Dave Pike • It's Time For Dave Pike

Dave Pike was born in Detroit, MI in 1938, he started off as a drummer and later learned marimba and vibraphone. Pike's family moved to Los Angeles in 1954, he played backing for artists such as Dexter Gordon, Harold Land, Carl Perkins, Paul Bley and Curtis Counce. Pike played often around California and then moved to New York in 1960 to tap into a busier Jazz scene.

Pike found greater success on the East Coast, probably occurring through joining the popular Herbie Mann's group with whom he appears on several early recordings. Pike became heavily influenced by the Latin Jazz scene and in 1964, he recorded the album “Manhattan Latin” released on Decca.

1965 saw Pike session along side Herbie Hancock (of Blue Note fame), Billy Butler (of Prestige roster) and others culminating in a commercial but relatively unsuccessful (sales wise) album on Atlantic, “Jazz for the Jet Set”. Pike featured on marimba and Hancock on Hammond. A stylish Pan-Am stewardess wearing a space helmet featured on The album cover which was designed by Italian, Emilio Pucci. It was this album that Pike experimented more with soul, taking inspiration from Atlantic records who he was signed to at the time and who were synonymous with the experimental soul genre of 60's America.

Later in 1966 Pike recorded “The Doors of Perception” (taken from Aldous Huxley's 1954 book of the same name), with Lee Konitz on saxophone though it was only released by Atlantic subsidiary label “Vortex” in 1970.

Pike left New York for Germany possibly because of Atlantic shelving “The Doors of Perception” and the attraction of European open mindedness to the experimental music Pike was flirting with at that time. In 1968, Pike joined German Jazz label MPS and recruited Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty and a guitarist named Volker Kriegel who played Indian ragas. Around this time Pike usually played vibes, Kriegel guitar, sitar and electric bass, J.A. Rettenbacher on bass, cello and electric bass, and Peter Baumeister on drums. This collective became known as The Dave Pike Set.

In 1968 “Got The Feelin” was recorded in Holland, a funky selection of tracks inspired by popular artists such as James Brown and Sam & Dave, the album was released the next year and then reissued on limited edition cd & vinyl by Wagram 1998.

The next Dave Pike album was “Noisy Silence - Gentle Noise”, released in 1969, as with many recording artists during the late 60's, The Dave Pike Set didn't escape the psychedelic influence of that era and as a result the band covered Frank Zappa's 'Mother People' and the Psychedelic Jazz sound of 'Mathar' was carefully crafted. The Dave Pike Set continued to record and entertain an avid European audience but their efforts went largely unnoticed in Pike's homeland of America. Pike showed his versatile nature again as a musician when, in 1972, he formed the “New” Dave Pike Set and recorded “Salomao” in Brazil. Pike later returned to the states during the mid 1970's and recorded several other albums of meagre success.

The interest in Jazz-Funk during the 80's (partly due to the sampling efforts of U.S. Hip Hop artists) led many djs and record collectors to delve deeper into the 60's and 70's music scene, the kudos associated with owning a rare record or groove by artists such as Pike created a new generation of vinyl hunters and Djs alike. Famous Acid Jazz DJ 'Gilles Peterson' later secured the release of 'Mathar' on Talkin Loud's “Tales From The Black Forrest” in 1994 and a rare version by Paul Weller was also released (later to be reissued on 12” vinyl), Weller's version was named 'Indian Vibes' which is what most people will incorrectly know Mathar as. A rare 12” white label boot leg of Mathar (on both sides) was also released around this time simply marked “Ind-A1” (a heavier bassline compared to the 69 album version), many other Dave Pike tracks have since been recorded or have featured on Acid Jazz compilations.

During the mid 1990's “Mathar” became popular in funk and hip hop clubs around the world, one such club was “Brothers and Sisters” which took place underneath the old ATV studios in Birmingham, England. People would search out the venue purely on the word that a bizarre record called Indian Vibes could be heard and danced to, such was the pull of the record the venue would pack out with Mathar being the highlight of the evening. Its hard to explain the effect Mathar has on a dance floor when the bass and percussion kicks in, especially over a loud sound system, renowned House Djs have also recognised the effect of Mathar and the track is occasionally squeezed into funky house sets.

