Wednesday, November 4, 2026
Reuben Wilson • Love Bug
AllMusic Review by Stephen Thomas Erlewine
Love Bug was an attempt to establish Reuben Wilson as an organist with either the vision of Larry Young or the fiery style of John Patton, and while it comes up short on both accounts, it nevertheless remains quite enjoyable. Working with an impressive backing band of guitarist Grant Green, trumpeter Lee Morgan, tenor saxophonist George Coleman, and drummer Idris Muhammad, Wilson leads his band through a number of soul-jazz workouts, none of which ever really catch fire. Instead of working tight, funky grooves, the quintet tends to spiral off into vaguely experimental territory, which loses sight of the spirit of the song. Still, Green has a number of shining moments, as does Morgan and Coleman -- in fact, they tend to overshadow Wilson, who nevertheless turns in a fine performance. Nevertheless, there are flashes on Love Bug, particularly on "Hot Rod" and the bonus track "Hold on, I'm Comin'," that demonstrate the organist coming into his own.
Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine
Reuben Wilson was one of many soul-jazz organists to emerge in the late '60s, but he was one of only a handful of new organists from that era to be signed to Blue Note. By that point in the label's history, most of their artists were concentrating on accessible soul-jazz, and while he occasionally strayed outside of the conventions of the genre, Wilson more or less followed their rule. Between 1968 and 1971, he recorded five sessions for the label. None of his records received much acknowledgment at the time, but they were later rediscovered by a new generation of soul-jazz fans, becoming collector's items within acid jazz and soul-jazz revivalist circles.
Wilson began performing professionally in 1962. A native of Mounds, OK, he moved to Pasadena, CA, as a child, where he attended school with such future jazz musicians as Bobby Hutcherson and Herb Lewis. As a teenager, Wilson began to teach himself to play piano, but his attention was diverted by boxing. When he was 17, he moved to Los Angeles and married a nightclub singer, through whom he met a number of professional musicians. Associating with musicians conviced Wilson to return to music. Instead of pursuing the piano, he decided to take up the organ, and it wasn't long before he became a regular at the Caribbean club, where he played with drummer Eddie Williams, guitarist George Freeman, and, eventually, Clifford Scott. He played the L.A. circuit for several years before deciding to try his luck in Las Vegas. That venture proved unsuccessful, so he moved back to L.A., where he struck up a friendship with Richard "Groove" Holmes, an organist who would greatly influence his own style.
In December 1966, Wilson relocated to New York, where he formed the soul-jazz trio the Wildare Express with drummer Tommy Derrick. The Wildare Express lasted about six months, playing venues throughout the East Coast and Detroit, and then Wilson decided to concentrate on more complex variations of hard bop and soul-jazz. Eventually, such respected musicians as Grant Green, Roy Haynes, and Sam Rivers began playing with Wilson. Around the same time, Blue Note offered the organist a contract based on a demo he had sent the label.
On Broadway, Wilson's first album for Blue Note, was a quartet session featuring his old bandmate Derrick and was recorded in October of 1968. It was followed in March of 1969 by Love Bug, which featured contributions from trumpeter Lee Morgan and guitarist Grant Green. His third album, Blue Mode, was cut in December 1969 and offered some of his hottest playing. With his fourth album, 1970's A Groovy Situation, Wilson moved in a commercial direction, much like many of his Blue Note peers. In July of 1971, he recorded Set Us Free, his final album for the label.
Wilson's contract with Blue Note expired after Set Us Free and he moved to Groove Merchant, where he released three albums -- Cisco Kid, Bad Stuff, and The Sweet Life -- during the mid-'70s. Throughout the decade, he also played on sessions by funk, soul, and jazz artists, including a record by the Fatback Band. During the late '70s, he recorded sporadically, eventually retiring from music in the early '80s.
By the late '80s, Wilson's music had been rediscovered by a new generation, listeners who didn't dismiss his records as commercial fluff. Like several of his peers, his late-'60s and '70s records, through sampling, became cornerstones in the newly emerging acid jazz and jazz-rap genres. Soon, his out of print records became collector's items, and his sampled licks were appearing on dancefloors throughout England and parts of New York. Eventually, samples of his records were included on hit albums by A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies, and Nas. In light of all this new attention, Wilson decided to return to performing, and he toured with Guru's Jazzamatazz revue in 1995. He also began writing new material and performing in new groups, including combos he led himself. In 1996, he signed to Hip Bop and released two albums, Live at SOB's and Organ Donor. The following year, he recorded Organic Grooves with Dr. Lonnie Smith and Doug Carn.
