Review by Ken Dryden
Sunday, March 31, 2024
Jim Hall • Jazz Guitar
Review by Ken Dryden
Jackie Mittoo • The Keyboard King at Studio One
Charlie Rouse • Yeah!
Review by Steve Leggett
Tenor saxophonist Charlie Rouse is best known for his work with Thelonious Monk, playing with the enigmatic pianist and composer during Monk's Columbia years from 1959 until 1970. Rouse's sound with Monk was so fluid and smooth that's it's easy to forget how many eccentric, jagged turns he had to navigate night after night, and that Rouse did it with quiet, steady grace is a testament both to his sax playing and to the space Monk built into his puzzle box compositions. Rouse headed up few sessions on his own as a bandleader, but as this calm, workmanlike set, recorded in 1960 and originally released in 1961 on Epic Records, clearly shows, he could rise to the occasion. Working with a rhythm section of Dave Bailey on drums, Peck Morrison on bass, and Billy Gardner on piano (this was actually Gardner's debut in a recording studio), Rouse's sax lines seem to float effortlessly over the top of things, feeling less urgent and angular than his work with Monk. Highlights include the opener, "You Don't Know What Love Is," the Gardner composition "Billy's Blues," and the pretty ballad, "(There Is No) Greater Love," that closes things out. It's all very pleasant, falling to the easy side of the hard bop spectrum with very few rough edges or surprises. Rouse arguably was at his best as a solid supporting player, but this session has its moments, and it shows a more romantic, gliding side to Rouse than was usually on display with Monk. Everything here on this Japanese reissue was included in Epic's Unsung Hero release, which also added three additional tracks, making it a marginally better purchase than this one.
https://www.allmusic.com/album/yeah%21-mw0000539845
Biography by Scott Yanow
Possessor of a distinctive tone and a fluid bop-oriented style, Charlie Rouse was in Thelonious Monk's Quartet for over a decade (1959-1970) and, although somewhat taken for granted, was an important ingredient in Monk's music. Rouse was always a modern player and he worked with Billy Eckstine's orchestra (1944) and the first Dizzy Gillespie big band (1945), making his recording debut with Tadd Dameron in 1947. Rouse popped up in a lot of important groups including Duke Ellington's Orchestra (1949-1950), Count Basie's octet (1950), on sessions with Clifford Brown in 1953, and with Oscar Pettiford's sextet (1955). He co-led the Jazz Modes with Julius Watkins (1956-1959), and then joined Monk for a decade of extensive touring and recordings. In the 1970s he recorded a few albums as a leader, and in 1979 he became a member of Sphere. Charlie Rouse's unique sound began to finally get some recognition during the 1980s. He participated on Carmen McRae's classic Carmen Sings Monk album and his last recording was at a Monk tribute concert.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography
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Reseña de Steve Leggett
El saxofonista tenor Charlie Rouse es más conocido por su trabajo con Thelonious Monk, tocando con el enigmático pianista y compositor durante los años de Monk en Columbia desde 1959 hasta 1970. El sonido de Rouse con Monk era tan fluido y suave que es fácil olvidar cuántas vueltas excéntricas y dentadas tenía que dar noche tras noche, y que Rouse lo hizo con una gracia tranquila y constante es un testamento tanto de su forma de tocar el saxo como del espacio que Monk construyó en sus composiciones de caja de puzzles. Rouse dirigió algunas sesiones por su cuenta como director de orquesta, pero como muestra este tranquilo y trabajador set, grabado en 1960 y originalmente lanzado en 1961 en Epic Records, pudo estar a la altura de las circunstancias. Trabajando con una sección rítmica de Dave Bailey en la batería, Peck Morrison en el bajo y Billy Gardner en el piano (este fue en realidad el debut de Gardner en un estudio de grabación), las líneas de saxo de Rouse parecen flotar sin esfuerzo sobre la cima de las cosas, sintiéndose menos urgente y angular que su trabajo con Monk. Lo más destacado es el comienzo, "You Don't Know What Love Is", la composición de Gardner "Billy's Blues", y la bonita balada, "(There Is No) Greater Love", que cierra las cosas. Todo es muy agradable, cayendo en el lado fácil del espectro del hard bop con muy pocas asperezas o sorpresas. Rouse posiblemente estaba en su mejor momento como un sólido jugador de apoyo, pero esta sesión tiene sus momentos, y muestra un lado más romántico y deslizante de Rouse de lo que normalmente se mostraba con Monk. Todo en esta reedición japonesa se incluyó en el lanzamiento de Unsung Hero de Epic, que también añadió tres temas adicionales, lo que lo convierte en una compra marginalmente mejor que ésta.
