A
severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of
the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive
foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put
expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues
interpreter, and while his later material was predominantly blues and
R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a
particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected
it.
Grant
Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his
lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade
school from his guitar-playing father, and was playing professionally by
the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home
town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy
Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York
in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a
Down Beat interview: "The first thing I learned to play was
boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all
blues, anyhow."
During
the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum
combos and his other dates for Blue Note established Green as a star,
though he seldom got the critical respect given other players. He
collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam
Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry
Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back
strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine,
Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock,
McCoy Tyner, and Elvin Jones.
Sadly,
drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly
contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was
hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven
LPs near the end of his career, the great body of his work represents
marvelous soul-jazz, bebop, and blues.
Although
he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green
always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles
Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has
this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is
very little of the intellectual element in Green's playing, and his
technique is always at the service of his music. And it is music, plain
and simple, that makes Green unique.
Green's
playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other
guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs
with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be
appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever
handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green.
Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful
collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring
prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest
examples of Green's work can be found there.
Green
was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a
professional setting at the age of 13. His early influences were
Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R
& B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while
developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with
tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson
discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together
with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat
interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to
play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's
all blues, anyhow.”
Lou
Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion
was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was
the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a
bandleader first. This recording relationship was to last, with a few
exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more
Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named
best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his
influence spread wider than New York. Green's first session as a leader
did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released
until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was
Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue
Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support
to many of other great musicians on Blue Note. These included
saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold
Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.
Sunday
Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept
albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and
spirituals respectively. Green always carried off his more commercial
dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963),
featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are
acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note
recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were
not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and
recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969
Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having
relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His
recordings from this period include the commercially successful Green is
Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in
1974 and once again recorded sporadically for different labels.
Green
spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went
back on the road. While in New York to play an engagement at George
Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack
on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis,
Missouri, and was survived by six children.
Un
jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de
los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia
base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la
expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un
magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue
predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de
balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y
su fraseo a menudo lo reflejaba.
Grant
Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su
vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la
escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la
edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su
ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con
Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a
Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan
Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a
tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock &
roll. Todo es blues, de todos modos."
A
principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en
combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note
establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el
respeto de la crítica dado a otros jugadores. Colaboró con muchos
organistas, entre ellos el Hermano Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face
Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de
escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a
finales de los 60 y 70. Green jugó con Stanley Turrentine, Dave Bailey,
Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y
Elvin Jones.
Lamentablemente,
los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin
duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70.
Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de
algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran
cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.
Aunque
menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green
siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles
Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene
este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy
poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está
siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente,
lo que hace que Green sea único.
El
toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier
otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por
los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo
recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad.
Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con
la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más
importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete
Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los
primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados.
Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar
allí.
Green
nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por
primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras
influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó
en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint
Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras
grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest
para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un
bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva
York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios
de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el
boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues,
de todos modos."
Lou
Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion
quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman,
como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que
grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a
durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a
1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier
otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los
críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió
más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó
con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada
hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como
líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por
otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo
proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre
ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley
Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John
Patton.
The
Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada
uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales
respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con
éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe
Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de
las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note
de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark
no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó
para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant
estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de
haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por
la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el
comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse.
Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para
diferentes sellos.
Green
pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de
los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para
tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su
coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en
su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.
Leon Spencer (1945 - March 11, 2012) was an American acid jazz / soul jazz organist born in Houston, Texas. He played piano with David Newman, and later organ with Melvin Sparks.
Spencer is best known for his albums for the Prestige Records label in the early 1970s, i.e. Sneak Preview (1970) Louisiana Slim (1971) and Where I'm Coming From (1973). Some of the musicians who appeared with him on these albums include Grover Washington, Jr., Idris Muhammad, Melvin Sparks and Buddy Caldwell.
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Leon Spencer (1945 - 11 de marzo de 2012) fue un organista estadounidense de acid jazz / soul jazz nacido en Houston, Texas. Tocó el piano con David Newman, y más tarde el órgano con Melvin Sparks.
Spencer es más conocido por sus álbumes para el sello Prestige Records a principios de los años 70, por ejemplo Sneak Preview (1970) Louisiana Slim (1971) y Where I'm Coming From (1973). Algunos de los músicos que aparecieron con él en estos álbumes incluyen a Grover Washington, Jr., Idris Muhammad, Melvin Sparks y Buddy Caldwell.
One of the most influential recordings in the entire Tradition records catalog, the 1963 LP Anthology of the Twelve String Guitar is a treasured artifact that has been relished by generations of guitar fans as one of the cornerstones of recorded guitar history. The great 12 string guitarist Leo Kottke, among many others, has often cited this album as being one of the first records that made him aware of the possibilities of the instrument and was most influential in developing his own style. The guitar players assembled for this wonderful record are all superstars in their own right among them Glen Campbell, the king of all West Coast session guitarists Howard Roberts, the great Mason Williams (Classical Gas), Roger McGuinn (The Byrds), Country Music super-session players Joe Maphis and Bob Gibson, and the unique Billy Strange.
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reseñas editoriales
Una de las grabaciones más influyentes de todo el catálogo de registros de Tradition, la Antología del LP de 1963 de Twelve String Guitar es un artefacto que ha sido apreciado por generaciones de aficionados a la guitarra como uno de los pilares de la historia de la guitarra. El gran guitarrista de 12 cuerdas Leo Kottke, entre muchos otros, ha citado a menudo este álbum como uno de los primeros discos que lo hicieron consciente de las posibilidades del instrumento y fue el más influyente en el desarrollo de su propio estilo. Los guitarristas reunidos para este maravilloso disco son todos superestrellas por derecho propio, entre ellos Glen Campbell, el rey de todos los guitarristas de la costa oeste Howard Roberts, el gran Mason Williams (Gas Clásico), Roger McGuinn (The Byrds), super músico country. Los jugadores de la sesión Joe Maphis y Bob Gibson, y el único Billy Strange.
Not
to be confused with Philly Joe Jones, guitarist Ivan Joseph "Boogaloo
Joe" Jones recorded several albums in a soul-jazz vein for Prestige in
the late '60s and early '70s. In addition to leading his own group for
recording purposes, Jones also played with Wild Bill Davis, Houston
Person, and Willis Jackson. His own dates are solid, if unexceptional
groove jazz, leaving plenty of space for the saxes and organ, as well as
his own bop/R&B hybrid style. Rusty Bryant, Charles Earland, and
ace soul and jazz session drummer Bernard Purdie are among the sidemen
also featured on Boogaloo's albums.
In
the short decade (1966-78) he recorded and performed, guitarist Ivan
"Boogaloo Joe" Jones was never really given his due as an exciting,
rapid-fire R&B plecterist. His sound and style clearly derived from
the blues. But it was a solid understanding of rock that Jones brought
to his style of jazz. The result, outlined on a handful of albums for
Prestige, was a healthy mix of finger-licking funk, sweet-natured soul
and infectious blues.
Born
Ivan Joseph Jones on November 1, 1940, Boogaloo Joe Jones learned the
guitar himself on a three-string instrument that he received as a gift
from his father in 1956. He was influenced most by Tal Farlow and Billy
Butler, but gravitated toward the R&B juke-joint jazz Butler was
popularizing with organist Bill Doggett's popular group. Jones has lived
in South New Jersey most of his life and mostly worked in and around
the Atlantic City area with chitlin-circuit heroes like Wild Bill Davis,
Willis Jackson and Charlie Ventura.
"Right
On Brother"He made his solo debut as "Joe Jones" on Prestige Records in
1967, but earned the name "Boogaloo Joe" following a 1969 record of
that title. The demeaning name was meant to distinguish him from the
other Jo(e) Jones in music: Papa Jo, Philly Joe, and the Joe of the
Fluxus movement. But as much as the moniker suited his style it probably
straightjacketed his jazz career too. Later, he'd turn to billing
himself as Ivan "Boogaloo Joe" Jones.
While
jazz went through some drastic changes during the dozen years of his
recording career, Jones’ sound and style stayed remarkably consistent.
