egroj world: 2024

Friday, December 20, 2024

Duke Pearson • Dedication!

 



Review
by Ronnie D. Lankford, Jr.  
Recorded for a small label that proceeded to go broke, Dedication! would not be released until nine years after its initial recording. This seems odd considering the all-star cast of players. Pianist Duke Pearson is joined by trumpeter Freddie Hubbard, baritone player Pepper Adams, trombonist Willie Wilson, bassist Thomas Howard, and drummer Lex Humphries on seven selections. The set kicks off with Tommy Flanagan's "Minor Mishap," an upbeat piece that brings forth nice solos from everyone. This might be Pearson's session, but everybody is given plenty of room to cut loose. Wilson, for instance, is featured for the length of "The Nearness of You" and for a great deal of "Time After Time." This is fortunate in retrospect; he made few recordings and would pass away in 1963, two years after this record was made. Pearson also turns in a number of nice solos. Like Hank Jones, his light touch serves him well on instrumentals like "Blues for Alvina" and "Time After Time." The performances by Hubbard and Adams are topnotch throughout; they turn in first-rate work on numbers like Donald Byrd's "Lex" and the Pearson original "The Number Five." An important factor in the success of this album is the unusual combination of trumpet, trombone, and baritone saxophone that creates a resonant, full sound. Pearson would make a number of other fine recordings for Blue Note during the '60s, but none finer than this one. Dedication! serves as a fine introduction to a talented pianist.
https://www.allmusic.com/album/dedication%21-mw0000118750

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Revista
por Ronnie D. Lankford, Jr.  
Grabado para un pequeño sello que quebró, Dedication! no se publicaría hasta nueve años después de su grabación inicial. Esto parece extraño teniendo en cuenta el elenco de estrellas que lo componen. El pianista Duke Pearson está acompañado por el trompetista Freddie Hubbard, el barítono Pepper Adams, el trombonista Willie Wilson, el bajista Thomas Howard y el batería Lex Humphries en siete selecciones. El set comienza con "Minor Mishap" de Tommy Flanagan, una pieza alegre que ofrece buenos solos de todos. Puede que esta sea la sesión de Pearson, pero todos tienen mucho espacio para soltarse. Wilson, por ejemplo, aparece durante toda "The Nearness of You" y gran parte de "Time After Time". Esto es una suerte en retrospectiva; hizo pocas grabaciones y falleció en 1963, dos años después de que se grabara este disco. Pearson también hace varios buenos solos. Como Hank Jones, su toque ligero le sirve bien en instrumentales como "Blues for Alvina" y "Time After Time". Las interpretaciones de Hubbard y Adams son de primera categoría; hacen un trabajo de primera clase en temas como "Lex" de Donald Byrd y el original de Pearson "The Number Five". Un factor importante en el éxito de este álbum es la inusual combinación de trompeta, trombón y saxofón barítono, que crea un sonido resonante y pleno. Pearson realizaría otras buenas grabaciones para Blue Note durante los años 60, pero ninguna mejor que ésta. Dedication! es una buena introducción a un pianista de talento.
https://www.allmusic.com/album/dedication%21-mw0000118750


Bob Cooper • Coop!

 



Review
by Scott Yanow
Tenor saxophonist Bob Cooper's only Contemporary album (reissued on CD in the Original Jazz Classics series) is a near-classic and one of his finest recordings. Cooper, along with trombonist Frank Rosolino, vibraphonist Victor Feldman, pianist Lou Levy, bassist Max Bennett, and drummer Mel Lewis, performs colorful versions of five standards (best are "Confirmation," "Easy Living," and "Somebody Loves Me") that show off his attractive tone and ability to swing at any tempo. Half of the release consists of his "Jazz Theme and Four Variations," a very interesting work that holds together quite well throughout 23-and-a-half minutes and five movements. Three trumpeters (including Conte Candoli) and one trombone are added to make the ensembles richer. This set is an underrated gem.
https://www.allmusic.com/album/coop%21-the-music-of-bob-cooper-mw0000202936

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Reseña
por Scott Yanow
El único álbum Contemporary del saxofonista tenor Bob Cooper (reeditado en CD en la serie Original Jazz Classics) es casi un clásico y una de sus mejores grabaciones. Cooper, junto con el trombonista Frank Rosolino, el vibrafonista Victor Feldman, el pianista Lou Levy, el bajista Max Bennett y el batería Mel Lewis, interpreta coloridas versiones de cinco estándares (los mejores son "Confirmation", "Easy Living" y "Somebody Loves Me") que muestran su atractivo tono y su habilidad para el swing a cualquier tempo. La mitad del disco consiste en su "Jazz Theme and Four Variations", una obra muy interesante que se mantiene bastante bien a lo largo de 23 minutos y medio y cinco movimientos. Se añaden tres trompetistas (incluido Conte Candoli) y un trombón para enriquecer el conjunto. Este conjunto es una joya infravalorada.
https://www.allmusic.com/album/coop%21-the-music-of-bob-cooper-mw0000202936


Peter Nero • Plays Love Is Blue


www.peternero.com ...

VA • Search for Atlantis


Fabrizio Fornaci • Gypsy Jazz

 



Fabrizio Fornaci (Roma, 3 febbraio 1959) è un compositore, tastierista e produttore discografico italiano.
Attivo da anni nel campo delle musiche di commento, colonne sonore e sigle, ha composto per trasmissioni televisive quali Geo & Geo (oltre 100 documentari), Totò, un altro pianeta (da cui è stato estratto un CD), La grande storia, Sereno variabile, nonché per la serie Sensualità a corte di Marcello Cesena all’interno dei programmi Mai dire… della Gialappa’s Band.
Per il cinema ha realizzato le colonne sonore di oltre 20 film del regista Joe D’Amato ed ha composto brani per altri film, tra i quali «Non ho sonno» di Dario Argento.
Nell’ambito della discografia, ha curato produzioni artistiche e arrangiamenti per vari artisti, tra cui il cantautore Stefano Rossi Crespi (CD Vola via). Nel 2006 ha vinto il “disco d’oro” con il brano «Christmas 3» cantato dal gruppo Neri per caso interpretato successivamente anche da Antonella Ruggiero.


