egroj world: July 2024

Wednesday, July 3, 2024

Ahmad Jamal • At The Top Poinciana Revisited

In 1951, Mr. Jamal first recorded 'Ahmad's Blues' on Okeh Records. His arrangement of the folk tune 'Billy Boy', and 'Poinciana' (not his original composition), also stem from this period. In 1955, he recorded his first Argo (Chess) Records album that included 'New Rhumba', 'Excerpts From The Blues', 'Medley' (actually 'I Don't Want To Be Kissed'), and 'It Ain't Necessarily So' —all later utilized by Miles Davis and Gil Evans on the albums "Miles Ahead" and "Porgy and Bess." In his autobiography, Mr. Davis praises Mr. Jamal's special artistic qualities and cites his influence. In fact, the mid-to-late 1950's Miles Davis Quintet recordings notably feature material previously recorded by Mr. Jamal: 'Squeeze Me', 'It Could Happen To You', 'But Not For Me', 'Surrey With The Fringe On Top', 'Ahmad's Blues', 'On Green Dolphin Street' and 'Billy Boy'.

In 1956, Mr. Jamal, who had already been joined by bassist Israel Crosby in 1955, replaced guitarist Ray Crawford with a drummer. Working as the "house trio" at Chicago's Pershing Hotel drummer Vernell Fournier joined this trio in 1958 and Mr. Jamal made a live album for Argo Records entitled "But Not For Me". The resulting hit single and album, that also included 'Poinciana' — his rendition could be considered his "signature". This album remained on the Ten Best-selling charts for 108 weeks — unprecedented then for a jazz album. This financial success enabled Mr. Jamal to realize a dream, and he opened a restaurant/club, The Alhambra, in Chicago. Here the Trio was able to perform while limiting their touring schedule and Mr. Jamal was able to do record production and community work.

Mr. Jamal was born on July 2, 1930, in Pittsburgh, Pennsylvania. A child prodigy who began to play the piano at the age of 3, he began formal studies at age 7. While in high school, he completed the equivalent of college master classes under the noted African-American concert singer and teacher Mary Caldwell Dawson and pianist James Miller. He joined the musicians union at the age of 14, and he began touring upon graduation from Westinghouse High School at the age of 17, drawing critical acclaim for his solos. In 1950, he formed his first trio, The Three Strings. Performing at New York's The Embers club, Record Producer John Hammond "discovered" The Three Strings and signed them to Okeh Records (a division of Columbia, now Sony Records).

Mr. Jamal has continued to record his outstanding original arrangements of such standards as 'I Love You', 'A Time For Love', 'On Green Dolphin Street' (well before Miles Davis!), 'End of a Love Affair', to cite a few. Mr. Jamal's own classic compositions begin with 'Ahmad's Blues' (first recorded on October 25, 1951!), 'New Rhumba', 'Manhattan Reflections', 'Tranquility', 'Extensions', 'The Awakening', 'Night Mist Blues' and most recently 'If I Find You Again', among many others..

In 1994, Mr. Jamal received the American Jazz Masters award from the National Endowment for the Arts. The same year he was named a Duke Ellington Fellow at Yale University, where he performed commissioned works with the Assai String Quartet. A CD is available of these works.

In 1970, Mr. Jamal performed the title tune by Johnny Mandel for the soundtrack of the film "Mash!"; and in 1995, two tracks from his hit album "But Not For Me" — 'Music, Music, Music', and 'Poinciana' — were featured in the Clint Eastwood film "The Bridges of Madison County".

Mr. Jamal's CD entitled "The Essence" features tenor saxophonist George Coleman — Mr. Jamal's first recording made with a horn! Critical acclaim and outstanding sales resulted in two prestigious awards: D'jango D'or (critics) and Cloch (for sales) in France. Its success generated a concert at Salle Pleyel, and a CD has been released "Ahmad Jamal a Paris" (1992) and a second "live" concert by Mr. Jamal in l996 under the same title, unissued except in France and available on the Dreyfus Records on the Internet, Mr. Jamal rightly considers one of his best recordings. Ahmad Jamal's 70th Birthday "live" concert recording Olympia 2000, is known as "The Essence Part III". "The Essence, Part II", featured Donald Byrd on the title track, and on his CD entitled "Nature", Stanley Turrentine is featured on 'The Devil's In My Den', and steel drummer Othello Molineaux augments the trio format. Continuing his recording career, Mr. Jamal released "In Search of" on CD, and his first DVD "Live In Baalbeck".

For students of the piano, Hal Leonard Publications has published "The Ahmad Jamal Collection", a collection of piano transcriptions. Mr. Jamal continues to record exclusively for the French Birdology label, and his albums are released on Verve and Atlantic in the United States.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ahmad-jamal/
Note: Ahmad Jamal died on 16 April 2023, Sheffield, Massachusetts, USA.

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En 1951, Jamal grabó por primera vez "Ahmad's Blues" en Okeh Records. Su arreglo de la melodía folk "Billy Boy" y "Poinciana" (que no es una composición original suya) también datan de esta época. En 1955, grabó su primer álbum para Argo (Chess) Records que incluía 'New Rhumba', 'Excerpts From The Blues', 'Medley' (en realidad 'I Don't Want To Be Kissed'), y 'It Ain't Necessarily So' -todas ellas utilizadas posteriormente por Miles Davis y Gil Evans en los álbumes "Miles Ahead" y "Porgy and Bess". En su autobiografía, el Sr. Davis alaba las especiales cualidades artísticas del Sr. Jamal y cita su influencia. De hecho, las grabaciones de mediados y finales de la década de 1950 del Quinteto de Miles Davis incluyen sobre todo material grabado previamente por el Sr. Jamal: "Squeeze Me", "It Could Happen To You", "But Not For Me", "Surrey With The Fringe On Top", "Ahmad's Blues", "On Green Dolphin Street" y "Billy Boy".

En 1956, el Sr. Jamal, al que ya se había unido el bajista Israel Crosby en 1955, sustituyó al guitarrista Ray Crawford por un batería. Trabajando como "trío de la casa" en el Hotel Pershing de Chicago, el batería Vernell Fournier se unió a este trío en 1958 y el Sr. Jamal grabó un álbum en directo para Argo Records titulado "But Not For Me". El exitoso sencillo y álbum resultante, que también incluía 'Poinciana' - su interpretación podría considerarse su "firma". Este álbum permaneció 108 semanas en las listas de los diez más vendidos, algo sin precedentes entonces para un álbum de jazz. Este éxito financiero permitió al Sr. Jamal hacer realidad un sueño, y abrió un restaurante/club, The Alhambra, en Chicago. Aquí, el Trío pudo actuar al tiempo que limitaba su programa de giras, y el Sr. Jamal pudo dedicarse a la producción discográfica y al trabajo comunitario.

Jamal nació el 2 de julio de 1930 en Pittsburgh (Pensilvania). Niño prodigio que empezó a tocar el piano a los 3 años, inició sus estudios formales a los 7 años. Mientras estudiaba en el instituto, completó el equivalente a clases magistrales universitarias con la célebre concertista y profesora afroamericana Mary Caldwell Dawson y el pianista James Miller. A los 14 años se afilió al sindicato de músicos y a los 17, tras graduarse en el Westinghouse High School, empezó a hacer giras y a recibir elogios de la crítica por sus solos. En 1950 formó su primer trío, The Three Strings. Actuando en el club neoyorquino The Embers, el productor discográfico John Hammond "descubrió" a The Three Strings y los contrató para Okeh Records (una división de Columbia, ahora Sony Records).

El Sr. Jamal ha seguido grabando sus extraordinarios arreglos originales de estándares como "I Love You", "A Time For Love", "On Green Dolphin Street" (¡mucho antes que Miles Davis!), "End of a Love Affair", por citar algunos. Las composiciones clásicas del Sr. Jamal comienzan con "Ahmad's Blues" (¡grabada por primera vez el 25 de octubre de 1951!), "New Rhumba", "Manhattan Reflections", "Tranquility", "Extensions", "The Awakening", "Night Mist Blues" y, más recientemente, "If I Find You Again", entre muchas otras...

En 1994, Jamal recibió el premio American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts. Ese mismo año fue nombrado becario Duke Ellington en la Universidad de Yale, donde interpretó obras por encargo con el Cuarteto de Cuerda Assai. Existe un CD con estas obras.

En 1970, Jamal interpretó el tema principal de Johnny Mandel para la banda sonora de la película "Mash!"; y en 1995, dos temas de su exitoso álbum "But Not For Me" -'Music, Music, Music' y 'Poinciana'- aparecieron en la película de Clint Eastwood "Los puentes de Madison County".

El CD del Sr. Jamal titulado "The Essence" cuenta con la participación del saxofonista tenor George Coleman - ¡la primera grabación del Sr. Jamal realizada con una trompa! El éxito de crítica y ventas le valieron dos prestigiosos galardones: D'jango D'or (por la crítica) y Cloch (por las ventas) en Francia. Su éxito generó un concierto en la Salle Pleyel, y se ha editado un CD "Ahmad Jamal a Paris" (1992) y un segundo concierto "en directo" del Sr. Jamal en l996 bajo el mismo título, inédito salvo en Francia y disponible en el Dreyfus Records en Internet, que el Sr. Jamal considera con razón una de sus mejores grabaciones. La grabación del concierto "en directo" del 70 cumpleaños de Ahmad Jamal, Olympia 2000, se conoce como "The Essence Part III". En "The Essence, Part II", participó Donald Byrd en el tema principal, y en su CD titulado "Nature", Stanley Turrentine aparece en 'The Devil's In My Den', y el steel drummer Othello Molineaux aumenta el formato de trío. Continuando con su carrera discográfica, el Sr. Jamal publicó "In Search of" en CD, y su primer DVD "Live In Baalbeck".

