Friday, October 31, 2025
J Street Jumpers • Good For Stompin'
Passion for classic American music including Jump Blues, Swing era jazz and 1940’s Rhythm & Blues is what The J Street Jumpers are all about. Founded in 1993 by saxophonist Charlie Hubel, J Street has spent most of the last 15 years honing their chops in clubs, halls and ballrooms in the mid-Atlantic. The band has wowed crowds at numerous appearances at the Kennedy Center's Millennium Stage, music festivals, and concerts. Their horn driven sound, combined with the powerful vocals of Juanita Williams has made this band a favorite with listeners and dancers alike. From jazz and blues festivals to inaugural balls, dances and private events, the band brings a consistently energetic and fun atmosphere to wherever they perform.
They've garnered the respect of the Washington music community as well, evidenced by Washington Area Music Association (WAMA) Wammie Awards wins for six years in a row: Best Big Band - Swing Duo/Group, Best Big Band - Swing Recording and Best Jazz.
http://www.jstreetjumpers.com/index.cfm
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La pasión por la música clásica americana, incluyendo el Jump Blues, el jazz de la era Swing y el Rhythm & Blues de los años 40, es lo que caracteriza a los J Street Jumpers. Fundados en 1993 por el saxofonista Charlie Hubel, los J Street han pasado la mayor parte de los últimos 15 años perfeccionando sus habilidades en clubes, salones y salones de baile en el medio del Atlántico. La banda ha asombrado a las multitudes en numerosas apariciones en el Millennium Stage del Kennedy Center, festivales de música y conciertos. El sonido de sus trompetas, combinado con la poderosa voz de Juanita Williams ha hecho que esta banda sea la favorita de oyentes y bailarines. Desde festivales de jazz y blues hasta bailes inaugurales, bailes y eventos privados, la banda trae una atmósfera energética y divertida a donde sea que se presenten.
También se han ganado el respeto de la comunidad musical de Washington, como demuestran los premios Wammie de la Asociación Musical del Área de Washington (WAMA), ganados durante seis años consecutivos: Mejor Big Band - Dúo/Grupo de Swing, Mejor Big Band - Grabación de Swing y Mejor Jazz.
http://www.jstreetjumpers.com/index.cfm 
Norman Simmons • The Art Of Norman Simmons
Biography by Ron Wynn
Pianist Norman Simmons is a superior arranger and good accompanist most famous for providing the hit arrangement of "Wade in the Water" for the Ramsey Lewis group. Simmons worked in the '50s and '60s for several vocalists, among them Dakota Staton, Ernestine Anderson, and Carmen McRae. He worked in 1960 with the Johnny Griffin-Eddie "Lockjaw" Davis group. In 1979 Simmons became a regular pianist for Joe Williams, performing with the acclaimed vocalist through the 1990s. Following Williams' death in 1999, Simmons led his first session in quite some time, resulting in the 2000 Savant release Art of Norman Simmons. In 2002 he issued Synthesis, his second effort for Savant. In Private, a Savant date also featuring bassist Lisle Atkinson and drummer Paul Humphrey, arrived in 2004.
https://www.allmusic.com/artist/norman-simmons-mn0000884894/biography
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Biografía de Ron Wynn
El pianista Norman Simmons es un excelente arreglista y buen acompañante, famoso por haber realizado el exitoso arreglo de "Wade in the Water" para el grupo de Ramsey Lewis. Simmons trabajó en los años 50 y 60 para varios vocalistas, entre ellos Dakota Staton, Ernestine Anderson y Carmen McRae. Trabajó en 1960 con el grupo de Johnny Griffin-Eddie "Lockjaw" Davis. En 1979 Simmons se convirtió en un pianista habitual de Joe Williams, actuando con el aclamado vocalista hasta la década de 1990. Tras la muerte de Williams en 1999, Simmons dirigió su primera sesión en bastante tiempo, lo que dio lugar al lanzamiento de Savant Art of Norman Simmons en el año 2000. En 2002 publicó "Synthesis", su segundo trabajo para Savant. En Private, una cita de Savant también con la bajista Lisle Atkinson y el baterista Paul Humphrey, llegó en 2004.
https://www.allmusic.com/artist/norman-simmons-mn0000884894/biography
Thursday, October 30, 2025
Bradley Leighton • Back To The Funk
Bradley Leighton’s musical interests have always been diverse. As a young man, he loved big band music, particularly Maynard Ferguson, Stan Kenton and Woody Herman. Yet he also found himself drawn to the R&B sounds of Tower of Power, Earth Wind and Fire, and, the Brecker Brothers.
Although his first fascination was the player piano, he soon started playing the flute, becoming very involved in school bands and with learning the classical literature. Then, after considerable listening, and practicing; Bradley’s interest in Jazz and blues led him to hanging out at after-hours clubs in his native Seattle, where he first surprised, and pleased, such local legends as T McGee, Terry Camon, Leri Carter, Billy Haddon, and Mel Washington.
Having mentors both assist and encourage Bradley, and a true love of performing, served as the catalysts for his decision to pursue a career in music. Immediately after high school, he seized an opportunity by enlisting and playing in the Army’s 9th Infantry Division band at Ft. Lewis, Washington. When his talent quickly became obvious, he was appointed musical director of the jazz ensemble. A tour with the 8th Army band in Seoul, Korea soon followed. Bradley remained in Seoul after his discharge several years later to teach, and perform in the country’s only Jazz bar.
But after realizing that the only place to really utilize his musical expertise was the land of his birth, Bradley returned to Seattle for more professional opportunities. By now, an accomplished musician and teacher, he spent the next fifteen years playing in rhythm and blues bands, Hammond organ trios, funk dance bands and straight-ahead jazz groups. He also taught privately, working with encouraging young musicians, just as his Seattle mentors had done for him.
At the same time, he focused on developing his own sound on the flute. His approach was born in his big band roots, where accomplished reedman took their saxophone experience to the flute. Inspired by such legends as Frank Wess and Sam Most, Bradley found that the alto flute was the best vehicle for his creativity.
During this period, he worked in bands that accompanied such legendary artists as Bobby McFerrin, Clark Terry, Dizzy Gillespie and others in addition to jamming and playing with many of the local musicians. He became Seattle’s first call jazz flutists, and developed a reputation as one of the leading players in the area.
After moving to San Diego in 2001, Bradley started work on his first CD, “Grooveyard” which was released in 2003 to excellent reviews from the jazz world. Five subsequent projects ranging from straight-ahead jazz to R&B, Funk, Pop and Christmas music reinforce his reputation as a player who can and will play from any genre that interests him and his fans.
In addition to recording and performing, Bradley Leighton has continued to share his knowledge and enthusiasm of music as a clinician and teacher. Besides private lessons, he leads workshops for musicians of all skill levels, including, “Improvisation for the Classically Trained Flutist,” and “Music For Life – Improvisation for the Adult Amateur Musician.”
Bradley Leighton performs weekly at Seaport Village in downtown San Diego, California, as well as at other venues in and around San Diego County. He’s also available for clinics, and in performance with his Duo, Quartet and Sextet, as well as a soloist with big bands and orchestras.
https://bradleyleighton.com/long-bio/
Although his first fascination was the player piano, he soon started playing the flute, becoming very involved in school bands and with learning the classical literature. Then, after considerable listening, and practicing; Bradley’s interest in Jazz and blues led him to hanging out at after-hours clubs in his native Seattle, where he first surprised, and pleased, such local legends as T McGee, Terry Camon, Leri Carter, Billy Haddon, and Mel Washington.
Having mentors both assist and encourage Bradley, and a true love of performing, served as the catalysts for his decision to pursue a career in music. Immediately after high school, he seized an opportunity by enlisting and playing in the Army’s 9th Infantry Division band at Ft. Lewis, Washington. When his talent quickly became obvious, he was appointed musical director of the jazz ensemble. A tour with the 8th Army band in Seoul, Korea soon followed. Bradley remained in Seoul after his discharge several years later to teach, and perform in the country’s only Jazz bar.
