Joey DeFrancesco • The Champ

 

 Artist Biography by Steve Huey
The music of Joey DeFrancesco -- an important force in the revival of the Hammond B-3 organ as a jazz instrument in the 1970s and '80s, as well as a trumpeter and vocalist -- runs the gamut from soul-jazz and bluesy grooves à la Jimmy Smith to hard bop and the advanced modal style of Coltrane disciple Larry Young. A Grammy-nominated artist for such albums as 2014's Enjoy the View and 2017's Project Freedom, he has worked with Miles Davis, Larry Coryell, Benny Golson, George Benson, and dozens more. In addition to issuing over 30 albums under his own name, DeFrancesco is a much sought-after sideman and soloist.

Born on April 10, 1971, in the Philadelphia suburb of Springfield, Pennsylvania, DeFrancesco was the son of another Philly-area jazz organist, Papa John DeFrancesco, and the grandson of multi-instrumentalist Joe DeFrancesco, who worked with the Dorsey Brothers. He began playing piano at age four and quickly switched to his father's instrument, preferring the sound of the Hammond B-3 over the modern synthesizers that had become the dominant alternative to piano. He began sitting in at his father's club gigs around age six; by age ten, he was performing paying gigs on the weekends and sitting in with artists like Jack McDuff and Groove Holmes.

DeFrancesco continued to study through high school, drawing from Philadelphia's rich jazz organ heritage and the numerous veteran players who still found work on the city's club scene. At 16, he was the first recipient of the Philadelphia Jazz Society's McCoy Tyner Scholarship, and was also a finalist in the Thelonious Monk International Jazz Piano Competition. He met Miles Davis on a local television show and impressed the trumpeter enough that DeFrancesco was invited on tour following his high school graduation in 1988.

After appearing on the well-received Live Around the World and Amandla albums, DeFrancesco scored a solo deal with Columbia and released his debut as a leader, All of Me, in 1989. Four more Columbia albums followed (Where Were You?, Part III, Reboppin', Live at the Five Spot), one per year, and DeFrancesco's reputation grew steadily, helped by the fact that as a virtuosic yet vintage-style organist, he was something of an anomaly on the early-'90s jazz scene. His arrival presaged -- and, in fact, helped kick-start -- a renewal of interest in organ jazz of all stripes, and he remained one of the most versatile and advanced of the new breed of players. Inspired by Davis, he even picked up the trumpet as a second instrument.

After parting ways with Columbia, DeFrancesco recorded sets for Muse and Big Mo, and began working extensively with guitarist John McLaughlin. His appearance on 1994's After the Rain and his subsequent international tour with McLaughlin brought him to a whole new audience. He spent the next few years working mostly as a sideman, however, and returned to the studio under his own name in 1998, recording All or Nothing at All for Big Mo; he also appeared with his father on All in the Family for High Note. The following year brought The Champ, a tribute to Jimmy Smith (also on High Note), and a new record deal with Concord Jazz, which kicked off with the Mafia movie soundtrack tribute Goodfellas.

DeFrancesco finally teamed up with longtime hero Jimmy Smith for 2000's Incredible!, and issued the Concord follow-up Singin' and Swingin' in 2001, which spotlighted his easygoing vocals. In the meantime, he also continued to record sessions for High Note, including the sequel The Champ: Round 2 (2000) and another tribute to one of his influences, The Philadelphia Connection: A Tribute to Don Patterson (2002).

Always a busy and prolific artist, DeFrancesco released five albums over the next five years, including 2003's Falling in Love Again, which featured jazz singer Joe Doggs; 2004's Plays Sinatra His Way; 2005's Legacy, again with Jimmy Smith; and 2006's Organic Vibes. Live: The Authorized Bootleg followed in 2007 from Concord Records, while Joey D! appeared in 2008. DeFrancesco paid tribute to one of his idols with 2009's Finger Poppin: Celebrating the Music of Horace Silver. In 2010, DeFrancesco returned with the similarly minded tribute album Never Can Say Goodbye: The Music of Michael Jackson. The following year, DeFrancesco celebrated his 40th birthday with the release of the studio album 40.

