Joe Zawinul • Money In The Pocket

 

Review from All About Jazz (by Chris May):
Recorded in late 1965, while keyboard player Joe Zawinul was still a member of saxophonist Cannonball Adderley's band, Money In The Pocket is a remarkable album -- remarkable in that it gives absolutely no hint of the shape shifts that would transform Zawinul's work a few years later. The first of three albums he recorded for Atlantic, it's a conventional mix of mid-1960s hard bop and soul jazz. "Money In The Pocket" itself, one of three Zawinul originals, made with tenor saxophonist Clifford Jordan and trumpeter Blue Mitchell, is classic Blue Note hard bop in everything but record label. Four other tracks recorded with a three-horn frontline -- tenor saxophonist Joe Henderson, baritone saxophonist Pepper Adams and Mitchell, with bassist Sam Jones and drummer Louis Hayes from the Adderley band -- take in bop and soul jazz. Jones' "Some More Of Dat" is a dead ringer for contemporaneous Adderley or pianist Horace Silver. All these tracks are good, but even by the standards of the time they are pretty ordinary. Zawinul's modal-flavored "Riverbed," though hardly radical, is the disc's most singular composition. There are, however, two ballad readings of note: "My One And Only Love" performed solo by Zawinul, and "Sharon's Waltz" with Jones and Hayes -- lyrical and just the right side of rococo, Zawinul's solos are delightful. Reissued as part of Warner Jazz's Atlantic Masters series, it isn't to be confused with the Adderley band's album of the same title.
https://www.allaboutjazz.com/money-in-the-pocket-joe-zawinul-review-by-chris-may

///////

Resena de All About Jazz (por Chris May):
Grabado a fines de 1965, mientras el pianista Joe Zawinul era todavia miembro del grupo del saxofonista Cannonball Adderley, Money In The Pocket es un album notable -- notable porque no da absolutamente ninguna pista de las transformaciones que cambiarian el trabajo de Zawinul pocos anos despues. El primero de tres albums que grabo para Atlantic, es una mezcla convencional de hard bop y soul jazz de mediados de los sesenta. El propio "Money In The Pocket", uno de los tres originales de Zawinul, realizado con el saxofonista tenor Clifford Jordan y el trompetista Blue Mitchell, es hard bop clasico al estilo Blue Note en todo menos en el sello discografico. Cuatro tracks mas grabados con una primera linea de tres cuernos -- el saxofonista tenor Joe Henderson, el saxofonista baritono Pepper Adams y Mitchell, con el bajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes de la banda de Adderley -- transitan por el bop y el soul jazz. "Some More Of Dat" de Jones es casi indistinguible del Adderley o el pianista Horace Silver contemporaneos. Todos estos temas son buenos, aunque incluso para los estandares de la epoca resultan bastante ordinarios. El "Riverbed" de Zawinul, con sabor modal aunque no especialmente radical, es la composicion mas singular del disco. Sin embargo, hay dos lecturas de baladas notables: "My One And Only Love" interpretada en solitario por Zawinul, y "Sharon's Waltz" con Jones y Hayes -- liricas y justas en su preciosismo, las improvisaciones de Zawinul son deliciosas. Reeditado como parte de la serie Atlantic Masters de Warner Jazz, no debe confundirse con el album homonimo de la banda de Adderley.
https://www.allaboutjazz.com/money-in-the-pocket-joe-zawinul-review-by-chris-may

Bill Doggett • Hot Doggett

Biography

With his instrumental hit "Honky Tonk" in February 1956, Bill Doggett (born William Ballard Doggett) created one of rock's greatest instrumental tracks. Although it generated scores of offers to perform in rock & roll clubs throughout the United States, Doggett remained tied to the jazz and organ-based R&B that he had performed since the 1930s. Continuing to record for the Cincinnati-based King label until 1960, he went on to record for Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount and Sue. His last session came as a member and producer of an all-star jazz/R&B group, Bluesiana Hurricane in 1995. Born on the north side of Philadelphia, Doggett struggled with poverty as a youngster. Although he initially dreamed of playing the trumpet, his family was unable to afford lessons. Persuaded by his mother (a church pianist), to try keyboards instead, he quickly mastered the instrument. Hailed as a child prodigy by his 13th birthday, he formed his first band, the Five Majors, at the age of 15. Performing with the Jimmy Gorman Band, the pit orchestra at the Nixon Grand Theater, while still in high school, Doggett assumed leadership of the group in 1938. The experience was brief, however, as Doggett sold the orchestra to Lucky Millinder, with whom he continued to work off and on for the next four years. He made his recording debut on Millinder's tracks, "Little Old Lady From Baltimore" and "All Aboard" in 1939. Although he formed a short-lived orchestra with Benny Goodman's arranger, Jimmy Mundy, in late 1939, Doggett continued to work primarily as a sideman. Playing piano and arranging for the Ink Spots from 1942 until 1944, he went on to arrange tunes for Count Basie's band and tour and/or record with Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald and Lionel Hampton. Replacing Wild Bill Davis in Louis Jordan's band, in 1947, he appeared on the influential tunes, "Saturday Night Fish Fry" and "Blue Light Boogie." He made his debut as an organist during June 1951 recording sessions with Ella Fitzgerald. Debuting his own organ-led combo at New York nightclub, the Baby Grand, in June 1952, Doggett recorded more than a dozen singles before striking gold with "Honky Tonk" four years later. A longtime resident of Long Island, New York, Doggett died on November 13, 1996, three days after suffering a heart attack. ~ Craig Harris

///////

Biografía

Con su éxito instrumental "Honky Tonk" en febrero de 1956, Bill Doggett (nacido William Ballard Doggett) creó uno de los temas instrumentales más grandes del rock. Aunque generó decenas de ofertas para tocar en clubes de rock & roll de todo Estados Unidos, Doggett permaneció vinculado al jazz y al R&B basado en el órgano que había tocado desde la década de 1930. Continuó grabando para el sello King, con sede en Cincinnati, hasta 1960, y luego para Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount y Sue. Su última sesión fue como miembro y productor de un grupo de jazz/R&B de estrellas, Bluesiana Hurricane en 1995. Nacido en el norte de Filadelfia, Doggett luchó contra la pobreza de joven. Aunque al principio soñaba con tocar la trompeta, su familia no podía permitirse clases. Persuadido por su madre (una pianista de la iglesia), para probar los teclados en su lugar, rápidamente dominó el instrumento. Aclamado como un niño prodigio cuando cumplió 13 años, formó su primera banda, los Five Majors, a la edad de 15 años. Actuando con la Jimmy Gorman Band, la orquesta del Nixon Grand Theater, Doggett asumió el liderazgo del grupo en 1938 cuando aún estaba en la escuela secundaria. La experiencia fue breve, sin embargo, ya que Doggett vendió la orquesta a Lucky Millinder, con quien continuó trabajando de vez en cuando durante los siguientes cuatro años. Hizo su debut discográfico en los temas de Millinder, "Little Old Lady From Baltimore" y "All Aboard" en 1939. Aunque a finales de 1939 formó una orquesta de corta duración con el arreglista de Benny Goodman, Jimmy Mundy, Doggett continuó trabajando principalmente como sideman. Tocando el piano y arreglando los Ink Spots desde 1942 hasta 1944, arregló temas para la banda de Count Basie y realizó giras y/o grabaciones con Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald y Lionel Hampton. Reemplazando a Wild Bill Davis en la banda de Louis Jordan, en 1947, apareció en los influyentes temas "Saturday Night Fish Fry" y "Blue Light Boogie". Debutó como organista en junio de 1951 con Ella Fitzgerald. Debutando su propio combo dirigido por órgano en el club nocturno de Nueva York, el Baby Grand, en junio de 1952, Doggett grabó más de una docena de singles antes de conseguir el oro con "Honky Tonk" cuatro años más tarde. Residente de Long Island, Nueva York, Doggett murió el 13 de noviembre de 1996, tres días después de sufrir un ataque cardíaco. ~ Craig Harris

Gary Smulyan Quartet • Royalty at Le Duc

 

Review from DownBeat Magazine:
Recorded live at the Paris jazz club Le Duc des Lombards during baritone saxophonist Gary Smulyan's fall 2015 European tour, this highly recommended album features today's top bari sax practitioner stretching way out on long, adventurous bebop solos and wailing tenderly over slow progressions in a quartet session that features the fine rhythm section of French pianist Olivier Hutman, Italian bassist Michel Rosciglione and Austrian drummer Bernd Reiter. Smulyan, who topped the Baritone Saxophone category of the 2016 DownBeat Critics Poll, demonstrates why he's regarded as the beboppingest bari player to come along since Pepper Adams.
https://downbeat.com/reviews/detail/royalty-at-le-duc

///////

Reseña de la revista DownBeat:
Grabado en vivo en el club de jazz parisino Le Duc des Lombards durante la gira europea de otoño de 2015 del saxofonista barítono Gary Smulyan, este álbum muy recomendado presenta al mejor practicante actual del saxo barítono extendiéndose en largos y aventureros solos de bebop y lamentándose tiernamente sobre progresiones lentas en una sesión de cuarteto que cuenta con la excelente sección rítmica del pianista francés Olivier Hutman, el bajista italiano Michel Rosciglione y el baterista austriaco Bernd Reiter. Smulyan, quien encabezó la categoría de Saxofón Barítono en la Encuesta de Críticos de DownBeat 2016, demuestra por qué es considerado el intérprete de barítono más bebop que ha surgido desde Pepper Adams.
https://downbeat.com/reviews/detail/royalty-at-le-duc

Muggsy Spanier • Chicago Jazz

 

Description from The Syncopated Times:
Cornetist Muggsy Spanier was one of the most consistent of all jazz musicians. While sometimes called "Chicago style," in reality he was a masterful and always-enthusiastic Dixieland player. His solos were mostly predictable, but it did not matter because he played with such power, authority, and sincerity that he uplifted every ensemble in which he took part. His playing never became tired or uninspired.