But after realizing that the only place to really utilize his musical expertise was the land of his birth, Bradley returned to Seattle for more professional opportunities. By now, an accomplished musician and teacher, he spent the next fifteen years playing in rhythm and blues bands, Hammond organ trios, funk dance bands and straight-ahead jazz groups. He also taught privately, working with encouraging young musicians, just as his Seattle mentors had done for him.
At the same time, he focused on developing his own sound on the flute. His approach was born in his big band roots, where accomplished reedman took their saxophone experience to the flute. Inspired by such legends as Frank Wess and Sam Most, Bradley found that the alto flute was the best vehicle for his creativity.
During this period, he worked in bands that accompanied such legendary artists as Bobby McFerrin, Clark Terry, Dizzy Gillespie and others in addition to jamming and playing with many of the local musicians. He became Seattle’s first call jazz flutists, and developed a reputation as one of the leading players in the area.
After moving to San Diego in 2001, Bradley started work on his first CD, “Grooveyard” which was released in 2003 to excellent reviews from the jazz world. Five subsequent projects ranging from straight-ahead jazz to R&B, Funk, Pop and Christmas music reinforce his reputation as a player who can and will play from any genre that interests him and his fans.
In addition to recording and performing, Bradley Leighton has continued to share his knowledge and enthusiasm of music as a clinician and teacher. Besides private lessons, he leads workshops for musicians of all skill levels, including, “Improvisation for the Classically Trained Flutist,” and “Music For Life – Improvisation for the Adult Amateur Musician.”
Bradley Leighton performs weekly at Seaport Village in downtown San Diego, California, as well as at other venues in and around San Diego County. He’s also available for clinics, and in performance with his Duo, Quartet and Sextet, as well as a soloist with big bands and orchestras.
https://bradleyleighton.com/long-bio/
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Los intereses musicales de Bradley Leighton siempre han sido diversos. De joven, le gustaba la música de las grandes bandas, en particular Maynard Ferguson, Stan Kenton y Woody Herman. Sin embargo, también se vio atraído por los sonidos R&B de Tower of Power, Earth Wind and Fire y los Brecker Brothers.
Aunque su primera fascinación fue el piano, pronto empezó a tocar la flauta, involucrándose en bandas escolares y en el aprendizaje de la literatura clásica. Después de escuchar y practicar mucho, el interés de Bradley por el jazz y el blues le llevó a frecuentar clubes de after-hours en su Seattle natal, donde sorprendió y complació por primera vez a leyendas locales como T McGee, Terry Camon, Leri Carter, Billy Haddon y Mel Washington.
Tener mentores que ayuden y animen a Bradley, y un verdadero amor por la actuación, sirvieron como catalizadores para su decisión de seguir una carrera en la música. Inmediatamente después de la escuela secundaria, aprovechó la oportunidad de alistarse y tocar en la banda de la 9ª División de Infantería del Ejército en Ft. Lewis, Washington. Cuando su talento se hizo evidente, fue nombrado director musical del conjunto de jazz. Una gira con la banda del 8º Ejército en Seúl, Corea, pronto le siguió. Bradley permaneció en Seúl después de su baja varios años más tarde para enseñar y actuar en el único bar de Jazz del país.
Pero después de darse cuenta de que el único lugar donde realmente podía utilizar su experiencia musical era su tierra natal, Bradley regresó a Seattle para tener más oportunidades profesionales. Ya como músico y profesor consumado, pasó los siguientes quince años tocando en bandas de rhythm and blues, tríos de órgano de Hammond, bandas de baile funk y grupos de jazz de vanguardia. También enseñó en privado, trabajando con jóvenes músicos animadores, tal y como sus mentores de Seattle habían hecho por él.
Al mismo tiempo, se centró en desarrollar su propio sonido en la flauta. Su enfoque nació en las raíces de su gran banda, donde el consumado Reedman llevó su experiencia con el saxofón a la flauta. Inspirado por leyendas como Frank Wess y Sam Most, Bradley descubrió que la flauta alta era el mejor vehículo para su creatividad.
Durante este período, trabajó en bandas que acompañaron a artistas legendarios como Bobby McFerrin, Clark Terry, Dizzy Gillespie y otros, además de tocar con muchos de los músicos locales. Se convirtió en el primer flautista de jazz de Seattle, y desarrolló una reputación como uno de los principales jugadores en el área.
Después de mudarse a San Diego en 2001, Bradley comenzó a trabajar en su primer CD, "Grooveyard", que fue lanzado en 2003 con excelentes críticas del mundo del jazz. Cinco proyectos posteriores que van desde el jazz directo a la música de R&B, Funk, Pop y Navidad refuerzan su reputación como un músico que puede y quiere tocar de cualquier género que le interese a él y a sus fans.
Además de grabar y actuar, Bradley Leighton ha seguido compartiendo su conocimiento y entusiasmo por la música como clínico y profesor. Además de las clases particulares, dirige talleres para músicos de todos los niveles, incluyendo, "Improvisación para el flautista de formación clásica" y "Música para la vida - Improvisación para el músico amateur adulto".
Bradley Leighton se presenta semanalmente en Seaport Village en el centro de San Diego, California, así como en otros lugares del condado de San Diego y sus alrededores. También está disponible para clínicas, y en presentaciones con su Dúo, Cuarteto y Sexteto, así como solista con grandes bandas y orquestas.
https://bradleyleighton.com/long-bio/
Aunque su primera fascinación fue el piano, pronto empezó a tocar la flauta, involucrándose en bandas escolares y en el aprendizaje de la literatura clásica. Después de escuchar y practicar mucho, el interés de Bradley por el jazz y el blues le llevó a frecuentar clubes de after-hours en su Seattle natal, donde sorprendió y complació por primera vez a leyendas locales como T McGee, Terry Camon, Leri Carter, Billy Haddon y Mel Washington.
Tener mentores que ayuden y animen a Bradley, y un verdadero amor por la actuación, sirvieron como catalizadores para su decisión de seguir una carrera en la música. Inmediatamente después de la escuela secundaria, aprovechó la oportunidad de alistarse y tocar en la banda de la 9ª División de Infantería del Ejército en Ft. Lewis, Washington. Cuando su talento se hizo evidente, fue nombrado director musical del conjunto de jazz. Una gira con la banda del 8º Ejército en Seúl, Corea, pronto le siguió. Bradley permaneció en Seúl después de su baja varios años más tarde para enseñar y actuar en el único bar de Jazz del país.
Pero después de darse cuenta de que el único lugar donde realmente podía utilizar su experiencia musical era su tierra natal, Bradley regresó a Seattle para tener más oportunidades profesionales. Ya como músico y profesor consumado, pasó los siguientes quince años tocando en bandas de rhythm and blues, tríos de órgano de Hammond, bandas de baile funk y grupos de jazz de vanguardia. También enseñó en privado, trabajando con jóvenes músicos animadores, tal y como sus mentores de Seattle habían hecho por él.
Al mismo tiempo, se centró en desarrollar su propio sonido en la flauta. Su enfoque nació en las raíces de su gran banda, donde el consumado Reedman llevó su experiencia con el saxofón a la flauta. Inspirado por leyendas como Frank Wess y Sam Most, Bradley descubrió que la flauta alta era el mejor vehículo para su creatividad.
Durante este período, trabajó en bandas que acompañaron a artistas legendarios como Bobby McFerrin, Clark Terry, Dizzy Gillespie y otros, además de tocar con muchos de los músicos locales. Se convirtió en el primer flautista de jazz de Seattle, y desarrolló una reputación como uno de los principales jugadores en el área.
Después de mudarse a San Diego en 2001, Bradley comenzó a trabajar en su primer CD, "Grooveyard", que fue lanzado en 2003 con excelentes críticas del mundo del jazz. Cinco proyectos posteriores que van desde el jazz directo a la música de R&B, Funk, Pop y Navidad refuerzan su reputación como un músico que puede y quiere tocar de cualquier género que le interese a él y a sus fans.
