Red Mitchell • Scairport Blues

 

Attila Zoller • Gypsy Cry

 

Review
by Thom Jurek  
Hungarian-born guitarist Attila Zoller was perhaps the least-known guitarist in jazz to the general public. His 50-year-long career, which ended with his death in January of 1998, was filled with professional heights and the wide acclaim of his peers and bandmates, who included at various times: Joe Zawinul (back in Budapest), Lee Konitz, Red Norvo, Benny Goodman, Ron Carter, Tal Farlow, Herbie Mann, Herbie Hancock (who is the pianist on the this date), and others too numerous to mention here. This set is comprised of two dates, both of them recorded in 1970. Hancock plays both acoustic and electric piano. He was struggling to find his new voice after semi-leaving the Miles Davis band to go on his own; Victor Gaskin and Reggie Workman both play bass for reasons that shall be explained in a moment, Lew Tabakin joins on a track or two, and so does drummer Sonny Brown, who disappeared from the face of the jazz world shortly after these sessions. Produced by Mann, the music here is divided into two distinct camps: the "commercial" music as Zoller called it in cadence, music that was in some way accessible to people as jazz, and his freer music, the music that was inspired by Ornette Coleman and Don Cherry, two of his classmates at the Lenox, MA, jazz school. It hardly matters, however, because Zoller wrote all the material here. From his warm and breezy "Wild Wild Wes," which is a tribute to the late guitarist, and his open string chord voicings to the knotty electric charge of "Meet in Berlin" that features Hancock riffing away on the electric piano and trading eights with Zoller, to the gorgeous title track built on Hungarian folk melodies, Zoller's tone is always just on the soft side of raw; it is edgy and full of passion and pain no matter how smooth his chords or riffs were. He could go around edges but never completely round them off. On the funky "Sweet Hustler," which ends the album, Zoller's stinging runs turn around the entire harmonic structure of the tune, even though it's just a funky soul jam. He manages to move through the chord progression turnaround and slip the melody inside out, changing both harmonic and lyrical concerns from straight singing lines into modal intervals. This was Attila Zoller just doing his thing, and on Gypsy Cry he was at his best doing it. This album is a kind of groove-jazz masterpiece. One more word on the Collectables jazz reissues series, called the Collectables Jazz Classics. It's true that many of the titles in this series are lesser-known works, far from the standard canonic lines that make labels like Blue Note or Fantasy's original jazz classics or even Verve such trademarks. But that should matter little because the route Collectables has taken is to insure that very deserving recordings like this one or any one of dozens of others gets the decent presentation, good liner notes, and fine sound it deserves in reissue. In fact, Collectables is doing in its own way what may other labels should have been doing a long time ago: the research to seek out the finest and most overlooked records and get them out onto the marketplace at a price where they can either be reconsidered by those who may have overlooked them, found at last by the few that revered and treasured them in the first place, or discovered in the first place by an entirely new generation of jazz fans. Bravo.
https://www.allmusic.com/album/gypsy-cry-mw0000590474

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Reseña
por Thom Jurek  
El guitarrista de origen húngaro Attila Zoller era quizás el guitarrista de jazz menos conocido por el gran público. Su carrera de 50 años, que terminó con su muerte en enero de 1998, estuvo llena de cumbres profesionales y de la amplia aclamación de sus colegas y compañeros de banda, entre los que se encontraban en distintos momentos: Joe Zawinul (en Budapest), Lee Konitz, Red Norvo, Benny Goodman, Ron Carter, Tal Farlow, Herbie Mann, Herbie Hancock (que es el pianista en esta fecha), y otros demasiado numerosos para mencionarlos aquí. Este conjunto se compone de dos fechas, ambas grabadas en 1970. Hancock toca tanto el piano acústico como el eléctrico. Victor Gaskin y Reggie Workman tocan el bajo por razones que se explicarán en un momento, Lew Tabakin participa en uno o dos temas, y también lo hace el batería Sonny Brown, que desapareció de la faz del mundo del jazz poco después de estas sesiones. Producida por Mann, la música aquí está dividida en dos campos distintos: la música "comercial" como Zoller la llamaba en cadencia, música que de alguna manera era accesible a la gente como jazz, y su música más libre, la música que fue inspirada por Ornette Coleman y Don Cherry, dos de sus compañeros en la escuela de jazz de Lenox, MA. Pero no importa, porque Zoller compuso todo el material. Desde su cálido y desenfadado "Wild Wild Wes", que es un homenaje al fallecido guitarrista, y sus voicings de acordes de cuerdas abiertas, hasta la enrevesada carga eléctrica de "Meet in Berlin", en la que Hancock riffea al piano eléctrico e intercambia ochos con Zoller, pasando por la preciosa canción que da título al disco, construida sobre melodías folclóricas húngaras, el tono de Zoller siempre está en el lado suave de la crudeza; es enérgico y está lleno de pasión y dolor, por muy suaves que sean sus acordes o riffs. Podía rodear los bordes pero nunca redondearlos del todo. En la funky "Sweet Hustler", con la que termina el álbum, las punzantes ejecuciones de Zoller dan la vuelta a toda la estructura armónica de la melodía, aunque sólo se trate de una funky soul jam. Se las arregla para moverse a través de la progresión de acordes y deslizar la melodía al revés, cambiando tanto las preocupaciones armónicas como las líricas de líneas rectas de canto a intervalos modales. Era Attila Zoller haciendo lo suyo, y en Gypsy Cry estaba en su mejor momento. Este álbum es una especie de obra maestra del groove-jazz. Unas palabras más sobre la serie de reediciones de jazz de Collectables, llamada Collectables Jazz Classics. Es cierto que muchos de los títulos de esta serie son obras menos conocidas, alejadas de las líneas canónicas estándar que hacen que sellos como Blue Note o Fantasy's original jazz classics o incluso Verve sean tan señeros. Pero eso debería importar poco porque el camino que Collectables ha tomado es asegurar que grabaciones tan meritorias como ésta o cualquiera de las docenas de otras obtengan la presentación decente, las buenas notas de presentación y el buen sonido que se merecen en la reedición. De hecho, Collectables está haciendo a su manera lo que muchos otros sellos deberían haber hecho hace mucho tiempo: la investigación para buscar los mejores y más olvidados discos y sacarlos al mercado a un precio en el que puedan ser reconsiderados por aquellos que pueden haberlos pasado por alto, encontrados por fin por los pocos que los veneraron y atesoraron en primer lugar, o descubiertos en primer lugar por una generación completamente nueva de aficionados al jazz. Bravo.
https://www.allmusic.com/album/gypsy-cry-mw0000590474

VA • Blues Today - Southern Style

 

Lennie Tristano • The Duo Sessions

 

Biography by Chris Kelsey
The history of jazz is written as a recounting of the lives of its most famous (and presumably, most influential) artists. Reality is not so simple, however. Certainly the most important of the music's innovators are those whose names are known by all -- Armstrong, Parker, Young, Coltrane. Unfortunately, the jazz critic's tendency to inflate the major figures' status often comes at the expense of other musicians' reputations -- men and women who have made significant, even essential, contributions of their own, who are, for whatever reason, overlooked in the mad rush to canonize a select few. Lennie Tristano is one of those who have not yet received their critical due. In the mid-'40s, the Chicago-born pianist arrived on the scene with a concept that genuinely expanded the prevailing bop aesthetic. Tristano brought to the music of Charlie Parker and Bud Powell a harmonic language that adapted the practices of contemporary classical music; his use of polytonal effects in tunes like "Out on a Limb" was almost Stravinsky-esque, and his extensive use of counterpoint was (whether or not he was conscious of it at the time) in keeping with the trends being set in mid-century art music. Until relatively recently, it had seldom been acknowledged that Tristano had been the first to perform and record a type of music that came to be called "free jazz." In 1949 -- almost a decade before the making of Ornette Coleman's first records -- Tristano's group (which included Lee Konitz, Warne Marsh, and Billy Bauer) cut the first recorded example of freely improvised music in the history of jazz. The two cuts, "Intuition" and "Digression," were created spontaneously, without any pre-ordained reference to time, tonality, or melody. The resultant work was an outgrowth of Tristano's preoccupation with feeling and spontaneity in the creation of music. It influenced, among others, Charles Mingus, whose earliest records sound eerily similar to those of Tristano in terms of style and compositional technique. Mingus came by the influence honestly; he studied with the pianist for a period in the early '50s, as did many other well-known jazz musicians, such as Sal Mosca, Phil Woods, and the aforementioned Konitz and Marsh.

Tristano was stricken permanently blind as an infant. He first studied music with his mother, an avocational pianist and opera singer. From 1928-1938, he attended a school for the blind in Chicago, where he learned music theory and developed proficiency on several wind instruments. Later, he attended Chicago's American Conservatory of Music, from which he received a bachelor's degree in 1943. During his early years as a professional performer and teacher, Tristano worked in and around Chicago, achieving his first measure of critical attention and attracting his first important students, Konitz and composer/arranger Bill Russo.

In 1946, Tristano moved to New York, where he made something of a big splash, performing with many of the leading musicians of the day, including Dizzy Gillespie and Charlie Parker. The influential critic Barry Ulanov took an extreme liking to Tristano's music and championed his work in the pages of Metronome magazine; Tristano was named the publication's Musician of the Year for 1947. Tenor saxophonist Warne Marsh began studies with Tristano in 1948, and when Bauer and Konitz came back aboard, he had the core of his great sextet. In 1949 -- with the addition of bassist Arnold Fishkin and alternating drummers Harold Granowsky and Denzil Best -- Tristano, Bauer, Konitz, and Marsh recorded what was to become the basis of the band's collective legacy, the Capitol album Crosscurrents. The Capitol sessions spawned many of Tristano's best-known works, including the title track, and of course, the freely improvised cuts "Digression" and "Intuition" (these latter recorded without a drummer). The recordings synthesized the Tristano approach: long, rhythmically and harmonically elaborate melodies were played over a smooth, almost uninflected swing time maintained by the bassist and drummer. Counterpoint, which had been mostly abandoned by post-New Orleans/Chicago players, made a comeback in Tristano's music. Tristano's written lines were a great deal more involved than the already complex melodies typical of bebop; he subdivided and multiplied the beat in odd groupings, and his harmonies did not always behave in a manner consistent with functional tonality. The complexity of his constructs demanded that his rhythm section provide little more than a solid foundation. Tristano's bassists and drummers were not expected to interact in the manner of a bop rhythm section, but to support the music's melodic and harmonic substance. Such restraint lent Tristano's music an emotionally detached air, which to this day has been used by unsympathetic critics as a sledgehammer to pound him.

In 1951, Tristano founded a school of jazz in New York, the first of its kind. Its faculty consisted of many of his most prominent students, including Konitz, Bauer, Marsh, and pianist Sal Mosca. His public performances became fewer and farther between; for the rest of his life, Tristano was to concentrate on teaching, mostly to the exclusion of everything else. He shut down his school in 1956, and began teaching out of his home on Long Island. Thereafter he would play occasionally at the Half Note in New York City. Recordings became scarce. He made two albums for Atlantic, Lennie Tristano and The New Tristano. A compilation of odds and ends entitled Descent into the Maelstrom was released on Inner City; its title track documents Tristano's experiments in multi-track recording of the piano. He toured Europe in 1965; his last public performance in the U.S. was in 1968.

Until his death in 1978, Tristano continued to teach. A later generation of his adherents continues to work and thrive in New York to this day. Musicians like pianist Connie Crothers, saxophonists Lenny Popkin and Richard Tabnik, and drummer Carol Tristano -- the pianist's daughter -- carry on his work into the next century.