///////

Descripción de The Syncopated Times:
El cornetista Muggsy Spanier fue uno de los músicos de jazz más consistentes de todos. Si bien a veces se lo llamó "estilo Chicago", en realidad fue un magistral y siempre entusiasta músico de Dixieland. Sus solos eran en su mayoría predecibles, pero no importaba porque tocaba con tal poder, autoridad y sinceridad que elevaba cada conjunto en el que participaba. Su interpretación nunca se volvió cansada o sin inspiración.

Jay McShann • Jumpin' The Blues

 

 Biography by Scott Yanow
The great veteran pianist Jay McShann (also known as Hootie) enjoyed a long career and it is unfair to primarily think of him as merely the leader of an orchestra that featured a young Charlie Parker. He was mostly self-taught as a pianist, worked with Don Byas as early as 1931 and played throughout the Midwest before settling in Kansas City in 1936. McShann formed his own sextet the following year and by 1939 had his own big band. In 1940 at a radio station in Wichita, KS, McShann and an octet out of his orchestra recorded eight songs that were not released commercially until the 1970s; those rank among the earliest of all Charlie Parker records (he is brilliant on "Honeysuckle Rose" and "Lady Be Good") and also feature the strong rhythm section team McShann had with bassist Gene Ramey and drummer Gus Johnson. The full orchestra recorded for Decca on two occasions during 1941-1942 but they were typecast as a blues band and did not get to record many of their more challenging charts (although very rare broadcasts have since surfaced and been released on CD by Vintage Jazz Classics). In addition to Bird (who had a few short solos), the main stars were trumpeter Bernard Anderson, the rhythm section, and singer Walter Brown. McShann and his band arrived in New York in February 1942 and made a strong impression, but World War II made it difficult for any new orchestras to catch on. There was a final session in December 1943 without Parker, but McShann was soon drafted and the band broke up. After being discharged later in 1944, McShann briefly re-formed his group but soon moved to Los Angeles, where he led combos for the next few years; his main attraction was the young singer Jimmy Witherspoon.

McShann was in obscurity for the next two decades, making few records and mostly playing in Kansas City. In 1969 he was rediscovered and McShann (who had first sung on records in 1966) was soon a popular pianist/vocalist. Sometimes featuring violinist Claude Williams, he toured constantly, recorded frequently, and appeared at many jazz festivals, being active into the mid-'90s. Jay McShann, who recorded through the years for Onyx (the 1940 radio transcriptions), Decca, Capitol, Aladdin, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime, and Music Masters among others, was a vital pianist and an effective blues vocalist who keept a classic style alive. A live album, Hootie Blues, recorded in 2001 in Toronto and released in 2006 by Stony Plain, showed that McShann could still bring it at the age of 85. He died at the age of 90 on December 7, 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

///////

Biografía de Scott Yanow
El gran pianista veterano Jay McShann (también conocido como Hootie) disfrutó de una larga carrera y es injusto pensar en él principalmente como un simple líder de una orquesta en la que figuraba un joven Charlie Parker. Fue en su mayoría autodidacta como pianista, trabajó con Don Byas ya en 1931 y tocó en todo el Medio Oeste antes de establecerse en Kansas City en 1936. McShann formó su propio sexteto al año siguiente y en 1939 tenía su propia big band. En 1940, en una estación de radio de Wichita, KS, McShann y un octeto de su orquesta grabaron ocho canciones que no se publicaron comercialmente hasta la década de 1970; éstas se encuentran entre los primeros discos de Charlie Parker (es brillante en "Honeysuckle Rose" y "Lady Be Good") y también cuentan con el fuerte equipo de la sección rítmica que McShann tenía con el bajista Gene Ramey y el baterista Gus Johnson. La orquesta completa grabó para Decca en dos ocasiones durante 1941-1942, pero fueron encasillados como una banda de blues y no llegaron a grabar muchas de sus listas de éxitos más desafiantes (aunque desde entonces han surgido emisiones muy raras y han sido editadas en CD por Vintage Jazz Classics). Además de Bird (que tuvo algunos solos cortos), las principales estrellas fueron el trompetista Bernard Anderson, la sección rítmica, y el cantante Walter Brown. McShann y su banda llegaron a Nueva York en febrero de 1942 y causaron una gran impresión, pero la Segunda Guerra Mundial hizo difícil que las nuevas orquestas se pusieran de moda. Hubo una sesión final en diciembre de 1943 sin Parker, pero McShann pronto fue reclutado y la banda se separó. Después de ser dado de baja a finales de 1944, McShann volvió a formar brevemente su grupo, pero pronto se trasladó a Los Ángeles, donde dirigió los combos durante los siguientes años; su principal atracción era el joven cantante Jimmy Witherspoon.

McShann estuvo en la oscuridad durante las dos décadas siguientes, haciendo pocos discos y tocando principalmente en Kansas City. En 1969 fue redescubierto y McShann (que había cantado por primera vez en discos en 1966) pronto fue un pianista/vocalista popular. A veces con el violinista Claude Williams, hacía giras constantemente, grababa con frecuencia y se presentaba en muchos festivales de jazz, estando activo hasta mediados de los 90. Jay McShann, que grabó a lo largo de los años para Onyx (las transcripciones de radio de 1940), Decca, Capitol, Aladino, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime y Music Masters entre otros, fue un pianista vital y un eficaz vocalista de blues que mantiene vivo un estilo clásico. Un álbum en vivo, Hootie Blues, grabado en 2001 en Toronto y publicado en 2006 por Stony Plain, demostró que McShann todavía podía llevarlo a la edad de 85 años. Murió a la edad de 90 años el 7 de diciembre de 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

 

The White Blinds • Get To Steppin'

 

Led by drummer Michael Duffy. Emerging from the tight-knit Los Angeles Funk and Soul community, The White Blinds is one of the newest true Organ Trios to carry the torch of instrumental music in the city of Angels. The White Blinds pay homage to the classic soul jazz sound of the 60's and 70's with a splash of New Orleans groove and Afro-Funk overtones.
https://www.thewhiteblinds.com/about

 

///////

 

Dirigido por el baterista Michael Duffy. Surgiendo de la unida comunidad Funk y Soul de Los Ángeles, The White Blinds es uno de los Tríos de Órgano verdaderos más nuevos en llevar la antorcha de la música instrumental en la ciudad de los Ángeles. Las persianas Blancas rinden homenaje al clásico sonido soul jazz de los años 60 y 70 con un toque de ritmo de Nueva Orleans y matices afro-Funk.
https://www.thewhiteblinds.com/about



www.thewhiteblinds.com ...

  

Colaborador / Contributor:  Mich58

Black Market Audio • Autorama

 

  

Kai Winding • Solo

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Trombonist Kai Winding is not here featured on unaccompanied solos despite the title of this album, but it does showcase his horn without the usual three or four trombones that he regularly used during the period. ...this is one of Winding's best (and least commercial) recordings of the 1960s.
https://www.allmusic.com/album/kai-winding-solo-mw0000878768

///////

Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
El trombonista Kai Winding no está aquí presentado en solos sin acompañamiento a pesar del título de este álbum, pero sí muestra su instrumento sin los habituales tres o cuatro trombones que usaba regularmente durante el período. ...esta es una de las mejores (y menos comerciales) grabaciones de Winding de la década de 1960.
https://www.allmusic.com/album/kai-winding-solo-mw0000878768

Billy Larkin & The Delegates • Pigmy

Organist Billy Larkin and The Delegates immediately came to the attention of the Los Angeles jazz audience when their first record was released, but they also picked up a larger audience when the teenagers discovered they could dance to it. Just as Ramsey Lewis, they had an appeal that far exceeded just the jazz listener.

