Shirley Scott • Queen Talk - Live At The Left Bank

 

Editorial Review:
Queen Talk: Live at the Left Bank is an official never before released concert recording from one of the greatest female jazz organists of all-time, Shirley Scott, featuring a powerhouse trio with George Coleman on tenor saxophone and Bobby Durham on drums, plus special guest vocalist Ernie Andrews on three tracks. The set was transferred from the original tape reels and features almost 100 minutes of music and is packaged in a gatefold sleeve with an extensive booklet with liner notes by acclaimed music writer A. Scott Galloway; rare photos by Don Schlitten and Raymond Ross, and memorabilia from the Left Bank archives; plus interviews with jazz organ icon Joey DeFrancesco, former Shirley Scott bandmate, saxophonist Tim Warfield, and pianist Monty Alexander reminiscing about drummer Bobby Durham. The set is co-produced by label owner musician Cory Weeds and renowned archival recording producer Zev Feldman.

The show was recorded at the Famous Ballroom in Baltimore Maryland on August 20, 1972 and hasn't ever been previously available. Philadelphia born Scott rose to fame in the late 1950s playing the Hammond B-3 organ influenced by blues and gospel evolving into '60s soul jazz. She recorded numerous albums for Prestige, Impulse!, Atlantic, Cadet and Candid performing with countless jazz legends including Stanley Turrentine, Oliver Nelson, Eddie "Lockjaw" Davis, Clark Terry and Kenny Burrell.

The 10-track set cooks on songs of the day like "By the Time I Get to Phoenix," "You Don't Mess Around With Jim," and "Never Can Say Goodbye," along with standards such as "Smile," "Witchcraft" and John Coltrane's "Impressions."


Review
by Matt Collar
Culled from the recording archives of the Baltimore-based Left Bank Jazz Society, Queen Talk: Live at the Left Bank captures organist Shirley Scott in a fiery 1972 performance. Best known for her '50s work with saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis, Scott had developed into a swaggeringly adept bandleader in her own right by the 1970s. For most of the decade prior, she had worked alongside her husband, tenor saxophonist Stanley Turrentine, helping to craft his funky, organic brand of soul-jazz. Divorced from Turrentine and having signed her own contract with Cadet Records, Scott had already embarked on her own career by the time she hit the stage in August 1972. Notably, most of her early recordings found her working with a bassist. The choice was largely a label attempt at setting her apart from other organists, but one that undermined her immense, multi-tasking keyboard abilities. Here, she handles both keyboard and bass duties, deftly laying down bass grooves via the Hammond B-3 foot pedals in the traditional organ style. Throughout, her playing is boldly harmonic and rhythmically assured, marked by thick chordal blasts that shimmer like waves in the sun. Riding those waves are drummer Bobby Durham and tenor saxophonist George Coleman (who valiantly carved out his own place in jazz history as the saxophonist after John Coltrane and before Wayne Shorter in Miles Davis' quintet). Coleman had just played on Scott's third Cadet album, Lean on Me. On this night, both musicians sound relaxed and ready to let loose. Let loose they do, tackling an inspired mix of standards and reworked contemporary billboard hits, including a driving version of Coltrane's "Impressions" in which Scott matches Coleman's edgy note choices line for line. They also dig into soulful readings of Jimmy Webb's "By the Time I Get to Phoenix" and Gloria Gaynor's "Never Can Say Goodbye," both full of earthy, golden-hour vibes, making the strong case that jazz musicians often sound the best when they put their own twist on unexpected pop tunes. Also jumping on board late in the set is singer Ernie Andrews, who brings his urbane, lover-man style to Jim Croce's "You Don't Mess Around with Jim" and a raucously playful take on "Girl Talk." During the introduction to "Girl Talk," Andrews encourages the audience to clap and give it up to Scott and her trio, calling her "the First Lady of Hammond." As the album implies, Scott was actually known as the "Queen of the Organ." Regardless of title, on Queen Talk: Live at the Left Bank, Scott is jazz royalty personified.
https://www.allmusic.com/album/queen-talk-live-at-the-left-bank-mw0003946927