In 2012, he was joined by guitarist Larry Coryell and drummer Jimmy Cobb for the album Wonderful! Wonderful!, followed by One for Rudy in 2013. DeFrancesco then collaborated with vibraphonist Bobby Hutcherson and saxophonist David Sanborn on the 2014 trio album Enjoy the View. In 2015, he delivered the soulful quartet effort Trip Mode. Project Freedom followed in 2017 on Mack Avenue. The album featured DeFrancesco alongside drummer Jason Brown, guitarist Dan Wilson, and saxophonist Troy Roberts.

In the spring of 2018, the organist collaborated with Van Morrison for the Irish singer/songwriter's 39th album, You're Driving Me Crazy; the set was co-billed. Cut over a few days in a San Francisco studio with DeFrancesco's quartet and new drummer Michael Ode, the set offered the pair's reworking of jazz and blues standards alongside re-envisioned tracks from Morrison's catalog. In the Key of the Universe arrived in 2019, and featured drummer Billy Hart, saxophonist Troy Roberts, and percussionist Sammy Figueroa, along with a guest appearance by saxophonist Pharoah Sanders.

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 Biografía del artista por Steve Huey
La música de Joey DeFrancesco - una fuerza importante en el renacimiento del órgano Hammond B-3 como instrumento de jazz en los años 70 y 80, así como trompetista y vocalista - abarca desde el soul-jazz y el bluesy grooves à la Jimmy Smith hasta el hard bop y el estilo modal avanzado del discípulo de Coltrane Larry Young. Artista nominado al Grammy para álbumes como Enjoy the View en 2014 y Project Freedom en 2017, ha trabajado con Miles Davis, Larry Coryell, Benny Golson, George Benson y docenas más. Además de publicar más de 30 álbumes bajo su propio nombre, DeFrancesco es un sideman y solista muy solicitado.

Nacido el 10 de abril de 1971 en Springfield, Pensilvania, un suburbio de Filadelfia, DeFrancesco era hijo de otro organista de jazz del área de Filadelfia, Papa John DeFrancesco, y nieto del multi-instrumentista Joe DeFrancesco, quien trabajó con los Dorsey Brothers. Comenzó a tocar el piano a la edad de cuatro años y rápidamente cambió al instrumento de su padre, prefiriendo el sonido del Hammond B-3 sobre los sintetizadores modernos que se habían convertido en la alternativa dominante al piano. Comenzó a asistir a los conciertos del club de su padre alrededor de los seis años de edad; a la edad de diez años, ya estaba tocando en conciertos de pago los fines de semana y junto a artistas como Jack McDuff y Groove Holmes.

DeFrancesco continuó estudiando durante la secundaria, aprovechando la rica herencia de los órganos de jazz de Filadelfia y los numerosos músicos veteranos que todavía encontraban trabajo en la escena de clubes de la ciudad. A los 16 años, fue el primer receptor de la Beca McCoy Tyner de la Sociedad de Jazz de Filadelfia, y también fue finalista en el Concurso Internacional de Piano de Jazz Thelonious Monk. Conoció a Miles Davis en un programa de televisión local e impresionó al trompetista lo suficiente como para que DeFrancesco fuera invitado a una gira después de su graduación de la escuela secundaria en 1988.

Después de aparecer en los bien recibidos discos Live Around the World y Amandla, DeFrancesco consiguió un contrato en solitario con Columbia y lanzó su debut como líder, All of Me, en 1989. Le siguieron otros cuatro álbumes de Columbia (Where Were You? parte III, Reboppin', Live at the Five Spot), uno al año, y la reputación de DeFrancesco creció constantemente, ayudado por el hecho de que, como organista virtuoso pero de estilo vintage, era algo así como una anomalía en la escena jazzística de principios de los 90. Su llegada presagiaba - y, de hecho, ayudaba a reactivar - un renovado interés por el jazz de órgano de todas las tendencias, y seguía siendo uno de los más versátiles y avanzados de la nueva generación de músicos. Inspirado por Davis, incluso recogió la trompeta como segundo instrumento.