Basically a jazz trio with heavy emphasis on the blues, Billy Larkin and The Delegates was a versatile and dynamic group that reached into all corners of music to come up with a style and an approach that is both fresh and distinctive.

///////

El organista Billy Larkin y The Delegates llamaron inmediatamente la atención del público de jazz de Los Ángeles cuando salió su primer disco, pero también captaron un público más numeroso cuando los adolescentes descubrieron que podían bailarlo. Al igual que Ramsey Lewis, tenían un atractivo que superaba con creces al oyente de jazz.

Básicamente un trío de jazz con gran énfasis en el blues, Billy Larkin y The Delegates fue un grupo versátil y dinámico que llegó a todos los rincones de la música para crear un estilo y un enfoque que es a la vez fresco y distintivo.

Juan Amalbert's Latin Jazz Quintet • Hot Sauce

Abdul-Rahim, Emmanuel (Juan Amalbert) (b. 1934)

Maestro percusionista e ingeniero de grabación; Hijo de Annie Swinton Johnson y Juan Amalbert, su madre era parte del monte. Agradable (SC), al este de las familias del río Cooper de Swintons y Ascues - su padre era puertorriqueño; Nacido Emmanuel Amalbert, Abdul-Rahim más tarde comenzó a grabar bajo el nombre de su padre, Juan Amalbert, en reverencia a él; Creció y vivió en Nueva York y Copenhague, y recientemente se ha vuelto a conectar con su casa "ancestral" (Charleston);

Tocó con la Duke Ellington Orchestra y grabó "Jaywalker" con el grupo destacando su exquisito juego africano rítmico en los tambores de conga; También interpretó a Sarah Vaughan (su modelo a seguir), Josephine Baker, Aretha Franklin, Ahmad Jamal, Nancy Wilson, Art Blakey y los Jazz Messengers, la Orquesta Thad Jones y bandas dirigidas por James Moody y John Coltrane; Percusionista para Katherine Dunham; Ha producido o dirigido grabaciones para James Moody, Clark Terry, Eric Dolphy y Jimmy Cliff; Abandonó los Estados Unidos en 1956 y recorrió Europa, África y Asia; Su quinteto de jazz latino basado en Copenhague oscila con los ritmos clave Yambu y Yoruba.

http://chumanceralatinjazz.blogspot.com/2017/01/juan-amalberts-latin-jazz-quintet-chant.html

 

///////

 

Abdul-Rahim, Emmanuel (John Amalbert) (b. 1934)

Master percussionist and recording engineer; son of Annie Swinton Johnson and Juan Amalbert, his mother was part of the mountain. Agradable (SC), east of the Cooper River families of Swintons and Ascues - his father was Puerto Rican; Born Emmanuel Amalbert, Abdul-Rahim later began recording under the name of his father, Juan Amalbert, in reverence to him; He grew up and lived in New York and Copenhagen, and has recently reconnected with his "ancestral" home (Charleston);

He played with the Duke Ellington Orchestra and recorded "Jaywalker" with the group highlighting their exquisite African rhythmic play on conga drums; he also played Sarah Vaughan (his role model), Josephine Baker, Aretha Franklin, Ahmad Jamal, Nancy Wilson, Art Blakey and the Jazz Messengers, the Thad Jones Orchestra and bands led by James Moody and John Coltrane; Percussionist for Katherine Dunham; Produced or directed recordings for James Moody, Clark Terry, Eric Dolphy and Jimmy Cliff; left the United States in 1956 and toured Europe, Africa and Asia; His Latin jazz quintet based in Copenhagen oscillates with the key rhythms Yambu and Yoruba.

http://chumanceralatinjazz.blogspot.com/2017/01/juan-amalberts-latin-jazz-quintet-chant.html

 

Teddy Edwards • It's All Right!

 

Organ Explosion • Organ Explosion

Keyboard wizard Hansi Enzensperger and his colleagues Ludwig Kloeckner (bass) and Manfred Mildenberger (drums) locked themselves in a studio for three months with a Hammond organ, electric bass, and a Ludwig drum set with Rhodes, Clavinet, Space Echo, and Wurlitzer. In other words: with all the vintage treasures they could lay their hands on!

A rousing debut album that blasts the 70s sound aesthetic into today musical landscape.

Melodies for millions, with the sex of funk, the dirt of the blues, a punk attitude, and the freedom of jazz.

///////

El mago del teclado Hansi Enzensperger y sus colegas Ludwig Kloeckner (bajo) y Manfred Mildenberger (batería) se encerraron en un estudio durante tres meses con un órgano Hammond, un bajo eléctrico y una batería Ludwig con Rhodes, Clavinet, Space Echo y Wurlitzer. En otras palabras: ¡con todos los tesoros antiguos que pudieron conseguir!

Un álbum de debut apasionante que lleva la estética sonora de los 70 al panorama musical actual.

Melodías para millones, con el sexo del funk, la suciedad del blues, una actitud punk, y la libertad del jazz. 

 

 

 

 

 

Booker Ervin • Exultation!

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow) - 4 Stars:
Booker Ervin's debut for Prestige (which has been reissued on CD with two shorter alternate takes added) matches the intense tenor with altoist Frank Strozier, pianist Horace Parlan, bassist Butch Warren and drummer Walter Perkins for some bop-based music that is actually quite adventurous. Highlights include "Mour" (based on "Four"), "Black and Blue" and Ervin's "Mooche Mooche." Ervin and Strozier made a mutually inspiring team; pity that this was their only recording together.
https://www.allmusic.com/album/exultation!-mw0000644704

///////

Reseña de AllMusic (por Scott Yanow) - 4 Estrellas:
El debut de Booker Ervin para Prestige (que ha sido reeditado en CD con dos tomas alternas más cortas añadidas) empareja al intenso tenor con el altista Frank Strozier, el pianista Horace Parlan, el bajista Butch Warren y el baterista Walter Perkins para algo de música basada en bebop que es en realidad bastante aventurera. Los aspectos destacados incluyen "Mour" (basado en "Four"), "Black and Blue" y "Mooche Mooche" de Ervin. Ervin y Strozier formaron un equipo mutuamente inspirador; lástima que esta fuera su única grabación juntos.
https://www.allmusic.com/album/exultation!-mw0000644704

Morris Nanton • Something We've Got

Born in Perth Amboy and lived there all his life. He served his country with honor in the U.S. Armed Forces with the 5th Army Division Band during the Korean War. He graduated from Perth Amboy High School and Juilliard Conservatory of Music in New York after attending on full scholarship. Known throughout the metropolitan area, The Morris Nanton Trio performed for over 50 years; 53 of those years together with bassist extraordinaire, Norman Edge. They completed an unprecedented 22-year stand at the Cove in Roselle, where such jazz greats as Rashan Roland Kirk, Don Elliott, Sal Nestico, Babs Gonzalez, and Joe Morello shared the spotlight with the group. They have performed at numerous jazz festivals and universities, sharing the stage with the Count Basie Orchestra and Tito Puente. They have accompanied vocalists Jack Jones, Mel Torme, Nel Carter, and Barbara Streisand, to name a few. Their recordings include "Flower Drum Song," "Roberta," and "The First Jazz Piano Trio" on the Warner Bros. label; "Ray Ellis Orchestra and Chorus," "Big Big Voice of Lovelace Watkins" on the MGM label, and "Something We've Got," "Preface," and "Soul Fingers" on the Prestige label. Their most recent recording on CD is "A Christmas Present." They have performed privately for Walter Cronkite, Eileen Ford, Architect Robert Moses, The New York Giants, and the Los Angeles engagement party and New York wedding of Marvin Hamlisch. Their recording of "Ja Da" was the first music to be heard on outer space, as the recording came over Apollo's radio during the first orbit around the Earth. Morris Nanton was inducted into the Perth Amboy High School Hall of Fame in March 2001, "as one of the School's most illustrious graduates and acknowledges his exemplary history of service, leadership and many meritorious accomplishments." The New York Times covered the Trio's performance at Shanghai Jazz in May 2008, showering their performance with accolades in an article entitled, "Jazz Survivors." The Morris Nanton Trio has been performing at Shanghai Jazz in Madison up to and as recently as September 2009, and as a soloist at the Quay in Sea Bright on Sundays. Morris' last performance was Sunday, Sept. 27, 2009, the day before his 80th birthday.