Despite such underground success “Noisy Silence - Gentle Noise” remained relatively difficult to find on vinyl and hence not easily available to the masses, even the Talkin Jazz release can still be difficult to find. Mathar now occasionally makes its way onto T.V. and Radio.

Possibly because of the dusting off of Mathar in the early 90's, Dave Pike later released “Bop Head” in 1998 and then several other albums, including “Peligroso” in 2000, on the Ubiquity record label based in San Fransisco, Pike still plays percussion and now resides in Los Angeles, U.S.A.
https://musicians.allaboutjazz.com/davepike

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Dave Pike nació en Detroit, MI en 1938, comenzó como baterista y luego aprendió marimba y vibráfono. La familia de Pike se mudó a Los Ángeles en 1954, tocó como telonero para artistas como Dexter Gordon, Harold Land, Carl Perkins, Paul Bley y Curtis Counce. Pike tocó a menudo en California y luego se mudó a Nueva York en 1960 para aprovechar la escena de jazz más activa.

Pike encontró mayor éxito en la Costa Este, probablemente al unirse al popular grupo de Herbie Mann con el que aparece en varias grabaciones tempranas. Pike se vio fuertemente influenciado por la escena del Jazz Latino y en 1964, grabó el álbum "Manhattan Latin" publicado en Decca.

1965 vio la sesión de Pike junto a Herbie Hancock (de la fama de Blue Note), Billy Butler (de la lista Prestige) y otros culminando en un álbum comercial pero relativamente infructuoso (en cuanto a las ventas) en Atlantic, "Jazz for the Jet Set". Pike apareció en la marimba y Hancock en Hammond. Una elegante azafata de Pan-Am con un casco espacial apareció en la portada del álbum que fue diseñado por el italiano Emilio Pucci. Fue este álbum el que Pike experimentó más con el soul, inspirándose en Atlantic Records, con los que firmó en su momento y que eran sinónimos del género de soul experimental de la América de los 60.

Más tarde, en 1966, Pike grabó "The Doors of Perception" (tomado del libro homónimo de Aldous Huxley de 1954), con Lee Konitz al saxo, aunque sólo fue lanzado por el sello subsidiario de Atlantic "Vortex" en 1970.

Pike dejó Nueva York por Alemania posiblemente debido a la estantería atlántica "The Doors of Perception" y a la atracción de la apertura mental europea por la música experimental con la que Pike coqueteaba en ese momento. En 1968, Pike se unió al sello alemán de Jazz MPS y reclutó a Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty y a un guitarrista llamado Volker Kriegel que tocaba ragas indias. Por esta época Pike solía tocar vibráfono, guitarra Kriegel, sitar y bajo eléctrico, J.A. Rettenbacher en el bajo, cello y bajo eléctrico, y Peter Baumeister en la batería. Este colectivo se conoció como The Dave Pike Set.

En 1968 se grabó en Holanda "Got The Feelin", una selección funky de temas inspirados en artistas populares como James Brown y Sam & Dave, el álbum fue lanzado al año siguiente y luego reeditado en cd & vinilo de edición limitada por Wagram 1998.

El siguiente álbum de Dave Pike fue "Noisy Silence - Gentle Noise", lanzado en 1969, como muchos artistas de grabación a finales de los 60, The Dave Pike Set no escapó a la influencia psicodélica de esa época y como resultado la banda cubrió "Mother People" de Frank Zappa y el sonido de Jazz psicodélico de "Mathar" fue cuidadosamente elaborado. El Dave Pike Set continuó grabando y entreteniendo a una ávida audiencia europea pero sus esfuerzos pasaron en gran parte desapercibidos en la patria de Pike, América. Pike mostró su naturaleza versátil de nuevo como músico cuando, en 1972, formó el "Nuevo" Dave Pike Set y grabó "Salomao" en Brasil. Pike regresó más tarde a los Estados Unidos a mediados de los 70 y grabó varios otros álbumes de escaso éxito.

