Review by Jim Santella (All About Jazz): The tribute to Zoot Sims by Scott Hamilton and Bucky Pizzarelli is, as one would expect, wrinkle-free, easy on the ears, and nostalgic. The duo has chosen tunes associated, in one way or another, with the tenor saxophonist who delighted audiences for some 40 years; Sims passed away in 1985 at age 59. Allowing each voice to be heard unobstructed while still providing ample interaction, the duo format works well; Pizzarelli worked and recorded briefly as a duo with Zoot Sims. His 7-string electric model allows the guitarist to supply a bass line, rhythm/harmony and melody. Scott Hamilton's reputation precedes him; the full, relaxed tenor sound is quite pleasant. Zoot Sims and Al Cohn wrote "Morning Fun," which aptly describes the session. The saxophonist and guitarist fill the air with a style of music that remains pleasurable to fans of all jazz sub-genres, while performing songs familiar to most. "Just You, Just Me" includes a guitar solo in which Pizzarelli allows the enthusiasm to take him through string slaps and strums that exert additional rhythmic force. Elsewhere, the duo harmonizes and takes turns improvising on the familiar melodies without ever losing sight of the swing in jazz. Highly recommended. https://www.allaboutjazz.com/the-red-door-scott-hamilton-concord-music-group-review-by-jim-santella
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Reseña de Jim Santella (All About Jazz) - Traducción: El tributo a Zoot Sims de Scott Hamilton y Bucky Pizzarelli es, como era de esperar, impecable, agradable al oído y nostálgico. El dúo ha elegido temas asociados, de una forma u otra, con el saxofonista tenor que deleitó al público durante unos 40 años; Sims falleció en 1985 a los 59 años. Permitiendo que cada voz sea escuchada sin obstrucciones mientras aún proporciona amplia interacción, el formato de dúo funciona bien; Pizzarelli trabajó y grabó brevemente como dúo con Zoot Sims. Su modelo eléctrico de 7 cuerdas permite al guitarrista suministrar una línea de bajo, ritmo/armonía y melodía. La reputación de Scott Hamilton lo precede; el sonido de tenor lleno y relajado es bastante placentero. Zoot Sims y Al Cohn escribieron "Morning Fun", que describe con precisión la sesión. El saxofonista y el guitarrista llenan el aire con un estilo de música que sigue siendo placentero para los fanáticos de todos los subgéneros del jazz, mientras interpretan canciones familiares para la mayoría. "Just You, Just Me" incluye un solo de guitarra en el que Pizzarelli permite que el entusiasmo lo lleve a través de golpes y rasgueos de cuerdas que ejercen fuerza rítmica adicional. En otras partes, el dúo armoniza y se turna improvisando sobre las melodías familiares sin perder nunca de vista el swing en el jazz. Muy recomendado. https://www.allaboutjazz.com/the-red-door-scott-hamilton-concord-music-group-review-by-jim-santella
Skeewiff is one of the many pseudonyms of Pedigree Cuts and Jalapeno records Founders Alex Rizzo & Elliot Ireland.
They released their first E.P.Absent Without Leave in 1998 on Ministry
Of Sound’s Breakbeat offshoot FSUK.Major record deals with Universal
and then Warner Bros were to follow under the guises Shaft & Da
Muttz.
The Skeewiff sound has best been described as “Easy-Break-Funk” or the
“love child of music past and present”.Skeewiff albums generally have
an abundance of Genre-Clash and interesting blends of styles as titles
like “Ghetto Latin & Broken Ballroom” suggest.
Highlights from a lengthy career include collaborations with Young MC,
The Jungle Brothers, Finley Quaye, Alan Hawkshaw and major official
remixes of artist like Amy Winehouse, Sugababes, Eminem and Tower of
Power.
Skeewiff’s music has been used on adverts for Nike, Volkswagen, Renault
and has featured in Hollywood blockbusters such as Killers and The Help.They are the official library remixers of choice, having released
remixed albums for KPM, Amphonic & Chapell.They won 2012 Electro
Swing Producer of the year…Not to mention the 5 worldwide number ones
with Shaft’s Mucho Mambo!
This year has seen Alex busy writing and producing the highly successful
Ghetto Latin & Broken Ballroom with vocalist Rayna MC, whilst
Elliot has been in the studio forging a new album for one of their other
pseudonyms Ikon, destined for release next year.
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Skeewiff es uno de los muchos seudónimos de los fundadores de Pedigree Cuts y Jalapeno records Alex Rizzo & Elliot Ireland.
Lanzaron su primer E.P.Absent Without Leave en 1998 en la filial
Breakbeat del Ministerio de Sonido, FSUK.Los grandes discos de
Universal y Warner Bros le siguieron bajo el nombre de Shaft & Da
Muttz.
El sonido Skeewiff se describe mejor como "Easy-Break-Funk" o el "hijo
del amor de la música pasada y presente".Los álbumes de Skeewiff
generalmente tienen una abundancia de Genre-Clash e interesantes mezclas
de estilos como sugieren títulos como "Ghetto Latin & Broken
Ballroom".
Entre los aspectos más destacados de una larga carrera se incluyen
colaboraciones con Young MC, The Jungle Brothers, Finley Quaye, Alan
Hawkshaw y los principales remixes oficiales de artistas como Amy
Winehouse, Sugababes, Eminem y Tower of Power.
La música de Skeewiff se ha utilizado en anuncios de Nike, Volkswagen,
Renault y ha aparecido en éxitos de taquilla de Hollywood como Killers y
The Help.Son los remezcladores oficiales de la biblioteca de elección,
habiendo lanzado álbumes remezclados para KPM, Amphonic & Chapell.Ganaron el premio al Productor de Electro Swing del año 2012...¡Sin
mencionar los 5 números uno mundiales con Mucho Mambo de Shaft!
Este año ha visto a Alex ocupado escribiendo y produciendo el muy
exitoso Ghetto Latin & Broken Ballroom con la vocalista Rayna MC,
mientras que Elliot ha estado en el estudio forjando un nuevo álbum para
uno de sus otros seudónimos Ikon, destinado a ser lanzado el próximo
año.
Sami Linna (Helsinki, Finland) Take a pinch of classic Blue Note soul jazz, some stylings from the 1970's afrocentric movement, and streamed to perfection lines of a lead jazz guitar and you've put together the pieces of Sami Linna Quartet's sound. Their album on Timmion is one for the dark evenings, for the first rays of sunlight cracking through a summer mist, for the dance floors of the mind.