Para los estudiantes de piano, Hal Leonard Publications ha publicado "The Ahmad Jamal Collection", una colección de transcripciones para piano. El Sr. Jamal sigue grabando en exclusiva para el sello francés Birdology, y sus álbumes se publican en Verve y Atlantic en Estados Unidos.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ahmad-jamal/
Nota: Ahmad Jamal falleció el 16 de abril de 2023, Sheffield, Massachusetts, Estados Unidos.

ahmadjamal.com ...

Colaborador / Contributor: Pierre

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Stanley Turrentine • Common Touch

Review by Scott Yanow

This CD reissue brings back an easy-listening set in which tenor saxophonist Stanley Turrentine teams up with his then-wife, organist Shirley Scott, in what was probably their last joint recording. The original LP program is joined by "Ain't No Way" from a slightly earlier date with similar personnel. Even on "Blowin' In the Wind," Turrentine's soulful solos uplift the material, while Scott offers light accompaniment and some gospellish ideas of her own; guitarist Jimmy Ponder also has some spots on the quintet set. Although not essential (no one seems to sweat much and none of the tempos are above a slow-medium pace), this lazy date has its pleasurable moments.

https://www.allmusic.com/album/common-touch-mw0000616572

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Reseña de Scott Yanow

Esta reedición del CD trae de vuelta un set de fácil escucha en el que el saxofonista tenor Stanley Turrentine se une a su entonces esposa, la organista Shirley Scott, en lo que probablemente fue su última grabación conjunta. Al programa original del LP se le une "Ain't No Way" de una fecha ligeramente anterior con personal similar. Incluso en "Blowin' In the Wind", los conmovedores solos de Turrentine elevan el material, mientras que Scott ofrece un acompañamiento ligero y algunas ideas propias de gospellish; el guitarrista Jimmy Ponder también tiene algunas manchas en el set del quinteto. Aunque no es esencial (nadie parece sudar mucho y ninguno de los tempos está por encima de un ritmo lento-medio), esta cita perezosa tiene sus momentos placenteros.

https://www.allmusic.com/album/common-touch-mw0000616572

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Pharoah Sanders • Pharoah

Biography by Chris Kelsey
Tenor saxophonist Pharoah Sanders was among the most important contributors to the evolution of spiritual jazz, creating emotionally complex and uncompromisingly passionate music for over 60 years. Sanders got his start playing alongside John Coltrane in the mid-'60s, just as Coltrane's playing was turning to more chaotic free jazz expressions, and Sanders carried over some of that same euphoric upheaval into his own albums. Across multiple classics he recorded for the Impulse label in the late '60s and early '70s, however, Sanders incorporated elements of world music and even more pop-adjacent vocalizations into his sometimes chaotic style, crossing over to audiences who weren't primarily jazz listeners with the poetic mysticism of 1969's Karma or the sociopolitical sentiments of 1971's Black Unity. He remained highly active throughout the '80s and '90s, his sound mellowing somewhat into patient but no less powerful form on albums like 1987's Oh Lord, Let Me Do No Wrong. Though his output slowed in the new millennium, Sanders would continue performing and recording into his eighties, collaborating with electronic producer Floating Points and the London Symphony Orchestra on 2021's critically acclaimed album Promises.

Pharoah Sanders was born Ferrell Sanders in Little Rock, Arkansas, in 1940. Both his mother and father taught music, his mother privately and his father in public schools. His first instrument was the clarinet, but he switched to tenor sax as a high school student, under the influence of his band director, Jimmy Cannon, who also exposed Sanders to jazz for the first time. His early favorites included Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker, and John Coltrane. As a teenager, he played blues gigs for 10 and 15 dollars a night around Little Rock, backing such blues greats as Bobby "Blue" Bland and Junior Parker. After high school, Sanders moved to Oakland, California, where he lived with relatives. He attended Oakland Junior College, studying art and music. Known in the San Francisco Bay Area as "Little Rock," he soon began playing bebop, rhythm & blues, and free jazz with many of the region's finest musicians, including fellow saxophonists Dewey Redman and Sonny Simmons, as well as pianist Ed Kelly and drummer Smiley Winters.

In 1961, Sanders moved to New York, where he struggled. Unable to make a living with his music, he took to pawning his horn, working nonmusical jobs, and sometimes sleeping on the subway. During this period, he played with a number of free jazz luminaries, including Sun Ra, Don Cherry, and Billy Higgins. Sanders formed his first group in 1963, with pianist John Hicks (with whom he would continue to play off-and-on into the '90s), bassist Wilbur Ware, and drummer Higgins. When the group played an engagement at New York's Village Gate, a member of the audience was John Coltrane, who apparently liked what he heard. In late 1964, Coltrane asked Sanders to sit in with his band. By the next year, he was playing regularly with the Coltrane group, although he was never made an official member of the band. Coltrane's ensembles with Sanders were some of the most controversial in the history of jazz. Their music, as represented by the group's recordings -- Om, Live at the Village Vanguard Again, and Live in Seattle among them -- represents a near total desertion of traditional jazz concepts, like swing and functional harmony in favor of a teeming, irregularly structured, organic mixture of sound for sound's sake. Strength was a necessity in that band, and as Coltrane soon realized, Sanders had it in abundance.

Sanders made his first record as a leader in 1964 for the ESP label. After Coltrane's death in 1967, Sanders worked briefly with his widow, Alice Coltrane. From the late '60s on, however, he worked primarily as a leader of his own ensembles. From 1966 to 1971, he released several albums on Impulse including Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971), and Thembi (1971). In the mid-'70s he recorded his most commercial effort, Love Will Find a Way (Arista, 1977); it turned out to be a brief detour. From the late '70s until 1987, he recorded for the small independent label Theresa. Starting in 1987, Sanders recorded for the Evidence and Timeless labels. The former bought Theresa Records in 1991 and subsequently re-released Sanders' output for that company.

In 1995, he made his first major-label album in many years, Message from Home (produced by Bill Laswell for Verve). The two followed that one up in 1999 with Save Our Children. In 2000, Sanders released Spirits -- a multi-ethnic live suite with Hamid Drake and Adam Rudolph. In the decades after his first recordings with Coltrane, Sanders developed into a more well-rounded artist, capable of playing convincingly in a variety of contexts, from free to mainstream.

Throughout the 2000s, Sanders played the festival circuit and collaborated on record with various artists including Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco, and others. In 2015, he was granted an NEA Jazz Master Award, along with Gary Burton, Wendy Oxenhorn, and Archie Shepp. It is North America's highest award for the genre. In 2020, an archival concert performance was released as Live in Paris (1975). The next year, Sanders worked with Floating Points and the London Symphony Orchestra on an album of entirely new material called Promises. Released in March 2021, the record was met with almost universal critical praise. It proved to be the last album he would release in his lifetime. Pharoah Sanders died on September 24, 2022, at his home in Los Angeles at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

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Biografía de Chris Kelsey
El saxofonista tenor Pharoah Sanders estuvo entre los contribuyentes más importantes a la evolución del jazz espiritual, creando música emocionalmente compleja e intransigentemente apasionada durante más de 60 años. Sanders comenzó a tocar junto a John Coltrane a mediados de los 60, justo cuando la interpretación de Coltrane se estaba volviendo hacia expresiones de free jazz más caóticas, y Sanders llevó parte de esa misma agitación eufórica a sus propios álbumes. Sin embargo, a través de múltiples clásicos que grabó para el sello Impulse a fines de los 60 y principios de los 70, Sanders incorporó elementos de world music e incluso vocalizaciones más adyacentes al pop en su estilo a veces caótico, cruzando a audiencias que no eran principalmente oyentes de jazz con el misticismo poético de Karma de 1969 o los sentimientos sociopolíticos de Black Unity de 1971. Se mantuvo muy activo durante los años 80 y 90, su sonido se suavizó un poco hasta convertirse en una forma paciente pero no menos poderosa en álbumes como Oh Lord, Let Me Do No Wrong de 1987. Aunque su producción se desaceleró en el nuevo milenio, Sanders continuaría actuando y grabando hasta los ochenta, colaborando con el productor electrónico Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en el álbum Promises, aclamado por la crítica en 2021.

El faraón Sanders nació como Ferrell Sanders en Little Rock, Arkansas, en 1940. Tanto su madre como su padre enseñaban música, su madre en privado y su padre en escuelas públicas. Su primer instrumento fue el clarinete, pero cambió al saxo tenor cuando era estudiante de secundaria, bajo la influencia del director de su banda, Jimmy Cannon, quien también expuso a Sanders al jazz por primera vez. Sus primeros favoritos incluían a Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker y John Coltrane. Cuando era adolescente, tocaba blues por 10 y 15 dólares la noche en Little Rock, respaldando a grandes del blues como Bobby "Blue" Bland y Junior Parker. Después de la secundaria, Sanders se mudó a Oakland, California, donde vivió con familiares. Asistió al Oakland Junior College, estudiando arte y música. Conocido en el área de la Bahía de San Francisco como "Little Rock", pronto comenzó a tocar bebop, rhythm & blues y free jazz con muchos de los mejores músicos de la región, incluidos los saxofonistas Dewey Redman y Sonny Simmons, así como el pianista Ed Kelly y el baterista Smiley Winters.