El interés por el Jazz-Funk durante los años 80 (en parte debido a los esfuerzos de muestreo de los artistas de Hip Hop de los Estados Unidos) llevó a muchos djs y coleccionistas de discos a profundizar en la escena musical de los años 60 y 70, los elogios asociados con la posesión de un disco raro o el groove de artistas como Pike crearon una nueva generación de cazadores de vinilos y Djs por igual. El famoso DJ de Acid Jazz 'Gilles Peterson' consiguió más tarde el lanzamiento de 'Mathar' en "Tales From The Black Forrest" de Talkin Loud en 1994 y también se publicó una versión rara de Paul Weller (que más tarde se reeditaría en vinilo de 12"), la versión de Weller se denominó 'Indian Vibes' que es como la mayoría de la gente conocerá incorrectamente a Mathar. Una rara pata de bota de 12" de Mathar (en ambos lados) también fue lanzada alrededor de esta época simplemente marcada como "Ind-A1" (una línea de bajo más pesada comparada con la versión del álbum 69), muchos otros temas de Dave Pike han sido grabados desde entonces o han aparecido en compilaciones de Acid Jazz.

A mediados de los 90 "Mathar" se hizo popular en los clubes de funk y hip hop de todo el mundo, uno de esos clubes fue "Brothers and Sisters" que tuvo lugar bajo los antiguos estudios ATV en Birmingham, Inglaterra. La gente buscaba el lugar sólo por la palabra que un disco extraño llamado Indian Vibes se podía escuchar y bailar, tal era el atractivo del disco que el lugar llenaba, siendo Mathar el punto culminante de la noche. Es difícil de explicar el efecto que Mathar tiene en una pista de baile cuando el bajo y la percusión se activan, especialmente con un sistema de sonido fuerte, los renombrados DJs de House también han reconocido el efecto de Mathar y la pista es ocasionalmente exprimida en sets de funky house.

A pesar de este éxito underground, "Noisy Silence - Gentle Noise" sigue siendo relativamente difícil de encontrar en vinilo y por lo tanto no está fácilmente disponible para las masas, incluso el lanzamiento de Talkin Jazz puede ser difícil de encontrar. Mathar ahora ocasionalmente se abre camino en la televisión y la radio.

Posiblemente debido al desempolvamiento de Mathar a principios de los 90, Dave Pike lanzó más tarde "Bop Head" en 1998 y luego varios otros álbumes, incluyendo "Peligroso" en 2000, en el sello discográfico Ubiquity con sede en San Francisco, Pike sigue tocando la percusión y ahora reside en Los Ángeles, EE.UU.
https://musicians.allaboutjazz.com/davepike

James Brown • Nothing but Soul

James Brown was and will always be a true legend in every sense of the word. He will be missed by millions but his influence on music, culture and the countless number of lives he touched will carry on for decades to come.

Mr. James Brown's dynamic showmanship remains timeless. His style has been celebrated throughout generations. As one of the most sampled artists to date, he has more honors attached to his name than any other performer in music history.

Mr. Brown is a three-figure hitmaker with 114 total entries on Billboard's R&B singles charts and 94 that made the Hot 100 singles chart. Seventeen of these hits reached number one, a feat topped only by Stevie Wonder and Louis Jordan. Over the years, while maintaining a grueling touring schedule, James Brown amassed 800 songs in his repertoire. With his signature one-three beat, James Brown directly influenced the evolutionary beat of soul music in the Sixties, funk music in the Seventies and rap music in the Eighties. I

James Brown's life history contains many triumphs over adversity.

He was born in South Carolina during the Great Depression. As a child, he picked cotton, danced for spare change and shined shoes. At 16, he landed in reform school for three years where he met Bobby Byrd, leader of a gospel group and life-long friend. Mr. Brown tried semi-pro boxing and baseball, but a leg injury put him on the path to pursue music as a career.