https://www.allmusic.com/album/yeah%21-mw0000539845
Biografía de Scott Yanow
Poseedor de un tono distintivo y un estilo fluido orientado al bop, Charlie Rouse estuvo en el Cuarteto de Thelonious Monk durante más de una década (1959-1970) y, aunque un tanto dado por sentado, fue un ingrediente importante en la música de Monk. Rouse siempre fue un músico moderno y trabajó con la orquesta de Billy Eckstine (1944) y la primera gran banda de Dizzy Gillespie (1945), haciendo su debut discográfico con Tadd Dameron en 1947. Rouse apareció en muchos grupos importantes, incluyendo la Orquesta de Duke Ellington (1949-1950), el octeto de Count Basie (1950), en sesiones con Clifford Brown en 1953, y con el sexteto de Oscar Pettiford (1955). Co-dirigió los Modos de Jazz con Julius Watkins (1956-1959), y luego se unió a Monk durante una década de extensas giras y grabaciones. En la década de 1970 grabó unos cuantos álbumes como líder, y en 1979 se convirtió en miembro de Sphere. El sonido único de Charlie Rouse comenzó a ser finalmente reconocido durante los años 80. Participó en el álbum clásico de Carmen McRae, Carmen Sings Monk, y su última grabación fue en un concierto tributo a Monk.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography
VA • Destination Beach - 30 Tunes For Dancing In The Sand
Summertime's here, and it's been so long since we've been to the beach to soak up the sun's healing rays and engage in a day of red-hot fun! Bear Family has a perfect new soundtrack to accompany your trip to the oceanfront: 30 tracks that are all about frolicking in the sand and working on your tan while relaxing on your favorite blanket. Familiar names are scattered throughout the compilation; after all, no one knew how to throw a beach party better than Frankie Avalon, and his handsome pals Bobby Darin, Bobby Vee, and Freddie Cannon are here too. But there are also killer obscurities by Buddy Skipper and The Jetty Jumpers, Wayne Hollers, Al Barkle, and Ray Doggett, while R&B sax wailers Big Al Sears and Freddie Mitchell blow up a honking sandstorm. After the sun goes down and a cool breeze begins to waft in off the water, The Danleers' dreamy 1958 doo-wop smash One Summer Night is a perfect choice for slow dancing under the stars. Even guitar mauler Link Wray gets into the act with a surprisingly melodic Summer Dream. Pack the cooler, bring plenty of sunscreen, and pop 'Destination Beach' into your portable CD player at the first opportunity. Even on the hottest summer afternoon, it's the coolest!
Harry Sweets Edison, Eddie Lockjaw Davis & Richard Boone with Leonardo Pedersens's Jazzkapel
Since1962, Leonardo Pedersen’s Jazzkapel has been Denmark’s tightest, hard-swinging “almost” big band, in the musical tradition of Count Basie, Quincy Jones and Louis Jordan. Thus, they provided perfect backing for the three guest soloists – Harry “Sweets” Edison, Eddie “Lockjaw” Davis and Richard Boone – all alumni of the Count Basie Band. While there is a distinct Kansas City/Count Basie feel to this album, the repertoire also includes some Horace Silver bop classics and Louis Jordan jump-jive favourites. The three guest soloists here are true individual stylists – their sound is immediately identifiable. Thanks to their obvious compatibility with Leonardo Petersen’s Jazzkapel, “Sweets”, “Lockjaw” and Richard Boone play – and sing – with the same brilliance and passion as in their heyday with the Count.
https://storyvillerecords.com/
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Desde 1962, el Jazzkapel de Leonardo Pedersen ha sido la "casi" big band más compacta y de mayor swing de Dinamarca, en la tradición musical de Count Basie, Quincy Jones y Louis Jordan. Por lo tanto, proporcionaron el respaldo perfecto para los tres solistas invitados: Harry "Sweets" Edison, Eddie "Lockjaw" Davis y Richard Boone, todos ex alumnos de Count Basie Band. Si bien hay una sensación distintiva de Kansas City/Count Basie en este álbum, el repertorio también incluye algunos clásicos del bop de Horace Silver y los favoritos del jump-jive de Louis Jordan. Los tres solistas invitados aquí son verdaderos estilistas individuales: su sonido es inmediatamente identificable. Gracias a su evidente compatibilidad con el Jazzkapel de Leonardo Petersen, “Sweets”, “Lockjaw” y Richard Boone tocan –y cantan– con la misma brillantez y pasión que en su apogeo con el Conde.
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Sonny Stitt • Shangri-La
Review by Richie Unterberger
On this trio date Stitt is supported by Don Patterson on organ and Billy James on drums. Shangri-La doesn't particularly stand out from other, similar albums he made at the time with organ, but it's a respectable set with both uptempo swingers and ballads. Even in 1964, a moratorium should have been declared on versions of the too-often-covered "Misty," which is here. Far more surprising, and edifying, is a rare vocal with a humorous and not entirely serious delivery by Stitt himself on "Mama Don't Allow." The album is available in its entirety on Prestige's Low Flame CD, which combines Shangri-La and Stitt's 1962 album Low Flame (which also features Patterson and Billy James, along with guitarist Paul Weeden) on the same disc.
https://www.allmusic.com/album/shangri-la-mw0000872759
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Reseña de Richie Unterberger
En este trío, Stitt cuenta con el apoyo de Don Patterson al órgano y Billy James a la batería. Shangri-La no destaca especialmente de otros álbumes similares que hizo en aquella época con órgano, pero es un conjunto respetable con swingers y baladas. Incluso en 1964, se debería haber declarado una moratoria sobre las versiones de "Misty", que está aquí. Mucho más sorprendente, y edificante, es una rara vocal con una entrega humorística y no del todo seria del propio Stitt en "Mama Don't Allow". El álbum está disponible en su totalidad en el CD Low Flame de Prestige, que combina Shangri-La y el álbum Low Flame de Stitt de 1962 (en el que también aparecen Patterson y Billy James, junto con el guitarrista Paul Weeden) en el mismo disco.