En 1961, Sanders se mudó a Nueva York,donde luchó. Incapaz de ganarse la vida con su música, se dedicó a empeñar su trompa, a realizar trabajos no musicales y, a veces, a dormir en el metro. Durante este período, tocó con varias luminarias del free jazz, incluidos Sun Ra, Don Cherry y Billy Higgins. Sanders formó su primer grupo en 1963, con el pianista John Hicks (con quien continuaría tocando ocasionalmente hasta los años 90), el bajista Wilbur Ware y el baterista Higgins. Cuando el grupo tocó en un compromiso en Village Gate de Nueva York, un miembro de la audiencia era John Coltrane, a quien aparentemente le gustó lo que escuchó. A finales de 1964, Coltrane le pidió a Sanders que se sentara con su banda. Para el año siguiente, tocaba regularmente con el grupo Coltrane, aunque nunca fue nombrado miembro oficial de la banda. Los conjuntos de Coltrane con Sanders fueron algunos de los más controvertidos en la historia del jazz. Su música, representada por las grabaciones del grupo (Om, Live at the Village Vanguard Nuevamente, y Live in Seattle entre ellos) representa una deserción casi total de los conceptos tradicionales del jazz , como el swing y la armonía funcional, en favor de una mezcla orgánica abundante, irregularmente estructurada, de sonido por el sonido. La fuerza era una necesidad en esa banda, y como Coltrane pronto se dio cuenta, Sanders la tenía en abundancia.

Sanders grabó su primer disco como líder en 1964 para el sello ESP. Después de la muerte de Coltrane en 1967, Sanders trabajó brevemente con su viuda, Alice Coltrane. Sin embargo, a partir de finales de los 60, trabajó principalmente como líder de sus propios conjuntos. De 1966 a 1971, lanzó varios álbumes en Impulse, incluidos Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971) y Thembi (1971). A mediados de los 70 grabó su esfuerzo más comercial, Love Will Find a Way (Arista, 1977); resultó ser un breve desvío. Desde finales de los 70 hasta 1987, grabó para el pequeño sello independiente Theresa. A partir de 1987, Sanders grabó para los sellos Evidence y Timeless. El primero compró Theresa Records en 1991 y posteriormente relanzó la producción de Sanders para esa compañía.

En 1995, hizo su primer álbum con un sello importante en muchos años, Message from Home (producido por Bill Laswell para Verve). Los dos siguieron a ese en 1999 con Save Our Children. En 2000, Sanders lanzó Spirits, una suite en vivo multiétnica con Hamid Drake y Adam Rudolph. En las décadas posteriores a sus primeras grabaciones con Coltrane, Sanders se convirtió en un artista más completo, capaz de tocar de manera convincente en una variedad de contextos, desde el libre hasta el mainstream.

A lo largo de la década de 2000, Sanders tocó en el circuito de festivales y colaboró en grabaciones con varios artistas, incluidos Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco y otros. En 2015, recibió un premio NEA Jazz Master, junto con Gary Burton, Wendy Oxenhorn y Archie Shepp. Es el premio más alto de América del Norte para el género. En 2020, se lanzó una presentación de concierto de archivo como Live in Paris (1975). Al año siguiente, Sanders trabajó con Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en un álbum de material completamente nuevo llamado Promises. Lanzado en marzo de 2021, el disco recibió elogios críticos casi universales. Resultó ser el último álbum que lanzaría en su vida. El faraón Sanders murió el 24 de septiembre de 2022 en su casa de Los Ángeles a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

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Lord Cody & The Coralites • Calypso At Its Best

Group from the Bahamas, formed in the late 50s to mid 60s.

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Oscar Peterson Trio feat. Herb Ellis • At Zardi's

One of the most admired pianists in jazz, Oscar Peterson has rightfully claimed the same sort of status as earlier greats such as James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson, Fats Waller, Thelonious Monk, Bud Powell, and Bill Evans. Possibly the most successful artist produced by Canada, he appeared on well over 200 albums spanning six decades and won numerous awards, including eight Grammys. During his career he performed and recorded with, among others, Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Duke Ellington, and Charlie Parker. He was beyond doubt an authentic jazz piano virtuoso, with a remarkable and prolific legacy of recordings and performances.

Oscar Emmanuel Peterson, CC, CQ, O.Ont was born on August 15, 1925 in Montreal, Quebec.He began learning trumpet and piano from his father at the age of five, but by the age of seven, after a bout of tuberculosis, he concentrated on the piano. Some of the artists who influenced Peterson during the early years were Teddy Wilson, Nat "King" Cole, James P. Johnson and the legendary Art Tatum, to whom many have tried to compare Peterson in later years. In fact, one of his first exposures to the musical talents of Tatum came early in his teen years when his father played a Tatum record to him and Peterson was so intimidated by what he heard that he did not touch the piano for over a week.

Peterson has also credited his sister Daisy, a noted piano teacher in Montreal who also taught several other noted Canadian jazz musicians, with being an important teacher and influence on his career.

He soon developed a reputation as a technically brilliant and melodically inventive jazz pianist, and became a regular on Canadian radio. His United States introduction was at Carnegie Hall, New York City in 1949 by Norman Granz; owing to union restrictions his appearance could not be billed.

An important step in his career was joining impresario Norman Granz's labels (especially Verve records) and Granz's Jazz at the Philharmonic package. Granz discovered Peterson in a peculiar manner: as the impresario was being taken to the Montreal airport by cab, the radio was playing a live broadcast of Peterson at a local night club. He was so smitten by what he heard that he ordered the driver to take him to the club so he could meet the pianist. So was born a lasting relationship, and Granz remained Peterson's manager for most of the latter's career. Through Granz's Jazz at the Philarmonic he was able to play with the major jazz artists of the time: some of his musical associates have included Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie, and Stan Getz.

Some cognoscenti assert that Peterson's best recordings were made for the MPS label in the late '60s and early '70s. For some years subsequently he recorded for Granz's Pablo Records after the label was founded in 1973 and in more recent years for the Telarc label.

In 1993, Peterson suffered a serious stroke that weakened his left side and sidelined him for two years. However he has overcome this setback and is today still working on a limited basis. In 1997 he received a Grammy for Lifetime Achievement and an International Jazz Hall of Fame Award, proof that Oscar Peterson is still regarded as one of the greatest jazz musicians ever to play.

In 2003, Peterson recorded a DVD A Night in Vienna for the Verve label, which clearly shows that Peterson's age limits his technical powers. Even so, his playing has lost but little of its charm, and he still tours the US and Europe, though maximally one month a year, with a couple of days rest between concerts to recover his strength. His accompaniment consists of Ulf Wakenius (guitar), David Young (bass) and Alvin Queen (drums), all leaders of their own groups.

His work has earned him seven Grammy awards over the years and he was elected to the Canadian Music Hall of Fame in 1978. He also belongs to the Juno Awards Hall of Fame and the Canadian Jazz and Blues Hall of Fame.

He was made an Officer of the Order of Canada in 1972, and promoted to Companion, its highest rank, in 1984. He is also a member of the Order of Ontario, a Chevalier of the National Order of Quebec, and an officer of the French Ordre des Arts et des Lettres.

He has received the Roy Thomson Award, a Toronto Arts Award for lifetime achievement, the Governor General's Performing Arts Award, the Glenn Gould Prize, the award of the International Society for Performing Artists, the Loyola Medal of Concordia University, the Praemium Imperiale World Art Award, the UNESCO Music Prize, and the Toronto Musicians' Association Musician of the Year award.

In 1999, Concordia University in Montreal renamed their Loyola-campus concert hall Oscar Peterson Concert Hall in his honor.

From 1991 to 1994 he was chancellor of York University in Toronto.

In 2004 the City of Toronto named the courtyard of the Toronto-Dominion Centre Oscar Peterson Square.

On August 15, 2005 Peterson celebrated his 80th birthday at the HMV flagship store in Toronto. A crowd of about 200 gathered to celebrate with him there. Diana Krall sang happy birthday to him and also performed a vocal version of one of Peterson's songs When Summer Comes. The lyrics for this version were written by Elvis Costello, Krall's husband. Canada Post unveiled a commemorative postage stamp in his honor. This marked the first time that a Canadian postage stamp was created celebrating an individual who was still alive other than members of the British Royal Family. The event was covered by a live radio broadcast by Toronto jazz station, jazz.fm.

Oscar Peterson, who sat atop the world of jazz piano for decades with his driving two-handed swing, technical wizardry and rapid-fire solos, died on Dec. 23, 2007, he was 82.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/oscar-peterson/

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Oscar Peterson, uno de los pianistas más admirados del jazz, ha reclamado legítimamente el mismo tipo de estatus que los grandes anteriores como James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson, Fats Waller, Thelonious Monk, Bud Powell y Bill Evans. Posiblemente el artista más exitoso producido por Canadá, apareció en más de 200 álbumes que abarcaron seis décadas y ganó numerosos premios, incluidos ocho Grammys. Durante su carrera actuó y grabó con, entre otros, Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Duke Ellington y Charlie Parker. Era sin duda un auténtico virtuoso del piano de jazz, con un notable y prolífico legado de grabaciones e interpretaciones.

Oscar Emmanuel Peterson, CC, CQ, O. Ont nació el 15 de agosto de 1925 en Montreal, Quebec.Comenzó a aprender trompeta y piano de su padre a los cinco años, pero a los siete, después de un ataque de tuberculosis, se concentró en el piano. Algunos de los artistas que influyeron en Peterson durante los primeros años fueron Teddy Wilson, Nat "King" Cole, James P. Johnson y el legendario Art Tatum, con quien muchos han tratado de comparar a Peterson en años posteriores. De hecho, una de sus primeras exposiciones al talento musical de Tatum se produjo a principios de su adolescencia, cuando su padre le tocó un disco de Tatum y Peterson se sintió tan intimidado por lo que escuchó que no tocó el piano durante más de una semana.

Peterson también le ha dado crédito a su hermana Daisy, una destacada profesora de piano en Montreal que también enseñó a varios otros destacados músicos de jazz canadienses, por ser una maestra importante e influencia en su carrera.

Pronto desarrolló una reputación como pianista de jazz técnicamente brillante y melódicamente inventivo, y se convirtió en un habitual de la radio canadiense. Su presentación en los Estados Unidos fue en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York en 1949 por Norman Granz; debido a restricciones sindicales, su aparición no pudo ser facturada.