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Biografía de Chris Kelsey

La historia del jazz se escribe como un recuento de las vidas de sus artistas más famosos (y presumiblemente, más influyentes). Sin embargo, la realidad no es tan sencilla. Sin duda, los innovadores más importantes de la música son aquellos cuyos nombres son conocidos por todos: Armstrong, Parker, Young, Coltrane. Desgraciadamente, la tendencia de la crítica de jazz a inflar el estatus de las grandes figuras se produce a menudo a expensas de la reputación de otros músicos, hombres y mujeres que han hecho contribuciones significativas, incluso esenciales, y que, por la razón que sea, se pasan por alto en la loca carrera por canonizar a unos pocos elegidos. Lennie Tristano es uno de los que aún no han recibido el reconocimiento de la crítica. A mediados de los años 40, el pianista nacido en Chicago llegó a la escena con un concepto que ampliaba realmente la estética bop imperante. Tristano aportó a la música de Charlie Parker y Bud Powell un lenguaje armónico que adaptaba las prácticas de la música clásica contemporánea; su uso de efectos politonales en temas como "Out on a Limb" era casi stravinskiano, y su amplio uso del contrapunto estaba (fuera o no consciente de ello en aquel momento) en consonancia con las tendencias que se estaban marcando en la música artística de mediados de siglo. Hasta hace relativamente poco, rara vez se había reconocido que Tristano había sido el primero en interpretar y grabar un tipo de música que llegó a llamarse "free jazz". En 1949, casi una década antes de la grabación de los primeros discos de Ornette Coleman, el grupo de Tristano (que incluía a Lee Konitz, Warne Marsh y Billy Bauer) grabó el primer ejemplo de música improvisada libremente en la historia del jazz. Los dos cortes, "Intuition" y "Digression", fueron creados espontáneamente, sin ninguna referencia preestablecida al tiempo, la tonalidad o la melodía. La obra resultante fue una consecuencia de la preocupación de Tristano por el sentimiento y la espontaneidad en la creación musical. Influyó, entre otros, en Charles Mingus, cuyos primeros discos suenan extrañamente similares a los de Tristano en términos de estilo y técnica compositiva. Mingus recibió la influencia de forma honesta; estudió con el pianista durante un periodo a principios de los años 50, al igual que muchos otros músicos de jazz conocidos, como Sal Mosca, Phil Woods y los mencionados Konitz y Marsh.

Tristano sufrió una ceguera permanente cuando era un bebé. Primero estudió música con su madre, pianista aficionada y cantante de ópera. De 1928 a 1938, asistió a una escuela para ciegos en Chicago, donde aprendió teoría musical y desarrolló su habilidad con varios instrumentos de viento. Más tarde, asistió al Conservatorio Americano de Música de Chicago, donde se licenció en 1943. Durante sus primeros años como intérprete profesional y profesor, Tristano trabajó en Chicago y sus alrededores, logrando su primera atención de la crítica y atrayendo a sus primeros alumnos importantes, Konitz y el compositor y arreglista Bill Russo.

En 1946, Tristano se trasladó a Nueva York, donde causó sensación, actuando con muchos de los principales músicos de la época, como Dizzy Gillespie y Charlie Parker. El influyente crítico Barry Ulanov se aficionó a la música de Tristano y defendió su trabajo en las páginas de la revista Metronome; Tristano fue nombrado músico del año de la publicación en 1947. El saxofonista tenor Warne Marsh comenzó a estudiar con Tristano en 1948, y cuando Bauer y Konitz volvieron a bordo, tenía el núcleo de su gran sexteto. En 1949 -con la adición del bajista Arnold Fishkin y los bateristas alternativos Harold Granowsky y Denzil Best- Tristano, Bauer, Konitz y Marsh grabaron lo que se convertiría en la base del legado colectivo de la banda, el álbum Crosscurrents de Capitol. Las sesiones de Capitol dieron lugar a muchos de los trabajos más conocidos de Tristano, incluyendo el tema principal y, por supuesto, los cortes de libre improvisación "Digression" e "Intuition" (estos últimos grabados sin batería). Las grabaciones sintetizaban el enfoque de Tristano: melodías largas y rítmica y armónicamente elaboradas se interpretaban sobre un tiempo de swing suave, casi sin inflexiones, mantenido por el bajista y el batería. El contrapunto, que había sido abandonado en su mayor parte por los músicos posteriores a Nueva Orleans/Chicago, volvió a aparecer en la música de Tristano. Las líneas escritas por Tristano eran mucho más complicadas que las ya complejas melodías típicas del bebop; subdividía y multiplicaba el ritmo en agrupaciones extrañas, y sus armonías no siempre se comportaban de forma coherente con la tonalidad funcional. La complejidad de sus construcciones exigía que su sección rítmica proporcionara poco más que una base sólida. No se esperaba que los bajistas y bateristas de Tristano interactuaran a la manera de una sección rítmica de bop, sino que apoyaran la sustancia melódica y armónica de la música. Esta contención dio a la música de Tristano un aire emocionalmente distante, que hasta hoy ha sido utilizado por críticos poco comprensivos como un mazo para machacarlo.

En 1951, Tristano fundó una escuela de jazz en Nueva York, la primera de este tipo. Su profesorado estaba formado por muchos de sus alumnos más destacados, como Konitz, Bauer, Marsh y el pianista Sal Mosca. Sus actuaciones públicas fueron cada vez menos frecuentes; durante el resto de su vida, Tristano se concentró en la enseñanza, excluyendo casi todo lo demás. En 1956 cerró su escuela y comenzó a dar clases en su casa de Long Island. A partir de entonces, tocaba ocasionalmente en el Half Note de Nueva York. Las grabaciones empezaron a escasear. Grabó dos álbumes para Atlantic, Lennie Tristano y The New Tristano. En Inner City se editó una compilación de rarezas titulada Descent into the Maelstrom, cuya canción principal documenta los experimentos de Tristano con la grabación multipista del piano. Realizó una gira por Europa en 1965; su última actuación pública en Estados Unidos fue en 1968.

Hasta su muerte en 1978, Tristano siguió dando clases. Una generación posterior de sus seguidores sigue trabajando y prosperando en Nueva York hasta hoy. Músicos como la pianista Connie Crothers, los saxofonistas Lenny Popkin y Richard Tabnik, y la baterista Carol Tristano -la hija del pianista- continúan su obra en el próximo siglo.

Eric Alexander • Song of No Regrets

 

Blessed with a rounded tone and impressive technical chops, Alexander has long carried on the swinging, acoustic jazz tradition with his saxophone sound informed by such icons as John Coltrane. With his superb 2017 effort, the Latin-infused Song of No Regrets, he reveals this inventive side, offering up a set of groove-based anthems, inspired in part by the buoyant '60s pop of Sergio Mendes.
https://www.jazzmessengers.com/en/75062/eric-alexander/song-of-no-regrets-w-jon-faddis-d-hazeltine

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Bendecido con un tono redondeado e impresionantes habilidades técnicas, Alexander ha continuado durante mucho tiempo la tradición del jazz acústico oscilante con su sonido de saxofón inspirado en íconos como John Coltrane. Con su magnífico esfuerzo de 2017, la canción con infusión latina of No Regrets, revela este lado inventivo, ofreciendo un conjunto de himnos basados en el groove, inspirados en parte por el boyante pop de los años 60 de Sergio Mendes.
https://www.jazzmessengers.com/en/75062/eric-alexander/song-of-no-regrets-w-jon-faddis-d-hazeltine

Bruton Music Library • BRE 3 Kids And Cartoons

 

The Walter Norris Duo Featuring George Mraz • Hues Of Blues.txt

 

Biography by Scott Yanow
Walter Norris was a brilliant pianist, a virtuoso whose improvisations could be both very complex harmonically yet often remain melodic. He would have been better known in the U.S. if he had not spent so much time in Germany. Norris worked with Howard Williams in Arkansas (1944-1950) as a teenager, was in Houston with Jimmy Ford (1952-1953), led his own trio in Las Vegas (1953-1954), and then settled in Los Angeles. He was on quite a few sessions during the latter half of the 1950s, most notably with Jack Sheldon, Frank Rosolino, and Herb Geller, in addition to Ornette Coleman's first record (1958); he did his best to fit into the latter setting, but (other than Paul Bley at the Hillcrest Club) it was the last time for decades that Coleman would use a pianist. The music director of the Playboy Club during 1963-1970, Norris was with the Thad Jones/Mel Lewis Orchestra during 1974-1976. After a stay in Scandinavia and a brief stint with Charles Mingus, Norris moved to Berlin in 1977, where he taught and performed for the remainder of his life in music. In the 1990s, Walter Norris visited the U.S. several times, recording dates for Concord and displaying his impressive musical growth of the previous 20 years. But he always returned to his home in Berlin, where he died on October 29, 2011, two months prior to what would have been his 80th birthday.
https://www.allmusic.com/artist/george-mraz-mn0000946026#biography



Biography by Scott Yanow
George Mraz was a greatly in-demand bassist for straight-ahead dates after he emigrated to the United States in 1968. After a brief time playing violin and alto, Mraz studied bass at the Prague Conservatory and gigged at a club in Munich for a year. In 1968, he attended Berklee and he soon toured with Oscar Peterson, from 1970 to 1972. After moving to New York, Mraz became a member of the Thad Jones/Mel Lewis Orchestra (1973 to 1976), worked with Stan Getz (1974 and 1975), and went on to work with most of the top jazz players, including Walter Norris, Pepper Adams, Roland Hanna, Zoot Sims, Tommy Flanagan, John Abercrombie, Carmen McRae, Jimmy Rowles, Stephane Grappelli, and countless others. With the exception of an obscure duo date with Roland Hanna for Trio in 1976, Mraz surprisingly did not have an opportunity to lead his own sessions until the mid-'90s when he signed with Milestone. His album roster included Jazz (1995), Bottom Lines (1997), Duke's Place (1999), and Morava (2001). George Mraz died on September 16, 2021 at the age of 77.
https://www.allmusic.com/artist/george-mraz-mn0000946026#biography

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Biografía de Scott Yanow
Walter Norris era un pianista brillante, un virtuoso cuyas improvisaciones podían ser armónicamente muy complejas pero a menudo permanecían melódicas. Hubiera sido más conocido en los EE. UU. si no hubiera pasado tanto tiempo en Alemania. Norris trabajó con Howard Williams en Arkansas (1944-1950) cuando era adolescente, estuvo en Houston con Jimmy Ford (1952-1953), dirigió su propio trío en Las Vegas (1953-1954) y luego se estableció en Los Ángeles. Estuvo en bastantes sesiones durante la segunda mitad de la década de 1950, especialmente con Jack Sheldon, Frank Rosolino y Herb Geller, además del primer disco de Ornette Coleman (1958); hizo todo lo posible por encajar en este último escenario, pero (aparte de Paul Bley en el Hillcrest Club) fue la última vez en décadas que Coleman usaría un pianista. Norris, director musical del Playboy Club durante 1963-1970, estuvo con la Orquesta Thad Jones/Mel Lewis durante 1974-1976. Después de una estadía en Escandinavia y una breve temporada con Charles Mingus, Norris se mudó a Berlín en 1977, donde enseñó y actuó durante el resto de su vida en música. En la década de 1990, Walter Norris visitó los EE. UU. varias veces, grabó fechas para Concord y mostró su impresionante crecimiento musical de los 20 años anteriores. Pero siempre regresaba a su casa en Berlín, donde murió el 29 de octubre de 2011, dos meses antes de lo que habría sido su 80 cumpleaños.
https://www.allmusic.com/artist/george-mraz-mn0000946026#biography



Biografía de Scott Yanow
George Mraz fue un bajista muy solicitado para fechas directas después de emigrar a los Estados Unidos en 1968. Después de un breve tiempo tocando violín y contralto, Mraz estudió bajo en el Conservatorio de Praga y tocó en un club de Múnich durante un año. En 1968 asistió a Berklee y pronto realizó una gira con Oscar Peterson, de 1970 a 1972. Después de mudarse a Nueva York, Mraz se convirtió en miembro de la Orquesta Thad Jones/Mel Lewis (1973 a 1976), trabajó con Stan Getz (1974 y 1975) y luego trabajó con la mayoría de los mejores músicos de jazz, incluidos Walter Norris, Pepper Adams, Roland Hanna, Zoot Sims, Tommy Flanagan, John Abercrombie, Carmen McRae, Jimmy Rowles, Stephane Grappelli y muchos otros. Con la excepción de una oscura cita a dúo con Roland Hanna para Trío en 1976, Mraz sorprendentemente no tuvo la oportunidad de dirigir sus propias sesiones hasta mediados de los 90, cuando firmó con Milestone. Su lista de álbumes incluía Jazz (1995), Bottom Lines (1997), Duke's Place (1999) y Morava (2001). George Mraz murió el 16 de septiembre de 2021 a la edad de 77 años.
https://www.allmusic.com/artist/george-mraz-mn0000946026#biography


 

www.walter-norris.de ...

