egroj world: June 2024

Sunday, June 30, 2024

Lee Morgan • Take Twelve

 

 



Review by Scott Yanow
Take Twelve was trumpeter Lee Morgan's only recording during an off-period that lasted from mid-1961 to late 1963. Morgan (who sounds in fine form) leads a quintet with tenor saxophonist Clifford Jordan, pianist Barry Harris, bassist Bob Cranshaw and drummer Louis Hayes through four of his originals, Jordan's "Little Spain," and the title cut, an Elmo Hope composition. The superior material uplifts the set from being a mere "blowing" date but it generally has the spontaneity of a jam session. It's one of Lee Morgan's lesser-known dates.
https://www.allmusic.com/album/take-twelve-mw0000203606

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Reseña de Scott Yanow
Take Twelve fue la única grabación del trompetista Lee Morgan durante un período de inactividad que duró desde mediados de 1961 hasta finales de 1963. Morgan (que suena en buena forma) dirige un quinteto con el saxofonista tenor Clifford Jordan, el pianista Barry Harris, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Louis Hayes a través de cuatro de sus originales, "Little Spain" de Jordan, y el corte del título, una composición de Elmo Hope. El material superior eleva el conjunto de ser una mera fecha de "soplado", pero en general tiene la espontaneidad de una jam session. Es una de las citas menos conocidas de Lee Morgan.
https://www.allmusic.com/album/take-twelve-mw0000203606

 

John Abercrombie • Gateway In The Moment

 



18 years after their collective album "Gateway 2" and 15 years after they had given a concert performance together, the three protagonists of Gateway-John Abercrombie, Dave Holland, and Jack DeJohnette-reunited in the summer of 1994 for an extended tour. The group then returned to the studio to make "Homecoming" their "comeback" album, which was released the following year to a chorus of critical approval. In truth the session from which "Homecoming" was drawn was a particulalry productive one, the level of interplay sufficiently high to fuel more than a single album. After the band had worked its way through its new repertoire of preset tunes and heads, producer Manfred Eicher encouraged them to keep playing. "In The Moment" is a collection of freely-structured group improvisations created spontaneously yet drawing on experiences shared over the course of a quarter-century.
https://ecmrecords.com/product/in-the-moment-gateway/

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18 años después de su álbum colectivo "Gateway 2" y 15 años después de haber dado un concierto juntos, los tres protagonistas de Gateway -John Abercrombie, Dave Holland y Jack DeJohnette- se reunieron en el verano de 1994 para una extensa gira. El grupo volvió al estudio para grabar "Homecoming", su álbum de regreso, que se publicó al año siguiente con el beneplácito de la crítica. En realidad, la sesión de la que surgió "Homecoming" fue especialmente productiva, y el nivel de interacción lo suficientemente alto como para alimentar algo más que un único álbum. Después de que la banda se abriera camino a través de su nuevo repertorio de melodías preestablecidas y cabezas, el productor Manfred Eicher les animó a seguir tocando. "In The Moment" es una colección de improvisaciones en grupo libremente estructuradas, creadas de forma espontánea pero basadas en experiencias compartidas a lo largo de un cuarto de siglo.
https://ecmrecords.com/product/in-the-moment-gateway/


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John Abercrombie • Gateway Homecoming

 



Review by Greg Turner
The Gateway Trio is a cooperative in the greatest sense of the word, as guitarist John Abercrombie, bassist Dave Holland, and drummer Jack DeJohnette  are all respected players, composers, and bandleaders on the jazz  scene. Even though this only the third Gateway recording and the group's  first in 17 years, each group member collaborates frequently with the  others. As a result there is always a great sense of interplay between  Abercrombie's sometimes-mellow-sometimes-distorted guitar, Holland's  huge toned bass, and DeJohnette's dancing drums. All of the compositions are by the band members and are wide-ranging in scope. Highlights  include the title track, which begins as a medium swinger but drifts into collective improvisation before coming back to medium swing, Modern Times, with its melody reminiscent of "Yesterdays" over a samba feel, the rockish "How's Never" and "7th D," what one might call a "free blues." This is a fine return to recording for a great group.
https://www.allmusic.com/album/homecoming-mw0000645800

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Reseña de Greg Turner
El Gateway Trio es una cooperativa en el mayor sentido de la palabra, ya que el guitarrista John Abercrombie, el bajista Dave Holland y el batería Jack DeJohnette son todos respetados intérpretes, compositores y directores de orquesta en la escena del jazz. Aunque ésta es sólo la tercera grabación de Gateway y la primera del grupo en 17 años, cada miembro del grupo colabora frecuentemente con los demás. Como resultado, siempre hay una gran sensación de interacción entre la guitarra a veces melosa, a veces distorsionada, de Abercrombie, el bajo de gran tono de Holland y la batería danzante de DeJohnette. Todas las composiciones son de los miembros de la banda y tienen un amplio alcance. Destacan el tema que da título al disco, que comienza como un swing medio pero deriva hacia la improvisación colectiva antes de volver al swing medio, Modern Times, con su melodía que recuerda a "Yesterdays" sobre un aire de samba, la rockera "How's Never" y "7th D", lo que podríamos llamar un "blues libre". Se trata de un buen regreso discográfico de un gran grupo.
https://www.allmusic.com/album/homecoming-mw0000645800


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John Abercrombie-Dave Holland-Jack Dejohnette • Gateway

 



With “daring and visionary spirit”, to quote a Downbeat review from the year of this album’s release, master improvisers John Abercrombie, Dave Holland and Jack DeJohnette forged a unique vision of trio interplay on their first joint effort under the Gateway moniker. The trio tackles Dave Holland and Jack DeJohnette originals with a visionary idea of what three-way conversations in jazz could sound like. As The Observer remarked in an article of the time, “the telepathic ensemble playing and perfect execution make it difficult to believe that this music is almost completely improvised”. The players’ respectively unique instrumental signatures had already fully crystallised here, hinting at the music to come.  
https://ecmrecords.com/product/gateway-john-abercrombie-dave-holland-jack-dejohnette/

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Con "audacia y espíritu visionario", por citar una crítica de Downbeat del año del lanzamiento de este álbum, los maestros de la improvisación John Abercrombie, Dave Holland y Jack DeJohnette forjaron una visión única de la interacción en trío en su primer esfuerzo conjunto bajo el nombre de Gateway. El trío aborda originales de Dave Holland y Jack DeJohnette con una idea visionaria de cómo podrían sonar las conversaciones a tres bandas en el jazz. Como comentaba The Observer en un artículo de la época, "el telepático juego de conjunto y la perfecta ejecución hacen difícil creer que esta música sea casi completamente improvisada". Las respectivas firmas instrumentales únicas de los músicos ya habían cristalizado plenamente aquí, insinuando la música que estaba por venir.  
https://ecmrecords.com/product/gateway-john-abercrombie-dave-holland-jack-dejohnette/


 


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Morris Nanton • Soul Fingers



Morris Nanton (1929-2009) était un pianiste de jazz américain originaire de Perth Amboy, New Jersey. Il a étudié à New York (Juilliard Conservatory) avant de créer son trio dans les années 1950. Le bassiste Norman Edge l'accompagna pendant 53 ans, à partir de 1956. Le trio comprit aussi les batteurs Oliver Jackson et Jeff Brillinger. Le groupe eut l'occasion d'accompagner notamment les chanteurs Jack Jones, Mel Torme, Nel Carter, Lovelace Watkins et Barbara Streisand. À la fin des années 1950, Nanton enregistra deux albums pour Warner Bros. Il en réalisa 3 autres pour Prestige durant les années 1960. Il continua de se produire ensuite essentiellement dans des clubs du New Jersey.
Le style de Morris Nanton fait penser à Gene Harris et au Ramsey Lewis des années 1960.

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Traducción Automática:
Morris Nanton (1929-2009) fue un pianista de jazz estadounidense originario de Perth Amboy, Nueva Jersey. Estudió en Nueva York (Juilliard Conservatory) antes de crear su trío en la década de 1950. El bajista Norman Edge lo acompañó durante 53 años, desde 1956. El trío también incluyó a los bateristas Oliver Jackson y Jeff Brillinger. El grupo tuvo la oportunidad de acompañar a los cantantes Jack Jones, Mel Torme, Nel Carter, Lovelace Watkins y Barbara Streisand. A fines de la década de 1950, Nanton grabó dos álbumes para Warner Bros. Hizo tres más para Prestige durante la década de 1960. Luego continuó actuando principalmente en clubes de Nueva Jersey.
El estilo de Morris Nanton recuerda a Gene Harris y Ramsey Lewis de los años sesenta.