Kicking things off is "Black Mountain", a 7-minute mix of unisono tranquility and bursts of energy, giving spacious solos to both Linna and saxophonist Jussi Kannaste. The firm and disciplined groove paves the way for the aptly named "Dreamsville", in which Linna takes the lead accompanied by Mikko Helevä's mellow organ and Dana Hall's gently sparkling drumming. "Umoya" and "Mode For Tomorrow" got a 7" edit release ahead of the album, but here both are revealed in all their glory, the latter clocking at all the way to 11 minutes. The LP finishes up with the swinging but edgy soul jazz of "Clowns", where the rhythm section of Helevä and Hall really get to shine.
Linna, Kannaste and Helevä have played together for two decades and drummer Dana Hall has previously worked with folks such as Ray Charles, Horace Silver and Joe Henderson, so there's combined experience in the quartet to pack the goods. Sami Linna is in the middle of completing his doctoral thesis on the subject of fusing modality and tonality in jazz expression. This serious focus is well reflected in his craft, but delivered with such levity that the listener can just kick back and relax.
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Sami Linna (Helsinki, Finlandia) Coge una pizca del clásico soul jazz de Blue Note, algunos estilos del movimiento afrocéntrico de los 70 y unas líneas de una guitarra solista de jazz llevadas a la perfección y habrás reunido las piezas del sonido de Sami Linna Quartet. Su álbum en Timmion es para las noches oscuras, para los primeros rayos de sol que se abren paso a través de la niebla veraniega, para las pistas de baile de la mente.
Comienza con "Black Mountain", una mezcla de 7 minutos de tranquilidad unísona y estallidos de energía, con amplios solos tanto para Linna como para el saxofonista Jussi Kannaste. El groove firme y disciplinado allana el camino para la acertadamente llamada "Dreamsville", en la que Linna toma la iniciativa acompañada por el órgano meloso de Mikko Helevä y la batería suavemente chispeante de Dana Hall. "Umoya" y "Mode For Tomorrow" se editaron en 7" antes del álbum, pero aquí se muestran en todo su esplendor, llegando esta última a los 11 minutos. El LP termina con el soul jazz de "Clowns", donde la sección rítmica de Helevä y Hall se luce de verdad.
Linna, Kannaste y Helevä han tocado juntos durante dos décadas y el batería Dana Hall ha trabajado anteriormente con gente como Ray Charles, Horace Silver y Joe Henderson, así que hay experiencia combinada en el cuarteto para dar la talla. Sami Linna está terminando su tesis doctoral sobre la fusión de la modalidad y la tonalidad en la expresión del jazz. Este enfoque serio se refleja bien en su arte, pero con tal ligereza que el oyente puede simplemente relajarse.
Blue Note Records has released Revival: Live at Pookie’s Pub, a thrilling previously unissued live recording of Elvin Jones’ quartet that captures the legendary drummer’s emergence as a bandleader at a little-known club in New York City where he had a weekly residency after leaving John Coltrane’s band in 1966. Featuring Joe Farrell on tenor saxophone, Billy Greene on piano, and Wilbur Little on bass, Revival was recorded between July 28-30, 1967, just two weeks after Coltrane died on July 17. The album finds the band stretching out on expansive versions of standards and bandmember originals.
Revival: Live at Pookie’s Pub is available in deluxe 180g 3-LP and 2-CD sets which include an extensive booklet with stunning photos by Francis Wolff, Ozier Muhammad, Christian Rose, and others; essays by GRAMMY-winning author and co-producer Ashley Kahn, co-producer Zev Feldman, executive producer Don Was, and the original recording engineer Bob Falesch; interviews and statements by drummers Alvin Queen and Michael Shrieve, pianist Richie Beirach, and Elvin Jones band alumni Pat LaBarbera, Gene Perla, and Dave Liebman. https://www-bluenote-com.translate.goog/elvin-jones-revival-live-at-pookies-pub/?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=tc
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Blue Note Records ha lanzado Revival: Live at Pookie's Pub , una emocionante grabación en vivo inédita del cuarteto de Elvin Jones que captura el surgimiento del legendario baterista como líder de banda en un club poco conocido en la ciudad de Nueva York, donde tuvo una residencia semanal después de dejar la banda de John Coltrane en 1966. Con Joe Farrell en saxofón tenor, Billy Greene en piano y Wilbur Little en bajo, Revival se grabó entre el 28 y el 30 de julio de 1967, solo dos semanas después de que Coltrane muriera el 17 de julio. El álbum encuentra a la banda extendiéndose en versiones expansivas de estándares y originales de los miembros de la banda.
Revival: Live at Pookie's Pub está disponible en lujosos sets de 3 LP y 2 CD de 180 g que incluyen un extenso folleto con impresionantes fotografías de Francis Wolff, Ozier Muhammad, Christian Rose y otros; ensayos del autor y coproductor ganador del GRAMMY Ashley Kahn, el coproductor Zev Feldman, el productor ejecutivo Don Was y el ingeniero de grabación original Bob Falesch; entrevistas y declaraciones de los bateristas Alvin Queen y Michael Shrieve, el pianista Richie Beirach y los ex alumnos de la banda Elvin Jones Pat LaBarbera, Gene Perla y Dave Liebman. https://www-bluenote-com.translate.goog/elvin-jones-revival-live-at-pookies-pub/?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=tc
La selección crítica definitiva de la mejor música de los últimos
sesenta años. Una guía imprescindible para todo aficionado que quiera
completar, o reconstruir, su discoteca ideal, del rock al pop, del punk
al funk.
Los mejores discos de todos los tiempos, comentados
de manera apasionante e incisiva por auténticos expertos dirigidos por
Robert Dimery e ilustrados por 800 imágenes de cubiertas de discos
míticos, grupos y artistas.
Desde el sugerente What's GoingOn?, que Marvin Gaye publicó en 1971 al regreso de Vietnam de su hermano, hasta el extraordinario álbum conceptual de David Bowie The Rise and Fall of Ziggy Stardust, aquí están todos los discos que en verdad cuentan: el revolucionario Revolver de los Beatles, que supuso un cambio radical en la música pop, y el torbellino de anarquía de los Sex Pistols y su Never Mindthe Bollocks, que rompió con todo.