Richard Galliano Quartet • New Musette

 

Biography
Richard Galliano has succeeded, through his musical emphasis on melody, rhythm, and harmony, in imposing his instrument in musical contexts that previously ignored it-jazz festivals (Marciac, Vienne, Montréal, etc.) and classical concert halls (Academia Santa-Cecilia in Rome, the Théâtre des Champs-Elysées in Paris, Milan' s la Scala, etc.).

He was born in Cannes on December 12, 1950. He studied piano and accordion with his father, Lucien Galliano, before pursuing his musical studies at the Nice Conservatory, presided at that time by organist Pierre Cochereau. He studied counterpoint, harmony, and trombone, graduating with a 1er Prix d' Excellence in 1969. In parallel with this musical apprenticeship he took part in international accordion competitions. Playing J.S. Bach, Tchaikovsky, Ravel and Gershwin, he won first prize in the accordion "World Cup" two years in a row (1966, Valence, Spain and 1967, Calais, France) as well as the President's Prize in 1968 (under President Charles de Gaulle).

In 1973 he left the south of France for Paris. For several years he collaborated with Claude Nougaro, Barbara, Serge Reggiani, Charles Aznavour, Juliette Gréco, Georges Moustaki and Zizi Jeanmaire. His duo performance with singer Allain Leprest for the album Voce A Mano won him the Grand Prix du Disque from the Académie Charles Cros. In the realm of French chanson we should also mention his musical encounters with the singer Catherine Ringer (of the group Rita Mitsouko) at the Cité de la Musique (Paris) and at the Antibes Jazz Festival in Juan-Les-Pins.

In 1983 Astor Piazzolla invited Richard Galliano to be the bandoneon soloist at the Comédie Française in his original music to accompany William Shakespeare's "A Midsummer Night's Dream", directed by Jorge Lavelli. It was the beginning of a long friendship between the two men that lasted until Piazzolla's death in 1992.

Between 1980 and 2003 Richard Galliano shared the stage with great musicians in concerts all over the world (Paris, New York, Moscow, London, Buenos Aires, Montréal, San Francisco, Istanbul, etc.). He played with : Chet BAKER, Ron CARTER, Joe ZAWINUL, Al FOSTER, Pierre MICHELOT, Birèli LAGRENE, Jean François Jenny CLARK, Eddy LOUISS, Philip CATHERINE, Aldo ROMANO, Daniel HUMAIR, André CECCARELLI, Charlie HADEN, Michel PORTAL, Didier LOCKWOOD , Maurice VANDER , Jimmy GOURLEY , Steve POTTS , StefanoBOLLANI , Hervé SELLIN , Hamilton DE HOLANDA , Lolo BELLONZI, Enrico RAVA, Toots THIELEMANS, Jean Charles CAPON, George MRAZ, Mark FELDMAN, Larry GRENADIER, Scott COLLEY, Clarence PENN, Gil GOLDSTEIN , Jan GARBAREK, Paquito DI RIVERA, Michel PETRUCCIANI, Gilberto GIL, SIVUCA, Martial SOLAL, Philippe AERTS, Antonello SALIS, Richard BONA, Manu KATCHÉ, Paolo FRESU, Jan LUNDGREN, Daniel GOYONE and many others.

During this period he also composed numerous original works, many of which were acclaimed by both the press and the public.

In 1991 Richard Galliano created the "New Musette" style and recorded it with Philip Catherine (guitar), Pierre Michelot (bass) and Aldo Romano (drums) for the record label Label Bleu.

IIn 1993 the Académie du Jazz awarded him the Django Reinhardt prize, naming him best jazz musician of the year. The same year, he recorded the album Viaggio, his first as part of an exclusive contract with the Dreyfus Jazz label, with Biréli Lagrène (guitar), Pierre Michelot (bass) and Charles Belonzi (drums). Nominated for the annual Victoires de la Musique, the album received the Django d' Or prize for best album of the year..

In 1995 Richard Galliano recorded Laurita, with Joey Baron (drums), Palle Danielsson (bass) and three other prestigious guests: Toots Thielemans (harmonica), Didier Lockwood (violin) and Michel Portal (clarinet).

In 1996 his third album for Dreyfus Jazz, New York Tango, recorded in New York with Al Foster (drums) George Mraz (bass) and Biréli Lagrène (guitar), won an award at the Victoires de la Musique.

The following album, Blow Up, recorded in 1997 in a duo with Michel Portal, met with phenomenal success, selling more than 100,000 copies and winning numerous awards: Victoire de la Musique, the Boris Vian Prize (Académie du Jazz) and Best International Album (Musica Jazz).

In 1998 Richard Galliano recorded French Touch with Jean-François Jenny-Clark (bass), Daniel Humair (drums), Michel Portal (saxophone), André Ceccarelli (drums), Rémi Vignolo (bass) and Jean-Marie Ecay (guitar). The album, nominated for the Victoires de la Musique and awarded Best International Album by Musica Jazz, was released after five years of touring by the Galliano/Jenny-Clark/Humair trio. Unfortunately its release was saddened by the death of Richard Galliano' s close friend Jean-François Jenny-Clark..

In 1999 Richard Galliano recorded his sixth album for Dreyfus Jazz, Passatori, in Florence, Italy, with string players from the Tuscan chamber orchestra L' Orchestra della Toscana and pianist Stefano Bollani, playing a program of original compositions and works by Astor Piazzolla. Passatori was nominated for the Victoires de la Musique.

Dreyfus Jazz released a three-disc boxed set of unreleased concerts the same year, comprising a solo album recorded at the Umbria Jazz Festival in Orvieto on December 31, 1998, a duo with Michel Portal recorded in Hamburg on October 29, 1998, and a trio with Daniel Humair and Jean-François Jenny-Clark recorded at the Montreux Jazz Festival on July 10, 1996.

The year 2001 saw the release of two albums - Gallianissimo and Face To Face. The first is a greatest hits compilation of his years with Dreyfus Jazz and the second a new studio recording in a duo with Eddy Louiss. The latter won the 2001 Django d' Or prize and was nominated for the Victoires de la Musique.

Ten years after the death of Astor Piazzolla, Dreyfus Jazz released in 2003 a concert in his honor recorded live direct-to-two-track at the Willisau Festival on August 29, 2002 as a septet with Jean-Marc Phillips-Varjabédian (violin solo), Lyonel Schmit (second violin), Jean-Marc Apap (viola) Raphaël Pidoux (cello), Stéphane Logerot (bass), and Hervé Sellin (piano).

The septet formation, which gave its name to the album (Piazzolla Forever), was unique in playing at both jazz festivals and classical venues (Nice Jazz Festival, Amsterdam Concerttown, Montreux Jazz Festival, Théâtre des Champs-Elysées, etc.).

All that without forgetting the re-issues of Blue Rondo à la Turk (1980) and Blues sur Seine as a duo with the cellist Jean-Charles Capon, Salsamba (1983) with Chet Baker (trumpet) and Brazilian musicians, Spleen (1985) with a Latin quintet in which Richard Galliano played melody on the accordina (keyed wind instrument) and Panamanhattan (1990) as a duo with the American bassist Ron Carter.

Richard Galliano has never worried about being the world' s best accordionist but rather has always been concerned with giving his audience the very best of himself, of "playing the music of his world", and of delving into his diverse musical roots - Italian, Mediterranean, jazz, French chanson, and classical music.

He has inspired the entire new generation of international accordionists. Today many young musicians to play his music and "copy" his style (the are more than 50 versions of his "Valse à Margaux"). In addition some of his former students have embarked on interesting and rich musical careers, including Peer Glovingen (with Gidon Kremer) and Daniel Mille.

In August 2002, for the yearly Down Beat Poll, Richard Galliano is arriving first of "new generation" in the category "miscellaneous instruments".

In May 2003, Richard Galliano is appearing with Michel Portal at the Scala of Milano (recording of the Live album "Concerts").

In the years 2004/05, after the recording of the New York Trio album, Richard is touring extensively with the American rhythm section : either Larry Grenadier on bass and Clarence Penn on drums, or Clarence with Scott Colley on bass. The second trio tour culminates at the Theatre des Champs Elysées in Paris in May 2005. In June of the same year, Richard is back to Paris to record a DVD of the Piazzolla Forever Septet at the Theatre des Bouffes du Nord, the exact place where the project had been launched three years before : after 250 concerts given worldwide, the septet is ending their collaboration in the venue of their start, though this high profile event will still remain available in the future for special concerts.

In March 2006, R.Galliano invited with his New York rhythm section the very special guest Gary Burton, world famous top vibraphone master, at the initiative of the Cité de la Musique in Paris, and this project tours extensively and will be touring again in the autumn 2007. A recording took place in New York in August 2006, and will see the light in September 2007 for the Italian label Camjazz.

But it is definitely the Tangaria project, a special quartet with violin (the incredible Alexis Cardenas from Venezuela), bass (Philip Catherine's mate Philippe Aerts), and another fine player from Venezuela, percussionist Rafael Mejias, with the Brazilian special guest on mandolin, Hamilton de Holanda, that will be the highlight of the year 2007, with an extensive tour in the summer 2007, adding the fine drumming of Clarence Penn. Recorded with some Brazilian special guests in Sao Paulo in September 2006, the album will be out in February 2007 for Milan Records, a label which is very familiar to the work of Astor Piazzolla.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/richard-galliano

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Biografía

Richard Galliano ha conseguido, gracias a su énfasis musical en la melodía, el ritmo y la armonía, imponer su instrumento en contextos musicales que antes lo ignoraban: festivales de jazz (Marciac, Vienne, Montreal, etc.) y salas de conciertos clásicas (Academia Santa-Cecilia de Roma, Théâtre des Champs-Elysées de París, la Scala de Milán, etc.).

Nació en Cannes el 12 de diciembre de 1950. Estudió piano y acordeón con su padre, Lucien Galliano, antes de proseguir sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, presidido entonces por el organista Pierre Cochereau. Estudió contrapunto, armonía y trombón, y se graduó con un 1er Prix d' Excellence en 1969. Paralelamente a este aprendizaje musical, participó en concursos internacionales de acordeón. Tocando a J.S. Bach, Tchaikovsky, Ravel y Gershwin, ganó el primer premio de la "Copa del Mundo" de acordeón dos años consecutivos (1966, Valence, España, y 1967, Calais, Francia), así como el Premio del Presidente en 1968 (bajo la presidencia de Charles de Gaulle).

En 1973 abandonó el sur de Francia para instalarse en París. Durante varios años colaboró con Claude Nougaro, Barbara, Serge Reggiani, Charles Aznavour, Juliette Gréco, Georges Moustaki y Zizi Jeanmaire. Su actuación a dúo con el cantante Allain Leprest para el álbum Voce A Mano le valió el Gran Premio del Disco de la Academia Charles Cros. En el ámbito de la chanson francesa, cabe mencionar también sus encuentros musicales con la cantante Catherine Ringer (del grupo Rita Mitsouko) en la Cité de la Musique (París) y en el Festival de Jazz de Antibes, en Juan-Les-Pins.