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Automatic translation:
Morris Nanton (1929-2009) was an American jazz pianist originally from Perth Amboy, New Jersey. He studied in New York (Juilliard Conservatory) before creating his trio in the 1950s. The bassist Norman Edge accompanied him for 53 years, from 1956. The trio also included drummers Oliver Jackson and Jeff Brillinger. The group had the opportunity to accompany singers Jack Jones, Mel Torme, Nel Carter, Lovelace Watkins and Barbara Streisand. In the late 1950s, Nanton recorded two albums for Warner Bros. He made three more for Prestige during the 1960s. He then continued to perform mainly in New Jersey clubs.
Morris Nanton's style is reminiscent of Gene Harris and Ramsey Lewis of the 1960s.


VA • Rockin' Bonesː Red Hot Rockabilly (75 Original Recordings) - Vol 1

 


VA • Rockin' Bonesː Red Hot Rockabilly (75 Original Recordings) - Vol 2

 


VA • Rockin' Bonesː Red Hot Rockabilly (75 Original Recordings) - Vol 3

 


Saturday, June 29, 2024

Laurel Aitken • Skinhead Train - The Complete Singles Collection 1969-1970

 



Artist Biography by Steve Huey
Known as "the Godfather of Ska," Laurel Aitken was Jamaica's first real recording star. He was a pioneer in many other respects as well: he was one of the first artists ever to release a ska record, the first to work at promoting his music in the U.K., and one of the first to record for the seminal Island label, itself a major force in the international popularity of Jamaican music. Cutting his teeth on the sort of jump blues and boogie shuffles popular during the early days of American R&B, Aitken recorded numerous hits for a variety of labels over the years, enjoying his heyday during the '60s. His continued presence in the U.K. made him an elder statesman to the Two Tone ska revival movement of the punk era, and he continued to tour even into the new millennium.


Aitken was born in Cuba on April 22, 1927, and moved to his father's homeland of Jamaica in 1938. At age 15, he won a prominent talent competition with his rendition of "Pennies From Heaven"; around the same time, he also sang as part of a calypso group that performed for tourists arriving on the island from cruise ships. Aitken developed his singing and songwriting chops on a wide variety of material: jump blues (especially those of Louis Jordan and the young Nat King Cole), New Orleans R&B, calypso, and the indigenous Jamaican folk style mento. He became a popular nightclub performer around Kingston, and officially joined the nascent Jamaican recording industry in 1957, when he recorded (and produced) the R&B/calypso spiritual "Roll Jordan Roll." The following year, he began recording for producer Chris Blackwell's fledgling Island label; his double-A-sided "Little Sheila"/"Boogie in My Bones" was the first single ever released on Island, as well as one of the earliest ska records. It was also a massive hit in Jamaica, topping the charts for nearly three months, and went on to become the first Jamaican record ever issued in the U.K.

Aitken scored another hit with 1959's gospel-informed "Judgement Day," an early production by the legendary Duke Reid, and repeated his success with 1960's "Boogie Rock." In the meantime, he recorded for several prominent producers, including Reid, Leslie Kong, and Ken Khouri. In 1960, spurred by the popularity of his records in England, Aitken moved to London, specifically the heavily West Indian area of Brixton. There he began recording for Blue Beat, the first British-based label to cater to Jamaican immigrant tastes. Blue Beat's first single was a reissue of "Boogie Rock," and not long after, "Mary Lee" became the first song Aitken recorded specifically for the label. As a prominent Jamaican who'd chosen to make his home in Brixton, Aitken's popularity among the U.K.'s West Indian immigrants soon exceeded the stardom he'd enjoyed back home.

Aitken cut more than 15 singles for Blue Beat, then temporarily returned to Jamaica in 1963 for a recording binge that often found him backed by the Skatalites. Some tracks, like "Weary Wanderer" and "Zion," were produced by Reid; another, the hit "Bad Minded Woman," was released by Aitken's new U.K. label, Rio. Aitken remained with Rio through 1966, issuing around 20 singles and also recording for several other small labels. Rio went bankrupt, and during the late '60s, Aitken signed a new deal with the Pama family of labels (Nu Beat, Doctor Bird, etc.), partly because the company helped him out with his overdue child support payments. This arrangement resulted in some of his biggest U.K. hits, many of which he penned himself: "Fire in Mi Wire," "Pussy Price" (both early slack numbers), "Landlord and Tenants," "It's Too Late," "Jesse James," "Rise & Fall," "Woppi King," and "Skinhead Train," to name the biggest. This material was among Aitken's most enduring, and broadened his appeal to white audiences (mostly skinheads and mods).

Labour of Love
The ascent of Bob Marley and the new Rastafarian emphasis on culturally relevant reggae made Aitken's music seem somewhat outdated in the '70s. He moved to Leicester, well outside of London, and while he performed occasionally, he was effectively retired from recording. However, the Two Tone ska revival of the late '70s made Aitken's style hip all over again, and the English Beat rewrote the lyrics of "Pussy Price" for their own "Ranking Full Stop." Aitken returned to the recording studio and came up with "Rudy Got Married," which became his first ever U.K. chart single in 1981. Aitken resumed his regular U.K. tours during the '80s, and spent a year and a half working with a band called the Potato 5, with whom he recorded on Gaz's Rockin' Records. In 1986, he appeared alongside David Bowie in the mod film Absolute Beginners; additionally, UB40 covered Aitken's single "Guilty" (recorded under the name Tiger) on their hit Labour of Love album, further increasing his visibility. Aitken performed with several third wave ska bands over the '80s and '90s, and although his recording activity dropped off substantially, he continued to tour into the new millennium, even documenting and releasing a performance titled Live at Club Ska, issued in 2004. After six decades of recording and performing, Laurel Aitken's reign as the Godfather of Ska came to an end on July 17, 2005 when at the age of 87 the singer suffered a heart attack and passed way.
https://www.allmusic.com/artist/laurel-aitken-mn0000138792/biography

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 Biografía del artista por Steve Huey
Conocido como "el Padrino de Ska", Laurel Aitken fue la primera estrella de la grabación de Jamaica. Fue pionero en muchos otros aspectos también: fue uno de los primeros artistas en lanzar un disco de ska, el primero en trabajar en la promoción de su música en el Reino Unido, y uno de los primeros en grabar para el seminal sello Island, que en sí mismo es una fuerza importante en la popularidad internacional de la música jamaicana. Aitken grabó numerosos éxitos para una variedad de sellos discográficos a lo largo de los años, disfrutando de su apogeo durante los años sesenta. Su presencia continua en el Reino Unido lo convirtió en un anciano estadista del movimiento de renacimiento del ska Two Tone de la era punk, y continuó su gira incluso en el nuevo milenio.

Aitken nació en Cuba el 22 de abril de 1927 y se mudó a la patria de su padre, Jamaica, en 1938. A la edad de 15 años, ganó un concurso de talentos prominentes con su interpretación de "Pennies From Heaven"; más o menos al mismo tiempo, también cantó como parte de un grupo de calipso que actuaba para los turistas que llegaban a la isla en cruceros. Aitken desarrolló sus chuletas de canto y composición sobre una amplia variedad de materiales: jump blues (especialmente los de Louis Jordan y el joven Nat King Cole), New Orleans R&B, calypso, y el mento de estilo folklórico jamaicano. Se convirtió en un popular artista de clubes nocturnos en Kingston, y se unió oficialmente a la naciente industria discográfica jamaicana en 1957, cuando grabó (y produjo) el espiritual "Roll Jordan Roll" de R&B/calypso. Al año siguiente, comenzó a grabar para el incipiente sello Island del productor Chris Blackwell; su doble cara "Little Sheila"/"Boogie in My Bones" fue el primer sencillo publicado en Island, así como uno de los primeros discos de ska. También fue un gran éxito en Jamaica, encabezando las listas de éxitos durante casi tres meses, y se convirtió en el primer disco jamaiquino jamás publicado en el Reino Unido.

Aitken obtuvo otro éxito con el "Día del Juicio" de 1959, una producción temprana del legendario Duque Reid, y repitió su éxito con el "Boogie Rock" de los años 60. Mientras tanto, grabó para varios productores prominentes, incluyendo Reid, Leslie Kong y Ken Khouri. En 1960, impulsado por la popularidad de sus discos en Inglaterra, Aitken se trasladó a Londres, concretamente a la zona de Brixton, una zona densamente poblada por las Indias Occidentales. Allí comenzó a grabar para Blue Beat, el primer sello con sede en Gran Bretaña que satisface los gustos de los inmigrantes jamaiquinos. El primer sencillo de Blue Beat fue una reedición de "Boogie Rock", y poco después, "Mary Lee" se convirtió en la primera canción de Aitken grabada específicamente para el sello. Como prominente jamaiquino que había decidido establecerse en Brixton, la popularidad de Aitken entre los inmigrantes de las Indias Occidentales del Reino Unido pronto superó el estrellato que había disfrutado en su país.