https://www.allmusic.com/album/shangri-la-mw0000872759
The Chet Baker Quintet • Comin' On With The Chet Baker Quintet
Biography by Matt Collar
An icon of
West Coast cool jazz, Chet Baker rose to fame in '50s with his lyrical
trumpet lines and spare, romantic singing. After being handpicked for a
West Coast tour with Charlie Parker, he burst onto the scene as a member
of Gerry Mulligan's pianoless quartet, whose recording of "My Funny
Valentine" made him a star even beyond his cult jazz audience. Signed to
Pacific Jazz, he released a series of popular albums beginning with
1954's Chet Baker Sings, which featured his definitive vocal take of "My
Funny Valentine;" from then on his signature song. By the end of the
decade, he had topped both the Downbeat and Metronome Magazine reader's
polls, famously beating out two of the era's most renowned trumpeters
Miles Davis and Clifford Brown. He was also named DownBeat top jazz
vocalist in 1954. At the height of his success, drug addiction and
numerous incarcerations dimmed his spotlight and found him living and
working a peripatetic lifestyle in Europe for much of the '60s and '70s.
He also suffered the loss of his teeth, which hampered his playing
until he worked his way back to health and launched a comeback with
1974's She Was Too Good To Me. He was also the subject of fashion
photographer and filmmaker Bruce Weber's Oscar-nominated 1988
documentary Let's Get Lost, which helped renew interest in his work.
Tragically, he died that same year after falling out of a second story
window of his Amsterdam hotel. Baker recorded prolifically during the
last few decades of his life, leading to a wave of posthumously released
albums, including My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert,
which captured one of his final concerts in Germany with the NDR Big
Band and Radio Orchestra Hannover. In 2001, in recognition of the
album's lasting influence, Chet Baker Sings was inducted into the Grammy
Hall of Fame. Ethan Hawke portrayed Baker in the 2015 film Born to Be
Blue, and yet more archival recordings surfaced with 2023's Blue Room:
The 1979 Vara Studio Sessions in Holland.
Born in 1929 in Yale,
Oklahoma, Baker's early years were marked by a rural, dustbowl
upbringing. His father, Chesney Henry Baker,Sr., was a guitarist who was
forced to turn to other work during the Depression; his mother, Vera
(Moser) Baker, worked in a perfumery. The family moved from Oklahoma to
Glendale, CA, in 1940. As a child, Baker sang at amateur competitions
and in a church choir. Before his adolescence, his father brought home a
trombone for him, then replaced it with a trumpet when the larger
instrument proved too much for him. He had his first formal training in
music in junior high and later at Glendale High School, but would play
largely by ear for the rest of his life. In 1946, when he was only 16
years old, he dropped out of high school and his parents signed papers
allowing him to enlist in the army; he was sent to Berlin, Germany,
where he played in the 298th Army Band. After his discharge in 1948, he
enrolled at El Camino College in Los Angeles, where he studied theory
and harmony while playing in jazz clubs, but he quit college in the
middle of his second year. He re-enlisted in the army in 1950 and became
a member of the Sixth Army Band at the Presidio in San Francisco. But
he also began sitting in at clubs in the city and he finally obtained a
second discharge to become a professional jazz musician.
Baker
initially played in Vido Musso's band, then with Stan Getz. (The first
recording featuring Baker is a performance of "Out of Nowhere" that
comes from a tape of a jam session made on March 24, 1952, and was
released on the Fresh Sound Records LP Live at the Trade Winds.) His
break came quickly, when, in the spring of 1952, he was chosen at an
audition to play a series of West Coast dates with Charlie Parker,
making his debut with the famed saxophonist at the Tiffany Club in Los
Angeles on May 29, 1952. That summer, he began playing in the Gerry
Mulligan Quartet, a group featuring only baritone sax, trumpet, bass,
and drums -- no piano -- that attracted attention during an engagement
at the Haig nightclub and through recordings on the newly formed Pacific
Jazz Records (later known as World Pacific Records), beginning with the
10" LP Gerry Mulligan Quartet, which featured Baker's famous rendition
of "My Funny Valentine."
The Gerry Mulligan Quartet lasted for
less than a year, folding when its leader went to jail on a drug charge
in June 1953. Baker went solo, forming his own quartet, which initially
featured Russ Freeman on piano, Red Mitchell on bass, and Bobby White on
drums, and making his first recording as leader for Pacific Jazz on
July 24, 1953. Baker was hailed by fans and critics and he won a number
of polls in the next few years. In 1954, Pacific Jazz released Chet
Baker Sings, an album that increased his popularity beyond his core jazz
audience; he would continue to sing for the rest of his career.
Acknowledging his chiseled good looks, nearby Hollywood came calling and
he made his acting debut in the film Hell's Horizon, released in the
fall of 1955. But he declined an offer of a studio contract and toured
Europe from September 1955 to April 1956. When he returned to the U.S.,
he formed a quintet that featured saxophonist Phil Urso and pianist
Bobby Timmons. Contrary to his reputation for relaxed, laid-back
playing, Baker turned to more of a bop style with this group, which
recorded the album Chet Baker & Crew for Pacific Jazz in July 1956.
Baker
toured the U.S. in February 1957 with the Birdland All-Stars and took a
group to Europe later that year. He returned to Europe to stay in 1959,
settling in Italy, where he acted in the film Urlatori Alla Sbarra.