Extract from obituary.

https://obits.nj.com/obituaries/starledger/obituary.aspx?n=morris-nanton&pid=136066742

 

///////

 

Nació en Perth Amboy y vivió allí toda su vida.  Sirvió a su país con honor en las Fuerzas Armadas de EE.UU. con la Banda de la 5ª División del Ejército durante la Guerra de Corea. Se graduó de la Escuela Secundaria de Perth Amboy y del Conservatorio de Música de Juilliard en Nueva York después de asistir con una beca completa. Conocido en toda el área metropolitana, The Morris Nanton Trio actuó durante más de 50 años; 53 de esos años junto con el extraordinario bajista Norman Edge. Completaron un stand sin precedentes de 22 años en la Cala en Roselle, donde grandes figuras del jazz como Rashan Roland Kirk, Don Elliott, Sal Nestico, Babs Gonzalez y Joe Morello compartieron el escenario con el grupo. Han actuado en numerosos festivales de jazz y universidades, compartiendo escenario con la Orquesta de Count Basie y Tito Puente. Han acompañado a los vocalistas Jack Jones, Mel Torme, Nel Carter, y Barbara Streisand, por nombrar algunos. Sus grabaciones incluyen "Flower Drum Song", "Roberta" y "The First Jazz Piano Trio" en el sello Warner Bros.; "Ray Ellis Orchestra and Chorus", "Big Big Voice of Lovelace Watkins" en el sello MGM, y "Something We've Got", "Preface" y "Soul Fingers" en el sello Prestige. Su más reciente grabación en CD es "A Christmas Present". Han actuado en privado para Walter Cronkite, Eileen Ford, el arquitecto Robert Moses, los New York Giants, y la fiesta de compromiso de Los Angeles y la boda de Marvin Hamlisch en Nueva York. Su grabación de "Ja Da" fue la primera música que se escuchó en el espacio exterior, ya que la grabación llegó a la radio de Apolo durante la primera órbita alrededor de la Tierra. Morris Nanton fue admitido en el Salón de la Fama de la Escuela Secundaria de Perth Amboy en marzo de 2001, "como uno de los graduados más ilustres de la Escuela y reconoce su ejemplar historia de servicio, liderazgo y muchos logros meritorios". El New York Times cubrió la actuación del Trío en el Shanghai Jazz en mayo de 2008, colmando su actuación de elogios en un artículo titulado "Supervivientes del Jazz". El Morris Nanton Trio ha estado actuando en el Shanghai Jazz en Madison hasta septiembre de 2009, y como solista en el muelle de Sea Bright los domingos. La última actuación de Morris fue el domingo 27 de septiembre de 2009, el día antes de su 80 cumpleaños.

Extracto del obituario.

https://obits.nj.com/obituaries/starledger/obituary.aspx?n=morris-nanton&pid=136066742

 

David Gold • KMP 1000 Series Big City Suite Jingle Jangle Jingles

 

Captain Hammond • The Origin of Captain Hammond

Editorial Reviews

More than a group, Captain Hammond is an audio-visual concept featuring the Hammond Organ Power Trio's rocking instrumental Hammond sounds accompanied by the cosmic comic book exploits of half man - half organ, and all hero, Captain Hammond! Heavy, blistering, organic rock; gospel; 60's rhythm and blues; a hint of down-home funk and a cosmos worth of soul!

///////

Reseñas editoriales

Más que un grupo, el Capitán Hammond es un concepto audiovisual que presenta los sonidos instrumentales de Hammond del Hammond Organ Power Trio, acompañados por las hazañas del cómic cósmico de mitad hombre, mitad órgano y todo un héroe, el Capitán Hammond. Rock orgánico pesado y abrasador, gospel, rhythm and blues de los 60, un toque de funk casero y un alma del cosmos.

Winifred Atwell • Hall Of Fame

 

Biography
by Sharon Mawer
Winifred Atwell was one of the stars of the early British charts when they were introduced for the first time in the 1950s, playing an upright piano in a boogie-woogie style of ragtime. She was born on February 27, 1914, in Tunapuna on the island of Trinidad. Her father owned a pharmacy, and although the young Winifred was trained in chemistry and was expected to join the family business, she was always more interested in performing for U.S. servicemen either at the air base or a local club, Piarco. Having trained from a very early age on the piano, she was proficient enough to satisfy the troops stationed in the Caribbean, when someone asked her to play in the popular style of boogie-woogie. When she returned to the club, she had written the song "Piarco Boogie," which was later to be retitled "Five Finger Boogie." Atwell moved to America in the early '40s to study the piano with Alexander Borovsky and later to London, where she studied at the Royal Academy of Music and became the first female pianist to be awarded the highest grade for musicianship. Supplementing her income while studying, she played ragtime at various London clubs and was spotted at the Casino Theatre by entrepreneur Bernard Delfont, who signed her to a recording contract with Decca Records.

In 1946 Atwell met the comedian Lew Levisohn, who was to become her husband. Levinsohn suggested that an original sound and stage presentation might be achieved if Atwell first played a classical piece on a concert grand piano and then a ragtime on a battered upright, which they purchased in a junk shop for £2.50. This would become known as Atwell's "other piano," and would travel with her around the world, even to the Sydney Opera House. Both pianos would be very slightly detuned to give a faint off-key sound, and this originality was one of the stepping stones to her successful career. She also appeared cheerful with a dazzling smile and a warm personality, and in Britain during the late '40s, dominated by rationing after World War II, it was a welcome relief to be entertained by this very special lady. One of her recordings that became extremely popular in the early '50s was actually written in the 1920s by George Botsford and titled "Black and White Rag," which received an enormous amount of radio play and would later become famous as the signature tune for the BBC snooker series Pot Black.

When Britain introduced pop charts in November 1952, Atwell was one of the first black artists to hit the Top Ten and the first instrumentalist in the chart, with the song "Britannia Rag." The hits continued throughout the 1950s, including "Coronation Rag" in the summer of 1953 to celebrate Queen Elizabeth II's coronation, and at Christmas she recorded the first of her piano medleys of music hall songs under the title "Let's Have a Party," which included "If You Knew Susie," "The More We Are Together," "Knees Up Mother Brown," "Daisy Bell," "Boomps a Daisy," and "She Was One of the Early Birds." Setting a trend that would continue on all of her medleys, side one of the single was an uptempo rag while the B-side was a slightly slower medley. Reverting to her classical training, she hit the charts in 1954 with Rachmaninov's 18th Variation on a Theme by Paganini, and at Christmas she achieved her first number one hit with another medley, "Let's Have Another Party." The mid-'50s were a period of peak popularity for her in Britain, with Atwell playing at the Royal Variety Show and even at a private party for the Queen, where a personal encore of "Roll Out the Barrel" was requested.

Her breakthrough performance in the U.S.A. was due to have been as a guest on The Ed Sullivan Show in 1956, but she was confronted with racist opposition to the idea of a black woman appearing as a guest, and the show was never even recorded. She encountered no such problems in Australia, where she visited in 1956 and became equally as popular. Back in Britain in that year she enjoyed her second number one single, a version of the French song "Poor People of Paris." After this hit, her massive popularity diminished with the two-pronged attack from the rise of rock & roll and a new young British pianist, Russ Conway, who began to have hit records with the same style of honky tonk/ragtime playing, and she found the Top Ten of the singles chart a difficult goal to reach, apart from her subsequent Christmas season medleys "Let's Have a Ding Dong," "Make It a Party," and "Piano Party." She was also exceedingly popular in Australia and was an outspoken critic of the plight of the Aborigines, and eventually she and her husband settled in Sydney. When Lew Levisohn died in 1977, she considered relocating back to Trinidad but remained in Australia. Tragedy struck in the early '80s when a fire destroyed her home in Narrabeen and she suffered a heart attack shortly afterwards. She died on February 28, 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

///////

Biografía

por Sharon Mawer

Winifred Atwell fue una de las estrellas de las primeras listas británicas cuando se presentaron por primera vez en la década de 1950, tocando un piano vertical en un estilo boogie-woogie de ragtime. Nació el 27 de febrero de 1914 en Tunapuna en la isla de Trinidad. Su padre era dueño de una farmacia y, aunque la joven Winifred tenía formación en química y se esperaba que se uniera al negocio familiar, ella siempre estuvo más interesada en actuar para los Estados Unidos. militares ya sea en la base aérea o en un club local, Piarco. Tras aprender a tocar el piano desde muy temprana edad, logró satisfacer a las tropas estacionadas en el Caribe cuando alguien le pidió que tocara el popular estilo boogie-woogie. Cuando regresó al club, había escrito la canción "Piarco Boogie", que luego pasaría a llamarse "Five Finger Boogie". Atwell se mudó a Estados Unidos a principios de los años 40 para estudiar piano con Alexander Borovsky y más tarde a Londres, donde estudió en la Royal Academy of Music y se convirtió en la primera pianista en recibir la calificación más alta en musicalidad. Para complementar sus ingresos mientras estudiaba, tocó ragtime en varios clubes de Londres y fue descubierta en el Casino Theatre por el empresario Bernard Delfont, quien le firmó un contrato discográfico con Decca Records.