Aitken grabó más de 15 sencillos para Blue Beat, y luego regresó temporalmente a Jamaica en 1963 para una juerga discográfica que a menudo lo encontró respaldado por los Skatalites. Algunos temas, como "Weary Wanderer" y "Zion", fueron producidos por Reid; otro, el éxito "Bad Minded Woman", fue lanzado por el nuevo sello británico de Aitken, Rio. Aitken permaneció con Rio hasta 1966, emitiendo alrededor de 20 sencillos y también grabando para varios otros sellos pequeños. Río se fue a la bancarrota, y a finales de los años 60, Aitken firmó un nuevo acuerdo con la familia de etiquetas Pama (Nu Beat, Doctor Bird, etc.), en parte porque la compañía le ayudó con sus pagos atrasados de manutención infantil. Este arreglo resultó en algunos de sus mayores éxitos en el Reino Unido, muchos de los cuales él mismo escribió: "Fire in Mi Wire", "Pussy Price" (ambos números iniciales), "Landlord and Tenants", "It's Too Late", "Jesse James", "Rise & Fall", "Woppi King" y "Skinhead Train", por nombrar los más grandes. Este material fue uno de los más duraderos de Aitken, y amplió su atractivo para el público blanco (principalmente skinheads y mods).

El ascenso de Bob Marley y el nuevo énfasis rastafariano en el reggae culturalmente relevante hicieron que la música de Aitken pareciera algo anticuada en los años 70. Se mudó a Leicester, en las afueras de Londres, y aunque tocaba ocasionalmente, fue retirado de la grabación. Sin embargo, el renacimiento del ska Two Tone de finales de los 70 hizo que el estilo de Aitken volviera a estar de moda, y el English Beat reescribió la letra de "Pussy Price" para su propio "Ranking Full Stop". Aitken regresó al estudio de grabación y se le ocurrió "Rudy Got Married", que se convirtió en su primer single en el Reino Unido en 1981. Aitken reanudó sus giras regulares por el Reino Unido durante los años 80, y pasó un año y medio trabajando con una banda llamada The Potato 5, con la que grabó en Gaz's Rockin' Records. En 1986, apareció junto a David Bowie en la película "Absolute Beginners"; además, UB40 cubrió el sencillo de Aitken "Guilty" (grabado bajo el nombre de Tiger) en su exitoso álbum "Labour of Love", aumentando aún más su visibilidad. Aitken tocó con varias bandas de ska de tercera ola durante los'80 y'90, y aunque su actividad discográfica se redujo sustancialmente, continuó girando en el nuevo milenio, incluso documentando y lanzando una actuación titulada Live at Club Ska, publicada en 2004. Después de seis décadas de grabar y tocar, el reinado de Laurel Aitken como el Padrino de Ska terminó el 17 de julio de 2005, cuando a la edad de 87 años el cantante sufrió un ataque al corazón y se fue.
https://www.allmusic.com/artist/laurel-aitken-mn0000138792/biography



John Coltrane • Crescent

 



Review
by Michael G. Nastos  
John Coltrane's Crescent from the spring of 1964 is an epic album, showing his meditative side that would serve as a perfect prelude to his immortal work A Love Supreme. His finest quartet with McCoy Tyner, Jimmy Garrison, and Elvin Jones supports the somewhat softer side of Coltrane, and while not completely in ballad style, the focus and accessible tone of this recording work wonders for anyone willing to sit back and let this music enrich and wash over you. While not quite at the "sheets of sound" unfettered music he would make before his passing in 1967, there are hints of this group stretching out in restrained dynamics, playing as lovely a progressive jazz as heard anywhere in any time period. The highlights come at the top with the reverent, ruminating, and free ballad "Crescent," with a patient Coltrane acquiescing to swinging, while the utterly beautiful "Wise One" is accented by the delicate and chime-like musings of Tyner with a deeply hued tenor from Coltrane unrushed even in a slight Latin rhythm. These are the ultimate spiritual songs, and ultimately two of the greatest in Coltrane's storied career. But "Bessie's Blues" and "Lonnie's Lament" are just as revered in the sense that they are covered by jazz musicians worldwide, the former a hard bop wonder with a classic short repeat chorus, the latter one of the most somber, sad jazz ballad reflections in a world full of injustice and unfairness -- the ultimate eulogy. Garrison and especially Jones are put through their emotional paces, but on the finale "The Drum Thing," the African-like tom-tom sounds extracted by Jones with Coltrane's sighing tenor, followed by some truly amazing case study-frantic snare drumming, makes it one to be revisited. In the liner notes, a quote from Leroi Jones/Amiri Baraka states John Coltrane was "daringly human," and no better example of this quality transferred to musical endeavor is available than on this definitive, must have album that encompasses all that he was and eventually would become.
https://www.allmusic.com/album/crescent-mw0000763600

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Reseña
por Michael G. Nastos  
El Crescent de John Coltrane de la primavera de 1964 es un álbum épico, que muestra su lado meditativo que serviría como preludio perfecto a su inmortal obra A Love Supreme. Su mejor cuarteto con McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones apoya el lado algo más suave de Coltrane, y aunque no es completamente en estilo balada, el enfoque y el tono accesible de esta grabación hacen maravillas para cualquiera dispuesto a sentarse y dejar que esta música le enriquezca y le bañe. Aunque no llega a las "hojas de sonido" de la música sin restricciones que haría antes de su fallecimiento en 1967, hay indicios de que este grupo se estira en dinámicas contenidas, tocando un jazz progresivo tan encantador como el que se ha escuchado en cualquier lugar y en cualquier época. Lo más destacado llega en la cima con la reverente, rumiante y libre balada "Crescent", con un paciente Coltrane consintiendo el swing, mientras que la absolutamente hermosa "Wise One" está acentuada por las delicadas y tímidas cavilaciones de Tyner con un tenor profundamente matizado de Coltrane sin prisas incluso en un ligero ritmo latino. Son las canciones espirituales por excelencia y, en última instancia, dos de las mejores de la carrera de Coltrane. Pero "Bessie's Blues" y "Lonnie's Lament" son igual de veneradas en el sentido de que son versionadas por músicos de jazz de todo el mundo, la primera una maravilla del hard bop con un clásico estribillo corto repetido, la segunda una de las baladas de jazz más sombrías y tristes reflexiones en un mundo lleno de injusticias e injusticias -- el panegírico definitivo. Garrison y, sobre todo, Jones, son puestos a prueba en el terreno emocional, pero en el final, "The Drum Thing", los sonidos africanos del tom-tom extraídos por Jones con el tenor suspirante de Coltrane, seguidos de una caja verdaderamente asombrosa y frenética, hacen que sea un disco para volver a escuchar. En las notas de presentación, una cita de Leroi Jones/Amiri Baraka afirma que John Coltrane era "audazmente humano", y no hay mejor ejemplo de esta cualidad trasladada al quehacer musical que este álbum definitivo e imprescindible que abarca todo lo que fue y en lo que acabaría convirtiéndose.
https://www.allmusic.com/album/crescent-mw0000763600


www.johncoltrane.com ...


Pepper Adams • Pepper

 


Biography
by arwulf arwulf
Pepper Adams handled the baritone saxophone with the driven facility of hard bop and fueled the big horn with a propulsive intensity that caused him to be nicknamed "the Knife" for his "slashing and chopping technique," which had a humbling effect upon musicians fortunate enough to gig with him. From 1954 until shortly before his passing in 1986, Pepper Adams existed as an indispensable ingredient in the North American jazz ensemble, releasing more than 20 albums as a leader, emanating a special warmth as a featured soloist, and serving as a strongly supportive sideman and an often overlooked accompanist, for he anchored many an ensemble behind vocalists such as Brook Benton, Aretha Franklin, Jon Lucien, Carmen McRae, Helen Merrill, Esther Phillips, Dakota Staton, Joe Williams, and Jimmy Witherspoon. Often mentioned in the same breath with Serge Chaloff, Gerry Mulligan, and Cecil Payne, his powerhouse approach was closer to that of Harry Carney and Leo Parker.

Born Park Adams III on October 8, 1930, in Highland Park, MI, he was five years old when his family moved to Rochester, NY, where he soon developed a passionate interest in jazz by listening to Fats Waller, Jimmie Lunceford, Duke Ellington, and Cab Calloway on the radio. At 12 he was blowing clarinet and tenor sax and was soon sitting in with local bands, including one led by veteran reedman Ben Smith. Pepper's primary inspiration was tenor archetype Coleman Hawkins, and Harry Carney inspired him to take up the baritone. Moving back to Detroit in 1946, he played in a group led by Lucky Thompson and worked in the house band at the African-American-owned Bluebird Inn with Barry Harris, Billy Mitchell, and Thad and Elvin Jones while holding down a job manufacturing automobiles. He blew tenor with Lionel Hampton for a while and served in the U.S. Army from 1951 to 1953, including a spell in Korea. Resuming his routine at the Bluebird, he developed his stamina while working with Miles Davis, Sonny Stitt, and Wardell Gray, whose influence he always acknowledged.