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Reseña editorial:
Queen Talk: Live at the Left Bank es una grabación oficial inédita de un concierto de una de las mejores organistas de jazz de todos los tiempos, Shirley Scott, con un potente trío con George Coleman al saxo tenor y Bobby Durham a la batería, además del cantante invitado especial Ernie Andrews en tres temas. El disco se ha transferido de las cintas originales, contiene casi 100 minutos de música y se presenta en una carátula con un extenso libreto con notas del aclamado escritor musical A. Scott Galloway; fotos poco comunes de Don Schlitten y Raymond Ross, y recuerdos de los archivos de Left Bank; además de entrevistas con el icono del órgano de jazz Joey DeFrancesco, el antiguo compañero de banda de Shirley Scott, el saxofonista Tim Warfield, y el pianista Monty Alexander recordando al batería Bobby Durham. El disco ha sido coproducido por el músico Cory Weeds, propietario del sello, y el prestigioso productor de grabaciones de archivo Zev Feldman.

El espectáculo se grabó en el Famous Ballroom de Baltimore, Maryland, el 20 de agosto de 1972 y nunca antes había estado disponible. Scott, nacido en Filadelfia, saltó a la fama a finales de la década de 1950 tocando el órgano Hammond B-3 con influencias del blues y el gospel que evolucionaron hacia el soul jazz de los años 60. Grabó numerosos álbumes para Prestige, Impulse!, Atlantic, Cadet y Candid actuando con innumerables leyendas del jazz como Stanley Turrentine, Oliver Nelson, Eddie "Lockjaw" Davis, Clark Terry y Kenny Burrell.

El set de 10 pistas se cocina con canciones del momento como "By the Time I Get to Phoenix", "You Don't Mess Around With Jim" y "Never Can Say Goodbye", junto con estándares como "Smile", "Witchcraft" e "Impressions" de John Coltrane.


Reseña
por Matt Collar
Extraído de los archivos de la Left Bank Jazz Society de Baltimore, Queen Talk: Live at the Left Bank recoge la actuación de la organista Shirley Scott en 1972. Conocida sobre todo por su trabajo de los años 50 con el saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis, Scott se había convertido en los años 70 en una hábil directora de orquesta por derecho propio. Durante la mayor parte de la década anterior, había trabajado junto a su marido, el saxofonista tenor Stanley Turrentine, ayudando a crear su estilo funky y orgánico de soul-jazz. Divorciada de Turrentine y habiendo firmado su propio contrato con Cadet Records, Scott ya se había embarcado en su propia carrera cuando subió al escenario en agosto de 1972. En la mayoría de sus primeras grabaciones trabajaba con un bajista. La elección fue en gran medida un intento de la discográfica de diferenciarla de otros organistas, pero que socavó sus inmensas habilidades como teclista multitarea. Aquí, se encarga tanto del teclado como del bajo, estableciendo hábilmente los surcos del bajo a través de los pedales del Hammond B-3 al estilo tradicional del órgano. En todo momento, su interpretación es audazmente armónica y rítmicamente segura, marcada por gruesas explosiones de acordes que brillan como olas al sol. En esas olas están el batería Bobby Durham y el saxofonista tenor George Coleman (que se labró valientemente su propio lugar en la historia del jazz como saxofonista después de John Coltrane y antes de Wayne Shorter en el quinteto de Miles Davis). Coleman acababa de tocar en el tercer álbum de Scott Cadet, Lean on Me. Esta noche, ambos músicos suenan relajados y dispuestos a soltarse. Y así lo hacen, abordando una inspirada mezcla de standards y éxitos contemporáneos, incluyendo una versión de "Impressions" de Coltrane en la que Scott iguala línea a línea las enérgicas elecciones de notas de Coleman. También se adentran en lecturas conmovedoras de "By the Time I Get to Phoenix" de Jimmy Webb y "Never Can Say Goodbye" de Gloria Gaynor, ambas llenas de vibraciones terrenales y doradas, demostrando que los músicos de jazz a menudo suenan mejor cuando dan su propio giro a melodías pop inesperadas. El cantante Ernie Andrews también se unió a la banda al final del set, aportando su estilo urbano y enamoradizo a "You Don't Mess Around with Jim" de Jim Croce y a una versión estridente y juguetona de "Girl Talk". Durante la introducción de "Girl Talk", Andrews anima al público a aplaudir y rendirse a Scott y su trío, llamándola "la Primera Dama del Hammond". Como da a entender el álbum, Scott era en realidad conocida como la "Reina del Órgano". Independientemente del título, en Queen Talk: Live at the Left Bank, Scott es la realeza del jazz personificada.
https://www.allmusic.com/album/queen-talk-live-at-the-left-bank-mw0003946927