En 1983 Astor Piazzolla invitó a Richard Galliano a ser el bandoneón solista en la Comédie Française en su música original para acompañar "El sueño de una noche de verano" de William Shakespeare, dirigida por Jorge Lavelli. Fue el comienzo de una larga amistad entre los dos hombres que duró hasta la muerte de Piazzolla en 1992.

Entre 1980 y 2003, Richard Galliano compartió escenario con grandes músicos en conciertos por todo el mundo (París, Nueva York, Moscú, Londres, Buenos Aires, Montreal, San Francisco, Estambul, etc.). Tocó con : Chet BAKER, Ron CARTER, Joe ZAWINUL, Al FOSTER, Pierre MICHELOT, Birèli LAGRENE, Jean François Jenny CLARK, Eddy LOUISS, Philip CATHERINE, Aldo ROMANO, Daniel HUMAIR, André CECCARELLI, Charlie HADEN, Michel PORTAL, Didier LOCKWOOD , Maurice VANDER , Jimmy GOURLEY , Steve POTTS , StefanoBOLLANI , Hervé SELLIN , Hamilton DE HOLANDA , Lolo BELLONZI, Enrico RAVA, Toots THIELEMANS, Jean Charles CAPON, George MRAZ, Mark FELDMAN, Larry GRENADIER, Scott COLLEY, Clarence PENN, Gil GOLDSTEIN , Jan GARBAREK, Paquito DI RIVERA, Michel PETRUCCIANI, Gilberto GIL, SIVUCA, Martial SOLAL, Philippe AERTS, Antonello SALIS, Richard BONA, Manu KATCHÉ, Paolo FRESU, Jan LUNDGREN, Daniel GOYONE y muchos otros.

Durante este periodo también compuso numerosas obras originales, muchas de las cuales fueron aclamadas tanto por la prensa como por el público.

En 1991, Richard Galliano creó el estilo "New Musette" y lo grabó con Philip Catherine (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Aldo Romano (batería) para el sello discográfico Label Bleu.

En 1993, la Academia del Jazz le concedió el premio Django Reinhardt al mejor músico de jazz del año. Ese mismo año, graba el álbum Viaggio, el primero en el marco de un contrato exclusivo con el sello Dreyfus Jazz, con Biréli Lagrène (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Charles Belonzi (batería). Nominado a las Victoires de la Musique anuales, el álbum recibió el premio Django d' Or al mejor álbum del año..

En 1995, Richard Galliano grabó Laurita, con Joey Baron (batería), Palle Danielsson (bajo) y otros tres prestigiosos invitados: Toots Thielemans (armónica), Didier Lockwood (violín) y Michel Portal (clarinete).

En 1996, su tercer álbum para Dreyfus Jazz, New York Tango, grabado en Nueva York con Al Foster (batería) George Mraz (bajo) y Biréli Lagrène (guitarra), fue premiado en las Victoires de la Musique.

El álbum siguiente, Blow Up, grabado en 1997 en dúo con Michel Portal, obtuvo un éxito fenomenal, vendiendo más de 100.000 copias y ganando numerosos premios: Victoire de la Musique, Premio Boris Vian (Académie du Jazz) y Mejor Álbum Internacional (Musica Jazz).

En 1998, Richard Galliano grabó French Touch con Jean-François Jenny-Clark (bajo), Daniel Humair (batería), Michel Portal (saxofón), André Ceccarelli (batería), Rémi Vignolo (bajo) y Jean-Marie Ecay (guitarra). El álbum, nominado a las Victoires de la Musique y galardonado con el premio al mejor álbum internacional por Musica Jazz, vio la luz tras cinco años de giras del trío Galliano/Jenny-Clark/Humair. Desgraciadamente, su publicación se vio empañada por la muerte de Jean-François Jenny-Clark, amigo íntimo de Richard Galliano.

En 1999, Richard Galliano grabó su sexto álbum para Dreyfus Jazz, Passatori, en Florencia, Italia, con músicos de cuerda de la orquesta de cámara toscana L' Orchestra della Toscana y el pianista Stefano Bollani, interpretando un programa de composiciones originales y obras de Astor Piazzolla. Passatori fue nominado a las Victoires de la Musique.

Ese mismo año, Dreyfus Jazz publicó una caja de tres discos con conciertos inéditos: un álbum en solitario grabado en el Festival de Jazz de Umbría (Orvieto) el 31 de diciembre de 1998, un dúo con Michel Portal grabado en Hamburgo el 29 de octubre de 1998 y un trío con Daniel Humair y Jean-François Jenny-Clark grabado en el Festival de Jazz de Montreux el 10 de julio de 1996.

En 2001 publicó dos álbumes: Gallianissimo y Face To Face. El primero es una recopilación de grandes éxitos de sus años con Dreyfus Jazz y el segundo una nueva grabación de estudio en dúo con Eddy Louiss. Este último ganó el premio Django d' Or 2001 y fue nominado a las Victoires de la Musique.

Diez años después de la muerte de Astor Piazzolla, Dreyfus Jazz publicó en 2003 un concierto en su honor grabado en directo directo a dos pistas en el Festival de Willisau el 29 de agosto de 2002 como septeto con Jean-Marc Phillips-Varjabédian (violín solo), Lyonel Schmit (segundo violín), Jean-Marc Apap (viola) Raphaël Pidoux (violonchelo), Stéphane Logerot (bajo) y Hervé Sellin (piano).

La formación del septeto, que dio nombre al álbum (Piazzolla Forever), fue única tocando tanto en festivales de jazz como en salas clásicas (Festival de Jazz de Niza, Concerttown de Ámsterdam, Festival de Jazz de Montreux, Théâtre des Champs-Elysées, etc.).

Todo ello sin olvidar las reediciones de Blue Rondo à la Turk (1980) y Blues sur Seine a dúo con el violonchelista Jean-Charles Capon, Salsamba (1983) con Chet Baker (trompeta) y músicos brasileños, Spleen (1985) con un quinteto latino en el que Richard Galliano tocaba la melodía en la accordina (instrumento de viento afinado) y Panamanhattan (1990) a dúo con el bajista estadounidense Ron Carter.

Richard Galliano nunca se ha preocupado por ser el mejor acordeonista del mundo, sino por ofrecer a su público lo mejor de sí mismo, por "tocar la música de su mundo" y por ahondar en sus diversas raíces musicales: música italiana, mediterránea, jazz, chanson francesa y clásica.

Ha inspirado a toda una nueva generación de acordeonistas internacionales. Hoy en día, muchos jóvenes músicos tocan su música y "copian" su estilo (hay más de 50 versiones de su "Valse à Margaux"). Además, algunos de sus antiguos alumnos han emprendido interesantes y ricas carreras musicales, como Peer Glovingen (con Gidon Kremer) y Daniel Mille.

En agosto de 2002, para la encuesta anual Down Beat Poll, Richard Galliano llega el primero de la "nueva generación" en la categoría "instrumentos varios".

En mayo de 2003, Richard Galliano se presenta con Michel Portal en la Scala de Milán (grabación del álbum en directo "Concerts").

En los años 2004/05, tras la grabación del álbum "New York Trio", Richard realiza numerosas giras con la sección rítmica americana: Larry Grenadier al bajo y Clarence Penn a la batería, o Clarence con Scott Colley al bajo. La segunda gira del trío culmina en el Teatro de los Campos Elíseos de París en mayo de 2005. En junio del mismo año, Richard vuelve a París para grabar un DVD del Piazzolla Forever Septet en el Theatre des Bouffes du Nord, el lugar exacto donde se había lanzado el proyecto tres años antes : después de 250 conciertos ofrecidos en todo el mundo, el septeto pone fin a su colaboración en el lugar de sus comienzos, aunque este lugar de alto nivel seguirá estando disponible en el futuro para conciertos especiales.

En marzo de 2006, R.Galliano invitó con su sección rítmica de Nueva York al invitado muy especial Gary Burton, maestro mundialmente famoso del vibráfono, por iniciativa de la Cité de la Musique de París, y este proyecto realiza numerosas giras y volverá a hacerlo en otoño de 2007. En agosto de 2006 se realizó una grabación en Nueva York, que verá la luz en septiembre de 2007 para el sello italiano Camjazz.

Pero es sin duda el proyecto Tangaria, un cuarteto especial con violín (el increíble Alexis Cárdenas de Venezuela), bajo (el compañero de Philip Catherine, Philippe Aerts), y otro buen músico de Venezuela, el percusionista Rafael Mejías, con el invitado especial brasileño a la mandolina, Hamilton de Holanda, que será lo más destacado del año 2007, con una extensa gira en el verano de 2007, añadiendo la fina batería de Clarence Penn. Grabado con algunos invitados especiales brasileños en Sao Paulo en septiembre de 2006, el álbum saldrá en febrero de 2007 para Milan Records, sello muy familiarizado con la obra de Astor Piazzolla.

https://www.allaboutjazz.com/musicians/richard-galliano

www.richardgalliano.com ...

McCoy Tyner & Bobby Hutcherson • Manhattan Moods

 

mccoytyner.com ...

Paul Quinichette • For Basie

 

Hal McKusick • Cross Section-Saxes

 

Biography
by Scott Yanow
A fine cool-toned altoist and an occasional clarinetist, Hal McKusick worked with the big bands of Les Brown, Woody Herman (1943), Boyd Raeburn (1944-1945), Alvino Rey (1946), Buddy Rich, and Claude Thornhill (1948-1949). In the 1950s, in addition to his work with Terry Gibbs and Elliot Lawrence, he was a busy and versatile studio musician. During 1955-1958, McKusick recorded nine albums of material as a leader for Jubilee, Bethlehem, Victor, Coral, New Jazz, Prestige, and Decca. Those small-group recordings, although basically cool bop, sometimes used very advanced arrangements, including charts by George Handy, Manny Albam, Gil Evans, Al Cohn, Jimmy Giuffre, and particularly George Russell. Hal McKusick died in April 2012 at the age of 87.
https://www.allmusic.com/artist/hal-mckusick-mn0000660389/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Hal McKusick, un fino contralto de tono frío y clarinetista ocasional, trabajó con las big bands de Les Brown, Woody Herman (1943), Boyd Raeburn (1944-1945), Alvino Rey (1946), Buddy Rich y Claude Thornhill (1948-1949). En la década de 1950, además de trabajar con Terry Gibbs y Elliot Lawrence, fue un músico de estudio muy ocupado y versátil. Entre 1955 y 1958, McKusick grabó nueve álbumes como líder para Jubilee, Bethlehem, Victor, Coral, New Jazz, Prestige y Decca. Esas grabaciones de grupos pequeños, aunque básicamente cool bop, a veces utilizaban arreglos muy avanzados, incluyendo charts de George Handy, Manny Albam, Gil Evans, Al Cohn, Jimmy Giuffre, y particularmente George Russell. Hal McKusick falleció en abril de 2012 a la edad de 87 años.
https://www.allmusic.com/artist/hal-mckusick-mn0000660389/biography

Luiz Bonfá • Alta Versatilidade!

