Yusef Lateef • Jazz For The Thinker

 

 Yusef Lateef was born William Emanuel Huddleston in Chattanooga, Tennessee on October 9th, 1920. At the age of 5 he moved with his family to Detroit. Growing up in Detroit he came in contact and forged friendships with many a giant of jazz such as Kenny Burrell, Milt Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers, and Donald Byrd. By the time he graduated from high school he was a proficient tenor saxophonist. He started soon after graduation playing professionally and touring with different swing orchestras among them those of Hot Lips Page, Roy Eldridge and Lucky Millender. In 1949 he joined Dizzy Gillespie’s orchestra (using the stage name William Evans), and stayed with them for one year. In 1950 he returned to Detroit and to enrolled in the Wayne State University’s Music Department and studying composition and flute. During his tenure at Wayne State he converted to Islam and changed his name to Yusef Lateef. He stayed in Detroit until 1960 and during this decade he led his own quintet for a while, recorded his first album as a leader for the Savoy label, Stable Mates, and furthered his musical education by studying oboe with Ronald Odemark of the Detroit Symphony Orchestra.

In 1960 he returned to New York and enrolled in the Manhattan School of Music to further his studies in flute and music education. Over the next 10 years he recorded several records as a leader and played on many more under other musicians’ leadership, toured with Charles Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie and Babatunde Olatunji and obtained a BA in music and a MA in music education. Among the highlights of his recording career from this decade are Eastern Sounds, Live at Pep’s and The Golden Flute. One can already hear on these records the incorporation of different eastern musical influences into the more straight-ahead jazz idiom. These albums also are one of the first places one can hear Dr Lateef play different reed instruments including the bassoon, bamboo flute, shanai, shofar, argol, sarewa, and taiwan koto. During the 70s he taught courses in autophysiopsychic music (which comes from one’s spiritual, physical and emotional self) at the music theory department in the Manhattan School of Music. From 1972 till 1976, he was an associate professor of music at the Borough of Manhattan Community College.

In 1975 he was awarded a Ph.D. in Education from University of Massachusetts in Amherst, MA and he continues to be a professor there. Suite 16 or Blues Suite, Dr. Lateef’s first work for large orchestra, premiered in 1969 at the Georgia Symphony Orchestra in Augusta and it was performed in 1970 by the Detroit Symphony Orchestra at the Meadowbrook Music Festival, and recorded by the WDR Orchestra in Cologne. The NDR Radio Orchestra of Hamburg commissioned him to compose the tone poem “Lalit,” in 1974. He also recorded his Symphony No.1 with the same orchestra later that year. He has toured the world with his ensembles and other musicians performing in concert halls and music festivals.

The recorded highlight of this stage of his career is Autophysiopsychic. In the 80s Dr. Lateef spent 4 years at the Center for Nigerian Cultural Studies at Ahmadu Bello University in Zaria, Nigeria researching the Fulani flute. In 1987 he won a Grammy for Yusef Lateef’s Little Symphony.

In 1992 he established his own label YAL. In 1993 Yusef Lateef’ composed his most ambitious work to date, The African American Epic Suite, a four-movement work for quintet and orchestra dedicated to 400 years of African American history. It premiered with the WDR orchestra and later was also performed by the Atlanta Symphony Orchestra and by the Detroit Symphony Orchestra. Among his lesser known accomplishments are 3 works of fiction; A Night in the Garden of Love and two collections of short stories, Spheres and Rain Shapes.

Yusef Lateef died at his home in Shutesbury, Massachusetts in December 2013; he was 93 years old.

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Yusef Lateef nació como William Emanuel Huddleston en Chattanooga, Tennessee el 9 de octubre de 1920. A la edad de 5 años se mudó con su familia a Detroit. Al crecer en Detroit, entró en contacto y forjó amistades con muchos gigantes del jazz como Kenny Burrell, Milt Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers y Donald Byrd. Para cuando se graduó de la escuela secundaria era un saxofonista tenor competente. Comenzó poco después de su graduación tocando profesionalmente y de gira con diferentes orquestas de swing, entre ellas las de Hot Lips Page, Roy Eldridge y Lucky Millender. En 1949 se unió a la orquesta de Dizzy Gillespie (con el nombre artístico de William Evans), y permaneció con ellos durante un año. En 1950 regresó a Detroit y se matriculó en el Departamento de Música de la Universidad Estatal de Wayne, donde estudió composición y flauta. Durante su permanencia en el Estado de Wayne se convirtió al Islam y cambió su nombre a Yusef Lateef. Permaneció en Detroit hasta 1960 y durante esta década dirigió su propio quinteto por un tiempo, grabó su primer álbum como líder del sello Savoy, Stable Mates, y amplió su educación musical estudiando oboe con Ronald Odemark de la Orquesta Sinfónica de Detroit.

En 1960 regresó a Nueva York y se matriculó en la Escuela de Música de Manhattan para continuar sus estudios de flauta y educación musical. Durante los siguientes 10 años grabó varios discos como líder y tocó en muchos más bajo el liderazgo de otros músicos, realizó giras con Charles Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie y Babatunde Olatunji y obtuvo un BA en música y un MA en educación musical. Entre los aspectos más destacados de su carrera discográfica de esta década se encuentran Eastern Sounds, Live at Pep's y The Golden Flute. Ya se puede escuchar en estos discos la incorporación de diferentes influencias musicales orientales en el lenguaje más directo del jazz. Estos álbumes también son uno de los primeros lugares donde se puede escuchar al Dr. Lateef tocar diferentes instrumentos de caña, incluyendo el fagot, la flauta de bambú, el shanai, el shofar, el argol, el sarewa y el taiwan koto. Durante los años 70 impartió cursos de música autofísica (que proviene del propio yo espiritual, físico y emocional) en el departamento de teoría musical de la Manhattan School of Music. De 1972 a 1976, fue profesor asociado de música en el Borough of Manhattan Community College.

En 1975 obtuvo un doctorado en Educación de la Universidad de Massachusetts en Amherst, MA y continúa siendo profesor allí. Suite 16 o Blues Suite, el primer trabajo del Dr. Lateef para grandes orquestas, se estrenó en 1969 en la Georgia Symphony Orchestra de Augusta y fue interpretada en 1970 por la Detroit Symphony Orchestra en el Meadowbrook Music Festival, y grabada por la WDR Orchestra de Colonia. La Orquesta de la Radio NDR de Hamburgo le encargó en 1974 la composición del poema tonal "Lalit". También grabó su Sinfonía No. 1 con la misma orquesta ese mismo año. Ha dado la vuelta al mundo con sus conjuntos y otros músicos actuando en salas de conciertos y festivales de música.

El punto culminante registrado de esta etapa de su carrera es Autophysiopsychic. En los años 80, el Dr. Lateef pasó 4 años en el Centro de Estudios Culturales Nigerianos de la Universidad Ahmadu Bello en Zaria, Nigeria, investigando la flauta Pël. En 1987 ganó un Grammy por la Pequeña Sinfonía de Yusef Lateef.

En 1992 fundó su propio sello YAL. En 1993 Yusef Lateef' compuso su obra más ambiciosa hasta la fecha, The African American Epic Suite, una obra de cuatro movimientos para quinteto y orquesta dedicada a 400 años de historia afroamericana. Se estrenó con la orquesta WDR y más tarde también fue interpretada por la Atlanta Symphony Orchestra y por la Detroit Symphony Orchestra. Entre sus logros menos conocidos se encuentran 3 obras de ficción; Una Noche en el Jardín del Amor y dos colecciones de cuentos, Esferas y Formas de la Lluvia.

Yusef Lateef murió en su casa de Shutesbury, Massachusetts, en diciembre de 2013; tenía 93 años.

yuseflateef.com ...

Sonny Terry • Sonny Is King

 

Sonny Terry

Saunders Teddell, or Saunders Terrell (or other variants, sources differ) (October 24, 1911 – March 11, 1986), known as Sonny Terry, was an American Piedmont blues and folk musician, who was known for his energetic blues harmonica style, which frequently included vocal whoops and hollers and occasionally imitations of trains and fox hunts.

Terry was born in Greensboro, Georgia. His father, a farmer, taught him to play basic blues harp as a youth. He sustained injuries to his eyes and went blind by the time he was 16, which prevented him from doing farm work, and was forced to play music in order to earn a living. Terry played Campdown Races to the plow horses which improved the efficiency of farming in the area. He began playing blues in Shelby, North Carolina. After his father died, he began playing in the trio of Piedmont blues–style guitarist Blind Boy Fuller. When Fuller died in 1941, Terry established a long-standing musical relationship with Brownie McGhee, and they recorded numerous songs together. The duo became well known among white audiences during the folk music revival of the 1950s and 1960s. This included collaborations with Styve Homnick, Woody Guthrie and Moses Asch, producing classic recordings for Folkways Records (now Smithsonian/Folkways).

In 1938 Terry was invited to play at Carnegie Hall for the first From Spirituals to Swing concert, and later that year he recorded for the Library of Congress. He recorded his first commercial sides in 1940. Some of his most famous works include "Old Jabo", a song about a man bitten by a snake, and "Lost John", which demonstrates his amazing breath control.

Despite their fame as "pure" folk artists, in the 1940s Terry and McGhee fronted a jump blues combo with honking saxophone and rolling piano, which was variously billed as Brownie McGhee and his Jook House Rockers or Sonny Terry and his Buckshot Five.

Terry was also in the 1947 original cast of the Broadway musical comedy Finian's Rainbow. He also appeared in the film The Color Purple, directed by Steven Spielberg. With McGhee, he appeared in the 1979 Steve Martin comedy The Jerk. Terry collaborated with Ry Cooder on "Walkin' Away Blues". He also performed a cover of Robert Johnson's "Crossroad Blues" for the 1986 film Crossroads.

