The Paladins • Years Since Yesterday

 

Review
by James Chrispell
Coming out of San Diego, this hard rockin', blues bar-band consistently hits the mark with fine original material and great covers. Highlights include the title track and "Your New Love," both originals, as well as covers like Titus Turner's "Going Down To Big Mary's". A fine, solid set well worth checking into, especially if you're into the rockin' blues.
https://www.allmusic.com/album/years-since-yesterday-mw0000196831


Biography
by Matt Collar
Along with such rockin' bands as Los Lobos and the Blasters, the Paladins were one of leading lights in the California roots and rockabilly music scene of the early '80s. Formed by guitarist/vocalist Dave Gonzalez and bassist Thomas Yearsley while they were attending high school in San Diego in the late '70s, the band also originally included guitarist Whit Broadly and drummer Gus Griffin. Eventually, Broadly left the band and the classic Paladins trio lineup was born. With their old-school approach to rockin' R&B, blues, and rockabilly, the Paladins garnered a strong local following, as well as opening slots for such bands as X, the Blasters, the Stray Cats, and the Fabulous Thunderbirds -- whose vocalist, Kim Wilson, produced the band's 1986 self-titled debut album. The Paladins followed up with several well-received albums on Alligator Records including 1988's Years Since Yesterday and 1990's Let's Buzz.

The '90s saw the band dig deeper into a mix of rockin' R&B and blues with such albums as 1994's Ticket Home, the 1996 live album Million Mile Club, and 1999's Rejiveinated. Also in 1999, the Paladins released the album Slippin' In, which showcased a return to the more rockabilly-oriented sound of their early albums. Palvoline No. 7 followed in 2001 with Matador appearing two years later. In 2007, the Paladins released the concert album Power Shake, which featured them performing live in Holland. Over the years, the band has seen several lineup changes with such musicians as drummers Brian Fahey, Scott B. Campbell, and Jeff Donovan, as well as bassist Joey Jazdzewski all making appearances alongside Gonzalez.

Around 2004, Gonzalez began taken time away from the band for several side projects, including the Hacienda Brothers and the Stone River Boys. However, the group reunited in 2011 at the Ink & Iron Festival in Long Beach, California. Since then, they have made several more live appearances and in 2013, released the EP Wicked. In 2017, the Paladins returned with New World, the band's first studio album in over a decade.
https://www.allmusic.com/artist/the-paladins-mn0000409068/biography

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Reseña
por James Chrispell
Procedente de San Diego, esta banda de rock duro y blues da en el clavo con buen material original y grandes versiones. Destacan la canción que da título al disco y "Your New Love", ambas originales, así como versiones como "Going Down To Big Mary's" de Titus Turner. Un disco sólido que merece la pena escuchar, especialmente si te gusta el blues rockero.
https://www.allmusic.com/album/years-since-yesterday-mw0000196831


Biografía
por Matt Collar
Junto con bandas tan rockeras como Los Lobos y los Blasters, los Paladins fueron uno de los grupos más destacados de la escena musical rockabilly y de raíces californiana de principios de los ochenta. Formado por el guitarrista y vocalista Dave González y el bajista Thomas Yearsley mientras estudiaban en el instituto de San Diego a finales de los 70, el grupo también incluía originalmente al guitarrista Whit Broadly y al batería Gus Griffin. Con el tiempo, Broadly abandonó la banda y nació la formación clásica de trío de los Paladins. Con su enfoque de la vieja escuela del R&B rockero, el blues y el rockabilly, los Paladins cosecharon un gran número de seguidores locales, además de actuar como teloneros de grupos como X, los Blasters, los Stray Cats y los Fabulous Thunderbirds, cuya vocalista, Kim Wilson, produjo el álbum debut de la banda en 1986. The Paladins siguieron con varios álbumes bien recibidos en Alligator Records, incluyendo Years Since Yesterday de 1988 y Let's Buzz de 1990.

En los 90, la banda se adentró en una mezcla de R&B rockero y blues con álbumes como Ticket Home, de 1994, el álbum en directo Million Mile Club, de 1996, y Rejiveinated, de 1999. También en 1999, los Paladins publicaron el álbum Slippin' In, que mostraba un regreso al sonido más orientado al rockabilly de sus primeros álbumes. Palvoline No. 7 le siguió en 2001 y Matador apareció dos años después. En 2007, los Paladins publicaron el álbum de conciertos Power Shake, en el que actuaban en directo en Holanda. A lo largo de los años, la banda ha experimentado varios cambios de formación, con músicos como los baterías Brian Fahey, Scott B. Campbell y Jeff Donovan, así como el bajista Joey Jazdzewski, todos ellos haciendo apariciones junto a González.

Alrededor de 2004, González comenzó a tomar tiempo lejos de la banda para varios proyectos paralelos, incluyendo los Hermanos Hacienda y los Stone River Boys. Sin embargo, el grupo se reunió en 2011 en el Ink & Iron Festival en Long Beach, California. Desde entonces, han hecho varias apariciones más en directo y, en 2013, lanzaron el EP Wicked. En 2017, los Paladins regresaron con New World, el primer álbum de estudio de la banda en más de una década.
https://www.allmusic.com/artist/the-paladins-mn0000409068/biography

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Stan Getz & Joao Gilberto • The Best Of Two Worlds

 

Steve Davis Quartet • Alone Together

 

stevedavismusic.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Cannonball Adderley • Cannonball Adderley Live!

 

VA • The Rough Guide To Hokum Blues

 

Hokum was a style showing a completely different side to the blues that was upbeat, salacious and light hearted. With its use of clever and suggestive innuendo, this risqué style was extremely popular in the late 1920s and early 1930s and its influence has remained part of the blues ever since.

With its early minstrel show origins, hokum was a novelty style that showed a completely different side to the blues that was upbeat, salacious and light hearted. Its spicy style often made repeated and continual sexual references by using clever and subtle (but not always) innuendo. Its popularity would last through the 1930s and its influence has remained part of the blues ever since.

A true unsung hero, and one of the first and most successful of the solo blues singers to record was the banjo player Papa Charlie Jackson who helped popularise hokum with tracks such as the featured 'Shake That Thing'. Likewise, the light-hearted and humorous jug bands from Memphis were early pioneers of the genre and used a lot of suggestive material, demonstrated by the brilliant harmonica played Noah Lewis who leads his own jug band for 'Selling The Jelly'.

Perhaps the most famous of tracks in the hokum cannon is 'Its Tight Like That' a 1928 recording featuring pianist Thomas A. Dorsey aka Georgia Tom and bottleneck guitar wizard Tampa Red who aptly became known as the Hokum Boys. This risqué number was a huge seller, and one of the seminal songs of the period that ushered in the hokum trend of loose rhythms and cleverly penned, ribald lyrics. Both had previously performed with the &;ldquoMother Of The Blues&;rdquo, Ma Rainey, who also took up the trend when recording 'Ma Rainey's Black Bottom'. Bessie Smithwas another blues diva who tackled cheeky double-entendre with an unmistakably mischievous tone, as can be heard on 'I Need A Little Sugar In My Bowl'.

Rather than just coming out and saying it, artists would use silly innuendo as part of the fun of writing and performing these songs. There were however exceptions like Lucille Bogan who didn't write the music to be cute and clever, but instead downright stimulating and arousing. Her featured song 'Barbecue Bess' shows her tamer side, unlike some of her X-rated numbers which completely threw innuendo out of the window.

The influence of hokum also crossed over into early country music as demonstrated by the Chattanooga-based Allen Brothers whose hilarious 'Bow Wow Blues' includes the classic line 'She's got more ways of lovin' than Wrigley's got gum'. The Dallas String Band had a foot in both early country music and blues camps and recorded the instrumental 'Hokum Blues' with its wonderful mandolin instrumentation. Fellow Texan Blind Lemon Jeffersonhad links with the band at various times and was amongst the first of the recorded bluesmen to use subversive 'double-meanings' such as the 'black snake'. Another towering figure of the blues, Charlie Patton, delivers a seemingly never-ending supply of happily lewd lyrics on the raggy 'Shake It And Break It'.

Like many bluesmen of the late 1920s, Barbecue Bob jumped into the hokum craze with tracks such as 'Honey You're Going Too Fast', which had a chugging strumming technique unlike anything he'd recorded before. Other East coast favourites such as Blind Willie McTell, Blind Blake and Blind Boy Fullerall did the same with upbeat numbers of their own. However, it's Bo Carter who can be considered as the true lyrical master of the dirty blues with his often-hilarious content, usually steering clear of any subtlety in numbers such as 'Please Warm My Weiner', 'Banana In Your Fruit Basket', and the featured 'Cigarette Blues'. Bo Carter produces a wonderful guitar accompaniment, showing that there was a lot more to his music than suggestive wordplay, which is the case for so many of the featured performers helping serve up this fun and racy take on the blues.
https://worldmusic.net/products/the-rough-guide-to-hokum-blues

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El Hokum era un estilo que mostraba un lado completamente diferente del blues, alegre, salaz y desenfadado. Con su uso de insinuaciones ingeniosas y sugerentes, este estilo atrevido fue muy popular a finales de los años veinte y principios de los treinta, y su influencia ha formado parte del blues desde entonces.