His twangy tone coupled catchy chordal vamps with astonishing rapid-fire
single-note playing. He could handle familiar pop covers ("Light My
Fire," "Have You Never Been Mellow") and ballads. But he really excelled
in the jazz-funk groove and proved himself a first-rate blues player.
"My
Fire!"None of his albums are groundbreaking or marked by individual
achievements. But every Joe Jones record contains reliably interesting
covers (blues like "St. James Infirmary" and "Trouble In Mind" are the
best) and percolating originals that aptly illustrate the guitarist's
fretboard talents: "Right Now," "Ivan The Terrible," "Boogaloo Joe,"
"6:30 Blues," "Poppin," "Hoochie Coo Chickie," "Black Whip," "Confusion"
and "Sweetback." These are the songs that today's club crowd discovered
and celebrate as the cornerstone of "acid jazz."
Ivan
Jones recorded with Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold
Mabern and, most notably, Willis Jackson. Jones, who never won the
notice of critics or great support from fans during his career, is
finding new life on CD -- thanks to the apt and rapt attention of the
acid-jazz crowd. Today, the retired guitarist is believed to reside in
his hometown of Vineland, New Jersey.
http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm
///////
Biografía del artista por Richie Unterberger
No
confundir con Philly Joe Jones, el guitarrista Ivan Joseph "Boogaloo
Joe" Jones grabó varios álbumes en una vena de soul-jazz para Prestige a
finales de los'60 y principios de los'70. Además de dirigir su propio
grupo con fines de grabación, Jones también tocó con Wild Bill Davis,
Houston Person y Willis Jackson. Sus propias fechas son sólidas, aunque
no excepcionales, y dejan mucho espacio para los saxos y el órgano, así
como su propio estilo híbrido de bop/R&B. Rusty Bryant, Charles
Earland, y el baterista de soul y jazz Bernard Purdie son algunos de los
sidemen que también aparecen en los álbumes de Boogaloo.
En
la corta década (1966-78) grabó y tocó, el guitarrista Ivan "Boogaloo
Joe" Jones nunca fue realmente reconocido como un apasionante y rápido
plecterista de R&B. Su sonido y estilo derivan claramente del blues.
Pero fue una sólida comprensión del rock lo que Jones aportó a su
estilo de jazz. El resultado, esbozado en un puñado de álbumes para
Prestige, fue una saludable mezcla de funk para chuparse los dedos, soul
dulce y blues contagioso.
Nacido
Ivan Joseph Jones el 1 de noviembre de 1940, Boogaloo Joe Jones
aprendió la guitarra él mismo en un instrumento de tres cuerdas que
recibió como regalo de su padre en 1956. Fue influenciado por Tal Farlow
y Billy Butler, pero se inclinó por el jazz R&B juke-joint Butler
se estaba popularizando con el grupo popular del organista Bill Doggett.
Jones ha vivido en el sur de Nueva Jersey la mayor parte de su vida y
ha trabajado principalmente en el área de Atlantic City y sus
alrededores con héroes del circuito de chitlin como Wild Bill Davis,
Willis Jackson y Charlie Ventura.
"Right
On Brother" debutó en solitario como "Joe Jones" en Prestige Records en
1967, pero se ganó el nombre de "Boogaloo Joe" tras un disco de 1969
con ese título. El nombre degradante tenía la intención de distinguirlo
del otro Jo(e) Jones en la música: Papa Jo, Philly Joe, y el Joe del
movimiento Fluxus. Pero por mucho que el apodo se adaptara a su estilo,
probablemente también enderezó su carrera de jazz. Más tarde, se
convertiría en Ivan "Boogaloo Joe" Jones.
Mientras
que el jazz pasó por algunos cambios drásticos durante los doce años de
su carrera discográfica, el sonido y el estilo de Jones se mantuvieron
notablemente consistentes. Su tono twangy unía a pegadizos vampiros
cordales con una asombrosa y rápida interpretación de una sola nota.
Podía manejar las conocidas portadas pop ("Light My Fire", "Have You
Never Been Mellow") y baladas. Pero realmente sobresalió en el groove
del jazz-funk y demostró ser un bluesista de primera clase.
"¡Mi
fuego!" Ninguno de sus álbumes es innovador o está marcado por logros
individuales. Pero todos los discos de Joe Jones contienen portadas
fiables e interesantes (blues como "St. James Infirmary" y "Trouble In
Mind" son los mejores) y originales percolantes que ilustran a la
perfección los talentos del guitarrista en el diapasón: "Ahora mismo",
"Ivan el Terrible", "Boogaloo Joe", "6:30 Blues", "Poppin", "Hoochie Coo
Chickie", "Black Whip", "Confusión" y "Sweetback". Estas son las
canciones que la gente del club de hoy descubrió y celebra como la
piedra angular del "acid jazz".
Ivan
Jones grabó con Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold
Mabern y, sobre todo, Willis Jackson. Jones, que nunca se ganó la
atención de los críticos o el gran apoyo de los fans durante su carrera,
está encontrando una nueva vida en el CD - gracias a la atención apta y
cautivada de la multitud del acid jazz. Hoy en día, se cree que el
guitarrista jubilado reside en su ciudad natal de Vineland, Nueva
Jersey.
http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Lou Donaldson has recorded many strong sessions throughout his career but this CD reissue brings back one of the less-significant ones. Organist Leon Spencer dominates the ensembles, the material is a bit trivial and the altoist/leader uses a baritone sax on some of the selections which makes him sound much less individual than usual. Trumpeter Blue Mitchell's solos and a fine closing jam on "Love" help upgrade the music a bit but there are many better Donaldson recordings to acquire first.
Artist Biography
Lou
Donaldson is an NEA Jazz Master Lou Donaldson, alto saxophonist,
recording star and entertainer extraordinaire was born in Badin, North
Carolina on November 1, 1926. He is the child of parents, Lucy Wallace
Donaldson, mother, and Louis Andrew Donaldson, Sr., father. His mother
was a first grade teacher at Badin High School, Musical Director at the
school, and a concert pianist who was a graduate of Cheney University.
His father was a graduate of Livingstone College, an AME Zion minister,
and insurance agent. Lou is the second of 4 children, between older
sister Margaret and younger sister Elizabeth and brother William, all of
whom ended up involved with music. Lou never studied piano because his
mother had a switch that she would crack across the fingers when
students missed a note. That turned him completely away from being a
pianist. When he was about 9 years old, she heard him singing or humming
all of the piano etudes that the students played and she took him aside
and told him that he had more musical talent than anyone in the family
and that he needed to play some type of instrument. She got a clarinet
from the Band Director, Leo Gabriel, at the Alcoa Aluminum Plant Band.
Although she knew nothing about the clarinet, she taught him basic music
and they used the clarinet book to learn the fingerings and how to play
the clarinet. Lou mastered the instrument and this ignited his pursuit
of a career in music.
At
age 15, Lou matriculated to North Carolina A& T College where he
received a Bachelor's of Science degree and joined the marching band
playing clarinet. After being drafted into the US Navy in 1945, he
played in the Great Lakes Navy Band where, when playing for dances, he
would also play the alto saxophone. After going into Chicago several
times, he heard of Charlie Parker and, after checking him out, he
decided that this was the style of playing he would make his own.
Previously he had played like Johnny Hodges, or Tab Smith, or another
saxophonist named Pete Brown. Returning from the military back to North
Carolina A& T College, he played in the dance band led by Billy
Tolles, who was a great saxophonist who played with several groups and
with the Sabby Lewis Band during the summer months in Boston. Touring
bands, such as Count Basie, Erskine Hawkins, Buddy Johnson, and Andy
Kirk—all dance bands, used to come through Greensboro, North Carolina
periodically four or five times a year. The students from the school
would go down sometimes and sit in with the bands, all of which prompted
the musicians in the band to tell them to come to New York. Lou never
did go to New York then because he was also playing baseball which he
loved dearly. But Illinois Jacquet came through with a tremendous band
and Lou sat in with this band. The drummer was Poppa Joe Jones who,
without any reservations, told Lou to come to New York and checked him
in his hotel behind the Apollo Theater. Also, there was an Army band
stationed in Greensboro that had several musicians of note: James Moody,
Dave Burns, Joe Gale, and Walter Fuller and they insisted that Lou go
to New York to establish himself as a musician. They assured him he
would be welcomed and that he would be able to “cut the mustard”. Taking
this advice, Lou went to New York in 1950 or late 49. Being a GI and a
Veteran he enrolled in the Darrow Institute of Music, which was a GI
school, and was paid a monthly stipend so that he could survive. While
at the school, he played many small clubs in Harlem where he lived at
127th Street and 8th Avenue with his new wife, Maker. Maker was his
longtime sweetheart from North Carolina and remained his wife and
business partner for 56 years until her death in 2006. Together they
raised two children—Lydia, deceased, who was a nurse and educational
recruiter, and Dr. E. Carol Webster, clinical psychologist and author
who resides in Fort Lauderdale and who, along with husband Charles,
founded the African American Success Foundation that Lou very happily
supports each year by doing a Jazz Benefit.