Un verdadero recorrido por la historia de la música, desde esa cumbre del pop que es Pet Sounds,
de los Beach Boys, hasta el grunge de Nirvana y su retorno a la
sencillez y la vitalidad del rock'n'roll primigenio que significó Nevermind. Así, 1001 discos que hay que escuchar antes de morir se asoma a las interioridades de álbumes como el fundamental Velvet Underground & Nico,
con artistas de la talla de Bowie y Joy Division, de REM y The Strokes;
nos recuerda la famosa aparición de Bob Dylan, guitarra eléctrica en
mano, en el Festival de Newport con su visionario Highway 61 Revisited
grabado en 1965 en una Norteamérica en guerra con Vietnam y consigo
misma, justo al tiempo en que Van Morrison producía su memorable Astral Weeks; y nos lleva después hasta el tono retro de la guitarra de los Stone Roses de «Madchester», en el álbum homónimo, o Blue Lines de Massive Attack, o Automatic for the People de REM, y tantos otros discos.
Review by Matt Fink (AllMusic): Featuring over 75 minutes and 23 tracks, Rediscovered compiles tracks off Hurt's four Vanguard releases -- Today!, The Immortal Mississippi John Hurt, Last Sessions, and The Best of Mississippi John Hurt. The tracks selected are truly first-rate and give a fine cross-section of Hurt's gently rolling country-blues, including many of his better-known tracks such as "It Ain't Nobody's Business" and "Avalon, My Home Town," as well as a few spirituals and a handful of live tracks. These recordings are some of the last Hurt would make before his death, and are fine evidence of just how good he still was up until his last days. https://www.allmusic.com/album/rediscovered-mw0000042007
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Reseña de Matt Fink (AllMusic) - Traducción: Con más de 75 minutos y 23 pistas, Rediscovered recopila temas de los cuatro lanzamientos de Hurt para Vanguard: Today!, The Immortal Mississippi John Hurt, Last Sessions y The Best of Mississippi John Hurt. Las pistas seleccionadas son verdaderamente de primera clase y ofrecen una excelente muestra representativa del suave country-blues de Hurt, incluyendo muchas de sus pistas más conocidas como "It Ain't Nobody's Business" y "Avalon, My Home Town", así como algunos espirituales y un puñado de pistas en vivo. Estas grabaciones son algunas de las últimas que Hurt haría antes de su muerte, y son una buena evidencia de lo bueno que todavía era hasta sus últimos días. https://www.allmusic.com/album/rediscovered-mw0000042007
In the long decade between the mid-fifties and the late sixties, jazz was changing more than its sound. The age of Max Roach's Freedom Now Suite, John Coltrane's A Love Supreme, and Charles Mingus's The Black Saint and the Sinner Lady
was a time when jazz became both newly militant and newly seductive,
its example powerfully shaping the social dramas of the Civil Rights
movement, the Black Power movement, and the counterculture. Freedom Is, Freedom Ain't
is the first book to tell the broader story of this period in jazz--and
American--history. The story's central figures are jazz musicians like
Coltrane and Mingus, who rewrote the conventions governing improvisation
and composition as they sought to infuse jazz with that gritty
exuberance known as "soul." Scott Saul describes how these and other
jazz musicians of the period engaged in a complex cultural balancing
act: utopian and skeptical, race-affirming and cosmopolitan, they tried
to create an art that would make uplift into something forceful,
undeniable in its conviction, and experimental in its search for new
possibilities. Freedom Is, Freedom Ain't
considers these musicians and their allies as a cultural front of the
Civil Rights movement, a constellation of artists and intellectuals
whose ideas of freedom pushed against a cold-war consensus that stressed
rational administration and collective security. Capturing the social
resonance of the music's marriage of discipline and play, the book
conveys the artistic and historical significance of the jazz culture at
the start, and the heart, of the sixties.
Jazz manouche—a genre known best for its energetic, guitar-centric
swing tunes—is among France’s most celebrated musical practices of the
twentieth and twenty-first centuries. It centers on the recorded work of
famed guitarist Django Reinhardt and is named for the ethnoracial
subgroup of Romanies (also known, often pejoratively, as “Gypsies”) to
which Reinhardt belonged. French Manouches are publicly lauded as
bearers of this jazz tradition, and many take pleasure and pride in the
practice while at the same time facing pervasive discrimination. Jazz
manouche uncovers a contradiction at the heart of France’s
assimilationist republican ideals: the music is portrayed as
quintessentially French even as Manouches themselves endure treatment as
racial others.
In this book, Siv B. Lie explores how this
music is used to construct divergent ethnoracial and national identities
in a context where discussions of race are otherwise censured. Weaving
together ethnographic and historical analysis, Lie shows that jazz
manouche becomes a source of profound ambivalence as it generates
ethnoracial difference and socioeconomic exclusion. As the first
full-length ethnographic study of French jazz to be published in
English, this book enriches anthropological, ethnomusicological, and
historical scholarship on global jazz, race and ethnicity, and
citizenship while showing how music can be an important but insufficient
tool in struggles for racial and economic justice.
In the '60s and '70s, America's music scene was
marked by raucous excess, reflected in the tragic overdoses of young
superstars such as Jimi Hendrix and Janis Joplin. At the same time, the
uplifting harmonies and sunny lyrics that propelled Karen Carpenter and
her brother, Richard, to international fame belied a different sort of
tragedy--the underconsumption that led to Karen's death at age
thirty-two from the effects of an eating disorder.
The Oxford Handbook of Disability Studies represents a
comprehensive state of current research for the field of Disability
Studies and Music. The forty-two chapters in the book span a wide
chronological and geographical range, from the biblical, the medieval,
and the Elizabethan, through the canonical classics of the eighteenth
and nineteenth centuries, up to modernist styles and contemporary
musical theater and popular genres, with stops along the way in
post-Civil War America, Ghana and the South Pacific, and many other
interesting times and places. Disability is a broad, heterogeneous, and
porous identity, and that diversity is reflected in the variety of
bodily conditions under discussion here, including autism and
intellectual disability, deafness, blindness, mobility impairment often
coupled with bodily difference, and cognitive and intellectual
impairments. Amid this diversity of time, place, style, medium, and
topic, the chapters share two core commitments. First, they are united
in their theoretical and methodological connection to Disability
Studies, especially its central idea that disability is a social and
cultural construction. Disability both shapes and is shaped by culture,
including musical culture. Second, these essays individually and
collectively make the case that disability is not something at the
periphery of culture and music, but something central to our art and to
our humanity.