Terry and McGhee were both recipients of a 1982 National Heritage Fellowship awarded by the National Endowment for the Arts, which is the United States government's highest honor in the folk and traditional arts. That year's fellowships were the first bestowed by the NEA.

Terry died of natural causes in Mineola, New York in March 1986, three days before Crossroads was released in theaters. He was inducted into the Blues Hall of Fame in the same year.

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Sonny Terry

Saunders Teddell, o Saunders Terrell (u otras variantes, las fuentes difieren) (24 de octubre de 1911 - 11 de marzo de 1986), conocido como Sonny Terry, fue un músico de blues y folk del Piamonte americano, conocido por su enérgico estilo de armónica de blues, que frecuentemente incluía gritos y chillidos vocales y ocasionalmente imitaciones de trenes y cacerías de zorros.

Terry nació en Greensboro, Georgia. Su padre, un granjero, le enseñó a tocar arpa básica de blues cuando era joven. Sufrió lesiones en los ojos y quedó ciego a los 16 años, lo que le impidió hacer el trabajo de la granja, y se vio obligado a tocar música para ganarse la vida. Terry tocó en Campdown Races con los caballos del arado, lo que mejoró la eficiencia de la agricultura en la zona. Empezó a tocar blues en Shelby, Carolina del Norte. Después de su padre murió, comenzó a tocar en el trío de Piamonte estilo blues guitarrista Blind Boy Fuller. Cuando Fuller murió en 1941, Terry estableció una larga relación musical con Brownie McGhee, y grabaron numerosas canciones juntos. El dúo se hizo muy conocido entre el público blanco durante el resurgimiento de la música folclórica de los años 50 y 60. Esto incluyó colaboraciones con Styve Homnick, Woody Guthrie y Moses Asch, produciendo grabaciones clásicas para Folkways Records (ahora Smithsonian/Folkways).

En 1938 Terry fue invitado a tocar en el Carnegie Hall para el primer concierto de From Spirituals to Swing, y más tarde ese año grabó para la Biblioteca del Congreso. Grabó sus primeros lados comerciales en 1940. Algunas de sus obras más famosas incluyen "Old Jabo", una canción sobre un hombre mordido por una serpiente, y "Lost John", que demuestra su asombroso control de la respiración.

A pesar de su fama de "puros" artistas folclóricos, en la década de 1940 Terry y McGhee encabezaron un combo de jump blues con saxofón y piano, que fue presentado como Brownie McGhee y sus Jook House Rockers o Sonny Terry y sus Buckshot Five.

Terry también formó parte del elenco original de 1947 de la comedia musical de Broadway Finian's Rainbow. También apareció en la película El color púrpura, dirigida por Steven Spielberg. Con McGhee, apareció en la comedia de Steve Martin de 1979, The Jerk. Terry colaboró con Ry Cooder en "Walkin' Away Blues". También interpretó una versión de "Crossroad Blues" de Robert Johnson para la película Crossroads de 1986.

Terry y McGhee recibieron en 1982 la Beca del Patrimonio Nacional otorgada por el National Endowment for the Arts, el más alto honor del gobierno de los Estados Unidos en las artes folclóricas y tradicionales. Las becas de ese año fueron las primeras otorgadas por el NEA.

Terry murió por causas naturales en Mineola, Nueva York, en marzo de 1986, tres días antes de que Crossroads se estrenara en los cines. Fue admitido en el Salón de la Fama del Blues ese mismo año.

Toots Thielemans • Blues pour Flirter

Review by Ken Dryden

Although Toots Thielemans is far better-known for his virtuoso harmonica playing, he sticks exclusively to guitar on this pair of studio dates, initially taped in 1961 for Polydor. Accompanied by pianist Georges Arvanitas, bassist Roland Lobligeois, and drummer Philippe Combelle, Thielemans leads a primarily laid-back session with the focus on the leader, covering standards ("Willow Weep for Me" and "We'll be Together Again"), adding a soft wordless background vocal to "Satin Doll," and giving a loping treatment to Milt Jackson's "Bags' Groove." No matter that none of Thielemans' compositions have come close to matching the widespread popularity of his huge hit, "Bluesette"; two blues he wrote for this date, "Le Trottoir" and "Flirt" (the latter of which is the only track to feature his famous whistling), are very enjoyable. Even if this Verve CD reissue falls short of being an essential purchase, any fan of Toots Thielemans will want to acquire it.

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Reseña de Ken Dryden

Aunque Toots Thielemans es mucho más conocido por su virtuoso toque de armónica, se pega exclusivamente a la guitarra en este par de fechas de estudio, grabadas inicialmente en 1961 para Polydor. Acompañado por el pianista Georges Arvanitas, el bajista Roland Lobligeois y el baterista Philippe Combelle, Thielemans dirige una sesión principalmente relajada con el enfoque en el líder, cubriendo estándares ("Willow Weep for Me" y "We'll be Together Again"), agregando una suave voz de fondo sin palabras a "Satin Doll", y dando un tratamiento loping a "Bags' Groove" de Milt Jackson. No importa que ninguna de las composiciones de Thielemans se haya acercado a la amplia popularidad de su gran éxito, "Bluesette"; dos blues que escribió para esta fecha, "Le Trottoir" y "Flirt" (este último es el único tema en el que aparece su famoso silbido), son muy agradables. Aunque esta reedición del CD de Verve no sea una compra esencial, cualquier fan de Toots Thielemans querrá adquirirlo.

Stan Getz-Zoot Sims • Double Exposure

 

Thelonious Monk • The Classic Quartet

 

www.theloniousmonkmusic.com ...

Billy Fury • The Symphonic Sound Of Fury

 

Bobby Hackett • Plays The Great Music Of Henry Mancini

 

Dave Pike • Peligroso

Dave Pike was born in Detroit, MI in 1938, he started off as a drummer and later learned marimba and vibraphone. Pike's family moved to Los Angeles in 1954, he played backing for artists such as Dexter Gordon, Harold Land, Carl Perkins, Paul Bley and Curtis Counce. Pike played often around California and then moved to New York in 1960 to tap into a busier Jazz scene.

Pike found greater success on the East Coast, probably occurring through joining the popular Herbie Mann's group with whom he appears on several early recordings. Pike became heavily influenced by the Latin Jazz scene and in 1964, he recorded the album “Manhattan Latin” released on Decca.

1965 saw Pike session along side Herbie Hancock (of Blue Note fame), Billy Butler (of Prestige roster) and others culminating in a commercial but relatively unsuccessful (sales wise) album on Atlantic, “Jazz for the Jet Set”. Pike featured on marimba and Hancock on Hammond. A stylish Pan-Am stewardess wearing a space helmet featured on The album cover which was designed by Italian, Emilio Pucci. It was this album that Pike experimented more with soul, taking inspiration from Atlantic records who he was signed to at the time and who were synonymous with the experimental soul genre of 60's America.

Later in 1966 Pike recorded “The Doors of Perception” (taken from Aldous Huxley's 1954 book of the same name), with Lee Konitz on saxophone though it was only released by Atlantic subsidiary label “Vortex” in 1970.

Pike left New York for Germany possibly because of Atlantic shelving “The Doors of Perception” and the attraction of European open mindedness to the experimental music Pike was flirting with at that time. In 1968, Pike joined German Jazz label MPS and recruited Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty and a guitarist named Volker Kriegel who played Indian ragas. Around this time Pike usually played vibes, Kriegel guitar, sitar and electric bass, J.A. Rettenbacher on bass, cello and electric bass, and Peter Baumeister on drums. This collective became known as The Dave Pike Set.

In 1968 “Got The Feelin” was recorded in Holland, a funky selection of tracks inspired by popular artists such as James Brown and Sam & Dave, the album was released the next year and then reissued on limited edition cd & vinyl by Wagram 1998.

The next Dave Pike album was “Noisy Silence - Gentle Noise”, released in 1969, as with many recording artists during the late 60's, The Dave Pike Set didn't escape the psychedelic influence of that era and as a result the band covered Frank Zappa's 'Mother People' and the Psychedelic Jazz sound of 'Mathar' was carefully crafted. The Dave Pike Set continued to record and entertain an avid European audience but their efforts went largely unnoticed in Pike's homeland of America. Pike showed his versatile nature again as a musician when, in 1972, he formed the “New” Dave Pike Set and recorded “Salomao” in Brazil. Pike later returned to the states during the mid 1970's and recorded several other albums of meagre success.

The interest in Jazz-Funk during the 80's (partly due to the sampling efforts of U.S. Hip Hop artists) led many djs and record collectors to delve deeper into the 60's and 70's music scene, the kudos associated with owning a rare record or groove by artists such as Pike created a new generation of vinyl hunters and Djs alike. Famous Acid Jazz DJ 'Gilles Peterson' later secured the release of 'Mathar' on Talkin Loud's “Tales From The Black Forrest” in 1994 and a rare version by Paul Weller was also released (later to be reissued on 12” vinyl), Weller's version was named 'Indian Vibes' which is what most people will incorrectly know Mathar as. A rare 12” white label boot leg of Mathar (on both sides) was also released around this time simply marked “Ind-A1” (a heavier bassline compared to the 69 album version), many other Dave Pike tracks have since been recorded or have featured on Acid Jazz compilations.

During the mid 1990's “Mathar” became popular in funk and hip hop clubs around the world, one such club was “Brothers and Sisters” which took place underneath the old ATV studios in Birmingham, England. People would search out the venue purely on the word that a bizarre record called Indian Vibes could be heard and danced to, such was the pull of the record the venue would pack out with Mathar being the highlight of the evening. Its hard to explain the effect Mathar has on a dance floor when the bass and percussion kicks in, especially over a loud sound system, renowned House Djs have also recognised the effect of Mathar and the track is occasionally squeezed into funky house sets.