Adams worked in a group led by guitarist Kenny Burrell, then recorded with alto saxophonist Lennie Niehaus. His most memorable session of 1955 was with bassist Paul Chambers and emerging tenor John Coltrane. Moving to New York in January 1956, he recorded with Kenny Clarke, Curtis Fuller, and Quincy Jones. Pepper toured with Stan Kenton and Maynard Ferguson and while on the West Coast he jammed with Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars. During 1957 Adams made records with harmonica ace Toots Thielemans; pianists Hank Jones and Ahmad Kharab Salim; trumpeters Shorty Rogers and Lee Morgan; and saxophonists Dave Pell, John Coltrane, Frank Wess, Coleman Hawkins, Hank Mobley, and Shafi Hadi (later reissued with the complete Debut recordings of Charles Mingus).

In 1958 Adams worked with Benny Goodman, Johnny Griffin, Chet Baker, Manny Albam, Gene Ammons, and Donald Byrd, with whom he would co-lead a band and cut quite a number of albums over the years. In 1959 Pepper put out an LP with trombonist Jimmy Knepper and led a group that was recorded live at the Five Spot. He supported Art Pepper and Sonny Red on their album Two Altos and sat in on Philly Joe Jones' Showcase. Adams helped solidify the orchestra that appeared with Thelonious Monk at Town Hall and served as a sort of living furnace among trombonist Jimmy Knepper and saxophonists Jackie McLean, John Handy, and Booker Ervin during the session that resulted in Blues and Roots, the album that virtually defines the artistic legacy of Charles Mingus. He began the 1960s by recording with multi-instrumentalist Herbie Mann, pianist Herbie Hancock, vibraphonist Lionel Hampton, saxophonist Jimmy Forrest, and trumpeters Howard McGhee and Freddie Hubbard. He also recorded with pianists Duke Pearson and Red Garland, helped saxophonist Pony Poindexter cut his first album, and appeared live with Mingus at New York's Town Hall and Birdland.

In 1963 Pepper Adams Plays Charlie Mingus was co-produced by Mingus and vibraphonist Teddy Charles. Other collaborations from this period include Ben Webster's See You at the Fair, Oliver Nelson's More Blues and the Abstract Truth, and dates led by pianist Joe Zawinul and saxophonist Stanley Turrentine. In 1966 Thad Jones and Pepper Adams co-led the album Mean What You Say. This coincided with the first of the Monday night performances at the Village Vanguard by the Thad Jones/Mel Lewis Big Band, an 18-piece unit that would stay together for ten years. Throughout the late '60s Pepper Adams performed with trumpeter Blue Mitchell, with Dizzy Gillespie at the Vanguard, behind organist Jimmy Smith on Stay Loose...Jimmy Smith Sings Again, and on various albums by saxophonists Lou Donaldson, Hank Crawford, Zoot Sims, Houston Person, and Roland Kirk. He closed out the decade by sitting in with bassist Richard Davis, with guitarist George Benson on the album Giblet Gravy, and in a large band behind Mose Allison on the LP Hello There, Universe.

Pepper Adams showed up on several Blue Note sessions presided over by Elvin Jones from 1969 to 1973, on two albums with soul-jazz organist Johnny "Hammond" Smith, and with composer and multi-instrumentalist David Amram on various projects that materialized throughout the 1970s. Adams demonstrated terrific adaptability as he assisted Felix Cavaliere and the Rascals with their jazz-rock crossover Peaceful World and even signed on with comedian Martin Mull, appearing on his 1974 album, Normal, where he lent ballast to a tidy big-band arrangement of "Flexible" with Phil Bodner, Thad Jones, Jimmy Knepper, and Joe Farrell. Further engagements during the 1970s (including tours of the U.K. and Europe) involved pianists Arif Mardin, Ben Sidran, and Mickey Tucker; guitarist Eric Gale; saxophonist Grover Washington, Jr.; and Lalo Schifrin's disco album Black Widow. A return to jazzier turf came about on Nick Brignola's Baritone Madness, on sessions with pianist Walter Bishop, Jr., and on Charles Mingus' last albums Me, Myself an Eye and Something Like a Bird in 1978.

Pepper's Urban Dreams came out in 1981, ushering in what would be his last five years of artistic productivity. He assisted with Teo Macero's Impressions of Charles Mingus and recorded with pianist Bess Bonnier, guitarist Peter Leitch, pianists Hank Jones and Hod O'Brien, and trumpeter Kenny Wheeler. Pepper's last recording, The Adams Effect, brought him together with saxophonist Frank Foster and a rhythm section of Tommy Flanagan, Ron Carter, and Billy Hart. A lifelong tobacco addict, Pepper Adams died of lung cancer in Brooklyn, NY, on September 10, 1986.

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Biografía
por arwulf arwulf
Pepper Adams manejaba el saxofón barítono con la facilidad del hard bop y alimentaba el cuerno grande con una intensidad propulsora que le llevó a ser apodado "The Knife" (el cuchillo) por su "técnica de cortar y trocear", que tenía un efecto humillante sobre los músicos que tenían la suerte de actuar con él. Desde 1954 hasta poco antes de su fallecimiento en 1986, Pepper Adams fue un ingrediente indispensable en los conjuntos de jazz norteamericanos, publicando más de 20 álbumes como líder, emanando una calidez especial como solista, y sirviendo como acompañante de gran apoyo y a menudo ignorado, ya que ancló muchos conjuntos detrás de vocalistas como Brook Benton, Aretha Franklin, Jon Lucien, Carmen McRae, Helen Merrill, Esther Phillips, Dakota Staton, Joe Williams y Jimmy Witherspoon. A menudo se le menciona al mismo tiempo que a Serge Chaloff, Gerry Mulligan y Cecil Payne, pero su enfoque de potencia se acerca más al de Harry Carney y Leo Parker.

Nacido como Park Adams III el 8 de octubre de 1930 en Highland Park, MI, tenía cinco años cuando su familia se trasladó a Rochester, NY, donde pronto desarrolló un apasionado interés por el jazz escuchando a Fats Waller, Jimmie Lunceford, Duke Ellington y Cab Calloway en la radio. A los 12 años ya tocaba el clarinete y el saxo tenor y pronto formó parte de bandas locales, entre ellas una dirigida por el veterano director de cañas Ben Smith. La principal inspiración de Pepper fue el arquetipo de tenor Coleman Hawkins, y Harry Carney le inspiró para que adoptara el barítono. Al volver a Detroit en 1946, tocó en un grupo dirigido por Lucky Thompson y trabajó en la banda de la casa en el Bluebird Inn, propiedad de afroamericanos, con Barry Harris, Billy Mitchell y Thad y Elvin Jones, mientras mantenía un trabajo en la fabricación de automóviles. Tocó el tenor con Lionel Hampton durante un tiempo y sirvió en el ejército estadounidense de 1951 a 1953, incluyendo una estancia en Corea. Retomando su rutina en el Bluebird, desarrolló su resistencia mientras trabajaba con Miles Davis, Sonny Stitt y Wardell Gray, cuya influencia siempre reconoció.

Adams trabajó en un grupo dirigido por el guitarrista Kenny Burrell, y luego grabó con el saxofonista alto Lennie Niehaus. Su sesión más memorable de 1955 fue con el bajista Paul Chambers y el tenor emergente John Coltrane. Al trasladarse a Nueva York en enero de 1956, grabó con Kenny Clarke, Curtis Fuller y Quincy Jones. Pepper hizo una gira con Stan Kenton y Maynard Ferguson y, mientras estaba en la Costa Oeste, tocó con los Lighthouse All-Stars de Howard Rumsey. Durante 1957 Adams grabó discos con el as de la armónica Toots Thielemans; los pianistas Hank Jones y Ahmad Kharab Salim; los trompetistas Shorty Rogers y Lee Morgan; y los saxofonistas Dave Pell, John Coltrane, Frank Wess, Coleman Hawkins, Hank Mobley y Shafi Hadi (más tarde reeditado con las grabaciones completas del debut de Charles Mingus).