Hollywood, meanwhile, had not entirely given up on him, at least as a
source of inspiration, and in 1960, a fictionalized film biography of
his life, All the Fine Young Cannibals, appeared with Robert Wagner in
the starring role of Chad Bixby.
Baker had become addicted to
heroin in the 1950s and had been incarcerated briefly on several
occasions, but his drug habit only began to interfere with his career
significantly in the 1960s. He was arrested in Italy in the summer of
1960 and spent almost a year and a half in jail. He celebrated his
release by recording Chet Is Back! for RCA in February 1962. (It has
since been reissued as The Italian Sessions and as Somewhere Over the
Rainbow.) Later in the year, he was arrested in West Germany and
expelled to Switzerland, then France, later moving to England in August
1962 to appear as himself in the film The Stolen Hours, which was
released in 1963. He was deported from England to France because of a
drug offense in March 1963. He lived in Paris and performed there and in
Spain over the next year, but after being arrested again in West
Germany, he was deported back to the U.S. He returned to America after
five years in Europe on March 3, 1964, and played primarily in New York
and Los Angeles during the mid-'60s, having switched temporarily from
trumpet to flügelhorn. In the summer of 1966, he suffered a severe
beating in San Francisco that was related to his drug addiction. The
incident is usually misdated and frequently exaggerated in accounts of
his life, often due to his own unreliable testimony. It is said, for
example, that all his teeth were knocked out, which is not the case,
though one tooth was broken and the general deterioration of his teeth
led to his being fitted with dentures in the late '60s, forcing him to
retrain his embouchure. The beating was not the cause of the decline in
his career during this period, but it is emblematic of that decline. By
the end of the '60s, he was recording and performing only infrequently
and he stopped playing completely in the early '70s.
Regaining
some control over his life by taking methadone to control his heroin
addiction (though he remained an addict), Baker eventually mounted a
comeback that culminated in a prominent New York club engagement in
November 1973 and a reunion concert with Gerry Mulligan at Carnegie Hall
in November 1974 that was recorded and released by Epic Records. Also
that year, he again marked his comeback with the excellent studio album
She Was Too Good To Me, which featured altoist Paul Desmond. By the
mid-'70s, Baker was able to return to Europe and he spent the rest of
his life performing there primarily, with occasional trips to Japan and
periods back in the U.S., though he had no permanent residence. Other
notable albums released during this period are 1977's Once Upon a
Summertime, 1977's Don Sebesky-produced You Can't Go Home Again (which
found him surrounded by luminaries, including Desmond, Michael Brecker,
Ron Carter, and Tony Williams, among others), and 1980's Chet
Baker/Wolfgang Lackerschmid (a gorgeously atmospheric collaboration with
the German vibraphonist).
By the '80s, he started to attract the
attention of rock musicians, with whom he occasionally performed, for
example adding trumpet to Elvis Costello's recording of his
anti-Falklands War song "Shipbuilding" in 1983. In 1987, photographer
and filmmaker Bruce Weber undertook a documentary film about Baker. The
following year, Baker died in a fall from a hotel window in Amsterdam.
Weber's film, Let's Get Lost, premiered in September 1988 to critical
acclaim and earned an Academy Award nomination.
Baker recorded
often throughout the latter-half of his life and consequently there has
been a steady stream of posthumously released albums. My Favorite Songs,
Vol. 1-2: The Last Great Concert arrived soon after his passing and
captured one of his final concerts in Germany with the NDR Big Band and
Radio Orchestra Hannover. His work has also been collected in several
superb boxsets, including Mosaic's The Complete Pacific Jazz Studio
Recordings Of The Chet Baker Quartet Wi… and Chet Baker: the Pacific
Jazz Years, as well as The Complete Pacific Jazz Recordings Of The Gerry
Mulligan Quartet With …. In 1997, Baker's unfinished autobiography was
published under the title As Though I Had Wings: The Lost Memoir and the
book was optioned by Miramax for a film adaptation, though never
produced. A semi-fictional biopic starring Ethan Hawke as Baker, Born To
Be Blue, arrived in 2015, though none of the trumpeter's actual
recordings were featured in the film. In 2023, a long out-of-print
collection of archival recordings, Blue Room: The 1979 Vara Studio
Sessions in Holland, appeared featuring Baker with both pianist Frans
Elsen's trio, as well as his own touring ensemble, including pianist
Phil Markowitz, bassist Jean-Louis Rassinfosse, and drummer Charles
Rice.