 

Although overshadowed by the towering figure of Antonio Carlos Jobim and to a lesser extent by João Gilberto, Luiz Bonfá was right there at the birth of bossa nova as well. In fact, at least two of his songs, the haunting "Manha de Carnaval" and equally evocative "Samba de Orpheus" swept the world at least three years before Jobim's songs began to make a global impact, paving the way for the first Brazilian wave. In addition, Bonfá cultivated a delicate, precise classical guitar style, though more attuned to the traditional samba rhythm than the Gilberto/Jobim bossa nova lilt. Born near the bay of Guanabara in Rio -- his father was an Italian immigrant -- Bonfá took up the guitar at eleven and studied classical guitar with the Uruguayan master Isaias Savio. He began to work Rio's clubs as a singer with the Quitandinha Serenaders, and by 1946, he was appearing on Brazil's Radio Nacional. By 1957, Bonfa was beginning to split his time between New York City and Rio, touring the U.S. with singer Mary Martin, as well as writing and recording Brazilian film scores. The turning point in his career came in 1959 when film director Marcel Camus asked Bonfá to contribute some songs to his film version of the play Orfeo do Carnaval (to be renamed Black Orpheus on the screen). The director originally rejected "Manha de Carnaval" as the film's main theme, but after coming up with what he felt was an inferior second effort, Bonfá fought for his first tune and got his way, and "Manha de Carnaval" became a global pop/jazz/folk standard. In the late '50s and '60s, Bonfá began recording several albums for the American market on EMI Odeon (Capitol), Dot, Atlantic, Cook, Philips, Epic, and Verve, and he and his songs appeared prominently on the Jazz Samba Encore album with Jobim and Stan Getz. His songwriting skills were in demand in the most unpredictable places; for example, he wrote the schmaltzy "Almost in Love" for Elvis Presley (included in the forgettable 1968 film Live a Little, Love a Little). Bonfá's profile in America virtually disappeared after the '60s, although he continued to tour and write, eventually cutting over 50 albums. But he resurfaced in U.S. CD shops after a 15-year gap in 1989 with Non-Stop to Brazil for Chesky, followed by the ravishing The Bonfá Magic in 1991 (released domestically on Milestone) and 1993's Moods on GSP. Also, the original soundtrack for Black Orpheus is available on a Verve CD, a firsthand snapshot of Bonfá and Jobim lighting the fuse for the world-wide Brazilian music explosion. On January 12, 2001, Luiz Bonfá died of cancer in Rio de Janeiro. ~ Richard S. Ginell

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Aunque eclipsado por la imponente figura de Antonio Carlos Jobim y, en menor medida, por João Gilberto, Luiz Bonfá también estuvo allí en el nacimiento de la bossa nova. De hecho, al menos dos de sus canciones, la inquietante "Manha de Carnaval" y la igualmente evocadora "Samba de Orfeo" barrieron el mundo al menos tres años antes de que las canciones de Jobim comenzaran a tener un impacto global, allanando el camino para la primera ola brasileña. Además, Bonfá cultivó un estilo de guitarra clásica delicado y preciso, aunque más en sintonía con el ritmo tradicional de la samba que con la cadencia de bossa nova de Gilberto/Jobim. Nacido cerca de la bahía de Guanabara en Río-su padre era un inmigrante italiano-Bonfá tomó la guitarra a los once años y estudió guitarra clásica con el maestro uruguayo Isaías Savio. Comenzó a trabajar en los clubes de Río como cantante con los Quitandinha Serenaders, y para 1946, aparecía en la Radio Nacional de Brasil. Para 1957, Bonfa comenzaba a dividir su tiempo entre la ciudad de Nueva York y Río, realizando giras por los EE.UU. con la cantante Mary Martin, además de escribir y grabar partituras cinematográficas brasileñas. El punto de inflexión en su carrera llegó en 1959 cuando el director de cine Marcel Camus le pidió a Bonfá que contribuyera con algunas canciones a su versión cinematográfica de la obra Orfeo do Carnaval (que pasaría a llamarse Orfeo Negro en la pantalla). El director originalmente rechazó "Manha de Carnaval" como tema principal de la película, pero después de idear lo que sintió que era un segundo esfuerzo inferior, Bonfá luchó por su primera melodía y se salió con la suya, y "Manha de Carnaval" se convirtió en un estándar mundial de pop/jazz/folk. A finales de los 50 y 60, Bonfá comenzó a grabar varios álbumes para el mercado estadounidense en EMI Odeon( Capitol), Dot, Atlantic, Cook, Philips, Epic y Verve, y él y sus canciones aparecieron de manera destacada en el álbum Jazz Samba Encore con Jobim y Stan Getz. Sus habilidades para componer canciones eran demandadas en los lugares más impredecibles; por ejemplo, escribió la tonta "Almost in Love" para Elvis Presley (incluida en la olvidable película de 1968 Live a Little, Love a Little). El perfil de Bonfá en Estados Unidos prácticamente desapareció después de los años 60, aunque continuó de gira y escribiendo, llegando a grabar más de 50 álbumes. Pero resurgió en las tiendas de CD de EE.UU. después de una brecha de 15 años en 1989 con Non-Stop to Brazil para Chesky, seguido de ravishing The Bonfá Magic en 1991 (lanzado a nivel nacional en Milestone) y Moods de 1993 en GSP. Además, la banda sonora original de Orfeo Negro está disponible en un CD de Verve, una instantánea de primera mano de Bonfá y Jobim encendiendo la mecha de la explosión mundial de la música brasileña. El 12 de enero de 2001, Luiz Bonfá murió de cáncer en Río de Janeiro. ~ Richard S. Ginell

Chet Baker • Blue Room - The 1979 VARA Studio Sessions In Holland

 

Review by Matt Collar

The 2023 two-disc collection Blue Room: The 1979 Vara Studio Sessions in Holland spotlights the unexpected magic trumpeter/vocalist Chet Baker could conjure during the last decade of his life. Having achieved stardom on the West Coast in the '50s, Baker spent much of his career, from the '60s until his death in 1989, living and performing in Europe where his drug addiction and itinerant lifestyle were never as much of a barrier to getting work. Recorded in the Netherlands on two separate dates in 1979, the Blue Room sessions find Baker digging into some of his favorite standards, as well as a few unexpected song choices. The first session features one of his touring lineups of the period with pianist Phil Markowitz, bassist Jean-Louis Rassinfosse, and drummer Charles Rice. This is the more cohesive of the sessions, as Baker offers warm takes of some of favorite standards, including "Oh, You Crazy Moon" and "The Best Thing for You," both of which he had just recorded on his classic 1977 comeback album You Can't Go Home Again. There are also inspired renditions of Wayne Shorter's "Beautiful Black Eyes" and the Miles Davis blues number "Down," the latter of which was another staple of his final years. The second session, recorded several months later, was a more ad hoc affair with producer Edwin Rutten putting Baker in with a trio of European players, including pianist Frans Elsen, bassist Victor Kaihatu, and drummer Eric Ineke. Purportedly, Baker failed to bring lead sheets for the band and they had to figure out each song on the fly. While that led to some temerous moments, including a shaky version of "Old Devil Moon," other cuts surprised, as with sly blues number "Luscious Lou," a song composed by Baker's '50s bandmate, saxophonist Phil Urso. Toward the end of the session, they find their groove, settling into a bittersweet rendition of "My Ideal," a song Baker first recorded in the '50s whose lovelorn lyrics took on ever more nuanced meaning the further he got from that early golden boy period of his career. Even so, his performance, as with pretty much all of Blue Room, is entrancing.
https://www.allmusic.com/album/blue-room-the-1979-vara-studio-sessions-in-holland-mw0003921662

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Reseña de Matt Collar
La colección de dos discos de 2023 Blue Room: The 1979 Vara Studio Sessions in Holland pone de relieve la inesperada magia que el trompetista y vocalista Chet Baker pudo conjurar durante la última década de su vida. Tras alcanzar el estrellato en la Costa Oeste en los años 50, Baker pasó gran parte de su carrera, desde los 60 hasta su muerte en 1989, viviendo y actuando en Europa, donde su adicción a las drogas y su estilo de vida itinerante nunca fueron un obstáculo para conseguir trabajo. Grabadas en los Países Bajos en dos fechas distintas de 1979, las sesiones de Blue Room muestran a Baker escarbando en algunos de sus estándares favoritos, así como en algunas canciones inesperadas. La primera sesión presenta una de sus formaciones de gira de la época, con el pianista Phil Markowitz, el bajista Jean-Louis Rassinfosse y el batería Charles Rice. Esta es la más cohesiva de las sesiones, ya que Baker ofrece cálidas tomas de algunos de sus estándares favoritos, incluyendo "Oh, You Crazy Moon" y "The Best Thing for You", que acababa de grabar en su clásico álbum de regreso de 1977 You Can't Go Home Again. También hay inspiradas versiones de "Beautiful Black Eyes", de Wayne Shorter, y del blues de Miles Davis "Down", que fue otro de los temas clave de sus últimos años. La segunda sesión, grabada varios meses más tarde, fue un asunto más ad hoc, con el productor Edwin Rutten poniendo a Baker con un trío de músicos europeos, incluyendo el pianista Frans Elsen, el bajista Victor Kaihatu, y el baterista Eric Ineke. Al parecer, Baker no trajo las partituras para el grupo y tuvieron que improvisar cada canción sobre la marcha. Aunque esto provocó algunos momentos temerosos, como una versión temblorosa de "Old Devil Moon", otros cortes sorprendieron, como el astuto blues "Luscious Lou", una canción compuesta por el saxofonista Phil Urso, compañero de banda de Baker en los años cincuenta. Hacia el final de la sesión, encuentran su ritmo, y se acomodan en una interpretación agridulce de "My Ideal", una canción que Baker grabó por primera vez en los años 50 y cuya letra, llena de matices, iba adquiriendo un significado cada vez más matizado a medida que se alejaba de ese primer periodo dorado de su carrera. Aun así, su interpretación, como la de casi todo Blue Room, es fascinante.

https://www.allmusic.com/album/blue-room-the-1979-vara-studio-sessions-in-holland-mw0003921662

 

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Ahmad Jamal • Live In Marciac, August 5th 2014

 

In 1951, Mr. Jamal first recorded 'Ahmad's Blues' on Okeh Records. His arrangement of the folk tune 'Billy Boy', and 'Poinciana' (not his original composition), also stem from this period. In 1955, he recorded his first Argo (Chess) Records album that included 'New Rhumba', 'Excerpts From The Blues', 'Medley' (actually 'I Don't Want To Be Kissed'), and 'It Ain't Necessarily So' —all later utilized by Miles Davis and Gil Evans on the albums "Miles Ahead" and "Porgy and Bess." In his autobiography, Mr. Davis praises Mr. Jamal's special artistic qualities and cites his influence. In fact, the mid-to-late 1950's Miles Davis Quintet recordings notably feature material previously recorded by Mr. Jamal: 'Squeeze Me', 'It Could Happen To You', 'But Not For Me', 'Surrey With The Fringe On Top', 'Ahmad's Blues', 'On Green Dolphin Street' and 'Billy Boy'.

In 1956, Mr. Jamal, who had already been joined by bassist Israel Crosby in 1955, replaced guitarist Ray Crawford with a drummer. Working as the "house trio" at Chicago's Pershing Hotel drummer Vernell Fournier joined this trio in 1958 and Mr. Jamal made a live album for Argo Records entitled "But Not For Me". The resulting hit single and album, that also included 'Poinciana' — his rendition could be considered his "signature". This album remained on the Ten Best-selling charts for 108 weeks — unprecedented then for a jazz album. This financial success enabled Mr. Jamal to realize a dream, and he opened a restaurant/club, The Alhambra, in Chicago. Here the Trio was able to perform while limiting their touring schedule and Mr. Jamal was able to do record production and community work.

Mr. Jamal was born on July 2, 1930, in Pittsburgh, Pennsylvania. A child prodigy who began to play the piano at the age of 3, he began formal studies at age 7. While in high school, he completed the equivalent of college master classes under the noted African-American concert singer and teacher Mary Caldwell Dawson and pianist James Miller. He joined the musicians union at the age of 14, and he began touring upon graduation from Westinghouse High School at the age of 17, drawing critical acclaim for his solos. In 1950, he formed his first trio, The Three Strings. Performing at New York's The Embers club, Record Producer John Hammond "discovered" The Three Strings and signed them to Okeh Records (a division of Columbia, now Sony Records).

Mr. Jamal has continued to record his outstanding original arrangements of such standards as 'I Love You', 'A Time For Love', 'On Green Dolphin Street' (well before Miles Davis!), 'End of a Love Affair', to cite a few. Mr. Jamal's own classic compositions begin with 'Ahmad's Blues' (first recorded on October 25, 1951!), 'New Rhumba', 'Manhattan Reflections', 'Tranquility', 'Extensions', 'The Awakening', 'Night Mist Blues' and most recently 'If I Find You Again', among many others..