Despite such underground success “Noisy Silence - Gentle Noise” remained relatively difficult to find on vinyl and hence not easily available to the masses, even the Talkin Jazz release can still be difficult to find. Mathar now occasionally makes its way onto T.V. and Radio.

Possibly because of the dusting off of Mathar in the early 90's, Dave Pike later released “Bop Head” in 1998 and then several other albums, including “Peligroso” in 2000, on the Ubiquity record label based in San Fransisco, Pike still plays percussion and now resides in Los Angeles, U.S.A.
https://musicians.allaboutjazz.com/davepike

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Dave Pike nació en Detroit, MI en 1938, comenzó como baterista y luego aprendió marimba y vibráfono. La familia de Pike se mudó a Los Ángeles en 1954, tocó como telonero para artistas como Dexter Gordon, Harold Land, Carl Perkins, Paul Bley y Curtis Counce. Pike tocó a menudo en California y luego se mudó a Nueva York en 1960 para aprovechar la escena de jazz más activa.

Pike encontró mayor éxito en la Costa Este, probablemente al unirse al popular grupo de Herbie Mann con el que aparece en varias grabaciones tempranas. Pike se vio fuertemente influenciado por la escena del Jazz Latino y en 1964, grabó el álbum "Manhattan Latin" publicado en Decca.

1965 vio la sesión de Pike junto a Herbie Hancock (de la fama de Blue Note), Billy Butler (de la lista Prestige) y otros culminando en un álbum comercial pero relativamente infructuoso (en cuanto a las ventas) en Atlantic, "Jazz for the Jet Set". Pike apareció en la marimba y Hancock en Hammond. Una elegante azafata de Pan-Am con un casco espacial apareció en la portada del álbum que fue diseñado por el italiano Emilio Pucci. Fue este álbum el que Pike experimentó más con el soul, inspirándose en Atlantic Records, con los que firmó en su momento y que eran sinónimos del género de soul experimental de la América de los 60.

Más tarde, en 1966, Pike grabó "The Doors of Perception" (tomado del libro homónimo de Aldous Huxley de 1954), con Lee Konitz al saxo, aunque sólo fue lanzado por el sello subsidiario de Atlantic "Vortex" en 1970.

Pike dejó Nueva York por Alemania posiblemente debido a la estantería atlántica "The Doors of Perception" y a la atracción de la apertura mental europea por la música experimental con la que Pike coqueteaba en ese momento. En 1968, Pike se unió al sello alemán de Jazz MPS y reclutó a Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty y a un guitarrista llamado Volker Kriegel que tocaba ragas indias. Por esta época Pike solía tocar vibráfono, guitarra Kriegel, sitar y bajo eléctrico, J.A. Rettenbacher en el bajo, cello y bajo eléctrico, y Peter Baumeister en la batería. Este colectivo se conoció como The Dave Pike Set.

En 1968 se grabó en Holanda "Got The Feelin", una selección funky de temas inspirados en artistas populares como James Brown y Sam & Dave, el álbum fue lanzado al año siguiente y luego reeditado en cd & vinilo de edición limitada por Wagram 1998.

El siguiente álbum de Dave Pike fue "Noisy Silence - Gentle Noise", lanzado en 1969, como muchos artistas de grabación a finales de los 60, The Dave Pike Set no escapó a la influencia psicodélica de esa época y como resultado la banda cubrió "Mother People" de Frank Zappa y el sonido de Jazz psicodélico de "Mathar" fue cuidadosamente elaborado. El Dave Pike Set continuó grabando y entreteniendo a una ávida audiencia europea pero sus esfuerzos pasaron en gran parte desapercibidos en la patria de Pike, América. Pike mostró su naturaleza versátil de nuevo como músico cuando, en 1972, formó el "Nuevo" Dave Pike Set y grabó "Salomao" en Brasil. Pike regresó más tarde a los Estados Unidos a mediados de los 70 y grabó varios otros álbumes de escaso éxito.

El interés por el Jazz-Funk durante los años 80 (en parte debido a los esfuerzos de muestreo de los artistas de Hip Hop de los Estados Unidos) llevó a muchos djs y coleccionistas de discos a profundizar en la escena musical de los años 60 y 70, los elogios asociados con la posesión de un disco raro o el groove de artistas como Pike crearon una nueva generación de cazadores de vinilos y Djs por igual. El famoso DJ de Acid Jazz 'Gilles Peterson' consiguió más tarde el lanzamiento de 'Mathar' en "Tales From The Black Forrest" de Talkin Loud en 1994 y también se publicó una versión rara de Paul Weller (que más tarde se reeditaría en vinilo de 12"), la versión de Weller se denominó 'Indian Vibes' que es como la mayoría de la gente conocerá incorrectamente a Mathar. Una rara pata de bota de 12" de Mathar (en ambos lados) también fue lanzada alrededor de esta época simplemente marcada como "Ind-A1" (una línea de bajo más pesada comparada con la versión del álbum 69), muchos otros temas de Dave Pike han sido grabados desde entonces o han aparecido en compilaciones de Acid Jazz.

A mediados de los 90 "Mathar" se hizo popular en los clubes de funk y hip hop de todo el mundo, uno de esos clubes fue "Brothers and Sisters" que tuvo lugar bajo los antiguos estudios ATV en Birmingham, Inglaterra. La gente buscaba el lugar sólo por la palabra que un disco extraño llamado Indian Vibes se podía escuchar y bailar, tal era el atractivo del disco que el lugar llenaba, siendo Mathar el punto culminante de la noche. Es difícil de explicar el efecto que Mathar tiene en una pista de baile cuando el bajo y la percusión se activan, especialmente con un sistema de sonido fuerte, los renombrados DJs de House también han reconocido el efecto de Mathar y la pista es ocasionalmente exprimida en sets de funky house.

A pesar de este éxito underground, "Noisy Silence - Gentle Noise" sigue siendo relativamente difícil de encontrar en vinilo y por lo tanto no está fácilmente disponible para las masas, incluso el lanzamiento de Talkin Jazz puede ser difícil de encontrar. Mathar ahora ocasionalmente se abre camino en la televisión y la radio.

Posiblemente debido al desempolvamiento de Mathar a principios de los 90, Dave Pike lanzó más tarde "Bop Head" en 1998 y luego varios otros álbumes, incluyendo "Peligroso" en 2000, en el sello discográfico Ubiquity con sede en San Francisco, Pike sigue tocando la percusión y ahora reside en Los Ángeles, EE.UU.
https://musicians.allaboutjazz.com/davepike

 

 

 

 

Brian Charette • Beyond Borderline

www.briancharette.com ...

Jimmy Ponder • Soul Eyes

Blicher Hemmer Gadd • Moments Like These

 

blicherhemmergadd.com ...

VA • Have A Nice Decade - The '70s Pop Culture Box [7 Vols.]

 

Leroy Vinnegar • Jazz’s Great Walker

 

Review from AllMusic (by MacKenzie Wilson):
Bass man Leroy Vinnegar's Jazz's Great Walker captures some of Vinnegar's most cherished tracks. It's a solid mix of cool jazz and light tinges of swing. "You'd Be So Nice to Come Home To" shimmies with a crisp bass cut over piano grooves and xylophone drops, whereas "The Love Nest" swaggers with Vinnegar's signature heart-thumping musicianship. It's probably the slyest track on the album, taking on a life of its own. "Bee Sees" follows close behind, bursting with jazz flares and trumpeting excitement. Vinnegar and his troupe are a sharp bunch. Jazz's Great Walker reflects Vinnegar's warm personality inside some of his most personal work. It's an enjoyable listen. 
    

Jay Hoggard • Days Like These

Jay Hoggard - Vibraphonist / Composer

          Vibraphonist, Composer Jay Hoggard’s music has touched the hearts and souls of listeners around Planet Earth for  40 years. Jay Hoggard has long ranked with the greatest vibraphone innovators. Jay’s music is positive, spiritual, uplifting, and happy. He masterfully draws on traditional and contemporary musical vocabulary to develop new directions for the vibraphone. Jay seamlessly blends jazz and gospel roots with African marimba rhythms. His performance repertoire represents the three B’s of the jazz tradition (Blues, Bop, Ballads) with original innovations.

          Born in Washington, DC, Jay Hoggard was raised in Mt. Vernon, New York in a religious family.His father was a Bishop in the African Methodist Episcopal Zion denomination. At age 15, Jay began playing the vibraphone. "One night I had a dream that I was playing the vibes. I asked my father to rent me a set and from the first moment, I knew that this was what I was supposed to do." Jay majored in the renown World Music program at Wesleyan University . He toured Europe and played at Carnegie Hall during his freshman year. In his junior year, he traveled to Tanzania to study East African marimba music. Jay graduated from Wesleyan in 1976 and returned to New York City in 1977 to be proclaimed a young lion of the vibraphone.