Once
he moved to New York, Lou worked weekends in Jersey with Dud Bascomb's
band. One night while working at Minton's Playhouse—the famous jazz
club, he was approached by Alfred Lyons of Blue Note Records to make a
recording and he suggested that Lou make a Charlie Parker- type
recording which he did with the Milt Jackson Quartet. At that time, it
was Milt Jackson, Percy Heath, John Lewis, and Kenny Clark. Later on
this group would be called the Modern Jazz Quartet. The record was
successful and the company asked him to make a record on his own and
this is why he's most proud of his time at Blue Note Records— because
this date started a career for him that actually made him bring several
musicians to Blue Note Records and today he's very proud to have been
the first to record these musicians— Horace Silver, Clifford Brown,
Grant Green, John Patton, Blue Mitchell, Donald Byrd, Horace Parlan,
Tommy Turrentine, Al Harewood, George Tucker, Jameel Nasser, and Curtis
Fuller—with his group at Blue Note Records. Lou brought Gene Harris and
the 3 Sounds from Washington DC to New York to record with him on the
famous album called LD Plus 3 which was a big hit. His most famous group
was Herman Foster on piano, Ray Baretto on conga, Peck Morrison on
bass, and Dave Bailey on drums, which was the best move he made during
his tenure on the label. This group recorded the famous record which is
still selling today, Blues Walk—and on the back side, The Masquerade is
Over. This solo is dearly considered by many disc jockeys as one of the
top alto solos of all times and, along with Blues Walk, was used by many
as a theme song. Another album Lou is very proud of is Lush Life,
recorded for Blue Note with Duke Pearson as arranger and producer, that
had several musicians who later become famous ?” Freddy Hubbard, on
trumpet, Wayne Shorter on tenor saxophone, Pepper Adams on baritone
saxophone, Al Harewood on drums, McCoy Tyner on piano, Jerry Dodgin on
alto saxophone, Garnet Brown on trombone, and Ron Carter on bass.
After
this recording, there was a big demand for Lou in Europe and he started
to tour through the Wim Wigt Agency out of Wageningen, Holland in the
Netherlands with his group—Herman Foster, piano, Nat Yarborough, drums,
Jeff Fuller, bass, and Lou on alto saxophone —very successfully for
years. Many dates and many records in between, he finally met the great
Jimmy Smith and was prominent on the record, The Sermon. He often told
Jimmy that his solo on that record made Jimmy famous. The organ sound
was so powerful and commercial that he started making organ records. In
1968 he recorded, Alligator Boogaloo with Dr. Lonnie Smith on the organ,
George Benson on guitar, Melvin Lasky on trumpet, Idris Mohammed (Leo
Morris) on drums which was a hit record. It stayed on the Best Selling
Billboard chart for 52 weeks, and put Lou into a good position musically
and financially. He then continued to make these type of records with
the great Charles Earland, the great Leon Spencer, Jr. Billy Gardner and
Baby Face Willette. Then Lou began to sing blues and luckily came up
with a big hit called Whiskey Drinkin' Woman, recorded on Wim Wigt's
label, Timeless Records, that is still in great demand every time he
plays a set.
In
the mid 60's, Lou furthered his success as a musician and businessman.
He set up his own tour of clubs—which was no easy feat in those days.
Beginning in Rochester, NY, then to Buffalo, NY, and on to Pittsburgh,
Pa.—where he worked two great clubs: Birdie's and Crawford Grill, then
would head to Cleveland. All of these clubs were like two week stands
and they weren't too far for Lou to drive because at that time he would
have to carry an organ which he put on a U-Haul trailer. These places he
booked and he would call ahead and keep booking so thathe could get
more work and stay on the road. After Cleveland he would go to Columbus,
right on the campus of Ohio State where one of his best friends, Warren
Stephens, had a club—the Sacred Mushroom. Stephens also was an agent
with the Ruth Bowen Agency and helped Lou get some gigs. Then Lou would
move on to Dayton, Ohio to another club called Jilly's. Then onto
Cincinnati, a few miles away from Dayton he would play two clubs—Babe
Baker's and the Modern Jazz Room. From Cincinnati was another short jump
to Louisville, Kentucky to the big club the Idle Hour. From there Lou
would take old US 50 to Old St. Louis to the Riviera Club, the Gaslight
Square Club, and a very famous club called Georgie's. Then he would head
7 miles away across the river to East St. Louis to the Blue Note Club
owned by Leo Gooden, a good friend of his, where he met Oliver Nelson
and recorded a great album that Oliver arranged for him called Rough
House Blues.
After
St Louis, Lou would drive a couple of hundred more miles to Kansas City
where he worked the Blue Room on 18th and Vine—the very famous street
in Kansas City, and several clubs for well known club owner Jimmy
Willis. Then he would head into Wichita to Bill Reeves' Steakhouse where
all the food was free so the band had a nice stay for two weeks. Then
from there, Lou was on to Tulsa, Oklahoma to the Twilight club, which
was on a mountain overlooking Tulsa, for good friend Lloyd Williams, and
then on to Dallas where the band worked 3 or 4 clubs, such as Lark Club
owned by Chuck Banks. But the most prominent one was Magruder's. Then
Lou would work a nice club in Fort Worth, the Blue Flamingo, which was
about 40 to 50 miles from there, and then would put a long set together
and go all the way to Los Angeles, California and work the It Club, run
by a famous promoter named John T McClain. Lou also worked the Zebra
Lounge on that famous avenue that a lot of people don't like to talk
about anymore, Central Avenue. Then the band went up to San Francisco
and Oakland to play a club named Mister Major's. After the band had a
chance to rest, Lou started the long trip back to New York by stopping
in Colorado at Basin Street West and also another club in Denver called
the KC Lounge. Coming back over the top, the band dropped into Chicago
where most of the time Lou worked for a good friend, Joe Segal who had a
club named the Jazz Showcase which Lou worked for many years, which is
still there. He also worked two very good clubs— McKee's Lounge and had
some one nighters at the Persian Ballroom on 63rd and Cottage Grove.
Then Lou would take the next trip coming back toward New York to Detroit
where he'd work Baker's Lounge, a very famous club still there, and
also the Blue Note Club which was owned by a good friend, Clarence
Eddings. After Detroit, the band typically deadheaded straight across to
play Cleveland one more time in another place called Leo's Casino which
was at 55th and Central in Cleveland, and also Corner Tavern, then
owned by Don King. The band would come back and play another place in
Pittsburgh and then come across the Pennsylvania Turnpike to Philly to
play the Blue Note on Ridge Avenue, Club Harlem, and a few more. Then
Lou would drive the 90 miles back to New York.
Lou
is most proud of this tour because several other bands would call him
during these years and he would give them the scheme of the clubs so
they could also book them and play there. Sometimes he would be called
by big promoters and people booking other groups to put their bands in
these clubs because they didn't even know where these clubs were. Jack
Whittemore, Miles Davis' manager, was famous for calling Lou to try to
get Miles into some of these clubs even though they were so-called
“ghetto clubs” because they were in poorer neighborhoods and Lou didn't
know whether the great fans who frequented these clubs would relate to
the groups that Miles, John Coltrane, and these types of musicians had.