Bijaya Vaidya • Bijaya - The Power of Music


 
Bijaya Vaidya is a legendary Sitar Virtuoso of Nepal. He has performed in thousands of concerts in major cities around the globe - most of his performance completely dedicated to charity and fund raising for social works. This acclaim comes out from his long years of efforts in promoting Nepali music and opening new doors for the Nepali music industry. He has been promoting all genre of music from eastern classical, rock and roll to the Celtic forms of music. Because of his broad experiences he is very well versed in the cultural and social life of Nepal and his people. Bijaya also advocates for peace and harmony on planet Earth.
He was placed first in Nepal and third on the Bachelors of Music examination of Prayag Sangit Samitee and also finishes his Master’s Degree in Music from Prayag Sangit Samitee Music Academy in Allahabad, India and Bachelor of Arts from Tribhuvan University, Kathmandu, Nepal.
Bijaya started his musical carrier when he was 16 under the teaching of Mamta Pradhan and Tara Bir Tuladhar.
Musical Journey
These days Bijaya performs as Rock Sitar with the mixer sound of Mountain, Hills and Flat land of Nepal with Western and Eastern Instrument.
Bijaya perform his compositions with a most experience artists. Rock Sitar is new concept of music through plugged-on Sitar. Mostly he works with flute and percussion, also sometimes he use orchestral tradition combination with western music. He had also performed joint concert title so close so far with Celtic music group Arz Nevez from France. He has done several concerts of rock music with Louis Bertignac Guitar hero of France.
Bijaya Vaidya is also a founder of Sur Sudha-a celebrated musical instrumental performing group in Nepal’s musical history, actually pioneered all the way to fame, back in the 90s. Bijaya vaidya has toured extensively cross the globe and boasts performances in celebrity arenas such as Olympia in France. This time around, Bijaya Vaidya has reinvented his artistic effort in the form of a Rock Sitar. After creating his own costume design standing electric Sitar with different type of pickups and tap microphone for better quality electric sound of standing electric Sitar. He create concept of Rock Sitar. This Rock Sitar spectacle is indeed a novelty because he in fact plays it standing, quite a contrast from the traditional style of playing Sitar whilst sitting. Perhaps what is most noteworthy of the Rock Sitar, from the other conventional Sitars, is undoubtedly with different flavor of new innovation sound mixed with rock feeling with world and traditional music. New way of Sitar composition and also a finding another dimension for Sitar music.
The Rock Sitar group of instrumentalists delivers a meditational vibration of music showcasing only their instruments without much if at all any vocal exhibition, therefore allowing the listener to truly become absorbed in real soulful meditation. This Nepalese ensemble of musicianship is a culture all in itself. Art has always been the basis of rich culture, since time immemorial. Rock Sitar conveys this principle of art, through musical content with titles like, 'Mother Nature' or ’Eternal Bond', songs which in essence imbibe a real mood of humanity. Bijaya Vaidya as Rock Sitar aims at conveying the higher values of life, to the secular society of our world today Peace, Love, friendship and liberty. In Nepal Rock Sitar’s works are greatly anticipated and the performing group has commanded a commendable response from the public, at their live shows in diverse audiences even in Nepal. Rock Sitar may very well be rightfully deemed ambassadors of Nepal on account that music is humanity's Linga Franca, the unifying dialect which we all speak, such that Bijaya Vaidya, as musical royalty of Nepal, easily figures representative.
Note: Bijaya Vaidya passed away in 2018.
 
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Bijaya Vaidya es un legendario virtuoso del sitar de Nepal. Ha dado miles de conciertos en las principales ciudades del mundo, la mayoría de ellos dedicados a la caridad y a la recaudación de fondos para obras sociales. Este reconocimiento se debe a sus largos años de esfuerzos por promover la música nepalí y abrir nuevas puertas a la industria musical nepalí. Ha promovido todos los géneros musicales, desde la música clásica oriental y el rock and roll hasta las formas de música celta. Gracias a su amplia experiencia, conoce muy bien la vida cultural y social de Nepal y de su pueblo. Bijaya también aboga por la paz y la armonía en el planeta Tierra.
Ha obtenido el primer puesto en Nepal y el tercero en el examen de licenciatura en música de Prayag Sangit Samitee y también ha terminado su máster en música en la Academia de Música Prayag Sangit Samitee de Allahabad (India) y su licenciatura en artes en la Universidad Tribhuvan de Katmandú (Nepal).
Bijaya comenzó su carrera musical a los 16 años bajo la enseñanza de Mamta Pradhan y Tara Bir Tuladhar.
Trayectoria musical
En la actualidad, Bijaya interpreta Rock Sitar con el sonido mezclador de la montaña, las colinas y la tierra plana de Nepal con instrumentos occidentales y orientales.
Bijaya interpreta sus composiciones con los artistas más experimentados. Rock Sitar es un nuevo concepto de música a través de la Sitar enchufada. Principalmente trabaja con la flauta y la percusión, también a veces utiliza la combinación de la tradición orquestal con la música occidental. También ha realizado un concierto conjunto con el grupo de música celta Arz Nevez de Francia. Ha realizado varios conciertos de música rock con Louis Bertignac Guitar hero de Francia.
Bijaya Vaidya es también uno de los fundadores de Sur Sudha, un célebre grupo musical instrumental en la historia musical de Nepal, que fue pionero en alcanzar la fama en los años 90. Bijaya Vaidya ha realizado numerosas giras por todo el mundo y cuenta con actuaciones en escenarios de celebridades como el Olympia de Francia. Esta vez, Bijaya Vaidya ha reinventado su esfuerzo artístico en forma de Rock Sitar. Después de crear su propio diseño de vestuario de Sitar eléctrica de pie con diferentes tipos de pastillas y micrófono de grifo para una mejor calidad de sonido eléctrico de Sitar eléctrica de pie. Creó el concepto de Rock Sitar. Este espectáculo de la Sitar Rock es realmente una novedad porque la toca de pie, lo que contrasta con el estilo tradicional de tocar la Sitar sentado. Tal vez lo más destacable de la Rock Sitar, respecto a las otras Sitars convencionales, es sin duda el sabor diferente de la nueva innovación sonora mezclada con el sentimiento del rock con la música mundial y tradicional. Una nueva forma de componer la Sitar y también una búsqueda de otra dimensión para la música de Sitar.
El grupo de instrumentistas de Rock Sitar ofrece una vibración meditativa de la música mostrando sólo sus instrumentos sin mucha o ninguna exhibición vocal, por lo tanto, permitiendo que el oyente realmente se absorba en una verdadera meditación del alma. Este conjunto musical nepalí es una cultura en sí misma. El arte siempre ha sido la base de una rica cultura, desde tiempos inmemoriales. Rock Sitar transmite este principio del arte, a través de contenidos musicales con títulos como "Madre Naturaleza" o "Vínculo Eterno", canciones que en esencia imbuyen un verdadero estado de ánimo de la humanidad. Bijaya Vaidya como Rock Sitar tiene como objetivo transmitir los valores superiores de la vida, a la sociedad secular de nuestro mundo de hoy Paz, Amor, amistad y libertad. En Nepal, las obras de Rock Sitar son muy esperadas y el grupo de intérpretes ha obtenido una respuesta encomiable del público, en sus espectáculos en vivo en diversas audiencias incluso en Nepal. Rock Sitar puede ser considerado con razón embajador de Nepal, ya que la música es la Linga Franca de la humanidad, el dialecto unificador que todos hablamos, y Bijaya Vaidya, como realeza musical de Nepal, es fácilmente representativo. 
Nota: Bijaya Vaidya fallecio en 2018.