For
over three decades OREGON has inspired audiences in renowned concert
halls including Carnegie Hall, Lincoln Center, Berlin Philharmonic Hall,
and Vienna’s Mozartsaal; at international jazz clubs and major
festivals such as Montreux, Pori, Berlin, Montreal, and Newport Jazz;
and on tours throughout the U.S., Canada, Mexico, South America, Eastern
and Western Europe, India, Pakistan, Nepal, Sri Lanka, Bangladesh,
Algeria, and Australia.
OREGON began in 1960 at the University of
Oregon with undergraduate students Ralph Towner and Glen Moore who
formed a musical friendship on bass and piano inspired by Bill Evans and
Scott LaFaro and later by Brazilian music. Moore earned a degree in
history and literature and Towner completed his in composition, taking
up guitar in the process. In the mid 60’s, they both traveled to Europe.
Towner studied classical guitar in Vienna with Karl Scheit; Moore
studied classical bass in Copenhagen and sat in with such greats as Ben
Webster and Dexter Gordon. By 1969, both were living in New York City,
playing with a community of young musicians who formed the great fusion
bands of the ‘70’s including Weather Report and the Mahavishnu
Orchestra.
Performing with folksinger Tim Hardin at the ‘69
Woodstock Festival, Towner and Moore encountered two members of the Paul
Winter Consort who introduced them to the music of that group. In the
studio with Hardin, Ralph and Glen connected with sitar and tabla player
Collin Walcott. He was a graduate of Indiana University under George
Gaber, studied ethnomusicology at UCLA and served as road manager for
Ravi Shankar and Alla Rakha. On a break at that session, Ralph and
Collin played their first guitar/sitar duet in the hallways of Columbia
Studios.
By 1970 Ralph, Glen, and Collin had joined the Paul
Winter Consort for a 50-concert U.S. tour where they quickly formed an
alliance with its oboist, Paul McCandless, who had studied at the
Manhattan School of Music under Toscanini’s first oboe player, Robert
Bloom. During that initial tour, Ralph began composing a new repertoire
of original material including “Icarus”, which has since become a
standard. The early development of OREGON took root in motel rooms and
college dormitories where, in private jam sessions, Towner,
Walcott,Moore and McCandless began investigating new musical
possibilities after getting a taste of collective improvisation on tour
with the Consort. Winter’s group introduced them to the idea of
performing concerts with uncommon combinations of instruments in an
eclectic variety of musical styles. Incorporating these elements, OREGON
emerged with a unique synthesis of European classical instrumentation,
American jazz harmony, and ethnic influences from around the globe. The
notion of recording their own music first arose at a party, where Towner
and Walcott were entertaining friends in their guitar/sitar
configuration. The group was offered the use of an 8-track studio in the
Hollywood Hills, known as “The Farm.” A short-lived independent label
in Los Angeles subsidized six weeks of taping and mixing. The company
did not succeed in selling the results to a major label and the tape
went into storage for ten years before its Vanguard release on disc
called—Our First Record.
In 1971 the band made its debut in New
York City, calling themselves Thyme—Music of Another Present Era, a
phrase designed to answer the question. “ What kind of music do you
play?” McCandless later proposed the name “OREGON” alluding to Ralph and
Glen’s nostalgic reminiscences of their home state. The next year,
Vanguard signed OREGON, recording a new set of original compositions
which became the band’s debut LP, Music of Another Present Era. In that
same period, they made Trios and Solos for ECM, a new label in Europe.
The Vanguard album introduced them to their American audience and
through their association with ECM, they developed their European
following with tours beginning in 1974 where they received critical
acclaim and growing recognition in the international community.
Six
years and nine albums later, OREGON moved to Elektra/Asylum Records.
Its first release on that label, Out of the Woods, reached a decidedly
wider audience and was included in the 101 Best Jazz Albums list by Len
Lyons. As the years spanned and the group’s versatility grew, bass
clarinet, soprano and sopranino saxes, ethnic flutes, flugelhorn, French
horn, clarinet, dulcimer, electric bass, violin, viola, and a myriad of
percussion instruments all found their way into OREGON’s
instrumentation which already included Towner’s nylon and 12 string
guitars and piano, McCandless’ oboe and English horn, Moore’s 1715 Klotz
bass and Walcott’s sitar and tablas.
At the end of OREGON’s
contract with Elektra, and with the birth of Collin Walcott’s daughter
in 1980, the band members took a year long sabbatical during which they
pursued their individual solo careers. When they reassembled, OREGON’s
unique fusion gained an electric dimension through Towner’s addition of
keyboard synthesizers. The group recorded two more albums for ECM with
the original personnel.
They had reached a peak of popularity
when in November 1984, Walcott died in an auto accident in the former
East Germany, leaving the ECM album Crossing as his final document. This
left OREGON with the seemingly impossible task of filling an enormous
vacuum. They reunited for the first time in May 1985 at a memorial
concert for Walcott in New York where the dazzling Indian percussionist
Trilok Gurtu joined them to pay tribute. Trilok, who studied tablas and
jazz drumming, accepted an invitation to work with OREGON in 1986 which
included a State Department tour of the Indian subcontinent. Over a
five-year period, he played on three albums with the band: Ecotopia on
ECM, 45th Parallel on Epic, and Always, Never, and Forever, the band’s
first recording on Intuition. After the departure of Gurtu, the three
original members continued their creative development as a trio making
two CDs—Troika and Beyond Words.
For the 1996 Intuition recording
“Northwest Passage”, the group incorporated two masterful
percussionists, former Chicagoan Mark Walker and Arto Tuncboyician of
Armenia. Walker, who also performs and records with Cuban expatriate
Paquito D’Rivera, has become the new fourth member of OREGON and
together with Towner, Moore, and McCandless traveled to Moscow in June
1999 to record the double CD for Intuition entitled “Oregon In Moscow.”
This project is the band’s debut recording of their orchestral
repertoire. Developing since the Winter Consort days, this prodigious
body of work had been performed with the St. Paul, Philadelphia,
Indianapolis, Stavanger, Freiburg, and Stuttgart Orchestras, but never
documented. Oregon In Moscow, produced by Steve Rodby of the Pat Metheny
Group fame, features the band members as composers, orchestrators, and
soloists in collaboration with the Moscow Tchaikovsky Symphony
Orchestra. In 2001 this album garnered four Grammy nominations. OREGON’s
most recent production, a live CD recorded during a spirited week at
Yoshi’s, San Francisco Bay Area’s premier jazz club, was released in
2002. Not since 1980 has the group’s electrifying and poignant
performances been captured on tape. https://musicians.allaboutjazz.com/oregon
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Durante
más de tres décadas, OREGON ha inspirado al público en salas de
conciertos de renombre, como el Carnegie Hall, el Lincoln Center, la
Filarmónica de Berlín y la Mozartsaal de Viena; en clubes
internacionales de jazz y en los principales festivales, como los de
Montreux, Pori, Berlín, Montreal y Newport Jazz; y en giras por los
Estados Unidos, el Canadá, México, América del Sur, Europa oriental y
occidental, la India, el Pakistán, Nepal, Sri Lanka, Bangladesh, Argelia
y Australia.