           Jay Hoggard has recorded 22 CD’s as a leader and over 50 as a collaborator. His newest CD, released in 2016 on the JHVM label, is HARLEM HIEROGLYPHS. This two disc recording features Gary Bartz saxophones, James Weidman piano,organ, Nat Adderley,Jr piano,organ, Belden Bullock bass, and Yoron Israel drums. Noted jazz writer Owen McNally recently declared in his Jazz Corridor column for WNPR.org :

         “ Hoggard has created a triumphant jazz album, a dramatic showcase for his diverse composing skills… While the standards get royal treatment, Hoggard’s originals are the album’s crown jewels. Among these are the celebratory rent party special, "Harlem Jazzbirds Swingin’ and Swayin’"; "Sonic Hieroglyphs," an ode to jazz’s sophisticated sonic semiotics, signs and symbols expressing the sweet and bittersweet mysteries of life, and Disposable Consumption, landscaped with brilliant corners and a mysterious motif of sharp consciousness morphing in and out of an edgy, subconscious dream state… Throughout, there’s the underlying theme of the hieroglyphs of jazz, the music’s uniquely creative, emblematic lexicon, alive with nuance and layers of symbolic meaning. Hoggard’s striking gallery of sonic portraits reflects many inspirations, both artistic and personal, that nourish his imagination…Harlem Hieroglyphs is alive with open-ended potential, perhaps even as the foreshadowing of a historical and culturally-oriented musical theater work graced with evocative narrative pieces resonating with cultural relevance. Or the album could be the gateway to programmatic tonal suites as painterly as the works by such great African-American artists as Jacob Lawrence, a master chronicler of the African-American experience, including his celebrated Migration Series. … Part of what fuels Hoggard’s soaring, imaginative flights are his passion for jazz in all its historic and cultural breadth and depth, and his fascination with the legacy of Harlem’s Golden Age, its rich, vibrant social and cultural life from sacred churches to secular shrines for jazz…Along with a host of aesthetic, intellectual and psychological inspirations resides his deep-seated sense of family, pride in its roots and history. Moved by spirituality, scholarly intensity and uncompromising integrity, the composer/savant is on a mission to use his artistic gifts to spread the good word about the power and the glory of jazz’s hieroglyphs, those myriad, mysterious, sub rosa, miraculously redemptive messages that have left a profoundly expressive, ineffable yet indelible mark on America’s creative consciousness.”      

         Jay Hoggard’s other recordings on the JHVM label, THE RIGHT PLACE, SONGS OF SPIRITUAL LOVE, SWING ‘EM GATES, SOULAR POWER, CHRISTMAS VIBES ALL THRU THE YEAR, and SOLO FROM TWO SIDES, give  listeners an opportunity to experience the many sides of this  significant and vital musician. 

         About CHRISTMAS VIBES ALL THRU THE YEAR, Jay says "This recording is about the joy, peace, love, and happiness that should traverse the world during the holiday seasons and throughout the whole year. I am a Christian, and this recording is about the reason for the Christmas season: the observance and re-enactment of the circumstances of the birth of Jesus. But this music is also an offering to human beings of all faiths and non- faiths, of the beautiful sounds of which I am blessed to be one of many, many channeling spirits." This trio recording features James Weidman on organ and piano and Bruce Cox on the drums.

          SOLO FROM TWO SIDES is a beautiful program of 13 Jay Hoggard compositions performed by the composer on both vibraphone and marimba, by way of digital overdubbing. SOULAR POWER, released Fall 08, is an exquisite set of eleven Jay Hoggard compositions and one jazz standard. As Hoggard says, “this CD has the feel of a live performance with the benefit of studio quality sound. New tunes are combined with others that have evolved in performance over the years. I am about music that is both aesthetically pleasing for your mind and spirit, and physically healing for your body and soul. The power of soul is a mystical paradigm of consciousness transformation .”

          SOULAR POWER swings with great sonic balance among its instruments and artists. Pianist/ organist James Weidman, bassist Belden Bullock, and drummer Yoron Israel have performed and recorded as an ensemble with Jay for more than fifteen years. Their performances here are of a caliber that can only be delivered by long associated, empathetic collaborators. 

           SWING 'EM GATES, is a tribute to the late vibraphone grand master Lionel Hampton. “Eight of the compositions on this recording are tunes that I played when Lionel Hampton sent me to sub for him with his band in the 1990’s…Once, when Hamp called me to play for him, I asked what tunes he wanted. He replied, ’Just swing ‘em,gates.’ ” That conversation was the inspiration for Jays’ composition of the same name as well as the direction of this musical tribute to Hampton in Hoggard’s musical voice The recording features stellar performances by top New York collaborators with a guest appearance by piano master, Dr. Billy Taylor on three tunes.

          Jay Hoggard has been honored and commissioned as a composer in various contexts. In 2016 he collaborated with choreographer Nicole Stanton and writer Lois Brown on STORIED PLACES, premiered at Wesleyan University.  In 2009, he was commissioned by dance troupe Sankofa Kuumba and the Hartford Symphony Orchestra to write THE OTHER SIDE OF THE OCEAN and LET ME MAKE IT CLEAR. Previously, Jay collaborated with choreographer Cleo Parker Robinson by composing THE WISDOM OF THE BAOBAB TREE commissioned by Lincoln Center Out of Doors. He was commissioned by the Hartford Festival of Jazz to compose LA TIERRA HERMOSA, dedicated to Tito Puente. He was commissioned by Wesleyan University to compose JOYFUL SWAMP and CROSSING POINT for Max Roach and percussion ensemble, and VIBARIMBALA for symphonic and jazz orchestras.

          As a performer, Jay Hoggard has toured the globe to rave reviews. He has performed in many of the finest venues of music presentation throughout the United States , Africa Europe, South America, the Caribbean, and Asia. Jay has performed in major venues (Kennedy Center, Lincoln Center, Schomberg Center) jazz festivals (St. Lucia. JVC, Montreux, Mt.Fuji, Pori, Hartford), colleges, universities, churches, galleries, libraries, and clubs around the globe. Jay has been featured on radio (NPR, Pacifica) and television (ABC Times Square, CBS Sunday Morning, BETJazz) nationally and internationally. He led a quintet on an extensive tour sponsored by the United States government to North Africa, the Middle East and India. Jay performed in special concert collaborations with vibraphone masters Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente and Bobby Hutcherson. He has recorded and toured with creative artists such as Kenny Burrell, Dr. Billy Taylor, Max Roach, James Newton, Hilton Ruiz, Oliver Lake, Bennie Maupin, Sam Rivers, Anthony Braxton, Jorge Dalto, Terumasa Hino, Dwight Andrews, Geri Allen, Anthony Davis, Henry Threadgill, Vishnu Wood, Chico Freeman, Muhal Richard Abrams , Sherry Winston, Ahmed Abdullah, and was a guest artist with the Dizzy Gillespie Big Band. Jay has accompanied singers, instrumentalists, and poets and has performed with gospel, theater, dance, percussion, and orchestral ensembles.

          Jay Hoggard is a tenured Professor of Music at his alma mater, Wesleyan University. For over 25 years, he has been the director of the Wesleyan Jazz Orchestra and has taught and mentored thousands of students.

http://www.jayhoggard.com/?section=bio

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Jay Hoggard - Vibrafonista / Compositor

          La música del vibrafonista y compositor Jay Hoggard ha tocado los corazones y las almas de los oyentes de todo el planeta Tierra durante 40 años. Jay Hoggard ha clasificado durante mucho tiempo con los mejores innovadores de vibráfono. La música de Jay es positiva, espiritual, edificante y feliz. Se basa magistralmente en el vocabulario musical tradicional y contemporáneo para desarrollar nuevas direcciones para el vibráfono. Jay combina a la perfección las raíces del jazz y el gospel con los ritmos de la marimba africana. Su repertorio de interpretación representa las tres B de la tradición del jazz (Blues, Bop, Ballads) con innovaciones originales.

          Nacido en Washington, DC, Jay Hoggard se crió en Mt. Vernon, Nueva York, en una familia religiosa. Su padre era un obispo en la denominación metodista africana episcopal Zion. A los 15 años, Jay comenzó a tocar el vibráfono. "Una noche tuve el sueño de tocar la vibra. Le pedí a mi padre que me rentara un juego y, desde el primer momento, supe que esto era lo que debía hacer". Jay se especializó en el renombrado programa de música mundial en la Universidad de Wesleyan. Realizó una gira por Europa y jugó en el Carnegie Hall durante su primer año. En su primer año, viajó a Tanzania para estudiar música de marimba de África Oriental. Jay se graduó de Wesleyan en 1976 y regresó a la ciudad de Nueva York en 1977 para ser proclamado un joven león del vibráfono.

           Jay Hoggard ha grabado 22 CD como líder y más de 50 como colaborador. Su nuevo CD, lanzado en 2016 con el sello JHVM, es HARLEM HIEROGLYPHS. Esta grabación de dos discos incluye los saxofones Gary Bartz, el piano James Weidman, el órgano, Nat Adderley, el piano Jr, el órgano, el bajo de Belden Bullock y la batería de Yoron Israel. El destacado escritor de jazz Owen McNally recientemente declaró en su columna Jazz Corridor para WNPR.org:

         "Hoggard ha creado un álbum de jazz triunfante, un escaparate dramático por sus diversas habilidades de composición ... Mientras que los estándares reciben un tratamiento real, los originales de Hoggard son las joyas de la corona del álbum. Entre ellos se encuentran la fiesta especial de alquiler de celebración, "Harlem Jazzbirds Swingin’ y Swayin ’"; "Sonic Hieroglyphs", una oda a la sofisticada semiótica sónica del jazz, signos y símbolos que expresan los dulces y agridulces misterios de la vida, y el Consumo desechable, adornados con esquinas brillantes y un misterioso motivo de conciencia aguda que se transforma dentro y fuera de un sueño sutil e inconsciente. estado ... A lo largo, está el tema subyacente de los jeroglíficos del jazz, el léxico emblemático y singularmente creativo de la música, vivo con matices y capas de significado simbólico. La impactante galería de retratos sonoros de Hoggard refleja muchas inspiraciones, tanto artísticas como personales, que nutren su imaginación ... Harlem Hieroglyphs está vivo con un potencial ilimitado, tal vez incluso como el presagio de una obra de teatro musical histórica y culturalmente orientada con evocativas piezas narrativas. resonando con relevancia cultural. O el álbum podría ser la puerta de entrada a las suites tonales programáticas tan pictóricamente como las obras de grandes artistas afroamericanos como Jacob Lawrence, un cronista maestro de la experiencia afroamericana, incluida su célebre Serie Migración. … Parte de lo que alimenta los vuelos imaginativos e intensos de Hoggard es su pasión por el jazz en toda su amplitud y profundidad histórica y cultural, y su fascinación por el legado de la Edad de Oro de Harlem, su vida social y cultural rica y vibrante, desde iglesias sagradas hasta santuarios seculares. para el jazz ... Junto con una serie de inspiraciones estéticas, intelectuales y psicológicas reside su profundo sentido de familia, orgullo en sus raíces e historia. Movido por la espiritualidad, la intensidad académica y la integridad intransigente, el compositor / sabio tiene la misión de usar sus dones artísticos para difundir la buena palabra sobre el poder y la gloria de los jeroglíficos del jazz, esos miles, misteriosos, sub rosa, milagrosamente redentor de mensajes que han dejado una huella profundamente expresiva, inefable pero indeleble en la conciencia creativa de Estados Unidos ".