James Brown joined his friend Bobby Byrd in a group that sang gospel in and around Toccoa, Georgia. After seeing Hank Ballard and Fats Domino in a blues revue, Byrd and Brown were lured into the realm of secular music. Naming their band the Flames, they formed a tightly knit ensemble of singers, dancers and multi-instrumentalists.

Mr. Brown instilled the essence of R&B with recordings under the King and Federal labels throughout the Sixties. With albums such as “Live at the Apollo”, Mr. Brown captured the energy and hysteria generated by his live performances. People who had never seen him in person could hear and feel the excitement of him screaming and hollering until his back was soaking wet. Convinced that such an album would not sell, King Records refused to produce the album.

Mr. Brown put up his own money and recorded the performance at the Apollo Theater in 1962.

Released nearly a year later, “Live At The Apollo” went to Number Two on Billboard's album chart, an unprecedented feat for a live R&B album. Radio stations played it with a frequency formerly reserved for singles, and attendance at Mr. Brown's concerts mushroomed.

As the leader of the James Brown Revue (The J.B.'s), James Brown sweated off up to seven pounds a night through captivating performances. His furious regimen of spins, drops, and shtick such as feigning a heart attack thrilled crowds. The ritual donning of capes and skintight rhythm & blues became part of his personal trademark as a performer.

Mr. Brown's transformation of gospel fervor into the taut, explosive intensity of rhythm & blues, combined with precision choreography and dynamic showmanship, defined the direction of black music from the release of his first R&B hit (”Please Please Please”) in 1956. In 1965, Brown scored his first Top 10 pop single with “Papa's Got A Brand New Bag,” and the hits kept coming one after another for the next decade.

The gospel and blues structure of his early records gave way to rhythmic vocals and a complex funk sound. His innovations during this period had a profound influence on popular music styles around the world.

James Brown's status as “The Godfather of Soul” remains undiminished. He continues to influence new generations of fans who often hear his funk grooves as samples on rap recordings. A charter member of the Rock and Roll Hall of Fame, Mr. Brown added to his collection of accolades when he received a lifetime achievement Grammy Award in 1992. James Brown passed away December 25, 2006.

THE BANDS:
James Brown has had the privilege of working with numerous talented people over the years. Many played in the bands that supported Mr. Brown throughout his career.

The Famous Flames Mr. Brown’s first band was the Gospel Starlighters, a quartet led by his friend Bobby Byrd. In 1952, the Starlighters had a raw southern gospel style. Their style later evolved into a Rythm and Blues sound. With this transition, they took on a new name - the Avons.

Under the influence of such Rock and Roll acts as Hank Ballard and the Midnighters, Fats Domino, and others, the group became known as the Flames.The band members that made up the Flames included James Brown, Bobby Byrd, Sylvester Keels, Doyle Oglesby, Fred Pullman, Nash Knox, Roy Scott and (later on guitar) Nafloyd Scott. Each band member sang, danced, and played an instrument.

For the original Flames lineup of 1956, James Brown played the drums, while Bobby Byrd played the piano. Many members came and left the band over the years, but Bobby Byrd remained Mr. Brown's sideman for the next three decades. Federal Records signed the Famous Flames (as they were now called) in 1956. It was under the Federal label that “Please Please Please” became their first hit single, and sold over a million copies. James Brown was now considered to be the leader of the group.

In 1957, after the surprise retirement of Little Richard, James Brown played with the Upsetters and the Dominions. James Brown filled Little Richard’s remaining bookings and recruited new band members from the Dominions.

Although James Brown and the Flames continued to make records for Federal, they did not top the charts again for three years. In 1958, “Try Me” became the band’s first number one R&B record. In 1962, James Brown recorded “Live at the Apollo”, which reached number two on the R&B charts. As James Brown evolved as a musician, his gospel and blues style gave way to the creation of a new musical genre - funk. Weakened by frequent break-ups and style changes, the Famous Flames and James Brown performed together for the last time in 1964.