But Lou told them anyway and some got work in these clubs because of his
help. Lou also remembers getting John Coltrane one of his first gigs in
a place called Vernon's which was in New Orleans, Louisiana—and was
also on Louisiana Avenue—and the manager was not too happy with the
group. Also the Judge's Chamber in East St. Louis, Illinois where Lou
had to talk the guy into paying Coltrane enough money to get him back to
New York because he was unsatisfied with the group and was not going to
pay up the money. These were the types of things even the great
musicians had to face, but Lou eventually convinced the club to do the
right thing and this got Coltrane back to New York.
During
these memorable years, Lou had four distinct groups that he would use
for the organ sound: one group was John Patton on organ, Bill Hardman on
trumpet, Grant Green on guitar, and Ben Dixon on drums. Another group
was Lonnie Smith on organ, Billy Kaye on drums, Mark Elf on guitar—and
sometimes Melvin Sparks on guitar, and Joe Dukes on drums—the greatest
organ drummer of all times. Later he had another group with Caesar
Frazier on organ, Eric Johnson on guitar, and Billy Kaye on drums with
Sweet Lou on alto. Another of Lou's groups had Charles Earland on organ,
Jimmy Ponder on guitar, Blue Mitchell on trumpet, and Idris Muhammad on
drums. These groups played mostly the so- called “ghetto clubs” where
the fans really got into their music and sometimes they were booked even
for dancing. It was a very successful set up and several other people
like Hank Crawford, Jack McDuff, Groove Holmes, Sonny Stitt, and even
Dizzy found out about these clubs and had a good run following this
idea. Later in the ‘80's, Lou began to go to Europe again touring most
of the countries playing jazz festivals and one nighters and even today
remains in demand for these types of jobs when he's able to do them. He
has continued to play in between commercial and jazz music—sort of
modified in places where the avante garde or what is called ultra
modern—might run into some problems with the audience. Using this
system, he has survived and continues to work as much as he possibly can
at his age. This octogenarian has to space his appearances to suit his
health and availability. He works locally in New York, his home town,
twice a year at the Village Vanguard and twice a year and the Birdland
Club, as well as many jazz festivals, concerts, and one nighters
throughout the country and around the world. He is very proud of his
current group that boasts the musical excellence of Randy Johnston on
guitar, Akiko Tsuruga on organ, Fukushi Tainaka on drums along with Lou
on alto sax.
Lou
was awarded the honorary Doctorate of Letters by North Carolina A& T
University and a scholarship was established in his name that is
awarded to the most gifted jazz musician at North Carolina A&T
University each year. He was inducted into the International Jazz Hall
of Fame and is the recipient of countless other honors and awards for
his outstanding contributions to jazz.
///////
Lou Donaldson ha grabado muchas sesiones fuertes a lo largo de su carrera pero esta reedición del CD trae de vuelta una de las menos significativas. El organista Leon Spencer domina los conjuntos, el material es un poco trivial y el alto/líder utiliza un saxo barítono en algunas de las selecciones, lo que le hace sonar mucho menos individual que de costumbre. Los solos del trompetista Blue Mitchell y un buen cierre en "Love" ayudan a mejorar un poco la música, pero hay muchas mejores grabaciones de Donaldson para adquirir primero.
Biografía del artista
Lou
Donaldson es un maestro del jazz de NEA Lou Donaldson, saxofonista
alto, estrella de la grabación y artista extraordinario que nació en
Badin, Carolina del Norte el 1 de noviembre de 1926. Es hijo de los
padres, Lucy Wallace Donaldson, madre, y Louis Andrew Donaldson, padre.
Su madre era profesora de primer grado en Badin High School, Directora
Musical en la escuela, y concertista de piano graduada de la Universidad
de Cheney. Su padre se graduó de Livingstone College, ministro de AME
Zion y agente de seguros. Lou es el segundo de 4 hijos, entre su hermana
mayor Margaret y su hermana menor Elizabeth y su hermano William, todos
los cuales terminaron involucrados con la música. Lou nunca estudió
piano porque su madre tenía un interruptor que se rompía entre los dedos
cuando los estudiantes perdían una nota. Eso le hizo dejar de ser
pianista. Cuando tenía unos 9 años, ella lo escuchó cantar o tararear
todos los estudios de piano que tocaban los estudiantes y lo llevó
aparte y le dijo que tenía más talento musical que nadie en la familia y
que necesitaba tocar algún tipo de instrumento. Obtuvo un clarinete del
director de la banda, Leo Gabriel, en la Alcoa Aluminum Plant Band.
Aunque ella no sabía nada sobre el clarinete, le enseñó música básica y
usaron el libro de clarinete para aprender las digitaciones y cómo tocar
el clarinete. Lou dominó el instrumento y esto encendió su búsqueda de
una carrera en la música.
A
la edad de 15 años, Lou se matriculó en el North Carolina A&T
College donde recibió su licenciatura en Ciencias y se unió a la banda
tocando clarinete. Después de ser reclutado en la Marina de los Estados
Unidos en 1945, tocó en la Banda de la Marina de los Grandes Lagos
donde, cuando tocaba para los bailes, también tocaba el saxofón alto.
Después de ir a Chicago varias veces, oyó hablar de Charlie Parker y,
después de comprobarlo, decidió que este era el estilo de juego que se
haría suyo. Anteriormente había tocado como Johnny Hodges, o Tab Smith, u
otro saxofonista llamado Pete Brown. Al regresar del ejército al North
Carolina A&T College, tocó en la banda de baile liderada por Billy
Tolles, quien fue un gran saxofonista que tocó con varios grupos y con
la Sabby Lewis Band durante los meses de verano en Boston. Las bandas de
gira, como Count Basie, Erskine Hawkins, Buddy Johnson, y Andy
Kirk-todas las bandas de baile, solían venir a Greensboro, Carolina del
Norte periódicamente cuatro o cinco veces al año. Los estudiantes de la
escuela bajaban a veces y se sentaban con las bandas, lo que impulsaba a
los músicos de la banda a decirles que vinieran a Nueva York. Lou nunca
fue a Nueva York porque también jugaba al béisbol, algo que le
encantaba. Pero Illinois Jacquet llegó con una banda tremenda y Lou se
sentó con ella. El baterista fue Poppa Joe Jones quien, sin ninguna
reservación, le dijo a Lou que viniera a Nueva York y lo registrara en
su hotel detrás del Apollo Theater. Además, había una banda del Ejército
estacionada en Greensboro que tenía varios músicos destacados: James
Moody, Dave Burns, Joe Gale y Walter Fuller e insistieron en que Lou
fuera a Nueva York para establecerse como músico. Le aseguraron que
sería bienvenido y que podría "cortar la mostaza". Siguiendo este
consejo, Lou fue a Nueva York en 1950 o a finales de los 49. Siendo un
soldado y veterano, se inscribió en el Darrow Institute of Music, que
era una escuela de soldados, y se le pagó un estipendio mensual para que
pudiera sobrevivir. Mientras estaba en la escuela, tocaba en muchos
clubes pequeños en Harlem, donde vivía en la calle 127 y la 8ª Avenida
con su nueva esposa, Maker. Maker fue su novia de toda la vida desde
Carolina del Norte y siguió siendo su esposa y socia de negocios durante
56 años hasta su muerte en 2006. Juntos criaron a dos hijos: Lydia,
fallecida, que era enfermera y reclutadora educativa, y la Dra. E. Carol
Webster, psicóloga clínica y autora que reside en Fort Lauderdale y
que, junto con su esposo Charles, fundó la Fundación Afroamericana de
Éxito, a la que Lou apoya muy felizmente todos los años haciendo un Jazz
Benefit.