En 1958 Adams trabajó con Benny Goodman, Johnny Griffin, Chet Baker, Manny Albam, Gene Ammons y Donald Byrd, con los que codirigiría una banda y grabaría un buen número de álbumes a lo largo de los años. En 1959 Pepper sacó un LP con el trombonista Jimmy Knepper y lideró un grupo que se grabó en directo en el Five Spot. Apoyó a Art Pepper y Sonny Red en su álbum Two Altos y participó en el Showcase de Philly Joe Jones. Adams ayudó a consolidar la orquesta que apareció con Thelonious Monk en el Town Hall y sirvió como una especie de horno viviente entre el trombonista Jimmy Knepper y los saxofonistas Jackie McLean, John Handy y Booker Ervin durante la sesión que dio lugar a Blues and Roots, el álbum que prácticamente define el legado artístico de Charles Mingus. Comenzó la década de 1960 grabando con el multiinstrumentista Herbie Mann, el pianista Herbie Hancock, el vibrafonista Lionel Hampton, el saxofonista Jimmy Forrest y los trompetistas Howard McGhee y Freddie Hubbard. También grabó con los pianistas Duke Pearson y Red Garland, ayudó al saxofonista Pony Poindexter a grabar su primer álbum y actuó en directo con Mingus en el Town Hall de Nueva York y en Birdland.

En 1963 Pepper Adams Plays Charlie Mingus fue coproducido por Mingus y el vibrafonista Teddy Charles. Otras colaboraciones de este periodo son See You at the Fair, de Ben Webster, More Blues and the Abstract Truth, de Oliver Nelson, y fechas dirigidas por el pianista Joe Zawinul y el saxofonista Stanley Turrentine. En 1966 Thad Jones y Pepper Adams codirigieron el álbum Mean What You Say. Esto coincidió con la primera de las actuaciones de los lunes por la noche en el Village Vanguard de la Thad Jones/Mel Lewis Big Band, una unidad de 18 músicos que permanecería junta durante diez años. A finales de los 60, Pepper Adams actuó con el trompetista Blue Mitchell, con Dizzy Gillespie en el Vanguard, detrás del organista Jimmy Smith en Stay Loose...Jimmy Smith Sings Again, y en varios álbumes de los saxofonistas Lou Donaldson, Hank Crawford, Zoot Sims, Houston Person y Roland Kirk. Cerró la década participando con el bajista Richard Davis, con el guitarrista George Benson en el álbum Giblet Gravy, y en una gran banda detrás de Mose Allison en el LP Hello There, Universe.

Pepper Adams apareció en varias sesiones de Blue Note presididas por Elvin Jones de 1969 a 1973, en dos álbumes con el organista de soul-jazz Johnny "Hammond" Smith, y con el compositor y multiinstrumentista David Amram en varios proyectos que se materializaron a lo largo de la década de 1970. Adams demostró una gran capacidad de adaptación cuando ayudó a Felix Cavaliere y a los Rascals con su cruce de jazz y rock Peaceful World e incluso firmó con el cómico Martin Mull, apareciendo en su álbum de 1974, Normal, donde prestó apoyo a un arreglo de big band de "Flexible" con Phil Bodner, Thad Jones, Jimmy Knepper y Joe Farrell. Otros compromisos durante la década de 1970 (incluyendo giras por el Reino Unido y Europa) involucraron a los pianistas Arif Mardin, Ben Sidran y Mickey Tucker; al guitarrista Eric Gale; al saxofonista Grover Washington, Jr. y al álbum de música disco Black Widow de Lalo Schifrin. El regreso a un terreno más jazzístico se produjo en Baritone Madness, de Nick Brignola, en sesiones con el pianista Walter Bishop, Jr. y en los últimos álbumes de Charles Mingus, Me, Myself an Eye y Something Like a Bird, en 1978.

En 1981 salió a la luz Urban Dreams, de Pepper, que marcó el comienzo de lo que serían sus últimos cinco años de productividad artística. Colaboró con Teo Macero's Impressions of Charles Mingus y grabó con la pianista Bess Bonnier, el guitarrista Peter Leitch, los pianistas Hank Jones y Hod O'Brien, y el trompetista Kenny Wheeler. La última grabación de Pepper, The Adams Effect, le reunió con el saxofonista Frank Foster y una sección rítmica formada por Tommy Flanagan, Ron Carter y Billy Hart. Adicto al tabaco durante toda su vida, Pepper Adams murió de cáncer de pulmón en Brooklyn, Nueva York, el 10 de septiembre de 1986.
https://www.allmusic.com/artist/pepper-adams-mn0000255377/biography


Bruno Micetic Trio • Phantom's Whisper

 



VA • Five Star Latin Jazz

 


Machito, Kenny Dorham, Dave Pike, Count Basie, Horace Silver, Arturo Sandoval, Charlie Parker, Roy Hargrove, David Sanborn, Chico O'Farrill, Dizzy Gillespie, Gato Barbieri, Paul Desmond, Cal Tjader ...


Johnny Hammond Smith • What's Going On

 



Born in Louisville, Kentucky, Johnny ‘Hammond’ Smith began playing piano at age five. Growing up to influences such as Oscar Peterson, Charlie Parker, Lionel Hampton, Arthur Rubenstein, Gershwin, etc., Johnny sought to bring a new dimension to jazz piano.
Forming his first professional group at age twelve, he knew exactly what he wanted to present and how to present it. Since then he has recorded dozens of albums under his own name and even more as a guest artist, awarding him the acclaim as one of the top jazz organist record sellers in the world. He has taken the keyboard into a new realm via exciting performance and fluent technique. A true stylist and innovator of the jazz tradition, he has been a featured artist at Concerts by the Sea, the Lighthouse, the Dorothy Chandler Pavilion, the Hollywood Bowl, and the Hollywood Palladium. He has also toured outside of the U.S. in such countries as France, Japan, Spain, Canada, Germany, England, Italy, Sweden, and numerous others.
In addition to the many places he has toured, Johnny has also toured and recorded with many top performers such as George Benson, Grover Washington, Jr., and Ron Carter, to name a few. Many see Johnny as one of the founders of today’s jazz sound.
Johnny was a key part in bringing the Hammond organ from gospel into jazz, but that is not why ‘Hammond’ is in his name: “I was working at Prestige Records in 1959,” Johnny said, “and there was already a Jimmy Smith and a Johnny Smith. So a producer gave me the name ‘Hammond’ to distinguish me from the two; and I’ve had it ever since…but I don’t mind.”
Other than recording and performing, Johnny has also focused his talent in the areas of writing music, prose, and poetry. He has also worked as an executive at CTI records.
Johnny is currently spending his ‘temporary retirement’ teaching privately and at a California University to young musicians with a “desire to learn, just as I had.” Although he receives the most satisfaction and fulfillment now in writing, he still very much enjoys helping young artists and, of course, playing.
The future for Johnny Hammond Smith shines with a “brightness on the horizon.” Johnny foresees much success in the area of music composition, hoping to be a pioneer to another generation of young artists and another era of music.
Johnny passed away at home in Hesperia, California in 1997 (Other bios indicate his death in Chicago, which is erroneous. He played the Charles Earland Organ Summit in Chicago only days before his death, but did not pass away there.)
Billboard Magazine’s Obit, from August 9, 1997, page 30:
Johnny “Hammond” Smith, a highly skilled organist who came to prominence in the 1960?s, died of cancer June 4 in Victorville, Calif. Known for his deep blues feeling on the Hammond B-3 organ, he recorded for Prestige for most of the decade. One of his classic discs is 1969?s “Soul Talk.” Smith was 64 years old.  