Después de separarse de Columbia, DeFrancesco grabó sets para Muse y Big Mo, y comenzó a trabajar extensivamente con el guitarrista John McLaughlin. Su aparición en After the Rain en 1994 y su posterior gira internacional con McLaughlin lo llevaron a un público completamente nuevo. Sin embargo, pasó los años siguientes trabajando principalmente como sideman, y regresó al estudio con su propio nombre en 1998, grabando All or Nothing at All for Big Mo; también apareció con su padre en All in the Family for High Note. Al año siguiente, The Champ, un tributo a Jimmy Smith (también en High Note), y un nuevo contrato discográfico con Concord Jazz, que comenzó con el tributo a Goodfellas en la banda sonora de la película de la Mafia.

DeFrancesco finalmente se asoció con el héroe de muchos años Jimmy Smith en 2000's Incredible! y publicó la continuación de Concord Singin' and Swingin' en 2001, que puso de relieve su facilidad de voz. Mientras tanto, también continuó grabando sesiones para High Note, incluyendo la secuela de The Champ: Round 2 (2000) y otro homenaje a una de sus influencias, The Philadelphia Connection: Homenaje a Don Patterson (2002).

Siempre un artista ocupado y prolífico, DeFrancesco lanzó cinco álbumes en los próximos cinco años, incluyendo el 2003's Falling in Love Again, que incluyó al cantante de jazz Joe Doggs; el 2004's Plays Sinatra His Way; el 2005's Legacy, otra vez con Jimmy Smith; y el 2006's Organic Vibes. Vive: El Bootleg Autorizado siguió en 2007 a Concord Records, mientras que Joey D! apareció en 2008. DeFrancesco rindió homenaje a uno de sus ídolos con el Finger Poppin 2009: Celebrando la música de Horace Silver. En 2010, DeFrancesco regresó con el álbum tributo Never Can Say Goodbye: La música de Michael Jackson. Al año siguiente, DeFrancesco celebró su 40 cumpleaños con el lanzamiento del álbum de estudio 40.

En 2012, se le unió el guitarrista Larry Coryell y el baterista Jimmy Cobb para el álbum Wonderful! Maravilloso, seguido de Uno para Rudy en 2013. DeFrancesco colaboró con el vibrafonista Bobby Hutcherson y el saxofonista David Sanborn en el álbum de trío Enjoy the View de 2014. En 2015, presentó el conmovedor trabajo del cuarteto Trip Mode. El Proyecto Libertad siguió en 2017 en la Avenida Mack. El álbum presentaba a DeFrancesco junto al baterista Jason Brown, al guitarrista Dan Wilson y al saxofonista Troy Roberts.

En la primavera de 2018, el organista colaboró con Van Morrison para el 39º álbum del cantautor irlandés, You're Driving Me Crazy; el set fue co-facturado. Cortada durante unos días en un estudio de San Francisco con el cuarteto de DeFrancesco y el nuevo baterista Michael Ode, el set ofreció a la pareja una revisión de los estándares del jazz y el blues junto con temas reimaginados del catálogo de Morrison. En la Llave del Universo llegó en 2019, y contó con la participación del baterista Billy Hart, el saxofonista Troy Roberts y el percusionista Sammy Figueroa, además de la participación como invitado de la saxofonista Pharoah Sanders.

www.joeydefrancesco.com ...

 

Ferrante And Teicher • Blast Off!

 

 Artist Biography

Piano duo Ferrante & Teicher were one of the best-selling easy listening acts of the '60s, offering light arrangements of easily recognizable classical pieces, movie soundtrack themes, show tunes, and similarly compatible fare. Arthur Ferrante (born September 7, 1921, New York City) and Louis Teicher (born August 24, 1924, Wilkes-Barre, PA.) met while attending the prestigious Juilliard School of Music; both were child prodigies, and they struck up a fast friendship, performing together as a duo even while they were still in school. After graduating as piano majors, they both joined the Juilliard faculty, while developing a distinctive style of their own during their free time. In 1947, they became a full-time concert act, at first playing nightclubs, then quickly moving up to classical music with orchestral backing. A switch to popular songs and standards by the likes of Kern, Porter, Gershwin, and Rodgers made them mainstays in the pops-orchestra field.