Un paso importante en su carrera fue unirse a los sellos del empresario Norman Granz (especialmente Verve records) y al paquete Jazz at the Philharmonic de Granz. Granz descubrió a Peterson de una manera peculiar: mientras el empresario era llevado al aeropuerto de Montreal en taxi, la radio transmitía en vivo a Peterson en un club nocturno local. Quedó tan impresionado por lo que escuchó que ordenó al conductor que lo llevara al club para que pudiera conocer al pianista. Así nació una relación duradera, y Granz siguió siendo el manager de Peterson durante la mayor parte de la carrera de este último. A través del Jazz de Granz en la Filarmónica, pudo tocar con los principales artistas de jazz de la época: algunos de sus asociados musicales han incluido a Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie y Stan Getz.

Algunos conocedores afirman que las mejores grabaciones de Peterson se realizaron para el sello MPS a fines de los 60 y principios de los 70. Durante algunos años posteriormente grabó para Pablo Records de Granz después de que se fundara el sello en 1973 y en años más recientes para el sello Telarc.

En 1993, Peterson sufrió un derrame cerebral grave que debilitó su lado izquierdo y lo dejó de lado durante dos años. Sin embargo, ha superado este revés y hoy en día sigue trabajando de forma limitada. En 1997 recibió un Grammy por su Trayectoria y un Premio del Salón de la Fama del Jazz Internacional, prueba de que Oscar Peterson todavía es considerado como uno de los mejores músicos de jazz que jamás haya tocado.

En 2003, Peterson grabó un DVD A Night in Vienna para el sello Verve, que muestra claramente que la edad de Peterson limita sus poderes técnicos. Aun así, su forma de tocar ha perdido muy poco de su encanto, y todavía realiza giras por EE.UU. y Europa, aunque como máximo un mes al año, con un par de días de descanso entre conciertos para recuperar fuerzas. Su acompañamiento está formado por Ulf Wakenius (guitarra), David Young (bajo) y Alvin Queen (batería), todos líderes de sus propios grupos.

Su trabajo le ha valido siete premios Grammy a lo largo de los años y fue elegido miembro del Salón de la Fama de la Música Canadiense en 1978. También pertenece al Salón de la Fama de los Premios Juno y al Salón de la Fama del Jazz y Blues Canadiense.

Fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá en 1972 y ascendido a Compañero, su rango más alto, en 1984. También es miembro de la Orden de Ontario, Caballero de la Orden Nacional de Quebec y oficial de la Orden Francesa de las Artes y las Letras.

Ha recibido el Premio Roy Thomson, un Premio de las Artes de Toronto por logros de por vida, el Premio de Artes Escénicas del Gobernador General, el Premio Glenn Gould, el premio de la Sociedad Internacional de Artistas Escénicos, la Medalla Loyola de la Universidad de Concordia, el Premio Praemium Imperiale World Art, el Premio de Música de la UNESCO y el premio Músico del Año de la Asociación de Músicos de Toronto.

En 1999, la Universidad de Concordia en Montreal renombró su sala de conciertos Oscar Peterson Concert Hall del campus de Loyola en su honor.

De 1991 a 1994 fue rector de la Universidad de York en Toronto.

En 2004, la ciudad de Toronto nombró al patio del Toronto-Dominion Centre Oscar Peterson Square.

El 15 de agosto de 2005 Peterson celebró su 80 cumpleaños en la tienda insignia de HMV en Toronto. Una multitud de unos 200 se reunió para celebrar con él allí. Diana Krall le cantó feliz cumpleaños y también interpretó una versión vocal de una de las canciones de Peterson Cuando llega el verano. La letra de esta versión fue escrita por Elvis Costello, el esposo de Krall. Canada Post dio a conocer un sello postal conmemorativo en su honor. Esta fue la primera vez que se creó un sello postal canadiense para celebrar a una persona que aún estaba viva, aparte de los miembros de la Familia Real Británica. El evento fue cubierto por una transmisión de radio en vivo por Toronto jazz station, jazz.fm.

Oscar Peterson, quien se sentó en la cima del mundo del piano de jazz durante décadas con su swing a dos manos, su magia técnica y sus solos rápidos, murió el 2 de diciembre. El 23 de septiembre de 2007, tenía 82 años.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/oscar-peterson/

oscarpeterson.com ...

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Tuesday, July 2, 2024

Russell Malone • Live At Lucille

Biography
by Matt Collar
An adept jazz guitarist with a clean attack and fluid, lyrical style, Russell Malone often plays in a swinging, straight-ahead style, weaving in elements of blues, gospel, and R&B. Born in Albany, Georgia in 1963, Malone first began playing guitar around age four on a toy instrument, quickly graduating to the real thing. Largely self-taught, he initially drew inspiration listening to the recordings of gospel and blues artists including the Dixie Hummingbirds and B.B. King. However, after seeing George Benson perform with Benny Goodman on a television show, Malone was hooked on jazz and began intently studying albums by legendary guitarists like Charlie Christian and Wes Montgomery.

By his twenties, Malone was an accomplished performer, and in 1988 he joined organist Jimmy Smith's band. Soon after, he also became a member of Harry Connick, Jr.'s big band, appearing on Connick's 1991 effort Blue Light, Red Light. With his growing reputation as a sideman, Malone next caught the attention of pianist/vocalist Diana Krall, with whom he would work throughout much of the '90s and 2000s. Also during this period, Malone appeared with a bevy of name artists including Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford, Ray Brown, and others.

As a solo artist, Malone made his debut with 1992's Russell Malone, followed a year later by Black Butterfly. In 1999, he released Sweet Georgia Peach, which featured a guest appearance from pianist Kenny Barron. Malone kicked off the 2000s with several albums on Verve, including 2000's Look Who's Here and 2001's orchestral jazz-themed Heartstrings. He then moved to Maxjazz for 2004's Playground, featuring a guest appearance from saxophonist Gary Bartz, followed by 2010's Triple Play.

Over the next several years, Malone appeared on albums by Wynton Marsalis, Christian McBride, and Ron Carter, as well as Krall bandmate bassist Ben Wolfe. He returned to solo work in 2015 with the eclectic small-group album Love Looks Good on You, followed a year later by All About Melody, both on HighNote. In 2017, he delivered his third HighNote album, Time for the Dancers, featuring his quartet with pianist Rick Germanson, bassist Luke Sellick, and drummer Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Biografía
por Matt Collar
Adepto guitarrista de jazz con un ataque limpio y un estilo fluido y lírico, Russell Malone toca a menudo con un estilo swing y directo, entrelazando elementos de blues, gospel y R&B. Nacido en Albany, Georgia, en 1963, Malone empezó a tocar la guitarra a los cuatro años con un instrumento de juguete, y pronto pasó a tocar la guitarra de verdad. De formación autodidacta, al principio se inspiró en las grabaciones de artistas de gospel y blues como los Dixie Hummingbirds y B.B. King. Sin embargo, tras ver a George Benson tocar con Benny Goodman en un programa de televisión, Malone se enganchó al jazz y empezó a estudiar atentamente discos de guitarristas legendarios como Charlie Christian y Wes Montgomery.

A los veinte años, Malone ya era un consumado intérprete, y en 1988 se unió a la banda del organista Jimmy Smith. Poco después, se convirtió en miembro de la big band de Harry Connick, Jr. y apareció en el álbum de Connick de 1991 Blue Light, Red Light. Con su creciente reputación como músico de acompañamiento, Malone llamó la atención de la pianista y vocalista Diana Krall, con quien trabajó durante gran parte de los años 90 y 2000. También durante este periodo, Malone actuó con un grupo de artistas de renombre como Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford y Ray Brown, entre otros.

Como solista, Malone debutó con Russell Malone en 1992, seguido un año después por Black Butterfly. En 1999 publicó Sweet Georgia Peach, que contó con la participación del pianista Kenny Barron. Malone inició la década de 2000 con varios álbumes en Verve, entre ellos Look Who's Here, de 2000, y Heartstrings, de 2001, de temática jazz orquestal. Luego pasó a Maxjazz para Playground (2004), con la participación del saxofonista Gary Bartz, y Triple Play (2010).

En los años siguientes, Malone apareció en álbumes de Wynton Marsalis, Christian McBride y Ron Carter, así como del bajista Ben Wolfe, compañero de banda de Krall. Volvió a trabajar en solitario en 2015 con el ecléctico álbum para pequeños grupos Love Looks Good on You, seguido un año después por All About Melody, ambos en HighNote. En 2017, publicó su tercer álbum en HighNote, Time for the Dancers, en el que presenta a su cuarteto con el pianista Rick Germanson, el bajista Luke Sellick y el batería Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Milton Banana Trio • Vê

Biography
by Alvaro Neder
Milton Banana is the musician who invented the bossa nova drumming style. An extremely busy session man during the first period of bossa nova, he recorded the historic Chega de Saudade (João Gilberto's debut album), the equally historic Getz-Gilberto, and recorded extensively with Tom Jobim, João Donato, and many others. He also performed gigs every night with people like Luís Eça, Johnny Alf, Roberto Menescal, Carlos Lyra, Ed Lincoln, Newton Mendoça, Claudete Soares, Baden Powell, Sérgio Mendes, Luís Bonfá, Bola Sete (in Punta del Este, Uruguay), and others.