https://www.allmusic.com/artist/chet-baker-mn0000094210#biography
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Un ícono del cool jazz de la Costa Oeste, Chet Baker saltó a la fama en los años 50 con sus líricas líneas de trompeta y su canto romántico y sobrio. Después de ser elegido cuidadosamente para una gira por la Costa Oeste con Charlie Parker, irrumpió en escena como miembro del cuarteto sin piano de Gerry Mulligan, cuya grabación de "My Funny Valentine" lo convirtió en una estrella incluso más allá de su audiencia de jazz de culto. Firmado con Pacific Jazz, lanzó una serie de álbumes populares que comenzaron con Chet Baker Sings de 1954, que incluía su versión vocal definitiva de "My Funny Valentine"; a partir de entonces, su canción insignia. A finales de la década, había encabezado las encuestas de lectores de Downbeat y Metronome Magazine, superando a dos de los trompetistas más reconocidos de la época, Miles Davis y Clifford Brown. También fue nombrado vocalista de jazz DownBeat top en 1954. En el apogeo de su éxito, la adicción a las drogas y numerosos encarcelamientos atenuaron su atención y lo encontraron viviendo y trabajando en un estilo de vida itinerante en Europa durante gran parte de los años 60 y 70. También sufrió la pérdida de sus dientes, lo que obstaculizó su forma de tocar hasta que recuperó la salud y lanzó su regreso con She Was Too Good To Me de 1974. También fue objeto del documental Let's Get Lost, nominado al Oscar en 1988 por el fotógrafo de moda y cineasta Bruce Weber, que ayudó a renovar el interés en su trabajo. Trágicamente, murió ese mismo año después de caerse por la ventana del segundo piso de su hotel en Ámsterdam. Baker grabó prolíficamente durante las últimas décadas de su vida, lo que llevó a una ola de álbumes lanzados póstumamente, incluidos My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert, que capturó uno de sus últimos conciertos en Alemania con la NDR Big Band y la Radio Orchestra Hannover. En 2001, en reconocimiento a la influencia duradera del álbum, Chet Baker Sings fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy. Ethan Hawke interpretó a Baker en la película Born to Be Blue de 2015, y aún surgieron más grabaciones de archivo con Blue Room: The Vara Studio Sessions de 2023 en Holanda.
Nacido en 1929 en Yale, Oklahoma, los primeros años de Baker estuvieron marcados por una educación rural y en un dustbowl. Su padre, Chesney Henry Baker, Sr., era un guitarrista que se vio obligado a dedicarse a otros trabajos durante la Depresión; su madre, Vera (Moser) Baker, trabajaba en una perfumería. La familia se mudó de Oklahoma a Glendale, California, en 1940. De niña, Baker cantaba en concursos de aficionados y en el coro de una iglesia. Antes de su adolescencia, su padre le trajo a casa un trombón y luego lo reemplazó con una trompeta cuando el instrumento más grande resultó demasiado para él. Tuvo su primera formación formal en música en la escuela secundaria y más tarde en la Escuela Secundaria Glendale, pero tocaría principalmente de oído por el resto de su vida. En 1946, cuando tenía solo 16 años, abandonó la escuela secundaria y sus padres firmaron documentos que le permitían alistarse en el ejército; fue enviado a Berlín, Alemania, donde tocó en la 298ª Banda del Ejército. Después de su baja en 1948, se matriculó en El Camino College de Los Ángeles, donde estudió teoría y armonía mientras tocaba en clubes de jazz, pero abandonó la universidad a mediados de su segundo año. Se volvió a alistar en el ejército en 1950 y se convirtió en miembro de la Sexta Banda del Ejército en el Presidio de San Francisco. Pero también comenzó a frecuentar clubes de la ciudad y finalmente obtuvo una segunda licencia para convertirse en músico profesional de jazz.
Baker tocó inicialmente en la banda de Vido Musso, luego con Stan Getz. (La primera grabación con Baker es una interpretación de "Out of Nowhere" que proviene de una cinta de una sesión improvisada realizada el 24 de marzo de 1952 y fue lanzada en el LP de Fresh Sound Records Live at the Trade Winds.) Su oportunidad llegó rápidamente, cuando, en la primavera de 1952, fue elegido en una audición para tocar en una serie de fechas en la Costa Oeste con Charlie Parker, debutando con el famoso saxofonista en el Tiffany Club de Los Ángeles el 29 de mayo de 1952. Ese verano, comenzó a tocar en el Cuarteto Gerry Mulligan, un grupo que presentaba solo saxo barítono, trompeta, bajo y batería, sin piano, que llamó la atención durante un compromiso en el club nocturno Haig y a través de grabaciones en el recién formado Pacific Jazz Records (más tarde conocido como World Pacific Records), comenzando con el LP de 10" Gerry Mulligan Quartet, que incluía la famosa interpretación de Baker de "My Funny Valentine."
El Cuarteto Gerry Mulligan duró menos de un año, retirándose cuando su líder fue a la cárcel acusado de drogas en junio de 1953. Baker se fue en solitario, formando su propio cuarteto, que inicialmente contó con Russ Freeman al piano, Red Mitchell al bajo y Bobby White a la batería, y realizó su primera grabación como líder de Pacific Jazz el 24 de julio de 1953. Baker fue aclamado por fanáticos y críticos y ganó varias encuestas en los años siguientes. En 1954, Pacific Jazz lanzó Chet Baker Sings, un álbum que aumentó su popularidad más allá de su audiencia principal de jazz; continuaría cantando por el resto de su carrera. Reconociendo su buena apariencia cincelada, el cercano Hollywood llamó e hizo su debut como actor en la película Hell's Horizon, estrenada en el otoño de 1955. Pero rechazó una oferta de contrato de estudio y realizó una gira por Europa desde septiembre de 1955 hasta abril de 1956. Cuando regresó a los Estados Unidos, formó un quinteto que incluía al saxofonista Phil Urso y al pianista Bobby Timmons. Contrariamente a su reputación de tocar relajado y relajado, Baker recurrió a un estilo más bop con este grupo, que grabó el álbum Chet Baker & Crew para Pacific Jazz en julio de 1956.