         Las otras grabaciones de Jay Hoggard en la etiqueta JHVM, EL LUGAR CORRECTO, LAS CANCIONES DEL AMOR ESPIRITUAL, LAS PUERTAS SWING 'EM, EL PODER SOULAR, VIBRAS DE NAVIDAD TODO EL AÑO, Y SOLO DESDE DOS LADOS, dan a los oyentes la oportunidad de experimentar los muchos aspectos de esto. Músico significativo y vital.

         Acerca de CHRISTMAS VIBES TODO EL AÑO, Jay dice: "Esta grabación es sobre la alegría, la paz, el amor y la felicidad que deben atravesar el mundo durante las vacaciones y durante todo el año. Soy un cristiano, y esta grabación es sobre la motivo de la temporada navideña: la observancia y recreación de las circunstancias del nacimiento de Jesús. Pero esta música es también una ofrenda a los seres humanos de todas las creencias y no creencias, de los hermosos sonidos de los cuales tengo la bendición de ser Uno de los muchos, muchos espíritus canalizadores ". Este trío de grabación cuenta con James Weidman en el órgano y el piano y Bruce Cox en la batería.

SOLO FROM TWO SIDES es un hermoso programa de 13 composiciones de Jay Hoggard realizadas por el compositor tanto en vibráfono como en marimba, a través de la sobregrabación digital. SOULAR POWER, lanzado en otoño de 08, es un conjunto exquisito de once composiciones de Jay Hoggard y un estándar de jazz. Como dice Hoggard, “este CD tiene la sensación de una presentación en vivo con el beneficio de un sonido de calidad de estudio. Las nuevas melodías se combinan con otras que han evolucionado en rendimiento a lo largo de los años. Me refiero a la música que es estéticamente placentera para tu mente y espíritu, y la curación física de tu cuerpo y alma. El poder del alma es un paradigma místico de la transformación de la conciencia ".

          SOULAR POWER oscila con gran equilibrio sonoro entre sus instrumentos y artistas. El pianista / organista James Weidman, el bajista Belden Bullock y el baterista Yoron Israel han actuado y grabado como un conjunto con Jay durante más de quince años. Sus actuaciones aquí son de un calibre que solo pueden ser proporcionadas por colaboradores empáticos asociados durante mucho tiempo.

           SWING 'EM GATES, es un homenaje al difunto gran vibráfono Lionel Hampton. "Ocho de las composiciones de esta grabación son melodías que toqué cuando Lionel Hampton me envió a un subgrupo para él con su banda en la década de 1990 ... Una vez, cuando Hamp me llamó para tocar para él, le pregunté qué melodías quería. Respondió: 'Sólo hay que batirlos, puertas' ”. Esa conversación fue la inspiración para la composición de los Jays del mismo nombre, así como la dirección de este tributo musical a Hampton en la voz musical de Hoggard. La grabación presenta actuaciones estelares de los mejores de Nueva York. colaboradores con una aparición especial del maestro de piano, Dr. Billy Taylor en tres canciones.

          Jay Hoggard ha sido honrado y comisionado como compositor en varios contextos. En 2016 colaboró ​​con la coreógrafa Nicole Stanton y la escritora Lois Brown en STORIED PLACES, estrenada en Wesleyan University. En 2009, el grupo de danza Sankofa Kuumba y la Orquesta Sinfónica de Hartford le encargaron que escribiera EL OTRO LADO DEL OCÉANO y DEJÉMALOJARLO. Anteriormente, Jay colaboró ​​con el coreógrafo Cleo Parker Robinson al componer THE WISDOM OF THE BAOBAB TREE, encargado por Lincoln Center Out of Doors. El Hartford Festival of Jazz le encargó que compusiera LA TIERRA HERMOSA, dedicada a Tito Puente. Fue encargado por la Universidad de Wesleyan para componer JOYFUL SWAMP y CROSSING POINT para Max Roach y conjunto de percusión, y VIBARIMBALA para orquestas sinfónicas y de jazz.

          Como actor, Jay Hoggard ha realizado giras por todo el mundo para obtener excelentes críticas. Ha actuado en muchos de los mejores lugares de presentación de música en los Estados Unidos, África, Europa, América del Sur, el Caribe y Asia. Jay ha actuado en los principales lugares (Kennedy Center, Lincoln Center, Schomberg Center) festivales de jazz (Santa Lucía. JVC, Montreux, Mt. Fuji, Pori, Hartford), colegios, universidades, iglesias, galerías, bibliotecas y clubes en todo el globo. Jay ha aparecido en radio (NPR, Pacifica) y televisión (ABC Times Square, CBS Sunday Morning, BETJazz) a nivel nacional e internacional. Lideró un quinteto en una extensa gira patrocinada por el gobierno de los Estados Unidos al norte de África, Medio Oriente e India. Jay actuó en colaboraciones de conciertos especiales con los maestros de vibráfono Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente y Bobby Hutcherson. Ha grabado y realizado giras con artistas creativos como Kenny Burrell, Dr. Billy Taylor, Max Roach, James Newton, Hilton Ruiz, Oliver Lake, Bennie Maupin, Sam Rivers, Anthony Braxton, Jorge Dalto, Terumasa Hino, Dwight Andrews, Geri Allen , Anthony Davis, Henry Threadgill, Vishnu Wood, Chico Freeman, Muhal Richard Abrams, Sherry Winston, Ahmed Abdullah, y fue un artista invitado de la Dizzy Gillespie Big Band. Jay ha acompañado a cantantes, instrumentistas y poetas y ha actuado con gospel, teatro, danza, percusión y conjuntos orquestales.

          Jay Hoggard es profesor titular de música en su alma mater, la Universidad de Wesleyan. Durante más de 25 años, ha sido el director de la Orquesta de Jazz de Wesleyan y ha enseñado y asesorado a miles de estudiantes.

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Billy Martin and Wil Blades • Shimmy

“He is the future to carry on the legend, the legacy of the organ” said Hammond B3 legend Dr. Lonnie Smith about his disciple Wil Blades. We knew Wil Blades as a talented sideman through various collaborations with the likes of Will Bernard, Terrence Brewer, Stanton Moore and Karl Denson. But we didn't expect him to be quite so good and heavy as he teams up with drummer and percussionist Billy Martin. For the first time his dazzling ability to create an overwhelming groove finally stands out, fulfilling Lonnie Smith's prophecy. We won't dither and slither: Shimmy is an important release and it puts Wil in the B3 Hall Of Fame. Paradoxically, he's not reaching those heights in a classic organ trio formation but in a duet. His association with Billy Martin works so well that you can be forgiven for thinking that three people - at least - are playing (do not search in the liner's notes, there is no bass nor guitar). These guys are not really human, they are more like octopuses, multiplying to sound like an orchestra... Building a duet with Billy Martin could have been perilous for Wil Blades, the danger being to be seen or sound like a stand-in organist for John Medeski. The comparison was inevitable but Wil doesn't try to compete at all and find his own vocabular, which wasn't a given. One brilliant idea lies in the addition of a clavinet doubling over the Hammond and adding some extra funkiness to the stainless B3 formula. As for Billy Martin (read the interview we did with him last summer), he writes one of the most glorious chapters of his already brilliant history. Whenever he's alone doing his noisy one percussionman-show, whenever he's playing at two with John Medeski in a more experimental vein (Mago), or playing with MMW or Wicked Knee, he displays the same mastery and boundless creativity. This essential release for every Hammond addict of the soul-jazz-funk party side is no exception.

Biography :

Billy Martin of Medeski Martin and Wood and Wil Blades of Amendola vs Blades, and Stanton Moore Trio came together in 2010 to form this incredible Duo!

Drummer Billy Martin of Medeski, Martin and Wood and up and coming organist Wil Blades come together for a new duo project. The duo’s music is at once danceable and highly improvisational.

With a steady base as one-third of the renowned experimental jazz trio Medeski, Martin, & Wood, drummer Billy Martin has become one of the most forward-thinking, innovative, and influential percussionists in the music world. His ultra-sensitive, hyper-melodic drumming -- which explores the ideas of jazz, hip-hop, electronica, African music, and other genres -- has an organic feel to it, filled with soft, natural edges and fluid energies. When not performing with Medeski Martin & Wood, Martin continues to collaborate with other musicians in improvisational projects, many of which are documented on his own Amulet Records imprint, which he founded in 1995.