Milton Banana started to be interested in music very early in life, especially percussion, and was always a fan of Orquestra Tabajara. A self-taught musician, soon he was playing with several dance bands, such as Steve Bernard's, Djalma Ferreira's, Gerardi e Seu Conjunto Rex, and others. In 1955, he joined Waldir Calmon's group, performing at the Arpège nightclub (Rio). Soon after, he went on to Djalma Ferreira's group, Os Milionários do Ritmo, which performed regularly at the Drink nightclub. In 1956, he joined the Luis Eça Trio, playing at the focal point of bossa nova, the Plaza nightclub. In 1959, Milton Banana debuted as a recording artist, participating inJoão Gilberto's first album, Chega de Saudade. In 1962, he participated in the important show Encontro (produced by Aluísio de Oliveira), together with João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes, and Os Cariocas, at the Au Bon Gourmet nightclub (Rio). In that same year, he traveled to Argentina with João Gilberto, where they spent a season at the 676 nightclub. In November, he went to New York and played at the Carnegie Hall Bossa Nova Festival. In 1963, he played the drums on the Getz-Gilberto album and toured with João Gilberto, João Donato (piano), and Tião Neto (bass) through Italy and France. Returning to Brazil, he formed his group, the Milton Banana Trio. At that time it was very unusual for a drummer to lead a group. The trio, which had several different lineups, recorded nine albums for Odeon and some more for RCA, another rare accomplishment for a Brazilian drummer. Some of those LPs have been reissued as CDs, such as Balançando com o Milton Banana Trio, Sambas de Bossa: Milton Banana, Os Originais: Milton Banana Trio, and Ao Meu Amigo Tom. In 1965, Milton Banana accompanied João Gilberto in his Brazil performances. In 1977, he performed, together with João Donato, in the group Fogueira 3, playing Afro-sambas. He scaled back his activities, but occasionally performed his solo acts until his death.
https://www.allmusic.com/artist/milton-banana-mn0000489989/biography

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Biografía
por Alvaro Neder

Milton Banana es el músico que inventó el estilo de batería de la bossa nova. Músico de sesión muy ocupado durante el primer período de la bossa nova, grabó el histórico Chega de Saudade (el álbum de debut de João Gilberto), el igualmente histórico Getz-Gilberto, y grabó extensamente con Tom Jobim, João Donato y muchos otros. También actuó todas las noches con gente como Luís Eça, Johnny Alf, Roberto Menescal, Carlos Lyra, Ed Lincoln, Newton Mendoça, Claudete Soares, Baden Powell, Sérgio Mendes, Luís Bonfá, Bola Sete (en Punta del Este, Uruguay), y otros.

Milton Banana empezó a interesarse por la música muy pronto, especialmente por la percusión, y siempre fue un fan de la Orquesta Tabajara. Músico autodidacta, pronto tocó con varias orquestas de baile, como la de Steve Bernard, Djalma Ferreira, Gerardi e Seu Conjunto Rex, y otras. En 1955, se unió al grupo de Waldir Calmon, actuando en la discoteca Arpège (Río). Poco después, pasó al grupo de Djalma Ferreira, Os Milionários do Ritmo, que actuaba regularmente en la discoteca Drink. En 1956, se unió al Trío Luis Eça, que actuaba en el centro neurálgico de la bossa nova, la discoteca Plaza. En 1959, Milton Banana debutó como artista discográfico, participando en el primer álbum de João Gilberto, Chega de Saudade. En 1962, participó en el importante espectáculo Encontro (producido por Aluísio de Oliveira), junto con João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes y Os Cariocas, en la discoteca Au Bon Gourmet (Río). Ese mismo año, viajó a Argentina con João Gilberto, donde pasaron una temporada en la discoteca 676. En noviembre, viajó a Nueva York y tocó en el Carnegie Hall Bossa Nova Festival. En 1963, tocó la batería en el álbum Getz-Gilberto y realizó una gira con João Gilberto, João Donato (piano) y Tião Neto (bajo) por Italia y Francia. De vuelta a Brasil, formó su grupo, el Milton Banana Trio. En aquella época era muy poco habitual que un batería dirigiera un grupo. El trío, que tuvo varias formaciones diferentes, grabó nueve álbumes para Odeon y algunos más para RCA, otro raro logro para un batería brasileño. Algunos de esos LP se han reeditado en CD, como Balançando com o Milton Banana Trio, Sambas de Bossa: Milton Banana, Os Originais: Milton Banana Trio y Ao Meu Amigo Tom. En 1965, Milton Banana acompañó a João Gilberto en sus actuaciones en Brasil. En 1977, actuó, junto con João Donato, en el grupo Fogueira 3, tocando afro-sambas. Redujo sus actividades, pero de vez en cuando actuó en solitario hasta su muerte.
https://www.allmusic.com/artist/milton-banana-mn0000489989/biography

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The Norman Amadio Trio • The Norman Amadio Trio

Norman Amadio (born April 14, 1928, Timmins, Ontario, Canada – died January 21, 2020) was a Canadian jazz pianist, piano teacher, music coach, composer, arranger, session player, band leader and accompanist. For a span of fifty years he worked for the CBC as an orchestra leader and musical director for many TV series. In 1956, he became the first and only Canadian to play at the original Birdland in New York City and played opposite Duke Ellington.
https://www.discogs.com/artist/1436275-Norman-Amadio

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Norman Amadio (nacido el 14 de abril de 1928, Timmins, Ontario, Canadá - fallecido el 21 de enero de 2020) fue un pianista de jazz canadiense, profesor de piano, entrenador musical, compositor, arreglista, músico de sesión, director de orquesta y acompañante. Durante cincuenta años trabajó para la CBC como director de orquesta y director musical de numerosas series de televisión. En 1956, se convirtió en el primer y único canadiense en tocar en el Birdland original de Nueva York y tocó junto a Duke Ellington.
https://www.discogs.com/artist/1436275-Norman-Amadio

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The Filthy Six • More Filth

The Filthy Six are possibly the most exciting, authentic Soul Jazz outfit in the UK today and have established themselves as one of the most electric live acts on the scene. Their soaring horns, blistering guitar and gut-wrenching Hammond are fuelled by one of the hardest grooving rhythm sections around producing a hip-shakingly powerful mixture of jazz, funk and boogaloo totally in keeping with the finest traditions of the late 60s Blue Note/Prestige sound. These instrumental groove merchants fuse boundless energy and musicianship to create tight, funky music for the mind, body and soul.

Led by trumpeter Nick Etwell (Tom Jones, Beck, David Axelrod, Mumford & Sons) this crack unit of musical gunslingers have played with some of the biggest names in music: Amy Winehouse, Mavis Staples, Jill Scott, Mark Ronson, Noel Gallagher, Jack White, Dionne Warwick, Roger Daltrey, Roy Harper, Ronnie Spector, Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, Basement Jaxx, Spiritualized, Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Madness, Belle & Sebastian, Galactic, Atomic Bomb Band and the James Taylor Quartet to name a few. From their literal 'underground' beginnings at the infamous Tatty Bogle Club, deep beneath the heart of London's Soho, the band built up a faithful following at their monthly 'Thursday Boogaloo' sessions in the early/mid 00's. Moving above ground and into venues across London and beyond they gained notoriety for the intensity of their live shows. This reputation took them up and down the country and out into the festival arena, spreading the Filthy gospel further afield as they went. After signing to Acid Jazz Records in 2009 the band released their eponymous debut LP in June 2010, attracting new fans and rave reviews in the process. The next couple of years saw the recording of live sessions for Mark Lamarr (Radio2), Robert Elms (BBC London) and the Craig Charles Funk & Soul Show (6Music) for BBC Radio as well as performing a series of scintillating festival sets at the London, Marlborough, Greenwich, Ealing, Reading and Isle of Wight Jazz Festivals, Vintage at Goodwood (where they also backed up Northern Soul legend Ann Sexton), Edinburgh Festival, St Paul Soul Jazz Festival (France) and a headline slot at the Jazz Lounge, Glastonbury. The Filthy horns also squeezed in a little hop across the pond to join Brit funkateers The New Mastersounds at one of their legendary 'House Of Blues' sets at the New Orleans Jazz Festival. In between all of this they topped the bill at the Acid Jazz 21st Anniversary show, recorded a second album and still found time to bring the house down at some of London’s most discerning music venues: Jazz Café, Pizza Express Jazz Club, Cargo, Vortex and the world famous Ronnie Scott's Jazz Club. 2012 brought their second release for Acid Jazz - The Fox - which garnered plaudits from scenesters and critics alike, including 'Album of the week' on Jazz FM. An 11 date tour of the UK and Ireland followed, furthering their reputation as a live act not to be missed. The next few years were busy with over 100 gigs, highlights including 3 Sold Out shows for the Craig Charles Funk & Soul Club, 2 Sold Out shows at the Pizza Express Jazz Club, London, a headline slot at the Isle Of Wight Festival (Jazz Stage), short runs in France and Spain and their first gigs in the US. In 2014 the band completed three tours over six months in the States, with two extended trips across the 'Dirty South' and a 4 date run around New York, recording live sessions for KUT Radio (Austin TX), Daytrotter (Nashville TN), The Birthplace Sessions (Tupelo MS), Spectra Sonic Sound Sessions (Birmingham AL) and the Echo Sessions, set in beautiful Asheville, North Carolina. 2015 saw the release of 2 short films documenting their forays across The South with the help of their good friends at Stetson. That year also saw the completion of their third studio album, a series of monthly nights at the Brooklyn Bowl London and a run of after-show gigs for the Mumford & Sons 'Gentlemen Of The Road' festivals across America. March 2016 brought the release of a third studio album on Acid Jazz Records - More Filth - a record scientifically engineered to have people moving and grooving so hard they burned holes in not 1 but 2 pairs of boots and a large chunk of that dance floor as well. The following few years saw the band tour the UK, Finland, Spain and the US, with a live version of Mr Morris (from their Spectra Sonic Sound Session) appearing on Freestyle Records' release - Craig Charles Funk & Soul Club : Vol 5.