The JB’s To push his funk sound to new level, James Brown formed the James Brown Revue - a performing group complete with dancers, emcee and a show-stopping stage band called the J.B.’s.Talented horn players, such as Fred Wesley and Maceo Parker, formed the backbone of the band.

With the addition of Bootsy Collins and other young musicians, James Brown’s band developed a new rhythmic bass sound creating the dynamic music that brought James Brown to the R&B forefront.

The J.B.’s created new arrangements of James Brown songs. For example, “Give It Up, Turn It Loose” evolved into “Get Up I Feel Like Being a Sex Machine.” The fans loved the new sound, which formed the legend behind the magic of the J.B.’s.

The list of influential musicians that have worked with James Brown is extensive. After leaving the James Brown band, many band members have moved on to obtain their own success in the music business. For example, Fred Wesley and Maceo Parker left the J.B.’s to join Parliament/Funkedelic.

The women who sang in the James Brown Revue formed the James Brown Original Funky Divas and released records of their own throughout the 60’s and 70’s.

Others artists have recorded albums and singles produced and written by James Brown. The most notable of these artists include Fred Wesley & The JB's, Maceo & The Macks, Bobby Byrd, and Lyn Collins. Other artists produced by James Brown include Vicki Anderson, Hank Ballard, Yvonne Fair, James Crawford, Marva Whitney, The Dapps, Alfred “Pee Wee” Ellis and the Above Average Black Band (A.A.B.B.).
http://jazzbluesnews.com/2018/05/03/james-brown-american-icon-video/

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 James Brown fue y será siempre una verdadera leyenda en todos los sentidos de la palabra. Millones de personas lo echarán de menos, pero su influencia en la música, la cultura y el incontable número de vidas que tocó continuará durante las próximas décadas.

El dinámico espectáculo del Sr. James Brown sigue siendo intemporal. Su estilo ha sido celebrado a través de generaciones. Como uno de los artistas más sampleados hasta la fecha, tiene más honores ligados a su nombre que cualquier otro intérprete en la historia de la música.

El Sr. Brown es un creador de éxitos de tres cifras con 114 entradas totales en las listas de singles de R&B de Billboard y 94 que llegaron a la lista de Hot 100 singles. Diecisiete de estos éxitos alcanzaron el número uno, una hazaña que sólo superaron Stevie Wonder y Louis Jordan. A lo largo de los años, mientras mantenía un agotador calendario de giras, James Brown acumuló 800 canciones en su repertorio. Con su característico ritmo de uno-tres, James Brown influyó directamente en el ritmo evolutivo de la música soul en los sesenta, la música funk en los setenta y el rap en los ochenta. I

La historia de la vida de James Brown contiene muchos triunfos sobre la adversidad.

Nació en Carolina del Sur durante la Gran Depresión. Cuando era niño, recogía algodón, bailaba por monedas y lustraba zapatos. A los 16 años, aterrizó en un reformatorio durante tres años donde conoció a Bobby Byrd, líder de un grupo de gospel y amigo de toda la vida. El Sr. Brown intentó el boxeo semiprofesional y el béisbol, pero una lesión en la pierna le puso en el camino de la música como una carrera.

James Brown se unió a su amigo Bobby Byrd en un grupo que cantaba gospel en Toccoa, Georgia, y sus alrededores. Después de ver a Hank Ballard y Fats Domino en una revista de blues, Byrd y Brown fueron atraídos al reino de la música secular. Llamando a su banda "Las Llamas", formaron un conjunto muy unido de cantantes, bailarines y multi-instrumentistas.

El Sr. Brown inculcó la esencia del R&B con grabaciones bajo los sellos King y Federal a lo largo de los sesenta. Con álbumes como "Live at the Apollo", el Sr. Brown capturó la energía y la histeria generada por sus actuaciones en vivo. La gente que nunca lo había visto en persona podía oír y sentir la emoción de sus gritos y chillidos hasta que su espalda se empapaba. Convencido de que un álbum así no se vendería, King Records se negó a producirlo.

