egroj world: September 2025

Tuesday, September 30, 2025

Brother Jack McDuff • Goodnight , It's Time to Go + Honey Dripper

 


 
This release presents two complete original LPs by Brother Jack McDuff: Goodnight, It's Time to Go (Prestige PRLP7220), and The Honeydripper (Prestige PRLP7199). Both albums showcase the organist in a quartet format with the brilliant guitarist Grant Green. (This CD includes all of their quartet recordings together under the leadership of McDuff. They also participated on two other quartet albums, one under Green's name, and the other under Lou Donaldson's). As a bonus, “Godiva Brown”, a song that completes the Goodnight, It's Time to Go sessions but wasn't included on the original LP.


 Biography :
A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74. ~ Ron Wynn and Bob Porter.

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Este lanzamiento presenta dos LPs originales completos del hermano Jack McDuff: Goodnight, It's Time to Go (Prestige PRLP7220), y The Honeydripper (Prestige PRLP7199). Ambos álbumes muestran al organista en formato de cuarteto con el brillante guitarrista Grant Green. (Este CD incluye todas las grabaciones de su cuarteto juntas bajo la dirección de McDuff. También participaron en otros dos álbumes de cuarteto, uno bajo el nombre de Green y el otro bajo el de Lou Donaldson). Como bonus, "Godiva Brown", una canción que completa las sesiones de Goodnight, It's Time to Go pero que no fue incluida en el LP original.


 Biografía :
Un maravilloso director de banda y organista así como un arreglista capaz, "Brother" Jack McDuff tiene uno de los estilos más funky y más conmovedor de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como el rock y sus solos empapados de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas y progresiones y frases interesantes. McDuff comenzó como bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió de forma privada en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo a tocar el órgano y el piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut discográfico como líder para Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes excepcionales: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda al año siguiente, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas despegaron cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego en los 80 volvió a la onda con la sesión de Muse Cap'n Jack. Mientras que su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff publicó varios discos en el sello Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años. ~ Ron Wynn y Bob Porter



Harold Mabern • Fantasy

 


 

VA • Jazz Moods Cha Cha Party

 


Poncho Sanchez, Ray Barretto, Tito Puente, Mongo Santamaria, Cal Tjader ...





Cecil Brooks III • Hot D.O.G. [Recorded Live At Cecil's Jazz Club]

 





The Joe Mcqueen Quartet • The Legendary Joe Mcqueen Quartet



Joe McQueen (aka Joe Lee McQueen; né Joe Leandrew McQueen; born 30 May 1919 Ponder, Texas) is an American jazz saxophonist.

He was raised in Ardmore, Oklahoma. He played tuba and then saxophone in the Ardmore High School band. He was also on the football squad.

McQueen began playing professional jazz at the age of sixteen. He was introduced to the saxophone a few years earlier by his cousin, Herschel Evans, who played in Count Basie's band in the mid-1930s.

In 1945, McQueen and his wife, Thelma, traveled to Ogden, Utah. He was at the time in a jazz band that dissolved when its leader gambled away the troupe's earnings en route from Las Vegas. McQueen reformed the band and stayed in Ogden.

Ogden, Utah, in the near post-WWII era was a hot spot for jazz music, as it was a major stop on the railroad route west to San Francisco, California from Kansas City and beyond. The city was mentioned in the beatnik writings of Jack Kerouac, and was the hometown of trumpeter Red Nichols.

During his life, McQueen has performed in Ogden with jazz luminaries such as Charlie Parker, Chet Baker (a fellow Oklahoman), Paul Gonsalves, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Dizzy Gillespie, and others. McQueen has toured as a musician in the Rocky Mountain West. He played in 1962 in Idaho Falls, Idaho with Hoagy Carmichael.


During his early years in Ogden, McQueen worked and played at the Porters and Waiters Club in Ogden. This was one of the few venues open to black Americans at the time. McQueen was the first African-American in Utah to play at previously white-only establishments and to have a mixed-race band.

McQueen has worked as a truck mechanic and automotive technology instructor at Weber State University. As of 2005, he works as a full-time volunteer elder care worker; in this capacity he assists infirm senior citizens.

In 2002, the Governor of Utah established April 18 as an official "Joe McQueen Day" for the State of Utah.

McQueen continues to perform live in clubs in Ogden and record at the age of 94.

McQueen was recently the subject of a documentary film: "King of O-Town." He was also featured in a July, 2005 feature article by the Associated Press.

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Joe McQueen (alias Joe Lee McQueen; né Joe Leandrew McQueen; nacido el 30 de mayo de 1919 en Ponder, Texas) es un saxofonista de jazz americano.

Se crió en Ardmore, Oklahoma. Tocaba la tuba y luego el saxofón en la banda de la secundaria de Ardmore. También estuvo en el equipo de fútbol americano.

McQueen empezó a tocar jazz profesional a los dieciséis años. Fue introducido al saxofón unos años antes por su primo, Herschel Evans, que tocó en la banda de Count Basie a mediados de los años 30.

En 1945, McQueen y su esposa, Thelma, viajaron a Ogden, Utah. En ese momento estaba en una banda de jazz que se disolvió cuando su líder se jugó las ganancias de la compañía en el camino desde Las Vegas. McQueen reformó la banda y se quedó en Ogden.

Ogden, Utah, en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial era un punto caliente para la música de jazz, ya que era una parada importante en la ruta del ferrocarril hacia el oeste a San Francisco, California desde Kansas City y más allá. La ciudad fue mencionada en los escritos beatnik de Jack Kerouac, y fue la ciudad natal del trompetista Red Nichols.

Durante su vida, McQueen ha actuado en Ogden con luminarias del jazz como Charlie Parker, Chet Baker (un colega de Oklahoma), Paul Gonsalves, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Dizzy Gillespie, y otros. McQueen ha hecho giras como músico en el oeste de las Montañas Rocosas. Tocó en 1962 en las Cataratas de Idaho, Idaho con Hoagy Carmichael.


Durante sus primeros años en Ogden, McQueen trabajó y tocó en el Club de Porteros y Camareros de Ogden. Era uno de los pocos locales abiertos a los negros americanos de la época. McQueen fue el primer afroamericano en Utah en tocar en establecimientos que antes eran sólo para blancos y en tener una banda de razas mixtas.

McQueen ha trabajado como mecánico de camiones e instructor de tecnología automotriz en la Universidad Estatal de Weber. A partir de 2005, trabaja como voluntario a tiempo completo en el cuidado de ancianos; en este puesto ayuda a los ancianos enfermos.