Además de grabar y actuar, Bradley Leighton ha seguido compartiendo su conocimiento y entusiasmo por la música como clínico y profesor. Además de las clases particulares, dirige talleres para músicos de todos los niveles, incluyendo, "Improvisación para el flautista de formación clásica" y "Música para la vida - Improvisación para el músico amateur adulto".
Bradley Leighton se presenta semanalmente en Seaport Village en el centro de San Diego, California, así como en otros lugares del condado de San Diego y sus alrededores. También está disponible para clínicas, y en presentaciones con su Dúo, Cuarteto y Sexteto, así como solista con grandes bandas y orquestas.
https://bradleyleighton.com/long-bio/
John Graas • Jazz Studio 1-2 Complete Sessions
Biography
by Scott Yanow
Along with Julius Watkins, John Graas was one of the first jazz French horn soloists. After playing some classical music, in 1942 he became a member of the Claude Thornhill Orchestra. A period in the Army (1942-1945) and stints with the Cleveland Orchestra and Tex Beneke's big band preceded Graas' first high-profile gig, playing with Stan Kenton's Innovations Orchestra (1950-1951). After leaving Kenton, he settled in Los Angeles and worked as a studio musician in addition to being used on West Coast jazz dates by Shorty Rogers and others. Graas, an excellent composer who sought to combine together jazz and classical music (predating the third stream movement), recorded fairly regularly as a leader during 1953-1958, sessions that (with the exception of one V.S.O.P. release) have not been reissued. He died of a heart attack at the age of 45.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography
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Biografía
por Scott Yanow
Junto con Julius Watkins, John Graas fue uno de los primeros solistas de trompa de jazz. Tras tocar algo de música clásica, en 1942 pasó a formar parte de la Orquesta de Claude Thornhill. Tras un periodo en el ejército (1942-1945) y una serie de colaboraciones con la Orquesta de Cleveland y la big band de Tex Beneke, Graas tuvo su primera actuación destacada en la Innovations Orchestra de Stan Kenton (1950-1951). Tras dejar a Kenton, se instaló en Los Ángeles y trabajó como músico de estudio, además de ser utilizado en fechas de jazz de la Costa Oeste por Shorty Rogers y otros. Graas, un excelente compositor que buscaba combinar el jazz y la música clásica (antes del movimiento de la tercera corriente), grabó con bastante regularidad como líder durante 1953-1958, sesiones que (con la excepción de un lanzamiento de V.S.O.P.) no han sido reeditadas. Murió de un ataque al corazón a la edad de 45 años.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography
John Graas • Jazz Studio 3-4 Complete Sessions
Review by Ken Dryden
This Lonehill Jazz CD compiles the contents of two Decca LPs, Jazz Studio, Vol. 3 and Jazz Studio, Vol. 4. The first sessions consist of several different small groups led by French horn player John Graas, highlighted by the three tracks featuring his good friend Gerry Mulligan on baritone sax. In fact, Mulligan's influence on Graas' writing style is apparent, creating tight ensembles that nevertheless consistently swing, with the leader's well-named "Mulliganesque," a brisk cooker, being especially noteworthy. Among the other musicians are pianist Marty Paich, bassist Red Mitchell, and trumpeter Don Fagerquist. Other tracks feature tenor saxophonist Zoot Sims, trumpeter Conte Candoli, alto saxophonist Charlie Mariano, and either Paich or André Previn, with Jimmy Giuffre on baritone sax. Graas' "Rogersesque," which salutes Shorty Rogers (another prominent influence upon the leader), showcases Mariano, Candoli, Paich, and guitarist Howard Roberts to good effect. The last 12 selections are from Jazz Studio, Vol. 4, with all of the compositions contributed by trumpeter and flügelhornist Jack Millman, though the personnel and arrangers vary widely from one song to the next. Like Graas' works, Millman's have stood the test of time, even if they never became a part of regularly played jazz repertoire. The music is still very fresh decades after it was recorded, with some of the cream of the crop of West Coast musicians present, including Gerry Wiggins, Curtis Counce, Chico Hamilton, Bob Gordon, Buddy Collette, Jack Montrose, and Russ Freeman, among others. Perhaps one of the biggest surprises of the date is the Latin-infused "Cathy Goes South," arranged by Johnny Mandel with Maynard Ferguson playing claves.
https://www.allmusic.com/album/jazz-studio-vols-3-4-complete-sessions-mw0000191145
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Reseña de Ken Dryden
Este CD de Lonehill Jazz recopila el contenido de dos LP de Decca: Jazz Studio, Vol. 3 y Jazz Studio, Vol. 4. Las primeras sesiones consisten en varios grupos pequeños liderados por el trompista John Graas, destacando los tres temas en los que su buen amigo Gerry Mulligan toca el saxo barítono. De hecho, la influencia de Mulligan en el estilo compositivo de Graas es evidente, creando conjuntos sólidos que, sin embargo, mantienen un swing consistente, destacando especialmente el acertado "Mulliganesque" del líder, un estilo de cocción enérgico. Entre los músicos que lo acompañan se encuentran el pianista Marty Paich, el bajista Red Mitchell y el trompetista Don Fagerquist. Otros temas incluyen al saxofonista tenor Zoot Sims, al trompetista Conte Candoli, al saxofonista alto Charlie Mariano y a Paich o André Previn, con Jimmy Giuffre al saxo barítono. "Rogersesque" de Graas, que rinde homenaje a Shorty Rogers (otra influencia destacada del líder), presenta con gran éxito a Mariano, Candoli, Paich y al guitarrista Howard Roberts. Las últimas 12 selecciones pertenecen a Jazz Studio, Vol. 4, con todas las composiciones aportadas por el trompetista y fliscornista Jack Millman, aunque el personal y los arreglistas varían considerablemente de una canción a otra. Al igual que las obras de Graas, las de Millman han resistido el paso del tiempo, incluso si nunca llegaron a formar parte del repertorio de jazz habitual. La música sigue muy vigente décadas después de su grabación, con la presencia de algunos de los músicos más destacados de la Costa Oeste, como Gerry Wiggins, Curtis Counce, Chico Hamilton, Bob Gordon, Buddy Collette, Jack Montrose y Russ Freeman, entre otros. Quizás una de las mayores sorpresas de la cita sea "Cathy Goes South", con influencias latinas, arreglada por Johnny Mandel con Maynard Ferguson tocando las claves. https://www.allmusic.com/album/jazz-studio-vols-3-4-sesiones-completas-mw0000191145
Lonnie Gasperini Organ Trio • North Beach Blues
By ELLIOTT SIMON
March 17, 2008
https://www.allaboutjazz.com/north-beach-blues-lonnie-gasperini-doodlin-records-review-by-elliott-simon.php
The Hammond B3 was originally developed to replace pipe organs and luckily for B3 jazz trio lovers it caught on as a less expensive alternative for African- American churches. Its power chords and subtle note caresses, built-in bass pedals and funky sound when combined with a guitarist and drummer eventually spawned the soul jazz genre. From the opening sounds of North Beach Blues it is obvious that Lonnie Gasperini is a B3 player who is heavy on the funk. His big sound meshes exceedingly well with guitarist Masami Ishikawa and drummer Mark Teixeira to make this live gig cook.
Gasperini's roots are in rock and there is a decided rockish edge to some of these tunes, most notably originals like "Can You Hear Me Now?," but he also ably plays the blues, Latin and gospel all the while laying on generous helpings of funky chords and bass lines. His appreciation for the genre is apparent on "The Doctor," a funky piece that pays homage to Gasperini's mentor Dr. Lonnie Smith, and "One for McGriff," a breezily soulful paean to organist Jimmy McGriff. Three of Smith's tunes are also featured here: the Latin funk of "Hola Muneca"; the delightfully greasy burner "Keep Talkin"; and the beautifully bluesy "Mama Wailer."