Blades, a native Chicago an, has become the San Francisco Bay Area’s first call organist and is rapidly gaining momentum throughout the world. For several years, he has been named in the Downbeat critics poll under “Rising Star” for organ. Wil has kept the traditional sounds of Jimmy Smith, Larry Young, and “Groove” Holmes alive, while creating a more personal, modern sound. Wil has performed and recorded with John Lee Hooker, Dr. Lonnie Smith, Melvin Sparks, Idris Muhammad, Joe Louis Walker, Don Braden, Donald Harrison, Karl Denson, Will Bernard, Charlie Hunter, Stanton Moore, Anders Osborne Scott Amendola and many others.

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"Él es el futuro para continuar la leyenda, el legado del órgano", dijo la leyenda de Hammond B3, el Dr. Lonnie Smith, sobre su discípulo Wil Blades. Conocimos a Wil Blades como un talentoso sideman a través de varias colaboraciones con Will Bernard, Terrence Brewer, Stanton Moore y Karl Denson. Pero no esperábamos que fuera tan bueno y pesado, ya que se unió al baterista y percusionista Billy Martin. Por primera vez, su deslumbrante habilidad para crear un groove abrumador finalmente se destaca, cumpliendo la profecía de Lonnie Smith. No vacilaremos y nos deslizaremos: Shimmy es un lanzamiento importante y pone a Wil en el Salón de la Fama de B3. Paradójicamente, no está alcanzando esas alturas en una formación clásica de trío de órgano sino en un dúo. Su asociación con Billy Martin funciona tan bien que se puede perdonar que piense que tres personas - por lo menos - están tocando (no busquen en las notas del liner, no hay bajo ni guitarra). Estos tipos no son realmente humanos, son más como pulpos, multiplicándose para sonar como una orquesta... Construir un dúo con Billy Martin podría haber sido peligroso para Wil Blades, el peligro era ser visto o sonar como un organista suplente para John Medeski. La comparación era inevitable, pero Wil no intenta competir en absoluto y encontrar su propio vocabulario, lo cual no era un hecho. Una idea brillante radica en la adición de un clavinet que se duplica sobre el Hammond y añade un poco de funkiness extra a la fórmula inoxidable B3. En cuanto a Billy Martin (lee la entrevista que le hicimos el verano pasado), escribe uno de los capítulos más gloriosos de su ya brillante historia. Siempre que está solo haciendo su ruidoso show de un percusionista, siempre que está tocando a las dos con John Medeski en una vena más experimental (Mago), o tocando con MMW o Wicked Knee, muestra la misma maestría y creatividad sin límites. Este lanzamiento esencial para cada adicto a Hammond del lado de la fiesta del soul-jazz-funk no es una excepción.

Biografía :

Billy Martin de Medeski Martin y Wood and Wil Blades de Amendola vs Blades, y Stanton Moore Trio se unieron en 2010 para formar este increíble Dúo!

El baterista Billy Martin de Medeski, Martin y Wood y el prometedor organista Wil Blades se unen para un nuevo proyecto de dúo. La música del dúo es a la vez bailable y altamente improvisada.

Con una base estable como un tercio del renombrado trío de jazz experimental Medeski, Martin y Wood, el baterista Billy Martin se ha convertido en uno de los percusionistas más progresistas, innovadores e influyentes del mundo de la música. Su batería hipersensible e hipermelódica, que explora las ideas del jazz, el hip-hop, la electrónica, la música africana y otros géneros, tiene una sensación orgánica, llena de bordes suaves y naturales y de energías fluidas. Cuando no está actuando con Medeski Martin & Wood, Martin continúa colaborando con otros músicos en proyectos de improvisación, muchos de los cuales están documentados en su propio sello Amulet Records, que fundó en 1995.

Blades, nativo de Chicago, se ha convertido en el primer organista de la Bahía de San Francisco y está ganando rápidamente impulso en todo el mundo. Durante varios años, ha sido nombrado en la encuesta de los críticos de Downbeat en "Rising Star" para el órgano. Wil ha mantenido vivos los sonidos tradicionales de Jimmy Smith, Larry Young y "Groove" Holmes, creando un sonido más personal y moderno. Wil ha actuado y grabado con John Lee Hooker, Dr. Lonnie Smith, Melvin Sparks, Idris Muhammad, Joe Louis Walker, Don Braden, Donald Harrison, Karl Denson, Will Bernard, Charlie Hunter, Stanton Moore, Anders Osborne Scott Amendola y muchos otros. 

 

 

www.billymartin.net ...

www.wilblades.com/home ...

Jackie Ivory • Soul Discovery

Artist Biography by Johnny Loftus

Pianist and organ player Jackie Ivory was born on February 27, 1937, in Blytheville, AR. As a young boy, Ivory moved with his family to South Bend, IN, where he started to teach himself piano. Private lessons fleshed out his own forays into the instrument, and by high school Ivory was playing and singing in pickup vocal groups throughout South Bend. After a stint in the Army, the pianist collaborated with jazz guitarist Don Davis before starting a trio featuring saxophone, drums, and his own Hammond B-3 organ. In 1965, the 24-year-old Ivory issued his first LP, Soul Discovery, for the Atco label. Extensive touring as a sideman followed, with Ivory supporting tenor sax greats like Junior Walker and Willis "Gator" Jackson. Ivory moved to Oakland, CA, in 1974, and the city became his base of operations for the rest of his career. In 1983, he formed the Jackie Ivory Quartet, and performed regularly on the B-3 with the combo throughout the '80s, '90s, and '00s. Jackie Ivory Live at Jack's Bar (Orchard) was released in 2001; two years later, Honeycomb dropped Laying in the Cut, a loose, effortlessly funky set from Ivory and his quartet, which featured brother and drummer Henry Lawrence Avery, vocalist Harriet E. Davis, tenor saxophonist Nancy Wright, and guitarist Yoshinobu "Takezo" Takeda.

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Biografía del artista por Johnny Loftus

El pianista y organista Jackie Ivory nació el 27 de febrero de 1937 en Blytheville, AR. De joven, Ivory se mudó con su familia a South Bend, IN, donde comenzó a enseñar piano. Las clases particulares desarrollaron sus propias incursiones en el instrumento, y en el instituto Ivory tocaba y cantaba en grupos vocales en South Bend. Después de una temporada en el ejército, el pianista colaboró con el guitarrista de jazz Don Davis antes de empezar un trío con saxofón, batería y su propio órgano Hammond B-3. En 1965, Ivory, de 24 años, publicó su primer LP, Soul Discovery, para el sello Atco. Siguieron extensas giras como sideman, con Ivory apoyando a grandes saxos tenores como Junior Walker y Willis "Gator" Jackson. Ivory se mudó a Oakland, California, en 1974, y la ciudad se convirtió en su base de operaciones para el resto de su carrera. En 1983, formó el Jackie Ivory Quartet, y actuó regularmente en el B-3 con el combo durante los años 80, 90 y 90. Jackie Ivory Live at Jack's Bar (Orchard) se estrenó en 2001; dos años más tarde, Honeycomb lanzó Laying in the Cut, un set suelto y sin esfuerzo de Ivory y su cuarteto, en el que figuraban el hermano y baterista Henry Lawrence Avery, la vocalista Harriet E. Davis, la saxofonista tenor Nancy Wright y el guitarrista Yoshinobu "Takezo" Takeda.

Clifton Chenier • Frenchin' The Boogie

 

 

Clifton Chenier (June 25, 1925 - December 12, 1987), a Creole French -speaking native of Opelousas, Louisiana, was an eminent performer and recording artist of Zydeco and 1983 Grammy winner. Like so many American originals, accordion player and singer Clifton Chenier was able to synthesize several older genres of music into a new form. He added to Cajun music a touch of the blues, rhythm and blues, and rock & roll to create a driving pop version of Zydeco. He explained, "People been playing Zydeco for a long time, old style like French music. But I was the first one to put the pep to it." He started his career performing on weekends near the oilfields, where he worked at his day job. During the '50s he was associated with R&B, recording for legendary labels like Specialty and Chess. His influences were not older Cajun musicians, but figures like Fats Domino and Professor Longhair. By the time Chenier hit his stride, traditional Cajun and Creole music had begun to take different paths: Cajuns were becoming more interested in country music, while Creole players preferred blues and R&B, abandoning the fiddle in favor of the rub-board and sometimes a horn section. In 1964 Arhoolie Records producer Chris Strachwitz persuaded Chenier to play more zydeco -- a move that renewed his career and led to a long series of hit albums. Among his later hit singles were 1964's "Louisiana Blues" and 1965's "Black Gal." He also recorded what has become the national anthem of Zydeco, "Zydeco Sont pas Sale." Clifton Chenier became the first major Zydeco superstar and also introduced the word Zydeco to the musical lexicon in 1965. He said that Zydeco was a corruption of les haricots (French for the beans). The undisputed "King of Zydeco," Clifton Chenier was the first Creole to be presented a Grammy award on national television. Blending the French and Cajun 2-steps and waltzes of southwest Louisiana with New Orleans R&B, Texas blues, and big-band jazz, Chenier created the modern, dance-inspiring, sounds of Zydeco. A flamboyant personality, remembered for his gold tooth and the cape and crown that he wore during concerts, Chenier set the standard for all the Zydeco players who have followed in his footsteps. In an interview from Ann Savoy's book, Cajun Music: Reflection of a People, Chenier explained, "Zydeco is rock and French mixed together, you know, like French music and rock with a beat to it. It's the same thing as rock and roll but it's different because I'm singing in French." The son of sharecropper and amateur accordion player, Joe Chenier, and the nephew of a guitarist, fiddler, and dance club owner, Maurice "Big" Chenier, Chenier found his earliest influences in the blues of Muddy Waters, Peetie Wheatstraw, and Lightnin' Hopkins, the New Orleans R&B of Fats Domino and Professor Longhair, the 1920s and '30s recordings by Zydeco accordionist Amede Ardoin and the playing of childhood friends Claude Faulk and Jesse and Zozo Reynolds. Acquiring his first accordion from a neighbor, Isaie "Easy" Blasa in 1947, Chenier was taught the basics of the instruments by his father. Chenier is credited with redesigning the wood and crimped tin washboard into the frottoir, an instrument that would easily hang from the shoulders. Cleveland Chenier, Clifton's older brother, also played in the Red Hot Louisiana Band. He found popularity for his ability to manipulate the distinctive sound of the frottoir by rubbing several bottle openers (held in each hand) along its ridges. By 1944, Chenier was performing, with his brother Cleveland on frottoir in the dance halls of Lake Charles.