En 1946, Atwell conoció al comediante Lew Levisohn, quien se convertiría en su marido. Levinsohn sugirió que se podría lograr un sonido y una presentación escénica originales si Atwell tocara primero una pieza clásica en un piano de cola de concierto y luego un ragtime en un vertical bateado, que compraron en una tienda de chatarra por £ 2,50. Este sería conocido como el "otro piano" de Atwell y viajaría con ella por todo el mundo, incluso hasta la Ópera de Sydney. Ambos pianos estaban ligeramente desafinados para dar un ligero sonido desafinado, y esta originalidad fue uno de los peldaños de su exitosa carrera. También parecía alegre, con una sonrisa deslumbrante y una personalidad cálida, y en Gran Bretaña a finales de los años 40, dominada por la racionalización después de la Segunda Guerra Mundial, era un alivio bienvenido ser entretenida por esta dama tan especial. Una de sus grabaciones que se hizo extremadamente popular a principios de los años 50 fue escrita en la década de 1920 por George Botsford y titulada "Black and White Rag", que recibió una enorme cantidad de reproducción en la radio y más tarde se haría famosa como la melodía característica de la Serie de billar de la BBC Pot Black.

Cuando Gran Bretaña introdujo las listas de éxitos pop en noviembre de 1952, Atwell fue uno de los primeros artistas negros en llegar al Top Ten y el primer instrumentista en la lista, con la canción "Britannia Rag". Los éxitos continuaron a lo largo de la década de 1950, incluido "Coronation Rag" en el verano de 1953 para celebrar la coronación de la reina Isabel II, y en Navidad grabó el primero de sus popurrís para piano de canciones de music hall bajo el título "Let's Have a Party", que incluyó "If You Knew Susie", "The More We Are Together", "Knees Up Mother Brown", "Daisy Bell", "Boomps a Daisy" y "She Was One of the Early Birds". Estableciendo una tendencia que continuaría en todos sus popurrís, la cara uno del sencillo era un trapo rápido mientras que la cara B era un popurrí un poco más lento. Volviendo a su formación clásica, llegó a las listas de éxitos en 1954 con la 18.ª variación de Rachmaninov sobre un tema de Paganini, y en Navidad logró su primer éxito número uno con otro popurrí, "Let's Have Another Party". A mediados de los años 50 fue un período de máxima popularidad para ella en Gran Bretaña, con Atwell tocando en el Royal Variety Show e incluso en una fiesta privada de la Reina, donde se solicitó un bis personal de "Roll Out the Barrel".

Su gran actuación en los EE.UU. Debía haber estado como invitada en The Ed Sullivan Show en 1956, pero se enfrentó a una oposición racista a la idea de que una mujer negra apareciera como invitada, y el programa ni siquiera fue grabado. No encontró tales problemas en Australia, donde visitó en 1956 y se hizo igualmente popular. De regreso a Gran Bretaña ese año, disfrutó de su segundo sencillo número uno, una versión de la canción francesa "Poor People of Paris". Después de este éxito, su popularidad masiva disminuyó con el ataque doble del ascenso del rock & roll y un nuevo joven pianista británico, Russ Conway, que comenzó a grabar discos con el mismo estilo de tocar honky tonk/ragtime, y ella Consideró que el Top Ten de la lista de sencillos era un objetivo difícil de alcanzar, aparte de sus popurrís posteriores de la temporada navideña "Let's Have a Ding Dong", "Make It a Party" y "Piano Party". También fue muy popular en Australia y criticó abiertamente la difícil situación de los aborígenes y, finalmente, ella y su marido se establecieron en Sydney. Cuando Lew Levisohn murió en 1977, consideró regresar a Trinidad, pero permaneció en Australia. La tragedia se produjo a principios de los años 80 cuando un incendio destruyó su casa en Narrabeen y poco después sufrió un ataque cardíaco. Murió el 28 de febrero de 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

Gerry Mulligan • The Shadow Of Your Smile

 

Joe Lovano • Folk Art

 

Biography:
Grammy-winning saxophonist, composer and producer Joe Lovano is fearless in finding new modes of artistic expression. With a Grammy Win for his 52nd Street Themes and 14 other nominations, he has won Down Beat Magazine’s Critics and Readers Polls countless times as Tenor Saxophonist, Musician of the Year, Jazz Album of the Year and Triple Crowns from Downbeat. He has also gotten numerous awards from Jazz Times and the Jazz Journalists Association for Tenor Saxophone, Album of the Year and Musician of the Year.

Born in Cleveland, Ohio on December 29, 1952 he attended the famed Berklee College of Music in Boston where years later he was awarded an Honorary Doctorate. Since 2001 he has held the Gary Burton Chair in Jazz Performance and is a founding faculty member since 2009 of the Global Jazz Institute at Berklee directed by Danilo Perez. He is a guest lecturer at New York University’s Jazz Program, Juilliard and Manhattan School of Music as well as Clinician at Universities around the globe.

He has toured with jazz greats such as Woody Herman Thundering Herd, Dr. Lonnie Smith, Jack McDuff, Mel Lewis Jazz Orchestra, Paul Motian Trio, Charlie Haden Liberation Music Orchestra, Carla Bley Band, Elvin Jones Jazz Machine, Saxophone Summit and has created a body of work for his own large ensembles including strings, woodwinds, voice as well as his Horn-rich Nonet and more recently his UsFive group with double drummers which has been gathering kudos world-wide!

Since 1991 Lovano has been recording as a leader for Blue Note Records. “Joe Lovano Quartet: Classic! Live at Newport” featuring Hank Jones was recorded in 2005 and released in 2016 marking his 25th recording for the label.

Joe has also performed and recorded with a long list of jazz greats including Woody Herman, Mel Lewis, Bob Brookmeyer, Paul Motian, Bill Frisell, Tony Bennett, Abbey Lincoln, Charlie Haden, John Scofield, Gunther Schuller, Elvin Jones, McCoy Tyner, Ed Blackwell, Herbie Hancock, Dave Holland, Hank Jones, Dave Liebman, Michael Brecker, Dave Douglas, Judi Silvano, Ravi Coltrane, Chucho Valdez, Ornette Coleman and many others.

In addition, composer Mark Anthony Turnage wrote a Concerto for Saxophone and Chamber Orchestra for Joe called “A Man Descending” which has been performed globally and Maestro Michael Abene orchestrated an album of all-Lovano originals called “Symphonica” for the WDR Symphonic Orchestra and Big Band, which was released on Blue Note and received a Grammy nomination.

Joe Lovano continues to explore new horizons within the world of music as a soloist, band leader and composer.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joe-lovano

///////

Biografía:

El saxofonista, compositor y productor Joe Lovano, ganador de un Grammy, no tiene miedo a la hora de encontrar nuevos modos de expresión artística. Ganador de un Grammy por sus 52nd Street Themes y otras 14 nominaciones, ha ganado innumerables veces las encuestas de críticos y lectores de la revista Down Beat como saxofonista tenor, músico del año, álbum de jazz del año y triple corona de Downbeat. También ha obtenido numerosos premios del Jazz Times y de la Jazz Journalists Association como Saxofón Tenor, Álbum del Año y Músico del Año.

Nacido en Cleveland, Ohio, el 29 de diciembre de 1952, estudió en el famoso Berklee College of Music de Boston, donde años más tarde se le concedió el Doctorado Honoris Causa. Desde 2001 ocupa la cátedra Gary Burton de Interpretación de Jazz y es miembro fundador desde 2009 del Global Jazz Institute de Berklee dirigido por Danilo Pérez. Es profesor invitado en el Programa de Jazz de la Universidad de Nueva York, en Juilliard y en la Manhattan School of Music, así como clínico en universidades de todo el mundo.

Ha realizado giras con grandes del jazz como Woody Herman Thundering Herd, Dr. Lonnie Smith, Jack McDuff, Mel Lewis Jazz Orchestra, Paul Motian Trio, Charlie Haden Liberation Music Orchestra, Carla Bley Band, Elvin Jones Jazz Machine, Saxophone Summit y ha creado un corpus de obras para sus propios grandes conjuntos, que incluyen cuerdas, maderas y voz, así como su Horn-rich Nonet y, más recientemente, su grupo UsFive con doble batería, que ha cosechado elogios en todo el mundo.

Desde 1991, Lovano graba como líder para Blue Note Records. "Joe Lovano Quartet: ¡Classic! Live at Newport" con Hank Jones fue grabado en 2005 y lanzado en 2016 marcando su 25ª grabación para el sello.

Joe también ha tocado y grabado con una larga lista de grandes del jazz como Woody Herman, Mel Lewis, Bob Brookmeyer, Paul Motian, Bill Frisell, Tony Bennett, Abbey Lincoln, Charlie Haden, John Scofield, Gunther Schuller, Elvin Jones, McCoy Tyner, Ed Blackwell, Herbie Hancock, Dave Holland, Hank Jones, Dave Liebman, Michael Brecker, Dave Douglas, Judi Silvano, Ravi Coltrane, Chucho Valdez, Ornette Coleman y muchos otros.