Con sus orígenes en los primeros espectáculos de juglares, el hokum era un estilo novedoso que mostraba un lado completamente diferente del blues, alegre, salaz y desenfadado. Su estilo picante a menudo hacía repetidas y continuas referencias sexuales mediante el uso de insinuaciones inteligentes y sutiles (aunque no siempre). Su popularidad se prolongaría hasta los años 30 y su influencia ha seguido formando parte del blues desde entonces.

Un auténtico héroe anónimo, y uno de los primeros y más exitosos cantantes solistas de blues en grabar, fue el banjista Papa Charlie Jackson, que contribuyó a popularizar el hokum con temas como el destacado "Shake That Thing". Del mismo modo, las desenfadadas y humorísticas jug bands de Memphis fueron pioneras del género y utilizaron mucho material sugerente, como demuestra la brillante armónica de Noah Lewis, que lidera su propia jug band en "Selling The Jelly".

Quizá el tema más famoso del hokum sea "Its Tight Like That", una grabación de 1928 en la que participaron el pianista Thomas A. Dorsey, alias Georgia Tom, y el mago de la guitarra Tampa Red, que acertadamente pasaron a ser conocidos como los Hokum Boys. Este arriesgado tema fue un éxito de ventas y una de las canciones fundamentales de la época que marcó el comienzo de la moda del hokum, con ritmos sueltos y letras ingeniosamente escritas. Ambas habían actuado anteriormente con la &;ldquoMadre del Blues&;rdquo, Ma Rainey, que también se apuntó a la moda al grabar 'Ma Rainey's Black Bottom'. Bessie Smith fue otra diva del blues que abordó el doble sentido con un tono inconfundiblemente pícaro, como se puede escuchar en "I Need A Little Sugar In My Bowl".

En lugar de decirlo abiertamente, los artistas utilizaban insinuaciones tontas como parte de la diversión de escribir e interpretar estas canciones. Sin embargo, había excepciones, como Lucille Bogan, que no escribía la música para ser simpática e ingeniosa, sino francamente estimulante y excitante. Su canción "Barbecue Bess" muestra su lado más tímido, a diferencia de algunos de sus números clasificados X, en los que la insinuación se tiraba por la ventana.

The Pete Jolly Trio • When Lights Are Low

 

Artist Biography

Pete Jolly lived a double life as studio ace by day and jazz cat by night for over 40 years. A member of the musicians union since his teens, he settled in Los Angeles in his early 20s and became a member of Shorty Rogers' Giants, one of the leading West Coast jazz groups. He also began working as a studio musician in the mid-1950s and decided to divide his energy between the security of studio work and the artistic satisfaction of playing jazz in local clubs in Los Angeles.

Jolly's father, also named Peter, was a superb accordion player, and he started the boy on the instrument not long after weaning. By the time Jolly was seven, his father was taking him by train to New York City once a week to take lessons from the great Joe Biviano, and when he was eight, he made his first broadcast appearance, billed as “The Boy Wonder Accordionist” on CBS Radio's “Hobby Lobby.” The show's emcee messed up his name, announcing him as “Pete Jolly,” but the boy liked the sound of it and used it ever after.

Jolly moved with his family to Phoenix, Arizona, where he became friends with another future studio ace, guitarist Howard Roberts. While still in high school, Jolly managed to get a regular job leading the house trio at a local club, the Jazz Mill, where he played behind such touring jazz starts as Chet Baker and Benny Carter.

After graduating, he kept working at the Jazz Mill, but after a few years, Roberts, who'd moved to Los Angeles, convinced Jolly to move west. In 1954, he arrived, and within days, was hired to play with one of the hottest stars of West Coast Jazz, Shorty Rogers. In a town with no shortage of good piano players, Jolly's exceptional technical skills, rock-solid rhythm, and somewhat self-effacing style made him a hot commodity among jazz stars looking to round out a combo. Over the next ten years, he recorded with most of the best talents passing through L.A.: Gerry Mulligan, Mel Torme, Red Norvo, Buddy De Franco, Terry Gibbs, Art Pepper, Anita O'Day, and Marty Paich.

He also began his own long recording career, with a 1955 album, Jolly Jumps In for RCA. Over the next forty-five years, Jolly would record over twenty albums, but rarely more than twice with the same label. The highlight of his career came in 1963, when his bossa-nova flavored composition, “Little Bird,” recorded for Ava Records, earned him a Grammy nomination.

Ironically, the peak of his recording career also marked the beginning of nearly three decades of steady, well-paying, but often anonymous, work as a studio musician. Among studio players, Jolly wasn't far behind Carol Kaye, Roberts, Tommy Tedesco, and Hal Blaine when it came to quantity and quality. He was a favorite of artists ranging from Neal Hefti and Don Costa to Herb Alpert and the Tijuana Brass and Anita Kerr. Ray Conniff used Jolly for piano and organ on virtually all his recordings from the early 1960s on, and their association continues today with Conniff's latest CDs.

Jolly played on the soundtracks of hundreds of films and television series, including “Butch Cassidy and the Sundance Kid,” “M*A*S*H,” “Dallas,” “I Spy,” “Mannix,” “The Love Boat,” and “Get Smart.” He was also Herb Alpert's favorite pianist, and can be heard on the opening bars of Alpert's 1968 #1 hit, “This Guy's in Love.”

While keeping up a heavy schedule of studio sessions, Jolly never lost the need to exercise his jazz chops on a regular basis. He, bassist Chuck Berghofer, and drummer Nick Martinis, who were also busy on the studio scene, kept the trio they'd begun around the time of “Little Bird” going.

They played their first club session at the Red Chimney in 1964, and in 1965, they opened the famed Los Angeles jazz club Donte's, where they remained a club staple for over 20 years. VSOP Records released several CDs in the mid-1990s that featured live recordings by the trio made at Donte's. As one club folded, the group just moved along to another one. In the end, they managed to appear at least once a month for forty years, right up to the time of Jolly's hospitalization for bone marrow cancer in August 2004.

Alpert paid his compliments to Jolly's jazz talents by releasing three albums on his A&M record label, the sole mainstream jazz albums on the label until Alpert lured in producer Creed Taylor and his stable of artists from Verve. On the last of these, Seasons, Jolly displays his prowess with an array of keyboards, including the Wurlitzer electric piano, the Hammond Organ, the Musette, the Sonovox, and the accordion.

Despite his early mastery of the accordion, Jolly's recordings with the instrument are few or anonymous. He squeezes a mea squeebox on Continental Jazz by “Les Cinqs Moderne,” a Gallic version of Somerset's Hawaiian super group, The Surfmen. Among musicians in the L.A. area, though, Jolly was considered one of the best accordion players around.

It's a shame that Jolly never got the popular recognition as a soloist he deserved. His style is so sure yet so light and flowing, it belies the depth of skill behind it. There are pianists—most notoriously, Oscar Peterson—who build their style around an ability to play exceptionally fast and well. Jolly could play every bit as fast as Peterson, but always let the tune take the showcase.

The same is true of Berghofer and Martinis—they never used a solo to show off, which may be why the three worked together so well. That means, however, that their work tended to get overlooked by audiences who preferred flashier acts. But take a listen to Jolly's wonderful version of Bacharach's “Windows of the World” elsewhere on this site, and you'll have to agree that it fits Mickey McGowan's definition of a great record: it can be played in the background without disturbing you, and played in the foreground without boring you.

It will be a long time before another pianist like Pete Jolly comes around.

https://musicians.allaboutjazz.com/petejolly

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Biografía del artista

Pete Jolly vivió una doble vida como as del estudio de día y como gato de jazz de noche durante más de 40 años. Miembro del sindicato de músicos desde su adolescencia, se estableció en Los Ángeles a principios de sus 20 años y se convirtió en miembro de Shorty Rogers' Giants, uno de los principales grupos de jazz de la Costa Oeste. También comenzó a trabajar como músico de estudio a mediados de la década de 1950 y decidió dividir su energía entre la seguridad del trabajo de estudio y la satisfacción artística de tocar jazz en clubes locales de Los Ángeles.

El padre de Jolly, también llamado Peter, era un excelente acordeonista, y comenzó a tocar el instrumento poco después del destete. Cuando Jolly tenía siete años, su padre lo llevaba en tren a la ciudad de Nueva York una vez a la semana para tomar lecciones del gran Joe Biviano, y cuando tenía ocho años, hizo su primera aparición en televisión, con el título de "El Chico Maravilloso Acordeonista" en el programa "Hobby Lobby" de CBS Radio. El presentador del programa le cambió el nombre, anunciándolo como "Pete Jolly", pero al chico le gustó cómo sonaba y lo usó para siempre.