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Por ELLIOTT SIMON
17 de marzo de 2008
El Hammond B3 se desarrolló originalmente para reemplazar los órganos de la tubería y, afortunadamente, para los amantes del trío de jazz B3, se convirtió en una alternativa menos costosa para las iglesias afroamericanas. Sus acordes de poder y sus sutiles caricias de notas, los pedales de bajos incorporados y el sonido funky cuando se combinan con un guitarrista y un baterista finalmente engendraron el género del soul jazz. Desde los sonidos de apertura de North Beach Blues, es obvio que Lonnie Gasperini es un jugador de B3 que es pesado en el funk. Su gran sonido se confunde extremadamente bien con el guitarrista Masami Ishikawa y el baterista Mark Teixeira para hacer este concierto en vivo.
Las raíces de Gasperini están en el rock y hay una decidida ventaja rocosa en algunas de estas melodías, sobre todo en los originales como "Can You Hear Me Now?", Pero también toca hábilmente el blues, el latín y el evangelio al mismo tiempo que brinda generosas ayudas de Acordes funky y líneas de bajo. Su apreciación por el género es evidente en "The Doctor", una pieza extravagante que rinde homenaje al Dr. Lonnie Smith, mentor de Gasperini, y "One for McGriff", un himno muy alegre al organista Jimmy McGriff. Tres de las canciones de Smith también se presentan aquí: el funk latino de "Hola Muneca"; el quemador deliciosamente grasiento "Keep Talkin"; y la bellamente blues "Mama Wailer".
Wednesday, October 29, 2025
Kjell Ohman • The Hammond Connection
TRADUCCION AUTOMÁTICA DE LA WIKI
Kjell Öhman Portal : Jazz Kjell Öhman Ingemar (nacido el 3 de septiembre de 1943 ) es un sueco músico de jazz (B3 órgano Hammond, piano ), compositor y director musical (incluyendo por Allsång en Skansen 1994-2010). Ha tocado en más de 8.000 grabaciones. Ha participado en numerosos cooperación escandinava que Svend Asmussen Cuarteto en la década de 1970; de notables internacionales incluyen su juego de Lionel Hampton cumple Lars Erstrand (1991). En su propio "organilleros" jugaron Ulf Andersson saxo, Thomas Arnesen guitarra, Claes Janson voces, Tommy Johnson bajo y Douglas Westlund tambores (En vivo en el Monte de Piedad , 1991, 1993). El noruego Knut Riisnæs y Red Holloway contribuyó él Confessin 'the Blues (Géminis, 1992). Publicó La Conexión Hammond (Opus 3, 1994), con Rune Gustafsson guitarra, Arne Domnerus saxo, Leif Dahlberg tambores, y Mads Vinding bajo. En 1999 jugó un papel decisivo en la liberación de Sandviken Big Band (30 años). Su propio trío (con Sus Volver Roth Bass y Joakim Ekberg tambores) y el invitado Bobby Muéstranos , repartieron No puedo decir que no (2003). En 2004, él (con Alice Babs ) en el Festival de Jazz de Oslo con Homenaje a Duke Ellington . Su propio trío con Ulf Wakenius guitarra y conferencias, en el 2006 de vuelta en Oslo con puesta en escena En el espíritu de Oscar .
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Kjell Ingemar Öhman (3 September 1943 – 5 November 2015) was a Swedish jazz musician. He worked as kapellmeister/arranger of music albums, and of TV programs, among them Notknäckarna, Allsång på Skansen (1994–2010), Hasse och hans vänner and Café Luleå.
Öhman appeared in more than 3000 albums and worked with musicians, among them The Telstars, Marcus Österdahl, Alice Babs, Georgie Fame, Charlie Norman, Svend Asmussen, Arne Domnérus, Simons, Ulf Wakenius, Rune Gustafsson, Hans Backenroth and Ulf Lundell.
In 2006 Öhman received the Jan Johansson Scholarship.
Tuesday, October 28, 2025
Diana Hubbard • LifeTimes [ft Chick Corea, Patrick Moraz]
LifeTimes es un álbum de Diana Hubbard, lanzado en 1979 por Waterhouse Records 8. Además de Diana Hubbard, el álbum incluye contribuciones musicales de Chick Corea , Stanley Clarke , John Goodsall , Michael Boddicker y Patrick Moraz.
Diana Hubbard nació en Londres, hija de L. Ron Hubbard, el líder de la Cienciología, un nuevo movimiento religioso a menudo caracterizado como una secta. Nació como Diana Meredith DeWolf Hubbard el 24 de septiembre de 1952, hija de L. Ron Hubbard y su tercera esposa, Mary Sue Hubbard, su primera hija juntos. Compuso sonatas para piano a los 6 años. En sus primeros años de adolescencia, vivió en la sede de la Cienciología en el Reino Unido, Saint Hill Manor, junto con su hermano, Quentin Hubbard. Asistió a la Real Academia, donde tomó cursos de ballet y música. A los 15 años, dejó la Real Academia para servir dentro de la organización de la Cienciología y ayudar a su padre. Durante la mayor parte de su adolescencia, vivió en el yate de su padre, ubicado en el Mediterráneo. A los 16 años, ascendió al rango de teniente comandante dentro de la Sea Org, una organización gerencial y paramilitar de Scientology. Se convirtió en portavoz de la Iglesia de Scientology en los Estados Unidos en 1969. En 1979, Hubbard vivió con su esposo, el audiófilo Jonathan Horwich, y su hija Roanne, en Clearwater, Florida. En 1980, se desempeñó como ejecutiva dentro de la Iglesia de Scientology, y a partir de 2001 mantuvo una posición de liderazgo dentro de la organización.
Producción
El álbum fue producido por un sello independiente, Waterhouse Records 8. Waterhouse Records tenía su sede en Minnesota, y en el momento del lanzamiento del álbum estaba disponible por correo desde Minneapolis. Incluye actuaciones de los músicos Chick Corea y Stanley Clarke, ambos cienciólogos. Otros colaboradores notables incluyen a Patrick Moraz y Denny Seiwell. El artista musical Jimmie Spheeris persuadió a Hubbard para grabar el álbum y también sirvió como su productor ejecutivo. Las partes de cuerda fueron escritas por David Campbell.
Hubbard escribió toda la música del álbum, con colaboradores que utilizan instrumentos como sintetizadores, bajo, instrumentos de viento madera, cuerdas y un bouzouki. Toca el piano en el álbum. La mayoría de las piezas del álbum tienen una duración de tres a cuatro minutos. Wayne Isaak fue el publicista de Waterhouse Records para el álbum. En la publicidad del álbum, el marketing comparó el estilo de escritura musical de Hubbard con el de Erik Satie. La portada del álbum se comercializó con una pegatina en el envoltorio exterior que anunciaba el hecho de que estaba respaldado por Stanley Clarke.
Recepción
El álbum tuvo una mala recepción por parte de la crítica. En una reseña para The Harvard Crimson, Thomas M. Levenson escribió: «La música de Hubbard no ofende al oyente. No es aborrecible. Simplemente es extraordinariamente aburrida. Como pianista y compositor, Hubbard suena como un Bruckner reescrito para la consulta del dentista». Don Lewis reseñó el álbum para The Milwaukee Journal y comentó: «Es música apacible y atractiva, aunque, después de un tiempo, parece que muchas de las composiciones de Hubbard son muestras de la misma tela».
Billboard destacó el álbum en su columna "Los mejores álbumes de Billboard", en la sección "Primera vez". Billboard lo describió como "un LP ligero de clásicos pop" y señaló: "La música es principalmente suave y bonita, con influencias étnicas". El Sarasota Herald-Tribune lo describió como "un instrumental con una cualidad medieval en el sonido envolvente y a veces misterioso de cuerdas, piano y sección rítmica. El fraseo repetitivo y la melodía fluida son tonos y matices sintetizados". El St. Petersburg Times describió las composiciones para piano de Hubbard como "melodías frescas y cautivadoras".