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Reseña de AllMusic por Stephen Thomas Erlewine
Love Bug fue un intento de establecer a Reuben Wilson como organista, ya sea con la visión de Larry Young o con el estilo fogoso de John Patton, y aunque se queda corto en ambos aspectos, sigue siendo bastante agradable. Trabajando con una impresionante banda de acompañamiento del guitarrista Grant Green, el trompetista Lee Morgan, el saxofonista tenor George Coleman y el baterista Idris Muhammad, Wilson dirige a su banda a través de una serie de ejercicios de soul-jazz, ninguno de los cuales realmente se prende fuego. En lugar de trabajar en ritmos apretados y funky, el quinteto tiende a entrar en un territorio vagamente experimental, que pierde de vista el espíritu de la canción. Sin embargo, Green tiene una serie de momentos brillantes, al igual que Morgan y Coleman -- de hecho, tienden a eclipsar a Wilson, quien sin embargo se convierte en una buena actuación. Sin embargo, hay flashes sobre Love Bug, particularmente sobre "Hot Rod" y el bonus track "Hold on, I'm Comin'", que demuestran que el organista se está haciendo mayor.
Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine
Reuben Wilson fue uno de los muchos organistas de soul-jazz que surgieron a finales de los años 60, pero fue uno de los pocos organistas nuevos de esa época que firmaron con Blue Note. En ese momento de la historia del sello, la mayoría de sus artistas se concentraban en el soul-jazz accesible, y mientras que ocasionalmente se alejaba de las convenciones del género, Wilson más o menos seguía su regla. Entre 1968 y 1971, grabó cinco sesiones para el sello. Ninguno de sus discos recibió mucho reconocimiento en ese momento, pero más tarde fueron redescubiertos por una nueva generación de fanáticos del soul-jazz, convirtiéndose en objetos de colección dentro de los círculos del jazz ácido y del soul-jazz revivalist.
Wilson comenzó a actuar profesionalmente en 1962. Nacido en Mounds, OK, se mudó a Pasadena, CA, cuando era niño, donde asistió a la escuela con futuros músicos de jazz como Bobby Hutcherson y Herb Lewis. De adolescente, Wilson comenzó a aprender a tocar el piano, pero su atención se desvió por el boxeo. A los 17 años, se mudó a Los Ángeles y se casó con un cantante de un club nocturno, a través del cual conoció a varios músicos profesionales. La asociación con músicos convenció a Wilson para que volviera a la música. En lugar de dedicarse al piano, decidió tomar el órgano, y no pasó mucho tiempo antes de convertirse en un habitual en el club del Caribe, donde tocó con el baterista Eddie Williams, el guitarrista George Freeman y, finalmente, Clifford Scott. Jugó en el circuito de Los Ángeles durante varios años antes de decidir probar suerte en Las Vegas. Esa aventura no tuvo éxito, así que regresó a Los Ángeles, donde entabló una amistad con Richard "Groove" Holmes, un organista que influiría enormemente en su propio estilo.
En diciembre de 1966, Wilson se trasladó a Nueva York, donde formó el trío de soul-jazz Wildare Express con el baterista Tommy Derrick. El Wildare Express duró unos seis meses, tocando en lugares de la Costa Este y Detroit, y luego Wilson decidió concentrarse en variaciones más complejas de hard bop y soul-jazz. Eventualmente, músicos tan respetados como Grant Green, Roy Haynes y Sam Rivers comenzaron a tocar con Wilson. Más o menos al mismo tiempo, Blue Note le ofreció al organista un contrato basado en una maqueta que él mismo había enviado al sello.
En Broadway, el primer álbum de Wilson para Blue Note, fue una sesión de cuarteto con su antiguo compañero de banda Derrick y fue grabado en octubre de 1968. Fue seguido en marzo de 1969 por Love Bug, que contó con las contribuciones del trompetista Lee Morgan y el guitarrista Grant Green. Su tercer álbum, Blue Mode, se editó en diciembre de 1969 y ofreció algunas de sus mejores interpretaciones. Con su cuarto álbum, A Groovy Situation, de 1970, Wilson se movió en una dirección comercial, muy parecida a la de muchos de sus colegas de Blue Note. En julio de 1971, grabó Set Us Free, su último álbum para el sello.
El contrato de Wilson con Blue Note expiró después de Set Us Free y se mudó a Groove Merchant, donde lanzó tres álbumes: Cisco Kid, Bad Stuff y The Sweet Life, a mediados de los 70. A lo largo de la década, también tocó en sesiones de artistas de funk, soul y jazz, incluyendo un disco de Fatback Band. A finales de los 70, grabó esporádicamente, y finalmente se retiró de la música a principios de los 80.