After the enforced pause of the global pandemic the band headed back into the studio for two fruitful sessions in 2021, bringing out their first new music in 5 years on Color Red Music - Soho Filth (Live from Dean St Studios) - with resulting airplay on BBC Radio 2, BBC6 Music and JazzFM among others. 2022 started with a headline return to Ronnie Scott’s Jazz Club and kickstarted a run of UK club shows across the summer, tours in Finland and the US, and the release of new single - Exit Music - from their fourth full length album (out 2024). 2023 saw shows at clubs and festivals across the UK including 2 Sold Out shows at Pizza Express Jazz Club, Soho, and the hosting of 2 Late Late Shows at the one and only Ronnie Scott’s, while also putting the finishing touches to LP #4. Keep your eyes and ears open for more news on this release as we move through 2024, and in the meantime… stay Filthy.
http://thefilthysix.com/menu

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The Filthy Six son posiblemente el grupo de Soul Jazz más excitante y auténtico del Reino Unido y se han establecido como uno de los grupos más eléctricos de la escena. Sus potentes vientos, sus guitarras abrasadoras y su Hammond desgarrador son alimentados por una de las secciones rítmicas con más ritmo del momento, produciendo una poderosa mezcla de jazz, funk y boogaloo que sacude las caderas, totalmente en consonancia con las mejores tradiciones del sonido Blue Note/Prestige de finales de los años sesenta. Estos mercaderes del groove instrumental fusionan una energía y una musicalidad sin límites para crear música ajustada y funky para la mente, el cuerpo y el alma.

Liderados por el trompetista Nick Etwell (Tom Jones, Beck, David Axelrod, Mumford & Sons), este grupo de pistoleros musicales ha tocado con algunos de los nombres más importantes de la música: Amy Winehouse, Mavis Staples, Jill Scott, Mark Ronson, Noel Gallagher, Jack White, Dionne Warwick, Roger Daltrey, Roy Harper, Ronnie Spector, Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, Basement Jaxx, Spiritualized, Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Madness, Belle & Sebastian, Galactic, Atomic Bomb Band y James Taylor Quartet, por nombrar algunos. Desde sus comienzos literalmente "underground" en el infame Tatty Bogle Club, en las profundidades del corazón del Soho londinense, la banda se hizo con un público fiel en sus sesiones mensuales "Thursday Boogaloo" a principios y mediados de la década de los noventa. Al salir a la superficie y actuar en locales de Londres y otros lugares, adquirieron notoriedad por la intensidad de sus actuaciones en directo. Esta reputación les llevó por todo el país y a los festivales, extendiendo el evangelio de Filthy por todas partes. Tras firmar con Acid Jazz Records en 2009, la banda publicó su primer LP homónimo en junio de 2010, atrayendo a nuevos fans y críticas muy favorables en el proceso. Los dos años siguientes grabaron sesiones en directo para Mark Lamarr (Radio2), Robert Elms (BBC London) y el Craig Charles Funk & Soul Show (6Music) para BBC Radio, además de actuar en una serie de festivales en Londres, Marlborough, Greenwich, Ealing, Reading y los festivales de jazz de la Isla de Wight, Vintage en Goodwood (donde también actuaron como teloneros de la leyenda del Northern Soul Ann Sexton), el Festival de Edimburgo, el St Paul Soul Jazz Festival (Francia) y como cabezas de cartel en el Jazz Lounge de Glastonbury. Los Filthy Horns también dieron un pequeño salto al otro lado del charco para unirse a los funkateers británicos The New Mastersounds en una de sus legendarias actuaciones "House Of Blues" en el Festival de Jazz de Nueva Orleans. En medio de todo esto, encabezaron el cartel del 21º aniversario de Acid Jazz, grabaron un segundo álbum y aún encontraron tiempo para arrasar en algunos de los locales musicales más exigentes de Londres: Jazz Café, Pizza Express Jazz Club, Cargo, Vortex y el mundialmente famoso Ronnie Scott's Jazz Club. En 2012 publicaron su segundo álbum para Acid Jazz, The Fox, que cosechó elogios de la escena y la crítica, incluido el "Álbum de la semana" en Jazz FM. Una gira de 11 fechas por el Reino Unido e Irlanda siguió, fomentando su reputación como un acto en vivo que no debe perderse. Los años siguientes fueron ajetreados con más de 100 conciertos, entre los que destacan 3 conciertos con entradas agotadas para el Craig Charles Funk & Soul Club, 2 conciertos con entradas agotadas en el Pizza Express Jazz Club de Londres, un puesto de cabeza de cartel en el Festival de la Isla de Wight (Jazz Stage), breves giras por Francia y España y sus primeros conciertos en Estados Unidos. En 2014 la banda completó tres giras de seis meses en los Estados Unidos, con dos viajes extendidos a través del "Dirty South" y una carrera de 4 fechas alrededor de Nueva York, grabando sesiones en vivo para KUT Radio (Austin TX), Daytrotter (Nashville TN), The Birthplace Sessions (Tupelo MS), Spectra Sonic Sound Sessions (Birmingham AL) y las Echo Sessions, establecidas en la hermosa Asheville, Carolina del Norte. 2015 vio el lanzamiento de 2 cortometrajes que documentan sus incursiones a través del Sur con la ayuda de sus buenos amigos de Stetson. Ese año también terminaron su tercer álbum de estudio, una serie de noches mensuales en el Brooklyn Bowl de Londres y una serie de actuaciones después de los conciertos de los festivales "Gentlemen Of The Road" de Mumford & Sons por América. Marzo de 2016 trajo el lanzamiento de un tercer álbum de estudio en Acid Jazz Records - More Filth - un disco científicamente diseñado para que la gente se moviera y bailara tan fuerte que quemaron agujeros en no 1, sino 2 pares de botas y una gran parte de la pista de baile también. En los años siguientes, la banda realizó giras por el Reino Unido, Finlandia, España y los Estados Unidos, y una versión en directo de Mr Morris (de su Spectra Sonic Sound Session) apareció en el lanzamiento de Freestyle Records - Craig Charles Funk & Soul Club : Vol 5.

Después de la pausa forzada de la pandemia mundial, la banda volvió al estudio para dos sesiones fructíferas en 2021, sacando su primera música nueva en 5 años en Color Red Music - Soho Filth (Live from Dean St Studios) - con la consiguiente difusión en BBC Radio 2, BBC6 Music y JazzFM entre otros. 2022 comenzó con un regreso como cabeza de cartel al Ronnie Scott's Jazz Club y dio el pistoletazo de salida a una serie de conciertos en clubes del Reino Unido durante el verano, giras por Finlandia y los EE.UU., y el lanzamiento de un nuevo single - Exit Music - de su cuarto álbum de larga duración (que saldrá en 2024). 2023 fue testigo de conciertos en clubes y festivales de todo el Reino Unido, incluyendo 2 conciertos con entradas agotadas en el Pizza Express Jazz Club, Soho, y la celebración de 2 Late Late Shows en el único Ronnie Scott's, mientras que también daban los toques finales al LP #4. Mantén tus ojos y oídos abiertos para más noticias sobre este lanzamiento a medida que avanzamos hacia 2024, y mientras tanto... mantente Filthy.
http://thefilthysix.com/menu

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Al Cohn • Play It Now

Review
by Scott Yanow
Tenor saxophonist Al Cohn did some of his finest playing during his period (1975-80) with Xanadu. For this quartet set, Cohn is ably backed by the great bop pianist Barry Harris, bassist Larry Ridley and drummer Alan Dawson. Cohn, who had spent much of his career as a successful arranger/composer, contributed only one of the six numbers ("Play It Now") on the album and was content to jam spiritedly on such tunes as "Lover," "Irresistible You" and "It's Sand, Man."
https://www.allmusic.com/album/play-it-now-mw0000897852

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Reseña
por Scott Yanow
El saxofonista tenor Al Cohn realizó algunas de sus mejores interpretaciones durante su período (1975-80) con Xanadu. Para este conjunto de cuarteto, Cohn está hábilmente respaldado por el gran pianista de bop Barry Harris, el bajista Larry Ridley y el baterista Alan Dawson. Cohn, que había pasado gran parte de su carrera como exitoso arreglista/compositor, sólo contribuyó con uno de los seis números ("Play It Now") del álbum y se contentó con improvisar animadamente en temas como "Lover", "Irresistible You" y "It's Sand, Man".
https://www.allmusic.com/album/play-it-now-mw0000897852

Colaborador / Contributor: Pierre

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Louis Smith • Here Comes Louis Smith

Review
by Scott Yanow
Louis Smith had a brilliant debut on this Blue Note album, his first of two before becoming a full-time teacher. The opener (Duke Pearson's "Tribute to Brownie") was a perfect piece for Smith to interpret, since his style was heavily influenced by Clifford Brown (who had died the previous year). He is also in excellent form on four of his basic originals and takes a particularly memorable solo on a haunting rendition of "Stardust." Altoist Cannonball Adderley (who used the pseudonym of "Buckshot La Funke" on this set, a name later used by Branford Marsalis), Duke Jordan or Tommy Flanagan on piano, bassist Doug Watkins, and drummer Art Taylor make for a potent supporting cast, but the focus is mostly on the criminally obscure Louis Smith. After cutting his second Blue Note set and switching to teaching, Smith would not record again as a leader until 1978. All bop and '50s jazz fans are strongly advised to pick up this CD reissue before it disappears.
https://www.allmusic.com/album/here-comes-louis-smith-mw0000674800

Biography
by Stephen Thomas Erlewine
Louis Smith was a talented but under-recorded straight-ahead bop trumpeter who led two dates in the '50s before retiring to teach at the University of Michigan and the nearby Ann Arbor Public School system. For most of his career, he remained a teacher, making a brief comeback in the late '70s before returning to education. It wasn't until the mid-'90s that he resumed a recording career in earnest, turning out a series of albums for the Steeplechase label.