Jolly se mudó con su familia a Phoenix, Arizona, donde se hizo amigo de otro futuro as del estudio, el guitarrista Howard Roberts. Mientras aún estaba en la escuela secundaria, Jolly consiguió un trabajo regular dirigiendo el trío de la casa en un club local, el Jazz Mill, donde tocó detrás de estrellas de jazz en gira como Chet Baker y Benny Carter.

Después de graduarse, siguió trabajando en el Jazz Mill, pero después de unos años, Roberts, que se había mudado a Los Ángeles, convenció a Jolly de que se mudara al oeste. En 1954, llegó, y en pocos días, fue contratado para tocar con una de las estrellas más calientes del West Coast Jazz, Shorty Rogers. En una ciudad que no carece de buenos pianistas, las excepcionales habilidades técnicas de Jolly, su ritmo sólido como un rockero y su estilo un tanto autorreflexivo lo convirtieron en una mercancía de moda entre las estrellas del jazz que buscaban completar un combo. Durante los siguientes diez años, grabó con la mayoría de los mejores talentos que pasaron por Los Ángeles: Gerry Mulligan, Mel Torme, Red Norvo, Buddy De Franco, Terry Gibbs, Art Pepper, Anita O'Day y Marty Paich.

También comenzó su propia y larga carrera discográfica, con un álbum de 1955, Jolly Jumps In para RCA. Durante los próximos cuarenta y cinco años, Jolly grabaría más de veinte álbumes, pero rara vez más de dos veces con el mismo sello. El punto culminante de su carrera llegó en 1963, cuando su composición de sabor bossa-nova, "Little Bird", grabada para Ava Records, le valió una nominación a los Grammy.

Irónicamente, la cima de su carrera discográfica también marcó el comienzo de casi tres décadas de trabajo estable, bien pagado, pero a menudo anónimo, como músico de estudio. Entre los músicos de estudio, Jolly no estaba muy por detrás de Carol Kaye, Roberts, Tommy Tedesco y Hal Blaine en cuanto a cantidad y calidad. Fue uno de los favoritos de artistas como Neal Hefti y Don Costa, Herb Alpert, Tijuana Brass y Anita Kerr. Ray Conniff utilizó Jolly para piano y órgano en prácticamente todas sus grabaciones desde principios de la década de 1960, y su asociación continúa hoy en día con los últimos CDs de Conniff.

Jolly tocó en las bandas sonoras de cientos de películas y series de televisión, incluyendo "Butch Cassidy and the Sundance Kid", "M*A*S*H", "Dallas", "I Spy", "Mannix", "The Love Boat" y "Get Smart". También era el pianista favorito de Herb Alpert, y puede ser escuchado en los primeros compases del éxito #1 de Alpert en 1968, "This Guy's in Love".

Mientras mantenía un apretado calendario de sesiones de estudio, Jolly nunca perdió la necesidad de ejercitar sus habilidades de jazz de forma regular. Él, el bajista Chuck Berghofer y el baterista Nick Martinis, que también estaban ocupados en la escena del estudio, mantuvieron el trío que habían comenzado en la época de "Little Bird".

Tocaron su primera sesión de club en el Red Chimney en 1964, y en 1965, abrieron el famoso club de jazz Donte's de Los Ángeles, donde permanecieron como un elemento básico del club durante más de 20 años. VSOP Records lanzó varios CDs a mediados de los 90 que contenían grabaciones en vivo del trío hechas en Donte's. Cuando un club se retiró, el grupo se trasladó a otro. Al final, lograron aparecer al menos una vez al mes durante cuarenta años, hasta el momento de la hospitalización de Jolly por cáncer de médula ósea en agosto de 2004.

Alpert felicitó a los talentos del jazz de Jolly con la publicación de tres álbumes en su sello discográfico A&M, los únicos álbumes de jazz en el sello hasta que Alpert atrajo al productor Creed Taylor y a su grupo de artistas de Verve. En la última de ellas, Seasons, Jolly muestra su destreza con una serie de teclados, incluyendo el piano eléctrico Wurlitzer, el órgano Hammond, el Musette, la Sonovox y el acordeón.

A pesar de su dominio temprano del acordeón, las grabaciones de Jolly con el instrumento son pocas o anónimas. Exprime una caja de sorpresas en Continental Jazz de "Les Cinqs Moderne", una versión gala del supergrupo hawaiano de Somerset, The Surfmen. Sin embargo, entre los músicos de la zona de Los Ángeles, Jolly era considerado uno de los mejores músicos de acordeón de la zona.

Es una pena que Jolly nunca haya recibido el reconocimiento popular como solista que se merecía. Su estilo es tan seguro y a la vez tan ligero y fluido, que desmiente la profundidad de la habilidad que hay detrás de él. Hay pianistas, sobre todo Oscar Peterson, que construyen su estilo en torno a la capacidad de tocar excepcionalmente rápido y bien. Jolly podía tocar cada pedacito tan rápido como Peterson, pero siempre dejaba que la melodía fuera el centro de atención.

Lo mismo ocurre con Berghofer y Martinis, que nunca usaron un solo para presumir, lo que puede ser la razón por la que los tres trabajaron tan bien juntos. Eso significa, sin embargo, que su trabajo tendía a ser pasado por alto por el público que prefería actos más llamativos. Pero si escuchas la maravillosa versión de Jolly de "Ventanas del Mundo" de Bacharach en otra parte de este sitio, tendrás que estar de acuerdo en que se ajusta a la definición de Mickey McGowan de un gran disco: puede ser reproducido en segundo plano sin molestarte, y en primer plano sin aburrirte.

Pasará mucho tiempo antes de que otro pianista como Pete Jolly vuelva en sí.

https://musicians.allaboutjazz.com/petejolly

Medeski, Martin & Wood • Free Magic

 

www.medeskimartinandwood.com ...

The Exotic Guitars ‎• All-Time Guitar Hits

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

Archie Shepp • Blasé

 

 

Archie Shepp was born in 1937 in Fort Lauderdale in Florida.

He grew up in Philadelphia, studied piano and saxophone and attended high school in Germantown; he went to college, became involved with theatre, met writers and poets, among them, Leroy Jones and wrote: «The Communist», an allegorical play about the situation of black Americans. In the late fifties, Archie Shepp also met the most radical musicians of the time: Lee Morgan, Bobby Timmons, Jimmy Garrison, Ted Curson, Beaver Harris ... his political consciousness found an expression in plays and theatrical productions which barely allowed him to make a living. In the beginning sixties he met Cecil Taylor and did two recordings with him which were determining.

In 1962 he signed his first record with Bill Dixon as co-leader. During the following year, he created the New York Contemporary Five with John Tchichai, made four records for Fontana, Storyville and Savoy and travelled to Europe with this group. Starting in August 1964, he worked with Impulse and made 17 records among which, Four For Trane, Fire Music, and Mama Too Tight, some of the classics of Free Music. His collaboration with John Coltrane materialized further with Ascension in 1965, a real turning point in Avant- Garde music. His militancy was evidenced by his participation in the creation of the Composers Guild with Paul and Carla Bley, Sun RA, Roswell Rudd and Cecil Taylor.

In July 1969 he went for the first time to Africa for the Pan African Festival in Algiers where many black American militants were living. On this occasion he recorded Live for Byg the first of six albums in the Actual series. In 1969 he began teaching Ethnomusicology at the University of Amherst, Massachusetts; at the same time he continued to travel around the world while continuing to express his identity as an African American musician.

The dictionary of Jazz (Robert Laffont, Bouquins) defines him in the following way: «A first rate artist and intellectual, Archie Shepp has been at the head of the Avant-Garde Free Jazz movement and has been able to join the mainstream of Jazz, while remaining true to his esthetic. He has developed a true poli-instrumentality: an alto player, he also plays soprano since 1969, piano since 1975 and more recently occasionally sings blues and standards.»

He populates his musical world with themes and stylistic elements provided by the greatest voices of jazz: from Ellington to Monk and Mingus, from Parker to Siver and Taylor. His technical and emotional capacity enables him to integrate the varied elements inherited by the Masters of Tenor from Webster to Coltrane into his own playing but according to his very own combination: the wild raspiness of his attacks, his massive sound sculpted by a vibrato mastered in all ranges, his phrases carried to breathlessness, his abrupt level changes, the intensity of his tempos but also the velvety tenderness woven into a ballad. His play consistently deepens the spirit of the two faces of the original black American music: blues and spirituals. His work with classics and with his own compositions (Bessie Smith’s Black Water Blues or Mama Rose) contributes to maintaining alive the power of strangeness of these two musics in relationship to European music and expresses itself in a unique mix of wounded violence and age-old nostalgia.

The scope of his work which registered in the eighties a certain urgency (at the cost of a few discrepancies) is a witness to the fact that in 1988 Archie Shepp was with Sonny Rollins one of the best interpreters in the babelian history of jazz.