El Sr. Brown puso su propio dinero y grabó la actuación en el Teatro Apolo en 1962.

Lanzado casi un año después, "Live At The Apollo" llegó al número dos en la lista de álbumes de Billboard, una hazaña sin precedentes para un álbum de R&B en vivo. Las emisoras de radio lo tocaron con una frecuencia antes reservada para los singles, y la asistencia a los conciertos del Sr. Brown se disparó.

Como líder de la James Brown Revue (The J.B.'s), James Brown sudaba hasta siete libras por noche a través de actuaciones cautivadoras. Su furioso régimen de giros, caídas y golpes como fingir un ataque al corazón emocionaba a las multitudes. El ritual de ponerse la capa y el rhythm & blues se convirtió en parte de su marca personal como intérprete.

La transformación del fervor del gospel en la intensidad tensa y explosiva del rhythm & blues, combinada con la precisión de la coreografía y la dinámica del espectáculo, definió la dirección de la música negra desde el lanzamiento de su primer éxito de R&B ("Please Please Please Please") en 1956. En 1965, Brown marcó su primer single pop en el Top 10 con "Papa's Got A Brand New Bag", y los éxitos siguieron llegando uno tras otro durante la siguiente década.

La estructura de gospel y blues de sus primeros discos dio paso a voces rítmicas y a un complejo sonido funk. Sus innovaciones durante este período tuvieron una profunda influencia en los estilos de música popular de todo el mundo.

El estatus de James Brown como "El Padrino del Alma" permanece inalterado. Continúa influyendo en las nuevas generaciones de fans que a menudo escuchan sus ritmos funk como muestras en grabaciones de rap. Miembro fundador del Salón de la Fama del Rock and Roll, el Sr. Brown se sumó a su colección de elogios cuando recibió un premio Grammy por toda una vida de logros en 1992. James Brown falleció el 25 de diciembre de 2006.

LAS BANDAS:
James Brown ha tenido el privilegio de trabajar con numerosas personas con talento a lo largo de los años. Muchos tocaron en las bandas que apoyaron al Sr. Brown a lo largo de su carrera.

La primera banda de Famous Flames Mr. Brown fue los Gospel Starlighters, un cuarteto liderado por su amigo Bobby Byrd. En 1952, los Starlighters tenían un crudo estilo gospel sureño. Su estilo evolucionó más tarde hacia un sonido de Rythm and Blues. Con esta transición, tomaron un nuevo nombre: los Avons.

Bajo la influencia de actos de Rock and Roll como Hank Ballard and the Midnighters, Fats Domino y otros, el grupo se conoció como los Flames. Los miembros de la banda que formaban los Flames incluían a James Brown, Bobby Byrd, Sylvester Keels, Doyle Oglesby, Fred Pullman, Nash Knox, Roy Scott y (más tarde en la guitarra) Nafloyd Scott. Cada miembro de la banda cantaba, bailaba y tocaba un instrumento.


Para la alineación original de Flames de 1956, James Brown tocaba la batería, mientras Bobby Byrd tocaba el piano. Muchos miembros llegaron y dejaron la banda a lo largo de los años, pero Bobby Byrd siguió siendo el compañero del Sr. Brown durante las tres décadas siguientes. Federal Records firmó los Famous Flames (como se llamaban ahora) en 1956. Fue bajo el sello Federal que "Please Please Please" se convirtió en su primer single de éxito, y vendió más de un millón de copias. James Brown era considerado ahora como el líder del grupo.

En 1957, después del sorpresivo retiro de Little Richard, James Brown tocó con los Upsetters y los Dominions. James Brown llenó el resto de las reservas de Little Richard y reclutó nuevos miembros de los Dominions.