En 2002, el Gobernador de Utah estableció el 18 de abril como un "Día de Joe McQueen" oficial para el Estado de Utah.

McQueen sigue actuando en vivo en clubes de Ogden y graba a la edad de 94 años.

McQueen fue recientemente objeto de un documental: "King of O-Town". También apareció en un artículo de fondo de julio de 2005 de la Associated Press. 


The Astronauts • Astronauts Orbit Kampus

 

 

Surf group from Boulder, Colorado. Formed in 1960 as the Stormtroopers and signed to the RCA label a few years later in an effort to compete with the success of the Beach Boys. The group experienced modest and brief success, until the arrival of the Beatles in the U.S. led to their decline in popularity. Members included Rich Fifield, Dennis Lindsey, and Bob Demmon on guitars, Stormy Patterson on bass, and drummer Jim Gallagher.

Warren Greig • Here With You

 



Warren Greig is a Canadian Jazz Guitarist whose second album "Here With You" features all original material. On this CD Warren is accompanied by Paul Wiggins on Hammond B3 organ, Lindsay Prior drums, Byron Stoehr plays electric bass on four tracks and Mark Inneo plays drums on Riley and Tankhouse.

This album of contempory jazz has a strong blues influence but also features music in the latin, ballad and swing idioms. After playing a weekly club date Warren and Paul wanted to document the development of the music. Paul built a studio around his vintage Hammond B3 organ and it was decided to record only original material.

The CD is reviewed in All About Jazz by Robert Sutton. Here is an excerpt of the review: Warren Greig creates an atmosphere of intimacy on the aptly-titled Here With You. In this hypnotically captivating collection of original guitar instrumentals, Greig crumbles the walls that separate the artist from his audience. While the music isn't as introspective as one would expect from such a spare, naked setting, Greig's compositions are certainly personal and revealing; their wordless emotions open to multiple interpretations.

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Warren Greig es un guitarrista de jazz canadiense cuyo segundo álbum, "Here With You", contiene todo el material original. En este CD, Warren está acompañado por Paul Wiggins al órgano Hammond B3, Lindsay Prior a la batería, Byron Stoehr al bajo eléctrico en cuatro temas y Mark Inneo a la batería en Riley y Tankhouse.

Este álbum de jazz contemporáneo tiene una fuerte influencia del blues, pero también incluye música latina, baladas y swing. Después de tocar en un club semanal, Warren y Paul quisieron documentar el desarrollo de la música. Paul construyó un estudio alrededor de su órgano Hammond B3 de época y se decidió grabar sólo material original.

El CD ha sido reseñado en All About Jazz por Robert Sutton. He aquí un extracto de la reseña: Warren Greig crea una atmósfera de intimidad en el acertado título Here With You. En esta colección hipnóticamente cautivadora de instrumentales de guitarra originales, Greig desmorona los muros que separan al artista de su público. Aunque la música no es tan introspectiva como cabría esperar de un escenario tan desnudo, las composiciones de Greig son ciertamente personales y reveladoras; sus emociones sin palabras están abiertas a múltiples interpretaciones.


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Colaborador / Contribuitor:  Michel


Monday, September 29, 2025

VA • Lee 'Scratch' Perry – Presents Better Times - 1971 Chapter II

 



Oscar Peterson Trio • I Got Rhythm



 

"Oscar Peterson Trio I Got Rhythm Giants of Jazz" refers to a compilation album by the Oscar Peterson Trio released under the "Giants of Jazz" label, featuring the track "I Got Rhythm" alongside other standards like "Back Home in Indiana" and "China Boy" - The album combines a selection of the trio's popular performances, with releases appearing around 1998 and 2001 on labels like JetRecords and Prism - 


VA • Curiouser and Curiouser [Prog Rock Nuggets]

 



www.mojo4music.com ...


John Patton • That Certain Feeling



It took Big John Patton nearly twoyears to return to the studio as a leader following the sessions that produced the exceptional Got a Good Thing Goin'. When he finally cut its sequel, That Certain Feeling, the musical climate had changed just enough to make a difference in his music. Where Got a Good Thing Goin' was down and dirty, That Certain Feeling was smooth. That's not to say that it didn't groove -- it was just cleaner, which means that the groove wasn't as infectious or hot as before. Still, Patton and his band -- guitarist Jimmy Ponder, tenor saxophonist Junior Cook and drummer Clifford Jarvis -- play very well, and there are moments when everything comes together and it just cooks. And those are the moments that make That Certain Feeling worth a search. by Stephen Thomas Erlewine, AMG

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A Big John Patton le llevó casi dos años volver al estudio como líder tras las sesiones que produjeron el excepcional Got a Good Thing Goin'. Cuando finalmente cortó su secuela, That Certain Feeling, el clima musical había cambiado lo suficiente como para marcar la diferencia en su música. Where Got a Good Thing Goin' estaba abajo y sucio, That Certain Feeling era suave. Eso no quiere decir que no se moviera... sólo estaba más limpio, lo que significa que el ritmo no era tan infeccioso o caliente como antes. Aún así, Patton y su banda - el guitarrista Jimmy Ponder, el saxofonista tenor Junior Cook y el baterista Clifford Jarvis - tocan muy bien, y hay momentos en que todo se junta y se cocina. Y esos son los momentos que hacen que valga la pena buscar en That Certain Feeling. por Stephen Thomas Erlewine, AMG


The A, B, C & D of Boogie Woogie • Live in Paris



Live In Paris se ha lanzado por Eagle Records el 25 de junio de 2012. Este es el primer álbum de la banda sublime talento, cuya línea incluye a Axel Zwingenberger, Ben Waters, Charlie Watts y Dave Green (El A, B, C y D del Boogie Woogie). Formado en el año 2009, llega su primer disco.

El Álbum se registró durante varias noches en septiembre de 2010 en el club de jazz Duc Des Lombards en París. La lista de canciones registra lo que ocurría en aquellas noches, un ser list habitual de improvisaciones, blues y boogie woogie, donde se aprecia el virtuosismo y amor por el género.

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Live In Paris has been released by Eagle Records on June 25, 2012. This is the first album by the band's sublime talent, whose lineup includes Axel Zwingenberger, Ben Waters, Charlie Watts and Dave Green (The A, B, C and D of Boogie Woogie). Formed in 2009, their first album has arrived.

The album was recorded over several nights in September 2010 at the Duc Des Lombards jazz club in Paris. The song list records what was happening on those nights, a regular list of improvisations, blues and boogie woogie, where virtuosity and love for the genre can be appreciated. 
 