Moving to New Iberia in the mid-'40s, Chenier worked in the sugar fields cutting sugar cane. After moving, to Port Arthur, TX, in 1947, he divided his time between driving a refinery truck and hauling pipe for Gulf and Texaco and playing with his brother. In 1954, Chenier signed with Elko Records. His first recording session, at Lake Charles radio station KAOK, yielded seven tunes including the regional hit single, "Cliston's Blues" and "Louisiana Stomp." Chenier's first national attention came with his first single for the Specialty record label, "Ay Tete Fille (Hey, Little Girl)," a cover of a Professor Longhair tune, released in May 1955. The song was one of 12 that he recorded during two sessions produced by Bumps Blackwell, best known for his work with Little Richard. By 1956, Chenier had left his day job to devote his full-time attention to music, Touring with his band, the Zydeco Ramblers, which included blues guitarist Philip Walker. The following year, Chenier left Specialty and signed with the Chess label in Chicago. Although he toured, along with Etta James, throughout the United States, Chenier's career suffered when the popularity of ethnic and regional music styles began to decline. Although he recorded 13 songs for the Crowley, LA-based Zynn label, between 1958 and 1960, none charted. The turning point in Chenier's career came when Lightnin' Hopkins' wife, who was a cousin, introduced Chris Strachwitz, owner of the roots music label, Arhoolie, to his early recordings. Strachwitz quickly signed Chenier to Arhoolie, producing his first single, "Ay Yi Yi"/"Why Did You Go Last Night?," in four years. Although they continued to work together until the early '70s, Chenier and Strachwitz differed artistically. While Chenier wanted to record commercial-minded R&B, Strachwitz encouraged him to focus on traditional Zydeco. Chenier's first album for Arhoolie, Louisiana Blues and Zydeco, featured one side of blues and R&B and one side of French 2-steps and waltzes. In 1976, Chenier recorded one of his best albums, "Bogalusa Boogie", and formed a new group, the Red Hot Louisiana Band, featuring tenor saxophonist "Blind" John Hart and guitarist Paul Senegal. Chenier reached the peak of his popularity in the '80s. In 1983, he received a Grammy award for his album, I'm Here!, recorded in eight hours in Bogalusa, LA. The following year, he performed at the White House. Although he suffered from kidney disease and a partially amputated foot and was required to undergo dialysis treatment every three days, Chenier continued to perform until one week before his death on December 12, 1987.

Starting in the 1950s, Clifton Chenier pioneered the modern sound of zydeco and eventually became one of the genre’s best-known performers. The self-proclaimed “King of Zydeco” won a Grammy for his 1983 album I’m Here, was awarded a National Heritage Fellowship, and played at the White House for President Ronald Reagan. Born June 25, 1925, near Opelousas, Chenier learned to play the accordion from his father Joseph, who worked as a sharecropper. Chenier came from an extended family of musicians who played in the older Creole “la la” style, which was closely related in sound to early Cajun music. He was influenced by the recordings and live performances of the celebrated Creole accordionist Amédé Ardoin and the almost-forgotten Sidney Babineaux, who was one of the earliest Creoles to play the larger piano accordion, which Chenier made famous. Scholars have debated whether Chenier ever publicly played the smaller diatonic accordion associated with Cajun music, but evidence seems to suggest that he at least learned to play that instrument from his father. During the 1940s, Chenier absorbed the “jump blues” style of Louis Jordan and was soon fusing rhythm and blues (R&B) with Creole music. Out of this potent mixture came modern zydeco. Chenier and his brother Cleveland started playing dances in the 1940s in Louisiana and, by the early 1950s were operating along the Texas border. After losing a job at an oil refinery in Beaumont, Texas, Chenier entered the music profession full time. He designed the vest-style frottoir, based on the washboard that his brother used to provide a rhythmic accompaniment to the accordion, thus giving birth to the basic percussive sound identified with zydeco. The Cheniers worked on the “chitlin circuit,” a loose network of juke joints and dance halls in the southern United States that catered to an African American clientele. On the circuit he met fellow Louisianan Clarence “Bon Ton” Garlow, an R&B guitarist, club owner, and disc jockey in Beaumont. Garlow linked Chenier to the California producer J. R. Fulbright, who signed the zydeco performer to a recording contract. Chenier made his first recordings in Lake Charles in 1954. In 1955 Chenier released his first major hit, “Ay Tete Fee,” on the Speciality label. With this recording, Chenier emerged onto the national R&B scene and shared the stage with major headliners such as Joe Turner. Chenier further refined his music by adding a trumpets and saxophones to his lineup of accordion, frottoir, drums, and guitars. Chenier’s music was highly danceable, hard driving, and propulsive in nature, as demonstrated by his cover of Jordan’s “Let the Good Times Roll” (written by Louisianan Sam Theard). He also demonstrated a great ability with blues material, including songs like “I’m a Hog for You,” which became major parts of his repertoire. Like that of many artists, Chenier’s career waned in the wake of rock ‘n’ roll. He returned to Louisiana and recorded for the Crowley label Zynn during the late 1950s, but his career seemed to stall. Then blues musician Lightnin’ Hopkins (a relative by marriage) introduced Chenier to Chris Strachwitz, the owner of Arhoolie Records. Strachwitz signed Chenier to a recording contract and gave the accordion master nearly free rein in the studio. In 1964 Arhoolie released its first Chenier single, “Ay Ai Ai.” The record enjoyed great popularity and restarted Chenier’s career. He toured widely throughout the United States and Europe from the mid-1960s until his death. He regularly drew large crowds at the Montreaux Jazz Festival and the New Orleans Jazz & Heritage Festival. While he recorded with many labels, including Jin and Maison de Soul, his best recordings were with Arhoolie. During this time he proclaimed himself the “King of Zydeco” and took to the stage wearing either a crown or diadem. Chenier suffered numerous health problems in his later years. Diabetes plagued him and he lost part of a foot, but he still took to the stage as often as possible. He died December 13, 1987, in Lafayette. Chenier left a powerful legacy in Louisiana music, transforming the old rural la la sound into a modern R&B style that garnered acceptance around the world. He was also an emotional singer and a deeply beautiful accordionist whose performances crossed genre lines.(~Kevin Fontenot)

In New Orleans was recorded in the late '70s with one of Clifton Chenier's classic bands, which featured his brother on washboard, saxophonist John Hart, and guitarist Paul Senegal, among others. The album is textbook Chenier -- it rocks & rolls, wails and shouts. It's may be a typical record for the king of zydeco, but that means it's very, very enjoyable.(~Thom Owens)

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Clifton Chenier (25 de junio de 1925 - 12 de diciembre de 1987), un criollo nativo de habla francesa de Opelousas, Louisiana, fue un eminente intérprete y artista de grabación de Zydeco y ganador del Grammy en 1983. Como tantos originales americanos, el acordeonista y cantante Clifton Chenier fue capaz de sintetizar varios géneros musicales antiguos en una nueva forma. Añadió a la música cajún un toque de blues, rhythm and blues, y rock & roll para crear una versión pop de Zydeco. Explicó: "La gente lleva mucho tiempo tocando Zydeco, a la antigua usanza de la música francesa. Pero yo fui el primero en darle energía". Comenzó su carrera actuando los fines de semana cerca de los yacimientos petrolíferos, donde trabajaba en su trabajo diario. Durante los años 50 estuvo asociado al R&B, grabando para sellos legendarios como Specialty y Chess. Sus influencias no eran músicos cajún más viejos, sino figuras como Fats Domino y el Profesor Pelo Largo. Para cuando Chenier dio su paso, la música tradicional cajún y criolla había comenzado a tomar diferentes caminos: Los cajuns estaban cada vez más interesados en la música country, mientras que los criollos preferían el blues y el R&B, abandonando el violín en favor del rub-board y a veces de una sección de trompa. En 1964, el productor de Arhoolie Records Chris Strachwitz persuadió a Chenier para que tocara más zydeco, un movimiento que renovó su carrera y lo llevó a una larga serie de álbumes de éxito. Entre sus éxitos posteriores se encuentran "Louisiana Blues" de 1964 y "Black Gal" de 1965. También grabó lo que se ha convertido en el himno nacional de Zydeco, "Zydeco Sont pas Sale". Clifton Chenier se convirtió en la primera gran superestrella de Zydeco y también introdujo la palabra Zydeco en el léxico musical en 1965. Dijo que Zydeco era una corrupción de les haricots (frijoles en francés). El indiscutible "Rey de Zydeco", Clifton Chenier fue el primer criollo en recibir un premio Grammy en la televisión nacional. Mezclando los 2 pasos y valses franceses y cajunes del suroeste de Louisiana con el R&B de Nueva Orleans, el blues de Texas y el jazz de big-band, Chenier creó los sonidos modernos e inspiradores del Zydeco. Una personalidad extravagante, recordada por su diente de oro y la capa y corona que usó durante los conciertos, Chenier marcó la pauta para todos los jugadores del Zydeco que han seguido sus pasos. En una entrevista del libro de Ann Savoy, Música Cajun: Reflexión de un pueblo, explicó Chenier, "Zydeco es rock y francés mezclado, ya sabes, como la música francesa y el rock con un ritmo. Es lo mismo que el rock and roll, pero es diferente porque canto en francés". Hijo de un aparcero y acordeonista aficionado, Joe Chenier, y sobrino de un guitarrista, violinista y dueño de un club de baile, Maurice "Big" Chenier, Chenier encontró sus primeras influencias en el blues de Muddy Waters, Peetie Wheatstraw, y Lightnin' Hopkins, el New Orleans R&B of Fats Domino y el Profesor Longhair, las grabaciones de los años 20 y 30 de la acordeonista de Zydeco Amede Ardoin y la interpretación de los amigos de la infancia Claude Faulk y Jesse y Zozo Reynolds. Adquiriendo su primer acordeón de un vecino, Isaie "Easy" Blasa en 1947, Chenier aprendió los fundamentos de los instrumentos con su padre. A Chenier se le atribuye el mérito de haber rediseñado la tabla de lavar de madera y de hojalata en el frottoir, un instrumento que colgaría fácilmente de los hombros. Cleveland Chenier, el hermano mayor de Clifton, también tocó en la Red Hot Louisiana Band. Encontró popularidad por su habilidad para manipular el sonido distintivo del frottoir frotando varios abridores de botellas (sostenidos en cada mano) a lo largo de sus crestas. Para 1944, Chenier estaba actuando, con su hermano Cleveland en el frottoir en los salones de baile de Lake Charles.