A finales de los'80, la música de Wilson había sido redescubierta por una nueva generación, oyentes que no descartaron sus discos como una pelusa comercial. Como varios de sus compañeros, sus discos de finales de los 60 y 70, a través del sampling, se convirtieron en piedras angulares de los nuevos géneros acid jazz y jazz-rap. Pronto, sus discos agotados se convirtieron en objetos de colección, y sus lamidas de muestra aparecieron en pistas de baile por toda Inglaterra y partes de Nueva York. Eventualmente, muestras de sus discos fueron incluidas en álbumes de éxito por A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies, y Nas. A la luz de toda esta nueva atención, Wilson decidió volver a actuar, y realizó una gira con la revista Jazzamatazz de Guru en 1995. También comenzó a escribir nuevo material y a tocar en nuevos grupos, incluyendo combos que él mismo dirigía. En 1996, firmó con Hip Bop y lanzó dos álbumes, Live at SOB's y Organ Donor. Al año siguiente, grabó Organic Grooves con el Dr. Lonnie Smith y Doug Carn.
Les & Larry Elgart And Their Orchestra • Girl Watchers
Biography by Steve Huey
Les Elgart (trumpet) and his brother Larry (alto/soprano sax) led one of the more popular swing orchestras of the '50s. Their smooth, tightly arranged sound helped keep the declining big-band style alive on the charts for a little while longer, and their later reunions often produced stylistic detours into contemporary easy listening trends. Les Elgart was born August 3, 1918, in New Haven, CT, while Larry was born March 20, 1922, in nearby New London. Their parents both played the piano, and the brothers took up music in their early teens; they were already performing professionally by the time each turned 20. During the early '40s, they sometimes wound up in the same groups, and formed their own orchestra in 1945, hiring top-notch arrangers like Nelson Riddle, Ralph Flanagan, and Bill Finegan. However, a number of factors conspired against them: the Musicians' Union recording strike, the declining popularity of live swing music, conflicts over leadership, and the end of World War II. They wound up disbanding in 1946, and Les and Larry went their separate ways, making a living as freelancers in whatever orchestras could pay them.
The Elgart brothers reunited in 1952, with arranger Charles Albertine -- a Larry Elgart discovery -- in tow. Taking advantage of new recording technology, they crafted a more nuanced, subtle sound that was lighter in tone and rhythm; it relied on tight brass and saxophone sections, and eliminated the piano and nearly all soloing. The 1953 LP Sophisticated Swing established this new blueprint, and a subsequent series of albums on Columbia over the next few years proved quite successful. Their biggest sellers were 1956's The Elgart Touch and the following year's For Dancers Also, both of which reached the Top 15 on the LP charts; they weren't as successful on the singles side, although they did have a minor hit with their theme to "The Man With the Golden Arm," and their original "Bandstand Boogie" was adopted by Dick Clark as the theme song for American Bandstand. Co-bandleader Les spent more and more time handling the business side of things, and eventually stopped performing altogether in the late '50s; he left the band and moved to California, and Larry officially took over the musical direction (he'd pretty much taken charge already). He moved the band to RCA and then MGM, and to keep up with the times, he began to move more into the easy listening market, crafting hi-fi lounge albums with touches of swing, exotica, and space age bachelor pad music.
Les reunited with Larry once again in 1963, by which time Larry had begun to add elements of rock and pop to the musical mix. Charles Albertine returned as arranger early on, but soon left to work in the TV/film industry, and was replaced by Bobby Scott. Released in 1964, Command Performance! was their last charting album, but a number of other albums from this era later became popular with lounge collectors, particularly 1967's Girl Watchers. That was one of the brothers' final recordings together, as Les retired to Texas and performed only occasionally. Larry soldiered on, and eventually found surprising commercial success in the early '80s as mastermind of the popular Hooked on Swing albums. Elgart and his New Manhattan Swing Band ran through medleys of popular jazz tunes set to a steady beat, in a format like that of the companion Hooked on Classics series. Larry Elgart continued to lead bands on whatever circuits he could find; Les Elgart passed away in Dallas on July 29, 1995, of heart failure.
https://www.allmusic.com/artist/les-larry-elgart-mn0000210107#biography
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Biografía de Steve Huey
Les Elgart (trompeta) y su hermano Larry (saxo alto/soprano) lideraron una de las orquestas de swing más populares de los años 50. Su sonido suave y bien arreglado ayudó a mantener vivo el estilo decadente de las grandes bandas en las listas de éxitos por un tiempo más, y sus reuniones posteriores a menudo produjeron desvíos estilísticos hacia las tendencias contemporáneas de escucha fácil. Les Elgart nació el 3 de agosto de 1918 en New Haven, CT, mientras que Larry nació el 20 de marzo de 1922 en la cercana Nueva Londres. Sus padres tocaban el piano y los hermanos se dedicaron a la música en su adolescencia; ya se estaban desempeñando profesionalmente cuando cada uno cumplió 20 años. A principios de los 40, a veces terminaron en los mismos grupos y formaron su propia orquesta en 1945, contratando arreglistas de primer nivel como Nelson Riddle, Ralph Flanagan y Bill Finegan. Sin embargo, una serie de factores conspiraron en su contra: la huelga de grabación del Sindicato de Músicos, la disminución de la popularidad de la música swing en vivo, los conflictos por el liderazgo y el final de la Segunda Guerra Mundial. Terminaron disolviéndose en 1946, y Les y Larry tomaron caminos separados, ganándose la vida como autónomos en cualquier orquesta que pudiera pagarles.