 


Friday, September 26, 2025

Charles Mingus • A Modern Jazz Symposium of Music & Poetry, 1957

 


Symposium of Music and Poetry Review by Scott Yanow
Despite its title, this album doesn't contain poetry, nor is it a "symposium." What it does have is a memorable narration by Lonnie Elder  on "Scenes in the City" (one of the best collaborations of spoken word and jazz). There are four obscure Charles Mingus compositions for his sextet (which consists of the bassist/leader, trombonist Jimmy Knepper, Shafi Hadi on tenor and alto, either Bill Hardman or Clarence Shaw on trumpet, pianist Horace Parlan, and drummer Dannie Richmond). There are also three previously unreleased performances, including a run-through of Dizzy Gillespie's "Wouldn't You." An excellent set of challenging yet often accessible music. 
https://www.allmusic.com/album/a-modern-jazz-symposium-of-music-and-poetry-mw0000175051

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Simposio de música y poesía Reseña de Scott Yanow
A pesar de su título, este álbum no contiene poesía, ni es un «simposio». Lo que sí tiene es una memorable narración de Lonnie Elder en «Scenes in the City» (una de las mejores colaboraciones entre la palabra hablada y el jazz). Hay cuatro composiciones poco conocidas de Charles Mingus para su sexteto (formado por el bajista y líder, el trombonista Jimmy Knepper, Shafi Hadi al saxo tenor y alto, Bill Hardman o Clarence Shaw a la trompeta, el pianista Horace Parlan y el baterista Dannie Richmond). También hay tres interpretaciones inéditas, entre ellas una versión de «Wouldn't You» de Dizzy Gillespie. Un excelente conjunto de música desafiante, pero a menudo accesible.
https://www.allmusic.com/album/a-modern-jazz-symposium-of-music-and-poetry-mw0000175051

 

Cory Weeds • Big Weeds




A saxophonist with an expressive sound rooted in Jazz tradition, a label owner tirelessly documenting unsung Jazz heroes, one of Canada’s most important Jazz impresarios, the hardest-working man in Jazz business – Cory Weeds is all of these things, and much more.

Weeds may be best known as the founder and owner of Cory Weeds’ Cellar Jazz Club in Vancouver, which he successfully ran for more than 14 years. Weeds built the Cellar to become one of North America’s best Jazz clubs, where masters such as George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David “Fathead” Newman, Dr. Lonnie Smith, and the finest Jazz musicians from Vancouver and across Canada performed before it closed in February 2014.

But he wasn’t just the club owner. As a saxophonist who studied at the University of North Texas and Capilano University, Weeds spent many nights on the Cellar bandstand as a leader and sideman. He held his own when performing with icons like Joey DeFrancesco and Christian McBride. Weeds has also recorded fifteen albums as a leader, including: Live at Frankie’s (with Terell Stafford and Harold Mabern) Explosion (with Gary Smulyan, PJ Perry, Steve Davis and Joe Magnarelli), Let’s Groove (with Mike Ledonne), Dreamsville (with The Jeff Hamilton Trio), It’s Easy To Remember (with David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill and Jason Tiemann, reached #1 on the Jazz Week Charts)  This Happy Madness, (with The Jeff Hamilton Trio, reached #1 on the Jazz Week Charts),  Condition Blue, The Music Of Jackie McLean (with Peter Bernstein, Mike LeDonne, and Joe Farnsworth)., As Of Now (with the Harold Mabern Trio), Let’s Go (with Steve Davis), the Juno-nominated Up A Step (Cory Weeds Quartet), With Benefits (with Lewis Nash and Peter Washington), Just Like That (with the Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (with Joey DeFrancesco), Everything’s Coming Up Weeds (with Jim Rotondi), and Big Weeds (with Peter Bernstein, Mike LeDonne, and Joe Farnsworth).

While the Cellar is now a happy memory, the record label Weeds established in 2001 is alive and well. Rebranded in 2018, The Cellar Music Group has put out over 160 recordings, including many that have spent extensive time on the JazzWeek charts, with many more releases planned. In addition to playing on numerous sessions, Weeds has also served as producer on more than 120 recordings. In 2017 Weeds celebrated a win at the 2017 Juno Awards when Metalwood won for Jazz Album Of The Year: Group.

On the presentation front, Weeds has booked Frankie’s Jazz Club in downtown Vancouver since 2016.  In addition to Frankie’s, Weeds presents music all over the city at various venues including The Italian Cultural Center, Hycroft at The University Women’s Club, Club 45 in North Vancouver and The Emerald.

Beyond Vancouver, Weeds has a strong affinity with New York City. He’s brought so many of the Jazz mecca’s top players to Vancouver, and has performed, toured, and recorded with many of them. Tapping into his insider knowledge of the New York scene, he has led the annual New York With Weeds tour ten times and counting. He leads about 35 Jazz lovers to Jazz clubs off the beaten track, private recording sessions and more.

Finally, Weeds has also worked as an educator, leading the BC Music Educators Association’s Honour Ensemble, giving clinics on saxophone as well as the business of music, and teaching privately. He can also be heard on the airwaves on his show Condition Blue that airs on www.jazzcast.ca and www.saveonradio.com
https://coryweeds.com/bio/

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Un saxofonista con un sonido expresivo arraigado en la tradición del Jazz, un dueño de sello discográfico que documenta incansablemente a los héroes del Jazz no reconocidos, uno de los empresarios de Jazz más importantes de Canadá, el hombre más trabajador en el negocio del Jazz - Cory Weeds es todas estas cosas, y mucho más.

Weeds puede ser mejor conocido como el fundador y propietario del Club de Jazz Cellar de Cory Weeds en Vancouver, que dirigió con éxito durante más de 14 años. Weeds construyó el Cellar para convertirse en uno de los mejores clubes de Jazz de Norteamérica, donde maestros como George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David "Fathead" Newman, el Dr. Lonnie Smith, y los mejores músicos de Jazz de Vancouver y de todo Canadá actuaron antes de que cerrara en febrero de 2014.

Pero no era sólo el dueño del club. Como saxofonista que estudió en la Universidad del Norte de Texas y en la Universidad de Capilano, Weeds pasó muchas noches en el quiosco de la bodega como líder y acompañante. Se mantuvo firme cuando actuó con iconos como Joey DeFrancesco y Christian McBride. Weeds también ha grabado quince álbumes como líder, incluyendo: Live at Frankie's (con Terell Stafford y Harold Mabern) Explosion (con Gary Smulyan, PJ Perry, Steve Davis y Joe Magnarelli), Let's Groove (con Mike Ledonne), Dreamsville (con The Jeff Hamilton Trio), It's Easy To Remember (con David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill y Jason Tiemann, alcanzaron el #1 en las listas de la Semana de Jazz) Esta Locura Feliz, (con The Jeff Hamilton Trio, alcanzó el #1 en las listas de la Semana de Jazz), Condition Blue, La Música de Jackie McLean (con Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth). (con el Harold Mabern Trio), Let's Go (con Steve Davis), el nominado por los Juno Up A Step (Cory Weeds Quartet), With Benefits (con Lewis Nash y Peter Washington), Just Like That (con el Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (con Joey DeFrancesco), Everything's Coming Up Weeds (con Jim Rotondi), y Big Weeds (con Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth).