John McLaughlin • Trio Of Doom

 


Biography by Thom Jurek
One of fusion's most virtuosic guitar soloists, John McLaughlin placed his blazing speed in the service of a searching spiritual passion that has kept his music evolving and open to new influences. Whether shredding on electric or simmering quietly on acoustic, McLaughlin's intensity and versatility have kept his playing vital. His best early moments appear on some of fusion's greatest recordings, including Miles Davis' Bitches Brew and Tribute to Jack Johnson, as well as his own Mahavishnu Orchestra's seminal The Inner Mounting Flame (1971) and Birds of Fire (1973). In 1976, he formed the acoustic Indo-jazz quartet Shakti, who released three acclaimed albums, and he continued to balance his time between electric and acoustic projects. The latter's most notable efforts include Friday Night in San Francisco with guitarists Al Di Meola and Paco de Lucia in 1981. His fusion outings continued to break new ground, including 1978's Electric Guitarist and 1995's The Promise. In the 21st century, McLaughlin kept delivering diverse projects, but his focus was once again on incorporating fusion from both ends of the rock and jazz spectrum, as evidenced by 2008's Floating Point, 2015's post-psychedelic Black Light, and 2021's Liberation Time.

McLaughlin was born January 4, 1942, in Yorkshire, England, and began playing guitar at age 11. Initially attracted to blues and swing, he worked with British artists like Georgie Fame, Graham Bond, Brian Auger, and Ginger Baker. McLaughlin formed his own band in 1968 and recorded the excellent debut Extrapolation in early 1969. Later that year he moved to New York to join Tony Williams' groundbreaking fusion band Lifetime, and appeared on the classic Emergency! Through Williams, McLaughlin was invited to join Miles Davis' band, and became an important part of fusion landmarks like In a Silent Way, Bitches Brew, and A Tribute to Jack Johnson. In 1970, wanting to explore acoustic and Eastern music, McLaughlin recorded the classic My Goal's Beyond; he soon left Davis, and after one further solo album, Devotion, McLaughlin spent some time woodshedding.

He re-emerged in 1971 as leader of the Mahavishnu Orchestra, a seminal band that did much to define and popularize early jazz-rock fusion, as evidenced by the albums The Inner Mounting Flame, Birds of Fire, and Visions of the Emerald Beyond. Pausing to record Love Devotion Surrender with Carlos Santana in 1972, McLaughlin led Mahavishnu until 1975. Returning to spiritual preoccupations on My Goal's Beyond, he then formed Shakti, which fused acoustic jazz with Indian music over the course of three albums. McLaughlin returned to his solo career in the late '70s, forming a backing outfit called the One Truth Band, and also recording the guitar trio albums Friday Night in San Francisco and Passion, Grace & Fire with fellow fusion burner Al di Meola and flamenco guitarist Paco de Lucia. As the '80s went along, McLaughlin experimented with classical-jazz hybrid composing; there was also a short-lived Mahavishnu reunion in the mid-'80s.

John McLaughlin Plays Bill Evans
In the '90s, McLaughlin continued to record steadily in both electric and acoustic groups. He signed to Verve, where he would remain for 13 years. Some of the more notable albums from that period include the acoustic Time Remembered: John McLaughlin Plays Bill Evans in 1993; After the Rain with Elvin Jones and Joey DeFrancesco in 1995; and 1996's The Promise, which featured the guitarist in a number of settings, including a reunion with his acoustic trio partners di Meola and de Lucia, and a trio with DeFrancesco and drummer Dennis Chambers. The drummer was also a part of McLaughlin's final album of the decade, Heart of Things, a furious bout of electric jazz.

The 21st century found McLaughlin in another nostalgic mood, releasing Remember Shakti: The Believer, a live set featuring the guitarist (playing electric guitar) with electric mandolinist U. Shrinivas, kanjira and ghatam player V. Selvaganesh, and legendary tabla player Zakir Hussain. While it wasn't a Shakti album proper, it nonetheless echoed that group's intricate and amazing rhythmic and harmonic breakthroughs. The group toured and released Saturday Night in Bombay a year later. McLaughlin's Euro-classical-leaning Thieves and Poets appeared in 2003. The following year, WEA in Germany issued the massive 17-CD box set of McLaughlin's Montreux Concerts, which featured performances recorded between 1974 and 1996. Industrial Zen, released in 2006, was a mixed-bag recording where the guitarist's ambitions ran wild. It was his final album for Verve.

In 2008, McLaughlin issued Floating Point, an extension of many of the concepts on Industrial Zen, on the Abstract Logix imprint. The final track on that album was entitled "Five Peace Band"; it served as the name for a supergroup assembled by McLaughlin and Chick Corea for a one-off world tour. The other members were saxophonist Kenny Garrett, drummer Vinnie Colaiuta, and bassist Christian McBride; an album of the same name was released in 2009 on Concord. To the One, issued in 2010, debuted his new 4th Dimension band, whose lineup included veterans of his other groups: Gary Husband on keyboards and drums, Etienne Mbappe on electric bass, and drummer Mike Mondesir. This group became a collaborative, creative anchor for the guitarist, much as the early Mahavishnu Orchestra had been.

McLaughlin resurfaced two years later with Now Here This. The album featured the lone change in the 4th Dimension lineup as drummer and vocalist Ranjit Barot replaced Mondesir. Barot had collaborated with the guitarist on Floating Point but was long established and celebrated as a film composer, music director, arranger, and vocalist. He was also a longtime associate of filmmaker/composer A.R. Rahman. This group toured the world and followed up with Now Here This in 2012. They were captured live on-stage during the last night of a tour at the Berklee College of Music; the set was released as The Boston Record in 2014.