With his freedom loving sensitivity Archie Shepp has made an inestimable contribution to the gathering, the publicizing and the inventing of jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/archie-shepp/

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Archie Shepp nació en 1937 en Fort Lauderdale, Florida.

Creció en Filadelfia, estudió piano y saxofón y asistió a la escuela secundaria en Germantown; fue a la universidad, se involucró con el teatro, conoció escritores y poetas, entre ellos, Leroy Jones y escribió: "El comunista", una obra alegórica sobre la situación de los afroamericanos. A finales de los cincuenta, Archie Shepp también conoció a los músicos más radicales de la época: Lee Morgan, Bobby Timmons, Jimmy Garrison, Ted Curson, Beaver Harris ... su conciencia política encontró expresión en obras de teatro y producciones teatrales que apenas le permitían ganarse la vida. A principios de los sesenta conoció a Cecil Taylor e hizo dos grabaciones con él que fueron determinantes.

En 1962 firmó su primer disco con Bill Dixon como colíder. Durante el año siguiente, creó The New York Contemporary Five con John Tchichai, grabó cuatro discos para Fontana, Storyville y Savoy y viajó a Europa con este grupo. A partir de agosto de 1964, trabajó con Impulse y realizó 17 discos entre los que destacan, Cuatro para Trane, Fire Music y Mama Too Tight, algunos de los clásicos de la Música Gratuita. Su colaboración con John Coltrane se materializó aún más con Ascension en 1965, un verdadero punto de inflexión en la música de Vanguardia. Su militancia quedó evidenciada por su participación en la creación del Gremio de Compositores junto a Paul y Carla Bley, Sun RA, Roswell Rudd y Cecil Taylor.

En julio de 1969 fue por primera vez a África para el Festival Panafricano en Argel, donde vivían muchos militantes afroamericanos. En esta ocasión grabó en directo para Byg el primero de los seis álbumes de la actual serie. En 1969 comenzó a enseñar Etnomusicología en la Universidad de Amherst, Massachusetts; al mismo tiempo continuó viajando por el mundo mientras continuaba expresando su identidad como músico afroamericano.

El diccionario de Jazz (Robert Laffont, Bouquins) lo define de la siguiente manera: "Un artista e intelectual de primer nivel, Archie Shepp ha estado a la cabeza del movimiento vanguardista del Free Jazz y ha sido capaz de unirse a la corriente principal del Jazz, sin dejar de ser fiel a su estética. Ha desarrollado una verdadera poliinstrumentalidad: contralto, también toca soprano desde 1969, piano desde 1975 y, más recientemente, canta ocasionalmente blues y standards.»

Puebla su mundo musical con temas y elementos estilísticos proporcionados por las mejores voces del jazz: desde Ellington hasta Monk y Mingus, desde Parker hasta Siver y Taylor. Su capacidad técnica y emocional le permite integrar los variados elementos heredados por los Maestros del Tenor desde Webster hasta Coltrane en su propia interpretación pero según su propia combinación: la aspereza salvaje de sus ataques, su sonido masivo esculpido por un vibrato dominado en todos los rangos, sus frases llevadas a la falta de aliento, sus cambios bruscos de nivel, la intensidad de sus tempos pero también la ternura aterciopelada entretejida en una balada. Su interpretación profundiza constantemente el espíritu de las dos caras de la música afroamericana original: blues y espirituales. Su trabajo con clásicos y con composiciones propias (Bessie Smith's Black Water Blues o Mama Rose) contribuye a mantener vivo el poder de extrañeza de estas dos músicas en relación con la música europea y se expresa en una mezcla única de violencia herida y nostalgia milenaria.

El alcance de su obra que registró en los ochenta cierta urgencia (a costa de algunas discrepancias) atestigua que en 1988 Archie Shepp era junto a Sonny Rollins uno de los mejores intérpretes de la historia babélica del jazz.

Con su sensibilidad amante de la libertad, Archie Shepp ha hecho una contribución inestimable a la reunión, la difusión y la invención del jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/archie-shepp/

David Liebman & Mike Nock • The Opal Heart

 

James Moody • Heritage Hum

 

For over six decades, saxophone master James Moody has serenaded lovers with his signature song Moody's Mood for Love an improvisation on the chord progressions of I'm in the Mood for Love.

Born in Savannah, Georgia on March 26, 1925, and raised in Newark, New Jersey, James Moody took up the alto sax, a gift from his uncle, at the age of 16. Within a few years he fell under the spell of the deeper more full- bodied tenor saxophone after hearing Buddy Tate and Don Byas perform with the Count Basie Band at the Adams Theater in Newark, New Jersey.

In 1946, following service in the United States Air Force, Moody joined the seminal bebop big band of Dizzy Gillespie, beginning an association that - on stage and record, in orchestras and small combos - afforded a young Moody worldwide exposure and ample opportunity to shape his improvisational genius. Upon joining Gillespie, Moody was at first awed, he now admits, by the orchestra's incredible array of talent, which included Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown, Thelonius Monk. The encouragement of the legendary trumpeter-leader, made his mark on the young saxophonist. His now legendary 16-bar solo on Gillespie's Emanon alerted jazz fans to an emerging world-class soloist.

During his initial stay with Gillespie, Moody also recorded with Milt Jackson for Dial Records in 1947. One year later he made his recording debut as a leader James Moody and His Bop Men for (Blue Note).

In 1949 Moody moved to Europe where in Sweden he recorded the masterpiece of improvisation for which he is renowned, Moody's Mood for Love.

Returning to the States in 1952 with a huge "hit" on his hands, Moody employed vocalist Eddie Jefferson. Also, working with him during that period were Dinah Washington and Brook Benton.

In 1963 he rejoined Gillespie and performed off and on in the trumpeter's quintet for the remainder of the decade.

Moody moved to Las Vegas in 1973 and had a seven year stint in the Las Vegas Hilton Orchestra, doing shows for Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich, and Lou Rawls to name a few.

Moody returned to the East Coast and put together his own band again - much to the delight of his dedicated fans. In 1985, Moody received a Grammy Award Nomination for Best Jazz Instrumental Performance for his playing on Manhattan Transfer's Vocalese album thus setting the stage for his re-emergence as a major recording artist.

Moody's 1986 (RCA/NOVUS) debut Something Special ended a decade-long major label recording hiatus for the versatile reedman. His follow-up recording, Moving Forward showcased his hearty vocals on What Do You Do and his interpretive woodwind wizardry on such tunes as Giant Steps and Autumn Leaves.

Music is more than a livelihood to Moody, so much so that portions of Sweet and Lovely, dedicated to his wife, Linda, figured prominently in the saxophonist's wedding ceremony on April 3, 1989. As well as being on the album, Gillespie was best man at the wedding for his longtime friend. The bride and groom walked down the aisle to Gillespie's solo on Con Alma then everyone exited the church to the vamp on Melancholy Baby. As their first act of marriage Linda and James Moody took communion accompanied by the groom's recording of Sweet and Lovely. In 1990, Moody and Gillespie received a Grammy Award Nomination for their rendition of Gillespie's Get the Booty, which showcases scatting at its best. Moody returns the soprano sax to his woodwind arsenal on Honey, his nickname for his wife, Linda, and Moody's last recording for (RCA/NOVUS).

On March 26th, 1995 Moody got the surprise of his life with a birthday party in New York. It was an evening of historical significance for Jazz with many guest stars and Bill Cosby as the emcee. It can be heard on Telarc's recording, Moody's Party— James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

In 1995 Moody's (Warner Bros.) release of Young at Heart, was a tribute to songs that are associated with Frank Sinatra. With an orchestra and strings many people feel this is among the most beautiful of all James Moody recordings.

Moody's last recording for Warner Bros. is Moody Plays Mancini which showcases Moody on all of his horns and flute. A tribute to the American icon Henry Mancini.

Moody's 2004 release of Homage on the Savoy Label has been a great cause for celebration. His first new studio album in 6 years, the aptly named Homage is a tribute to Moody featuring new tunes specially written for him by the likes of Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine and Marc Copland. Bob Belden produced the project.

Whether Moody is playing the soprano, alto, tenor, or flute, he does so with deep resonance and wit. Moody has a healthy respect for tradition, but takes great delight in discovering new musical paths, which makes him one of the most consistently expressive and enduring figures in modern jazz today. To quote Peter Watrous of the New York Times, "As a musical explorer, performer, collaborator and composer he has made an indelible contribution to the rise of American music as the dominant musical force of the twentieth century."

https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/

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Durante más de seis décadas, el maestro del saxofón James Moody ha dado serenatas a los enamorados con su emblemática canción Moody's Mood for Love, una improvisación sobre la progresión de acordes de I'm in the Mood for Love.