Los hermanos Elgart se reunieron en 1952, con el arreglista Charles Albertine, un descubrimiento de Larry Elgart, a cuestas. Aprovechando la nueva tecnología de grabación, crearon un sonido más sutil y matizado que era más ligero en tono y ritmo; se basó en secciones ajustadas de metales y saxofón, y eliminó el piano y casi todos los solos. El LP Sophisticated Swing de 1953 estableció este nuevo plan, y una serie posterior de álbumes en Columbia durante los próximos años resultó bastante exitosa. Sus mayores ventas fueron The Elgart Touch de 1956 y For Dancers Also del año siguiente, que alcanzaron el Top 15 en las listas de LP; no tuvieron tanto éxito en el lado de los sencillos, aunque tuvieron un éxito menor con su tema "The Man With the Golden Arm", y Dick Clark adoptó su "Bandstand Boogie" original como tema principal de American Bandstand. El co-líder de la banda, Les, pasó cada vez más tiempo manejando el aspecto comercial de las cosas, y finalmente dejó de actuar por completo a fines de los 50.; dejó la banda y se mudó a California, y Larry asumió oficialmente la dirección musical (prácticamente ya se había hecho cargo). Movió la banda a RCA y luego a MGM, y para mantenerse al día con los tiempos, comenzó a moverse más hacia el mercado de la escucha fácil, creando álbumes de alta fidelidad con toques de swing, exotica y música de bachelor pad de la era espacial.
Les se reunió con Larry una vez más en 1963, momento en el que Larry había comenzado a agregar elementos de rock y pop a la mezcla musical. Charles Albertine regresó como arreglista desde el principio, pero pronto se fue a trabajar a la industria de la televisión y el cine, y fue reemplazado por Bobby Scott. Lanzado en 1964, Command Performance! fue su último álbum en las listas de éxitos, pero varios otros álbumes de esta época más tarde se hicieron populares entre los coleccionistas de lounge, particularmente Girl Watchers de 1967. Esa fue una de las últimas grabaciones de los hermanos juntos, ya que Les se retiró a Texas y actuó solo ocasionalmente. Larry siguió adelante y, finalmente, encontró un sorprendente éxito comercial a principios de los 80 como cerebro de los populares álbumes Hooked on Swing. Elgart y su Nueva Manhattan Swing Band interpretaron popurrís de melodías populares de jazz con un ritmo constante, en un formato como el de la serie complementaria Hooked on Classics. Larry Elgart continuó liderando bandas en cualquier circuito que pudiera encontrar; Les Elgart falleció en Dallas el 29 de julio de 1995, de insuficiencia cardíaca.
https://www.allmusic.com/artist/les-larry-elgart-mn0000210107#biography
I Marc 4 • Nelson Psychout
Italian four-member session group who played on soundtrack and library music recordings.
The name I Marc 4 (or Marc 4) comes from the initials of their members: Maurizio Majorana (bass), Antonello Vannucchi (Hammond/piano), Roberto Podio (drums/percussion) and Carlo Pes (guitar).
Sometimes the 'A' stood for Italian soundtrack composer Armando Trovaioli. I Marc 4 played and recorded most of Armando Travaioli's compositions. I Marc 4 were known for their funky Italian soundtrack style. They also played and record with well known Italian composers like Ennio Morricone and Piero Umiliani.
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Grupo de sesión italiano de cuatro miembros que tocaba en grabaciones de bandas sonoras y música de biblioteca.
El nombre I Marc 4 (o Marc 4) proviene de las iniciales de sus miembros: Maurizio Majorana (bajo), Antonello Vannucchi (Hammond/piano), Roberto Podio (batería/percusión) y Carlo Pes (guitarra).
En ocasiones, la "A" representaba al compositor italiano de bandas sonoras Armando Trovaioli. I Marc 4 tocó y grabó la mayoría de las composiciones de Armando Travaioli. I Marc 4 era conocido por su estilo funky de banda sonora italiana. También tocaron y grabaron con conocidos compositores italianos como Ennio Morricone y Piero Umiliani.
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