Baker realizó una gira por los Estados Unidos en febrero de 1957 con Birdland All-Stars y llevó a un grupo a Europa ese mismo año. Regresó a Europa para quedarse en 1959, estableciéndose en Italia, donde actuó en la película Urlatori Alla Sbarra. Hollywood, mientras tanto, no había renunciado por completo a él, al menos como fuente de inspiración, y en 1960, apareció una biografía cinematográfica ficticia de su vida, All the Fine Young Cannibals, con Robert Wagner en el papel protagónico de Chad Bixby.
Baker se había vuelto adicto a la heroína en la década de 1950 y había estado encarcelado brevemente en varias ocasiones, pero su adicción a las drogas solo comenzó a interferir significativamente en su carrera en la década de 1960. Fue arrestado en Italia en el verano de 1960 y pasó casi un año y medio en la cárcel. ¡Celebró su liberación grabando Chet Is Back! para RCA en febrero de 1962. (Desde entonces se ha reeditado como The Italian Sessions y Somewhere Over the Rainbow.) Más tarde ese año, fue arrestado en Alemania Occidental y expulsado a Suiza, luego a Francia, y luego se mudó a Inglaterra en agosto de 1962 para aparecer como él mismo en la película The Stolen Hours, que se estrenó en 1963. Fue deportado de Inglaterra a Francia por un delito de drogas en marzo de 1963. Vivió en París y actuó allí y en España durante el año siguiente, pero después de ser arrestado nuevamente en Alemania Occidental, fue deportado de regreso a los EE. UU. Regresó a Estados Unidos después de cinco años en Europa el 3 de marzo de 1964, y tocó principalmente en Nueva York y Los Ángeles a mediados de los 60, habiendo cambiado temporalmente de trompeta a flügelhorn. En el verano de 1966, sufrió una severa golpiza en San Francisco relacionada con su adicción a las drogas. El incidente suele estar mal fechado y con frecuencia exagerado en los relatos de su vida, a menudo debido a su propio testimonio poco confiable. Se dice, por ejemplo, que todos sus dientes fueron arrancados, lo cual no es el caso, aunque un diente se rompió y el deterioro general de sus dientes llevó a que se le colocaran dentaduras postizas a fines de los 60, lo que lo obligó a volver a entrenar su embocadura. La paliza no fue la causa del declive de su carrera durante este período, pero es emblemática de ese declive. A finales de los 60, estaba grabando y actuando con poca frecuencia y dejó de tocar por completo a principios de los 70.
Recuperando cierto control sobre su vida tomando metadona para controlar su adicción a la heroína (aunque seguía siendo un adicto), Baker finalmente montó un regreso que culminó con un destacado compromiso en un club de Nueva York en noviembre de 1973 y un concierto de reunión con Gerry Mulligan en el Carnegie Hall en noviembre de 1974 que fue grabado y lanzado por Epic Records. También ese año, volvió a marcar su regreso con el excelente álbum de estudio She Was Too Good To Me, que contó con el altoista Paul Desmond. A mediados de los 70, Baker pudo regresar a Europa y pasó el resto de su vida actuando allí principalmente, con viajes ocasionales a Japón y períodos de regreso en los EE.UU., aunque no tenía residencia permanente. Otros álbumes notables lanzados durante este período son Once Upon a Summertime de 1977, You Can't Go Home Again, producido por Don Sebesky en 1977 (que lo encontró rodeado de luminarias, incluidos Desmond, Michael Brecker, Ron Carter y Tony Williams, entre otros) y Chet Baker/Wolfgang Lackerschmid de 1980 (una colaboración maravillosamente atmosférica con el vibrafonista alemán).
Para los años 80, comenzó a atraer la atención de los músicos de rock, con quienes tocaba ocasionalmente, por ejemplo, agregando trompeta a la grabación de Elvis Costello de su canción contra la Guerra de las Malvinas "Shipbuilding" en 1983. En 1987, el fotógrafo y cineasta Bruce Weber realizó un documental sobre Baker. Al año siguiente, Baker murió al caerse de la ventana de un hotel en Ámsterdam. La película de Weber, Let's Get Lost, se estrenó en septiembre de 1988 con gran éxito de crítica y obtuvo una nominación al Premio de la Academia.
Blossom Dearie • Sings Comden And Green
Artist Biography by John Bush
Blossom Dearie, Ed Thigpen, Kenny Burrell, Ray Brown.
The Al Casey Quartet • The Al Casey Quartet
Artist Biography
Many thanks to Chris
Bert Weedon • Honky Tonk Guitar
Biography
by Bruce Eder
One of the stumbling blocks to the growth of rock & roll in England during the 1950s, apart from the larger cultural differences with America, lay in the fact that the country had no popular guitar heroes, and no jazz or blues tradition to draw on from which one could easily emerge. The only exception to this rule was Bert Weedon, a guitar instrumentalist whose virtuoso playing on the electric instrument constituted just about the only socially acceptable incarnation of the instrument for many adults. His pop-instrumental music, for all of its virtuosity, was too tame to attract many teens who were listening to Lonnie Donegan, but the classically trained guitarist's command of the instrument and the offer of a guitar study course in his name was a way in for kids who weren't ready to start mimicking Scotty Moore or Buddy Holly, much less Les Paul, Charlie Christian, or Django Reinhardt, to get to know the instrument. Musically, he was the guitarist equivalent to Roger Williams or Ferrante & Teicher, and by the end of the 1950s, rock & roll had produced its own guitar heroes in the Shadows' Hank Marvin and Bruce Welch, and other axemen in various bands who followed, not to mention session man Big Jim Sullivan. Weedon, however, remained a sentimental favorite and a perennially popular figure in England, and was still recording guitar-driven instrumental versions of Broadway and Hollywood hits in the 1990s. He died in April 2012 at home in Beaconsfield, Buckinghamshire, England; Bert Weedon was 91 years old.