Over the previous couple of years, McLaughlin had been in communication again with longtime friend de Lucia in hopes of recording together. It never happened. The Spanish guitarist passed away in February of 2014. McLaughlin and 4th Dimension released Black Light in the fall of 2015. Among its tracks was the acoustic number "El Hombre Que Sabia," a tribute to the flamenco master. A concert album also featuring the ensemble, Live at Ronnie Scott's, appeared in 2017. That same year, McLaughlin embarked on what he described as a farewell tour, playing songs from Mahavishnu Orchestra's extensive catalog. In 2018, Abstract Logix issued Live in San Francisco -- a souvenir of a sold-out concert at the historic Warfield Theatre, where the guitarist last played 36 years earlier. His 4th Dimension band played encores of classic Mahavishnu Orchestra tunes with guitarist Jimmy Herring's nine-piece orchestra the Invisible Whip.

Back in 2013, in the aftermath of a Remember Shakti quintet tour that McLaughlin, composer and singer Shankar Mahadevan, and tabla master Ustad Zakir Hussain undertook, the guitarist approached the others about forming a group that would experiment with Indian classical music and improvisation. It took six years to synchronize schedules due to the commitments of all three men, and to assemble and/or compose material before recording. In September 2019, the preview track "Sakhi" was released to the internet. The tune had been written in the early '70s for Shakti and played live but was never recorded until McLaughlin formed this band. Titled Is That So?, the studio album was co-billed to all three musicians and was issued by Abstract Logix.

McLaughlin continued to record during the COVID-19 pandemic, composing, arranging, and recording via the internet, a series of tunes with a variety of collaborators in several ensembles. They included 4th Dimension, saxophonist Julian Siegel, pianists Roger Rossignol and Oz Ezzeldin, drummers Vinnie Colaiuta, Jean Michel "Kiki" Aublette (who also played bass) and Nicholas Viccaro, and bassists Sam Burgess and Jerome Regard. The eight-track Liberation Time was released in July 2021.
https://www.allmusic.com/artist/john-mclaughlin-mn0000223701#biography

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Biografía de Thom Jurek
John McLaughlin, uno de los solistas de guitarra más virtuosos de fusion, puso su velocidad vertiginosa al servicio de una pasión espiritual en búsqueda que ha mantenido su música en evolución y abierta a nuevas influencias. Ya sea triturando con electricidad o hirviendo silenciosamente con acústica, la intensidad y versatilidad de McLaughlin han mantenido vital su interpretación. Sus mejores momentos tempranos aparecen en algunas de las mejores grabaciones de fusion, incluidas Bitches Brew de Miles Davis y Tribute to Jack Johnson, así como el seminal de su propia orquesta Mahavishnu The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973). En 1976, formó el cuarteto acústico de Indo-jazz Shakti, que lanzó tres álbumes aclamados, y continuó equilibrando su tiempo entre proyectos eléctricos y acústicos. Los esfuerzos más notables de este último incluyen Friday Night in San Francisco con los guitarristas Al Di Meola y Paco de Lucía en 1981. Sus salidas de fusión continuaron abriendo nuevos caminos, incluido Electric Guitarist de 1978 y The Promise de 1995. En el siglo XXI, McLaughlin siguió entregando diversos proyectos, pero una vez más se centró en incorporar la fusión de ambos extremos del espectro del rock y el jazz, como lo demuestran Floating Point de 2008, Black Light post-psicodélico de 2015 y Liberation Time de 2021.

McLaughlin nació el 4 de enero de 1942 en Yorkshire, Inglaterra, y comenzó a tocar la guitarra a los 11 años. Inicialmente atraído por el blues y el swing, trabajó con artistas británicos como Georgie Fame, Graham Bond, Brian Auger y Ginger Baker. McLaughlin formó su propia banda en 1968 y grabó el excelente debut Extrapolation a principios de 1969. Más tarde ese año se mudó a Nueva York para unirse a la innovadora banda de fusión Lifetime de Tony Williams, y apareció en el clásico Emergency! A través de Williams, McLaughlin fue invitado a unirse a la banda de Miles Davis y se convirtió en una parte importante de hitos de la fusión como In a Silent Way, Bitches Brew y A Tribute to Jack Johnson. En 1970, queriendo explorar la música acústica y oriental, McLaughlin grabó el clásico My Goal's Beyond; pronto dejó Davis, y después de otro álbum en solitario, Devotion, McLaughlin pasó un tiempo como leñador.

Resurgió en 1971 como líder de la Orquesta Mahavishnu, una banda seminal que hizo mucho para definir y popularizar la fusión temprana de jazz-rock, como lo demuestran los álbumes The Inner Mounting Flame, Birds of Fire y Visions of the Emerald Beyond. Haciendo una pausa para grabar Love Devotion Surrender con Carlos Santana en 1972, McLaughlin dirigió Mahavishnu hasta 1975. Volviendo a las preocupaciones espirituales sobre My Goal's Beyond, luego formó Shakti, que fusionó el jazz acústico con la música india en el transcurso de tres álbumes. McLaughlin regresó a su carrera en solitario a fines de los 70, formando un grupo de acompañamiento llamado One Truth Band, y también grabando los álbumes del trío de guitarras Friday Night in San Francisco y Passion, Grace & Fire con su compañero quemador de fusión Al di Meola y el guitarrista flamenco Paco de Lucía. A medida que avanzaban los 80, McLaughlin experimentó con la composición híbrida de jazz clásico; también hubo una reunión efímera de Mahavishnu a mediados de los 80.

John McLaughlin interpreta a Bill Evans
En los años 90, McLaughlin continuó grabando de manera constante en grupos eléctricos y acústicos. Firmó con Verve, donde permanecería durante 13 años. Algunos de los álbumes más notables de ese período incluyen the acoustic Time Remembered: John McLaughlin interpreta a Bill Evans en 1993; After the Rain con Elvin Jones y Joey DeFrancesco en 1995; y The Promise de 1996, que presentó al guitarrista en varios escenarios, incluida una reunión con sus compañeros de trío acústico di Meola y de Lucia, y un trío con DeFrancesco y el baterista Dennis Chambers. El baterista también formó parte del último álbum de McLaughlin de la década, Heart of Things, un furioso ataque de jazz eléctrico.