"Rose Coloured Lights" se publicó como sencillo en Waterhouse 15003 y alcanzó el puesto número 40 en la lista Billboard Adult Contemporary en 1980.
Wiki
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LifeTimes is an album by Diana Hubbard, released in 1979 by Waterhouse Records. In addition to Diana Hubbard, the album features musical contributions from Chick Corea, Stanley Clarke, John Goodsall, Michael Boddicker, and Patrick Moraz.
Diana Hubbard was born in London, the daughter of L. Ron Hubbard, the leader of Scientology, a new religious movement often characterized as a cult. She was born Diana Meredith DeWolf Hubbard on September 24, 1952, to L. Ron Hubbard and his third wife, Mary Sue Hubbard, their first child together. She composed piano sonatas at age 6. In her early teens, she lived at Scientology's UK headquarters, Saint Hill Manor, with her brother, Quentin Hubbard. She attended the Royal Academy, where she took ballet and music classes. At 15, she left the Royal Academy to serve within the Scientology organization and assist her father. For most of her teenage years, she lived on her father's yacht in the Mediterranean. At 16, she rose to the rank of lieutenant commander within the Sea Org, a Scientology managerial and paramilitary organization. She became a spokesperson for the Church of Scientology in the United States in 1969. In 1979, Hubbard lived with her husband, audiophile Jonathan Horwich, and their daughter Roanne in Clearwater, Florida. In 1980, she served as an executive within the Church of Scientology, and from 2001 onward, she held a leadership position within the organization.
Production
The album was produced by an independent label, Waterhouse Records. Waterhouse Records was based in Minnesota, and at the time of the album's release, it was available by mail from Minneapolis. It features performances by musicians Chick Corea and Stanley Clarke, both Scientologists. Other notable collaborators include Patrick Moraz and Denny Seiwell. Musical artist Jimmie Spheeris persuaded Hubbard to record the album and also served as its executive producer. The string parts were written by David Campbell.
Hubbard wrote all of the music for the album, with collaborators using instruments such as synthesizers, bass, woodwinds, strings, and a bouzouki. He plays piano on the album. Most of the album's pieces are three to four minutes long. Wayne Isaak was Waterhouse Records' publicist for the album. In publicity for the album, marketing compared Hubbard's music-writing style to that of Erik Satie. The album cover was marketed with a sticker on the outer packaging announcing that it was endorsed by Stanley Clarke.
Reception
The album was poorly received by critics. In a review for The Harvard Crimson, Thomas M. Levenson wrote, "Hubbard's music does not offend the listener. It is not abhorrent. It's simply extraordinarily dull. As a pianist and composer, Hubbard sounds like a Bruckner rewritten for the dentist's office." Don Lewis reviewed the album for The Milwaukee Journal and commented, "It's gentle, appealing music, although, after a while, it seems that many of Hubbard's compositions are swatches of the same cloth."
Billboard highlighted the album in its "Billboard's Top Albums" column, in the "First Time Out" section. Billboard described it as "a light LP of pop classics" and noted, "The music is mostly soft and pretty, with ethnic influences." The Sarasota Herald-Tribune described it as "an instrumental with a medieval quality in the sweeping and sometimes eerie sound of strings, piano, and rhythm section. The repetitive phrasing and flowing melody are synthesized tones and nuances." The St. Petersburg Times described Hubbard's piano compositions as "fresh, captivating melodies."
"Rose Colored Lights" was released as a single on Waterhouse 15003 and reached number 40 on the Billboard Adult Contemporary chart in 1980.
Wiki
Stephane Grappelli • Iterprétation Du Swing
Nota por egroj: El maestro ha demostrato su genialidad tocando todo el álbum como zurdo.
:D
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Note by egroj: The maestro has demonstrated his genius by playing the entire album left-handed.
:D
Tom Amend Organ Trio • Frontier Justice
Tom Amend’s debut record, “Frontier Justice” is a swinging organ trio record featuring the great Jeff Hamilton on drums and Steve Kovalcheck on guitar.
Monday, October 27, 2025
Marty Grosz And The Collector's Items Cats • Thanks
Biography by Scott Yanow
One of jazz music's great comedians (his spontaneous monologues are often hilarious), Marty Grosz is a brilliant acoustic guitarist whose chordal solos bring back the sound of Carl Kress and Dick McDonough of the 1930s, while his vocals are very much in the Fats Waller tradition. It took Grosz a long time to get some visibility. He grew up in New York, attended Columbia University, and in 1951 led a Dixieland band with Dick Wellstood that was unrecorded. Based in Chicago, Grosz did record with Dave Remington, Art Hodes, and Albert Nicholas in the 1950s; led sessions of his own in 1957 and 1959 for Riverside and Audio Fidelity; and tried his best to coax Jabbo Smith out of retirement (some of their rehearsals were later released on LP), but was pretty obscure until he joined Soprano Summit (1975-1979). After that association ended, Grosz became a busy freelancer on the classic jazz scene, playing with Dick Sudhalter, Joe Muryani, and Dick Wellstood in the Classic Jazz Quartet, and later heading the Orphan Newsboys, a superb quartet that also includes Peter Ecklund, Bobby Gordon, and bassist Greg Cohen. Marty Grosz, a unique personality, has recorded several delightful sets for Jazzology and Stomp Off.
https://www.allmusic.com/artist/marty-grosz-mn0000858488#biography
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Biografía de Scott Yanow
Marty Grosz, uno de los grandes cómicos de la música jazz (sus monólogos espontáneos son a menudo desternillantes), es un brillante guitarrista acústico cuyos solos de acordes nos traen a la memoria el sonido de Carl Kress y Dick McDonough de los años 30, mientras que su voz está muy en la tradición de Fats Waller. Grosz tardó mucho tiempo en conseguir visibilidad. Creció en Nueva York, asistió a la Universidad de Columbia y en 1951 dirigió una banda de Dixieland con Dick Wellstood que no llegó a grabarse. Afincado en Chicago, Grosz grabó con Dave Remington, Art Hodes y Albert Nicholas en la década de 1950; dirigió sus propias sesiones en 1957 y 1959 para Riverside y Audio Fidelity; e intentó por todos los medios sacar a Jabbo Smith de su retiro (algunos de sus ensayos se publicaron posteriormente en LP), pero permaneció bastante oculto hasta que se unió a Soprano Summit (1975-1979). Una vez finalizada esa asociación, Grosz se convirtió en un freelance muy ocupado en la escena del jazz clásico, tocando con Dick Sudhalter, Joe Muryani y Dick Wellstood en el Classic Jazz Quartet, y más tarde al frente de los Orphan Newsboys, un magnífico cuarteto que también incluye a Peter Ecklund, Bobby Gordon y el bajista Greg Cohen. Marty Grosz, una personalidad única, ha grabado varios sets deliciosos para Jazzology y Stomp Off.
https://www.allmusic.com/artist/marty-grosz-mn0000858488#biography
Yotam Silberstein • Universos
Universos is a trio album featuring Yotam Silberstein on guitar, accordionist and pianist Vitor Gonçalves, with drummer Daniel Dor, plus special guests. It is a balance of Silberstein co-ordinating joyful Latin wellbeing and moderated contentment, an acknowledgment of the wonderful and exalted beings and moments that make him, and us, grateful to be alive. Never boring, Universos is accessible, erudite and easy-going and a great album to support good vibes during festivities of all kinds. As mood makers go, Universos may help level winter chills, inside or out.
One can amicably suggest that Yotam Silberstein has been arriving for a long time, and it is high time more people realized he is already here. With Bandcamp, Spotify, Soundcloud, iTunes (other music apps are also available), there must be an easy way...right? Get thee to the socials, use them for good: Silberstein's music rochas jazz hard and his band combines cultures through musical alchemy.
