The Stargazers • Back In Orbit

British rock'n'roll / jive band, active mostly in the 1980's with several re-formations since. Not to be confused with the other british group of same name from the 1950's.

https://www.discogs.com/es/artist/2116486-The-Stargazers-2

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Banda británica de rock'n'roll / jive, activa sobre todo en los años 80 con varias re-formaciones desde entonces. No hay que confundirlo con el otro grupo británico del mismo nombre de los años 50.

https://www.discogs.com/es/artist/2116486-The-Stargazers-2

The River Boat Five • Ma! They're Comin' Down The Street

A fine if now forgotten dixieland band, the Riverboat Five played no-nonsense New Orleans jazz during the second half of the 1950's. Founded and led by clarinetist Ed Reed, the original group consisted of cornetist Ted Butterman, trombonist Wray Thomas, pianist Keller Merck, banjoist Dargan Fitch, tuba player Ed Tedder (who doubled on tenor), and drummer Jim Lunsford. Originally based in Atlanta, the band developed their group sound while playing for three years in Atlanta at a garage that was converted into a nightclub. After working in the Southwest, they.gained some fame in Las Vegas where they were signed to play eight weeks a year for the Dunes Hotel during 1957-61. The Riverboat Five (which was always a septet) also caught on well enough in New York to become a popular attraction at Bourbon Street. They recorded six Lps for Mercury during 1958-61 (none of which have been reissued on CD). While the first three were cut in Chicago with the group's original lineup the fourth and fifth were made in Los Angeles with such notable names as tenorsaxophonist Eddie Miller, guitarist Nappy Lamare, either Ray Bauduc or Nick Fatool on drums, trombonist Bob Havens and trumpeter Dick Cathcart. The group's final effort was cut with an expanded lineup live in New Orleans in 1961. Throughout their career, the Riverboat Five mostly stuck to dixieland warhorses (with occasional exceptions) but Hall's arrangements and the musicians' general enthusiasm made their renditions sound fresh and lively.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/riverboat-five-mn0001470419

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Una buena, aunque ya olvidada, banda de dixieland, los Riverboat Five tocaron jazz de Nueva Orleans durante la segunda mitad de los 50. Fundado y dirigido por el clarinetista Ed Reed, el grupo original estaba formado por el cornetista Ted Butterman, el trombonista Wray Thomas, el pianista Keller Merck, el banquero Dargan Fitch, el tubista Ed Tedder (que tocaba el tenor) y el baterista Jim Lunsford. Originalmente con base en Atlanta, la banda desarrolló su sonido de grupo mientras tocaba durante tres años en Atlanta en un garaje que se convirtió en un club nocturno. Después de trabajar en el suroeste, ganaron algo de fama en Las Vegas, donde fueron contratados para tocar ocho semanas al año en el Hotel Dunes durante 1957-61. El Riverboat Five (que siempre fue un septeto) también se impuso lo suficiente en Nueva York como para convertirse en una atracción popular en Bourbon Street. Grabaron seis Lps para Mercury durante 1958-61 (ninguno de los cuales ha sido reeditado en CD). Mientras que los tres primeros se grabaron en Chicago con la formación original del grupo, el cuarto y el quinto se hicieron en Los Ángeles con nombres tan notables como el tenorsaxofonista Eddie Miller, el guitarrista Nappy Lamare, Ray Bauduc o Nick Fatool en la batería, el trombonista Bob Havens y el trompetista Dick Cathcart. El último esfuerzo del grupo fue cortado con una alineación ampliada en vivo en Nueva Orleans en 1961. A lo largo de su carrera, los Riverboat Five se limitaron a los caballos de guerra de dixieland (con excepciones ocasionales), pero los arreglos de Hall y el entusiasmo general de los músicos hicieron que sus interpretaciones sonaran frescas y animadas.

por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/artist/riverboat-five-mn0001470419

 

Wolfgang Lackerschmid and Chet Baker • Welcome Back

 

http://www.lackerschmid.de/

VA • Verve Jazz Club Collectionː Superdrummers!

 

Horace Parlan • Up & Down

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
By adding guitarist Grant Green and tenor saxophonist Booker Ervin to his standard rhythm section of bassist George Tucker and drummer Al Harewood, pianist Horace Parlan opens up his sound and brings it closer to soul-jazz on Up and Down. Green's clean, graceful style meshes well with Parlan's relaxed technique, while Ervin's robust tone and virile attack provides a good contrast to the laid-back groove the rhythm section lays down. Stylistically, the music is balanced between hard bop and soul-jazz, which are tied together by the bluesy tint in the three soloists' playing. All of the six original compositions give the band room to stretch out and to not only show off their chops, but move the music somewhat away from generic conventions and find new territory. In other words, it finds Parlan at a peak, and in many ways, coming into his own as a pianist and a leader.
https://www.allmusic.com/album/up-down-mw0000556382