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Johnny "Hammond" Smith, nacido en Louisville, Kentucky, comenzó a tocar el piano a los cinco años. Al crecer con influencias como Oscar Peterson, Charlie Parker, Lionel Hampton, Arthur Rubenstein, Gershwin, etc., Johnny buscó darle una nueva dimensión al piano de jazz.
Al formar su primer grupo profesional a los doce años, sabía exactamente lo que quería presentar y cómo presentarlo. Desde entonces, ha grabado docenas de álbumes bajo su propio nombre e incluso más como artista invitado, otorgándole el reconocimiento como uno de los mejores vendedores de discos de organistas de jazz del mundo. Ha llevado el teclado a un nuevo reino a través de una excelente interpretación y una técnica fluida. Un verdadero estilista e innovador de la tradición del jazz, ha sido un artista destacado en los Conciertos por el Mar, el Faro, el Pabellón Dorothy Chandler, el Hollywood Bowl y el Hollywood Palladium. También ha realizado giras fuera de los EE. UU. En países como Francia, Japón, España, Canadá, Alemania, Inglaterra, Italia, Suecia y muchos otros.
Además de los muchos lugares en los que ha realizado giras, Johnny también ha realizado giras y grabaciones con muchos de los mejores artistas como George Benson, Grover Washington, Jr. y Ron Carter, por nombrar algunos. Muchos ven a Johnny como uno de los fundadores del sonido de jazz de hoy.
Johnny fue una parte clave en llevar el órgano Hammond del gospel al jazz, pero no es por eso que Hammond está a su nombre: "Trabajaba en Prestige Records en 1959", dijo Johnny, "y ya existía un Jimmy Smith. y un Johnny Smith. Así que un productor me dio el nombre "Hammond" para distinguirme de los dos; y lo he tenido desde entonces ... pero no me importa ".
Además de grabar y actuar, Johnny también ha centrado su talento en las áreas de escritura musical, prosa y poesía. También ha trabajado como ejecutivo en los registros de CTI.
Johnny actualmente está gastando su 'retiro temporal' enseñando en privado y en una universidad de California a jóvenes músicos con un "deseo de aprender, tal como yo lo hice". Aunque recibe la mayor satisfacción y satisfacción ahora por escrito, todavía disfruta mucho ayudar Jóvenes artistas y, por supuesto, jugando.
El futuro para Johnny Hammond Smith brilla con un "brillo en el horizonte". Johnny prevé mucho éxito en el área de la composición musical, con la esperanza de ser un pionero en otra generación de artistas jóvenes y en otra era de la música.
Johnny falleció en su casa en Hesperia, California en 1997 (Otras biografías indican su muerte en Chicago, lo cual es erróneo. Jugó en la Cumbre de Órganos Charles Earland en Chicago solo unos días antes de su muerte, pero no falleció allí).
Obit de la revista Billboard, del 9 de agosto de 1997, página 30:
Johnny "Hammond" Smith, un organista altamente calificado que llegó a la fama en la década de 1960, murió de cáncer el 4 de junio en Victorville, California. Conocido por su profundo sentimiento de blues sobre el órgano Hammond B-3, grabó para Prestige para la mayoría de la década. Uno de sus discos clásicos es "Soul Talk" de 1969. Smith tenía 64 años.  


Stan Getz • Getz Au Go Go



Review by Lindsay Planer
Although the name Stan Getz (tenor sax) was initially synonymous with the West Coast cool scene during the mid-to-late 1950s, he likewise became a key component in the Bossa Nova craze of the early 1960s. Along with Astrud Gilberto (vocals), Getz scored a genre-defining hit with the "Girl From Ipanema," extracted from the equally lauded Getz/Gilberto (1963). While that platter primarily consists of duets between Getz and João Gilberto (guitar/vocals), it was truly serendipity that teamed Getz with João's wife Astrud, who claims to have never sung a note outside of her own home prior to the session that launched her career. Getz Au Go Go Featuring Astrud Gilberto (1964) was the second-to-last album that he would issue during his self-proclaimed "Bossa Nova Era" -- the final being Getz/Gilberto #2 [Live] (1964) concert title from Carnegie Hall. In many ways, that is a logical successor to this one, as both include the "New Stan Getz Quartet." The band features a young Gary Burton (vibraphone), Kenny Burrell (guitar), Gene Cherico (bass), and Joe Hunt (drums). As is typical with jazz, there are a few personnel substitutions, with Helcio Milito (drums) and Chuck Israels (bass), respectively, filling in on nearly half the effort. As the name of the disc intimates, this recording hails from the venerable Greenwich Village venue, the Café Au Go Go, in mid-August of 1964 -- two months after "Girl From Ipanema" became a Top Five pop single. However, the focus of Getz Au Go Go steers away from the Brazilian flavored fare, bringing Astrud Gilberto into the realm of a decidedly more North American style. That said, there are a few Antonio Carlos Jobim compositions -- "Corcovado (Quiet Nights of Quiet Stars)" and "One Note Samba" -- both of which would be considered as jazz standards in years to follow -- as well as the lesser-circulated "Eu E Voce." Getz and crew gather behind Richard Rodgers and Oscar Hammerstein's "It Might as Well Be Spring," and the scintillating instrumental "Summertime," from Porgy & Bess. Other equally engaging cuts include affective vocal readings of "Only Trust Your Heart," and the diminutive, yet catchy "Telephone Song." There is also some great interaction between Getz and Burton on "Here's to That Rainy Day." Getz Au Go Go is highly recommended for all dimensions of jazz enthusiasts.
https://www.allmusic.com/album/getz-au-go-go-mw0000191873

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Reseña de Lindsay Planer
Aunque el nombre Stan Getz (saxo tenor) fue inicialmente sinónimo de la escena cool de la Costa Oeste a mediados y finales de la década de 1950, también se convirtió en un componente clave en la locura de la Bossa Nova a principios de la década de 1960. Junto con Astrud Gilberto (voz), Getz obtuvo un éxito que definió el género con la "Girl From Ipanema", extraída del igualmente elogiado Getz/Gilberto (1963). Mientras que esa bandeja consiste principalmente en dúos entre Getz y João Gilberto (guitarra/canto), fue una verdadera casualidad que Getz se uniera a la esposa de João, Astrud, quien afirma no haber cantado nunca una nota fuera de su propia casa antes de la sesión que lanzó su carrera. Getz Au Go Go Featuring Astrud Gilberto (1964) fue el penúltimo álbum que publicaría durante su autoproclamado "Bossa Nova Era", el último de los cuales fue Getz/Gilberto #2[Live] (1964), título de concierto del Carnegie Hall. En muchos sentidos, es un sucesor lógico de éste, ya que ambos incluyen al "New Stan Getz Quartet". La banda cuenta con un joven Gary Burton (vibráfono), Kenny Burrell (guitarra), Gene Cherico (bajo) y Joe Hunt (batería). Como es típico del jazz, hay algunas sustituciones de personal, con Helcio Milito (batería) y Chuck Israels (bajo), respectivamente, llenando casi la mitad del esfuerzo. Como el nombre del disco lo indica, esta grabación proviene del venerable local de Greenwich Village, el Café Au Go Go Go, a mediados de agosto de 1964, dos meses después de que "Girl From Ipanema" se convirtiera en un sencillo pop de los Top Five. Sin embargo, el enfoque de Getz Au Go Go se aleja de la comida brasileña, llevando a Astrud Gilberto al reino de un estilo decididamente más norteamericano. Dicho esto, hay algunas composiciones de Antonio Carlos Jobim - "Corcovado (Noches silenciosas de estrellas silenciosas)" y "One Note Samba" - ambas consideradas como estándares de jazz en los próximos años - así como la menos difundida "Eu E Voce". Getz y su equipo se reúnen detrás de "It Might as well be Spring" de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein, y del centelleante instrumental "Summertime" de Porgy & Bess. Otros cortes igualmente atractivos incluyen lecturas vocales afectivas de "Only Trust Your Heart" (Sólo confía en tu corazón) y la diminuta, aunque pegadiza, "Telephone Song" (Canción telefónica). También hay una gran interacción entre Getz y Burton en "Brindemos por ese día lluvioso". Getz Au Go Go es altamente recomendado para todas las dimensiones de los entusiastas del jazz.
https://www.allmusic.com/album/getz-au-go-go-mw0000191873






Petri-Reed-Svendsen-Moore • Prism

 



A strong and unique collaboration between two of America's greatest jazz heroes and two of Denmark's young, new talents. The group, consisting of Eric Reed (piano), Ralph Moore (tenor saxophone), Andreas Svendsen (drums) and Matthias Petri (bass) has existed since 2015, and is now ready to release the album Prism on Nov. 22nd.

Eric Reed is one of America's most famous pianists. With his strong roots in gospel churchs traditions, he is recognized for his natural approach to music, and is described as a rare talent on his instrument. Eric Reed has played with legends such as: Teddy Edwards, Buddy Collette, Clora Bryant, Billy Higgins, Gerald Wilson and The Clayton Brothers. However, he is probably best known for his work with world renowned trumpet player Wynton Marsalis, for whom he was a pianist from 1990. Since then he has recorded numerous albums both in his own name but also for other artists.

The group's saxophonist Ralph Moore, originally English, left the American jazz scene desolate for aspiring saxophonists as he played with practically everyone on the US Jazz scene, shortly after arriving in the United States. These include Ray Brown, Horace Silver, Roy Haynes, Charles Mingus Dynasty, Freddie Hubbard, Roy Hargrove, Oscar Peterson, J. J. Johnson and many, many more.

As the second half of the group's massive rhythm battery, we find Denmark’s is arguably best young drummer Andreas Svendsen. Andreas is sought after on both the Danish and international jazz scene as well as the Danish pop scene. His versatility has earned him a phenomenal reputation, which has meant he has played with Jeremy Pelt, Ronnie Cuber, Jacob Fischer, Tomas Franck, Jakob Dinesen, Hugo Rasmussen, Danny Grissett, Emmet Cohen, Justin Kauflin, Charenee Wade and many more.