Aunque James Brown y los Flames continuaron haciendo discos para Federal, no volvieron a encabezar las listas de éxitos durante tres años. En 1958, "Try Me" se convirtió en el primer disco de R&B número uno de la banda. En 1962, James Brown grabó "Live at the Apollo", que alcanzó el número dos en las listas de R&B. A medida que James Brown evolucionaba como músico, su estilo de gospel y blues dio paso a la creación de un nuevo género musical: el funk. Debilitados por frecuentes rupturas y cambios de estilo, los Famous Flames y James Brown actuaron juntos por última vez en 1964.

Para llevar su sonido funk a un nuevo nivel, James Brown formó la James Brown Revue, un grupo de interpretación con bailarines, presentadores y una banda de escenario llamada J.B.'s. Los talentosos músicos de trompa, como Fred Wesley y Maceo Parker, formaron la columna vertebral de la banda.

Con la adición de Bootsy Collins y otros jóvenes músicos, la banda de James Brown desarrolló un nuevo sonido de bajo rítmico creando la música dinámica que llevó a James Brown a la vanguardia del R&B.

Los J.B. crearon nuevos arreglos de canciones de James Brown. Por ejemplo, "Give It Up, Turn It Loose" evolucionó a "Get Up I Feel Like Being a Sex Machine". A los fans les encantó el nuevo sonido, que formó la leyenda detrás de la magia de los J.B.'s.

La lista de músicos influyentes que han trabajado con James Brown es extensa. Después de dejar la banda de James Brown, muchos miembros de la banda han pasado a obtener su propio éxito en el negocio de la música. Por ejemplo, Fred Wesley y Maceo Parker dejaron los J.B.'s para unirse a Parliament/Funkedelic.

Las mujeres que cantaban en la James Brown Revue formaron las James Brown Original Funky Divas y lanzaron sus propios discos a lo largo de los 60 y 70.

Otros artistas han grabado álbumes y singles producidos y escritos por James Brown. Los más notables de estos artistas incluyen a Fred Wesley & The JB's, Maceo & The Macks, Bobby Byrd, y Lyn Collins. Otros artistas producidos por James Brown son Vicki Anderson, Hank Ballard, Yvonne Fair, James Crawford, Marva Whitney, The Dapps, Alfred "Pee Wee" Ellis y Above Average Black Band (A.A.B.B.).
http://jazzbluesnews.com/2018/05/03/james-brown-american-icon-video/

 

www.jamesbrown.com ...

Bert Weedon • Honky Tonk Guitar

 

Biography
by Bruce Eder
One of the stumbling blocks to the growth of rock & roll in England during the 1950s, apart from the larger cultural differences with America, lay in the fact that the country had no popular guitar heroes, and no jazz or blues tradition to draw on from which one could easily emerge. The only exception to this rule was Bert Weedon, a guitar instrumentalist whose virtuoso playing on the electric instrument constituted just about the only socially acceptable incarnation of the instrument for many adults. His pop-instrumental music, for all of its virtuosity, was too tame to attract many teens who were listening to Lonnie Donegan, but the classically trained guitarist's command of the instrument and the offer of a guitar study course in his name was a way in for kids who weren't ready to start mimicking Scotty Moore or Buddy Holly, much less Les Paul, Charlie Christian, or Django Reinhardt, to get to know the instrument. Musically, he was the guitarist equivalent to Roger Williams or Ferrante & Teicher, and by the end of the 1950s, rock & roll had produced its own guitar heroes in the Shadows' Hank Marvin and Bruce Welch, and other axemen in various bands who followed, not to mention session man Big Jim Sullivan. Weedon, however, remained a sentimental favorite and a perennially popular figure in England, and was still recording guitar-driven instrumental versions of Broadway and Hollywood hits in the 1990s. He died in April 2012 at home in Beaconsfield, Buckinghamshire, England; Bert Weedon was 91 years old.
https://www.allmusic.com/artist/bert-weedon-mn0000757817/biography