Mientras que la bodega es ahora un recuerdo feliz, el sello discográfico Weeds establecido en 2001 está vivo y bien. Reconocido en 2018, The Cellar Music Group ha publicado más de 160 grabaciones, incluyendo muchas que han pasado mucho tiempo en las listas de JazzWeek, con muchos más lanzamientos planeados. Además de tocar en numerosas sesiones, Weeds también ha sido productor en más de 120 grabaciones. En 2017 Weeds celebró su victoria en los Premios Juno 2017 cuando Metalwood ganó el Álbum de Jazz del año: Grupo.

En el frente de la presentación, Weeds ha reservado el Club de Jazz de Frankie en el centro de Vancouver desde 2016.  Además del Frankie's, Weeds presenta música por toda la ciudad en varios lugares, incluyendo el Centro Cultural Italiano, Hycroft en el Club de Mujeres de la Universidad, el Club 45 en North Vancouver y The Emerald.

Más allá de Vancouver, Weeds tiene una fuerte afinidad con la ciudad de Nueva York. Ha traído a muchos de los mejores músicos de la Meca del Jazz a Vancouver, y ha actuado, hecho giras y grabado con muchos de ellos. Aprovechando su conocimiento interno de la escena neoyorquina, ha dirigido la gira anual New York With Weeds diez veces y contando. Lleva a unos 35 amantes del jazz a clubes de jazz fuera de los circuitos habituales, sesiones de grabación privadas y más.

Finalmente, Weeds también ha trabajado como educador, dirigiendo el Conjunto de Honor de la Asociación de Educadores de Música de BC, dando clínicas de saxofón así como el negocio de la música, y enseñando en privado. También se le puede escuchar en las ondas de su programa Condition Blue que se emite en www.jazzcast.ca y www.saveonradio.com
https://coryweeds.com/bio/


Thursday, September 25, 2025

Isaac Hayes • The Best Of

 



10 soulful cuts from Stax Records’ incomparable creative force. As composer, producer, singer and multi-instrumentalist Isaac Hayes changed the face of music in the early 1970s and this collection is the perfect introduction to his music. Including the Academy Award Winning “Theme From Shaft” with its distinctive wah-wah guitar intro, “Walk on By,” and “Never Can Say Goodbye” all newly mastered.


 





craftrecordings.com ...


Willis Jackson • On my own

 



Born in Miami, Florida, Jackson joined Cootie Williams's band in 1948 as a teenager, and was part of it on and off until 1955.
Under his own name (Willis Jackson and His Orchestra) he recorded various rhythm-and-blues instrumentals for Atlantic Records - His most famous record for Atlantic is "Gator's Groove" (1952), with "Estrellita" as the B-side.
Jackson toured as leader of the backing band for singer Ruth Brown - Publicly they were married, but privately they never married but lived together from 1950 to 1955 - Jackson joined Prestige Records in 1959, making a string of albums.
Jackson died in New York City one week after heart surgery, in October 1987, at the age of 55.

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Nacido en Miami, Florida, Jackson se unió a la banda de Cootie Williams en 1948 cuando era adolescente, y formó parte de ella de forma intermitente hasta 1955.
Bajo su propio nombre (Willis Jackson and His Orchestra) grabó varios temas instrumentales de rhythm and blues para Atlantic Records. Su disco más famoso para Atlantic es «Gator's Groove» (1952), con «Estrellita» como cara B.
Jackson realizó una gira como líder de la banda que acompañaba a la cantante Ruth Brown. Públicamente estaban casados, pero en privado nunca se casaron, aunque vivieron juntos desde 1950 hasta 1955. Jackson se unió a Prestige Records en 1959, donde grabó una serie de álbumes.
Jackson murió en Nueva York una semana después de someterse a una operación de corazón, en octubre de 1987, a la edad de 55 años.


Randy Porter • You Know Who You Are

 




www.randyporter.com ...


Frank Vignola's Guitar Night with Yotam Silberstein • Birdland Theater July 9th 2025

 



www.frankvignola.com ...
yotammusic.com ...



Wednesday, September 24, 2025

Milt Jackson • Bags' Bag

 



Review by Scott Yanow
Vibraphonist Milt Jackson teams up with pianist Cedar Walton, bassist Ray Brown and (on six of the eight songs) either Billy Higgins or Frank Severino on drums. Together they play group originals and (on the two drumless pieces) a pair of standards. Although the material was largely new, the swinging style is timeless and Milt Jackson typically sounds in top form; has he ever made an indifferent recording? 
https://www.allmusic.com/album/bags-bag-mw0000196871

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Reseña de Scott Yanow
El vibrafonista Milt Jackson se une al pianista Cedar Walton, al bajista Ray Brown y (en seis de las ocho canciones) a Billy Higgins o Frank Severino a la batería. Juntos tocan temas originales del grupo y (en las dos piezas sin batería) un par de estándares. Aunque el material era en gran parte nuevo, el estilo swing es atemporal y Milt Jackson suena, como es habitual, en plena forma; ¿ha grabado alguna vez un disco mediocre? 
https://www.allmusic.com/album/bags-bag-mw0000196871


Brian Setzer Orchestra • Got A Little Boogie-Live at Tokyo

 



Biography:
Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and style back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice, first as the leader of the Stray Cats, the trio that brought rockabilly back into the charts during the '80s, then he helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s -- that's when rockabilly was born but also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, music by Louis Prima and Big Joe Turner -- and while the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had.
Those idols -- Cochran, Vincent, Elvis, Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, but as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter also being a running mate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.
Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," it was a hit, but its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."
Success came to the Stray Cats but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Next up was another reunion with the Stray Cats, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; then they returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final record recorded with their original producer, Dave Edmunds.
This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200 and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and he ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal albums in his discography) to swinging covers of classical compositions, most released on SurfDog Records. At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November of 2017.
 