While they were enjoying success on the concert circuit, Ferrante & Teicher had been experimenting with treated pianos, influenced -- oddly enough -- by the ideas of avant-garde composer John Cage. By adding paper, sticks, rubber, wood blocks, metal bars, chains, glass, mallets, and other found objects to the string beds (among other techniques), the duo was able to produce a variety of bizarre sound effects that sometimes resembled percussion instruments, and other times produced a spacy, almost electronic sound (before such a tone even existed). In the latter half of the '50s, they recorded several albums in this vein for Westminster (most notably 1956's Soundproof and Soundblast) and ABC-Paramount (including 1958's Blast Off!). The results were highly unique and quite different from their later work, appealing more to hi-fi enthusiasts and space-age pop fans.

In 1960, Ferrante & Teicher signed with United Artists, where they quickly began to tailor their sound to a more mainstream audience. Many of their subsequent albums featured orchestras conducted by Nick Perito, and their brand of instrumental pop caught on very quickly. They landed a Top Ten pop hit later in 1960 with "Theme From 'The Apartment'," and followed it with their biggest hit, an arrangement of Ernest Gold's epic movie theme "Exodus," which climbed to number two and inspired a popular jazz version by saxophonist Eddie Harris. 1961 brought another pop Top Ten with the West Side Story song "Tonight," which was featured on their highest-charting LP, the number ten West Side Story and Other Motion Picture & Broadway Favorites. A flood of Ferrante & Teicher albums followed over the course of the '60s, with around 30 of them reaching the pop charts up through 1972. They maintained a heavy touring schedule, playing over 100 concerts a year at the height of their popularity. They also managed one final Top Ten single in 1970 with their movie-theme cover "Midnight Cowboy"; the accompanying album of the same name found them experimenting a bit with strange guitar effects.

Ferrante & Teicher's voluminous recording pace tailed off during the '70s, although they did continue to put out albums on a regular basis. In 1979, they left United Artists to form their own label, and in 1989, they left the concert circuit for good, retiring to Sarasota, FL. The lounge/exotica revival of the '90s helped renew interest in their experimental early recordings, and in 2001 led to the first-ever issue of Denizens of the Deep, a set of treated-piano instrumentals meant to evoke sea creatures that constituted their first recorded work. Dating from 1950, it had been scrapped in favor of an extensive concert tour; for the release, Ferrante & Teicher added a few simple embellishments to the archival recordings that completed their original concept for the pieces.

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 Biografía del artista

El dúo de pianos Ferrante & Teicher fue uno de los más vendidos en los años 60, ofreciendo arreglos ligeros de piezas clásicas fácilmente reconocibles, temas de bandas sonoras de películas, melodías de espectáculos y tarifas igualmente compatibles. Arthur Ferrante (nacido el 7 de septiembre de 1921, en la ciudad de Nueva York) y Louis Teicher (nacido el 24 de agosto de 1924, en Wilkes-Barre, PA.) se conocieron mientras asistían a la prestigiosa Juilliard School of Music; ambos eran niños prodigio, y entablaron una rápida amistad, actuando juntos como dúo incluso cuando todavía estaban en la escuela. Después de graduarse como pianistas, ambos se unieron a la facultad de Juilliard, mientras desarrollaban un estilo propio distintivo en su tiempo libre. En 1947, se convirtieron en un acto de concierto a tiempo completo, al principio tocando en clubes nocturnos, y luego pasando rápidamente a la música clásica con respaldo orquestal. El cambio a canciones populares y estándares de Kern, Porter, Gershwin y Rodgers los convirtió en pilares de la orquesta pop.

Mientras disfrutaban del éxito en el circuito de conciertos, Ferrante & Teicher habían estado experimentando con pianos tratados, influenciados -- curiosamente -- por las ideas del compositor de vanguardia John Cage. Añadiendo papel, palos, goma, bloques de madera, barras de metal, cadenas, vidrio, mazos y otros objetos encontrados a las camas de cuerdas (entre otras técnicas), el dúo fue capaz de producir una variedad de extraños efectos de sonido que a veces se asemejaban a los instrumentos de percusión, y otras veces producían un sonido espaciado, casi electrónico (antes de que tal tono siquiera existiera). En la segunda mitad de los años 50, grabaron varios álbumes en esta línea para Westminster (entre los que destacan Soundproof y Soundblast de 1956) y ABC-Paramount (incluyendo Blast Off! de 1958). Los resultados fueron muy singulares y bastante diferentes de sus trabajos posteriores, atrayendo más a los entusiastas de la alta fidelidad y a los fans del pop de la era espacial.