Además, el compositor Mark Anthony Turnage escribió para Joe un concierto para saxofón y orquesta de cámara titulado "A Man Descending", que se ha interpretado en todo el mundo, y el maestro Michael Abene orquestó un álbum de originales de Lovano titulado "Symphonica" para la WDR Symphonic Orchestra and Big Band, que se publicó en Blue Note y recibió una nominación a los Grammy.

Joe Lovano sigue explorando nuevos horizontes en el mundo de la música como solista, líder de banda y compositor.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joe-lovano

www.joelovano.com ...

Johnnie Pate • Goes Ivy College

 

John William Pate (born December 5, 1923) is an American former jazz bassist who became a producer, arranger, and leading figure in Chicago soul, pop, and rhythm and blues.
He learned piano and tuba as a child and later picked up the bass guitar. He learned arranging while serving in the United States Army.
Following stints with Coleridge Davis and Stuff Smith in the 1940s, in 1951, Pate was recording on Chess Records with Eddie South and his Orchestra, credited on bass and arrangements. This was also the first of a series of Chess recordings on which Pate collaborated with saxophonist Eddie Johnson. In the 1950s, he was also a resident arranger for Red Saunders's house band at the Club DeLisa.
Johnny Pate's trio recorded for a number of Chicago labels, including Gig and Talisman. For the Cincinnati-based Federal Records, the Johnny Pate Quintet had a hit with "Swinging Shepherd Blues", which reached No. 17 on the Billboard R&B chart in spring 1958.
One of the last albums on which Pate played bass was James Moody's 1958 album Last Train from Overbrook, on the Chess subsidiary, Argo Records.
Pate produced and did the arrangements for B.B. King's album Live at the Regal in November 1964. Pate was also the arranger and conductor for Wes Montgomery's album Movin' Wes, released in 1965 and re-released in 1981. He was the arranger and conductor for Lu Elliott's Sings Way Out From Down Under 1967 ABC album.


In the early 1960s, Pate was hired by OKeh Records producer/A&R director Carl Davis to write arrangements for the label. Davis had had previous hits with artists such as Walter Jackson, Major Lance, Ted Taylor and The Opals.
Pate, Curtis Mayfield and The Impressions first teamed in January 1963 recording the ballad "Sad Sad Girl and Boy," which mid-charted in Cashbox magazine's charts. The following single, "It's All Right," stayed at number one R&B for two weeks and hit number four pop in fall 1963; it was followed by "Talking about My Baby," "I'm So Proud," and "Keep on Pushing". The Keep on Pushing LP peaked at number eight pop in fall 1964. Pate produced and recorded most of their hits at Universal Recording Corporation in Chicago.
Their success led the group's label, ABC-Paramount, to open a Chicago office on 14th and Michigan and appoint Pate as A&R director in 1964. One of the acts he signed, the Marvelows, had a number seven R&B hit with "I Do". "I Do" was followed by another hit with "In the Morning."
Other acts signed to ABC-Paramount through the Chicago branch were the Trends, the Kittens, and former Vee-Jay Records star Betty Everett. He also did the arrangements for Major Lance's Monkey Time.
In 1968, Pate began doing arrangements for Curtis Mayfield's Curtom label. Leaving in 1972, he worked on numerous recordings including the horn arrangements for the Bobby Bland and B.B. King Together Again...Live (1976), produced and arranged several albums for Peabo Bryson on Capitol Records, including Gold Award album CrossWinds in 1978,[10] and the 1978 album Words and Music by Lonette McKee on Warner Bros. Records. Pate also scored soundtracks for films including Shaft in Africa (1973), Bucktown (1975), Satan's Triangle (1975), Dr. Black, Mr. Hyde (1976), Sudden Death (1977) and Every Girl Should Have One (1978).
Pate also did the arrangements for Bee Gees' 1973 album Life in a Tin Can.
In 2006, TNC Records released an 80th birthday tribute album. His song "Shaft in Africa", was sampled by producer Just Blaze, for the Jay-Z single "Show Me What You Got". It was later sampled by producer K-Def for Diddy's "We Gon' Make It", featuring Jack Knight. In the late 1960s, Pate served as a national trustee on the National Academy of Arts and Sciences and he was very instrumental in bringing The Grammy Awards to television.
https://en.wikipedia.org/wiki/Johnny_Pate

///////

John William Pate (nacido el 5 de diciembre de 1923) es un ex bajista de jazz estadounidense que se convirtió en productor, arreglista y figura destacada del soul, el pop y el rhythm and blues de Chicago.
Aprendió a tocar el piano y la tuba cuando era niño y más tarde cogió el bajo. Aprendió a hacer arreglos mientras servía en el ejército de los Estados Unidos.
Tras su paso por Coleridge Davis y Stuff Smith en la década de 1940, en 1951, Pate grabó en Chess Records con Eddie South y su Orquesta, acreditado en el bajo y los arreglos. Esta fue también la primera de una serie de grabaciones de Chess en las que Pate colaboró con el saxofonista Eddie Johnson. En los años 50, también fue arreglista residente de la banda de Red Saunders en el Club DeLisa.
El trío de Johnny Pate grabó para varios sellos de Chicago, incluyendo Gig y Talisman. Para el sello Federal Records, con sede en Cincinnati, el Johnny Pate Quintet tuvo un éxito con "Swinging Shepherd Blues", que alcanzó el número 17 en la lista de R&B de Billboard en la primavera de 1958.
Uno de los últimos álbumes en los que Pate tocó el bajo fue el de James Moody en 1958, Last Train from Overbrook, en la filial de Chess, Argo Records.
Pate produjo e hizo los arreglos del álbum Live at the Regal de B.B. King en noviembre de 1964. Pate también fue el arreglista y director del álbum Movin' Wes de Wes Montgomery, publicado en 1965 y reeditado en 1981. Fue el arreglista y director de orquesta del álbum ABC de Lu Elliott Sings Way Out From Down Under de 1967.


A principios de la década de 1960, Pate fue contratado por el productor y director de relaciones públicas de OKeh Records, Carl Davis, para escribir arreglos para el sello. Davis había tenido éxitos anteriores con artistas como Walter Jackson, Major Lance, Ted Taylor y The Opals.
Pate, Curtis Mayfield y The Impressions se unieron por primera vez en enero de 1963 grabando la balada "Sad Sad Girl and Boy", que llegó a la mitad de las listas de la revista Cashbox. El siguiente sencillo, "It's All Right", se mantuvo en el número uno de R&B durante dos semanas y alcanzó el número cuatro de pop en otoño de 1963; le siguieron "Talking about My Baby", "I'm So Proud" y "Keep on Pushing". El LP "Keep on Pushing" alcanzó el número ocho en el otoño de 1964. Pate produjo y grabó la mayoría de sus éxitos en la Universal Recording Corporation de Chicago.
Su éxito llevó a la discográfica del grupo, ABC-Paramount, a abrir una oficina en Chicago en la 14ª y Michigan y a nombrar a Pate director de A&R en 1964. Uno de los grupos que contrató, los Marvelows, obtuvo un número siete en R&B con "I Do". "I Do" fue seguido por otro éxito con "In the Morning".
Otros grupos contratados por ABC-Paramount a través de la sucursal de Chicago fueron los Trends, los Kittens y la antigua estrella de Vee-Jay Records Betty Everett. También hizo los arreglos para Major Lance's Monkey Time.
En 1968, Pate comenzó a hacer arreglos para el sello Curtom de Curtis Mayfield. Al dejar la compañía en 1972, trabajó en numerosas grabaciones, incluyendo los arreglos de vientos para el disco de Bobby Bland y B.B. King Together Again...Live (1976), produjo y arregló varios álbumes para Peabo Bryson en Capitol Records, incluyendo el álbum CrossWinds, galardonado con el premio de oro en 1978,[10] y el álbum de 1978 Words and Music de Lonette McKee en Warner Bros. Records. Pate también hizo las bandas sonoras de películas como Shaft in Africa (1973), Bucktown (1975), Satan's Triangle (1975), Dr. Black, Mr. Hyde (1976), Sudden Death (1977) y Every Girl Should Have One (1978).
Pate también hizo los arreglos del álbum Life in a Tin Can (1973) de los Bee Gees.
En 2006, TNC Records publicó un álbum de homenaje por su 80º aniversario. Su canción "Shaft in Africa", fue sampleada por el productor Just Blaze, para el single de Jay-Z "Show Me What You Got". Más tarde, el productor K-Def la sampleó para "We Gon' Make It" de Diddy, con Jack Knight. A finales de la década de 1960, Pate fue miembro del consejo de administración de la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias y desempeñó un papel decisivo en la introducción de los premios Grammy en la televisión.
https://en.wikipedia.org/wiki/Johnny_Pate

Roy Ayers • Africa, Center Of The World

Biography by Richard S. Ginell

He's Coming One of the most visible and winning vibraphonists since the early 1960s, Roy Ayers' reputation is that of one of the major prophets of jazz-funk and acid jazz, a man decades ahead of his time who successfully erased the boundaries between the various genres and styles of Black music in America. His playing signature has always been rooted in hard bop; it's crisp, lyrical, and rhythmically resilient. Though he issued fine hard and post-bop records for Atlantic in the 1960s, he formed Roy Ayers' Ubiquity, and issued their eponymous Polydor debut album in 1970 that showcased his groundbreaking evolution of jazz styles, slinky soul, and driving dancefloor funk. Over the next 12 years, he issued, produced and arranged a stream of influential albums for the label that included He's Coming (1972), Virgo Red, Red Black and Green (1973), Change Up The Groove (1974), Mystic Voyage and A Tear To A Smile (1975) Everybody Loves The Sunshine (1976), and Music Of Many Colours with Fela Kuti (1980). During the late 1990s and well into the 21st century, Ayers toured Europe and Asia relentlessly, recorded sporadically, and oversaw compilation and archival releases including BBE's two-volume Virgin Ubiquity series of unissued recordings.