Monty Alexander Trio • Love Me Tender

 

Monty Alexander (Montgomery Bernard Alexander, Kingston, Jamaica, 6 de junio de 1944) es un pianista de jazz, que también toca la melódica. Su forma de tocar tiene una fuerte influencia de la música caribeña y del swing. Entre sus principales influencias se encuentran músicos de la talla de Art Tatum, Oscar Peterson, Wynton Kelly y Ahmad Jamal, entre otros.

Biografía[editar]

Alexander descubrió el piano a la edad de cuatro años, y empezó a tomar lecciones de música clásica a las seis. A los catorce ya tocaba en clubes nocturnos de Jamaica con su banda Monty and the Cyclones. A finales de la década de 1950 logró una gran notoriedad en Jamaica a pesar de su corta edad. En esos años viajó a Estados Unidos y tocó por primera vez con la orquesta de Art Mooney. Al poco tiempo ya acompañaba a destacados cantantes y músicos de primera categoría como Dizzy Gillespie, Toots Thielemans, Duke Ellington, Quincy Jones, Frank Sinatra, Jimmy Smith o Milt Jackson con quien entabló una amistad entrañable que duró hasta la muerte del vibrafonista, fundador del The Modern Jazz Quartet, en 1999.

Su estilo destaca por la fusión entre las raíces jamaicanas y el jazz estadounidense clásico, con una fuerte influencia caribeña. Sus influencias más notorias son Wynton Kelly, Art Tatum, Gene Harris y Ahmad Jamal.

Su trabajo más popular fue como pianista en el disco Unforgettable, de Natalie Cole, en el cual se rinde homenaje al cantante Nat King Cole y que estuvo primero en la lista de éxitos de Billboard en 1991.

[wiki]

Monty Alexander (born Montgomery Bernard Alexander on 6 June 1944 in Kingston, Jamaica) is a jazz pianist, who also sings and plays the melodica. His playing has a Caribbean influence and bright swinging feeling, with a strong vocabulary of bebop and soulful blues melodies. He was influenced by Oscar Peterson, Les McCann, Ahmad Jamal, and Wynton Kelly. Alexander is known for his surprise musical twists and the ability to build dramatic suspense in his playing.

Alexander discovered the piano when he was four years old, took classical music lessons at the age of six and became interested in jazz piano at the age of 14, and began playing in clubs, and on recording sessions by Clue J & His Blues Blasters, deputising for Aubrey Adams, whom he describes as his hero, when he was unable to play. Two years later, he directed a dance orchestra (Monty and the Cyclones) and played in the local clubs. Performances at the Carib Theater in Jamaica by Louis Armstrong and Nat King Cole left a strong impression on the young pianist.

Alexander and his family moved to Miami, Florida, in 1961. He went to New York City in 1962, where he started to play at Jilly Rizzo's jazz club Jilly's. In addition to performing with Frank Sinatra there, Alexander also met and became friends with bassist Ray Brown and vibist Milt Jackson. In California, in 1964, Alexander recorded his first album, Alexander the Great, for Pacific Jazz at the age of 20.

Alexander recorded with Milt Jackson in 1969, with Ernest Ranglin in 1974 and in Europe the same year with Ed Thigpen. He toured regularly in Europe and recorded there, mostly with his classic trio for MPS Records. He also toured around 1976 with the steelpan player Othello Molineaux. Alexander has also played with several singers such as Ernestine Anderson, Mary Stallings and other important leaders (Dizzy Gillespie, Benny Golson, Jimmy Griffin and Frank Morgan). In his successive trios, he has played frequently with musicians associated with Oscar Peterson: Herb Ellis, Ray Brown, Mads Vinding, Ed Thigpen and Niels-Henning Ørsted Pedersen.