OREGON comenzó en 1960 en la Universidad de Oregón
con los estudiantes universitarios Ralph Towner y Glen Moore que
formaron una amistad musical en el bajo y el piano inspirada por Bill
Evans y Scott LaFaro y más tarde por la música brasileña. Moore obtuvo
un título en historia y literatura y Towner completó el suyo en
composición, tomando la guitarra en el proceso. A mediados de los 60,
ambos viajaron a Europa. Towner estudió guitarra clásica en Viena con
Karl Scheit; Moore estudió bajo clásico en Copenhague y se sentó con
grandes como Ben Webster y Dexter Gordon. En 1969, ambos vivían en la
ciudad de Nueva York, tocando con una comunidad de jóvenes músicos que
formaron las grandes bandas de fusión de los años 70, incluyendo Weather
Report y la Mahavishnu Orchestra.
Actuando con el cantante Tim
Hardin en el Festival de Woodstock del 69, Towner y Moore conocieron a
dos miembros del Paul Winter Consort que les introdujeron en la música
de ese grupo. En el estudio con Hardin, Ralph y Glen se conectaron con
el sitar y el tablista Collin Walcott. Se graduó en la Universidad de
Indiana bajo la dirección de George Gaber, estudió etnomusicología en la
UCLA y sirvió como road manager para Ravi Shankar y Alla Rakha. En un
descanso de esa sesión, Ralph y Collin tocaron su primer dúo de
guitarra/sitar en los pasillos de los estudios Columbia.
En 1970
Ralph, Glen y Collin se unieron al Paul Winter Consort para una gira de
50 conciertos en EE.UU. donde rápidamente formaron una alianza con su
oboísta, Paul McCandless, que había estudiado en la Escuela de Música de
Manhattan con el primer oboísta de Toscanini, Robert Bloom. Durante esa
gira inicial, Ralph comenzó a componer un nuevo repertorio de material
original que incluía "Icarus", que desde entonces se ha convertido en un
estándar. El desarrollo temprano de OREGON se arraigó en las
habitaciones de moteles y dormitorios universitarios donde, en jam
sessions privadas, Towner, Walcott, Moore y McCandless comenzaron a
investigar nuevas posibilidades musicales después de probar la
improvisación colectiva en la gira con el Consort. El grupo de Winter
les introdujo en la idea de realizar conciertos con combinaciones poco
comunes de instrumentos en una variedad ecléctica de estilos musicales.
Incorporando estos elementos, OREGON surgió con una síntesis única de la
instrumentación clásica europea, la armonía del jazz americano y las
influencias étnicas de todo el mundo. La idea de grabar su propia música
surgió por primera vez en una fiesta, en la que Towner y Walcott
estaban entreteniendo a sus amigos en su configuración de
guitarra/sitar. Al grupo se le ofreció el uso de un estudio de 8 pistas
en las colinas de Hollywood, conocido como "La Granja". Un sello
independiente de corta duración en Los Ángeles subvencionó seis semanas
de grabación y mezcla. La compañía no logró vender los resultados a un
sello importante y la cinta se guardó durante diez años antes de su
lanzamiento de Vanguard en el disco llamado "Our First Record".
En
1971 la banda debutó en la ciudad de Nueva York, llamándose a sí mismos
Thyme-Music of Another Present Era, una frase diseñada para responder a
la pregunta. "¿Qué tipo de música tocas?" McCandless propuso más tarde
el nombre "OREGON" en alusión a las nostálgicas reminiscencias de Ralph y
Glen en su estado natal. Al año siguiente, Vanguard firmó OREGON,
grabando un nuevo conjunto de composiciones originales que se convirtió
en el LP de debut de la banda, Music of Another Present Era. En ese
mismo período, hicieron Tríos y Solos para ECM, un nuevo sello en
Europa. El álbum Vanguard los presentó a su público americano y a través
de su asociación con ECM, desarrollaron sus seguidores europeos con
giras que comenzaron en 1974, donde recibieron la aclamación de la
crítica y un creciente reconocimiento en la comunidad internacional.
Seis
años y nueve álbumes más tarde, OREGON se trasladó a Elektra/Asylum
Records. Su primer lanzamiento en ese sello, Out of the Woods, llegó a
un público decididamente más amplio y fue incluido en la lista de los
101 mejores álbumes de jazz de Len Lyons. Con el paso de los años y la
versatilidad del grupo creció, clarinete bajo, saxos soprano y
sopranino, flautas étnicas, fliscorno, trompa, clarinete, dulcimer, bajo
eléctrico, violín, viola, y una miríada de instrumentos de percusión se
abrieron camino en la instrumentación de OREGON que ya incluía el nylon
de Towner y las 12 guitarras de cuerda y el piano, el oboe y el corno
inglés de McCandless, el bajo Klotz de 1715 de Moore y el sitar y las
tablas de Walcott.
Al final del contrato de OREGON con Elektra, y
con el nacimiento de la hija de Collin Walcott en 1980, los miembros de
la banda se tomaron un año sabático durante el cual siguieron sus
carreras individuales en solitario. Cuando volvieron a unirse, la fusión
única de OREGON ganó una dimensión eléctrica con la adición de Towner
de sintetizadores de teclado. El grupo grabó dos álbumes más para ECM
con el personal original.
Habían alcanzado un pico de popularidad
cuando en noviembre de 1984, Walcott murió en un accidente de coche en
la antigua Alemania del Este, dejando el álbum de ECM Crossing como su
documento final. Esto dejó a OREGON con la aparentemente imposible tarea
de llenar un enorme vacío. Se reunieron por primera vez en mayo de 1985
en un concierto conmemorativo de Walcott en Nueva York donde el
deslumbrante percusionista indio Trilok Gurtu se les unió para rendirles
homenaje. Trilok, que estudió tablas y batería de jazz, aceptó una
invitación para trabajar con OREGON en 1986 que incluía una gira del
Departamento de Estado por el subcontinente indio. Durante un período de
cinco años, tocó en tres álbumes con la banda: Ecotopia en ECM, 45th
Parallel en Epic, y Always, Never, and Forever, la primera grabación de
la banda en Intuition. Tras la salida de Gurtu, los tres miembros
originales continuaron su desarrollo creativo como trío haciendo dos
CD-Troika y Beyond Words.