Last but not least we have Matthias Petri - One of the most sought after bassists in Denmark, who has quietly built a solid reputation since moving to Copenhagen in 2010. He has since played with numerous names such as Jonathan Blake, Eric Reed, Matt Parker, Nikolaj Bentzon, Ben Van Gelder, Charanee Wade, Rakalam Bob-Moses, Shannon Powell, Aaron Parks, Kresten Osgood, Palle Mikkelborg to name a few.

Prism is a direct and uncompromising jazz release featuring 10 compositions performed by the members of the group. These compositions are exposed here to both cultural and generational differences, which rounds them off and moves the entire collaboration into a higher unity.

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Una colaboración sólida y única entre dos de los mayores héroes del jazz de Estados Unidos y dos de los jóvenes y nuevos talentos de Dinamarca. El grupo, formado por Eric Reed (piano), Ralph Moore (saxo tenor), Andreas Svendsen (batería) y Matthias Petri (bajo) existe desde 2015, y ahora está listo para lanzar el álbum Prism el 22 de noviembre.

Eric Reed es uno de los pianistas más famosos de Estados Unidos. Con sus fuertes raíces en las tradiciones de las iglesias gospel, es reconocido por su enfoque natural de la música, y es descrito como un talento poco común en su instrumento. Eric Reed ha tocado con leyendas como: Teddy Edwards, Buddy Collette, Clora Bryant, Billy Higgins, Gerald Wilson y The Clayton Brothers. Sin embargo, probablemente sea más conocido por su trabajo con el trompetista de fama mundial Wynton Marsalis, para quien fue pianista a partir de 1990. Desde entonces ha grabado numerosos álbumes tanto en su propio nombre como para otros artistas.

El saxofonista del grupo, Ralph Moore, de origen inglés, dejó la escena del jazz estadounidense desolada para los aspirantes a saxofonistas, ya que tocó con prácticamente todos los integrantes de la escena del jazz estadounidense, poco después de llegar a Estados Unidos. Entre ellos, Ray Brown, Horace Silver, Roy Haynes, Charles Mingus Dynasty, Freddie Hubbard, Roy Hargrove, Oscar Peterson, J. J. Johnson y muchos, muchos más.

Como segunda mitad de la enorme batería rítmica del grupo, encontramos al que posiblemente sea el mejor joven batería de Dinamarca, Andreas Svendsen. Andreas es muy solicitado tanto en la escena jazzística danesa e internacional como en la escena pop danesa. Su versatilidad le ha granjeado una fenomenal reputación, que le ha llevado a tocar con Jeremy Pelt, Ronnie Cuber, Jacob Fischer, Tomas Franck, Jakob Dinesen, Hugo Rasmussen, Danny Grissett, Emmet Cohen, Justin Kauflin, Charenee Wade y muchos más.

Por último, pero no por ello menos importante, tenemos a Matthias Petri - Uno de los bajistas más solicitados de Dinamarca, que se ha labrado silenciosamente una sólida reputación desde que se mudó a Copenhague en 2010. Desde entonces ha tocado con numerosos nombres como Jonathan Blake, Eric Reed, Matt Parker, Nikolaj Bentzon, Ben Van Gelder, Charanee Wade, Rakalam Bob-Moses, Shannon Powell, Aaron Parks, Kresten Osgood, Palle Mikkelborg por nombrar algunos.

Prism es un lanzamiento de jazz directo y sin concesiones que presenta 10 composiciones interpretadas por los miembros del grupo. Estas composiciones se exponen aquí a diferencias tanto culturales como generacionales, lo que las redondea y lleva a toda la colaboración a una unidad superior.


storyvillerecords.com ...


Paul Chambers Quintet • Paul Chambers Quintet



Review
by Steve Leggett
Recorded at a single session on May 19, 1957, the simply titled Quintet features one of bassist Paul Chambers' rare outings as a bandleader, and it teams him with Detroiters Donald Byrd (trumpet), Tommy Flanagan (piano), and Elvin Jones (drums), and Chicagoan Clifford Jordan (tenor sax). It's a low-key affair, with the quintet running through a couple of standards ("Softly, as in a Morning Sunrise," "What's New"), a pair of compositions from Chambers ("The Hand of Love," "Beauteous"), and two pieces by the prolific Benny Golson ("Minor Run-Down," "Four Strings"). The Golson tunes are the most striking, really, with "Minor Run-Down" starting things off with an easy, gliding swing, and "Four Strings" (an alternate take is also included here) gives Chambers a chance to show off his abilities bowing the bass. Jordan is impressive here as well, sounding a bit like Dexter Gordon as he rounds out these tracks nicely on the tenor. Nothing is particularly innovative with this set, but these tracks don't push or pull against themselves, either, and there's a clear joy coming off of the floor as these musicians, all in the early phases of their careers, do what they do with comforting assurance.
https://www.allmusic.com/album/paul-chambers-quintet-mw0000075264?1654093982699

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Reseña
por Steve Leggett
Grabado en una única sesión el 19 de mayo de 1957, el Quinteto, de título sencillo, es una de las escasas salidas del bajista Paul Chambers como director de orquesta, y lo acompaña de los de Detroit Donald Byrd (trompeta), Tommy Flanagan (piano) y Elvin Jones (batería), y del de Chicago Clifford Jordan (saxo tenor). Es un asunto discreto, con el quinteto pasando por un par de estándares ("Softly, as in a Morning Sunrise", "What's New"), un par de composiciones de Chambers ("The Hand of Love", "Beauteous"), y dos piezas del prolífico Benny Golson ("Minor Run-Down", "Four Strings"). Los temas de Golson son los más llamativos, ya que "Minor Run-Down" comienza con un swing fácil y deslizante, y "Four Strings" (también se incluye una toma alternativa) da a Chambers la oportunidad de mostrar sus habilidades con el arco del bajo. Jordan también está impresionante aquí, sonando un poco como Dexter Gordon mientras completa estos temas con el tenor. No hay nada particularmente innovador en este conjunto, pero estos temas tampoco se contradicen a sí mismos, y hay una clara alegría que sale del suelo cuando estos músicos, todos en las primeras fases de sus carreras, hacen lo que hacen con una seguridad reconfortante.
https://www.allmusic.com/album/paul-chambers-quintet-mw0000075264?1654093982699


Pat Martino • Footprints

 


Biograph:
When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors and tried to piece together any memory of his life.

One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed... naked.”

In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.

Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang

. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”

He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.

Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.

Martino became actively involved with the early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.

Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz's first successful ventures into psychedelia.

In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.

Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
 
Note: Pat Martino passed away on 1 November 2021.

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Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.

Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".

En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.

Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang

. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."

Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.

Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.

Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.

Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.

En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.

Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
 
Nota:  Pat Martino falleció el  1 de noviembre de 2021.

 

 
 


Dieter Reith • Manic-''Organic''

 



Dieter Reith (February 25, 1938 - April 1, 2020) was a German jazz pianist, organist, arranger, and composer. Born in Mainz, Germany, he embarked on his musical journey at an early age, commencing piano lessons in 1945. His dedication to music led him to the jazz scene, where he made a notable impact. After completing his education, which included studies in musicology and experimental physics, he joined the SWF Big Band in 1961, becoming its pianist until 1971. Reith's talent and versatility also led him to serve as the organist for Peter Herbolzheimer's Rhythm Combination & Brass from 1970 to 1976.

In 1973, Dieter Reith relocated to Stuttgart, where he played a pivotal role in directing the SWR Big Band and the SWR Radio Orchestra for various productions. He was not only a prolific musician but also an accomplished arranger, contributing his skills to numerous TV projects, radio productions, and recording sessions. One of his notable achievements was his work on the television show "Verstehen Sie Spaß?" where he conducted the accompanying SWR Big Band from 1980 to 2002.

Throughout his career, Reith collaborated with a distinguished array of jazz luminaries, including Stan Getz, Jean-Luc Ponty, Art Farmer, Frank Rosolino, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Kenny Clarke, Philip Catherine, Benny Bailey, Slide Hampton, Maynard Ferguson, Toots Thielemans, and Herb Geller. Dieter Reith's contributions to jazz and music continue to be celebrated, and he left an enduring legacy in the world of music. He passed away on April 1, 2020, in Stuttgart, Germany, but his musical influence lives on.
https://www.discogs.com/artist/41400-Dieter-Reith

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Dieter Reith (25 de febrero de 1938 - 1 de abril de 2020) fue un pianista, organista, arreglista y compositor alemán de jazz. Nacido en Maguncia (Alemania), se embarcó en su viaje musical a una edad temprana, comenzando sus clases de piano en 1945. Su dedicación a la música le llevó a la escena del jazz, donde causó un notable impacto. Tras completar su formación, que incluía estudios de musicología y física experimental, se incorporó a la SWF Big Band en 1961, convirtiéndose en su pianista hasta 1971. El talento y la versatilidad de Reith le llevaron también a ser organista de la Rhythm Combination & Brass de Peter Herbolzheimer de 1970 a 1976.