In the mid-1970s he formed a group consisting of John Clayton on bass and Jeff Hamilton on drums, creating a stir on the jazz-scene in Europe. Their most famous collaboration (and arguably Alexander's finest album) is Montreux Alexander, recorded during the Montreux Jazz Festival in July 1976.

Alexander formed a reggae band in the 1990s, featuring all Jamaican musicians. He has released several reggae albums, including Yard Movement (1996), Stir It Up (1999, a collection of Bob Marley songs), Monty Meets Sly & Robbie (2000), and Goin' Yard (2001). He collaborated again with Ranglin in 2004 on the album Rocksteady.

Alexander married the American jazz guitarist Emily Remler in 1981. They divorced in 1985. Currently, Alexander is married to Italian jazz singer Catarina Zapponi.

[wiki]

www.montyalexander.com ...

Esbjörn Svensson Trio • Retrospective - The very best of e.s.t

 

Review by Thom Jurek
Despite the fact that 2008’ Leucocyte, would be the Esbjörn Svensson Trio's final album due to the tragic scuba diving accident that killed Svensson, this was a band that had traversed such wide musical territory they deserved a retrospective treatment simply to sum up what had transpired between the release of 1993’s When Everyone Has Gone and that premature finale. While this 70-minute single disc doesn’t contain any unreleased material, or pre-1999 material (in favor of presenting the trio’s fully developed aesthetic), it is beautifully compiled. Svensson as both composer and pianist was influenced by everyone from Thelonious Monk and Keith Jarrett to Pat Metheny and Lyle Mays, as well as loads of rock and pop musicians. Bassist Dan Berglund, besides being classically trained, also loved hard rock as well as jazz, and was attracted to its most physical and aesthetically refined players, from Charles Mingus to Barre Phillips, while drummer/percussionist Magnus Öström loved drummers as diverse as Billy Higgins, Elvin Jones, and contemporary Manu Katche. These 13 tracks point to a unifying point of view of strengths and influences -- as well as nuances and the love of physical space -- that made E.S.T. not only one of the most accessible jazz piano trios of all time, but also one of its most adventurous; they were at the forefront of reinventing its role in modern jazz. While everything in this set is top-notch, particular highlights include “Believe,” “Beleft,” Below,” the short excerpt from Leucocyte’s nearly half-hour title track, “Dodge the Dodo,” “From Gagarin’s Point of View,” “Goldwrap,” and "Dolores in a Shoe.S.T.and." Highly recommended for the curious; a killer mixtape for the fan.
https://www.allmusic.com/album/retrospective-the-very-best-of-est-mw0001330690

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Reseña de Thom Jurek
A pesar de que Leucocyte, de 2008, sería el último álbum de Esbjörn Svensson Trio debido al trágico accidente de submarinismo en el que murió Svensson, se trataba de una banda que había recorrido un territorio musical tan amplio que merecía un tratamiento retrospectivo simplemente para resumir lo que había ocurrido entre el lanzamiento de When Everyone Has Gone, de 1993, y ese prematuro final. Aunque este único disco de 70 minutos no contiene material inédito, ni material anterior a 1999 (en favor de presentar la estética plenamente desarrollada del trío), está magníficamente compilado. Svensson, como compositor y pianista, recibió influencias de todos, desde Thelonious Monk y Keith Jarrett hasta Pat Metheny y Lyle Mays, así como de montones de músicos de rock y pop. El bajista Dan Berglund, además de tener formación clásica, también amaba el rock duro, así como el jazz, y se sentía atraído por sus intérpretes más físicos y estéticamente refinados, desde Charles Mingus a Barre Phillips, mientras que el batería/percusionista Magnus Öström amaba a bateristas tan diversos como Billy Higgins, Elvin Jones y el contemporáneo Manu Katche. Estos 13 temas apuntan a un punto de vista unificador de puntos fuertes e influencias -así como matices y el amor por el espacio físico- que hicieron de E.S.T. no sólo uno de los tríos de piano de jazz más accesibles de todos los tiempos, sino también uno de los más aventureros; estuvieron a la vanguardia de la reinvención de su papel en el jazz moderno. Aunque todo en este set es de primera categoría, destacan especialmente "Believe", "Beleft", Below", el breve extracto del tema que da título a Leucocyte, de casi media hora de duración, "Dodge the Dodo", "From Gagarin's Point of View", "Goldwrap" y "Dolores in a Shoe.S.T.and". Muy recomendable para los curiosos; una mixtape asesina para los fans.
https://www.allmusic.com/album/retrospective-the-very-best-of-est-mw0001330690

esbjornsvensson.se ...