https://www.allmusic.com/artist/bert-weedon-mn0000757817/biography
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Biografía
por Bruce Eder
Uno de los escollos para el crecimiento del rock & roll en Inglaterra durante la década de 1950, aparte de las grandes diferencias culturales con Estados Unidos, residía en el hecho de que el país no tenía héroes populares de la guitarra, ni una tradición de jazz o blues de la que surgir fácilmente. La única excepción a esta regla era Bert Weedon, un instrumentista de guitarra cuyo virtuosismo con el instrumento eléctrico constituía prácticamente la única encarnación socialmente aceptable del instrumento para muchos adultos. Su música pop-instrumental, a pesar de todo su virtuosismo, era demasiado sosa para atraer a muchos adolescentes que escuchaban a Lonnie Donegan, pero el dominio del instrumento por parte del guitarrista de formación clásica y la oferta de un curso de guitarra en su nombre era una vía de entrada para que los chavales que no estaban preparados para empezar a imitar a Scotty Moore o Buddy Holly, y mucho menos a Les Paul, Charlie Christian o Django Reinhardt, conocieran el instrumento. Musicalmente, era el guitarrista equivalente a Roger Williams o Ferrante & Teicher, y a finales de la década de 1950, el rock & roll había producido sus propios héroes de la guitarra en Hank Marvin y Bruce Welch de los Shadows, y otros guitarristas en varias bandas que le siguieron, por no mencionar al hombre de sesión Big Jim Sullivan. Weedon, sin embargo, siguió siendo un favorito sentimental y una figura perennemente popular en Inglaterra, y en la década de 1990 seguía grabando versiones instrumentales con guitarra de éxitos de Broadway y Hollywood. Murió en abril de 2012 en su casa de Beaconsfield, Buckinghamshire, Inglaterra; Bert Weedon tenía 91 años.
https://www.allmusic.com/artist/bert-weedon-mn0000757817/biography
I Marc 4 • Acid Lounge Experience
Italian four-member session group who played on soundtrack and library music recordings.
The
name I Marc 4 (or Marc 4) comes from the initials of their members:
Maurizio Majorana (bass), Antonello Vannucchi (Hammond/piano), Roberto
Podio (drums/percussion) and Carlo Pes (guitar).
Sometimes the 'A'
stood for Italian soundtrack composer Armando Trovaioli. I Marc 4 played
and recorded most of Armando Travaioli's compositions. I Marc 4 were
known for their funky Italian soundtrack style. They also played and
record with well known Italian composers like Ennio Morricone and Piero
Umiliani.
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Grupo de sesión italiano de cuatro miembros que tocaba en grabaciones de bandas sonoras y música de biblioteca.
El
nombre I Marc 4 (o Marc 4) proviene de las iniciales de sus miembros:
Maurizio Majorana (bajo), Antonello Vannucchi (Hammond/piano), Roberto
Podio (batería/percusión) y Carlo Pes (guitarra).
En ocasiones, la
"A" representaba al compositor italiano de bandas sonoras Armando
Trovaioli. I Marc 4 tocó y grabó la mayoría de las composiciones de
Armando Travaioli. I Marc 4 era conocido por su estilo funky de banda
sonora italiana. También tocaron y grabaron con conocidos compositores
italianos como Ennio Morricone y Piero Umiliani.
Nicola Conte • Bossa Per Due
Review by Nicholas Gordon
Larry Young • Contrasts
Review
by Scott Yanow
For this interesting set, organist Larry Young (the first musician on his instrument to really move beyond Jimmy Smith's soul-jazz into the avant-garde) mostly utilized lesser-known musicians from the Newark, NJ, area: Tyrone Washington and Herbert Morgan on tenors, flugelhornist Hank White, guitarist Eddie Wright, drummer Eddie Gladden, and Stacey Edwards on congas. "Major Affair" is an organ-drums duet and Larry's wife Althea Young does a haunting version of "Wild Is the Wind," while the other four selections use all of the horns. The adventurous music is sometimes quite intense but also grooves in its own eccentric way, offering listeners a very fresh sound on organ.
https://www.allmusic.com/album/contrasts-mw0000928116
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Reseña
por Scott Yanow
Para este interesante set, el organista Larry Young (el primer músico de su instrumento que realmente pasó del soul-jazz de Jimmy Smith a la vanguardia) utilizó sobre todo a músicos menos conocidos de la zona de Newark, NJ: Tyrone Washington y Herbert Morgan a los tenores, el fliscornista Hank White, el guitarrista Eddie Wright, el batería Eddie Gladden y Stacey Edwards a las congas. "Major Affair" es un dúo de órgano y batería, y la esposa de Larry, Althea Young, hace una inquietante versión de "Wild Is the Wind", mientras que en las otras cuatro selecciones intervienen todas las trompas. La música aventurera es a veces bastante intensa, pero también se mueve a su manera excéntrica, ofreciendo a los oyentes un sonido de órgano muy fresco.