Para la grabación de Intuition de 1996
"Northwest Passage", el grupo incorporó a dos magistrales
percusionistas, el ex chicagüense Mark Walker y Arto Tuncboyician de
Armenia. Walker, que también actúa y graba con el expatriado cubano
Paquito D'Rivera, se ha convertido en el nuevo cuarto miembro de OREGON y
junto con Towner, Moore y McCandless viajó a Moscú en junio de 1999
para grabar el doble CD de Intuición titulado "Oregón en Moscú". Este
proyecto es el debut de la banda en la grabación de su repertorio
orquestal. Desarrollado desde los días de Winter Consort, este
prodigioso cuerpo de trabajo había sido interpretado con las orquestas
de St. Paul, Filadelfia, Indianápolis, Stavanger, Friburgo y Stuttgart,
pero nunca fue documentado. Oregon In Moscow, producida por Steve Rodby
del Grupo Pat Metheny, presenta a los miembros de la banda como
compositores, orquestadores y solistas en colaboración con la Orquesta
Sinfónica Tchaikovsky de Moscú. En 2001 este álbum obtuvo cuatro
nominaciones al Grammy. La producción más reciente de OREGON, un CD en
vivo grabado durante una animada semana en Yoshi's, el principal club de
jazz del área de la bahía de San Francisco, fue lanzado en 2002. Desde
1980 no se han grabado las electrificantes y conmovedoras actuaciones
del grupo. https://musicians.allaboutjazz.com/oregon
Review by Michael P. Gladstone (All About Jazz): These sessions appeared on Campbell's own Paddlewheel Records, which was a subsidiary of the Japanese King label. They were released in the United States on Evidence. At that time, Royce Campbell was approached regarding a new project that would team the guitarist with five leading jazz plectrists of his choice. The resulting album, 6 X 6, featuring Campbell in performance with John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli and Dave Stryker, was released in 1994 in Japan and later in Europe to critical praise. One decade later, the album is finally being made available in the US, retitled Six By Six. Each of the guest guitarists is given two tracks apiece with, essentially, their own bassist and drummer, and Royce Campbell is the second guitarist on each of the selections, providing rhythm and the opportunity to trade fours with the respective players. https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone
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Reseña de Michael P. Gladstone (All About Jazz) - Traducción: Estas sesiones aparecieron en el sello propio de Campbell, Paddlewheel Records, que era una subsidiaria del sello japonés King. Fueron lanzadas en los Estados Unidos por Evidence. En ese momento, Royce Campbell fue contactado con respecto a un nuevo proyecto que uniría al guitarrista con cinco destacados plectristas de jazz de su elección. El álbum resultante, 6 X 6, con Campbell en actuación con John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli y Dave Stryker, fue lanzado en 1994 en Japón y posteriormente en Europa con elogios de la crítica. Una década después, el álbum finalmente está siendo puesto a disposición en los EE. UU., retitulado Six By Six. A cada uno de los guitarristas invitados se le dan dos pistas cada uno con, esencialmente, su propio bajista y baterista, y Royce Campbell es el segundo guitarrista en cada una de las selecciones, proporcionando ritmo y la oportunidad de intercambiar cuartos con los respectivos músicos. https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone
The Czech drummer Otto Hejnic’s Organism band consists of Hammond organ player Brian Charette and tenor saxophonist Osian Roberts, while their album Beringia brings fresh and original compositions, full of colourful sound, rhythmic drive and great musicality. https://www.hevhetia.com/product/beringia/
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La banda Organism del baterista checo Otto Hejnic está formada por el organista Hammond Brian Charette y el saxofonista tenor Osian Roberts, mientras que su álbum Beringia trae composiciones frescas y originales, llenas de sonido colorido, impulso rítmico y gran musicalidad. https: / / www. hevhetia. com/product/beringia/
Review by Scott Yanow (AllMusic): This is a streaky affair, Hubert Laws's first recording as a leader in quite a few years. Half of the seven selections (including "It's So Crazy," "Shades of Light" and the title cut) find Laws performing a mixture of R&B and pop, with programmed rhythms and synthesizers making the music quite routine and predictable. However the other half of the CD (most notably Chopin's "Valse" and Beethoven's "Moonlight Sonata," both arranged by the flutist) finds Laws adapting some classical works to jazz with guest artists who include pianists George Duke and Joe Sample, baritonist Ronnie Laws and drummer Ndugu Chancler. While that portion has more creativity, only Hubert Laws's most loyal fans will want this release. https://www.allmusic.com/album/my-time-will-come-mw0000095582
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Reseña de Scott Yanow (AllMusic) Este es un asunto irregular, la primera grabación de Hubert Laws como líder en bastantes años. La mitad de las siete selecciones (incluyendo "It's So Crazy", "Shades of Light" y la pieza que da título al álbum) encuentran a Laws interpretando una mezcla de R&B y pop, con ritmos programados y sintetizadores haciendo que la música sea bastante rutinaria y predecible. Sin embargo, la otra mitad del CD (más notablemente la "Valse" de Chopin y la "Moonlight Sonata" de Beethoven, ambas arregladas por el flautista) encuentra a Laws adaptando algunas obras clásicas al jazz con artistas invitados que incluyen a los pianistas George Duke y Joe Sample, el baritonista Ronnie Laws y el baterista Ndugu Chancler. Si bien esa porción tiene más creatividad, solo los fanáticos más leales de Hubert Laws querrán este lanzamiento. https://www.allmusic.com/album/my-time-will-come-mw0000095582