En 1973, Dieter Reith se trasladó a Stuttgart, donde desempeñó un papel fundamental en la dirección de la SWR Big Band y la SWR Radio Orchestra para diversas producciones. No sólo fue un músico prolífico, sino también un consumado arreglista que contribuyó con sus habilidades a numerosos proyectos televisivos, producciones radiofónicas y sesiones de grabación. Uno de sus logros más notables fue su trabajo en el programa de televisión "Verstehen Sie Spaß?", en el que dirigió la Big Band de la SWR desde 1980 hasta 2002.

A lo largo de su carrera, Reith colaboró con un distinguido elenco de luminarias del jazz, como Stan Getz, Jean-Luc Ponty, Art Farmer, Frank Rosolino, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Kenny Clarke, Philip Catherine, Benny Bailey, Slide Hampton, Maynard Ferguson, Toots Thielemans y Herb Geller. Las contribuciones de Dieter Reith al jazz y a la música siguen siendo celebradas, y dejó un legado perdurable en el mundo de la música. Falleció el 1 de abril de 2020 en Stuttgart, Alemania, pero su influencia musical sigue viva.
https://www.discogs.com/artist/41400-Dieter-Reith


 





Papa Bue's Viking Jazzband • Everybody Loves Saturday Night

 



Arne “Papa” Bue Jensen (8 May 1930 – 2 November 2011), known as Papa Bue, was a Danish trombonist and bandleader, chiefly associated with the Dixieland jazz revival style of which he was considered an important proponent. He founded and led the Viking Jazz Band, which was active from 1956. Arne Bue Jensen was born in Copenhagen, Denmark. At an early age, he became fascinated with jazz, prompted by a pile of records from his brother with artists such as Harry James, Artie Shaw, Tommy Dorsey, Glenn Miller and Bert Ambrose. Some records by Bunk Johnson and George Lewis reviving the New Orleans musical made a particular impression. After World War II, Jensen became a sailor for a few years, visiting ports all around the world, where he had an opportunity to listen to enjoy their often lively music venues. It was around this time that he started to play jazz. For borrowed money, which it would take him years to repay, he bought a slide trombone. He was taught the seven basic positions of the slide by a musician from the Royal Danish Orchestra but apart from that he was self-taught. Soon he played with other young jazz musicians and performed in clubs and bars around Copenhagen. He played in bands such as the Royal Jazzman (later the Bohana Jazz Band), Henrik Johansen’s Jazz Band and the Saint Peter Street Stompers, participating as a sideman in several of their recordings. In the 1950s, Papa Bue worked with the Bonanza Jazz Band, Chris Barber, Adrian Bentzon and Henrik Johansen. In the mid 1950s, he was part of the musical environment of the entertainment district around Nyhavn. He jammed with other young jazz musicians in various informal arrangements and, along with six other musicians, he founded the New Orleans Jazz Band in 1956, after a jam session in the establishment ‘Cap Horn’. Since Jensen was the eldest he became the bandleader and, as he was also the only band member who was a father, he was given the nickname “Papa Bue” which stuck. In late 1957, Jensen renamed the ensemble the Viking Jazz Band. The name came from the American journalist and vocalist Shel Silverstein who attended one of their concerts at Cap Horn during a stay in Copenhagen. He subsequently wrote an article about them, calling them the Danish Vikings, explaining that they played the original New Orleans and Chicago jazz even better than any American band at the time. The band adopted the new name and released their first album as the Viking Jazz Band in 1958. In 1960 their “Schlafe Mein Prinzchen” sold over one million copies, and was awarded a gold disc. At a time when many jazz musicians worked in the Bebop idiom, his style remained based on the Dixieland tradition but also with influences from early swing music. He is considered one of the most significant proponents of his genre. The group remained active into the 1990s, and recorded with musicians such as George Lewis (1959), Champion Jack Dupree (1962), Art Hodes (1970), Wild Bill Davison (1970, 1974), Wingy Manone, Edmond Hall and Albert Nicholas. They also played with George Lewis, Earl Hines, Stuff Smith, Ben Webster. Wild Bill Davison was a permanent band member. Jensen released a large number of albums, many of them issued or reissued on Storyville Records, Timeless Records, and Music Mecca. It was Papa Bue’s Viking Jazz Band which recorded Bent Fabricius-Bjerre’s theme music for the Olsen Gang series, now a legendary sequence for the Danes. In 1969, Papa Bue’s Viking Jazz Band was the only non-American band to participate in the New Orleans Jazz Festival and Jensen was honored with the “Golden Keys to the City”. Papa Bue died on 2 November 2011, at the age of 81.
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Arne "Papa" Bue Jensen (8 de mayo de 1930 – 2 de noviembre de 2011), conocido como Papa Bue, fue un trombonista y director de orquesta danés, principalmente asociado con el estilo revival del jazz de Dixieland, del cual fue considerado un importante defensor. Fundó y dirigió la Viking Jazz Band, que estuvo activa desde 1956. Arne Bue Jensen nació en Copenhague, Dinamarca. A una edad temprana, se fascinó con el jazz, impulsado por una pila de discos de su hermano con artistas como Harry James, Artie Shaw, Tommy Dorsey, Glenn Miller y Bert Ambrose. Algunos discos de Bunk Johnson y George Lewis que revivieron el musical de Nueva Orleans causaron una impresión particular. Después de la Segunda Guerra Mundial, Jensen se convirtió en marinero durante unos años, visitando puertos de todo el mundo, donde tuvo la oportunidad de escuchar y disfrutar de sus animados locales de música. Fue por esta época que comenzó a tocar jazz. Por dinero prestado, que le llevaría años devolver, compró un trombón deslizante. Un músico de la Orquesta Real Danesa le enseñó las siete posiciones básicas de la diapositiva, pero aparte de eso fue autodidacta. Pronto tocó con otros jóvenes músicos de jazz y actuó en clubes y bares de Copenhague. Tocó en bandas como Royal Jazzman (más tarde Bohana Jazz Band), Henrik Johansen's Jazz Band y Saint Peter Street Stompers, participando como acompañante en varias de sus grabaciones. En la década de 1950, Papa Bue trabajó con la Bonanza Jazz Band, Chris Barber, Adrian Bentzon y Henrik Johansen. A mediados de la década de 1950, formó parte del entorno musical del distrito de entretenimiento alrededor de Nyhavn. Tocó con otros jóvenes músicos de jazz en varios arreglos informales y, junto con otros seis músicos, fundó la New Orleans Jazz Band en 1956, después de una sesión de improvisación en el establecimiento 'Cap Horn'. Como Jensen era el mayor, se convirtió en el líder de la banda y, como también era el único miembro de la banda que era padre, se le dio el apodo de "Papa Bue", que se mantuvo. A finales de 1957, Jensen renombró el conjunto como Viking Jazz Band. El nombre proviene del periodista y vocalista estadounidense Shel Silverstein, quien asistió a uno de sus conciertos en Cap Horn durante una estancia en Copenhague. Posteriormente escribió un artículo sobre ellos, llamándolos los Vikingos daneses, explicando que tocaban el jazz original de Nueva Orleans y Chicago incluso mejor que cualquier banda estadounidense en ese momento. La banda adoptó el nuevo nombre y lanzó su primer álbum como The Viking Jazz Band en 1958. En 1960 su "Schlafe Mein Prinzchen" vendió más de un millón de copias, y fue galardonado con un disco de oro. En un momento en que muchos músicos de jazz trabajaban en el lenguaje Bebop, su estilo se mantuvo basado en la tradición de Dixieland, pero también con influencias de la música swing temprana. Es considerado uno de los defensores más significativos de su género. El grupo permaneció activo hasta la década de 1990, y grabó con músicos como George Lewis (1959), Champion Jack Dupree (1962), Art Hodes (1970), Wild Bill Davison (1970, 1974), Wingy Manone, Edmond Hall y Albert Nicholas. También tocaron con George Lewis, Earl Hines, Stuff Smith, Ben Webster. Wild Bill Davison era un miembro permanente de la banda. Jensen lanzó una gran cantidad de álbumes, muchos de ellos publicados o reeditados en Storyville Records, Timeless Records y Music Mecca. Fue la Banda de Jazz Vikinga de Papa Bue la que grabó el tema musical de Bent Fabricius-Bjerre para la serie Olsen Gang, ahora una secuencia legendaria para los daneses. En 1969, la Viking Jazz Band de Papa Bue fue la única banda no estadounidense que participó en el Festival de Jazz de Nueva Orleans y Jensen fue honrado con las "Llaves Doradas de la Ciudad". Papa Bue murió el 2 de noviembre de 2011, a la edad de 81 años.
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