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Biografía:
Cada década tiene su propia manía retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y el estilo clásico. Brian Setzer realizó este truco no sólo una vez sino dos veces, primero como líder de los Stray Cats, el trío que trajo el rockabilly de vuelta a las listas de éxitos durante los'80, y luego ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los'90 con la Brian Setzer Orchestra. Ambos sonidos se basaron en los años 50, cuando nació el rockabilly, pero también en el apogeo del Jump-Blues que tanto le gustaba a Setzer, la música de Louis Prima y Big Joe Turner, y mientras que los Stray Cats eran puristas en cierto modo, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, cuando un solo acto de Setzer acabó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo de swinging. Con este sonido de salto, cultivó un seguimiento leal -que consistía en no pocos discípulos de los últimos días- que se extendió hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la larga y exitosa carrera que muchos de sus ídolos nunca tuvieron.
Esos ídolos -- Cochran, Vincent, Elvis, Carl Perkins -- ocupan un lugar importante en la obra de Setzer, pero cuando era niño y crecía en Long Island se enamoró inicialmente del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el eufonio y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que le llevó por el camino del rockabilly. Recogiendo una guitarra, formó los Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, siendo este último también compañero de fórmula de Brian en los Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su pasión por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que evolucionaron hasta convertirse en los Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom entraron en la alineación a finales de 1979.
Al sentir que Estados Unidos no estaba preparado para su rock & roll, los Stray Cats partieron a Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. A los pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds -que por casualidad apareció en la película That'll Be the Day de 1973, tocando en una banda llamada Stray Cats- y él los tomó bajo su ala, produciendo su debut con el mismo nombre en 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", fue un éxito, pero su secuela de 1982, Gonna Ball, no lo hizo tan bien, pero lo más destacado de los dos LPs fue seleccionado para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos mencionados, que ambos recibieron un gran éxito en MTV, Built for Speed convirtió a los Stray Cats en estrellas en Estados Unidos, allanando el camino para el Rant n Rave de 1983 con los Stray Cats, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17" y otro menor en la forma de "I Won't Stand in Your Way" (No me interpondré en tu camino).
El éxito llegó a los Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como sideman para una variedad de rockeros, tocando principalmente en la banda de Robert Plant, los Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con The Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás por casualidad, Setzer regresó al grupo de los Stray Cats ese año para Rock Therapy, un reencuentro que tampoco logró estimular las ventas. Lo siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de los Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Después hubo otra reunión con los Stray Cats, una que duró tres álbumes a lo largo de cuatro años. Primero fue el despegue de 1989, que ellos apoyaron con la apertura de una gira para Stevie Ray Vaughan, pero el récord no llegó a más de 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Impertérritos, se asociaron con Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para el Choo Choo Choo Hot Fish de 1992, un disco final grabado con su productor original, Dave Edmunds.
Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Brian Setzer Orchestra, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut con el mismo nombre apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, llegando a 158; luego la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco falló, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un éxito rotundo gracias a una portada de éxito de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima. El single llegó a su punto máximo a los 23 años y el disco llegó a nueve en el Billboard 200 y si Setzer nunca escaló esas alturas de nuevo - la continuación del 2000, Vavoom!, llegó a los 62 - sin embargo encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big-band en el nuevo milenio, desde una serie de álbumes navideños (hay por lo menos cinco álbumes de temporada en su discografía) hasta portadas de composiciones clásicas, la mayoría de las cuales fueron lanzadas en SurfDog Records. A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con el Nitro Burnin' Funny Daddy de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records en 2005, y extendiéndose hasta el Rockabilly Riot de 2014. Todo original. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Brian Setzer Orchestra con el lanzamiento de 25 Live! en noviembre de 2017, una edición limitada de los discos "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock".
 

 


Gerry Mulligan & Chet Baker • Where It Starts It Ends

 



Gerry Mulligan, who was primarily known as a saxophonist, but was an expert exponent of clarinet and piano as well as being a highly-respected arranger, was one of the giants of post-war modern jazz and was one of the leading lights in the cool jazz movement focused on the West Coast.

In 1952 he began a legendary collaboration with the young lyrical trumpeter Chet Baker, newly-arrived on the jazz scene after an Army career, with the primary era of their professional relationship ending in 1953 when Mulligan was jailed on narcotics charges.

Baker's melodic style fit well with Mulligan's, leading them to create improvised contrapuntal textures free from the rigid confines of a piano-enforced chordal structure. This great set comprises some of the best recordings they made together during this time as part of Gerry Mulligans quartet.

After the first sessions, which involved pianist Jimmy Rowles, Mulligan developed an innovative piano-less line-up, using bass and drums to make up the quartets, with the pairings being Bobby Whitlock (bass) and and Chico Hamilton (drums), and Carson Smith (bass) and Larry Bunker (drums).

It offers fascinating insights into the the way Mulligan and Baker developed an intuitive rapport, and an absorbing collection of landmark modern jazz performances.

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Gerry Mulligan, conocido principalmente como saxofonista, pero experto exponente del clarinete y el piano, además de ser un arreglista muy respetado, fue uno de los gigantes del jazz moderno de la posguerra y una de las principales luces del movimiento cool jazz centrado en la Costa Oeste.

En 1952 inició una legendaria colaboración con el joven trompetista lírico Chet Baker, recién llegado a la escena del jazz después de una carrera en el Ejército, y la era principal de su relación profesional terminó en 1953 cuando Mulligan fue encarcelado por cargos de narcóticos.

El estilo melódico de Baker encajaba bien con el de Mulligan, lo que los llevó a crear texturas contrapuntísticas improvisadas libres de los rígidos límites de una estructura de acordes forzada por el piano. Este gran set comprende algunas de las mejores grabaciones que hicieron juntos durante este tiempo como parte del cuarteto Gerry Mulligans.

Después de las primeras sesiones, que involucraron al pianista Jimmy Rowles, Mulligan desarrolló una formación innovadora sin piano, usando bajo y batería para formar los cuartetos, siendo los emparejamientos Bobby Whitlock (bajo) y Chico Hamilton (batería), y Carson Smith (bajo) y Larry Bunker (batería).

Ofrece información fascinante sobre la forma en que Mulligan y Baker desarrollaron una relación intuitiva y una colección absorbente de actuaciones históricas de jazz moderno.