Charlie Hunter Quartet • Natty Dread

 

Review by Bill Meredith
In choosing to record Bob Marley's classic 1974 reggae album Natty Dread track-for-track in an instrumental jazz style, eight-string guitarist Charlie Hunter opened himself up for skepticism. Yet an idea that looked questionable in theory would prove stellar in practice, as Hunter turned Natty Dread -- with the songs sequenced exactly as they were on Marley's original release -- into one of the best CDs of his career. Hunter's customized eight-string instrument and prodigious talent allow him to play simultaneous guitar melodies and basslines, but his Wurlitzer organ simulations and walking bass aren't the only highlights of the opening "Lively Up Yourself." Alto saxophonist Calder Spanier and tenorman Kenny Brooks alternate between swinging leads and supportive harmonies, and drummer Scott Amendola gets in creative solo flurries near the end. Hunter's beautiful intro to "No Woman, No Cry" echoes both Pat Martino and Django Reinhardt; the saxophonists' interplay and Amendola's clever rimshots, tom-toms, and cowbell work lively up "Them Belly Full." The secrets to Hunter's success lie in separate amplifiers for his instrument's guitar and bass portions; great wah-wah pedal work to achieve keyboard tones, and the requisite brain power to play basslines with both thumbs while fretting and fingerpicking the melodies. All are illustrated in readings of the tranquil "Rebel Music," energetic "So Jah Seh" and the shuffling title track. Throughout Natty Dread, reggae is implied more often than played, as Hunter and his quartet portray the fun they had in arranging these pieces with performances both swinging and stirring (even dropping an "I Shot the Sheriff" quote into "Bend Down Low"). Spanier died after Natty Dread's release when he was struck by a car, and Hunter subsequently moved from California to New York and restructured his band. There's no telling what might have come afterward from this quartet of two saxophonists, a drummer, and Hunter, the one-man guitarist, keyboardist, and bassist.
https://www.allmusic.com/album/natty-dread-mw0000099526

By Douglas Payne
May 1, 1997
From the surprisingly successful Blue Note Cover Series comes this exceptional disc by multi-talented eight-string guitarist Charlie Hunter. The 29-year old Hunter has made a thankfully unpredictable choice "covering" Bob Marley's influential and popular 1974 reggae classic Natty Dread. Hunter, heard here in a quartet with an alto, tenor sax and drums, resists the urge toward reverential readings and reggae clichés in this music. As a result, the soulful beauty of Marley's outstanding music shines through. Anyone familiar with Hunter's work in the ultra-cool quartet T.J. Kirk can expect another dose of thoughtful, sometimes funky -but always original -takes on somewhat familiar material.

Charlie Hunter, like Bill Frisell and John Abercrombie, can wield any sound he wants to from his guitar (an eight-string is only slightly less weird than Ron Escheté's unimaginably difficult seven-string guitar). Hunter can make his axe wail like an organ, ring like a pedal steel, whine with Hendrix-like feedback or sing like Grant Green on an especially soulful day. Hunter is comfortable in just about any style imaginable too—but he sticks mostly to very accessible playing. What he does with Marley's hit "No Woman, No Cry" is tender, passionate and unbelievably beautiful. It's origins are evident but the liners spell out the influence Bill Frisell and Ry Cooder (nice to see Cooder get his due for a change). Hunter's version has hit potential, and deserves to get widespread airplay. Everyone who heard this song while I played the disc (including my mother, who doesn't like jazz) was just hypnotized by it. Another hit-worthy tune is the marvelous version of the anthem-like "Revolution" which features the reeds. Hunter also kicks out the jams here, crafting a John Patton / John Zorn / Ed Cherry does James Brown groove on "Bend Down Low." And there's something appealing about the '70s Jeff Beck funk of "Lively Up Yourself" and "Talkin' Blues" too. Throughout, Hunter sounds inspired and interested—and the average listener will find as much to appreciate here. A very nice surprise worth checking out.