Nacido en Savannah (Georgia) el 26 de marzo de 1925 y criado en Newark (Nueva Jersey), James Moody cogió el saxo alto, regalo de su tío, a los 16 años. A los pocos años cayó bajo el hechizo del saxo tenor, más grave y con más cuerpo, tras escuchar a Buddy Tate y Don Byas tocar con la Count Basie Band en el Adams Theater de Newark, Nueva Jersey.

En 1946, tras prestar servicio en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Moody se unió a la seminal big band de bebop de Dizzy Gillespie, iniciando una asociación que -en el escenario y en el disco, en orquestas y pequeños combos- proporcionó al joven Moody una exposición mundial y amplias oportunidades para dar forma a su genio improvisador. Al incorporarse a Gillespie, Moody se sintió impresionado al principio, según admite ahora, por el increíble talento de la orquesta, que incluía a Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown y Thelonius Monk. El estímulo del legendario líder trompetista dejó huella en el joven saxofonista. Su ya legendario solo de 16 compases en el Emanon de Gillespie alertó a los aficionados al jazz sobre un solista emergente de talla mundial.

Durante su estancia inicial con Gillespie, Moody también grabó con Milt Jackson para Dial Records en 1947. Un año más tarde hizo su debut discográfico como líder James Moody and His Bop Men para (Blue Note).

En 1949 Moody se trasladó a Europa, donde grabó en Suecia la obra maestra de improvisación por la que es conocido, Moody's Mood for Love.

De vuelta a Estados Unidos en 1952 con un gran "éxito" entre manos, Moody contrató al vocalista Eddie Jefferson. También trabajaron con él durante ese periodo Dinah Washington y Brook Benton.

En 1963 volvió a unirse a Gillespie y actuó de forma intermitente en el quinteto del trompetista durante el resto de la década.

Moody se trasladó a Las Vegas en 1973 y durante siete años formó parte de la orquesta del Hilton de Las Vegas, donde actuó para Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich y Lou Rawls, entre otros.

Moody regresó a la Costa Este y volvió a formar su propia banda, para deleite de sus entregados fans. En 1985, Moody recibió una nominación a los premios Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz por su participación en el álbum Vocalese de Manhattan Transfer, sentando así las bases para su resurgimiento como gran artista discográfico.

El debut de Moody en 1986 (RCA/NOVUS), Something Special, puso fin a una década de parón discográfico en los grandes sellos. Su siguiente disco, Moving Forward, mostró su potente voz en What Do You Do y su habilidad interpretativa con el viento en temas como Giant Steps y Autumn Leaves.

La música es más que un medio de vida para Moody, hasta el punto de que partes de Sweet and Lovely, dedicada a su esposa Linda, ocuparon un lugar destacado en la ceremonia de boda del saxofonista el 3 de abril de 1989. Además de participar en el álbum, Gillespie fue el padrino de boda de su viejo amigo. Los novios caminaron hacia el altar al son del solo de Gillespie en Con Alma, y todos salieron de la iglesia al ritmo de Melancholy Baby. Como primer acto de matrimonio, Linda y James Moody tomaron la comunión acompañados por la grabación del novio de Sweet and Lovely. En 1990, Moody y Gillespie recibieron una nominación a los premios Grammy por su interpretación de Get the Booty, de Gillespie, que muestra lo mejor del scatting. Moody devuelve el saxo soprano a su arsenal de viento-madera en Honey, su apodo para su mujer, Linda, y la última grabación de Moody para (RCA/NOVUS).

El 26 de marzo de 1995, Moody recibió la sorpresa de su vida con una fiesta de cumpleaños en Nueva York. Fue una velada de importancia histórica para el jazz, con muchas estrellas invitadas y Bill Cosby como maestro de ceremonias. Puede escucharse en la grabación de Telarc, Moody's Party- James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

En 1995, Moody (Warner Bros.) publicó Young at Heart, un homenaje a las canciones asociadas a Frank Sinatra. Con orquesta y cuerdas, muchos opinan que es una de las grabaciones más bellas de James Moody.

La última grabación de Moody para Warner Bros. es Moody Plays Mancini, que muestra a Moody con todos sus instrumentos de viento y flauta. Un homenaje al icono americano Henry Mancini.

El lanzamiento en 2004 de Homage por parte de Moody en el sello Savoy ha sido un gran motivo de celebración. Su primer álbum de estudio en 6 años, Homage, es un tributo a Moody con nuevas melodías escritas especialmente para él por Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine y Marc Copland. Bob Belden ha producido el proyecto.

Ya toque la soprano, el alto, el tenor o la flauta, Moody lo hace con profunda resonancia e ingenio. Moody siente un gran respeto por la tradición, pero le encanta descubrir nuevos caminos musicales, lo que le convierte en una de las figuras más expresivas y duraderas del jazz moderno actual. En palabras de Peter Watrous, del New York Times: "Como explorador musical, intérprete, colaborador y compositor, ha hecho una contribución indeleble al auge de la música estadounidense como fuerza musical dominante del siglo XX".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/

Johnny Guitar Watson • Witchcraft

 

Biography
by Bill Dahl
"Reinvention" could just as easily have been Johnny "Guitar" Watson's middle name. The multi-talented performer parlayed his stunning guitar skills into a vaunted reputation as one of the hottest blues axemen on the West Coast during the 1950s. Following his innovative 1954 instrumental "Space Guitar," he scored Top Ten R&B hits like "Those Lonely, Lonely Nights," 1962's "Cuttin' In," and 1967's "Mercy, Mercy, Mercy." However, by the '70s Watson had totally changed his image to that of a charismatic funkster, enjoying more popularity than ever with his down-and-dirty R&B smashes "A Real Mother for Ya," "Superman Lover," and his 1978 version of "Gangster of Love" (which became his theme song). He prefigured the rise of rap with 1980's "Telephone Bill" and even picked up a Grammy nomination for Best Contemporary Blues Album for 1994's Bow Wow just prior to his passing two years later.

Born in 1935, Watson's roots resided within the fertile blues scene of Houston. As a teen, he played with fellow Texas future greats Albert Collins and Johnny Copeland. But he left Houston for Los Angeles when he was only 15 years old. Back then, Watson's main instrument was piano; that's what he played with Chuck Higgins' band when the saxist cut "Motorhead Baby" for Combo in 1952 (Watson also handled vocal duties).

He was listed as Young John Watson when he signed with Federal in 1953. His first sides for the King subsidiary found him still tinkling the ivories, but by 1954, when he dreamed up the absolutely astonishing instrumental "Space Guitar," the youth had switched over to guitar. "Space Guitar" ranks with the greatest achievements of its era -- Watson's blistering rapid-fire attack, done without the aid of a pick, presages futuristic effects that rock guitarists still hadn't mastered another 15 years down the line.

Watson moved over to the Bihari Brothers' RPM label in 1955 and waxed some of the toughest upbeat blues of their time frame (usually under saxist Maxwell Davis' supervision). "Hot Little Mama," "Too Tired," and "Oh Baby" scorched the strings with their blazing attack; "Someone Cares for Me" was a churchy Ray Charles-styled slow-dragger, and "Three Hours Past Midnight" cut bone-deep with its outrageous guitar work and laid-back vocal (Watson's cool phrasing as a singer was scarcely less distinctive than his playing). He scored his first hit in 1955 for RPM with a note-perfect cover of New Orleanian Earl King's two-chord swamp ballad "Those Lonely Lonely Nights."

Though he cut a demo version of the tune while at RPM, Watson's first released version of "Gangster of Love" emerged in 1957 on Keen. Singles for Class ("One Kiss"), Goth, Arvee (the rocking introduction "Johnny Guitar"), and Escort preceded a hookup with Johnny Otis at King during the early '60s. He recut "Gangster" for King, reaching a few more listeners this time, and dented the R&B charts again in 1962 with his impassioned, violin-enriched blues ballad "Cuttin' In."

Never content to remain in one stylistic bag for long, Watson landed at Chess just long enough to cut a jazz album in 1964 that placed him back behind the 88s. Along with longtime pal Larry Williams, Watson rocked England in 1965 (their dynamic repartee was captured for posterity by British Decca). Their partnership lasted stateside through several singles and an LP for OKeh; among their achievements as a duo was the first vocal hit on "Mercy, Mercy, Mercy" in 1967 (predating the Buckinghams by a few months).

Little had been heard of this musical chameleon before he returned decked out in funk threads during the mid-'70s. He hit with "I Don't Want to Be a Lone Ranger" for Fantasy before putting together an incredible run at DJM Records paced by "A Real Mother for Ya" in 1977 and an updated "Gangster of Love" the next year.