Review by Adam Greenburg (AllMusic): The sophomore album of jazz from the Acoustic Jazz Quartet that isn't actually acoustic (amps and pickups are used throughout). The pieces are written primarily by Jamie Findlay, the guitarist and devout Baha'I follower. Taking the influence of his religion, a number of the works here are based in some manner upon the Baha'i faith and the celebration of the Bab. The playing itself is perfectly good, with Findlay's guitar pulling through some easygoing riffs and the occasional light solo effort. David Sills does his best to emulate John Coltrane post-bop stylings throughout the album, and pulls it off pretty well. Zac Matthews provides an able bass, fueled in part by Findlay's attention to basslines in his compositions. The compositions range from the slightly jumping to the more sedate explorations of the keys. Overall, it's not a bad album. Nothing with the excitement of bop's heyday, but nothing that deserves any scorn either. https://www.allmusic.com/album/organic-mw0000594568
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Reseña de Adam Greenburg (AllMusic) - Traducción: El segundo álbum de jazz del Acoustic Jazz Quartet que en realidad no es acústico (se usan amplificadores y pastillas en todo momento). Las piezas están escritas principalmente por Jamie Findlay, el guitarrista y devoto seguidor Baha'I. Tomando la influencia de su religión, varias de las obras aquí están basadas de alguna manera en la fe Bahá'í y la celebración del Báb. La interpretación en sí es perfectamente buena, con la guitarra de Findlay desplegando algunos riffs relajados y el esfuerzo ocasional de un solo ligero. David Sills hace todo lo posible para emular los estilos post-bop de John Coltrane a lo largo del álbum, y lo logra bastante bien. Zac Matthews proporciona un bajo capaz, impulsado en parte por la atención de Findlay a las líneas de bajo en sus composiciones. Las composiciones van desde las ligeramente saltarinas hasta las exploraciones más serenas de las tonalidades. En general, no es un mal álbum. Nada con la emoción del apogeo del bop, pero nada que merezca ningún desprecio tampoco. https://www.allmusic.com/album/organic-mw0000594568
Kimberly Gordon’s vocals are rich, warm, and enchant the soul. Her style meshes well with Chris Foreman’s jazz and gospel-influenced organ playing and Andy Brown’s natural, easygoing guitar riffs. Kimberly is a musician’s singer, a singer’s singer, and a jazz lover’s singer. This disc captures the high energy, magic of the Kimberly Gordon Organ Trio. Listening to “Sunday” is the next best thing to actually being at their weekly Sunday night Green Mill Jazz Club performance. https://www.parsifal.be/product/cd/cd-blues/kimberley-gordon-organ-trio-sunday/
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La voz de Kimberly Gordon es rica, cálida y encanta el alma. Su estilo combina muy bien con el órgano de Chris Foreman, con influencias de jazz y gospel, y con los riffs de guitarra naturales y desenfadados de Andy Brown. Kimberly es una cantante de músicos, una cantante de cantantes y una cantante de amantes del jazz. Este disco captura la gran energía y la magia del Kimberly Gordon Organ Trio. Escuchar «Sunday» es lo más parecido a estar realmente en su actuación semanal de los domingos por la noche en el Green Mill Jazz Club. https://www.parsifal.be/product/cd/cd-blues/kimberley-gordon-organ-trio-sunday/
Ralph Lalama is a highly respected American jazz tenor saxophonist born on January 30, 1951, in Pittsburgh, Pennsylvania (raised in West Aliquippa). He grew up in a musical family—his father was a steelworker, his mother a singer, and his father also played drums. Lalama graduated from The Dana School of Music at Youngstown State University in Ohio, where legendary jazz composer Thad Jones recognized his remarkable talent and encouraged him to move to New York All About Jazz. Since arriving in New York, Lalama has achieved dignified status as a widely respected master of the tenor saxophone through his work with the big bands of Woody Herman, Buddy Rich, Carla Bley, and the Thad Jones/Mel Lewis Orchestra All About Jazz—now known as the Vanguard Jazz Orchestra. He joined the Mel Lewis Orchestra in 1983 and has been a featured soloist at New York's Village Vanguard virtually every Monday night for the past thirty years NEPM. Lalama is an excellent tenor saxophonist influenced primarily by Hank Mobley and Sonny Rollins AllMusic, with a playing style that evokes the prime years of Blue Note Records. His performance abilities span from small group settings to large ensembles, and he excels particularly in chordless trio formats. Lalama is a three-time Grammy winner through his work with the Joe Lovano Nonet and the Vanguard Jazz Orchestra Purchase College. He has recorded extensively, leading nine albums of his own and appearing on more than sixty recordings as a sideman. His notable recordings as a leader include albums for the Dutch label Criss Cross Jazz, such as "Circle Line" (1997), which received 4½ stars from Down Beat Magazine.
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Ralph Lalama es un saxofonista tenor de jazz estadounidense ampliamente respetado, nacido el 30 de enero de 1951 en Pittsburgh, Pennsylvania (criado en West Aliquippa). Creció en una familia musical—su padre era trabajador siderúrgico, su madre cantante, y su padre también tocaba la batería. Lalama se graduó de la Escuela de Música Dana de la Universidad Estatal de Youngstown en Ohio, donde el legendario compositor de jazz Thad Jones reconoció su notable talento y lo alentó a mudarse a Nueva York. Desde su llegada a Nueva York, Lalama ha alcanzado un estatus digno como maestro ampliamente respetado del saxofón tenor a través de su trabajo con las big bands de Woody Herman, Buddy Rich, Carla Bley y la Orquesta de Thad Jones/Mel Lewis, ahora conocida como la Vanguard Jazz Orchestra. Se unió a la Orquesta de Mel Lewis en 1983 y ha sido solista destacado en el Village Vanguard de Nueva York prácticamente cada lunes por la noche durante los últimos treinta años. Lalama es un excelente saxofonista tenor influenciado principalmente por Hank Mobley y Sonny Rollins, con un estilo interpretativo que evoca los años de oro de Blue Note Records. Sus habilidades interpretativas abarcan desde pequeños grupos hasta grandes conjuntos, y destaca particularmente en formatos de trío sin instrumento de acordes. Lalama es ganador de tres premios Grammy a través de su trabajo con el Joe Lovano Nonet y la Vanguard Jazz Orchestra. Ha grabado extensamente, liderando nueve álbumes propios y apareciendo en más de sesenta grabaciones como músico acompañante. Entre sus grabaciones notables como líder se incluyen álbumes para el sello holandés Criss Cross Jazz, como "Circle Line" (1997), que recibió 4½ estrellas de la revista Down Beat.