El siglo XXI encontró a McLaughlin en otro estado de ánimo nostálgico, lanzando Remember Shakti: The Believer, un set en vivo con el guitarrista (tocando la guitarra eléctrica) con el mandolinista eléctrico U. Shrinivas, el intérprete de kanjira y ghatam V. Selvaganesh y el legendario intérprete de tabla Zakir Hussain. Si bien no era un álbum de Shakti propiamente dicho, se hizo eco de los intrincados y sorprendentes avances rítmicos y armónicos de ese grupo. El grupo realizó una gira y lanzó Saturday Night in Bombay un año después. Thieves and Poets, de McLaughlin, de tendencia euroclásica, apareció en 2003. Al año siguiente, WEA en Alemania lanzó la enorme caja recopilatoria de 17 CD de Mclaughlin's Montreux Concerts, que incluía actuaciones grabadas entre 1974 y 1996. Industrial Zen, lanzado en 2006, fue una grabación mixta en la que las ambiciones del guitarrista se volvieron locas. Fue su último álbum para Verve.

En 2008, McLaughlin publicó Floating Point, una extensión de muchos de los conceptos sobre Zen Industrial, en el sello Abstract Logix. La última pista de ese álbum se tituló "Five Peace Band"; sirvió como nombre para un supergrupo reunido por McLaughlin y Chick Corea para una gira mundial única. Los otros miembros fueron el saxofonista Kenny Garrett, el baterista Vinnie Colaiuta y el bajista Christian McBride; un álbum del mismo nombre fue lanzado en 2009 en Concord. To the One, publicado en 2010, debutó con su nueva banda 4th Dimension, cuya formación incluía veteranos de sus otros grupos: Gary Husband en teclados y batería, Etienne Mbappe en bajo eléctrico y el baterista Mike Mondesir. Este grupo se convirtió en un ancla colaborativa y creativa para el guitarrista, al igual que lo había sido la primera Orquesta Mahavishnu.

McLaughlin resurgió dos años después con Now Here This. El álbum presentó el único cambio en la formación de 4th Dimension cuando el baterista y vocalista Ranjit Barot reemplazó a Mondesir. Barot había colaborado con el guitarrista en Floating Point, pero se estableció y celebró durante mucho tiempo como compositor de cine, director musical, arreglista y vocalista. También fue socio durante mucho tiempo del cineasta y compositor A. R. Rahman. Este grupo realizó una gira por el mundo y siguió con Now Here This en 2012. Fueron capturados en vivo en el escenario durante la última noche de una gira en el Berklee College of Music; el set fue lanzado como Boston Record en 2014.

Durante los dos años anteriores, McLaughlin había estado en comunicación nuevamente con su vieja amiga de Lucía con la esperanza de grabar juntos. Nunca sucedió. El guitarrista español falleció en febrero de 2014. McLaughlin y 4th Dimension lanzaron Black Light en el otoño de 2015. Entre sus temas se encontraba el número acústico "El Hombre Que Sabía", un homenaje al maestro flamenco. Un álbum de concierto también con el conjunto, Live at Ronnie Scott's, apareció en 2017. Ese mismo año, McLaughlin se embarcó en lo que describió como una gira de despedida, tocando canciones del extenso catálogo de Mahavishnu Orchestra. En 2018, Abstract Logix emitió Live in San Francisco a un recuerdo de un concierto con entradas agotadas en el histórico Warfield Theatre, donde el guitarrista tocó por última vez 36 años antes. Su banda de 4ta Dimensión tocó bises de melodías clásicas de Mahavishnu Orchestra con la orquesta de nueve piezas del guitarrista Jimmy Herring, the Invisible Whip.

En 2013, tras una gira del quinteto Remember Shakti que McLaughlin, el compositor y cantante Shankar Mahadevan y el maestro de tablas Ustad Zakir Hussain emprendieron, el guitarrista se acercó a los demás para formar un grupo que experimentara con la música clásica india y la improvisación. Tomó seis años sincronizar los horarios debido a los compromisos de los tres hombres, y ensamblar y/o componer material antes de grabar. En septiembre de 2019, se lanzó a Internet la pista de vista previa "Sakhi". La melodía había sido escrita a principios de los 70 para Shakti y tocada en vivo, pero nunca fue grabada hasta que McLaughlin formó esta banda. Titulado ¿Es Así?, el álbum de estudio fue facturado conjuntamente a los tres músicos y fue emitido por Abstract Logix.

McLaughlin continuó grabando durante la pandemia de COVID-19, componiendo, arreglando y grabando a través de Internet, una serie de melodías con una variedad de colaboradores en varios conjuntos. Entre ellos se encontraban 4th Dimension, el saxofonista Julian Siegel, los pianistas Roger Rossignol y Oz Ezzeldin, los bateristas Vinnie Colaiuta, Jean Michel "Kiki" Aublette (que también tocaba el bajo) y Nicholas Viccaro, y los bajistas Sam Burgess y Jerome Regard. El Tiempo de Liberación de ocho pistas se lanzó en julio de 2021.
https://www.allmusic.com/artist/john-mclaughlin-mn0000223701#biography


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Steve Wilson Quartet • Four For Time

 



 


Tomasz Stanko Quartet • Lontano

 



Tracks:
Review
by Thom Jurek
The change of direction on Lontano, the third release by Polish trumpeter Tomasz Stanko and his three young collaborators -- Marcin Wasilewski (piano), Slawomir Kurkiewicz (bass), and Michal Miskiewicz (drums) -- is startling. Whereas Soul of Things (2002) and Suspended Night (2004) focused on Stanko's increasing sense of balladry and structurally harmonic, assonant atmospheres, Lontano showcases a band confident enough after playing for five years to find real space for free improvisation. Recorded in the south of France instead of Oslo, producer Manfred Eicher works his name magic and allows stillness and silence to play as much a role as the performers engaging one another musically. The opening title track is the first of three such excursions with the title "Lontano." Here, Wasilewski's piano opens the door and allows for the band to haltingly and carefully enter the tune, contributing economically until a groove eventually develops out of one of Stanko's balladic ideas. Ever so slowly the beat becomes circular and focused, the band vamps on it, gradually gaining in intensity until it threatens to fall apart. But it never does. Instead the band winds it way back down into silence. "Cyrhia" begins as a thoughtful, hesitant ballad, but once more finds its way out into the world, entering it as a near-modal blues. "Kattorna" was originally performed by the Krzysztof Komeda group on its influential -- and groundbreaking -- album Astigmatic in 1965. Its angularity has been rounded off, but its sense of adventure is retained and Stanko's own economical style on playing, and then playing around its lyric line, is impressive, as is Kurkiewicz's empathic bassline. The other two "Lontano" pieces, at the middle and near the end of the disc, represent a kind of improvisation that actually sings. The interplay between the trio members and Stanko is instinctive. It's not nearly so hesitant and ranges farther than on "Lontano I." Lyricism and melodic ideas are never sacrificed in this kind of improvisation, but the playing is so free it nearly leaves the realm of jazz altogether. This is outside playing with heart, tenderness, and quiet beauty in its marrow. The silences on "Lontano III," are so vast, it's as if the listener can enter and remain inside any one of them. Indeed, this is music as poetry itself, a pure language at once crystalline and dreamy. The set closes with "Tale," a piece Stanko recorded on his ECM debut in 1975. This version reflects restraint in its more euphoric spaces. The idea of story comes from the slowly unfolding piano chords of Wasilewski, who urges the trumpeter on to solo until the end, not so much of the piece, but until the story is complete. Lontano is at once the distillation of 40 years of European vanguard jazz history, and at once the key in the door of the lock where it enters the world not as a music categorized by its instrumentation or personnel, but as music itself; where harmonics, space, and the improvisational language expressed in it transcends genre and classification. This band is simply astonishing, and Lontano is their most adventurous and cohesive recording yet.
https://www.allmusic.com/album/lontano-mw0000455051