After a typically clever "Strike on Computers" nicked the R&B lists in 1984, Watson again seemed to fall off the planet. But counting this remarkable performer out was always a mistake. Bow Wow, his 1994 album for Al Bell's Bellmark logo, returned him to prominence and earned a Grammy nomination for best contemporary blues album, even though its contents were pure old-school funk. Sadly, in the midst of a truly heartwarming comeback campaign, Watson passed away while touring Japan in 1996.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-guitar-watson-mn0000242511/biography

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Biografía
por Bill Dahl
"Reinvención" podría haber sido el segundo nombre de Johnny "Guitar" Watson. El polifacético intérprete convirtió su asombrosa habilidad con la guitarra en una cacareada reputación como uno de los mejores guitarristas de blues de la costa oeste durante la década de 1950. Tras su innovador instrumental de 1954 "Space Guitar", consiguió éxitos en el Top Ten de R&B como "Those Lonely, Lonely Nights", "Cuttin' In" de 1962 y "Mercy, Mercy, Mercy" de 1967. Sin embargo, en los años 70 Watson había cambiado totalmente su imagen por la de un carismático funk, disfrutando de más popularidad que nunca con sus éxitos de R&B "A Real Mother for Ya", "Superman Lover" y su versión de 1978 de "Gangster of Love" (que se convirtió en su tema principal). Prefiguró el auge del rap con "Telephone Bill", de 1980, e incluso fue nominado al Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo por Bow Wow, de 1994, justo antes de fallecer dos años después.

Nacido en 1935, Watson tenía sus raíces en la fértil escena del blues de Houston. De adolescente, tocó con otros futuros grandes de Texas, Albert Collins y Johnny Copeland. Pero dejó Houston por Los Ángeles cuando sólo tenía 15 años. Por aquel entonces, el instrumento principal de Watson era el piano; eso es lo que tocaba con la banda de Chuck Higgins cuando el saxofonista grabó "Motorhead Baby" para Combo en 1952 (Watson también se encargó de la voz).

Cuando firmó con Federal en 1953, figuraba como Young John Watson. En sus primeras grabaciones para la filial de King seguía tocando el marfil, pero en 1954, cuando ideó el absolutamente asombroso instrumental "Space Guitar", el joven se había pasado a la guitarra. "Space Guitar" es uno de los mayores logros de su época: el fulminante ataque rápido de Watson, realizado sin la ayuda de una púa, presagia efectos futuristas que los guitarristas de rock aún no habían dominado 15 años después.

Watson se pasó al sello RPM de los hermanos Bihari en 1955 y creó algunos de los blues alegres más duros de su época (normalmente bajo la supervisión del saxofonista Maxwell Davis). "Hot Little Mama", "Too Tired" y "Oh Baby" chamuscaban las cuerdas con su ardiente ataque; "Someone Cares for Me" era una canción lenta de estilo eclesiástico a lo Ray Charles, y "Three Hours Past Midnight" calaba hondo con su escandaloso trabajo de guitarra y su relajada voz (el fresco fraseo de Watson como cantante era apenas menos distintivo que su forma de tocar). Consiguió su primer éxito en 1955 para RPM con una versión perfecta de la balada pantanosa de dos acordes "Those Lonely Lonely Nights" del neolonés Earl King.

Aunque grabó una versión demo del tema mientras estaba en RPM, la primera versión publicada de Watson de "Gangster of Love" apareció en 1957 en Keen. Singles para Class ("One Kiss"), Goth, Arvee (la introducción rockera "Johnny Guitar"), y Escort precedieron a una conexión con Johnny Otis en King durante los primeros años 60. Watson reconstruyó "Gangster" mientras estaba en RPM. Volvió a grabar "Gangster" para King, llegando a algunos oyentes más esta vez, y volvió a hacer mella en las listas de R&B en 1962 con su apasionada balada de blues enriquecida con violín "Cuttin' In".

Nunca contento con permanecer en un mismo saco estilístico durante mucho tiempo, Watson aterrizó en Chess el tiempo suficiente para grabar un álbum de jazz en 1964 que le colocó de nuevo detrás de los 88s. Junto con su viejo amigo Larry Williams, Watson sacudió Inglaterra en 1965 (su dinámica charla fue capturada para la posteridad por la británica Decca). Su colaboración perduró en Estados Unidos con varios singles y un LP para OKeh; entre sus logros como dúo figura el primer éxito vocal de "Mercy, Mercy, Mercy" en 1967 (unos meses antes que los Buckingham).

Poco se había oído de este camaleón musical antes de que volviera ataviado con hilos de funk a mediados de los 70. Alcanzó el éxito con "I Don't Want to Be a Lone Ranger" para Fantasy antes de encadenar una increíble carrera en DJM Records con "A Real Mother for Ya" en 1977 y un actualizado "Gangster of Love" al año siguiente.

Después de que un ingenioso "Strike on Computers" copara las listas de R&B en 1984, Watson pareció caer de nuevo en desgracia. Pero descartar a este extraordinario intérprete siempre fue un error. Bow Wow, su álbum de 1994 para el sello Bellmark de Al Bell, le devolvió la fama y le valió una nominación al Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo, aunque su contenido fuera puro funk de la vieja escuela. Lamentablemente, en medio de una campaña de regreso realmente conmovedora, Watson falleció durante una gira por Japón en 1996.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-guitar-watson-mn0000242511/biography

David Rose & His Orchestra • Autumn Leaves

 

Charles Earland • Live [1999-Cannonball]

 

 

 

VA • Come Spy With Us - The Secret Agent Songbook

 

James Bond, John Barry ,The Ventures, Al Caiola,Astrud Gilberto, The Challengers, Lalo Schifrin, Billy Strange, Johnny & The Hurricanes, Wynton Kelly, Sarah Vaughan, Jimmy Smith,Roland Shaw ...

Ralph Towner • At First Light

 

www.ralphtowner.com ...

Tom Scott • Great Scott!

 

Review
by Scott Yanow
This was one of Tom Scott's strongest albums of his career. Although there are commercial elements to the music, Scott is heard throughout in prime form, and several of the numbers are quite memorable. Scott roars on tenor during his catchy "Lookin' Out for Number Seven," and plays lyrical flute on Joni Mitchell's "Woodstock," and digs into John Coltrane's "Dahomey Dance." Among the notable sidemen are guitarist Howard Roberts, keyboardist Mike Wofford and guitarist Larry Carlton. On this album (which unfortunately is long out of print), Tom Scott for once perfectly balances the artistic and commercial aspects of his music and comes out with a near-classic offering.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450

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Reseña
por Scott Yanow
Este es uno de los discos más sólidos de la carrera de Tom Scott. Aunque hay elementos comerciales en la música, se escucha a Scott en plena forma, y varios de los números son bastante memorables. Scott ruge con el tenor en su pegadiza "Lookin' Out for Number Seven", toca la flauta lírica en "Woodstock" de Joni Mitchell y se adentra en "Dahomey Dance" de John Coltrane. Entre los músicos de acompañamiento destacan el guitarrista Howard Roberts, el teclista Mike Wofford y el guitarrista Larry Carlton. En este álbum (desgraciadamente descatalogado desde hace tiempo), Tom Scott logra por una vez un equilibrio perfecto entre los aspectos artísticos y comerciales de su música y presenta una obra casi clásica.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450

Sam Yahel • From Sun to Sun

 

Review by Alex Henderson
Throughout much of his career, Sam Yahel was described as "organist Sam Yahel." But when his 2009 recording, Hometown, became commercially available, one started hearing him described as "organist/pianist Sam Yahel." On Hometown, Yahel played the acoustic piano exclusively -- which came as a surprise to listeners who knew him for his organ-oriented albums. And if anyone thinks that Hometown was just an anomaly for Yahel, From Sun to Sun proves otherwise; this is another piano-oriented effort from him. Yahel, however, doesn't play the piano exclusively on this 2010 recording; From Sun to Sun, unlike Hometown, also includes a little organ playing (the pensive "Blink and Move On" finds him on both organ and piano). But the acoustic piano is the main focus of From Sun to Sun, and the same musicians who accompanied Yahel on Hometown (bassist Matt Penman and drummer Jochen Rueckert) also accompany him on this 68-minute CD. From Sun to Sun is, for the most part, of album of piano trio performances; Yahel usually expresses his pianistic thoughts with original compositions, although there are some Tin Pan Alley standards as well (including Cole Porter's "So in Love," Donald Kahn's "A Beautiful Friendship," and Vernon Duke's "Taking a Chance on Love"). Hometown, for the most part, favored post-bop intellect, although the disc occasionally hinted at the funky soul-jazz pianism of Gene Harris. On From Sun to Sun, however, Yahel sticks to post-bop complexity -- which is probably just as well because he is obviously enjoying himself on this disc. From Sun to Sun is another enjoyable reminder of the fact that Yahel is not only a talented organist -- he is also a talented acoustic pianist.