A native of Memphis, Tennessee, Smith began playing trumpet as a teenager. He graduated high school with a scholarship to Tennessee State University, where he studied music and became a member of the Tennessee State Collegians. Following his college graduation, Smith did a little graduate work at Tennessee before transferring to the University of Michigan, where he studied with professor Clifford Lillya. At Michigan, he had opportunities to play with traveling musicians, including Miles Davis and Dizzy Gillespie. In January 1954, Smith was drafted into the Army, spending a little over a year and a half in his tour of duty. Once he left the Army in late 1955, he began teaching at the Booker T. Washington High School in Atlanta, Georgia. While teaching at Booker T. Washington, Smith continued playing bop and hard bop in clubs, and was able to jam with Cannonball Adderley, Kenny Dorham, Donald Byrd, Lou Donaldson, Zoot Sims, and Philly Joe Jones, among many others.

In 1956, he made his recording debut as a sideman on Kenny Burrell's Swingin'. A year later, he had the opportunity to lead his own recording session for Tom Wilson's Boston-based Transition label. He assembled a quintet featuring Cannonball Adderley (who performed under the pseudonym Buckshot La Funke), bassist Doug Watkins, drummer Art Taylor, and pianists Duke Jordan and Tommy Flanagan, who alternated on the date. Transition went out of business before the label had the chance to release the record. Blue Note chief Alfred Lion purchased all the Transition masters and signed Smith to an exclusive contract, releasing the session as Here Comes Louis Smith. During 1958, the trumpeter played on two Blue Note sessions -- Kenny Burrell's Blue Lights and Booker Little's Booker Little 4 and Max Roach -- in addition to leading the date that became Smithville. That brief burst of activity turned out to be his only recording dates for 20 years.

Smith moved back to the Ann Arbor, Michigan area, where he taught at the University of Michigan and public schools. Between 1978 and 1979, he cut a pair of albums -- Just Friends and Prancin' -- before returning to teaching. A decade later, Smith resumed his recording career in earnest. After playing on Mickey Tucker's Sweet Lotus Lips in 1989, he signed with Steeplechase and recorded Ballads for Lulu in 1990. He didn't return to the studio for another four years, but he did record two albums -- Silvering and Strike Up the Band -- in 1994. The Very Thought of You appeared in 1995. A year later, Smith recorded I Waited for You, which was followed by There Goes My Heart in 1997. Retired from teaching, Smith suffered a stroke in 2006, and subsequently became a regular presence among audience members at Southeastern Michigan jazz venues but did not return to performing or recording. He died in Ann Arbor in August 2016.
https://www.allmusic.com/artist/louis-smith-mn0000420728/biography

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Reseña
por Scott Yanow
Louis Smith tuvo un brillante debut en este álbum de Blue Note, el primero de dos antes de convertirse en profesor a tiempo completo. La primera pieza (Duke Pearson's "Tribute to Brownie") era perfecta para que Smith la interpretara, ya que su estilo estaba fuertemente influenciado por Clifford Brown (fallecido el año anterior). También está en excelente forma en cuatro de sus originales básicos y se marca un solo especialmente memorable en una inquietante interpretación de "Stardust". El contralto Cannonball Adderley (que utilizó el seudónimo de "Buckshot La Funke" en este disco, un nombre que más tarde usaría Branford Marsalis), Duke Jordan o Tommy Flanagan al piano, el bajista Doug Watkins y el batería Art Taylor forman un potente elenco de apoyo, pero la atención se centra sobre todo en el criminalmente oscuro Louis Smith. Tras grabar su segundo disco en Blue Note y dedicarse a la enseñanza, Smith no volvería a grabar como líder hasta 1978. Se recomienda encarecidamente a todos los aficionados al bop y al jazz de los 50 que adquieran esta reedición en CD antes de que desaparezca.
https://www.allmusic.com/album/here-comes-louis-smith-mw0000674800

Biografía
por Stephen Thomas Erlewine
Louis Smith fue un trompetista de bop de gran talento pero poco conocido que lideró dos grupos en los años 50 antes de retirarse para enseñar en la Universidad de Michigan y en el cercano sistema de escuelas públicas de Ann Arbor. Durante la mayor parte de su carrera siguió ejerciendo de profesor, aunque hizo una breve reaparición a finales de los 70 antes de volver a la enseñanza. No fue hasta mediados de los 90 cuando reanudó su carrera discográfica en serio, produciendo una serie de álbumes para el sello Steeplechase.

Natural de Memphis (Tennessee), Smith empezó a tocar la trompeta de adolescente. Se graduó en el instituto con una beca para la Universidad Estatal de Tennessee, donde estudió música y formó parte de los Tennessee State Collegians. Tras graduarse en la universidad, Smith realizó algunos estudios de posgrado en Tennessee antes de trasladarse a la Universidad de Michigan, donde estudió con el profesor Clifford Lillya. En Michigan, tuvo la oportunidad de tocar con músicos itinerantes, como Miles Davis y Dizzy Gillespie. En enero de 1954, Smith fue reclutado por el Ejército, y pasó poco más de año y medio en el servicio militar. Cuando dejó el ejército a finales de 1955, empezó a dar clases en el instituto Booker T. Washington de Atlanta, Georgia. Mientras enseñaba en el Booker T. Washington, Smith siguió tocando bop y hard bop en clubes, y pudo improvisar con Cannonball Adderley, Kenny Dorham, Donald Byrd, Lou Donaldson, Zoot Sims y Philly Joe Jones, entre muchos otros.

En 1956, hizo su debut discográfico como músico de acompañamiento en el álbum Swingin' de Kenny Burrell. Un año más tarde, tuvo la oportunidad de dirigir su propia sesión de grabación para el sello Transition de Tom Wilson, con sede en Boston. Formó un quinteto con Cannonball Adderley (que actuaba bajo el seudónimo de Buckshot La Funke), el bajista Doug Watkins, el batería Art Taylor y los pianistas Duke Jordan y Tommy Flanagan, que se alternaban en la fecha. Transition quebró antes de que el sello tuviera la oportunidad de publicar el disco. El jefe de Blue Note, Alfred Lion, compró todos los masters de Transition y firmó un contrato exclusivo con Smith, publicando la sesión como Here Comes Louis Smith. Durante 1958, el trompetista tocó en dos sesiones de Blue Note -- Blue Lights de Kenny Burrell y Booker Little's Booker Little 4 and Max Roach -- además de liderar la fecha que se convirtió en Smithville. Ese breve estallido de actividad resultó ser sus únicas fechas de grabación durante 20 años.

Smith regresó a la zona de Ann Arbor, Michigan, donde enseñó en la Universidad de Michigan y en escuelas públicas. Entre 1978 y 1979 grabó un par de álbumes, Just Friends y Prancin', antes de volver a la enseñanza. Una década más tarde, Smith retomó su carrera discográfica en serio. Tras tocar en Sweet Lotus Lips de Mickey Tucker en 1989, firmó con Steeplechase y grabó Ballads for Lulu en 1990. No volvió al estudio hasta cuatro años después, pero grabó dos álbumes, Silvering y Strike Up the Band, en 1994. The Very Thought of You apareció en 1995. Un año después, Smith grabó I Waited for You, al que siguió There Goes My Heart en 1997. Retirado de la enseñanza, Smith sufrió un derrame cerebral en 2006, y posteriormente se convirtió en una presencia habitual entre el público de los locales de jazz del sureste de Michigan, pero no volvió a actuar ni a grabar. Falleció en Ann Arbor en agosto de 2016.
https://www.allmusic.com/artist/louis-smith-mn0000420728/biography

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Philip Catherine Trio • I Remember You

Biography by Matt Collar

An immensely gifted Belgian guitarist, Philip Catherine is a highly regarded performer known for his harmonically nuanced, deeply lyrical playing and crisply rounded fretboard touch evident in virtually any style of music he plays: Gypsy jazz, fusion, blues, post-bop, funk, swing, and more. While the jazz populace considered him a fusion player based on 1972's Stream and 1974's September Man, Catherine proved more adventurous -- evidenced by the other artists he worked with during the decade: Kenny Drew, Rolf and Joachim Kuhn, Jean-Luc Ponty, Peter Herbolzheimer, and Larry Coryell (with whom he recorded and toured as an acoustic duo. The following year he recorded with Charles Mingus, who dubbed him "Young Django" (resulting in an album of the same title with Stephane Grappelli, Coryell, and Niels-Henning Ørsted Pedersen in 1979). In the early '80s, Catherine toured with Benny Goodman and played in trios with Chet Baker and Didier Lockwood. After the acclaimed Chet's Choice in 1985, Catherine returned as a leader with the funky, charting Transparence in 1987. During the '90s, the guitarist recorded three albums with trumpeter Tom Harrell, two fine duos with Pedersen (Spanish Nights and Art of the Duo), and a pair of widely acclaimed trio dates with Serge Delaite and George Mraz (Emotionally and Teenagers). Two very electric post-bop fusion outings, Guitar Groove and Blue Prince, appeared under Catherine's name for Dreyfuss Jazz to kick off his 21st century as international hits. 2009's Culture Griot with Baba Sissoko, 2011's Plays Cole Porter, and the live La Belle Vie all registered internationally.

Born in London in 1942 to an English mother and Belgian father, Catherine moved to Brussels with his family at a young age. As a teenager, he became interested in the guitar, influenced at the time by French singer/songwriter and poet George Brassens. By age 14 he was taking lessons, and learning the basic elements of jazz improvisation when he discovered Django Reinhardt. He quickly absorbed the jazz legend's distinctive style, and eventually picked up other influences, including Belgian guitarist René Thomas. He also immersed himself in albums by such luminaries as Art Blakey, Clifford Brown, Max Roach, and others.