Searching for a glint of positivism and a sound that is true in the jazz world is not as drawn out a task as toppling a carte blanche despot warmonger. Silberstein seems to be a rock in a stormy place. His music is full of ease and unaffected composure, formulating lines of sound from a deeper sanctum of musical delights that are not of this time, yet remain timeless and new. Silberstein encapsulates the jazz epitome.
Recently, having lost too soon the phenom Joey DeFrancesco, and before that, Michel Petrucciani, caliber musicians who cemented the foundations for giant jazz movements to resist destruction, it is heartening to know that there is a body of players who are exploring similar ground, developing musical identities that explore music akin to ensembles that included the aforementioned artists, including the guitarist Bireli Lagrene, and that also support global musical exchanges through the extending arms of cultures as diverse as Brazil, Israel, Argentina and Switzerland via an American base, that is how new generations of jazz stay alive.
As for the special guests, Itai Kriss is a flutist fantastique, as dynamic as Buddy Collette. If one doesn't know so, the Kriss' album The Shark, (Avenue K Records, 2011) is a good place to start, a veritable "Get up" b'tutti shaker. Gregoire Maret is a discrete maestro who has taken the humble harmonica to jazz virtuosic levels, playing with Herbie Hancock, Toots Thielemans and Romain Collin, and Carlos Aguirre, whose "Milongo Gris" from his album Caminos, (Shagrada Medra, 2006), is a composition worthy of a place in Argentinian music history.
Album breakdown: "Brooklyn Frevo" is a spritely inspiration, based on the northeast Brazilian frevo rhythm, featuring Valerio Filho on pandeiro. It is light and happier than a shiny, perfect Brazilian. Kriss plays the right side of softly and shrill, and Silberstein's unison playing is synchronistic smiles. "Dada," dedicated to drummer and percussionist Daniel Dor, is a subtle and sensitive contemplation, with moments of dizzying euphoria; bliss with sticks—an opportunity to hear Silberstein ring out and let his band do the complimenting. "Samba Pro Vitor," a homage to band mate Vitor Gonçalves, is based on a samba, with a bewitching, pacey melody to woo new fans to Brazilian culture. One nod, of a few, to Antonio Carlos Jobim, it is catchy and compelling. "Requiem for Armando" insists on thoughtfulness, and does so with beauty, fragility and sadness. It's a sincere dedication to two of Silberstein's heroes, the Argentinian footballer Diego Maradona, and yet another jazz legend who left us, Chick Corea; both of whom passed during the Covid pandemic.
"Etude #2," based on a merengue rhythm from Venezuela, is a tune for pulling serious dancing shoes out of hibernation. "Parana (Entre Rios)," named after a city in Argentina, is a homage to Carlos Aguirre, inspired by the traditional chamamé rhythm highly popular in the Argentinian province Entre Rios. Almost a solo song by Silberstein, with a highly supportive band and a gentle yet serious composition. "Candombe para Ruben Rada" inspired by the legendary Omár Rubén "Negro" Rada Silva, who popularized the candombe by blending traditional rhythms played on Uruguyan tamboriles drums, with rock, pop and jazz is the closest here to a Bob James composition and is essentially a generous offering of upbeat fun, what's not to like? "Chorão," a celebration of Brazilian choro, and a warm feature for Silberstein to sing out, with a tender Jobim essence, is an exquisite accordion feature a tango step away from the sound of Astor Piazzolla, and a whispering flute from Kriss whose sound is as light a touch as a breeze on a Brazilian beach. A choro with a helping of the innocent beauty of "Águas de Março." "Safta," a moving waltz in memory of Silberstein's grandmother who died aged 96, is a nostalgic duo with Vitor Gonçalves that feels as emotional as a Pat Metheny and Charlie Haden cinematic score. "A Night in Sevilla" validates a friendship between Silberstein and Sevillian guitarist Dani de Morón. Silberstein has a particular attachment to the flamenco tradition and a feel for the style that shows gravitas and respectful appreciation. The song "Tal and Gil," dedicated to Silberstein's sons is a charming lullaby to melt hearts with an extra dose of paternal awe effortlessly and emotionally conveyed by Grégoire Maret.
A perfect accent to purlicue; Silberstein has a stellar band and a refreshing turn of phrase, Universos will add a little extra warmth to winter's austerity.
By Fiona Ord-Shrimpton
December 4, 2022
https://www.allaboutjazz.com/universos-yotam-silberstein-jazz-and-people
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Universos es un álbum a trío en el que participan Yotam Silberstein a la guitarra, el acordeonista y pianista Vitor Gonçalves, con el batería Daniel Dor, además de invitados especiales. Es un equilibrio en el que Silberstein coordina el alegre bienestar latino y la moderada satisfacción, un reconocimiento de los seres y momentos maravillosos y exaltados que le hacen, y nos hacen, estar agradecido de estar vivo. Nunca aburrido, Universos es accesible, erudito y desenfadado, y un gran álbum para apoyar las buenas vibraciones durante festividades de todo tipo. Para crear buen humor, Universos puede ayudar a nivelar los escalofríos invernales, dentro o fuera de casa.
Uno puede sugerir amistosamente que Yotam Silberstein ha estado llegando durante mucho tiempo, y ya es hora de que más gente se dé cuenta de que ya está aquí. Con Bandcamp, Spotify, Soundcloud, iTunes (también hay otras aplicaciones musicales disponibles), tiene que haber una manera fácil... ¿no? Utiliza las redes sociales para hacer el bien: La música de Silberstein rochas jazz hard y su banda combina culturas a través de la alquimia musical.
Buscar un destello de positivismo y un sonido que sea verdadero en el mundo del jazz no es una tarea tan ardua como derrocar a un déspota belicista con carta blanca. Silberstein parece ser una roca en un lugar tormentoso. Su música está llena de soltura y compostura, formulando líneas de sonido desde un santuario más profundo de delicias musicales que no son de este tiempo, pero siguen siendo intemporales y nuevas. Silberstein es la personificación del jazz.
Recientemente, habiendo perdido demasiado pronto al fenómeno Joey DeFrancesco, y antes de eso, a Michel Petrucciani, músicos de calibre que cimentaron las bases para que los movimientos gigantes del jazz se resistieran a la destrucción, es alentador saber que existe un cuerpo de músicos que están explorando terrenos similares, desarrollando identidades musicales que exploran músicas afines a los conjuntos que incluían a los artistas mencionados, incluido el guitarrista Bireli Lagrene, y que también apoyan los intercambios musicales globales a través de los brazos extendidos de culturas tan diversas como Brasil, Israel, Argentina y Suiza a través de una base estadounidense, así es como las nuevas generaciones de jazz se mantienen vivas.
En cuanto a los invitados especiales, Itai Kriss es un flautista fantastique, tan dinámico como Buddy Collette. Si uno no lo conoce, el álbum de Kriss The Shark, (Avenue K Records, 2011) es un buen punto de partida, un auténtico "Get up" b'tutti shaker. Gregoire Maret es un discreto maestro que ha llevado la humilde armónica a niveles virtuosos del jazz, tocando con Herbie Hancock, Toots Thielemans y Romain Collin, y Carlos Aguirre, cuyo "Milongo Gris" de su álbum Caminos, (Shagrada Medra, 2006), es una composición digna de un lugar en la historia de la música argentina.
Desglose del álbum: "Brooklyn Frevo" es una inspiración vivaz, basada en el ritmo frevo del nordeste brasileño, con Valerio Filho al pandeiro. Es ligero y más alegre que un brasileño brillante y perfecto. Kriss toca el lado correcto de lo suave y lo estridente, y el unísono de Silberstein son sonrisas sincronizadas. "Dada", dedicada al batería y percusionista Daniel Dor, es una contemplación sutil y sensible, con momentos de euforia vertiginosa; dicha con baquetas, una oportunidad para escuchar a Silberstein sonar y dejar que su banda haga los cumplidos. "Samba Pro Vitor", un homenaje a su compañero de banda Vitor Gonçalves, se basa en una samba, con una melodía hechizante y llena de ritmo para atraer a nuevos fans a la cultura brasileña. Un guiño, de unos cuantos, a Antonio Carlos Jobim, es pegadiza y convincente. "Réquiem por Armando" insiste en la reflexión, y lo hace con belleza, fragilidad y tristeza. Es una sincera dedicatoria a dos héroes de Silberstein, el futbolista argentino Diego Maradona y otra leyenda del jazz que nos dejó, Chick Corea; ambos fallecieron durante la pandemia de Covid.