Monday, September 22, 2025

Phil Woods • Groovin' To Marty Paich

 



Review by Scott Yanow
At a 2004 West Coast jazz festival presented by producer Ken Poston, altoist Phil Woods was featured performing Marty Paich arrangements with the Los Angeles Jazz Orchestra. The re-created charts were originally recorded by Art Pepper in the 1950s, with the majority drawn from the famous Art Pepper + Eleven album. Woods has a different sound and a slightly different style than Pepper, but his playing is certainly complementary and a logical choice for this project. Pianist Christian Jacob directed the 12-piece orchestra and, although his verbal introductions are sometimes a bit awkward, the music works quite well. Woods, who takes a rare clarinet solo on "Anthropology" (which he jokes about), is in top form throughout. Highlights include "Groovin' High," "Walkin' Shoes," "Bernie's Tune," and "Shaw 'Nuff." Fans of West Coast jazz will enjoy this intriguing reinterpretation of Marty Paich's classic charts. 
https://www.allmusic.com/album/groovin-to-marty-paich-mw0000253029

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Reseña de Scott Yanow
En un festival de jazz de la costa oeste celebrado en 2004 y presentado por el productor Ken Poston, el saxofonista alto Phil Woods interpretó arreglos de Marty Paich con la Los Angeles Jazz Orchestra. Las partituras recreadas fueron grabadas originalmente por Art Pepper en la década de 1950, y la mayoría proceden del famoso álbum Art Pepper + Eleven. Woods tiene un sonido y un estilo ligeramente diferentes a los de Pepper, pero su forma de tocar es sin duda complementaria y una elección lógica para este proyecto. El pianista Christian Jacob dirigió la orquesta de 12 músicos y, aunque sus introducciones verbales son a veces un poco torpes, la música funciona bastante bien. Woods, que interpreta un raro solo de clarinete en «Anthropology» (sobre el que bromea), está en plena forma durante todo el álbum. Destacan «Groovin' High», «Walkin' Shoes», «Bernie's Tune» y «Shaw 'Nuff». Los aficionados al jazz de la costa oeste disfrutarán de esta intrigante reinterpretación de los clásicos temas de Marty Paich. 
https://www.allmusic.com/album/groovin-to-marty-paich-mw0000253029


Steve Khan • Helping Hand

 

 



www.stevekhan.com ...


Lew Woodall Quartet Featuring Hod O'Brien • Second Time Around

 



Biography
A Long and Winding Road
Lew Woodall meandered a long and winding pathway before finding his way to jazz. After playing rock, top forty, beach, and blues earlier in his career and ceasing to play completely for a period of 12 years; he has recorded 4 jazz CDs since he began playing jazz gigs in 2000. His 2008 and 2009 CDs Simply Cooking and Simply Cooking II, Second Time Around are produced and distributed by Paolo Piangiarelli of Philology Jazz Records. On these two albums, Lew is joined by renowned bebop pianist, Hod O'Brien, bassist, Tom Harbeck, and drummer, Joel Lubliner. In 2006, Lew released Texas Trip which was recorded in Dallas and features old friend, John Bryant (former drummer for Ray Charles) and Dallas/Fort Worth Hammond B3 organ master, Tommy Young. Lew's first jazz CD, Kiss You Momma was released in 2002. On this album, Lew shares lead guitar honors with renowned jazz player, guitarist, Royce Campbell. They are joined by Matt Kendrick on bass and Lubliner on drums.

The Path
Lew's path to playing jazz may have been winding; but his path to loving jazz was short and direct. He was born in Bassett, Virginia on November 25, 1939. When he was 2 years old, his mother died and he and his sister went to live with grandparents in neighboring Patrick County. Living a farm life without the benefit of indoor plumbing or electricity did not deter Lew from developing an ear for jazz. He remembers, as a 5-year old, scanning the dial of the old dry-cell battery powered radio in search of jazz and Latin stations and listening to Glen Miller and others playing jazz in the forties. Music was a big part of Lew's childhood. One grandfather played the banjo and the other played the fiddle. He fondly remembers spending summer nights at the tobacco barn with his grandfather and enjoying the impromptu jams as neighbors gathered around with a variety of musical instruments.

When Lew was 9 years old, he and his sister returned to Bassett to live with his father and new stepmother. He remembers entering a talent contest at the at the old Stone Theatre and winning first prize singing with his sister to his dad's jiving rendition of "Rag Mop". Lew often could be found strumming on his father's old Gibson guitar. The first song Lew learned to play was "A Kiss To Build a Dream On." He heard the song in a movie starring Mickey Rooney, remembered it, and went home and played it! He was 14 years old.

When he was 18, Lew began playing guitar with Gene and the Teenbeats (later Teambeats). The group became fairly successful; playing 50's and early 60's music at various venues up and down the east coast including summer beach gigs. During his college years, Lew played with several different rock groups such as Soul Senders and Zany Antics in Richmond, Virginia. He paid his college tuition entirely with gig money. After finishing college in 1965, Lew served a tour of duty in the army in Vietnam. When he returned from Vietnam, Lew played occasionally with his brother, Lonnie, who became an accomplished blues guitarist.

Lew married his wife, Shirley in 1971. Shortly afterward, they moved to rural western Virginia, purchased a farm, renovated an old farmhouse, gardened, tended sheep, worked in public health and education, planted blueberries, and raised a family. During the period from 1972 to 1984, Lew quit playing gigs altogether; placing emphasis instead on his family, farm, and work. In his forties he began playing again. He played with a top forty band, then with a beach band, and after that a blues band...all the time loving jazz and occasionally jamming with other jazz enthusiasts including saxophonist Chip McNeill, who was with the Jazz Studies program at nearby VA TECH at that time.

Finally, in the year 2000, at the beginning of the millennium, at the ripe old age of 60, Lew began playing jazz gigs. Over the years, he has played and/or recorded with well-known musicians, pianist Hod O'Brien, guitarist Royce Campbell, drummer John Bryant, and McNeill.

To date, Lew has recorded 4 Jazz CD's as a leader. His style can best be described as driving and passionate. He cannot read music and plays strictly by ear. Discovering tab chords has enhanced his resolve to evolve! Lew taught himself to play octaves in his early playing days and was blending octaves into his solos before he ever heard of Wes Montgomery. Lew's solos come directly from the heart.

Lew and Shirley live on their farm in the Sinking Creek Valley of Craig County, Virginia. They grow blueberries, tend a garden, hike, canoe, and enjoy the natural beauty of the area. Lew is a runner and regularly enters races around the area. Life is good but Lew is not content without his music. He periodically ventures forth to share his guitar talent with those who appreciate great jazz and care to listen.