En 1960, Ferrante & Teicher firmaron con United Artists, donde rápidamente comenzaron a adaptar su sonido a un público más amplio. Muchos de sus álbumes posteriores contaron con orquestas dirigidas por Nick Perito, y su marca de pop instrumental se impuso muy rápidamente. Consiguieron un éxito pop en el Top Ten a finales de 1960 con "The Theme From 'The Apartment'", y lo siguieron con su mayor éxito, un arreglo del tema de la película épica de Ernest Gold "Exodus", que subió al número dos e inspiró una versión popular de jazz del saxofonista Eddie Harris. 1961 trajo otro Top Ten pop con el tema de West Side Story "Tonight", que fue presentado en su LP más importante, el número diez de West Side Story y Other Motion Picture & Broadway Favorites. Una avalancha de álbumes de Ferrante & Teicher siguieron en el curso de los años 60, con alrededor de 30 de ellos alcanzando las listas de pop hasta 1972. Mantuvieron una intensa agenda de giras, tocando más de 100 conciertos al año en la cima de su popularidad. También lograron un último single en el Top Ten en 1970 con su portada temática de película "Midnight Cowboy"; el álbum de acompañamiento del mismo nombre los encontró experimentando un poco con extraños efectos de guitarra.

El voluminoso ritmo de grabación de Ferrante & Teicher se redujo durante los años 70, aunque siguieron publicando discos con regularidad. En 1979, dejaron United Artists para formar su propio sello, y en 1989, dejaron el circuito de conciertos para siempre, retirándose a Sarasota, FL. El resurgimiento de la música lounge/exótica de los años 90 ayudó a renovar el interés por sus primeras grabaciones experimentales, y en el 2001 dio lugar a la primera edición de Denizens of the Deep, un conjunto de instrumentos de piano tratados para evocar criaturas marinas que constituyeron su primer trabajo discográfico. Fechada en 1950, había sido desechada en favor de una extensa gira de conciertos; para el lanzamiento, Ferrante & Teicher añadieron algunos adornos sencillos a las grabaciones de archivo que completaron su concepto original para las piezas.

Dr. Ross • Call The Doctor

Review by Richie Unterberger
If you're looking for one-man blues, this is one of the better efforts in that vein available. Ross is in fine form and strong voice on his first full-length album, sometimes pulling out as many stops as his limbs allow for all-out stompers, at other times just accompanying himself on harmonica. The tracks are largely adaptations of well-worn material like "Good Morning, Little Schoolgirl," "32-20," and "Going to the River"; the opening blast of "Cat Squirrel" is especially good. The one-man band approach gets a bit wearing over the course of 17 songs, though, unless you're a sucker for the style. The CD reissue adds the previously unissued bonus track "Jivin' Blues."
https://www.allmusic.com/album/call-the-doctor-mw0000626724

Biography by Jason Ankeny
Isaiah "Doc" Ross was a throwback to a bygone era; a true one-man band, he played harmonica, acoustic guitar, bass drum, and hi-hat simultaneously, creating a mighty racket harking back to the itinerant country-blues players wandering the Delta region during the earlier years of the 20th century. Born Charles Isaiah Ross on October 21, 1925 in Tunica, Mississippi, he took early inspiration from the music of Robert Johnson, Blind Boy Fuller, and Sonny Boy Williamson I; primarily a harpist -- hence his nickname "The Harmonica Boss" -- he only added the other instruments in his arsenal in order to play a USO show while a member of the Army during World War II. (The "Doc" moniker was acquired because he carried his harmonicas in a doctor's bag.) Upon his release from the military, Ross settled in Memphis, where he became a popular club fixture as well as the host of his own radio show on station WDIA; during his club residency he was witness to a number of brutal murders, however, and swore off appearances in such venues during the later years of his life. During the early '50s, Ross recorded his first sides -- among them "Chicago Breakdown" -- for labels including Sun and Chess; in 1954 he settled in Flint, Michigan, where he went to work as a janitor for General Motors, a position he held until retiring. In 1965 he cut his first full-length LP, Call the Doctor, and that same year mounted his first European tour; as the years passed Ross performed live with decreasing frequency, however, and was infamous for backing out of shows to catch his beloved Detroit Tigers on television. Upon winning a Grammy for his 1981 album Rare Blues, he experienced a career resurgence, and played festival dates to great acclaim prior to his death on May 28, 1993.
https://www.allmusic.com/artist/doctor-ross-mn0000794419/biography