Another nice surprise is guitarist Fareed Haque's "cover" of Crosby, Stills, Nash and Young's 1970 "classic rock" album Deja Vu. Haque's incredible six-string talents (on classic guitar) and the acid-jazz appeal often overcome what could have been simply a smooth-jazz recollection of some hippy-dippy fun. A Blue Note concept (that must have sounded gimmicky on paper) turns out to yield some good, valuable music for the 1990s.
https://www.allaboutjazz.com/natty-dread-charlie-hunter-blue-note-records-review-by-douglas-payne

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Reseña de Bill Meredith
Al elegir grabar el clásico álbum de reggae Natty Dread de Bob Marley de 1974 pista por pista en un estilo instrumental de jazz, el guitarrista de ocho cuerdas Charlie Hunter se abrió al escepticismo. Sin embargo, una idea que parecía cuestionable en teoría resultaría estelar en la práctica, ya que Hunter convirtió a Natty Dread, con las canciones secuenciadas exactamente como estaban en el lanzamiento original de Marley, en uno de los mejores CD de su carrera. El instrumento personalizado de ocho cuerdas de Hunter y su prodigioso talento le permiten tocar melodías de guitarra y líneas de bajo simultáneas, pero sus simulaciones de órgano Wurlitzer y el bajo andante no son los únicos aspectos destacados de la apertura "Lively Up Yourself."El saxofonista alto Calder Spanier y el tenorista Kenny Brooks alternan entre pistas oscilantes y armonías de apoyo, y el baterista Scott Amendola se mete en ráfagas creativas en solitario cerca del final. La hermosa introducción de Hunter a "No Woman, No Cry" se hace eco tanto de Pat Martino como de Django Reinhardt; la interacción de los saxofonistas y los ingeniosos rimshots, tom-toms y cencerro de Amendola funcionan animadamente " Con el estómago lleno."Los secretos del éxito de Hunter radican en amplificadores separados para las partes de guitarra y bajo de su instrumento; un gran trabajo de pedales wah-wah para lograr tonos de teclado y la capacidad cerebral necesaria para tocar líneas de bajo con ambos pulgares mientras se preocupa y toca las melodías con los dedos. Todos están ilustrados en lecturas de la tranquila "Música Rebelde", la enérgica "So Jah Seh" y la pista que da título al álbum. A lo largo de Natty Dread, el reggae se insinúa con más frecuencia que cuando se toca, ya que Hunter y su cuarteto retratan la diversión que tuvieron al arreglar estas piezas con actuaciones tanto oscilantes como conmovedoras (incluso dejando caer una cita de "Le disparé al Sheriff" en "Agáchate"). Spanier murió después del lanzamiento de Natty Dread cuando fue atropellado por un automóvil, y Hunter posteriormente se mudó de California a Nueva York y reestructuró su banda. No se sabe qué podría haber salido después de este cuarteto de dos saxofonistas, un baterista y Hunter, el guitarrista, tecladista y bajista de un solo hombre.
https://www.allmusic.com/album/natty-dread-mw0000099526

Por Douglas Payne
1 de mayo de 1997
De la sorprendentemente exitosa serie de portadas Blue Note llega este excepcional disco del talentoso guitarrista de ocho cuerdas Charlie Hunter. Hunter, de 29 años, ha tomado una decisión afortunadamente impredecible al "cubrir" el influyente y popular clásico de reggae de Bob Marley de 1974 Natty Dread. Hunter, escuchado aquí en un cuarteto con saxo alto, tenor y batería, resiste el impulso hacia lecturas reverenciales y clichés reggae en esta música. Como resultado, brilla la belleza conmovedora de la excepcional música de Marley. Cualquiera que esté familiarizado con el trabajo de Hunter en el cuarteto ultra genial T. J. Kirk puede esperar otra dosis de tomas reflexivas, a veces funky, pero siempre originales, de material algo familiar.