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Reseña
por Thom Jurek
El cambio de dirección de Lontano, el tercer disco del trompetista polaco Tomasz Stanko y sus tres jóvenes colaboradores - Marcin Wasilewski (piano), Slawomir Kurkiewicz (bajo) y Michal Miskiewicz (batería) - es sorprendente. Mientras que Soul of Things (2002) y Suspended Night (2004) se centraban en el creciente sentido de la balada y las atmósferas estructuralmente armónicas y asonantes de Stanko, Lontano muestra a una banda lo suficientemente segura después de tocar durante cinco años como para encontrar un espacio real para la improvisación libre. Grabado en el sur de Francia en lugar de Oslo, el productor Manfred Eicher hace magia con su nombre y permite que la quietud y el silencio desempeñen un papel tan importante como el de la interacción musical entre los intérpretes. La canción que abre el disco es la primera de tres excursiones de este tipo tituladas "Lontano". Aquí, el piano de Wasilewski abre la puerta y permite a la banda entrar en la melodía de forma vacilante y cuidadosa, contribuyendo económicamente hasta que finalmente se desarrolla un ritmo a partir de una de las ideas baladísticas de Stanko. Poco a poco, el ritmo se vuelve circular y concentrado, y la banda se lanza sobre él, ganando gradualmente en intensidad hasta que amenaza con desmoronarse. Pero nunca lo hace. En lugar de eso, la banda vuelve al silencio. "Cyrhia" comienza como una balada reflexiva y vacilante, pero una vez más encuentra su camino hacia el mundo, entrando en él como un blues casi modal. "Kattorna" fue interpretada originalmente por el grupo de Krzysztof Komeda en su influyente -y rompedor- álbum Astigmatic en 1965. Su angulosidad se ha redondeado, pero se conserva su sentido de la aventura y el estilo económico propio de Stanko al tocar, y luego jugar en torno a su línea lírica, es impresionante, al igual que la empática línea de bajo de Kurkiewicz. Las otras dos piezas de "Lontano", a la mitad y cerca del final del disco, representan un tipo de improvisación que realmente canta. La interacción entre los miembros del trío y Stanko es instintiva. No es tan vacilante y llega más lejos que en "Lontano I". El lirismo y las ideas melódicas nunca se sacrifican en este tipo de improvisación, pero la interpretación es tan libre que casi abandona por completo el ámbito del jazz. Se trata de un toque exterior con corazón, ternura y una tranquila belleza en sus entrañas. Los silencios de "Lontano III" son tan vastos que parece como si el oyente pudiera entrar y permanecer en cualquiera de ellos. De hecho, se trata de música como la poesía misma, un lenguaje puro a la vez cristalino y ensoñador. El conjunto se cierra con "Tale", una pieza que Stanko grabó en su debut con ECM en 1975. Esta versión refleja contención en sus espacios más eufóricos. La idea de cuento surge de los acordes de piano de Wasilewski, que se despliegan lentamente e instan al trompetista a seguir solo hasta el final, no tanto de la pieza, sino hasta que la historia esté completa. Lontano es a la vez la destilación de 40 años de historia del jazz de vanguardia europeo, y a la vez la llave en la puerta de la cerradura donde entra en el mundo no como una música categorizada por su instrumentación o personal, sino como música en sí misma; donde los armónicos, el espacio y el lenguaje de improvisación expresado en ella trascienden el género y la clasificación. Esta banda es sencillamente asombrosa, y Lontano es su grabación más aventurera y cohesiva hasta la fecha.
https://www.allmusic.com/album/lontano-mw0000455051

www.tomaszstanko.com ...


VA • Rockin' Little Christmas

 



James Taylor's Fourth Dimension • Picking Up Where We Left Off

Paul Bley • Ramblin'

 



Review
by Steve Loewy
Ramblin' comes from an adventurous period in Paul Bley's career, at a time when he was associated with some of the more avant-garde elements. His playing often takes an attractively aggressive approach, which he tempered in later years. There is his characteristic emphasis on the beauty of the single note. The gorgeous, lush sounds on "Albert's Love Theme," for example, or the slow, beautiful, expressive take on Annette Peacock's "Touching" are filled with enormous depth. Carla Bley's "Ida Lupina" is given a sophisticated treatment that emphasizes tonal bliss. As with all Bley recordings, this one takes close listening to appreciate its subtleties, but the joy is well worth the effort. Barry Altschul is spectacular on drums, with effective polyrhythmic support, and bassist Mark Levinson fits perfectly into the mix.
https://www.allmusic.com/album/ramblin-mw0000180305

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Reseña
por Steve Loewy
Ramblin' proviene de un periodo aventurero en la carrera de Paul Bley, en una época en la que se le asociaba con algunos de los elementos más vanguardistas. Su forma de tocar a menudo adopta un enfoque atractivamente agresivo, que moderó en años posteriores. Es característico su énfasis en la belleza de una sola nota. Los preciosos y exuberantes sonidos de "Albert's Love Theme", por ejemplo, o la lenta, bella y expresiva interpretación de "Touching" de Annette Peacock están llenos de una enorme profundidad. Ida Lupina" de Carla Bley recibe un tratamiento sofisticado que enfatiza la felicidad tonal. Como en todas las grabaciones de Bley, hay que escuchar con atención para apreciar sus sutilezas, pero el placer merece la pena. Barry Altschul está espectacular a la batería, con un eficaz apoyo polirrítmico, y el bajista Mark Levinson encaja perfectamente en la mezcla.
https://www.allmusic.com/album/ramblin-mw0000180305