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Reseña de Richie Unterberger
Si estás buscando un blues de un solo hombre, este es uno de los mejores esfuerzos en ese sentido disponibles. Ross está en buena forma y con una voz fuerte en su primer álbum completo, a veces sacando tantas paradas como sus extremidades le permitan, otras veces sólo acompañándose en la armónica. Los temas son en gran parte adaptaciones de material bien usado como "Good Morning, Little Schoolgirl", "32-20", y "Going to the River"; la ráfaga de apertura de "Cat Squirrel" es especialmente buena. El enfoque de la banda de un solo hombre se desgasta un poco en el transcurso de 17 canciones, sin embargo, a menos que seas un tonto del estilo. La reedición del CD añade el bonus track "Jivin' Blues", que no había sido publicado anteriormente.
https://www.allmusic.com/album/call-the-doctor-mw0000626724

Biografía de Jason Ankeny
Isaiah "Doc" Ross fue un retroceso a una época pasada; una verdadera banda unipersonal, tocaba armónica, guitarra acústica, bombo y hi-hat simultáneamente, creando una poderosa raqueta que evocaba a los jugadores itinerantes de country-blues que deambulaban por la región del Delta durante los primeros años del siglo XX. Nacido Charles Isaiah Ross el 21 de octubre de 1925 en Tunica, Mississippi, se inspiró tempranamente en la música de Robert Johnson, Blind Boy Fuller y Sonny Boy Williamson I; principalmente arpista - de ahí su apodo "El Jefe de la Armónica" - sólo añadió los otros instrumentos de su arsenal para tocar en un espectáculo de la USO mientras era miembro del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial. (El apodo "Doc" fue adquirido porque llevaba sus armónicas en la bolsa de un médico.) Al salir del ejército, Ross se estableció en Memphis, donde se convirtió en un popular integrante de un club, así como en el anfitrión de su propio programa de radio en la estación WDIA; sin embargo, durante su residencia en el club fue testigo de una serie de brutales asesinatos, y juró no hacer apariciones en tales lugares durante los últimos años de su vida. A principios de los años 50, Ross grabó sus primeros discos, entre ellos "Chicago Breakdown", para sellos discográficos como Sun and Chess; en 1954 se estableció en Flint, Michigan, donde trabajó como conserje en General Motors, cargo que ocupó hasta su jubilación. En 1965 grabó su primer LP de larga duración, Call the Doctor, y ese mismo año montó su primera gira europea; sin embargo, con el paso de los años Ross actuó en directo con una frecuencia cada vez menor, y fue famoso por dejar de lado los espectáculos para ver a sus amados Tigres de Detroit en la televisión. Tras ganar un Grammy por su álbum Rare Blues en 1981, experimentó un resurgimiento de su carrera y tocó en festivales con gran éxito antes de su muerte el 28 de mayo de 1993.
https://www.allmusic.com/artist/doctor-ross-mn0000794419/biography

Jerry Weldon • On the Move!

Tenor saxophonists Jerry Weldon and Michael Karn share many of the same influences including Dexter Gordon, Sonny Stitt, Sonny Rollins, Hank Mobley and Joe Henderson. Karn has a slightly harder tone but the two tenors are quite complementary and of equal talent. For this hard bop outing from Criss Cross, Weldon and Karn are joined by pianist Bruce Barth, bassist Peter Washington and drummer Billy Drummond. Although the co-leaders contribute two originals apiece, the newer pieces are in the same basic chordal-oriented style as the six vintage tunes (which include a long and blazing tenor tradeoff on "Ko-Ko," "Ow," the Sonny Rollins-associated "If Ever I Would Leave You" and ballad features for Karn ("Who Can I Turn To") and Weldon ("All the Way"). Fun music easily recommended to straight-ahead jazz collectors. ~ Scott Yanow