Una
vez que se mudó a Nueva York, Lou trabajó los fines de semana en Jersey
con la banda de Dud Bascomb. Una noche, mientras trabajaba en el
Playhouse de Minton -el famoso club de jazz-, Alfred Lyons, de Blue Note
Records, le propuso hacer una grabación y le sugirió a Lou que hiciera
una grabación del tipo de Charlie Parker, lo que hizo con el Milt
Jackson Quartet. En ese momento, eran Milt Jackson, Percy Heath, John
Lewis y Kenny Clark. Más tarde este grupo se llamaría Modern Jazz
Quartet. El disco fue un éxito y la compañía le pidió que grabara un
disco por su cuenta y es por eso que está más orgulloso de su tiempo en
Blue Note Records - porque esta fecha comenzó una carrera para él que le
hizo traer a varios músicos a Blue Note Records y hoy está muy
orgulloso de haber sido el primero en grabar a estos músicos - Horace
Silver, Clifford Brown, Grant Green, John Patton, Blue Mitchell, Donald
Byrd, Horace Parlan, Tommy Turrentine, Al Harewood, George Tucker,
Jameel Nasser y Curtis Fuller, con su grupo en Blue Note Records. Lou
trajo a Gene Harris y los 3 sonidos de Washington DC a Nueva York para
grabar con él en el famoso álbum LD Plus 3 que fue un gran éxito. Su
grupo más famoso fue Herman Foster al piano, Ray Baretto a la conga,
Peck Morrison al bajo y Dave Bailey a la batería, que fue el mejor
movimiento que hizo durante su mandato en el sello. Este grupo grabó el
famoso disco que se sigue vendiendo hoy en día, Blues Walk-y en el
reverso, The Masquerade is Over. Este solo es considerado por muchos
disc-jockeys como uno de los mejores solos de contralto de todos los
tiempos y, junto con Blues Walk, fue utilizado por muchos como tema
principal. Otro álbum del que Lou está muy orgulloso es Lush Life,
grabado para Blue Note con Duke Pearson como arreglista y productor, que
tuvo varios músicos que más tarde se hicieron famosos?" Freddy Hubbard,
en trompeta, Wayne Shorter en saxo tenor, Pepper Adams en saxo
barítono, Al Harewood en batería, McCoy Tyner en piano, Jerry Dodgin en
saxo alto, Garnet Brown en trombón y Ron Carter en bajo.
Después
de esta grabación, hubo una gran demanda de Lou en Europa y comenzó a
hacer giras por la Wim Wigt Agency en Wageningen, Holanda, con su grupo
-Herman Foster, piano, Nat Yarborough, batería, Jeff Fuller, bajo y Lou
en saxofón alto- con mucho éxito durante años. Muchas fechas y muchos
discos en el medio, finalmente conoció al gran Jimmy Smith y fue
prominente en el disco, El Sermón. A menudo le decía a Jimmy que su solo
en ese disco le hacía famoso. El sonido del órgano era tan poderoso y
comercial que comenzó a hacer discos de órgano. En 1968 grabó Alligator
Boogaloo con el Dr. Lonnie Smith al órgano, George Benson a la guitarra,
Melvin Lasky a la trompeta, Idris Mohammed (Leo Morris) a la batería,
que fue un disco de éxito. Permaneció en la lista de los más vendidos
durante 52 semanas, y puso a Lou en una buena posición musical y
financiera. Luego continuó haciendo este tipo de discos con el gran
Charles Earland, el gran Leon Spencer, Jr. Billy Gardner y Cara de Bebé
Willette. Luego Lou comenzó a cantar blues y afortunadamente se le
ocurrió un gran éxito llamado Whiskey Drinkin' Woman, grabado en el
sello de Wim Wigt, Timeless Records, que sigue siendo muy solicitado
cada vez que toca un set.
A
mediados de los años 60, Lou amplió su éxito como músico y hombre de
negocios. Organizó su propia gira de clubes, lo que no fue tarea fácil
en aquellos días. Comenzando en Rochester, NY, luego en Buffalo, NY, y
luego en Pittsburgh, Pa.-donde trabajó en dos grandes clubes: Birdie's y
Crawford Grill, luego se dirigían a Cleveland. Todos estos clubes eran
como stands de dos semanas y no estaban muy lejos para que Lou condujera
porque en ese momento tendría que llevar un órgano que puso en un
remolque de U-Haul. Estos lugares los reservaba y llamaba con
anticipación y los seguía reservando para que pudiera conseguir más
trabajo y mantenerse en la carretera. Después de Cleveland se iba a
Columbus, justo en el campus de Ohio State, donde uno de sus mejores
amigos, Warren Stephens, tenía un club: el Sacred Mushroom. Stephens
también era agente de la Agencia Ruth Bowen y ayudó a Lou a conseguir
algunos conciertos. Luego Lou se mudaría a Dayton, Ohio, a otro club
llamado Jilly's. Luego, en Cincinnati, a pocos kilómetros de Dayton,
tocaba en dos clubes: Babe Baker's y Modern Jazz Room. De Cincinnati fue
otro salto corto a Louisville, Kentucky al gran club de la hora de
descanso. Desde allí Lou llevaría la vieja US 50 a Old St. Louis al
Riviera Club, al Gaslight Square Club y a un club muy famoso llamado
Georgie's. Louis al Blue Note Club propiedad de Leo Gooden, un buen
amigo suyo, donde conoció a Oliver Nelson y grabó un gran álbum que
Oliver arregló para él llamado Rough House Blues.
Después
de St. Louis, Lou conduciría un par de cientos de millas más hasta
Kansas City, donde trabajó en el Blue Room de la calle 18 y Vine-la
famosa calle de Kansas City, y en varios clubes para el conocido dueño
del club, Jimmy Willis. Luego se dirigía a Wichita a Bill Reeves's
Steakhouse donde toda la comida era gratis, así que la banda tuvo una
agradable estancia durante dos semanas. Luego de ahí, Lou fue a Tulsa,
Oklahoma al club Twilight, que estaba en una montaña con vistas a Tulsa,
para el buen amigo Lloyd Williams, y luego a Dallas, donde la banda
trabajaba en 3 o 4 clubes, como Lark Club, propiedad de Chuck Banks.
Pero la más prominente era la de Magruder. Luego Lou trabajaría en un
bonito club en Fort Worth, el Blue Flamingo, que estaba a unas 40 a 50
millas de allí, y luego armaría un largo set e iría hasta Los Ángeles,
California y trabajaría en el It Club, dirigido por un famoso promotor
llamado John T McClain. Lou también trabajó en el Zebra Lounge en esa
famosa avenida de la que a mucha gente ya no le gusta hablar, Central
Avenue. Luego la banda fue a San Francisco y Oakland a tocar en un club
llamado Mister Major's. Después de que la banda tuvo la oportunidad de
descansar, Lou comenzó el largo viaje de regreso a Nueva York parando en
Colorado en Basin Street West y también en otro club en Denver llamado
KC Lounge. Volviendo a la cima, la banda cayó en Chicago, donde la mayor
parte del tiempo Lou trabajaba para un buen amigo, Joe Segal, que tenía
un club llamado Jazz Showcase, en el que Lou trabajó durante muchos
años, y que todavía está allí. También trabajó en dos clubes muy buenos -
McKee's Lounge y tuvo algunos noctámbulos en el Persian Ballroom en la
63 y Cottage Grove. Luego Lou haría el siguiente viaje volviendo a Nueva
York a Detroit donde trabajaría en Baker's Lounge, un club muy famoso
que aún existe, y también en el Blue Note Club que era propiedad de un
buen amigo, Clarence Eddings. Después de Detroit, la banda se dirigió
directamente a Cleveland para tocar una vez más en otro lugar llamado
Leo's Casino, que estaba en la calle 55 y Central en Cleveland, y
también en Corner Tavern, entonces propiedad de Don King. La banda
regresaba y tocaba en otro lugar en Pittsburgh y luego se cruzaba con el
Pennsylvania Turnpike a Filadelfia para tocar el Blue Note en Ridge
Avenue, el Club Harlem, y unos cuantos más. Entonces Lou conduciría las
90 millas de regreso a Nueva York.