Growing up in a musical family -- his father played trombone, his mother taught him the piano -- the five-year-old Ayers was given a set of vibe mallets by Lionel Hampton, but didn't start on the instrument until he was 17. He got involved in the West Coast jazz scene in his early twenties, recording with Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963 to 1967), and the Gerald Wilson Orchestra (1965 to 1966), and playing with Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes, and Phineas Newborn. A session with Herbie Mann at The Lighthouse in Hermosa Beach led to a four-year gig with the versatile flutist (1966 to 1970), an experience that gave Ayers tremendous exposure and opened his ears to styles of music other than the bebop that he had grown up with.

Memphis Underground After being featured prominently on Mann's hit Memphis Underground album and recording three solo albums for Atlantic under Mann's supervision, Ayers left the group in 1970 to form the Roy Ayers Ubiquity, which recorded several albums for Polydor and featured such players as Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim, and Alphonse Mouzon. Initially influenced by electric Miles Davis and the Herbie Hancock Sextet, Ubiquity gradually shed its jazz component in favor of R&B, funk, and soulful disco, and put together a string of albums that hovered around the Top Ten of the R&B chart. These included Mystic Voyage, Everybody Loves the Sunshine, Vibrations, and Lifeline, which were released from 1975 through 1977. The last LP in this run featured "Running Away," a Top 20 hit on the R&B and disco charts.

Jazzmatazz, Vol. 1 During the '80s, besides leading his bands and recording, Ayers collaborated with Nigerian musician Fela Kuti, formed Uno Melodic Records, and produced and/or co-wrote several recordings for various artists. As the merger of hip-hop and jazz took hold in the early '90s, Ayers made a guest appearance on Guru's seminal Jazzmatazz album in 1993 and played at New York clubs with Guru and Donald Byrd. Ayers continued to make featured appearances on assorted recordings, including albums with the Soul Society, the James Taylor Quartet, 3D, and Postmodern Jazz. He led dates far less often than he had in the previous decades but remained active as a performer.

Roy Ayers JID002 In 2020, he teamed with Ali Shaheed Muhammad and Adrian Younge for Roy Ayers JID002, the second volume in the duo's Jazz Is Dead series. Muhammad's A Tribe Called Quest was among the dozens of rap groups who exposed Ayers' '70s work to a younger generation.

Virgin Ubiquity Remixed Later that year, BBE released the digital single "Reaching for the Highest Pleasure." An earlier version from 1977 had been championed by Gilles Peterson and was included on the first of BBE's two Virgin Ubiquity (Unreleased Recordings 1976-1981) volumes in 2003. This longer take offered an extended Ayers' vibraphone solo atop a tight, circular bassline, showcasing the more spiritual side of the artist's iconic jazz-funk. In October 2022, BBE gave "Searching for the Highest Pleasure" its first-ever vinyl release as a 10" single. The flipside "I Am Your Mind, Pt. 2" was remixed by Parisian producer Pépé Bradock (aka Julien Auger); it originally appeared on 2006's Virgin Ubiquity Remixed.
https://www.allmusic.com/artist/roy-ayers-mn0000345168#biography

///////

Biografía de Richard S. Ginell

Se acerca Uno de los vibrafonistas más visibles y ganadores desde principios de la década de 1960, la reputación de Roy Ayers es la de uno de los principales profetas del jazz: el funk y el acid jazz, un hombre décadas adelantado a su tiempo que borró con éxito los límites entre los diversos géneros y estilos de la música negra en Estados Unidos. Su firma de interpretación siempre ha estado arraigada en el hard bop; es nítido, lírico y rítmicamente resistente. Aunque publicó excelentes discos duros y post-bop para Atlantic en la década de 1960, formó Roy Ayers' Ubiquity y lanzó su álbum debut homónimo Polydor en 1970 que mostró su innovadora evolución de los estilos de jazz, el soul furtivo y el funk de la pista de baile. Durante los siguientes 12 años, emitió, produjo y arregló una serie de álbumes influyentes para el sello que incluían He's Coming (1972), Virgo Red, Red Black and Green (1973), Change Up The Groove (1974), Mystic Voyage y A Tear To A Smile (1975) Everybody Loves The Sunshine (1976) y Music Of Many Colours with Fela Kuti (1980). A fines de la década de 1990 y hasta bien entrado el siglo XXI, Ayers realizó giras por Europa y Asia sin descanso, grabó esporádicamente y supervisó compilaciones y lanzamientos de archivos, incluida la serie Virgin Ubiquity de dos volúmenes de grabaciones inéditas de BBE.

Al crecer en una familia musical (su padre tocaba el trombón, su madre le enseñó piano), Lionel Hampton le dio a Ayers, de cinco años, un juego de mazos vibratorios, pero no comenzó a tocar el instrumento hasta los 17. Se involucró en la escena del jazz de la Costa Oeste a los veinte años, grabando con Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963 a 1967) y la Orquesta Gerald Wilson (1965 a 1966), y tocando con Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes y Phineas Newborn. Una sesión con Herbie Mann en el Lighthouse en Hermosa Beach lo llevó a un concierto de cuatro años con el versátil flautista (1966 a 1970), una experiencia que le dio a Ayers una tremenda exposición y le abrió los oídos a estilos de música distintos al bebop con el que había crecido.

Memphis Underground Después de aparecer de manera destacada en el exitoso álbum Memphis Underground de Mann y grabar tres álbumes en solitario para Atlantic bajo la supervisión de Mann, Ayers dejó el grupo en 1970 para formar Roy Ayers Ubiquity, que grabó varios álbumes para Polydor y contó con músicos como Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim y Alphonse Mouzon. Inicialmente influenciado por Miles Davis y el Sexteto Herbie Hancock, Ubiquity gradualmente cambió su componente de jazz a favor del R & B, el funk y la música disco conmovedora, y armó una serie de álbumes que rondaron los Diez primeros puestos de la lista de R&B. Estos incluyeron Mystic Voyage, Everybody Loves the Sunshine, Vibrations y Lifeline, que se lanzaron desde 1975 hasta 1977. El último LP de esta carrera incluyó "Running Away", un éxito entre los 20 primeros en las listas de R&B y disco.

Jazzmatazz, Vol. 1 Durante los 80, además de liderar sus bandas y grabar, Ayers colaboró con el músico nigeriano Fela Kuti, formó Uno Melodic Records y produjo y/o coescribió varias grabaciones para varios artistas. A medida que la fusión del hip-hop y el jazz se afianzó a principios de los 90, Ayers hizo una aparición especial en el álbum Jazzmatazz seminal de Guru en 1993 y tocó en clubes de Nueva York con Guru y Donald Byrd. Ayers continuó haciendo apariciones destacadas en diversas grabaciones, incluidos álbumes con Soul Society, James Taylor Quartet, 3D y Postmodern Jazz. Dirigió citas con mucha menos frecuencia que en las décadas anteriores, pero se mantuvo activo como intérprete.

Roy Ayers JID002 En el 2020, se asoció con Ali Shaheed Muhammad y Adrian Younge para Roy Ayers JID002, el segundo volumen de la serie Jazz Is Dead del dúo. A Tribe Called Quest, de Muhammad, se encontraba entre las docenas de grupos de rap que expusieron el trabajo de Ayers en los años 70 a una generación más joven.