In 1994, Mr. Jamal received the American Jazz Masters award from the National Endowment for the Arts. The same year he was named a Duke Ellington Fellow at Yale University, where he performed commissioned works with the Assai String Quartet. A CD is available of these works.

In 1970, Mr. Jamal performed the title tune by Johnny Mandel for the soundtrack of the film "Mash!"; and in 1995, two tracks from his hit album "But Not For Me" — 'Music, Music, Music', and 'Poinciana' — were featured in the Clint Eastwood film "The Bridges of Madison County".

Mr. Jamal's CD entitled "The Essence" features tenor saxophonist George Coleman — Mr. Jamal's first recording made with a horn! Critical acclaim and outstanding sales resulted in two prestigious awards: D'jango D'or (critics) and Cloch (for sales) in France. Its success generated a concert at Salle Pleyel, and a CD has been released "Ahmad Jamal a Paris" (1992) and a second "live" concert by Mr. Jamal in l996 under the same title, unissued except in France and available on the Dreyfus Records on the Internet, Mr. Jamal rightly considers one of his best recordings. Ahmad Jamal's 70th Birthday "live" concert recording Olympia 2000, is known as "The Essence Part III". "The Essence, Part II", featured Donald Byrd on the title track, and on his CD entitled "Nature", Stanley Turrentine is featured on 'The Devil's In My Den', and steel drummer Othello Molineaux augments the trio format. Continuing his recording career, Mr. Jamal released "In Search of" on CD, and his first DVD "Live In Baalbeck".

For students of the piano, Hal Leonard Publications has published "The Ahmad Jamal Collection", a collection of piano transcriptions. Mr. Jamal continues to record exclusively for the French Birdology label, and his albums are released on Verve and Atlantic in the United States.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ahmad-jamal/
Note: Ahmad Jamal died on 16 April 2023, Sheffield, Massachusetts, USA.

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En 1951, Jamal grabó por primera vez "Ahmad's Blues" en Okeh Records. Su arreglo de la melodía folk "Billy Boy" y "Poinciana" (que no es una composición original suya) también datan de esta época. En 1955, grabó su primer álbum para Argo (Chess) Records que incluía 'New Rhumba', 'Excerpts From The Blues', 'Medley' (en realidad 'I Don't Want To Be Kissed'), y 'It Ain't Necessarily So' -todas ellas utilizadas posteriormente por Miles Davis y Gil Evans en los álbumes "Miles Ahead" y "Porgy and Bess". En su autobiografía, el Sr. Davis alaba las especiales cualidades artísticas del Sr. Jamal y cita su influencia. De hecho, las grabaciones de mediados y finales de la década de 1950 del Quinteto de Miles Davis incluyen sobre todo material grabado previamente por el Sr. Jamal: "Squeeze Me", "It Could Happen To You", "But Not For Me", "Surrey With The Fringe On Top", "Ahmad's Blues", "On Green Dolphin Street" y "Billy Boy".

En 1956, el Sr. Jamal, al que ya se había unido el bajista Israel Crosby en 1955, sustituyó al guitarrista Ray Crawford por un batería. Trabajando como "trío de la casa" en el Hotel Pershing de Chicago, el batería Vernell Fournier se unió a este trío en 1958 y el Sr. Jamal grabó un álbum en directo para Argo Records titulado "But Not For Me". El exitoso sencillo y álbum resultante, que también incluía 'Poinciana' - su interpretación podría considerarse su "firma". Este álbum permaneció 108 semanas en las listas de los diez más vendidos, algo sin precedentes entonces para un álbum de jazz. Este éxito financiero permitió al Sr. Jamal hacer realidad un sueño, y abrió un restaurante/club, The Alhambra, en Chicago. Aquí, el Trío pudo actuar al tiempo que limitaba su programa de giras, y el Sr. Jamal pudo dedicarse a la producción discográfica y al trabajo comunitario.

Jamal nació el 2 de julio de 1930 en Pittsburgh (Pensilvania). Niño prodigio que empezó a tocar el piano a los 3 años, inició sus estudios formales a los 7 años. Mientras estudiaba en el instituto, completó el equivalente a clases magistrales universitarias con la célebre concertista y profesora afroamericana Mary Caldwell Dawson y el pianista James Miller. A los 14 años se afilió al sindicato de músicos y a los 17, tras graduarse en el Westinghouse High School, empezó a hacer giras y a recibir elogios de la crítica por sus solos. En 1950 formó su primer trío, The Three Strings. Actuando en el club neoyorquino The Embers, el productor discográfico John Hammond "descubrió" a The Three Strings y los contrató para Okeh Records (una división de Columbia, ahora Sony Records).

El Sr. Jamal ha seguido grabando sus extraordinarios arreglos originales de estándares como "I Love You", "A Time For Love", "On Green Dolphin Street" (¡mucho antes que Miles Davis!), "End of a Love Affair", por citar algunos. Las composiciones clásicas del Sr. Jamal comienzan con "Ahmad's Blues" (¡grabada por primera vez el 25 de octubre de 1951!), "New Rhumba", "Manhattan Reflections", "Tranquility", "Extensions", "The Awakening", "Night Mist Blues" y, más recientemente, "If I Find You Again", entre muchas otras...

En 1994, Jamal recibió el premio American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts. Ese mismo año fue nombrado becario Duke Ellington en la Universidad de Yale, donde interpretó obras por encargo con el Cuarteto de Cuerda Assai. Existe un CD con estas obras.

En 1970, Jamal interpretó el tema principal de Johnny Mandel para la banda sonora de la película "Mash!"; y en 1995, dos temas de su exitoso álbum "But Not For Me" -'Music, Music, Music' y 'Poinciana'- aparecieron en la película de Clint Eastwood "Los puentes de Madison County".

El CD del Sr. Jamal titulado "The Essence" cuenta con la participación del saxofonista tenor George Coleman - ¡la primera grabación del Sr. Jamal realizada con una trompa! El éxito de crítica y ventas le valieron dos prestigiosos galardones: D'jango D'or (por la crítica) y Cloch (por las ventas) en Francia. Su éxito generó un concierto en la Salle Pleyel, y se ha editado un CD "Ahmad Jamal a Paris" (1992) y un segundo concierto "en directo" del Sr. Jamal en l996 bajo el mismo título, inédito salvo en Francia y disponible en el Dreyfus Records en Internet, que el Sr. Jamal considera con razón una de sus mejores grabaciones. La grabación del concierto "en directo" del 70 cumpleaños de Ahmad Jamal, Olympia 2000, se conoce como "The Essence Part III". En "The Essence, Part II", participó Donald Byrd en el tema principal, y en su CD titulado "Nature", Stanley Turrentine aparece en 'The Devil's In My Den', y el steel drummer Othello Molineaux aumenta el formato de trío. Continuando con su carrera discográfica, el Sr. Jamal publicó "In Search of" en CD, y su primer DVD "Live In Baalbeck".

Para los estudiantes de piano, Hal Leonard Publications ha publicado "The Ahmad Jamal Collection", una colección de transcripciones para piano. El Sr. Jamal sigue grabando en exclusiva para el sello francés Birdology, y sus álbumes se publican en Verve y Atlantic en Estados Unidos.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ahmad-jamal/
Nota: Ahmad Jamal falleció el 16 de abril de 2023, Sheffield, Massachusetts, Estados Unidos.

ahmadjamal.com ...

Poncho Sanchez • Cambios

 

Review by Scott Yanow
Poncho Sanchez's many recordings for Concord Picante, going back to 1982, are quite consistent. Boppish solos mix in with an emphasis on Latin percussion to create high-quality, accessible Latin jazz. This particular CD is another delightful and infectious effort highlighted by a group vocal on "El Sabroson," melodic improvisations and the three exciting percussionists. Trombonist Art Velasco (featured on "In a Sentimental Mood") is powerful on "Pique" and emerges as the top soloist of the program, along with pianist David Torres (who is the musical director). Trumpeter Freddie Hubbard makes three guest appearances, but these are disappointments -- he is average on "Yesterdays" and "Sky Dive" and cracks an excess of notes on "My Foolish Heart." Otherwise, this is a rewarding and typically infectious Poncho Sanchez set.
https://www.allmusic.com/album/cambios-mw0000674272

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Reseña de Scott Yanow
Las muchas grabaciones de Poncho Sánchez para Concord Picante, que se remontan a 1982, son bastante consistentes. Los solos boppish se mezclan con énfasis en la percusión latina para crear jazz latino accesible y de alta calidad. Este CD en particular es otro esfuerzo delicioso e infeccioso destacado por una voz grupal en "El Sabroso", improvisaciones melódicas y los tres emocionantes percusionistas. El trombonista Art Velasco (presentado en "In a Sentimental Mood") es poderoso en "Pique" y emerge como el principal solista del programa, junto con el pianista David Torres(quien es el director musical). El trompetista Freddie Hubbard hace tres apariciones especiales , pero estas son decepciones: es promedio en "Yesterdays" y "Sky Dive" y rompe un exceso de notas en " My Foolish Heart."De lo contrario, este es un conjunto de Poncho Sánchez gratificante y típicamente infeccioso.
https://www.allmusic.com/album/cambios-mw0000674272


www.ponchosanchez.com ...

Ben Webster • Soulville

 

Review by Stephen Cook
The by turns grizzled and vaporous-toned Webster really hit his stride on the Verve label. During a stretch from roughly 1953-1959, the Ellington alumnus showcased his supreme playing with both combos and string sections, swingers and ballads -- and lurking beneath his blustery and hulking sound were solo lines brimming with sophistication and wit. This 1957 date with the Oscar Peterson Trio is one of the highlights of that golden '50s run. After starting off with two bluesy originals -- the slow burning title track and gutsy "Late Date" -- Webster gets to the heart of things on five wistful ballads: Here, his exquisitely sly "Makin' Whoopee" is only outdone by an incredibly nuanced "Where Are You." Providing sympathetic counterpoint, Peterson forgoes his usual pyrotechnics for some leisurely compact solos; his cohorts -- guitarist Herb Ellis, bassist Ray Brown, and drummer Stan Levey -- are equally assured and splendid. And ending the set with flair, Webster takes over the piano for three somewhat middling yet still impressive stride and boogie-woogie-styled numbers (these are his only piano recordings). Newcomers shouldn't hesitate to start here.
https://www.allmusic.com/album/soulville-mw0000198773

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Reseña de Stephen Cook
El por turnos canoso y de tonos vaporosos Webster realmente dio un gran paso en la etiqueta Verve. Durante un período comprendido aproximadamente entre 1953 y 1959, el alumno de Ellington mostró su interpretación suprema con combos y secciones de cuerdas, swingers y baladas, y acechando debajo de su sonido ventoso y corpulento había líneas en solitario llenas de sofisticación e ingenio. Esta cita de 1957 con el Trío Oscar Peterson es uno de los aspectos más destacados de esa carrera dorada de los 50. Después de comenzar con dos originales de blues, la canción principal de combustión lenta y la valiente "Late Date", Webster llega al meollo de las cosas en cinco baladas melancólicas: Aquí, su exquisitamente astuta "Makin' Whoopee "solo es superada por una increíblemente matizada" Where Are You."Proporcionando un contrapunto comprensivo, Peterson renuncia a su pirotecnia habitual por algunos solos compactos y tranquilos; sus cohortes, el guitarrista Herb Ellis, el bajista Ray Brown y el baterista Stan Levey, están igualmente seguros y espléndidos. Y terminando el set con estilo, Webster se hace cargo del piano durante tres números algo mediocres pero aún impresionantes de zancada y estilo boogie-woogie (estas son sus únicas grabaciones para piano). Los recién llegados no deberían dudar en comenzar aquí.
https://www.allmusic.com/album/soulville-mw0000198773

Coleman Hawkins • Hawk Eyes

 

Review by Scott Yanow
Tenor-great Coleman Hawkins tended to be at his best when challenged by another horn player. On this highly enjoyable CD, Hawkins is joined by the superb trumpeter Charlie Shavers and a strong rhythm section that includes guitarist Tiny Grimes and pianist Ray Bryant. With such superior songs as "Through for the Night," "I Never Knew" and "La Rosita," in addition to long jams, plenty of fireworks occur during this frequently exciting session.
https://www.allmusic.com/album/hawk-eyes-mw0000194561

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Reseña de Scott Yanow
El gran tenor Coleman Hawkins tendía a estar en su mejor momento cuando era desafiado por otro trompetista. En este CD altamente disfrutable, Hawkins está acompañado por el magnífico trompetista Charlie Shavers y una fuerte sección rítmica que incluye al guitarrista Tiny Grimes y al pianista Ray Bryant. Con canciones de calidad superior como "Through for the Night", "I Never Knew" y "La Rosita", además de largas improvisaciones, se producen muchos fuegos artificiales durante esta sesión a menudo emocionante.
https://www.allmusic.com/album/hawk-eyes-mw0000194561

Enrico Pieranunzi • Monsieur Claude (A Travel With Claude Debussy)

 

www.enricopieranunzi.it ...