Catherine began playing gigs while in his teens, working in a trio with American Hammond B-3 specialist Lou Bennett and drummer Oliver Jackson. There were also stints with Belgian saxophonist Jack Sels and Philadelphia-born/Brussels-based drummer Edgar Bateman. In 1970, violinist Jean-Luc Ponty asked him to join his band and, inspired by contemporaries like John McLaughlin and Larry Coryell, Catherine stayed with Ponty for a year, dedicating himself to the progressive fusion sound. Also during this period, he attended formal music classes at Berklee College of Music in Boston.

After returning to Belgium, Catherine found himself in high demand and developed a bevy of connections, including playing with Klaus Weiss, Les McCann, Karin Krog, Dexter Gordon, and others. As a solo artist, he made his debut with 1971's Stream, a funky, inventive mix of acoustic and electric jazz. He followed up in 1975 with Guitars and September Man, both also highly inventive, fusion-influenced albums. Sessions with Herb Geller, Niels-Henning Ørsted Pedersen, and Charles Mingus followed, as did a duo tour with guitarist Coryell. Also during the '70s, he paired with close associate saxophonist Charlie Mariano for a handful of sessions, and rounded out the decade with his own Nairam, which also featured Mariano, along with trumpeter Palle Mikkelborg and others.

During the '80s, Catherine's profile continued to rise as he released several more well-regarded efforts, including Babel, End of August, and Trio with guitarist Christian Escoude and violinist Didier Lockwood. There also were dates with Aldo Romano, Stéphane Grappelli, and Kenny Drew. Also in the '80s, he gained attention for his work with legendary West Coast trumpeter/vocalist Chet Baker, touring and appearing on such albums as 1983's Mr. B and 1985's Strollin'. Although his 1986 album, Transparence, layered keyboards into his atmospheric sound, his work with Baker pointed toward a more acoustic-leaning aesthetic. It was a sound he further embraced on 1990's I Remember You. Dedicated to Baker (who died in 1989), the album also featured trumpeter/flügelhornist Tom Harrell. Throughout the '90s, Catherine released a steady stream of albums for smaller jazz labels like Enja, Criss Cross, and Dreyfus, including albums like Moods, Vol. 1, Spanish Nights, and 1999's Guitar Groove.

In 2001, he returned with Blue Prince, which found him balancing his love of acoustic jazz and electric fusion. Joining him were trumpeter Bert Joris, bassist Hein van de Geyn, and drummer Hans Van Oosterhout. Joris was also on board for 2002's Summer Night. The orchestral album Meeting Colours followed three years later. The more intimate Guitars Two appeared in 2008. He then joined bassist van de Geyn, pianist Enrico Pieranunzi, and drummer Joe La Barbera for the 2010 live album Concert in Capbreton. A year later, he delivered the trio date Plays Cole Porter, followed by 2013's warmly sophisticated Côté Jardin. The duo album New Folks with bassist Martin Wind followed a year later. He then joined the Orchestre Royal de Chambre de Wallonie for 2015's The String Project: Live in Brussels. In 2017 Catherine was a co-billed soloist with Finnish saxophone legend Eero Koivistoinen on Jazz Liisa 13, and the following year cut La Belle Vie with longtime friend and collaborator Aldo Romano on drums and organist Emmanuel Bex. In 2019, Catherine issued the trio date Manoir de Mes Rêves with upright bassist Sven Faller and acoustic guitarist Paulo Morello. The program of French standards was compiled from pop, jazz and chanson. In 2020, KTI Japan in association with Warner International remastered and reissued Stream.
https://www.allmusic.com/artist/philip-catherine-mn0000287463/biography

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Biografía de Matt Collar
Philip Catherine, un guitarrista belga de gran talento, es un intérprete muy apreciado, conocido por su toque armónico y profundamente lírico, y por su toque de diapasón nítidamente redondeado, evidente en prácticamente cualquier estilo de música que toque: Jazz gitano, fusión, blues, post-bop, funk, swing, etc. Aunque el público del jazz le consideraba un músico de fusión gracias a Stream, de 1972, y September Man, de 1974, Catherine demostró ser más aventurero, como demuestran los otros artistas con los que trabajó durante la década: Kenny Drew, Rolf y Joachim Kuhn, Jean-Luc Ponty, Peter Herbolzheimer y Larry Coryell (con quien grabó y realizó giras como dúo acústico. Al año siguiente grabó con Charles Mingus, que le apodó "el joven Django" (lo que dio lugar a un álbum del mismo título con Stephane Grappelli, Coryell y Niels-Henning Ørsted Pedersen en 1979). A principios de los 80, Catherine realizó una gira con Benny Goodman y tocó en tríos con Chet Baker y Didier Lockwood. Tras el aclamado Chet's Choice en 1985, Catherine volvió como líder con el funky Transparence en 1987. Durante los años 90, el guitarrista grabó tres álbumes con el trompetista Tom Harrell, dos excelentes dúos con Pedersen (Spanish Nights y Art of the Duo), y un par de aclamados tríos con Serge Delaite y George Mraz (Emotionally y Teenagers). Dos trabajos de fusión post-bop muy eléctricos, Guitar Groove y Blue Prince, aparecieron bajo el nombre de Catherine para Dreyfuss Jazz y dieron comienzo a su siglo XXI como éxitos internacionales. Culture Griot, de 2009, con Baba Sissoko, Plays Cole Porter, de 2011, y el directo La Belle Vie se registraron internacionalmente.

Nacido en Londres en 1942, de madre inglesa y padre belga, Catherine se trasladó a Bruselas con su familia a una edad temprana. De adolescente se interesó por la guitarra, influenciada entonces por el cantautor y poeta francés George Brassens. A los 14 años ya tomaba clases y aprendía los elementos básicos de la improvisación del jazz cuando descubrió a Django Reinhardt. Enseguida absorbió el estilo distintivo de la leyenda del jazz, y con el tiempo recogió otras influencias, como el guitarrista belga René Thomas. También se sumergió en álbumes de luminarias como Art Blakey, Clifford Brown, Max Roach y otros.

Catherine comenzó a tocar en su adolescencia, trabajando en un trío con el especialista estadounidense en Hammond B-3 Lou Bennett y el baterista Oliver Jackson. También trabajó con el saxofonista belga Jack Sels y con el baterista Edgar Bateman, nacido en Filadelfia y residente en Bruselas. En 1970, el violinista Jean-Luc Ponty le pidió que se uniera a su banda e, inspirado por contemporáneos como John McLaughlin y Larry Coryell, Catherine permaneció con Ponty durante un año, dedicándose al sonido de fusión progresiva. También durante este periodo, asistió a clases formales de música en el Berklee College of Music de Boston.

A su regreso a Bélgica, Catherine se encontró con una gran demanda y desarrolló una serie de conexiones, incluyendo tocar con Klaus Weiss, Les McCann, Karin Krog, Dexter Gordon y otros. Como artista en solitario, debutó con Stream, de 1971, una mezcla funky e inventiva de jazz acústico y eléctrico. Siguió en 1975 con Guitars y September Man, ambos álbumes de gran inventiva e influencia de la fusión. Siguieron sesiones con Herb Geller, Niels-Henning Ørsted Pedersen y Charles Mingus, así como una gira a dúo con el guitarrista Coryell. También durante los años 70, formó pareja con el saxofonista Charlie Mariano para un puñado de sesiones, y completó la década con su propio Nairam, en el que también participó Mariano, junto con el trompetista Palle Mikkelborg y otros.

Durante los años 80, el perfil de Catherine siguió aumentando, ya que publicó varios trabajos bien considerados, como Babel, End of August y Trio con el guitarrista Christian Escoude y el violinista Didier Lockwood. También se produjeron citas con Aldo Romano, Stéphane Grappelli y Kenny Drew. También en los años 80, ganó atención por su trabajo con el legendario trompetista/vocalista de la Costa Oeste Chet Baker, haciendo giras y apareciendo en álbumes como Mr. B de 1983 y Strollin' de 1985. Aunque su álbum de 1986, Transparence, incorporaba teclados a su sonido atmosférico, su trabajo con Baker apuntaba a una estética más acústica. Un sonido que adoptó en I Remember You, de 1990. Dedicado a Baker (fallecido en 1989), el álbum también contaba con la participación del trompetista y flautista Tom Harrell. A lo largo de los años 90, Catherine publicó un flujo constante de álbumes para sellos de jazz más pequeños como Enja, Criss Cross y Dreyfus, incluyendo álbumes como Moods, Vol. 1, Spanish Nights y Guitar Groove de 1999.

En 2001, volvió con Blue Prince, que le permitió equilibrar su amor por el jazz acústico y la fusión eléctrica. Se unieron a él el trompetista Bert Joris, el bajista Hein van de Geyn y el baterista Hans Van Oosterhout. Joris también participó en el álbum Summer Night de 2002. El álbum orquestal Meeting Colours le siguió tres años después. El más íntimo Guitars Two apareció en 2008. Luego se unió al bajista van de Geyn, al pianista Enrico Pieranunzi y al baterista Joe La Barbera para el álbum en vivo de 2010 Concert in Capbreton. Un año más tarde, entregó la fecha del trío Plays Cole Porter, seguido por el cálidamente sofisticado Côté Jardin de 2013. El álbum a dúo New Folks con el bajista Martin Wind le siguió un año después. Luego se unió a la Orchestre Royal de Chambre de Wallonie para The String Project de 2015: Live in Brussels. En 2017, Catherine fue co-solista con la leyenda del saxofón finlandés Eero Koivistoinen en Jazz Liisa 13, y al año siguiente cortó La Belle Vie con su viejo amigo y colaborador Aldo Romano en la batería y el organista Emmanuel Bex. En 2019, Catherine publicó la fecha del trío Manoir de Mes Rêves con el bajista vertical Sven Faller y el guitarrista acústico Paulo Morello. El programa de estándares franceses fue compilado a partir de pop, jazz y chanson. En 2020, KTI Japan en asociación con Warner International remasterizó y reeditó Stream.

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