Lou
está muy orgulloso de esta gira porque varias otras bandas lo llamarían
durante estos años y les daría el esquema de los clubes para que ellos
también los reservaran y tocaran allí. A veces lo llamaban los grandes
promotores y la gente que contrataba a otros grupos para que pusieran
sus bandas en estos clubes porque ni siquiera sabían dónde estaban estos
clubes. Jack Whittemore, el manager de Miles Davis, era famoso por
llamar a Lou para tratar de meter a Miles en algunos de estos clubes a
pesar de que eran los llamados "ghetto clubs" porque estaban en barrios
pobres y Lou no sabía si los grandes fans que frecuentaban estos clubes
se relacionarían con los grupos que Miles, John Coltrane y este tipo de
músicos tenían. Pero Lou se lo dijo de todos modos y algunos
consiguieron trabajo en estos clubes gracias a su ayuda. Lou también
recuerda haberle conseguido a John Coltrane uno de sus primeros
conciertos en un lugar llamado Vernon's que estaba en Nueva Orleans,
Louisiana, y también en Louisiana Avenue, y el gerente no estaba muy
contento con el grupo. Louis, Illinois, donde Lou tuvo que convencer al
tipo para que le pagara a Coltrane suficiente dinero para que regresara a
Nueva York porque no estaba satisfecho con el grupo y no iba a pagar el
dinero. Este era el tipo de cosas que incluso los grandes músicos
tenían que enfrentar, pero Lou finalmente convenció al club de que
hiciera lo correcto y esto hizo que Coltrane regresara a Nueva York.
Durante
estos años memorables, Lou tenía cuatro grupos distintos que utilizaría
para el sonido del órgano: un grupo era John Patton en el órgano, Bill
Hardman en la trompeta, Grant Green en la guitarra, y Ben Dixon en la
batería. Otro grupo fue Lonnie Smith al órgano, Billy Kaye a la batería,
Mark Elf a la guitarra-y a veces Melvin Sparks a la guitarra, y Joe
Dukes a la batería-el mejor baterista de órgano de todos los tiempos.
Más tarde tuvo otro grupo con Caesar Frazier al órgano, Eric Johnson a
la guitarra, y Billy Kaye a la batería con Sweet Lou a la contralto.
Otro de los grupos de Lou tenía a Charles Earland al órgano, Jimmy
Ponder a la guitarra, Blue Mitchell a la trompeta e Idris Muhammad a la
batería. Estos grupos tocaban sobre todo en los llamados "ghetto clubs",
donde los aficionados se metían de lleno en su música y a veces se les
reservaba incluso para bailar. Fue un montaje muy exitoso y otras
personas como Hank Crawford, Jack McDuff, Groove Holmes, Sonny Stitt, e
incluso Dizzy se enteraron de estos clubes y tuvieron una buena racha
siguiendo esta idea. Más tarde, en los años 80, Lou comenzó a ir a
Europa de nuevo de gira por la mayoría de los países tocando en
festivales de jazz y en noches, y aún hoy en día sigue teniendo demanda
para este tipo de trabajos cuando es capaz de hacerlo. Ha seguido
tocando entre la música comercial y el jazz, algo así como modificada en
lugares donde la vanguardia o lo que se llama ultramoderno podría tener
problemas con el público. Usando este sistema, ha sobrevivido y
continúa trabajando tanto como puede a su edad. Este octogenario tiene
que espaciar sus apariciones para adaptarse a su salud y disponibilidad.
Trabaja localmente en Nueva York, su ciudad natal, dos veces al año en
el Village Vanguard y dos veces al año en el Birdland Club, así como en
muchos festivales de jazz, conciertos y fiestas nocturnas en todo el
país y en todo el mundo. Está muy orgulloso de su actual grupo que
cuenta con la excelencia musical de Randy Johnston a la guitarra, Akiko
Tsuruga al órgano, Fukushi Tainaka a la batería y Lou al saxo alto.
Lou
recibió el Doctorado Honorario en Letras de la Universidad A&T de
Carolina del Norte y se estableció una beca en su nombre que se otorga
cada año al músico de jazz más talentoso de la Universidad A&T de
Carolina del Norte. Fue admitido en el Salón de la Fama del Jazz
Internacional y ha recibido innumerables otros honores y premios por sus
destacadas contribuciones al jazz.
Corista y vocalista de James Brown esta dama del funk y funky, poco conocida en países de habla hispana, es lo más parecido al mísmísimo James, en versión femenina.
Reseña: Como cualquier disco producido por James Brown y con los poderosos JB's como grupo de acompañamiento, It's My Thing es un disco de funky a tope. Marva Whitney cantó en la James Brown Revue de 1967 a 1969, y en 1969 publicó este disco. No sólo produjo Brown, sino que escribió o coescribió la mayoría de los temas y básicamente suena como un disco de James Brown con una cantante femenina. Una cantante femenina dura y agresiva. Marva suena como si pudiera enfrentarse a cualquier persona y dejarla temblando en sus botas de go-go. Desde la explosión inicial de "It's My Thing, Pt. 1" y "Pt. 2", una reescritura de "It's Your Thing" de los Isley Brothers, grita, exhorta, grita, y básicamente lo deja todo mientras la banda hace un groove tras otro. Afortunadamente, después de cuatro temas agotadores, Marva baja el ritmo con "If You Love Me", una balada de corazón roto al estilo de Otis Redding. Después de una pausa instrumental, vuelve a la carga con "Unwind Yourself", que cuenta con una línea de vientos clásica y una vocalización enérgica de Marva. El resto del disco sigue la misma pauta de un par de temas y una balada. El punto álgido del disco es "I'm Tired I'm Tired I'm Tired (Things Better Change Before It's Too Late)", un lamento funky (sí, todos los temas de este disco son funky) que detalla lo cansada que está Marva de que la sociedad la menosprecie. Mira cómo Brown se desmelena en el fondo hacia la mitad de la canción. El disco tiene cinco temas adicionales añadidos al álbum original, entre los que se incluyen la lenta "I Made a Mistake Because It's Only You, Pts. 1 & 2" y un dúo con James Brown en "Sunny". Este es un gran disco y es una pena que esté en un sello tan pequeño y no en uno de los principales sellos de reedición, porque Marva merece un mayor reconocimiento. No dudes en buscarlo. http://www.allmusic.com/album/its-my-thing-mw0000456944
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Review:
Like any disc produced by James Brown and featuring the mighty JB's as a
backing group, It's My Thing is a stone-cold funky record. Marva
Whitney sang in the James Brown Revue from 1967 to 1969, and in 1969 she
released this record. Not only did Brown produce but he wrote or
co-wrote most of the tracks and it basically sounds like a James Brown
record with a female singer. A tough, aggressive female singer. Marva
sounds like she could take any comers and leave them shaking in their
go-go boots. From the opening blast of "It's My Thing, Pt. 1 and "Pt.
2," a rewrite of the Isley Brothers' "It's Your Thing, she shouts,
exhorts, wails, and basically lets it all hang out as the band lays down
groove after groove. Thankfully after four exhausting tracks, Marva
slows it down with "If You Love Me," an Otis Redding-style
broken-hearted ballad. After an instrumental break she jumps right back
into the funky fray with "Unwind Yourself," which features a classic
horn line and some gritty vocalizing from Marva. The rest of the record
follows this pattern of a couple of stompers and a ballad. The highlight
of the record is "I'm Tired I'm Tired I'm Tired (Things Better Change
Before It's Too Late)," a funky (yes, every track on this disc is funky)
lament that details just how tired Marva is of society putting her
down. Check out Brown going wild in the background about halfway through
the song. The disc has five bonus tracks added to the original album,
including the slow-burning "I Made a Mistake Because It's Only You, Pts.
1 & 2" and a duet with James Brown on "Sunny." This is a great
record and it is a pity that it is on such a tiny label and not one of
the major reissue labels, because Marva deserves wider recognition. By
all means seek this one out.
http://www.allmusic.com/album/its-my-thing-mw0000456944
The second album of Bustan Abraham, is another step foreword along Bustan's artistic journey.
Many attempts have been made by musicians to create a synthesis between
Eastern and Western cultures. Generally the result is that either the
Western or Eastern form dominates while the other is merely used for
ornamentation. For the past several years Bustan Abraham has met this
challenge and has succeeded in pioneering a unique form of instrumental
music which combines elements of both these Eastern and Western forms
without sacrificing the musical integrity of either.
Bustan (Hebrew and Arabic meaning, "garden of fruits and essences," in
this case the garden of Abraham, father of Isaac and Ishmail) was
founded in 1991 by Avshalom Farjun. It comprises seven distinguished
Israeli musicians, both Jews and Arabs, who have combined their musical
experience as composers, soloists and heads of musical ensembles to
create original music on a very high international level.