To quote friend and renowned guitarist, Royce Campbell: "Lew Woodall is proof that one doesn't need a formal music education to be an accomplished musician. Lew is a talented musician with a great musical ear."
Source:   https://www.lewwoodall.com/

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Biografía
Un camino largo y tortuoso
Lew Woodall recorrió un largo y sinuoso camino antes de encontrar su camino hacia el jazz. Después de haber tocado rock, top forty, beach y blues al principio de su carrera y de haber dejado de tocar por completo durante un periodo de 12 años, ha grabado 4 CD de jazz desde que empezó a dar conciertos de jazz en el año 2000. Sus CDs de 2008 y 2009, Simply Cooking y Simply Cooking II, Second Time Around, han sido producidos y distribuidos por Paolo Piangiarelli de Philology Jazz Records. En estos dos discos, Lew está acompañado por el reconocido pianista de bebop Hod O'Brien, el bajista Tom Harbeck y el baterista Joel Lubliner. En 2006, Lew publicó Texas Trip, que se grabó en Dallas y en el que participaron su viejo amigo John Bryant (antiguo batería de Ray Charles) y el maestro del órgano Hammond B3 de Dallas/Fort Worth, Tommy Young. El primer CD de jazz de Lew, Kiss You Momma, se publicó en 2002. En este álbum, Lew comparte los honores de la guitarra principal con el renombrado guitarrista de jazz Royce Campbell. Les acompañan Matt Kendrick al bajo y Lubliner a la batería.

El camino
El camino de Lew para llegar a tocar jazz puede haber sido sinuoso; pero su camino para amar el jazz fue corto y directo. Nació en Bassett, Virginia, el 25 de noviembre de 1939. Cuando tenía 2 años, su madre murió y él y su hermana se fueron a vivir con los abuelos en el vecino condado de Patrick. Vivir en una granja sin el beneficio de las cañerías interiores o la electricidad no impidió que Lew desarrollara un oído para el jazz. Recuerda que, cuando tenía 5 años, escudriñaba el dial de la vieja radio de pilas secas en busca de emisoras de jazz y latinas y escuchaba a Glen Miller y a otros que tocaban jazz en los años cuarenta. La música fue una parte importante de la infancia de Lew. Un abuelo tocaba el banjo y el otro el violín. Recuerda con cariño las noches de verano que pasaba en el granero de tabaco con su abuelo y cómo disfrutaba de las juergas improvisadas cuando los vecinos se reunían con diversos instrumentos musicales.

Cuando Lew tenía 9 años, él y su hermana volvieron a Bassett a vivir con su padre y su nueva madrastra. Recuerda que se presentó a un concurso de talentos en el antiguo Stone Theatre y que ganó el primer premio cantando con su hermana la interpretación de su padre de "Rag Mop". A menudo se podía encontrar a Lew rasgando la vieja guitarra Gibson de su padre. La primera canción que Lew aprendió a tocar fue "A Kiss To Build a Dream On". Oyó la canción en una película protagonizada por Mickey Rooney, la recordó y fue a casa a tocarla. Tenía 14 años.

A los 18, Lew empezó a tocar la guitarra con Gene y los Teenbeats (más tarde Teambeats). El grupo tuvo bastante éxito, tocando música de los años 50 y principios de los 60 en varios locales de la costa este, incluyendo actuaciones en la playa en verano. Durante sus años de universidad, Lew tocó con varios grupos de rock como Soul Senders y Zany Antics en Richmond, Virginia. Pagó la matrícula de la universidad íntegramente con el dinero de los conciertos. Después de terminar la universidad en 1965, Lew sirvió en el ejército en Vietnam. Cuando regresó de Vietnam, Lew tocó ocasionalmente con su hermano, Lonnie, que se convirtió en un consumado guitarrista de blues.

Lew se casó con su mujer, Shirley, en 1971. Poco después, se trasladaron a la zona rural del oeste de Virginia, compraron una granja, renovaron una antigua casa de campo, cultivaron un jardín, cuidaron ovejas, trabajaron en la sanidad pública y la educación, plantaron arándanos y formaron una familia. Entre 1972 y 1984, Lew dejó de tocar y se centró en su familia, su granja y su trabajo. A los cuarenta años volvió a tocar. Tocó con una banda de los cuarenta principales, luego con una banda de playa, y después con una banda de blues... todo el tiempo amando el jazz y ocasionalmente improvisando con otros entusiastas del jazz, incluyendo el saxofonista Chip McNeill, que estaba con el programa de Estudios de Jazz en la cercana VA TECH en ese momento.

Finalmente, en el año 2000, a principios del milenio, a la avanzada edad de 60 años, Lew comenzó a tocar en conciertos de jazz. A lo largo de los años, ha tocado y/o grabado con músicos conocidos, el pianista Hod O'Brien, el guitarrista Royce Campbell, el baterista John Bryant y McNeill.

Hasta la fecha, Lew ha grabado 4 CD de jazz como líder. Su estilo puede describirse como impulsivo y apasionado. No sabe leer música y toca estrictamente de oído. El descubrimiento de los acordes en el tabulador ha mejorado su decisión de evolucionar. Lew aprendió a tocar octavas por sí mismo en sus primeros días como músico y mezclaba octavas en sus solos antes de escuchar a Wes Montgomery. Los solos de Lew salen directamente del corazón.

Lew y Shirley viven en su granja en el valle de Sinking Creek del condado de Craig, Virginia. Cultivan arándanos, cuidan un jardín, hacen senderismo, practican piragüismo y disfrutan de la belleza natural de la zona. Lew es corredor y participa regularmente en carreras por la zona. La vida es buena, pero Lew no se conforma con su música. Periódicamente se aventura a compartir su talento con la guitarra con aquellos que aprecian el gran jazz y se preocupan por escuchar.

Citando a su amigo y renombrado guitarrista, Royce Campbell: "Lew Woodall es la prueba de que uno no necesita una educación musical formal para ser un músico consumado. Lew es un músico con talento y un gran oído musical".
Fuente: https://www.lewwoodall.com/


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Memphis Slim • Beer Drinkin Woman

 
 
Biography by Bill Dahl
An amazingly prolific artist who brought a brisk air of urban sophistication to his frequently stunning presentation, John "Peter" Chatman -- better known as Memphis Slim -- assuredly ranks with the greatest blues pianists of all time. He was smart enough to take Big Bill Broonzy's early advice about developing a style to call his own to heart, instead of imitating that of his idol, Roosevelt Sykes. Soon enough, other 88s pounders were copying Slim rather than the other way around; his thundering ivories attack set him apart from most of his contemporaries, while his deeply burnished voice possessed a commanding authority.

As befits his stage name, John "Peter" Chatman was born and raised in Memphis; a great place to commit to a career as a bluesman. Sometime in the late '30s, he resettled in Chicago and began recording as a leader in 1939 for OKeh, then switched over to Bluebird the next year. Around the same time, Slim joined forces with Broonzy, then the dominant force on the local blues scene. After serving as Broonzy's invaluable accompanist for a few years, Slim emerged as his own man in 1944.