 

Maynard Ferguson • Boy With Lots Of Brass

 

Walter "Maynard" Ferguson was a Canadian-born jazz trumpet player and bandleader. He came to prominence playing in Stan Kenton's orchestra, before forming his own band in 1957. He was noted for being able to play accurately in a remarkably high register, and for his bands, which served as stepping stones for up-and-coming talent.

Early life and education
Ferguson was born in Verdun, Quebec (now part of Montreal). Encouraged by his mother and father (both musicians), Maynard was playing piano and violin by the age of four. At nine years old, he heard a cornet for the first time in his local church and asked his parents to purchase him one. At age 13, Ferguson first soloed as a child prodigy with the Canadian Broadcasting Corporation Orchestra and was heard frequently on the CBC, notably featured on a Serenade for Trumpet in Jazz written for him by Morris Davis. Ferguson won a scholarship to the French Conservatory of Music where he studied from 1943 through 1948 with Bernard Baker.

Ferguson dropped out of Montreal High School at age 15 to more actively pursue a music career, performing in dance bands led by Stan Wood, Roland David, and Johnny Holmes. While trumpet was his primary instrument, Ferguson also performed on other brass and reed instruments. Ferguson later took over the dance band formed by his brother Percy, playing dates in the Montreal area and serving as an opening act for touring bands from the United States. During this period, Ferguson came to the attention of numerous American band leaders and began receiving offers to come to the United States.

Ferguson moved to the United States in 1949 and initially played with the bands of Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey, and Charlie Barnet. The Barnet band was notable for a trumpet section that also included Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell, and Rolf Erickson. Ferguson was featured on a notoriously flamboyant Barnet recording of Jerome Kern's All The Things You Are that enraged Kern's widow and was subsequently withdrawn from sale. When Barnet temporarily retired in 1949 and disbanded his orchestra, Ferguson was free to accept an offer to join Stan Kenton's newly formed Innovations Orchestra.

Kenton and Hollywood
Stan Kenton had a longstanding offer to Ferguson but had temporarily disbanded when Ferguson moved to the United States. Kenton's bands were notable for their bombastic brass sections and Ferguson was a natural fit. In 1950, Kenton formed the Innovations Orchestra, a 40-piece jazz concert orchestra with strings, and with the folding of the Barnet band, Ferguson was available for the first rehearsal on January 1, 1950. While the Innovations Orchestra was not commercially successful, it made a number of remarkable recordings, including Maynard Ferguson, one of a series of pieces named after featured soloists.

When Kenton returned to a more practical 19-piece jazz band, Ferguson continued with him. Contrary to the natural assumption, Ferguson was not Kenton's lead trumpet player, but played the fifth chair with numerous solo features. Notable recordings from this period that feature Ferguson include Invention for Guitar and Trumpet, What's New and The Hot Canary.

In 1953, Ferguson left Kenton to become a first-call session player for Paramount Pictures. Ferguson appeared on 46 soundtracks including The Ten Commandments. Ferguson still recorded jazz during this period, but his Paramount contract prevented him from playing jazz clubs. While he enjoyed the regular paycheck, Ferguson was very unhappy with the lack of live performance opportunities and left Paramount in 1956.

The Birdland Dream Band
In 1956, Ferguson was tapped to lead the Birdland Dream Band, a 14-piece big band formed by Morris Levy as an "All-star" lineup to play at Levy's Birdland jazz club in New York City. While the name "Birdland Dream Band" was short-lived and is represented by only two albums, this band became the core of Ferguson's performing band for the next nine years. The band included, at various times, such players as Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry, and Don Menza. Arrangers included Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman, and Marty Paich.

As big bands declined in popularity and economic viability in the 1960s, Ferguson's band performed more infrequently. Ferguson began to feel musically stifled and sensed a resistance to change among American jazz audiences. According to a Down Beat interview, he was quoted as saying that if the band did not play Maria or Ole, the fans went home disappointed. Ferguson began performing with a sextet before finally officially disbanding his big band in 1967.

India and England
Following the path taken by many important jazz artists in the 1960s, Ferguson left the United States in 1968. Needing a period of spiritual exploration, Ferguson initially moved with his family to India and taught at the Krishnamurtl-based Rhishi Valley School near Madras. In 1969, he relocated to Manchester, England, manufacturing personally designed trumpets and mouthpieces and performing with a variety of ensembles in Europe.

In 1969 Ferguson signed with CBS Records in England and formed a big band with British musicians that performed in the newly popular jazz/rock fusion style. The band's repertoire included original compositions as well a pop and rock songs rearranged into a big band format with electronic amplification. This British band's output is represented by the four MF Horn albums that included very popular arrangements of the pop songs MacArthur Park and Hey Jude.

Return to the U.S.
Ferguson's new band made its North American debut in 1971. With a revived career, Ferguson relocated to New York in 1973 and gradually replaced his sidemen with American performers while reducing the band size to 12 (four trumpets, two trombones, three saxophones and three rhythm plus Maynard). The quintessential recording of this period is the album Live at Jimmys, recorded in 1973 in New York. Ferguson latched on to the burgeoning jazz education movement by recruiting talented musicians from colleges with jazz programs (notably Berklee College of Music, North Texas State University and the University of Miami) and targeting young audiences with performances and master classes in high schools. This practical and strategic move helped him develop a strong following that would sustain him for the remainder of his career.

In 1976, Ferguson began working with producer Bob James on a series of commercially successful albums that were complex studio productions featuring large groups of session musicians, including strings, vocalists and star guest soloists. The first of these albums was Primal Scream, featuring Chick Corea, Mark Colby, and Steve Gadd. The second, Conquistidor in 1977, resulted in a top-10 pop single, Gonna Fly Now (from the movie Rocky), a rare accomplishment for a jazz musician in the 1970s. Aside from an exciting Jay Chattaway arrangement and dense Bob James production, the single was also helped by the fact that it was released prior to the official soundtrack album of the hit movie. Ferguson maintained a hectic touring schedule during this period, with well-attended concerts that featured concert lighting and heavy amplification.

Ferguson continued with this musical model for the remainder of the 1970s, receiving considerable acclaim from audiences but often tepid response from jazz purists who decried his commercialism and questioned his taste. Ferguson reportedly also began to experience great frustration with Columbia over being unable to use his working band on recording projects and having difficulty including even a single jazz number on some albums. Ferguson's contract with Columbia Records expired after the 1982 release of the Hollywood album, produced by Stanley Clarke.

Ferguson recorded three big band albums with smaller labels in the mid '80s before forming a more economical fusion septet, High Voltage, in 1986. This ensemble, which featured multi-reed player Dennis DiBlasio as the only other horn player, recorded two albums and received mixed reviews. The format was ultimately unsatisfying to Ferguson, who had grown up in big bands and developed a performing style most appropriate to that structure.

Big Bop Nouveau
In 1988, Ferguson returned both to a large band format and to mainstream jazz with the formation of Big Bop Nouveau, a nine-piece band featuring three trumpets, one trombone, two reeds and a three-piece rhythm section. The band's repertoire included original jazz compositions and modern arrangements of jazz standards, with occasional pieces from his 70s book and the Birdland Dream Band. This format proved to be successful with audiences and critics and Ferguson toured nine months a year with Big Bop Nouveau for the remainder of his life. This band recorded extensively, including albums backing vocalists Dianne Shurr and Michael Feinstein.

Although in later years Ferguson did lose some of the range and phenominal accuracy of his youth, he remained an exciting performer into his late 70s. Just days after completing a weeklong run at New York's Blue Note and recording a studio album in New Jersey, Ferguson developed an abdominal infection that resulted in kidney and liver failure. Ferguson died on the evening of August 23, 2006 at the Community Memorial Hospital in Ventura, California.

Influence
Maynard Ferguson was one of a handful of virtuoso musician/bandleaders to survive the end of the big band era and the rise of rock and roll. He demonstrated a remarkable ability to adapt to the musical trends that evolved from the 1940's through the 2000's. Ferguson's albums show an evolution from big band swing, bebop, cool jazz, Latin, jazz/rock, fusion with classical and operatic influences.

While not the first trumpeter to play in the extreme upper register, Ferguson had a unique ability to play high notes with full, rich tone, power, and musicality. While regarded by some as showboating, Ferguson's phrasing and vibrato have been extremely influential on generations of trumpet players. With interviewers Ferguson shared that he was able to command the upper registers of the trumpet not so much with his 'lip', but more with the breath control he had discovered as a youngster playing the instrument while growing up in Montreal. Ferguson attributed the longevity of his demanding bravura trumpet technique through his later years to the spiritual and yoga studies he pursued while in India.

While Ferguson's range was his most obvious attribute, his personal charisma was also a significant factor in his success. Through his devotion to music education in America, Ferguson was able to impart the spirit of his jazz playing and technique to scores of amateur and professional trumpeters during the many Master Classes held throughout his long career.

Ferguson popularized and enhanced two unique instruments - a trumpet with both traditional valves (played with the left hand rather than the right) and a trombone-style slide called the 'Firebird' as well as a trombone with both a slide and valves called 'Superbone.' Ferguson regularly incorporated Indian instruments and influences in albums and concerts.

Personal Life
While Ferguson's life had its ups and downs, Ferguson was fortunate to have evaded the destructive behaviors that bedeviled so many other artists of his generation. In the mid 1970s, Ferguson resettled to Ojai, California, where he lived to the end of his life. Ferguson's first marriage was to singer / actress Kay Brown in 1951. Maynard second marriage to Flo Ferguson lasted until her death on February 27, 2005. Ferguson had four daughters: Kim, Lisa, Corby, and Wilder. Kim Ferguson is married to Maynard's former road manager, Jim Exon. Wilder Ferguson is married to pianist (and former Big Bop Nouveau member) Christian Jacob. At the time of his death, Ferguson had a granddaugher, Erica.

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Walter "Maynard" Ferguson fue un trompetista de jazz y director de orquesta nacido en Canadá. Saltó a la fama tocando en la orquesta de Stan Kenton, antes de formar su propia banda en 1957. Se destacó por ser capaz de tocar con precisión en un registro notablemente alto y por sus bandas, que sirvieron como trampolines para el talento emergente.

Vida temprana y educación
Ferguson nació en Verdún, Quebec(ahora parte de Montreal). Animado por su madre y su padre (ambos músicos), Maynard tocaba el piano y el violín a los cuatro años. A los nueve años, escuchó una corneta por primera vez en su iglesia local y les pidió a sus padres que le compraran una. A los 13 años, Ferguson tocó por primera vez en solitario como un niño prodigio con la orquesta de la Canadian Broadcasting Corporation y se le escuchó con frecuencia en la CBC, destacando en una Serenata para Trompeta en Jazz escrita para él por Morris Davis. Ferguson ganó una beca para el Conservatorio Francés de Música, donde estudió de 1943 a 1948 con Bernard Baker.