"Etude #2", basado en un ritmo de merengue venezolano, es un tema para sacar los zapatos de baile de la hibernación. "Paraná (Entre Ríos)", que toma el nombre de una ciudad argentina, es un homenaje a Carlos Aguirre, inspirado en el tradicional ritmo de chamamé, muy popular en la provincia argentina de Entre Ríos. Casi una canción en solitario de Silberstein, con una banda de gran apoyo y una composición suave pero seria. "Candombe para Ruben Rada", inspirada en el legendario Omár Rubén "Negro" Rada Silva, que popularizó el candombe mezclando ritmos tradicionales tocados con tambores uruguyanos, con rock, pop y jazz, es lo más parecido aquí a una composición de Bob James y es esencialmente una generosa oferta de diversión optimista, ¿qué no puede gustar? "Chorão", una celebración del choro brasileño, y un cálido rasgo para que Silberstein cante, con una tierna esencia de Jobim, es un exquisito rasgo de acordeón a un paso del sonido tanguero de Astor Piazzolla, y una susurrante flauta de Kriss cuyo sonido es tan ligero como una brisa en una playa brasileña. Un choro con una ración de la inocente belleza de "Águas de Março". "Safta", un conmovedor vals en memoria de la abuela de Silberstein, fallecida a los 96 años, es un nostálgico dúo con Vitor Gonçalves que resulta tan emotivo como una partitura cinematográfica de Pat Metheny y Charlie Haden. "A Night in Sevilla" revalida la amistad entre Silberstein y el guitarrista sevillano Dani de Morón. Silberstein tiene un apego especial a la tradición flamenca y un sentido del estilo que demuestra seriedad y aprecio respetuoso. La canción "Tal and Gil", dedicada a los hijos de Silberstein, es una encantadora canción de cuna para derretir corazones con una dosis extra de sobrecogimiento paternal transmitida sin esfuerzo y emocionalmente por Grégoire Maret.
Un acento perfecto para la purlicue; Silberstein tiene una banda estelar y un refrescante giro de frase, Universos añadirá un poco más de calidez a la austeridad del invierno.
Por Fiona Ord-Shrimpton
4 de diciembre de 2022
https://www.allaboutjazz.com/universos-yotam-silberstein-jazz-and-people
yotammusic.com ...
Marv Jenkins • A Tribute To My People
Best known as a pianist, Marvin Jenkins (1932-2005) was also a skilled flute player, tenor saxophonist, organist and a proficient composer. In the early 60s, in addition to working with guitarist Barney Kessels quartet, he recorded three excellent piano trio albums as leader.
The first, Marv Jenkins Arrives (1960), an auspicious debut on the small Los Angeles label Orovox, moved a&r Neal Hefti to sign him for Reprise Records, where he recorded A Tribute to My People (1961), and Good Little Man (1962). Bassists Jack Bruce and Stanley Gilbert and drummer Kenny Dennis contributed to the good groove achieved on both.
Jenkins touch was heavy and swinging, funky without being trite. Despite naming Erroll Garner and Oscar Peterson as influences, he sounded like neither. The twelve selections of the fourth album in this set, Big City, produced by Palomar Records in 1965, served as good vehicles for his talents as pianist, singer and composer, in a groovy session backed by some West Coast jazz stalwarts. That year, still with Palomar, he had a hit single, Ive Got the Blues, added here as a bonus.
Jenkins was an underrated jazzman who spent 25 years of his career as an accompanist to singer/actress Della Reese, and is best known today for his piano work on Marvin Gayes classic 1973 recording Lets Get It On.
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Más conocido como pianista, Marvin Jenkins (1932-2005) fue también un hábil flautista, saxofonista tenor, organista y compositor competente. A principios de los 60, además de trabajar con el cuarteto del guitarrista Barney Kessels, grabó tres excelentes álbumes de trío de piano como líder.
El primero, Marv Jenkins Arrives (1960), un auspicioso debut en el pequeño sello de Los Ángeles, Orovox, movió a a&r Neal Hefti a contratarlo para Reprise Records, donde grabó A Tribute to My People (1961), y Good Little Man (1962). Los bajistas Jack Bruce y Stanley Gilbert y el baterista Kenny Dennis contribuyeron al buen ritmo logrado en ambos.
El toque de Jenkins era pesado y swing, funky sin ser trillado. A pesar de nombrar a Erroll Garner y Oscar Peterson como influencias, no sonaba como ninguno de los dos. Las doce selecciones del cuarto álbum de este conjunto, Big City, producido por Palomar Records en 1965, sirvieron como buenos vehículos para sus talentos como pianista, cantante y compositor, en una sesión groovy respaldada por algunos estandartes del jazz de la costa oeste. Ese año, aún con Palomar, tuvo un single de éxito, Ive Got the Blues, añadido aquí como un bonus.
Jenkins fue un jazzista subestimado que pasó 25 años de su carrera como acompañante de la cantante y actriz Della Reese, y es más conocido hoy en día por su trabajo de piano en el clásico de Marvin Gayes de 1973, Lets Get It On.
Langhorns • Langhorns-st
This Swedish band seems to be the first to do justice to surf instrumentals, while their countrymen focus on California beach music a la the Beach Boys and Jan & Dean. This advance disc is loaded with very strong originals that conjure images of the outdoors, and covers that are uniquely arranged and performed. In this day of too many covers of tunes like Penetration, it's nice to find original reinventions that are at once reverent to the source and identifiably new. Much of the guitar work here is nearly liquid, not reverbed surf, but fluidly flowing, with notes almost blending one to another. I'm impressed.
Langhorns started playing in the summer of 1995 as a
result of the band members irresistible urge to do at least something
right with their lives.
The original members were Michael Sellers, guitar and Martin Berglund,
bass
guitar. After a couple of rehearsals they decided it was time to do
what many rock musicians find the hardest - to find a drummer that not
only could play the drums, but was a nice guy also. They ended up with a
compromise - Rikard Swardh.
After playing surf-instrumentals at
various clubs and parties Langhorns went into the legendary studio
"Studion" two days summer 1997, assisted by producer Magnus Borjesson
and technician Martin Hennel. This resulted in the debut "Langhorns",
released feb 28 - 1998 on Bad Taste Records. It was followed up by gigs
all around Sweden (ok, southern Sweden) and in June the band played at
Hultsfredsfestivalen.
Since the release people are slowly but
surely realizing the thrill of listening to the CD - stuffed with good
vibrations and both old and new waves.
The second album "Club Gabardino" was completed during spring 1999 and
is
now available for demanding music lovers around the Globe. "Club
Gabardino" recorded May 16-18 this time produced by Michael Sellers and
Martin Hennel features a new approach to the genre, best described as
"Latino Pimp Twang".
It contains 13 original tracks and one cover
and you will be surprised to hear that the sound of Langhorns now has
reached totally new dimensions. The original dry reverbed delay sound
that used to be the trademark of the band is now spiced up with a sweaty
horn section and teasing wah wah guitars.
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Esta banda sueca parece ser la primera en hacer justicia a los instrumentos de surf, mientras que sus compatriotas se centran en la música playera de California, como los Beach Boys y Jan & Dean. Este disco avanzado está cargado con originales muy fuertes que evocan imágenes del exterior y cubiertas que están dispuestas y realizadas de forma única. En este día de demasiadas versiones de canciones como Penetration, es bueno encontrar reinvenciones originales que sean a la vez reverentes a la fuente y sean claramente nuevas. Gran parte del trabajo de la guitarra aquí es casi líquido, no se ve como surf, sino que fluye con fluidez, con notas que casi se mezclan unas con otras. Estoy impresionado.