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Los saxofonistas Jerry Weldon y Michael Karn comparten muchas de las mismas influencias, incluyendo a Dexter Gordon, Sonny Stitt, Sonny Rollins, Hank Mobley y Joe Henderson. Karn tiene un tono ligeramente más duro pero los dos tenores son bastante complementarios y de igual talento. Para esta dura salida de Criss Cross, Weldon y Karn están acompañados por el pianista Bruce Barth, el bajista Peter Washington y el baterista Billy Drummond. Aunque los co-líderes aportan dos originales cada uno, las piezas más nuevas tienen el mismo estilo básico orientado a los acordes que los seis temas vintage (que incluyen un largo y ardiente intercambio de tenor en "Ko-Ko", "Ow", "If Ever I Would Leave You", asociado con Sonny Rollin, y baladas para Karn ("Who Can I Turn To") y Weldon ("All the Way"). La música divertida se recomienda fácilmente a los coleccionistas de jazz. ~ Scott Yanow

jerryweldon.net ...

 

 

Mike Mainieri • Man Behind Bars

 

Primarily recognized as an award-winning, jazz vibraphonist, Mike Mainieri’s equally remarkable talents as producer, arranger, and composer have contributed to shaping the cutting-edge in music. Throughout his fruitful career—now spanning almost five decades—Mike has collaborated with the world’s most formidable jazz player’s produced numerous albums, and discovered a host of innovative, young talent.

Raised in a family of performers and musicians, Mike’s training began early. At the age of 14, his own jazz trio was touring with the PAUL WHITEMAN ORCHESTRA, and by 17 he was playing and arranging for Buddy Rich’s sextet- -a tenure which continued up until 1962. During this period, he also played with such legendary artists as Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins and Wes Montgomery, and at the age of 18 he won the International Jazz Critic’s Award.

As a solo artist, Mike has created and contributed to countless, visionary artistic endeavors. In 1962, he joined the ground-breaking jazz/rock group JEREMY & THE SATYRS led by flutist Jeremy Steig. Along with Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery, and Eddie Gomez, THE SATYRS jammed at New York’s Club Go Go, and performed with such monumental figures as Frank Zappa, Richie Havens and Jimi Hendrix. During the late 60’s, this small circle of performers grew into what became known as the WHITE ELEPHANT ORCHESTRA, a 20-piece, all- star, experimental ensemble. The group featured George Young, Frank Vacari, Michael Brecker, and Ronny Cuber —saxes; Jon Faddis, Lew Soloff, and Randy Brecker—trumpets; Barry Rogers, Jon Pierson—trombones; as well as, Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza, and Hugh McCraken in the rhythm section. Under Mike’s direction, this jazz/rock big band evolved into a laboratory for experimentation with various musical forms, ideas, and philosophies. From 1969-1972, the WHITE ELEPHANT clan of New York’s finest musicians jammed, and recorded at studios throughout the city, and its energy spawned many musical directions for the decades to follow, including DREAMS, ARS NOVA, BRECKER BROTHERS, L’IMAGES, etc.

During the late 70’s, Mike founded the pioneering jazz/ fusion groups STEPS AHEAD, which included previous cohorts Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd and Don Grolnick. Delving into contemporary sounds while maintaining experimentation and compositional integrity, STEPS AHEAD was, and is, a launching-pad for young talent and new musical ideas. STEPS Alumni include Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z., Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Daryl Jones, Mike Stern and Jimi Tunnel. Other noteworthy collaborations have included recordings with Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell, and Jim Hall, just to name a few.

As a composer, arranger, and performer, Mike has contributed to over 100 gold and platinum albums. An active participant in the rock and pop scenes, he’s worked with Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Staits, and Bonnie Raitt. He’s Produced albums for George Benson and Andy Summers, and STEPS AHEAD Alumni, Norweigan saxophonist Bendik, and pianist Rachel Z.