Jackie McLean • Strange Blues

 


Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/


The Marketts • The Surfing Scene



Hernan Oliva • Capullito De Aleli



Nació el 4 de julio de 1913 en Valparaíso, Chile. Comenzó sus estudios de violín a los 8 años, en medio de una familia de no músicos (su padre era político, posiblemente Daniel Oliva integrante de los llamados "señores del salitre", y su madre, ama de casa), llegando a dominarlo rápidamente.
Hacia 1927 ingresó a la orquesta de Ernesto Davagnino. Su padre, quien había elegido para él la carrera de leyes, al enterarse que Hernán solo quería dedicarse a la música, lo conmina a elegir o ser desheredado. Hernán, de carácter bohemio, elige y es expulsado del hogar. Hacia 1935 cruzó a Mendoza. Trabajó pocos meses en la radio LV 10 de Cuyo, con su orquesta.
Migró hacia Buenos Aires, donde vivía Luis Davagnino, hermano de Ernesto y músico el también, quien lo recibe en su casa luego de encontrarlo silbando de esquina en esquina de la calle Alsina una tonada que sabía que Luis reconocería. Le consiguió trabajo como acompañante de Betty Caruso y Fanny Loy, en Radio Belgrano. El 15 de septiembre ingresó a la orquesta de René Cóspito, haciendo los bailables de Radio Belgrano y el té en Gath y Cháves.
Hacia 1940 pasó al grupo que tocaba en la boite La Chaumiere, con Enrique "Mono" Villegas en piano, David Washington en trompeta, y el inglés Phillips en saxo.
Al año siguiente pasó a la orquesta de Oscar Alemán. Disputas musicales y económicas terminaron con una reyerta, que los separó definitivamente.
Hacia 1944 ingresó a trabajar con los Cotton Pickers de Ahmed Ratip. Luego con Tito Alberti y José Finkel formaron la Jazz Casino, debutando en 1951 en el club Villa Crespo, con Lorna Warren como cantante.
De allí pasó al restaurante El Caballito Blanco, tocando lo que viniera. Según declaraba Oliva, la aparición del Club del Clan había desplazado al jazz como música bailable, y por lo tanto comercial.
En sus últimos años, solía rondar por los bares de San Telmo, tocando para quien se lo pidiera, a veces por un vaso de whisky. Muchas veces, los responsables de esos lugares, incapaces de apreciar su enorme talento, ni siquiera apagaban la música ambiental cuando iba a ejecutar, o le decían: "Tocás tres y te vas".¨En esos tiempos solía interpretar tango, para adecuarse al medio, y lo hacía con gran maestría, pero no dejaba de decir que la música que realmente amaba era el jazz.
Falleció en la madrugada del 17 de junio de 1988, a punto de cumplir 75 años. Apareció tirado en una vereda del barrio de Palermo, abrazado al estuche de su violín.
https://es.wikipedia.org/wiki/Hern%C3%A1n_Oliva


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Automatic Translation:
He was born on July 4, 1913 in Valparaiso, Chile. He began studying violin at age 8, amid a family of non-musicians (his father was a politician, possibly Daniel Oliva member of the so-called "masters of salt", and his mother, housewife), reaching quickly master .By 1927 he joined the orchestra of Ernesto Davagnino. His father, who had chosen for him a career in law, to learn that Hernán just wanted to pursue music, it urges to elect or be disinherited. Hernán bohemian character, choose and is sent home. By 1935 he crossed to Mendoza. He worked a few months in the Cuyo LV 10 radio, with his orchestra.He migrated to Buenos Aires, where Luis Davagnino, Ernesto brother and fellow musician lived, who receives at home after finding whistling from corner to corner of the street Alsina a tune he knew Luis recognize. He got a job as companion Betty Caruso and Fanny Loy, on Radio Belgrano. On September 15 he joined the orchestra of René Cospito, doing the dance of Radio Belgrano and tea in Gath and Chaves.By 1940 the group spent playing in the boite La Chaumiere, with Enrique "Mono" Villegas on piano, David Washington on trumpet and sax Phillips in English.The following year he became the orchestra of Oscar Aleman. Musical and economic disputes ended with a brawl, which definitely separated.By 1944 he began working with the Cotton Pickers Ahmed Ratip. After Tito Alberti and José Finkel formed the Jazz Casino, debuting in 1951 at the club Villa Crespo, with Lorna Warren as a singer.From there he went to the restaurant El Caballito Blanco, playing whatever came. As stated Oliva, the appearance of the Club of the Clan had moved to jazz and dance music, and therefore commercial.In his later years, he used to hang around the bars of San Telmo, playing for whom being asked, sometimes for a glass of whiskey. Often, those responsible for these places, unable to appreciate his enormous talent, even when turned off the background music was going to run, or he said, "three touch and go" .In those times used to play tango, to suit the medium, and did it with great skill, but kept saying that music really loved was jazz.He died on the morning of June 17, 1988, about to turn 75 years. It appeared lying on a sidewalk in the neighborhood of Palermo, hugging his violin to the case.https://es.wikipedia.org/wiki/Hern%C3%A1n_Oliva



Georgie Auld • Misty

 