Recorded in 1971,
shortly after he departed Cadet where he served as a house
sideman-playing on dozens of records and a prefferred guitarist for
Curtis Mayfield and Jerry Butler, Phil Upchurch headed for the West
Coast and Blue Thumb Records. Produced by Tommy LiPuma, Upchurch's
Darkness, Darkness is his quintessential (double) album, full of
laid-back funky grooves, elegant, mind-blowing guitar work, elegant
string and horn arrangements, and fine Fender Rhodes work from Donny
Hathaway with legendary session bassist Chuck Rainey and smooth jazz
piano great Joe Sample in the house. Upchurch effortlessly walks the
line where jazz, blues, rock, soul, and funk fold into one another, yet
he never gives quarter in the process. The title track is a cover of the
Youngbloods hit. Upchurch leaves all the fuzz tone and distortion of
his early work behind him for the shimmering cleanliness of the West
Coast sound. He gets the dirty grooves through the notes, not the
effects, bringing out the funky side of Jesse Colin Young's originl.
Hathaway's spare, tasty muted horn arrangements follow in counterpoint
to the melody, creating an extended harmony that acts almost as another
voice. On "Fire and Rain"-- the James Taylor evergreen that was a hit
when he covered it--Upchurch begins tenderly, wringing its melody slowly
and purposefully, before the keyboards and strings reach in and grab
it. Forced to respond, he chunks it up with large Wes Montgomery-styled
chords and knotty fills at the piano and horns, cascading like water in
the background. He increases the tempo and transforms it into a funky
soul tune, with a haunting melodic invention that restores the poignant
melody. And while these tunes signify his capablility for turning even
the most melancholy folk-pop tunes into funk-driven boogaloos, it's on
the soul tunes where he shines brightest. Conversley, his readings of
James Brown's "Cold Sweat," Percy Mayfield's "Please Send Me Someone to
Love," and Marvin Gaye's "Inner City Blues" are turned toward pop and
reveal an accessibility that not readly apparent to that audience. While
the rock music was danceable and inspiring to begin with and was
reinvented both structurally and emotionally by Upchurch's playing, it's
when he digs into classic R&B material that things really start to
happen. He plays with such a sticky groove that he wrings every ounce
sweaty emotion from these songs, revisioning them as anthems to funky
transcendence. There isn't anything extra in his silky approach, but a
profound knowledge of when to move and when to slip, slide, and groove
through these charts-- is Upchurch's trademark. Virtually no one else
could take a raw tune like "Cold Sweat," smooth it out, and still give
it the mean, lean read that Upchurch does. His fingers are flying all
over the place but are never outside the reach of the rhythm section.
Darkness, Darkness is 1971's soul-jazz album to beat, and despite its
under-recognition at the time--it is one of, if not the, decade's finest
albums in the genre, period.
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Traducción Automática: Revisión por Thom JurekGrabado
en 1971, poco después de su partida de Cadet, donde se desempeñó como
acompañante de una casa en docenas de discos y como guitarrista
preferido de Curtis Mayfield y Jerry Butler, Phil Upchurch se dirigió a
West Coast y Blue Thumb Records. Producido
por Tommy LiPuma, Darkness, Darkness de Upchurch es su álbum por
excelencia (doble), lleno de ritmos funky relajados, elegante,
alucinante trabajo de guitarra, elegantes arreglos de cuerdas y cuernos,
y excelente trabajo de Fender Rhodes de Donny Hathaway con legendaria
sesión el bajista Chuck Rainey y el gran piano de jazz Joe Sample en la casa. Upchurch
camina sin esfuerzo por la línea donde el jazz, el blues, el rock, el
soul y el funk se combinan, sin embargo, nunca da cuartel en el proceso.
La pista del título es una versión del éxito de Youngbloods. Upchurch
deja atrás todo el tono borroso y la distorsión de sus primeros
trabajos para la limpieza brillante del sonido de la costa oeste. Él
obtiene los surcos sucios a través de las notas, no los efectos,
sacando a relucir el lado original del original de Jesse Colin Young. Los
arreglos de bocina, sabrosos y de repuesto de Hathaway siguen en
contrapunto a la melodía, creando una armonía extendida que actúa casi
como otra voz. En
"Fire and Rain", el árbol de hoja perenne de James Taylor que fue un
éxito cuando lo cubrió, Upchurch comienza con ternura, retorciendo su
melodía lenta y decididamente, antes de que los teclados y las cuerdas
lleguen y la agarran. Obligado
a responder, lo rompe con grandes acordes de estilo de Wes Montgomery y
nudos en el piano y las bocinas, que caen en cascada como el agua en el
fondo. Aumenta
el ritmo y lo transforma en una melodía del alma funky, con un invento
melódico inquietante que restaura la melodía conmovedora. Y
mientras estas melodías significan su capacidad para convertir incluso
las melodías de folk pop más melancólicas en boogaloos impulsados por
el funk, es en las melodías del alma donde brilla más. Conversley,
sus lecturas de "Cold Sweat" de James Brown, "Please Send Me Someone to
Love" de Percy Mayfield y "Inner City Blues" de Marvin Gaye se centran
en el pop y revelan una accesibilidad que no es muy evidente para esa
audiencia. Mientras
que la música rock era bailable e inspiradora para comenzar y fue
reinventada tanto estructural como emocionalmente por la interpretación
de Upchurch, es cuando él explora el material clásico de R&B cuando
las cosas realmente comienzan a suceder. Juega
con un ritmo tan pegajoso que extrae cada onza de emoción sudorosa de
estas canciones, revisándolas como himnos a la trascendencia funky. No
hay nada extra en su enfoque sedoso, pero un profundo conocimiento de
cuándo moverse y cuándo deslizarse, deslizarse y moverse a través de
estas tablas es la marca registrada de Upchurch. Prácticamente
nadie más podía interpretar una melodía tan cruda como "Cold Sweat",
suavizarla, y aún así darle la media, lean lean que Upchurch hace. Sus dedos vuelan por todo el lugar, pero nunca están fuera del alcance de la sección de ritmo. Darkness,
Darkness es el álbum de soul-jazz de 1971, y pese a su falta de
reconocimiento en ese momento, es uno de los mejores álbumes de la
década, si no el mejor.
Divine Inspirations: Music and Islam in Indonesia
brings together the work of 11 international scholars into an
unprecedented volume focused on religion and performance in a nation
celebrated for its extraordinary arts, religious diversity, and natural
beauty. The resulting collection provides a panoramic view of
Indonesia's Islamic arts in a variety of settings and communities.
Together the authors address how history, politics, spirituality, and
gender are expressed through performance and how Indonesian Islamic
culture intersects with the ideology and practice of nationalism.
Unique and engaging, Divine Inspirations
will fascinate readers interested in Southeast Asia, the Middle East,
Islam, world religions, global discourse, and music, arts and ritual.