The musical backgrounds of Bustan Abraham's members are very rich and
represent an astonishing variety of musical cultures including classical
Arabic music, classical European music, jazz, Turkish, Persian and
Indian music, flamenco and American folk music.
The instruments played are unusually diverse. Middle Eastern instruments
include the oud (Arab lute), qanoun (oriental zither) and a range of
percussion instruments such as durbakkeh, daff, zarb and bandir frame
drums to name only a few. These are joined by Western instruments
including transverse flute, classical and flamenco guitar, contrabass,
electric bass, and 5-string banjo. In addition the violin is utilized in
both Middle Eastern as well as Western forms of playing. Also
represented is an astonishing array of international percussion
instruments too numerous to mention! The successful integration of this
combination of instruments has never before been presented on the
concert stage. The music which embodies this rich diversity is entirely
original and was composed and arranged in a cooperative effort by all
members of the group.
Bustan aspires to create a new musical form, which speaks to both
Eastern and Western audiences, and to pave the way for other joint
creative efforts between Arabs and Jews. The group has become a symbol
of uncompromising instrumental composition, which has created a new
standard of originality in Israeli music, and world music in general,
and has received rave reviews to that effect from audiences and critics
alike.
Bustan have toured extensively throughout the world between 1992 &
2003 it's powerful stage performance have been always greeted with
standing ovations by audiences.
///////
El segundo álbum de Bustan Abraham, es un paso más en el camino artístico de Bustan.
Los músicos han hecho muchos intentos de crear una síntesis entre las
culturas orientales y occidentales. Generalmente el resultado es que la
forma occidental u oriental domina mientras que la otra se utiliza
simplemente para la ornamentación. Durante los últimos años, Bustan
Abraham se ha enfrentado a este reto y ha logrado ser pionero en una
forma única de música instrumental que combina elementos de estas dos
formas orientales y occidentales sin sacrificar la integridad musical de
ninguna de ellas.
Bustán (en hebreo y en árabe, "jardín de frutas y esencias", en este
caso el jardín de Abraham, padre de Isaac e Ishmail) fue fundado en 1991
por Avshalom Farjun. Está formado por siete distinguidos músicos
israelíes, tanto judíos como árabes, que han combinado su experiencia
musical como compositores, solistas y directores de conjuntos musicales
para crear música original a un nivel internacional muy alto.
Los antecedentes musicales de los miembros de Bustan Abraham son muy
ricos y representan una asombrosa variedad de culturas musicales,
incluyendo la música clásica árabe, la música clásica europea, el jazz,
la música turca, persa e india, el flamenco y la música folclórica
estadounidense.
Los instrumentos que se tocan son inusualmente diversos. Los
instrumentos de Oriente Medio incluyen el oud (laúd árabe), el qanoun
(cítara oriental) y una gama de instrumentos de percusión como
durbakkeh, daff, zarb y bandir frame drums, por nombrar sólo algunos. A
ellos se suman instrumentos occidentales como la flauta travesera, la
guitarra clásica y flamenca, el contrabajo, el bajo eléctrico y el banjo
de 5 cuerdas. Además, el violín se utiliza tanto en Oriente Medio como
en Occidente. También está representada una asombrosa variedad de
instrumentos de percusión internacionales demasiado numerosos para
mencionarlos! La exitosa integración de esta combinación de instrumentos
nunca antes ha sido presentada en el escenario de un concierto. La
música que encarna esta rica diversidad es totalmente original y fue
compuesta y arreglada en un esfuerzo cooperativo por todos los miembros
del grupo.
Bustan aspira a crear una nueva forma musical, que hable tanto al
público oriental como al occidental, y a allanar el camino para otros
esfuerzos creativos conjuntos entre árabes y judíos. El grupo se ha
convertido en un símbolo de la composición instrumental sin concesiones,
lo que ha creado un nuevo estándar de originalidad en la música israelí
y en la música del mundo en general, y ha recibido críticas muy
favorables tanto del público como de la crítica.
Bustan ha girado extensamente por todo el mundo entre 1992 y 2003, su
poderosa actuación en el escenario siempre ha sido recibida con
ovaciones de pie por el público.
Hank Marr (30 January 1927 – 16 March 2004) was a soul jazz and hard bop
Hammond B3 organist and pianist born in Columbus, Ohio, probably best
known for his many albums recorded under his own name for the
Double-time record label.
Columbus natives Hank Marr and (Tenor Saxophonist) Rusty Bryant co-led a
group that toured for several years (beginning in 1958 going into
1960’s). Later, Marr led a group that featured Electric Guitarist/Singer
James Ulmer. Ulmer first recorded professionally with Marr in 1964.
Ulmer later toured Europe under Marr in 1966-1967.
As a sideman, Marr made a name for himself playing with many
accomplished musicians. In the late 1960s, Marr performed in a duo with
guitarist Floyd Smith (musician) in Atlantic City, NJ.
Marr had two minor hit singles, "Greasy Spoon" (U.S. No. 101, 1964) and "Silver Spoon" (U.S. No. 134, 1965).
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Hank Marr (30 de enero de 1927 - 16 de marzo de 2004) fue un organista y
pianista de soul jazz y hard bop Hammond B3 nacido en Columbus, Ohio,
probablemente más conocido por sus numerosos álbumes grabados bajo su
propio nombre para el sello Double-time.
Los nativos de Columbus Hank Marr y (saxofonista tenor) Rusty Bryant
codirigieron un grupo que realizó giras durante varios años (desde 1958
hasta el decenio de 1960). Más tarde, Marr lideró un grupo que incluía
al guitarrista/cantante eléctrico James Ulmer. Ulmer grabó
profesionalmente con Marr por primera vez en 1964. Ulmer luego hizo una
gira por Europa con Marr en 1966-1967.
Como sideman, Marr se hizo un nombre tocando con muchos músicos
consumados. A finales de los 60, Marr tocó en dúo con el guitarrista
Floyd Smith (músico) en Atlantic City, NJ.
Marr tuvo dos sencillos de éxito menor, "Greasy Spoon" (U.S. No. 101, 1964) y "Silver Spoon" (U.S. No. 134, 1965).
Review by Lindsay Planer Relaxin' features the Miles Davis Quintet in a pair of legendary recording dates -- from May and October of 1956 -- which would generate enough music to produce four separate long-players: Cookin', Relaxin', Workin', and Steamin'. Each of these is considered not only to be among the pinnacle of Davis' work, but of the entire bop subgenre as well. As with the other titles, Relaxin' contains a variety of material which the band had concurrently been performing in their concert appearances. In a brilliant stroke of time conservation, the scheme was hatched for the quintet -- who includes: Davis (trumpet), John Coltrane (tenor sax), Philly Joe Jones (drums), and Red Garland (piano) -- to perform the equivalent of their live repertoire in the studio for eventual release. The results are consistently superior both in terms of song selection as well as performance. The solid nature of the unit as a singular musical force is immediately apparent. "If I Were a Bell" -- from the play Guys and Dolls -- includes some remarkable soloing via Coltrane and Garland. Davis' solos are additionally impressive, as they're derived from the same four-note motive as the melody. Hearing the many variations that he comes up with throughout the song conveys how intrigued Davis must have been by the tune, as it stayed in his performance repertoire for decades. Tracks such as "You're My Everything" and "Oleo" highlight the synchronic nature of Davis and Coltrane as they carry each other's melodies while trading off solos. The steady syncopation of Philly Joe Jones keeps the rhythms tight and the delicate interplay all the more conspicuous. Relaxin' offers something for every degree of jazz enthusiast. Likewise, the quintet's recordings provide a tremendous introduction for the curious jazz consumer. https://www.allmusic.com/album/relaxin-with-the-miles-davis-quintet-mw0000188060
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Reseña por Lindsay Planer Relaxin' presenta al Miles Davis Quintet en un par de legendarias grabaciones -- de Mayo y Octubre de 1956 -- que generarían suficiente música para producir cuatro long-players separados: Cookin', Relaxin', Workin' y Steamin'. Cada uno de ellos se considera no sólo una de las cumbres de la obra de Davis, sino también de todo el subgénero del bop. Al igual que los otros títulos, Relaxin' contiene una variedad de material que la banda había interpretado simultáneamente en sus conciertos. En un brillante golpe de conservación del tiempo, se urdió el plan para que el quinteto -- que incluye a: Davis (trompeta), John Coltrane (saxo tenor), Philly Joe Jones (batería) y Red Garland (piano), interpretara el equivalente de su repertorio en directo en el estudio para su posterior publicación. Los resultados son siempre superiores, tanto en la selección de canciones como en la interpretación. La solidez de la unidad como fuerza musical singular es evidente de inmediato. "If I Were a Bell", de la obra Guys and Dolls, incluye algunos solos notables de Coltrane y Garland. Los solos de Davis son además impresionantes, ya que se derivan del mismo motivo de cuatro notas que la melodía. Escuchar las numerosas variaciones que se le ocurren a lo largo de la canción demuestra lo intrigado que debía de estar Davis por la melodía, que permaneció en su repertorio durante décadas. Temas como "You're My Everything" y "Oleo" ponen de relieve la naturaleza sincrónica de Davis y Coltrane, ya que llevan las melodías del otro mientras intercambian solos. La síncopa constante de Philly Joe Jones mantiene los ritmos apretados y la delicada interacción aún más llamativa. Relaxin' ofrece algo para cada grado de entusiasta del jazz. Del mismo modo, las grabaciones del quinteto suponen una magnífica introducción para el consumidor curioso de jazz. https://www.allmusic.com/album/relaxin-with-the-miles-davis-quintet-mw0000188060
Biography: Jean 'Toots' Thielemans is widely regarded by most people as the most accomplished harmonica player in the world. Of course, that's not all he does and it would be a great injustice to label him as just a good harmonica player. If you are not into Jazz, you may not have heard of his name but you have probably heard his music many times and I suspect you liked it. He is equally good at playing guitar, the accordeon and many other instruments. For instance, you will never hear anyone whistle jazz better than Toots.