Ferguson abandonó la Escuela secundaria de Montreal a los 15 años para seguir más activamente una carrera musical, actuando en bandas de baile dirigidas por Stan Wood, Roland David y Johnny Holmes. Si bien la trompeta era su instrumento principal, Ferguson también tocaba otros instrumentos de metal y lengüeta. Ferguson luego se hizo cargo de la banda de baile formada por su hermano Percy, tocando en el área de Montreal y sirviendo como telonero de bandas de gira de los Estados Unidos. Durante este período, Ferguson llamó la atención de numerosos líderes de bandas estadounidenses y comenzó a recibir ofertas para venir a los Estados Unidos.

Ferguson se mudó a los Estados Unidos en 1949 e inicialmente tocó con las bandas de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey y Charlie Barnet. La Barnet Band se destacó por una sección de trompeta que también incluía a Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell y Rolf Erickson. Ferguson apareció en una grabación notoriamente extravagante de Barnet de All The Things You Are de Jerome Kern que enfureció a la viuda de Kern y posteriormente fue retirada de la venta. Cuando Barnet se retiró temporalmente en 1949 y disolvió su orquesta, Ferguson fue libre de aceptar una oferta para unirse a la recién formada Orquesta Innovations de Stan Kenton.

Kenton y Hollywood
Stan Kenton tenía una oferta de larga data a Ferguson, pero se había disuelto temporalmente cuando Ferguson se mudó a los Estados Unidos. Las bandas de Kenton se destacaban por sus secciones de metales grandilocuentes y Ferguson encajaba perfectamente. En 1950, Kenton formó la Innovations Orchestra, una orquesta de conciertos de jazz de 40 músicos con cuerdas, y con la disolución de Barnet band, Ferguson estuvo disponible para el primer ensayo el 1 de enero de 1950. Si bien la Innovations Orchestra no tuvo éxito comercial, realizó una serie de grabaciones notables, incluida Maynard Ferguson, una de una serie de piezas que llevan el nombre de solistas destacados.

Cuando Kenton regresó a una banda de jazz de 19 integrantes más práctica, Ferguson continuó con él. Contrariamente a la suposición natural, Ferguson no era el trompetista principal de Kenton, sino que tocaba la quinta silla con numerosas funciones solistas. Grabaciones notables de este período que presentan a Ferguson incluyen Invention for Guitar and Trumpet, What's New y The Hot Canary.

En 1953, Ferguson dejó Kenton para convertirse en un jugador de sesión de primera llamada para Paramount Pictures. Ferguson apareció en 46 bandas sonoras, incluidos Los Diez Mandamientos. Ferguson siguió grabando jazz durante este período, pero su contrato con Paramount le impidió tocar en clubes de jazz. Si bien disfrutaba del sueldo regular, Ferguson estaba muy descontento con la falta de oportunidades de presentaciones en vivo y dejó Paramount en 1956.

La Banda de los Sueños de Birdland
En 1956, Ferguson fue elegido para dirigir Birdland Dream Band, una big band de 14 integrantes formada por Morris Levy como formación "All-star" para tocar en el club de jazz Birdland de Levy en la ciudad de Nueva York. Si bien el nombre "Birdland Dream Band" duró poco y está representado por solo dos álbumes, esta banda se convirtió en el núcleo de la banda de Ferguson durante los siguientes nueve años. La banda incluyó, en varias ocasiones, a músicos como Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry y Don Menza. Los arreglistas incluyeron a Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman y Marty Paich.

A medida que las grandes bandas disminuyeron en popularidad y viabilidad económica en la década de 1960, la banda de Ferguson actuó con menos frecuencia. Ferguson comenzó a sentirse sofocado musicalmente y sintió una resistencia al cambio entre el público estadounidense de jazz. Según una entrevista de Down Beat, fue citado diciendo que si la banda no tocaba con Maria u Ole, los fanáticos se iban a casa decepcionados. Ferguson comenzó a actuar con un sexteto antes de finalmente disolver oficialmente su big band en 1967.

India e Inglaterra
Siguiendo el camino tomado por muchos artistas de jazz importantes en la década de 1960, Ferguson abandonó los Estados Unidos en 1968. Necesitando un período de exploración espiritual, Ferguson inicialmente se mudó con su familia a la India y enseñó en la Escuela Rhishi Valley School, con sede en Krishnamurtl, cerca de Madrás. En 1969, se mudó a Manchester, Inglaterra, fabricando trompetas y boquillas diseñadas personalmente y actuando con una variedad de conjuntos en Europa.

En 1969 Ferguson firmó con CBS Records en Inglaterra y formó una big band con músicos británicos que actuaron en el nuevo estilo popular de fusión de jazz / rock. El repertorio de la banda incluía composiciones originales, así como canciones de pop y rock reorganizadas en un formato de big band con amplificación electrónica. La producción de esta banda británica está representada por los cuatro álbumes de MF Horn que incluyeron arreglos muy populares de las canciones pop MacArthur Park y Hey Jude.

Regreso a los EE. UU.
La nueva banda de Ferguson hizo su debut en Norteamérica en 1971. Con una carrera revivida, Ferguson se mudó a Nueva York en 1973 y gradualmente reemplazó a sus acompañantes con artistas estadounidenses mientras reducía el tamaño de la banda a 12 (cuatro trompetas, dos trombones,tres saxofones y tres ritmos más Maynard). La grabación por excelencia de este período es el álbum Live at Jimmys, grabado en 1973 en Nueva York. Ferguson se aferró al floreciente movimiento educativo del jazz reclutando músicos talentosos de universidades con programas de jazz (en particular, Berklee College of Music, North Texas State University y University of Miami) y dirigiéndose al público joven con actuaciones y clases magistrales en escuelas secundarias. Este movimiento práctico y estratégico lo ayudó a desarrollar un gran número de seguidores que lo mantendrían durante el resto de su carrera.

En 1976, Ferguson comenzó a trabajar con el productor Bob James en una serie de álbumes de éxito comercial que fueron producciones de estudio complejas con grandes grupos de músicos de sesión, incluidos cuerdas, vocalistas y solistas invitados estrella. El primero de estos álbumes fue Primal Scream, con Chick Corea, Mark Colby y Steve Gadd. El segundo, Conquistador en 1977, resultó en un sencillo pop entre los 10 primeros, Gonna Fly Now (de la película Rocky), un logro poco común para un músico de jazz en la década de 1970. Aparte de un emocionante arreglo de Jay Chattaway y una densa producción de Bob James, el sencillo también fue ayudado por el hecho de que fue lanzado antes del álbum oficial de la banda sonora de la exitosa película. Ferguson mantuvo un agitado calendario de giras durante este período, con conciertos muy concurridos que presentaban iluminación de conciertos y una gran amplificación.

Ferguson continuó con este modelo musical durante el resto de la década de 1970, recibiendo elogios considerables del público, pero a menudo una tibia respuesta de los puristas del jazz que criticaron su comercialismo y cuestionaron su gusto. Según los informes, Ferguson también comenzó a experimentar una gran frustración con Columbia por no poder usar su banda de trabajo en proyectos de grabación y tener dificultades para incluir incluso un solo número de jazz en algunos álbumes. El contrato de Ferguson con Columbia Records expiró después del lanzamiento en 1982 del álbum Hollywood, producido por Stanley Clarke.

Ferguson grabó tres álbumes de big band con sellos más pequeños a mediados de los 80 antes de formar un septeto de fusión más económico, High Voltage, en 1986. Este conjunto, que presentaba al músico de lengüetas múltiples Dennis DiBlasio como el único otro trompetista, grabó dos álbumes y recibió críticas mixtas. El formato finalmente fue insatisfactorio para Ferguson, quien había crecido en grandes bandas y había desarrollado un estilo de interpretación más apropiado para esa estructura.

Big Bop Nuevo
En 1988, Ferguson regresó tanto a un formato de banda grande como al jazz convencional con la formación de Big Bop Nouveau, una banda de nueve integrantes con tres trompetas, un trombón, dos lengüetas y una sección rítmica de tres piezas. El repertorio de la banda incluía composiciones originales de jazz y arreglos modernos de estándares de jazz, con piezas ocasionales de su libro de los 70 y Birdland Dream Band. Este formato resultó ser un éxito entre el público y la crítica y Ferguson realizó una gira nueve meses al año con Big Bop Nouveau durante el resto de su vida. Esta banda grabó extensamente, incluidos álbumes con los coristas Dianne Shurr y Michael Feinstein.

Aunque en años posteriores Ferguson perdió parte del alcance y la precisión fenomenal de su juventud, siguió siendo un intérprete emocionante hasta finales de los 70. Pocos días después de completar una carrera de una semana en Blue Note de Nueva York y grabar un álbum de estudio en Nueva Jersey, Ferguson desarrolló una infección abdominal que resultó en insuficiencia renal y hepática. Ferguson murió la noche del 23 de agosto de 2006 en el Community Memorial Hospital de Ventura, California.

Influencia
Maynard Ferguson fue uno de los pocos músicos/directores de orquesta virtuosos que sobrevivieron al final de la era de las big band y al auge del rock and roll. Demostró una notable habilidad para adaptarse a las tendencias musicales que evolucionaron desde la década de 1940 hasta la década de 2000. Los álbumes de Ferguson muestran una evolución del swing de big band, bebop, cool jazz, latín, jazz/rock, fusión con influencias clásicas y operísticas.

Aunque no fue el primer trompetista en tocar en el registro superior extremo, Ferguson tenía una habilidad única para tocar notas altas con un tono completo y rico, potencia y musicalidad. Aunque algunos lo consideran un espectáculo, el fraseo y el vibrato de Ferguson han sido extremadamente influyentes en generaciones de trompetistas. Con los entrevistadores, Ferguson compartió que podía dominar los registros superiores de la trompeta no tanto con su 'labio', sino más con el control de la respiración que había descubierto cuando era joven tocando el instrumento mientras crecía en Montreal. Ferguson atribuyó la longevidad de su exigente técnica de trompeta bravura durante sus últimos años a los estudios espirituales y de yoga que realizó mientras estaba en la India. Si bien el rango de Ferguson era su atributo más obvio, su carisma personal también fue un factor significativo en su éxito. A través de su devoción por la educación musical en Estados Unidos, Ferguson pudo impartir el espíritu de su interpretación y técnica de jazz a decenas de trompetistas aficionados y profesionales durante las numerosas Clases Magistrales impartidas a lo largo de su larga carrera. Ferguson popularizó y mejoró dos instrumentos únicos: una trompeta con válvulas tradicionales (tocadas con la mano izquierda en lugar de la derecha) y un tobogán estilo trombón llamado 'Firebird', así como un trombón con tobogán y válvulas llamado 'Superbone. Ferguson incorporó regularmente instrumentos e influencias indias en álbumes y conciertos . Vida Personal Si bien la vida de Ferguson tuvo sus altibajos, Ferguson tuvo la suerte de haber evadido los comportamientos destructivos que atormentaban a tantos otros artistas de su generación. A mediados de la década de 1970, Ferguson se reasentó en Ojai, California, donde vivió hasta el final de su vida. El primer matrimonio de Ferguson fue con la cantante y actriz Kay Brown en 1951. El segundo matrimonio de Maynard con Flo Ferguson duró hasta su muerte el 27 de febrero de 2005. Ferguson tuvo cuatro hijas: Kim, Lisa, Corby y Wilder. Kim Ferguson está casada con el ex road manager de Maynard, Jim Exon. Wilder Ferguson está casado con el pianista (y exmiembro de Big Bop Nouveau) Christian Jacob. En el momento de su muerte, Ferguson tenía una nieta, Erica.

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