Langhorns comenzó a tocar en el verano de 1995 como resultado de la irresistible necesidad de los miembros de la banda de hacer al menos algo bien con sus vidas.
Los miembros originales fueron Michael Sellers, guitarra y Martin Berglund,
bajo. Después de un par de ensayos, decidieron que era hora de hacer lo que a muchos músicos de rock les resulta más difícil: encontrar un baterista que no solo pudiera tocar la batería, sino que también era un buen tipo. Terminaron con un compromiso - Rikard Swardh.
Después de tocar instrumentos de surf en varios clubes y fiestas, Langhorns entró en el legendario estudio "Studion" dos días, verano de 1997, asistido por el productor Magnus Borjesson y el técnico Martin Hennel. Esto dio lugar al debut "Langhorns", lanzado el 28 de febrero de 1998 en Bad Taste Records. Fue seguido por conciertos en toda Suecia (ok, sur de Suecia) y en junio la banda tocó en Hultsfredsfestivalen.
Desde el lanzamiento, la gente se está dando cuenta de la emoción de escuchar el CD, lleno de buenas vibraciones, tanto viejas como nuevas.
El segundo álbum "Club Gabardino" se completó durante la primavera de 1999 y
ya está disponible para los amantes de la música más exigentes de todo el mundo. "Club Gabardino" grabado entre el 16 y el 18 de mayo, esta vez producido por Michael Sellers y Martin Hennel presenta un nuevo enfoque al género, mejor descrito como "Latino Pimp Twang".
Contiene 13 pistas originales y una cubierta, y se sorprenderá al escuchar que el sonido de Langhorns ahora ha alcanzado dimensiones totalmente nuevas. El original sonido de retardo reverberado que solía ser la marca registrada de la banda ahora se condimenta con una sección de bocina sudorosa y guitarras wah wah burlas.
Sunday, October 26, 2025
Wardell Gray • Memorial
Biography by Scott Yanow
Wardell Gray was one of the top tenors to emerge during the bop era (along with Dexter Gordon and Teddy Edwards). His Lester Young-influenced tone made his playing attractive to swing musicians as well as younger modernists. He grew up in Detroit, playing in local bands as a teenager. Gray was with Earl Hines during 1943-1945, recording with him (1945). That same year, he moved to Los Angeles and he became a major part of the Central Avenue scene, having nightly tenor battles with Dexter Gordon; their recording of "The Chase" was popular. Gray recorded with Charlie Parker in 1947 and yet his style appealed to Benny Goodman, with whom he played the following year. Among his own sessions, his solos on "Twisted" (1949) and "Farmer's Market" (1952) were turned into memorable vocalese by Annie Ross a few years later. Back in New York, Gray played and recorded with Tadd Dameron and the Count Basie septet and big band (1950-1951); "Little Pony," his showcase with the Basie orchestra, is a classic. Gray was featured on some Norman Granz jam sessions ("Apple Jam" has a particularly heated solo) and recorded with Louie Bellson (1952-1953). Ironically, Wardell Gray, who in the late '40s was an inspiration to some younger musicians due to his opposition to drug use, himself became involved in drugs and died mysteriously in Las Vegas on May 25, 1955, when he was just 34.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography
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Biografía de Scott Yanow
Wardell Gray fue uno de los tenores más destacados de la era del bop (junto con Dexter Gordon y Teddy Edwards). Su tono, influenciado por Lester Young, lo hizo atractivo tanto para músicos de swing como para jóvenes modernistas. Creció en Detroit, donde tocó en bandas locales durante su adolescencia. Gray estuvo con Earl Hines entre 1943 y 1945, grabando con él (1945). Ese mismo año, se mudó a Los Ángeles y se convirtió en una figura clave de la escena de Central Avenue, teniendo duelos nocturnos de tenores con Dexter Gordon; su grabación de "The Chase" fue popular. Gray grabó con Charlie Parker en 1947, y aun así, su estilo atrajo a Benny Goodman, con quien tocó al año siguiente. Entre sus propias sesiones, sus solos en "Twisted" (1949) y "Farmer's Market" (1952) fueron convertidos en memorables vocales por Annie Ross unos años más tarde. De regreso a Nueva York, Gray tocó y grabó con Tadd Dameron y el septeto y la big band de Count Basie (1950-1951); "Little Pony", su presentación con la orquesta de Basie, es un clásico. Gray participó en algunas sesiones de improvisación de Norman Granz (la "Apple Jam" tiene un solo particularmente apasionado) y gra bó con Louie Bellson (1952-1953). Irónicamente, Wardell Gray, quien a finales de los años 40 inspiró a algunos músicos jóvenes por su oposición al consumo de drogas, se involucró en el consumo de drogas y murió misteriosamente en Las Vegas el 25 de mayo de 1955, con tan solo 34 años.
Chick Corea • Now He Sings, Now He Sobs
Review by Stephen Thomas Erlewine
Recorded over a year after Chick Corea's debut Tones for Joan's Bones -- a record cut in late 1966 but not appearing until 1968 -- Now He Sings, Now He Sobs feels like his true first album, the place where he put all the pieces in motion for his long, adventurous career. Much of that has to do with the closed quarters of its recording. Supported by drummer Roy Haynes and bassist Miroslav Vitous, Corea has the freedom to run wild on his five original compositions, letting chords cluster alongside fleet melodic runs. Haynes and Vitous play with the same sense of liberation, which pushes Now He Sings, Now He Sobs into a sweet spot where hard bop and avant intersect. There's an intellectual rigor balanced by an instinctual hunger that makes for music that's lively and challenging while also containing a patina of comfort. Chalk the latter up to the elegance of Corea's piano trio: they move through the dense bop with the same grace that they settle into ballads, a sound that is warm and inviting, yet never disguises how the trio -- and Corea especially -- never stop probing and exploring the outer edges of this music. While it's possible to hear Now He Sings, Now He Sobs as an opening salvo to Corea's career, it also exists as its own special thing because it captures the pianist at the brink: it's kinetic, exciting, and filled with endless possibilities.
https://www.allmusic.com/album/now-he-sings-now-he-sobs-mw0000199392
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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Grabado más de un año después del debut de Chick Corea, Tones for Joan's Bones (un disco grabado a finales de 1966 pero que no se publicó hasta 1968), Now He Sings, Now He Sobs se siente como su verdadero primer álbum, el lugar donde puso en marcha todas las piezas de su larga y aventurera carrera. Gran parte de esto se debe al espacio reducido de su grabación. Con el baterista Roy Haynes y el bajista Miroslav Vitous como soporte, Corea tiene la libertad de dar rienda suelta a sus cinco composiciones originales, dejando que los acordes se agrupen junto a fugaces riffs melódicos. Haynes y Vitous tocan con la misma sensación de liberación, lo que lleva a Now He Sings, Now He Sobs a un punto óptimo donde el hard bop y el avant se cruzan. Hay un rigor intelectual equilibrado por un hambre instintiva que crea una música vivaz y desafiante, a la vez que contiene una pátina de confort. Atribuyamos esto último a la elegancia del trío de piano de Corea: se mueven por el bop denso con la misma gracia con la que se asientan en las baladas, un sonido cálido y acogedor, que sin embargo nunca disimula cómo el trío, y Corea en particular, nunca dejan de explorar los límites de esta música. Si bien es posible escuchar Now He Sings, Now He Sobs como un primer paso en la carrera de Corea, también tiene un carácter único porque captura al pianista al límite: es dinámico, emocionante y lleno de infinitas posibilidades.
chickcorea.com/now-he-sings-now-he-sobs ...
Eddie Higgins • It's Magic
Biography
Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.
During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.
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