Born on 29 April 1922 in Brussels, he quickly got interested in music and was playing the accordeon at age 3. Later he started playing the harmonica and the guitar. He got seriously hooked on jazz in earnest during the German occupation and has been influenced predominantly by Django Reinhardt, another Belgian who invented a particular way of playing the guitar, and the legendary Charlie Parker. Other influences were Toots Mondello and Toots Camarata, resulting in Jean Thielemans being nicknamed 'Toots' early on in his career.
In an interview in 1983 with a Belgian radio station, he said : “My parents had a pub and each Sunday there was an accordionist. They have told me that when I was in my cradle, I already was imitating the gestures of the musician. One of the clients said “that kid wants to play accordion”. My father bought me a little cardboard accordion, and when I was three I got this little machine. (plays a little bit, accompanied by the barking of his little dog called Duke Yorkshire Ellington Thielemans)”.
He made his big breakthrough when he went on European tour with Benny Goodman in 1950. He moved to America in 1952 (and became a US citizen the same year) where he is extremely well-known, especially among the jazz community. Quincy Jones said this about him in 1995 : “I can say without hesitation that Toots is one of the greatest musicians of our time. On his instrument he ranks with the best that jazz has ever produced. He goes for the heart and makes you cry. We have worked together more times than I can count and he always keeps me coming back for more”. Toots hates his favourite instrument, the harmonica, being called a 'miscellaneous instrument'. Indeed, the late Clifford Brown said : “Toots, the way you play the harmonica they should not call it a miscellaneous instrument”.
His successes include harmonica solo contributions to film scores for Midnight Cowboy, The Getaway, Sugarland Express, Cinderella Liberty, Turks Fruit (Turkish Fruit), Jean de Florette and others. In 1962 he had a massive hit with 'Bluesette'. He also did many concerts and recordings with legends such as George Shearing, Ella Fitzgerald, Quincy Jones, Bill Evans, Jaco Pastorius, Natalie Cole, Pat Metheny, Paul Simon and Billy Joel. Many people also will remember him from the music used for the 'Old Spice' TV commercial.
Toots succeeded in doing something that is very difficult for Jazz musicians: being well-known by the general public and still practice high-class Jazz. Receiving the high appreciation of his peers and connoisseurs is no mean feat and Toots is regularly voted first in his category in the famous Down Beat Jazz Magazine in the USA by critics and public. In 1981, Toots suffered from a major stroke that left part of his body with little feeling. He has always suffered from asthma which makes his success even more remarkable. https://musicians.allaboutjazz.com/tootsthielemans Thielemans died, in 2016, in Braine-l'Alleud, Belgium, at the age of 94.
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Biografía: Jean "Toots" Thielemans está considerado por la mayoría de la gente como el armonicista más consumado del mundo. Por supuesto, eso no es todo lo que hace y sería una gran injusticia etiquetarlo sólo como un buen intérprete de armónica. Si no le gusta el jazz, puede que no le suene su nombre, pero probablemente haya escuchado su música muchas veces y sospecho que le ha gustado. Es igualmente bueno tocando la guitarra, el acordeón y muchos otros instrumentos. Por ejemplo, nunca escuchará a nadie silbar el jazz mejor que Toots.
Nacido el 29 de abril de 1922 en Bruselas, se interesó rápidamente por la música y ya tocaba el acordeón a los 3 años. Más tarde empezó a tocar la armónica y la guitarra. Se enganchó seriamente al jazz durante la ocupación alemana y se vio influenciado sobre todo por Django Reinhardt, otro belga que inventó una forma particular de tocar la guitarra, y el legendario Charlie Parker. Otras influencias fueron Toots Mondello y Toots Camarata, por lo que Jean Thielemans recibió el apodo de "Toots" al principio de su carrera.
En una entrevista concedida en 1983 a una emisora de radio belga, dijo: "Mis padres tenían un pub y cada domingo había un acordeonista. Me han contado que cuando estaba en la cuna ya imitaba los gestos del músico. Uno de los clientes dijo "ese niño quiere tocar el acordeón". Mi padre me compró un pequeño acordeón de cartón, y a los tres años me regalaron esta maquinita. (toca un poco, acompañado por los ladridos de su perrito llamado Duke Yorkshire Ellington Thielemans)".
Su gran salto a la fama se produjo cuando se fue de gira por Europa con Benny Goodman en 1950. Se trasladó a Estados Unidos en 1952 (y se convirtió en ciudadano estadounidense ese mismo año), donde es muy conocido, especialmente entre la comunidad del jazz. Quincy Jones dijo esto sobre él en 1995: "Puedo decir sin dudar que Toots es uno de los mejores músicos de nuestro tiempo. En su instrumento se encuentra entre los mejores que ha producido el jazz. Llega al corazón y te hace llorar. Hemos trabajado juntos más veces de las que puedo contar y siempre me hace volver a por más". Toots odia que su instrumento favorito, la armónica, sea llamado "instrumento diverso". De hecho, el difunto Clifford Brown dijo: "Toots, por la forma en que tocas la armónica no deberían llamarla instrumento diverso".
Entre sus éxitos se encuentran las contribuciones como solista de armónica en las partituras de las películas Midnight Cowboy, The Getaway, Sugarland Express, Cinderella Liberty, Turks Fruit (Fruta turca), Jean de Florette y otras. En 1962 tuvo un éxito masivo con "Bluesette". También hizo muchos conciertos y grabaciones con leyendas como George Shearing, Ella Fitzgerald, Quincy Jones, Bill Evans, Jaco Pastorius, Natalie Cole, Pat Metheny, Paul Simon y Billy Joel. Muchos le recordarán también por la música utilizada para el anuncio de televisión de "Old Spice".
Toots consiguió hacer algo que es muy difícil para los músicos de jazz: ser conocido por el público en general y seguir practicando un jazz de alta calidad. Recibir el gran aprecio de sus compañeros y conocedores no es una hazaña, y Toots es votado regularmente como el primero de su categoría en la famosa revista Down Beat Jazz de EE.UU. por la crítica y el público. En 1981, Toots sufrió un gran derrame cerebral que le dejó parte del cuerpo sin apenas sensibilidad. Siempre ha sufrido de asma, lo que hace que su éxito sea aún más notable. https://musicians.allaboutjazz.com/tootsthielemans Thielemans murió, en 2016, en Braine-l'Alleud, Bélgica, a la edad de 94 años.