A mediados de los años 40, Chenier se trasladó a Nueva Iberia y trabajó en los campos de azúcar cortando caña de azúcar. Después de mudarse a Port Arthur, TX, en 1947, dividió su tiempo entre conducir un camión de refinería y transportar tuberías para Gulf y Texaco y jugar con su hermano. En 1954, Chenier firmó con Elko Records. Su primera sesión de grabación, en la estación de radio KAOK de Lake Charles, produjo siete temas, incluyendo el éxito regional "Cliston's Blues" y "Louisiana Stomp". La primera atención nacional de Chenier llegó con su primer sencillo para el sello discográfico Specialty, "Ay Tete Fille (Hey, Little Girl)", una portada de una canción de Professor Longhair, publicada en mayo de 1955. La canción fue una de las 12 que grabó durante dos sesiones producidas por Bumps Blackwell, mejor conocido por su trabajo con Little Richard. Para 1956, Chenier había dejado su trabajo diurno para dedicarse de lleno a la música, haciendo giras con su banda, The Zydeco Ramblers, que incluía al guitarrista de blues Philip Walker. Al año siguiente, Chenier dejó la especialidad y firmó con el sello Chess en Chicago. Aunque viajó de gira, junto con Etta James, por todo Estados Unidos, la carrera de Chenier se vio afectada cuando la popularidad de los estilos musicales étnicos y regionales comenzó a declinar. Aunque grabó 13 canciones para el sello Zynn de Crowley, con sede en Los Ángeles, entre 1958 y 1960, ninguna fue grabada. El punto de inflexión en la carrera de Chenier llegó cuando la esposa de Lightnin' Hopkins, que era prima, presentó a Chris Strachwitz, propietario del sello musical Arhoolie, sus primeras grabaciones. Strachwitz rápidamente contrató a Chenier para Arhoolie, produciendo su primer sencillo, "Ay Yi Yi"/"Why Did You Go Last Night? Aunque continuaron trabajando juntos hasta principios de los años 70, Chenier y Strachwitz diferían artísticamente. Mientras que Chenier quería grabar R&B con mentalidad comercial, Strachwitz le animó a centrarse en el Zydeco tradicional. El primer álbum de Chenier para Arhoolie, Louisiana Blues y Zydeco, incluía un lado de blues y R&B y un lado de 2 pasos y valses franceses. En 1976, Chenier grabó uno de sus mejores discos, "Bogalusa Boogie", y formó un nuevo grupo, la Red Hot Louisiana Band, con el saxofonista tenor "Blind" John Hart y el guitarrista Paul Senegal. Chenier alcanzó la cima de su popularidad en los años 80. En 1983, recibió un premio Grammy por su álbum, I'm Here! grabado en ocho horas en Bogalusa, LA. Al año siguiente, actuó en la Casa Blanca. Aunque sufría de una enfermedad renal y un pie parcialmente amputado y se le exigía que se sometiera a un tratamiento de diálisis cada tres días, Chenier continuó realizando su trabajo hasta una semana antes de su muerte, el 12 de diciembre de 1987.

A partir de los años 50, Clifton Chenier fue pionero en el sonido moderno del zydeco y se convirtió en uno de los intérpretes más conocidos del género. El autoproclamado "Rey de Zydeco" ganó un Grammy por su álbum de 1983 I'm Here, fue galardonado con una beca del Patrimonio Nacional y tocó en la Casa Blanca para el Presidente Ronald Reagan. Nacido el 25 de junio de 1925, cerca de Opelousas, Chenier aprendió a tocar el acordeón de su padre Joseph, que trabajaba como aparcero. Chenier provenía de una extensa familia de músicos que tocaban en el antiguo estilo criollo "la la", que estaba estrechamente relacionado en sonido con la música cajún antigua. Fue influenciado por las grabaciones y actuaciones en vivo del célebre acordeonista criollo Amédé Ardoin y del casi olvidado Sidney Babineaux, quien fue uno de los primeros criollos en tocar el acordeón de piano más grande, que Chenier hizo famoso. Los eruditos han debatido si Chenier alguna vez tocó públicamente el acordeón diatónico más pequeño asociado con la música cajún, pero la evidencia parece sugerir que al menos aprendió a tocar ese instrumento de su padre. Durante la década de 1940, Chenier absorbió el estilo "jump blues" de Louis Jordan y pronto fusionó el rhythm and blues (R&B) con la música criolla. De esta potente mezcla surgió el zydeco moderno. Chenier y su hermano Cleveland comenzaron a tocar bailes en la década de 1940 en Louisiana y, a principios de la década de 1950, operaban a lo largo de la frontera de Texas. Después de perder un trabajo en una refinería de petróleo en Beaumont, Texas, Chenier entró en la profesión de la música a tiempo completo. Diseñó el frottoir al estilo chaleco, basado en la tabla de lavar que su hermano utilizaba para acompañar rítmicamente el acordeón, dando así origen al sonido básico de percusión identificado con el zydeco. Los Cheniers trabajaron en el "circuito chitlin", una red informal de bares y salas de baile en el sur de Estados Unidos que atendía a una clientela afroamericana. En el circuito conoció a su compatriota Clarence "Bon Ton" Garlow, guitarrista de R&B, dueño de un club y disc-jockey en Beaumont. Garlow vinculó a Chenier con el productor californiano J. R. Fulbright, quien firmó el contrato de grabación del intérprete de zydeco. Chenier hizo sus primeras grabaciones en Lake Charles en 1954. En 1955 Chenier lanzó su primer gran éxito, "Ay Tete Fee", en el sello Speciality. Con esta grabación, Chenier emergió a la escena nacional de R&B y compartió escenario con grandes estrellas como Joe Turner. Chenier refinó aún más su música añadiendo trompetas y saxofones a su alineación de acordeón, frottoir, batería y guitarras. La música de Chenier era altamente bailable, de conducción dura y de naturaleza propulsora, como lo demuestra su portada de "Let the Good Times Roll" de Jordan (escrita por Louisianan Sam Theard). También demostró una gran habilidad con el material de blues, incluyendo canciones como "I'm a Hog for You", que se convirtió en una parte importante de su repertorio. Como la de muchos artistas, la carrera de Chenier se desvaneció en la estela del rock'n' roll. Regresó a Luisiana y grabó para el sello Crowley Zynn a finales de la década de 1950, pero su carrera pareció estancarse. Entonces el músico de blues Lightnin' Hopkins (un pariente por matrimonio) presentó a Chenier a Chris Strachwitz, el dueño de Arhoolie Records. Strachwitz firmó con Chenier un contrato de grabación y le dio al maestro del acordeón casi rienda suelta al estudio. En 1964 Arhoolie lanzó su primer single de Chenier, "Ay Ai Ai Ai." El disco gozó de gran popularidad y reinició la carrera de Chenier. Realizó giras por todo Estados Unidos y Europa desde mediados de la década de 1960 hasta su muerte. Regularmente atrae a grandes multitudes al Festival de Jazz de Montreaux y al Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans. Aunque grabó con muchos sellos discográficos, incluyendo Jin y Maison de Soul, sus mejores grabaciones fueron con Arhoolie. Durante este tiempo se proclamó "Rey de Zydeco" y subió al escenario llevando una corona o una diadema. Chenier sufrió numerosos problemas de salud en sus últimos años. La diabetes lo atormentaba y perdió parte de un pie, pero aún así salía al escenario con la mayor frecuencia posible. Murió el 13 de diciembre de 1987 en Lafayette. Chenier dejó un poderoso legado en la música de Louisiana, transformando la antigua la la la sound en un estilo moderno de R&B que fue aceptado en todo el mundo. También fue un cantante emotivo y un acordeonista profundamente bello cuyas actuaciones cruzaron las líneas del género (~Kevin Fontenot).

En Nueva Orleans fue grabado a finales de los'70 con una de las bandas clásicas de Clifton Chenier, en la que figuraban su hermano en la tabla de lavar, el saxofonista John Hart, y el guitarrista Paul Senegal, entre otros. El álbum es el libro de texto de Chenier - se mece y rueda, llora y grita. Puede que sea un disco típico del rey de Zydeco, pero eso significa que es muy, muy agradable.