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Reseña de Alex Henderson
Durante gran parte de su carrera, Sam Yahel fue descrito como "organista Sam Yahel". Pero cuando su grabación de 2009, Hometown, empezó a comercializarse, se empezó a oír describirle como "organista/pianista Sam Yahel". En Hometown, Yahel tocaba exclusivamente el piano acústico, lo que sorprendió a los oyentes que le conocían por sus álbumes orientados al órgano. Y si alguien piensa que Hometown fue sólo una anomalía para Yahel, From Sun to Sun demuestra lo contrario; éste es otro trabajo suyo orientado al piano. Yahel, sin embargo, no toca el piano exclusivamente en esta grabación de 2010; From Sun to Sun, a diferencia de Hometown, también incluye un poco de órgano (en la pensativa "Blink and Move On" toca tanto el órgano como el piano). Pero el piano acústico es el foco principal de From Sun to Sun, y los mismos músicos que acompañaron a Yahel en Hometown (el bajista Matt Penman y el batería Jochen Rueckert) también le acompañan en este CD de 68 minutos. From Sun to Sun es, en su mayor parte, un álbum de interpretaciones en trío de piano; Yahel suele expresar sus pensamientos pianísticos con composiciones originales, aunque también hay algunos estándares de Tin Pan Alley (como "So in Love", de Cole Porter, "A Beautiful Friendship", de Donald Kahn, y "Taking a Chance on Love", de Vernon Duke). Hometown, en su mayor parte, favorecía el intelecto post-bop, aunque el disco insinuaba ocasionalmente el pianismo funky soul-jazz de Gene Harris. En From Sun to Sun, sin embargo, Yahel se ciñe a la complejidad post-bop, lo que probablemente sea mejor así porque es evidente que se divierte en este disco. From Sun to Sun es otro agradable recordatorio del hecho de que Yahel no es sólo un talentoso organista, también es un talentoso pianista acústico.

www.samyahel.com ...

The Ventures • Surfing

The Ventures are an American instrumental rock band formed in 1958 in Tacoma, Washington. Founded by Don Wilson and Bob Bogle, the group in its various incarnations has had an enduring impact on the development of music worldwide. With over 100 million records sold,[1] the group is the best-selling instrumental band of all time. In 2008, the Ventures were inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.

 

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The Ventures es una banda de surf rock y rock instrumental estadounidense formada en 1958, en Washington por Don Wilson y Bob Bogle, conocida por sus clásicos como "Walk Don't Run" o ‘’Wipe Out”, el tema de 007, James Bond, incluyendo las series de Hawaii 5-0 y Swat. Ingresaron al Salón de la Fama del Rock en 2008 y han vendido cerca de 100 millones de discos a nivel mundial

 

 

www.theventures.com ...

 

  

 

Jimmy Giuffre • Western Suite

 

Review
by Thom Jurek  
In late 1957, jazz saxophonist, clarinetist, composer, and iconoclast Jimmy Giuffre broke up the original Jimmy Giuffre 3 with Ralph Pena and Jim Hall. In early 1958, for a recording session, he formed a new trio without a rhythm section. For the album Trav'lin' Light, his new trio included Hall on guitar and the underrated trombone giant Bob Brookmeyer. For a year, they gigged together up and down the West Coast and played summer festivals, recorded, and even played clubs in New York. They became a trio of adventurous musicians for whom form was not an obstacle to creativity. As the year wound down, Giuffre wanted to document the trio once more, sensing its life was coming to an end. He composed the four-movement "Western Suite" with the trio's strengths in mind, as a way of documenting how they had come together as a band during that year. The piece itself stands as a crowning achievement in a career that included discovering the talents of Steve Swallow and Paul Bley and making the truly revolutionary recording Free Fall for Columbia three years later. The roots of that thinking lie in this set. Jim Hall's playing was dark, funky, ambiguous, sounding like drums and voices all at the same time -- particularly in the fourth movement. Brookmeyer became the pace setter. His lines were played as stage settings for the other two players to dialogue and narrate against. Giuffre, ever the storyteller, advanced the improvisation angle and wrote his score so that each player had to stand on his own as part of the group; there were no comfort zones. Without a rhythm section, notions of interval, extensions, interludes, and so on were out the window. He himself played some of his most retrained yet adventurous solos in the confines of this trio and within the form of this suite. It swung like West Coast jazz, but felt as ambitious as Copland's Billy the Kid. The record is filled out with two other tunes, one of Eddie Durham's, "Topsy," and the final moment of mastery this band ever recorded, the already classic "Blue Monk." The easy stroll of the front line with Brookmeyer's trombone strutting New Orleans' style is in sharp contrast to Giuffre's clarinet playing. Which carries the bluesy melody through three harmonic changes before he solos and then plays three more. Hall keeps it all on track, and somehow the piece sounds very natural this way, though unlike "Monk," there are no edges here -- everything is rounded off. This is as solid as any of the earlier or later Jimmy Giuffre 3 records, and two notches above Trav'lin' Light in that it reveals a fully developed sense of the responsibilities, possibilities, and freedoms of reinventing jazz for the trio.
https://www.allmusic.com/album/western-suite-mw0000530642

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Reseña
por Thom Jurek  
A finales de 1957, el saxofonista de jazz, clarinetista, compositor e iconoclasta Jimmy Giuffre disolvió el Jimmy Giuffre 3 original con Ralph Pena y Jim Hall. A principios de 1958, para una sesión de grabación, formó un nuevo trío sin sección rítmica. Para el álbum Trav'lin' Light, su nuevo trío incluía a Hall a la guitarra y al infravalorado gigante del trombón Bob Brookmeyer. Durante un año actuaron juntos por toda la costa oeste, tocaron en festivales de verano, grabaron e incluso tocaron en clubes de Nueva York. Se convirtieron en un trío de músicos aventureros para los que la forma no era un obstáculo para la creatividad. A finales de año, Giuffre quiso documentar al trío una vez más, sintiendo que su vida llegaba a su fin. Compuso la "Western Suite" en cuatro movimientos teniendo en cuenta los puntos fuertes del trío, como una forma de documentar cómo se habían unido como banda durante ese año. La pieza en sí se erige como un logro supremo en una carrera que incluyó el descubrimiento del talento de Steve Swallow y Paul Bley y la realización de la revolucionaria grabación Free Fall para Columbia tres años más tarde. Las raíces de ese pensamiento se encuentran en este conjunto. La interpretación de Jim Hall era oscura, funky, ambigua, sonando como batería y voces al mismo tiempo, especialmente en el cuarto movimiento. Brookmeyer marcó el ritmo. Sus líneas sirvieron de escenario para que los otros dos intérpretes dialogaran y narraran. Giuffre, siempre dispuesto a contar historias, avanzó en el terreno de la improvisación y escribió su partitura de manera que cada intérprete tuviera que valerse por sí mismo como parte del grupo; no había zonas de confort. Sin sección rítmica, las nociones de intervalo, extensiones, interludios, etc. quedaban descartadas. Él mismo tocó algunos de sus solos más refinados y aventureros en los confines de este trío y dentro de la forma de esta suite. Se movía como el jazz de la costa oeste, pero parecía tan ambicioso como Billy the Kid de Copland. El disco se completa con otros dos temas, uno de Eddie Durham, "Topsy", y el último momento de maestría que esta banda llegó a grabar, el ya clásico "Blue Monk". El fácil paseo de la primera línea con el trombón de Brookmeyer pavoneándose al estilo de Nueva Orleans contrasta con el toque del clarinete de Giuffre. Que lleva la melodía bluesy a través de tres cambios armónicos antes de que él solo y luego toca tres más. Hall mantiene todo en su sitio, y de alguna manera la pieza suena muy natural de esta manera, aunque a diferencia de "Monk", aquí no hay aristas -- todo está redondeado. Es un disco tan sólido como cualquiera de los anteriores o posteriores de Jimmy Giuffre 3, y dos peldaños por encima de Trav'lin' Light en el sentido de que revela un sentido plenamente desarrollado de las responsabilidades, posibilidades y libertades de reinventar el jazz para el trío.
https://www.allmusic.com/album/western-suite-mw0000530642

Don Thompson • Days Gone By

 

Artist Biography
b. 18 January 1940, Powell River, British Columbia, Canada. Thompson played bass with several Vancouver bands in the early 60s, including those led by Dave Robbins, Chris Gage and Fraser McPherson. He also led his own groups and made several appearances with these on CBC Radio and Television. In 1965 he joined John Handy, touring with him throughout the USA for two years and recording two albums including the very popular Live At The Monterey Jazz Festival. Handy’s band was based in San Francisco and during this period Thompson was able to play with other musicians, such as George Duke, Maynard Ferguson, Frank Rosolino and Denny Zeitlin.

After his spell with Handy he returned to Canada, eventually settling in Toronto. In 1969 he joined Rob McConnell’s Boss Brass, first as a percussionist before switching to bass and eventually to piano. He also played bass and piano with Moe Koffman’s group and made records with both these leaders. With the latter he made Solar Explorations while his several appearances on record with McConnell’s Boss Brass include Again!, Live In Digital and Our 25th Year. He also recorded with McConnell in a trio setting with Ed Bickert, Three For The Road. Thompson has established rapport with several guitarists over his career, working successfully with Bickert on two praised duo albums for Sackville Records, Lenny Breau, Sonny Greenwich (recording The Old Man And The Child), Pat LaBarbera (Necessary Evil), and Emily Remler (Take Two).