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Biografía
por Bruce Eder
Uno de los escollos para el crecimiento del rock & roll en Inglaterra durante la década de 1950, aparte de las grandes diferencias culturales con Estados Unidos, residía en el hecho de que el país no tenía héroes populares de la guitarra, ni una tradición de jazz o blues de la que surgir fácilmente. La única excepción a esta regla era Bert Weedon, un instrumentista de guitarra cuyo virtuosismo con el instrumento eléctrico constituía prácticamente la única encarnación socialmente aceptable del instrumento para muchos adultos. Su música pop-instrumental, a pesar de todo su virtuosismo, era demasiado sosa para atraer a muchos adolescentes que escuchaban a Lonnie Donegan, pero el dominio del instrumento por parte del guitarrista de formación clásica y la oferta de un curso de guitarra en su nombre era una vía de entrada para que los chavales que no estaban preparados para empezar a imitar a Scotty Moore o Buddy Holly, y mucho menos a Les Paul, Charlie Christian o Django Reinhardt, conocieran el instrumento. Musicalmente, era el guitarrista equivalente a Roger Williams o Ferrante & Teicher, y a finales de la década de 1950, el rock & roll había producido sus propios héroes de la guitarra en Hank Marvin y Bruce Welch de los Shadows, y otros guitarristas en varias bandas que le siguieron, por no mencionar al hombre de sesión Big Jim Sullivan. Weedon, sin embargo, siguió siendo un favorito sentimental y una figura perennemente popular en Inglaterra, y en la década de 1990 seguía grabando versiones instrumentales con guitarra de éxitos de Broadway y Hollywood. Murió en abril de 2012 en su casa de Beaconsfield, Buckinghamshire, Inglaterra; Bert Weedon tenía 91 años.
https://www.allmusic.com/artist/bert-weedon-mn0000757817/biography

Sonny Stitt • Soul People

A very distinctive tenor with a hard, passionate tone and an emotional style that was still tied to chordal improvisation, Booker Ervin was a true original. He was originally a trombonist, but taught himself tenor while in the Air Force (1950-1953). After studying music in Boston for two years, he made his recording debut with Ernie Fields' R&B band (1956). Ervin gained fame while playing with Charles Mingus (off and on during 1956-1962), holding his own with the volatile bassist and Eric Dolphy. He also led his own quartet, worked with Randy Weston on a few occasions in the '60s, and spent much of 1964-1966 in Europe before dying much too young from kidney disease. Ervin, who is on several notable Charles Mingus records, made dates of his own for Bethlehem, Savoy, and Candid during 1960-1961, along with later sets for Pacific Jazz and Blue Note. His nine Prestige sessions of 1963-1966 (including The Freedom Book, The Song Book, The Blues Book, and The Space Book) are among the high points of his career. ~ Scott Yanow

 

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Booker Ervin, un tenor muy característico con un tono duro y apasionado y un estilo emocional que seguía ligado a la improvisación de acordes, era un verdadero original. Originalmente era trombonista, pero aprendió a tocar el tenor mientras estaba en las Fuerzas Aéreas (1950-1953). Después de estudiar música en Boston durante dos años, hizo su debut discográfico con la banda de R&B de Ernie Fields (1956). Ervin adquirió fama cuando tocó con Charles Mingus (de forma intermitente durante 1956-1962), manteniéndose a la altura del volátil bajista y de Eric Dolphy. También dirigió su propio cuarteto, trabajó con Randy Weston en algunas ocasiones en los años 60 y pasó gran parte de 1964-1966 en Europa antes de morir demasiado joven por una enfermedad renal. Ervin, que aparece en varios discos notables de Charles Mingus, realizó fechas propias para Bethlehem, Savoy y Candid durante 1960-1961, junto con conjuntos posteriores para Pacific Jazz y Blue Note. Sus nueve sesiones de Prestige de 1963-1966 (incluyendo The Freedom Book, The Song Book, The Blues Book y The Space Book) se encuentran entre los puntos más altos de su carrera. ~ Scott Yanow

VA • Jazz A La Mood-LP. Jazztone - J1254. US [1957]