Copeland, el pianista Red Garland, el bajista Teddy Kotick y el batería Nick Stabulas) interpreta tres composiciones de Charlie Parker y tres originales de Woods, pero las melodías se descartan rápidamente en favor de acalorados solos. Woods y el muy infravalorado Copeland trabajan muy bien juntos, y Garland es una baza importante como solista y como acompañante de las trompas. Esta fecha poco conocida es bastante agradable.
https://www.allmusic.com/album/sugan-mw0000121706