During his years in Toronto he was a member of the house rhythm section at one of the city’s leading venues, the Bourbon Street Jazz Club. At this time, Thompson played and often recorded with numerous noted visitors, including Paul Desmond (Like Someone In Love), Harry Edison, Art Farmer, Jim Hall (touring with the guitarist to Europe, Japan and the USA from 1974 and making several albums), Slide Hampton, Milt Jackson, Lee Konitz, Abbey Lincoln, James Moody, Rosolino (Thinking About You), Zoot Sims and Clark Terry.

In addition to the Bourbon Street gigs, Thompson also accompanied visitors at other venues: Joe Henderson, Sheila Jordan, Red Mitchell, Dewey Redman, Red Rodney, Sarah Vaughan and Kenny Wheeler. Among other artists with whom he has recorded are Dave Liebman, Jay McShann (Swingmatism and other albums), Buddy Tate (the Sackville All Stars’ Saturday Night Function), and Mel Tormé (Top Drawer and An Evening At Charlie’s). In 1982 he started a five-year spell with George Shearing, touring extensively and making records, including Live At The Café Carlyle.

In the mid-90s Thompson was appointed artist in residence at the Royal Academy of Music, London, England. He also teaches at the Banff Centre for the Performing Arts, Alberta, Canada, as does Kenny Wheeler with whom Thompson played on a regular basis throughout the 90s. He also worked in a trio with Wheeler and Dave Holland, on this occasion playing piano in deference to Holland’s presence. While at Banff, Thompson formed the Banff Jazz All Stars, recording Celebration. Through the rest of the 90s and on into the new century, Thompson continued to lead his own small groups and to appear with many other bands including JMOG which he co-leads. In addition to piano, bass and percussion, Thompson also plays vibraphone. He has won many awards, including the coveted Canadian Juno for Jazz Album Of The Year in 1979 and 1984. He has frequently topped the Jazz Report poll in the vibraphone category and once the composer category. A highly accomplished musician, skilled accompanist and encouraging leader, Thompson’s resourceful virtuosity makes him a player worthy of attention.
https://www.allmusic.com/artist/don-thompson-quartet-mn0000197841

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Biografía del artista
b. 18 de enero de 1940, Powell River, Columbia Británica, Canadá. Thompson tocó el bajo con varias bandas de Vancouver a principios de los años 60, entre ellas las dirigidas por Dave Robbins, Chris Gage y Fraser McPherson. También lideró sus propios grupos e hizo varias apariciones con ellos en la CBC Radio y Televisión. En 1965 se unió a John Handy, con el que realizó una gira por todo Estados Unidos durante dos años y grabó dos álbumes, entre ellos el muy popular Live At The Monterey Jazz Festival. La banda de Handy tenía su base en San Francisco y durante este período Thompson pudo tocar con otros músicos, como George Duke, Maynard Ferguson, Frank Rosolino y Denny Zeitlin.

Después de su estancia con Handy regresó a Canadá, estableciéndose finalmente en Toronto. En 1969 se unió a Boss Brass de Rob McConnell, primero como percusionista antes de cambiar al bajo y finalmente al piano. También tocó el bajo y el piano con el grupo de Moe Koffman y grabó discos con ambos líderes. Con este último hizo Solar Explorations mientras que sus varias apariciones en discos con McConnell's Boss Brass incluyen Again!, Live In Digital y Our 25th Year. También grabó con McConnell en un trío con Ed Bickert, Three For The Road. Thompson ha establecido relaciones con varios guitarristas a lo largo de su carrera, trabajando con éxito con Bickert en dos elogiados álbumes a dúo para Sackville Records, Lenny Breau, Sonny Greenwich (grabando The Old Man And The Child), Pat LaBarbera (Necessary Evil), y Emily Remler (Take Two).

Durante sus años en Toronto fue miembro de la sección de ritmo house en uno de los principales locales de la ciudad, el Bourbon Street Jazz Club. En esta época, Thompson tocó y grabó a menudo con numerosos visitantes de renombre, entre ellos Paul Desmond (Like Someone In Love), Harry Edison, Art Farmer, Jim Hall (de gira con el guitarrista por Europa, Japón y los EE.UU. desde 1974 y haciendo varios álbumes), Slide Hampton, Milt Jackson, Lee Konitz, Abbey Lincoln, James Moody, Rosolino (Thinking About You), Zoot Sims y Clark Terry.

Además de los conciertos de Bourbon Street, Thompson también acompañó a los visitantes a otros lugares: Joe Henderson, Sheila Jordan, Red Mitchell, Dewey Redman, Red Rodney, Sarah Vaughan y Kenny Wheeler. Entre otros artistas con los que ha grabado se encuentran Dave Liebman, Jay McShann (Swingmatism y otros álbumes), Buddy Tate (la función del sábado por la noche de los Sackville All Stars) y Mel Tormé (Top Drawer y An Evening At Charlie's). En 1982 comenzó un período de cinco años con George Shearing, haciendo giras extensas y grabando discos, entre ellos Live At The Café Carlyle.

A mediados de los 90 Thompson fue nombrado artista en residencia en la Real Academia de Música de Londres, Inglaterra. También enseña en el Banff Centre for the Performing Arts, Alberta, Canadá, al igual que Kenny Wheeler, con quien Thompson tocó regularmente durante los años 90. También trabajó en un trío con Wheeler y Dave Holland, en esta ocasión tocando el piano en deferencia a la presencia de Holanda. Mientras estaba en Banff, Thompson formó el Banff Jazz All Stars, grabando Celebration. Durante el resto de los 90 y en el nuevo siglo, Thompson continuó liderando sus propios grupos pequeños y apareciendo con muchas otras bandas, incluyendo JMOG, que codirige. Además de piano, bajo y percusión, Thompson también toca el vibráfono. Ha ganado muchos premios, entre ellos el codiciado Juno canadiense por el álbum de jazz del año en 1979 y 1984. Con frecuencia ha encabezado la encuesta de Jazz Report en la categoría de vibráfono y una vez en la categoría de compositor. Un músico muy consumado, hábil acompañante y líder alentador, el virtuosismo ingenioso de Thompson lo hace un músico digno de atención.
https://www.allmusic.com/artist/don-thompson-quartet-mn0000197841

Mike Neer • Steelonious

 

Critics said this about Steelonious: "Not merely one of the best instrumental CDs of the year, Steelonious is one of the year’s best CDs, period." Dan Forte, Vintage Guitar magazine

"This album is so good that each time I tried to isolate the best songs to write about, I came to the conclusion that such singling out tracks was impossible. There are 12 Monk songs on this album and every one of them is better than the last." Marc Myers, Jazzwax

"Seemingly out of nowhere, Mike Neer appears, playing Monk like some radioactive Herbert Von Karajan addressing his cosmic Beethoven." C. Michael Bailey, All About Jazz

"Neer has impressive technique, improvises on a high level, and definitely knows this material quite well. Steelonious is easily recommended." Scott Yanow, L.A. Jazz Scene

Featuring the awesome talent of NYC area musicians Matt King, Diego Voglino, Andrew Hall and Tom Beckham, all recorded live in the studio with high fidelity crispness and warmth. Mike Neer's arrangements and production bring something new to the table while paying homage to the giants of Jazz and steel guitar past. Engineered and mixed by Paul Wickliffe.

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Los críticos han dicho lo siguiente sobre Steelonious: "No es simplemente uno de los mejores CDs instrumentales del año, Steelonious es uno de los mejores CDs del año, punto". Dan Forte, revista Vintage Guitar

"Este álbum es tan bueno que cada vez que intentaba aislar las mejores canciones para escribir sobre ellas, llegaba a la conclusión de que tal selección de temas era imposible. Hay 12 canciones de Monk en este álbum y cada una de ellas es mejor que la anterior." Marc Myers, Jazzwax

"Aparentemente de la nada, aparece Mike Neer, interpretando a Monk como un Herbert Von Karajan radiactivo dirigiendo su Beethoven cósmico". C. Michael Bailey, All About Jazz

"Neer tiene una técnica impresionante, improvisa a un alto nivel, y definitivamente conoce este material bastante bien. Steelonious es fácilmente recomendable". Scott Yanow, L.A. Jazz Scene

Con el impresionante talento de los músicos de la zona de NYC Matt King, Diego Voglino, Andrew Hall y Tom Beckham, todo grabado en directo en el estudio con alta fidelidad nitidez y calidez. Los arreglos y la producción de Mike Neer aportan algo nuevo al tiempo que rinden homenaje a los gigantes del Jazz y de la steel guitar del pasado. Diseñado y mezclado por Paul Wickliffe.


www.steelonious.com ...