Virgin Ubiquity Remezclado Más tarde ese año, BBE lanzó el sencillo digital " Reaching for the Highest Pleasure."Una versión anterior de 1977 había sido defendida por Gilles Peterson y se incluyó en el primero de los dos volúmenes de Virgin Ubiquity (Grabaciones Inéditas 1976-1981) de BBE en 2003. Esta toma más larga ofreció un solo de vibráfono extendido de Ayers sobre una línea de bajo circular y ajustada, mostrando el lado más espiritual del icónico jazz-funk del artista. En octubre de 2022, BBE lanzó "Searching for the Highest Pleasure" su primer lanzamiento en vinilo como sencillo de 10". La otra cara "Yo Soy Tu Mente, Pt. 2 " fue remezclado por el productor parisino Pépé Bradock (alias Julien Auger); apareció originalmente en Virgin Ubiquity Remixed de 2006.
https://www.allmusic.com/artist/roy-ayers-mn0000345168#biography


royayers.net ...

Insect Surfers • Satellite Bay

 

 

Insect Surfers were originally formed in the summer of 1979 in Washington, D.C. Touring the U.S. extensively, they also released several independent lp's and singles that placed as high as #25 on the national college radio charts.

Founding member David Arnson regrouped the band after moving to Los Angeles in 1985 with guitarist/sax player Dan "Dano" Sullivan. They have since been featured on bills with such artists as Chris Isaak, B-52's, Jonathan Richman, Pylon, The Ventures, Dick Dale, Surfaris, etc. Before 1986, the INSECT SURFERS also played on the same stages as Iggy Pop, The Stranglers, Psychedelic Furs, Joan Jett, Echo and the Bunnymen, Revillos, etc.
https://www.discogs.com/artist/500581-Insect-Surfers

///////

Insect Surfers se formó originalmente en el verano de 1979 en Washington, D.C. Realizaron numerosas giras por Estados Unidos y publicaron varios LP independientes y singles que alcanzaron el puesto 25 en las listas de radio universitarias nacionales.

El miembro fundador David Arnson reagrupó la banda tras mudarse a Los Ángeles en 1985 con el guitarrista y saxofonista Dan "Dano" Sullivan. Desde entonces han actuado con artistas como Chris Isaak, B-52's, Jonathan Richman, Pylon, The Ventures, Dick Dale, Surfaris, etc. Antes de 1986, los INSECT SURFERS también tocaron en los mismos escenarios que Iggy Pop, The Stranglers, Psychedelic Furs, Joan Jett, Echo and the Bunnymen, Revillos, etc.
https://www.discogs.com/artist/500581-Insect-Surfers

 

 

    

   

bio ...
www.insectsurfers.com ...
www.insectsurfers.com/satellite-bay ...

Eddie 'Lockjaw' Davis • Chewin' The Fat

 

Rob Van Bavel • Time for Ballads - The Maene Sessions

 

Description from Sound Liaison liner notes (by Rob van Bavel):
This album is the result of what has been a most rewarding musical journey. Jazz is often associated with busy, energetic or even neurotic music. I have played my share of it and enjoyed it, but deep down, I really do love to play and listen to ballads. In October 2020, I played a concert with the John Engels Quintet in a beautiful little wooden church called De Terp in Oudorp. That night I had the pleasure and honor to be the first Dutch Jazz pianist to perform on the amazing Chris Maene Straight Strung Concert Grand Piano. The combination of this beautiful instrument with the acoustics of the church made a great impression on me. I realized that if I were to record a ballad album, that instrument in that church would be an ideal combination.

///////

Descripción de las notas del álbum de Sound Liaison (por Rob van Bavel):
Este álbum es el resultado de lo que ha sido un viaje musical muy gratificante. El jazz a menudo se asocia con música ocupada, enérgica o incluso neurótica. He tocado mi parte de eso y lo he disfrutado, pero en el fondo, realmente me encanta tocar y escuchar baladas. En octubre de 2020, toqué un concierto con el John Engels Quintet en una hermosa iglesia de madera pequeña llamada De Terp en Oudorp. Esa noche tuve el placer y el honor de ser el primer pianista de jazz holandés en tocar en el increíble Piano de Concierto Chris Maene Straight Strung. La combinación de este hermoso instrumento con la acústica de la iglesia me causó una gran impresión. Me di cuenta de que si iba a grabar un álbum de baladas, ese instrumento en esa iglesia sería una combinación ideal.

Bob Freedman - Tony Luis • Introducing the Tony Luis Trio + Piano Moods

 

Description from Fresh Sound Records liner notes (by Jordi Pujol):
Pianist Tony Luis, born in Philadelphia in 1931, was stricken with infantile paralysis at the age of 12. Having the use of only two fingers on his right hand, he was advised by a physician that consistent exercise would help to strengthen them. This is when he first became interested in the piano. His conquest of this restriction was remarkable. By using a close piano style, he was able to achieve a captivating sound that is both relaxing and swinging. His trio created considerable enthusiasm in his hometown and its environs in the mid-50s and also distinguished themselves by accompanying singers such as Terry Morel and Teddi King. These are the only recordings available from this trio. Tony plays with percussive vigor, and on a song like "You're Blasé," he also showed a particularly relaxed ballad feel. His creativity is shown in "Un Poco Fresco," one of his original compositions. Tony received excellent rhythmic support from bassist Ronny Andrews and drummer Hank Nanni, both displaying fine taste and imagination, combined with a beat that is warm, fresh, and swinging.
Bob Freedman (1934-2018) emerged as a notable Boston jazz figure after forming his trio in 1953, which received critical acclaim in New England and recorded an album for the Savoy label. As a pianist, he remained active in the Boston jazz scene, joining groups led by Boots Mussulli, Herb Pomeroy and Jay Migliori, and accompanying Charlie Parker at the Hi-Hat club in 1955. Freedman's innovative arrangements earned him respect and admiration in the jazz community. His first big band success came in 1958 with "And We Listened (to Him)," dedicated to Gerry Mulligan. He later joined Herb Pomeroy's big band, writing many arrangements and recording as a leader an album featuring his excellent version of Duke Ellington's "Anatomy of a Murder" soundtrack. From the mid-1960s, Freedman became a sought-after arranger and composer for stars such as Joe Williams, Sarah Vaughan, Billy Joel, and Wynton Marsalis. His work extended to television and film, showcasing his versatility across genres. His compositions for large ensembles were particularly notable for their orchestration and dramatic expression.
https://www.freshsoundrecords.com/tony-luis-bob-freedman-albums/57377-introducing-the-tony-luis-trio-piano-moods-2-lp-on-1-cd.html

///////

Descripción de las notas del álbum de Fresh Sound Records (por Jordi Pujol):
El pianista Tony Luis, nacido en Filadelfia en 1931, fue afectado por parálisis infantil a la edad de 12 años. Teniendo el uso de solo dos dedos en su mano derecha, fue aconsejado por un médico que el ejercicio consistente ayudaría a fortalecerlos. Fue entonces cuando se interesó por primera vez en el piano. Su conquista de esta restricción fue notable. Al usar un estilo de piano cerrado, fue capaz de lograr un sonido cautivador que es tanto relajante como swingueante. Su trío creó un entusiasmo considerable en su ciudad natal y sus alrededores a mediados de los años 50 y también se distinguieron acompañando a cantantes como Terry Morel y Teddi King. Estas son las únicas grabaciones disponibles de este trío. Tony toca con vigor percusivo, y en una canción como "You're Blasé," también mostró un sentimiento de balada particularmente relajado. Su creatividad se muestra en "Un Poco Fresco," una de sus composiciones originales. Tony recibió un excelente apoyo rítmico del bajista Ronny Andrews y el baterista Hank Nanni, ambos mostrando buen gusto e imaginación, combinados con un beat que es cálido, fresco y swingueante.
Bob Freedman (1934-2018) emergió como una figura notable del jazz de Boston después de formar su trío en 1953, que recibió aclamación crítica en Nueva Inglaterra y grabó un álbum para el sello Savoy. Como pianista, permaneció activo en la escena jazzística de Boston, uniéndose a grupos liderados por Boots Mussulli, Herb Pomeroy y Jay Migliori, y acompañando a Charlie Parker en el club Hi-Hat en 1955. Los arreglos innovadores de Freedman le ganaron respeto y admiración en la comunidad del jazz. Su primer éxito con big band llegó en 1958 con "And We Listened (to Him)," dedicado a Gerry Mulligan. Más tarde se unió a la big band de Herb Pomeroy, escribiendo muchos arreglos y grabando como líder un álbum que presenta su excelente versión de la banda sonora de Duke Ellington "Anatomy of a Murder". Desde mediados de los años 60, Freedman se convirtió en un codiciado arreglista y compositor para estrellas como Joe Williams, Sarah Vaughan, Billy Joel y Wynton Marsalis. Su trabajo se extendió a la televisión y el cine, mostrando su versatilidad a través de géneros. Sus composiciones para grandes ensambles fueron particularmente notables por su orquestación y expresión dramática.
https://www.freshsoundrecords.com/tony-luis-bob-freedman-albums/57377-introducing-the-tony-luis-trio-piano-moods-2-lp-on-1-cd.html