In 1992, Mike brought to bear his vast experience with the creation of NYC RECORDS. An extension of himself, the independent label is a vehicle for exposing new ideas grounded in the jazz idiom. With the hip, fresh sounds of Zachary Breaux and Rachel Z; saxophonists George Garzone and Myron Walden; the eclectic, musical cacophony of Philip DeGruy's solo guitar; and Mike’s own projects Mike Mainieri, AN AMERICAN DIARY series—featuring Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez, and Peter Erskine—and the ever evolving STEPS AHEAD group.
https://musicians.allaboutjazz.com/mikemainieri

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Principalmente reconocido como un vibrafonista de jazz ganador de premios, los talentos igualmente notables de Mike Mainieri como productor, arreglista y compositor han contribuido a dar forma a la vanguardia de la música. A lo largo de su fructífera carrera -que ahora abarca casi cinco décadas-, Mike ha colaborado con el músico de jazz más formidable del mundo en la producción de numerosos álbumes, y ha descubierto un sinfín de talentos jóvenes e innovadores.

Criado en una familia de intérpretes y músicos, el entrenamiento de Mike comenzó temprano. A la edad de 14 años, su propio trío de jazz estaba de gira con la PAUL WHITEMAN ORCHESTRA, y a los 17 años tocaba y arreglaba para el sexteto de Buddy Rich, un cargo que duró hasta 1962. Durante este período, también tocó con artistas legendarios como Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins y Wes Montgomery, y a la edad de 18 años ganó el Premio Internacional de la Crítica de Jazz.

Como solista, Mike ha creado y contribuido a innumerables y visionarios esfuerzos artísticos. En 1962, se unió al innovador grupo de jazz/rock JEREMY & THE SATYRS dirigido por el flautista Jeremy Steig. Junto con Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery y Eddie Gómez, THE SATYRS tocaron en el Club Go Go Go de Nueva York, y actuaron con figuras tan monumentales como Frank Zappa, Richie Havens y Jimi Hendrix. A finales de los años 60, este pequeño círculo de intérpretes se convirtió en lo que se conoció como la WHITE ELEPHANT ORCHESTRA, un conjunto experimental de 20 piezas y estrellas. El grupo incluyó a George Young, Frank Vacari, Michael Brecker y Ronny Cuber -saxes; Jon Faddis, Lew Soloff y Randy Brecker-trumpets; Barry Rogers, Jon Pierson-trombones; así como, Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza y Hugh McCraken en la sección de ritmo. Bajo la dirección de Mike, esta big band de jazz/rock se convirtió en un laboratorio para la experimentación con varias formas musicales, ideas y filosofías. De 1969 a 1972, el clan WHITE ELEPHANT de los mejores músicos de Nueva York tocó y grabó en estudios de toda la ciudad, y su energía generó muchas direcciones musicales durante las décadas siguientes, incluyendo DREAMS, ARS NOVA, BRECKER BROTHERS, L'IMAGES, etc.

A finales de los años 70, Mike fundó los grupos pioneros de jazz/fusión STEPS AHEAD, entre los que se encontraban las cohortes anteriores Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd y Don Grolnick. Sumergiéndose en sonidos contemporáneos mientras mantiene la experimentación y la integridad compositiva, STEPS AHEAD fue, y es, una plataforma de lanzamiento para jóvenes talentos y nuevas ideas musicales. Los alumnos de STEPS incluyen a Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z., Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Daryl Jones, Mike Stern y Jimi Tunnel. Otras colaboraciones notables han incluido grabaciones con Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell y Jim Hall, entre otros.

Como compositor, arreglista e intérprete, Mike ha contribuido con más de 100 discos de oro y platino. Un participante activo en las escenas de rock y pop, ha trabajado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Staits y Bonnie Raitt. Ha producido álbumes para George Benson y Andy Summers, y STEPS AHEAD Alumni, el saxofonista Norweigan Bendik, y la pianista Rachel Z.

En 1992, Mike aportó su vasta experiencia en la creación de NYC RECORDS. Una extensión de sí mismo, el sello independiente es un vehículo para exponer nuevas ideas basadas en el lenguaje del jazz. Con los sonidos frescos y modernos de Zachary Breaux y Rachel Z; los saxofonistas George Garzone y Myron Walden; la ecléctica y musical cacofonía de la guitarra solista de Philip DeGruy; y los propios proyectos de Mike Mike Mainieri, la serie AN AMERICAN DIARY (Un Diario Americano), con Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez y Peter Erskine, y el siempre en evolución grupo STEPS AHEAD.
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