After the close of World War II, Slim joined Hy-Tone Records, cutting eight tracks that were later picked up by King. Lee Egalnick's Miracle label reeled in the pianist in 1947; backed by his jumping band, the House Rockers (its members usually included saxists Alex Atkins and Ernest Cotton), Slim recorded his classic "Lend Me Your Love" and "Rockin' the House." The next year brought the landmark "Nobody Loves Me" (better known via subsequent covers by Lowell Fulson, Joe Williams, and B.B. King as "Everyday I Have the Blues") and the heartbroken "Messin' Around (With the Blues)."

The pianist kept on label-hopping, moving from Miracle to Peacock to Premium (where he waxed the first version of his uncommonly wise down-tempo blues "Mother Earth") to Chess to Mercury before staying put at Chicago's United Records from 1952 to 1954. This was a particularly fertile period for the pianist; he recruited his first permanent guitarist, the estimable Matt Murphy, who added some serious fret fire to "The Come Back," "Sassy Mae," and "Memphis Slim U.S.A."

Before the decade was through, the pianist landed at Vee-Jay Records, where he cut definitive versions of his best-known songs with Murphy and a stellar combo in gorgeously sympathetic support (Murphy was nothing short of spectacular throughout).

Slim exhibited his perpetually independent mindset by leaving the country for good in 1962. A tour of Europe in partnership with bassist Willie Dixon a couple of years earlier had so intrigued the pianist that he permanently moved to Paris, where recording and touring possibilities seemed limitless and the veteran pianist was treated with the respect too often denied even African-American blues stars at home back then. He remained there until his 1988 death, enjoying his stature as expatriate blues royalty.
https://www.allmusic.com/artist/memphis-slim-mn0000421122/biography

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Biografía de Bill Dahl
Un artista increíblemente prolífico que trajo un aire de sofisticación urbana a su presentación frecuentemente impresionante, John "Peter" Chatman -más conocido como Memphis Slim- seguramente se encuentra entre los mejores pianistas de blues de todos los tiempos. Fue lo suficientemente inteligente como para seguir los primeros consejos de Big Bill Broonzy sobre el desarrollo de un estilo para llamar a los suyos propios, en lugar de imitar al de su ídolo, Roosevelt Sykes. Muy pronto, otros de 88 libras copiaron a Slim en lugar de hacerlo al revés; su estruendoso ataque de marfiles lo separó de la mayoría de sus contemporáneos, mientras que su voz profundamente bruñida poseía una autoridad dominante.

Como corresponde a su nombre artístico, John "Peter" Chatman nació y creció en Memphis; un gran lugar para comprometerse a una carrera como bluesista. A finales de los años 30, se reubicó en Chicago y comenzó a grabar como líder en 1939 para OKeh, para luego cambiar a Bluebird al año siguiente. Más o menos al mismo tiempo, Slim unió fuerzas con Broonzy, que entonces era la fuerza dominante en la escena blues local. Después de servir como el inestimable acompañante de Broonzy durante unos años, Slim emergió como su propio hombre en 1944.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, Slim se unió a Hy-Tone Records, cortando ocho temas que luego fueron recogidos por King. El sello Milagro de Lee Egalnick se hizo con el sello del pianista en 1947; respaldado por su banda de saltos, The House Rockers (entre sus miembros se encontraban los saxos Alex Atkins y Ernest Cotton), Slim grabó sus clásicos "Lend Me Your Love" y "Rockin' the House". El año siguiente trajo el hito "Nobody Loves Me" (más conocido por las siguientes portadas de Lowell Fulson, Joe Williams y B.B. King como "Everyday I Have the Blues") y el desolado "Messin' Around (With the Blues)" (Messin' Around (With the Blues)).

El pianista se mantuvo en la etiqueta-hopping, pasando de Miracle a Peacock a Premium (donde enceró la primera versión de su inusualmente sabia blues de down-tempo "Mother Earth") a Chess to Mercury antes de quedarse en el Chicago's United Records desde 1952 hasta 1954. Este fue un período particularmente fértil para el pianista; reclutó a su primer guitarrista permanente, el estimable Matt Murphy, quien agregó un poco de grave preocupación a "The Come Back", "Sassy Mae" y "Memphis Slim U.S.A.".

Antes de que terminara la década, el pianista llegó a Vee-Jay Records, donde cortó versiones definitivas de sus canciones más conocidas con Murphy y un combo estelar con un magnífico apoyo simpático (Murphy fue nada menos que espectacular en todo momento).

Slim exhibió su mentalidad perpetuamente independiente al dejar el país para siempre en 1962. Una gira por Europa en asociación con el bajista Willie Dixon un par de años antes había intrigado tanto al pianista que se mudó permanentemente a París, donde las posibilidades de grabación y gira parecían ilimitadas y el veterano pianista fue tratado con el respeto que se le negaba con demasiada frecuencia, incluso a las estrellas del blues afroestadounidense en casa en ese entonces. Permaneció allí hasta su muerte en 1988, disfrutando de su estatura como expatriado de la realeza del blues.
https://www.allmusic.com/artist/memphis-slim-mn0000421122/biography

 
 

Tom Conway • Hot Gypsy Nights



Tom Conway is the guitarist in the gypsy jazz group 'Gypsy Pacific' which is based in Maui, Hawaii and this is his first release under his own name. This record is a collection of some of Tom's favorite tunes in the gypsy jazz style and features compositions by Django Reinhardt, Titi Winterstein, Romane and others.

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Tom Conway es el guitarrista del grupo de jazz gitano 'Gypsy Pacific', con base en Maui, Hawai, y este es su primer lanzamiento bajo su propio nombre. Este disco es una recopilación de algunas de las canciones favoritas de Tom en estilo gitano de jazz y presenta composiciones de Django Reinhardt, Titi Winterstein, Romane y otros.


Paco de Lucía y familia. El plan maestro

 

 


Este libro pretende ser una historia contemporánea del flamenco tal y como la ha vivido una familia extraordinaria, empezando por el padre, Antonio, guitarrista festero, continuando con el arte cada vez más sofisticado de sus hijos mayores, y culminando con el embrujo del benjamín, Paco de Lucía.

Observaremos como Antonio padre fue desarrollando su Plan Maestro, un plan que está teniendo el efecto de modificar el curso del flamenco incluso cuando estas lineas llegan al lector.
En la narración tendremos oportunidad de observar los enormes cambios sufridos por el flamenco en su arte y estilo de vida durante este siglo, de investigar algo sobre sus causas, y de ser testigos de sus efectos.