Biography
by Scott Yanow
Georgie Auld had a long and varied career, changing his tenor sound gradually with the times and adapting to many different musical situations. He moved from Canada to the U.S. in the late '20s and, although originally an altoist, he switched to tenor after hearing Coleman Hawkins. While with Bunny Berigan during 1937-1938, Auld sounded like a dead ringer for Charlie Barnet. After spending a year with Artie Shaw in 1939 (including leading the band briefly after Shaw ran away to Mexico), Auld sounded much closer to Lester Young when he joined Benny Goodman. With B.G., Auld was a major asset, jamming with a version of Goodman's Sextet that also included Cootie Williams and Charlie Christian. He was back with Shaw in 1942, and then led his own big band (1943-1946), an excellent transitional unit between swing and bop that at various times included such young modernists as Dizzy Gillespie, Erroll Garner, and Freddie Webster; Sarah Vaughan also guested on a couple of his recordings. After the band's breakup, Auld led some smaller groups that tended to be bop-oriented. He was with Count Basie's octet in 1950 and then freelanced for the remainder of his career, maintaining a lower profile but traveling frequently overseas and not losing his enthusiasm for jazz. Some may remember that, in 1977, he had a small acting role as a bandleader and played Robert De Niro's tenor solos in the otherwise forgettable Liza Minelli movie New York, New York.
https://www.allmusic.com/artist/georgie-auld-mn0000651193/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Georgie Auld tuvo una carrera larga y variada, cambiando su sonido de tenor gradualmente con los tiempos y adaptándose a muchas situaciones musicales diferentes. Se trasladó de Canadá a Estados Unidos a finales de los años 20 y, aunque originalmente era contralto, cambió a tenor después de escuchar a Coleman Hawkins. Durante su estancia con Bunny Berigan en 1937-1938, Auld sonaba como un doble de Charlie Barnet. Después de pasar un año con Artie Shaw en 1939 (incluso liderando la banda brevemente después de que Shaw huyera a México), Auld sonaba mucho más cerca de Lester Young cuando se unió a Benny Goodman. Con B.G., Auld fue un activo importante, improvisando con una versión del Sexteto de Goodman que también incluía a Cootie Williams y Charlie Christian. Volvió con Shaw en 1942, y después dirigió su propia big band (1943-1946), una excelente unidad de transición entre el swing y el bop que en varias ocasiones incluyó a jóvenes modernistas como Dizzy Gillespie, Erroll Garner y Freddie Webster; Sarah Vaughan también participó como invitada en un par de sus grabaciones. Tras la disolución de la banda, Auld dirigió algunos grupos más pequeños que tendían a estar orientados hacia el bop. Formó parte del octeto de Count Basie en 1950 y luego trabajó por su cuenta durante el resto de su carrera, manteniendo un perfil más bajo pero viajando con frecuencia al extranjero y sin perder su entusiasmo por el jazz. Algunos recordarán que, en 1977, tuvo un pequeño papel como director de orquesta e interpretó los solos de tenor de Robert De Niro en la olvidable película de Liza Minelli New York, New York.
https://www.allmusic.com/artist/georgie-auld-mn0000651193/biography


Slim Harpo • Buzzin' The Blues - The Complete Slim Harpo #1



Slim Harpo made his impressive entrance into the world of blues recordings in 1957. Here was a man with an unforgettable name, a strong song – I’m A King Bee – and a finely-crafted minimalist style, at once familiar and novel. In 1961 Slim Harpo made a crossover entry into the American Rhythm ‘n’ Blues and Popular Music charts when Rainin’ In My Heart became one of those barely-categorisable hits that just couldn’t be ignored. Then came Baby, Scratch My Back, a soulful rhythmic number that led to tours with the rock elite. The story of Slim Harpo and his music is among the most fascinating in all blues and Rhythm ‘n’ Blues. Harpo’s music had timeless and mellow qualities that made his sound both authentic and accessible. By many benchmarks he was a success, and for periods in his life he was in the spotlight, yet little, really, is known of him beyond his fading circle of musicians, friends, and family in Baton Rouge, Louisiana.

Born in 1924, he was among the last of the original down-home bluesmen, but also one of the first to register hits in the popular music charts. Harpo lived, worked, and performed most of his life in Louisiana, but he was feted in the rock music circles of New York and Los Angeles when he did appear there in his last few years. Apparently an unassuming and calm man, he nevertheless developed a very polished and slick stage appearance. He died at the age of forty-five, leaving behind one of the most consistently good and coherent bodies of blues recordings. Harpo made music that was ‘pure’ blues in a number of forms but also borrowed from and wandered into soul and country styles without losing face.

It’s easy to listen to, easy to love, but real. It has an underlying intensity that continues to make it appealing to generations of performers who have recorded Harpo’s songs down the years. Slim Harpo’s songs were recorded in Crowley, Louisiana by pioneering record man J. D. Miller, among others, and issued on Nashville’s Excello label. Down the years his songs have been covered by artists as diverse as the Rolling Stones, Otis Redding, the Grateful Dead and Hank Williams Jr. His sound and style is at the forefront of the music that became known as ‘swamp blues’ or ‘swamp pop.’

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Slim Harpo hizo su impresionante entrada en el mundo de las grabaciones de blues en 1957. Aquí estaba un hombre con un nombre inolvidable, una canción fuerte, I'm A King Bee, y un estilo minimalista finamente elaborado, a la vez familiar y novedoso. En 1961, Slim Harpo hizo una entrada cruzada en las listas de música popular y blues de American Rhythm 'n' Blues cuando Rainin 'In My Heart se convirtió en uno de esos éxitos apenas categorizables que no podían ignorarse. Luego vino Baby, Scratch My Back, un tema rítmico conmovedor que llevó a giras con la élite del rock. La historia de Slim Harpo y su música se encuentra entre las más fascinantes de todos los blues y Rhythm 'n' Blues. La música de Harpo tenía cualidades atemporales y suaves que hacían que su sonido fuera auténtico y accesible. Según muchos puntos de referencia, fue un éxito, y durante períodos de su vida estuvo en el centro de atención, aunque en realidad se sabe poco de él más allá de su círculo en declive de músicos, amigos y familiares en Baton Rouge, Louisiana.

Nacido en 1924, fue uno de los últimos músicos de blues originales caseros, pero también uno de los primeros en registrar éxitos en las listas de música populares. Harpo vivió, trabajó y actuó la mayor parte de su vida en Louisiana, pero fue agasajado en los círculos de la música rock de Nueva York y Los Ángeles cuando apareció allí en sus últimos años. Aparentemente un hombre tranquilo y sin pretensiones, sin embargo, desarrolló una apariencia escénica muy pulida y elegante. Murió a la edad de cuarenta y cinco años, dejando atrás uno de los cuerpos de grabaciones de blues más consistentemente buenos y coherentes. Harpo hizo música que era blues "puro" en varias formas, pero también tomó prestado y vagó por los estilos soul y country sin perder la cara.

Es fácil de escuchar, fácil de amar, pero real. Tiene una intensidad subyacente que sigue haciéndolo atractivo para generaciones de intérpretes que han grabado las canciones de Harpo a lo largo de los años. Las canciones de Slim Harpo fueron grabadas en Crowley, Louisiana por el pionero discográfico J. D. Miller, entre otros, y publicadas en el sello Excello de Nashville. A lo largo de los años, sus canciones han sido versionadas por artistas tan diversos como los Rolling Stones, Otis Redding, Grateful Dead y Hank Williams Jr. Su sonido y estilo está a la vanguardia de la música que se conoció como 'Swamp Blues' o 'Swamp. popular.'




 

 

Slim Harpo • Buzzin' The Blues - The Complete Slim Harpo #2













Slim Harpo • Buzzin' The Blues - The Complete Slim Harpo #3