Charlie Hunter, como Bill Frisell y John Abercrombie, puede manejar cualquier sonido que desee con su guitarra (una guitarra de ocho cuerdas es solo un poco menos extraña que la inimaginablemente difícil guitarra de siete cuerdas de Ron Escheté). Hunter puede hacer gemir su hacha como un órgano, sonar como un pedal de acero, gemir con comentarios similares a los de Hendrix o cantar como Grant Green en un día especialmente conmovedor. Hunter también se siente cómodo con casi cualquier estilo imaginable—pero se apega principalmente a tocar de manera muy accesible. Lo que hace con el éxito de Marley "No Woman, No Cry" es tierno, apasionado e increíblemente hermoso. Sus orígenes son evidentes, pero los liners explican la influencia de Bill Frisell y Ry Cooder (es bueno ver a Cooder recibir su merecido por un cambio). La versión de Hunter ha alcanzado potencial y merece una amplia difusión en el aire. Todos los que escucharon esta canción mientras tocaba el disco (incluida mi madre, a quien no le gusta el jazz) quedaron hipnotizados por ella. Otra melodía digna de éxito es la maravillosa versión del himno "Revolution" que presenta las cañas. Hunter también saca los atascos aquí, creando un ritmo de John Patton / John Zorn / Ed Cherry does James Brown en " Bend Down Low."Y también hay algo atractivo en el funk de Jeff Beck de los 70 de "Lively Up Yourself" y "Talkin 'Blues". En todo momento, Hunter suena inspirado e interesado, y el oyente promedio encontrará mucho que apreciar aquí. Una sorpresa muy agradable que vale la pena echarle un vistazo.

Otra agradable sorpresa es la "versión" del guitarrista Fareed Haque del álbum de "rock clásico" Deja Vu de Crosby, Stills, Nash y Young de 1970. Los increíbles talentos de seis cuerdas de Haque (en la guitarra clásica) y el atractivo del acid-jazz a menudo superan lo que podría haber sido simplemente un recuerdo suave de jazz de algo de diversión hippy-dippy. Un concepto de Blue Note (que debe haber sonado efectista en el papel) resulta producir música buena y valiosa para la década de 1990.
https://www.allaboutjazz.com/natty-dread-charlie-hunter-blue-note-records-review-by-douglas-payne

www.charliehunter.com ...

George Russell • New York, New York

 

Review by Ken Dryden
George Russell was one of the most forward-thinking composers and arrangers on the jazz scene during the 1950s, but his work was generally more appreciated by musicians than the jazz-buying public. New York, New York represents one of many high points in his career. He assembled an all-star orchestra, including pianist Bill Evans (a frequent participant on Russell's recordings), Art Farmer, Bob Brookmeyer, John Coltrane, and Milt Hinton, among others. In Rodgers & Hart's "Manhattan," Russell has the soloists playing over the orchestra's vamp, while he also creates an imaginative "East Side Medley" combining the standards "Autumn in New York" and "How About You." His original material is just as striking as his arrangements, while vocalist Jon Hendricks serves as narrator between orchestra segments. While this release has been reissued several times, it rarely remains in print for long, so don't miss the opportunity to acquire this elusive CD.
https://www.allmusic.com/album/new-york-ny-mw0000309054

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Reseña de Ken Dryden
George Russell fue uno de los compositores y arreglistas más vanguardistas de la escena del jazz durante la década de 1950, pero su trabajo fue generalmente más apreciado por los músicos que por el público comprador de jazz. New York, New York representa uno de los muchos puntos álgidos de su carrera. Reunió a una orquesta de estrellas, como el pianista Bill Evans (participante habitual en las grabaciones de Russell), Art Farmer, Bob Brookmeyer, John Coltrane y Milt Hinton, entre otros. En "Manhattan" de Rodgers & Hart, Russell hace que los solistas toquen sobre el vamp de la orquesta, mientras que también crea un imaginativo "East Side Medley" combinando los estándares "Autumn in New York" y "How About You". Su material original es tan sorprendente como sus arreglos, mientras que el vocalista Jon Hendricks sirve de narrador entre los segmentos de la orquesta. Aunque este disco se ha reeditado en varias ocasiones, rara vez se mantiene impreso durante mucho tiempo, así que no pierda la oportunidad de adquirir este CD escurridizo.
https://www.allmusic.com/album/new-york-ny-mw0000309054