https://www.allmusic.com/album/contrasts-mw0000928116
Stephane Grappelli • Planet Jazz
Biography
Grant Green • Green Street
Review by Michael G. Nastos
As a trio, this edition of guitarist Grant Green's many ensembles has to rank with the best he had ever fronted. Recorded on April Fool's Day of 1961, the band and music are no joke, as bassist Ben Tucker and drummer Dave Bailey understand in the most innate sense how to support Green, lay back when needed, or strut their own stuff when called upon. Still emerging as an individualist, Green takes further steps ahead, without a pianist, saxophonist, or most importantly an organist. His willpower drives this music forward in a refined approach that definitely marks him as a distinctive, immediately recognizable player. It is also a session done in a period when Green was reeling in popular demand, as this remarkably is one of six recordings he cut for Blue Note as a leader in 1961, not to mention other projects as a sideman. To say his star was rising would be an understatement. The lean meatiness of this group allows all three musicians to play with little hesitation, no wasted notes, and plenty of soul. Another aspect of this studio date is the stereo separation of Green's guitar in one speaker, perhaps not prevalent in modern recordings, but very much in use then. Check out the atypical (for Green) ballad "'Round About Midnight," as the guitarist trims back embellishments to play this famous melody straight, with a slight vibrato, occasional trills, and a shuffled bridge. The trio cops an attitude similar to Dizzy Gillespie for the introduction to "Alone Together," with clipped melody notes and a bass filler from Tucker. Three of Green's originals stamp his personal mark on rising original soulful post-bop sounds, as "No. 1 Green Street" has basic B-flat, easy-grooving tenets similar to his previously recorded tune "Miss Ann's Tempo." Two interesting key changes and chord accents identify the outstanding "Grant's Dimensions" beyond its core bop bridge and jam configuration not the least of which contains a hefty bass solo from the criminally underrated Tucker and Bailey trading fours. "Green with Envy" should be familiar to fans of Horace Silver, as it is almost identically based on the changes of "Nica's Dream," a neat adaptation full of stop-starts and stretched-out improvising over ten minutes. (The alternate take of this one on the expanded CD reissue is a full two minutes shorter.) If this is not a definitive jazz guitar trio, they have not yet been born, and Green Street stands as one of Grant Green's best recordings of many he produced in the ten prolific years he was with the Blue Note label.
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Reseña de Michael G. Nastos
Como trío, esta edición de los muchos conjuntos del guitarrista Grant Green tiene que clasificarse entre los mejores que jamás haya liderado. Grabada el Día de los Inocentes de 1961, la banda y la música no son una broma, ya que el bajista Ben Tucker y el baterista Dave Bailey entienden en el sentido más innato cómo apoyar a Green, recostarse cuando es necesario o pavonearse cuando se les pide. Aún emergiendo como un individualista, Green da más pasos adelante, sin un pianista, saxofonista o, lo que es más importante, un organista. Su fuerza de voluntad impulsa esta música hacia adelante en un enfoque refinado que definitivamente lo marca como un intérprete distintivo e inmediatamente reconocible. También es una sesión realizada en un período en el que Green estaba ganando demanda popular, ya que esta es notablemente una de las seis grabaciones que grabó para Blue Note como líder en 1961, sin mencionar otros proyectos como acompañante. Decir que su estrella estaba en ascenso sería quedarse corto. La magra carnosidad de este grupo permite a los tres músicos tocar con poca vacilación, sin desperdiciar notas y con mucha alma. Otro aspecto de esta fecha de estudio es la separación estéreo de la guitarra de Green en un altavoz, quizás no frecuente en las grabaciones modernas, pero muy en uso entonces. Echa un vistazo a la balada atípica (para Green) "'Round About Midnight", mientras el guitarrista recorta adornos para tocar esta famosa melodía directamente, con un ligero vibrato, trinos ocasionales y un puente arrastrado. El trío adopta una actitud similar a Dizzy Gillespie para la introducción de "Alone Together", con notas de melodía recortadas y un relleno de bajo de Tucker. Tres de los originales de Green dejan su huella personal en el aumento de los sonidos conmovedores originales post-bop, ya que "No. 1 Green Street" tiene principios básicos de Si bemol y fácil de ranurar similares a su melodía grabada anteriormente " Miss Ann's Tempo."Dos interesantes cambios de tonalidad y acentos de acordes identifican las sobresalientes' Grant's Dimensions ' más allá de su puente bop central y la configuración de jam, entre las cuales no menos importante contiene un fuerte solo de bajo de los criminalmente subestimados Tucker y Bailey trading fours. "Green with Envy" debería ser familiar para los fanáticos de Horace Silver, ya que se basa casi idénticamente en los cambios de "Nica's Dream", una adaptación ordenada llena de paradas y arranques e improvisación prolongada durante diez minutos. (La toma alternativa de esta en la reedición ampliada del CD es dos minutos más corta.) Si este no es un trío definitivo de guitarras de jazz, aún no han nacido, y Green Street se erige como una de las mejores grabaciones de Grant Green de las muchas que produjo en los diez prolíficos años que estuvo con el sello Blue Note.