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Al añadir al guitarrista Grant Green y al saxofonista tenor Booker Ervin a su sección rítmica habitual formada por el bajista George Tucker y el batería Al Harewood, el pianista Horace Parlan abre su sonido y lo acerca al soul-jazz en Up and Down. El estilo limpio y elegante de Green encaja bien con la técnica relajada de Parlan, mientras que el tono robusto y el ataque viril de Ervin ofrecen un buen contraste con el ritmo relajado de la sección rítmica. Estilísticamente, la música está equilibrada entre el hard bop y el soul-jazz, unidos por el tinte bluesy de los tres solistas. Las seis composiciones originales dan a la banda espacio para estirarse y no sólo para mostrar sus habilidades, sino también para alejar un poco la música de las convenciones genéricas y encontrar nuevos territorios. En otras palabras, Parlan se encuentra en un momento álgido y, en muchos sentidos, en su mejor momento como pianista y líder.
https://www.allmusic.com/album/up-down-mw0000556382

VA • Dancing the Ska

 

Studio One founder and producer Clement Dodd was the leading exponent of the ska music that has resonated with fans and influenced countless musicians throughout the world to this day. The vaults at Studio One are filled with some of the greatest ska recordings made by the top artists of the era like the Wailers, the Soul Brothers and Delroy Wilson.

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El fundador y productor de Studio One, Clement Dodd, fue el principal exponente de la música ska que ha resonado entre los aficionados e influido en innumerables músicos de todo el mundo hasta nuestros días. Las cámaras acorazadas de Studio One están repletas de algunas de las mejores grabaciones de ska realizadas por los mejores artistas de la época, como los Wailers, los Soul Brothers y Delroy Wilson.

Joe Pass-J.J. Johnson • We'll Be Together Again

 

VA • Jazz In Paris - Louis Armstrong And Friends [1933-39]

 

In tune with the book "Better Days Will Come Again: The Life of Arthur Briggs, Jazz Genius of Harlem, Paris, and a Nazi Prison Camp", here is a compilation of some of his performances.

 

Review
by Ken Dryden  
The title of this compilation is a bit misleading, as Louis Armstrong only appears on seven of the CD's 20 tracks. All of them were recorded during a visit by the trumpeter to France in 1934 and were made on the sly, since he was under an exclusive contract to another label. The all-stars were primarily European musicians assembled for the session, though pianist Herman Chittison, a fellow American, makes his mark in "Super Tiger Rag," along with the leader's crisp, high-note solo. They compare favorably with some of Armstrong's later work back home with larger orchestras, but for the most part, the music is of minimal interest aside from his contributions. The other selections are a mixed bag. Pianist Freddy Johnson and trumpeter Arthur Briggs lead an orchestra that offers rather dated treatments of "Sweet Georgia Brown" and Spencer Williams' "Foxy and Grapesy." Actress Marlene Dietrich sings in her native German in "Wo Ist der Mann?" (Where Is the Man?), though the lyrics are half-spoken, backed by Briggs and Johnson leading a quintet. Tracks featuring vocalist Louis Cole with Briggs and Johnson are simply forgettable. Austrian singer Greta Keller is far more interesting than Dietrich on her pair of songs, including a moving "Goodbye to Summer" and the humorous, lightly swinging "I'm Gonna Lock My Heart and Throw Away the Key." The band is a good one, with expatriates Herman Chittison on piano and trumpeter Bill Coleman soloing. Clarinetist Danny Polo leads a sextet on the last four tracks, featuring either Garland Wilson or Una Mae Carlisle on piano and the phenomenal but underrated guitarist Oscar Alemán. The unaccredited "Doing the Gorgonzola" is easily the high point of this rare session. Overall, this music falls somewhat short of being essential, though the very reasonable price (like all of the CDs in Universal's Jazz in Paris series) makes it a bit more attractive.
https://www.allmusic.com/album/jazz-in-paris-louis-armstrong-and-friends-mw0000229374

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Reseña
por Ken Dryden  
El título de esta recopilación es un poco engañoso, ya que Louis Armstrong sólo aparece en siete de las 20 pistas del CD. Todas ellas fueron grabadas durante una visita del trompetista a Francia en 1934 y se hicieron a escondidas, ya que tenía un contrato de exclusividad con otra discográfica. Las estrellas eran principalmente músicos europeos reunidos para la sesión, aunque el pianista Herman Chittison, también estadounidense, deja su impronta en "Super Tiger Rag", junto con el nítido y agudo solo del líder. Las composiciones de Armstrong son de gran calidad y se pueden comparar favorablemente con algunos de sus trabajos posteriores con orquestas más grandes, pero en su mayor parte, la música tiene un interés mínimo aparte de sus contribuciones. El resto de las selecciones son variadas. El pianista Freddy Johnson y el trompetista Arthur Briggs dirigen una orquesta que ofrece tratamientos bastante anticuados de "Sweet Georgia Brown" y "Foxy and Grapesy" de Spencer Williams. La actriz Marlene Dietrich canta en su alemán nativo en "Wo Ist der Mann?" (¿Dónde está el hombre?). (¿Dónde está el hombre?), aunque la letra es medio hablada, respaldada por Briggs y Johnson al frente de un quinteto. Los temas en los que aparece el vocalista Louis Cole con Briggs y Johnson son sencillamente olvidables. La cantante austriaca Greta Keller es mucho más interesante que Dietrich en su par de canciones, incluyendo una conmovedora "Goodbye to Summer" y la humorística y ligeramente oscilante "I'm Gonna Lock My Heart and Throw Away the Key". La banda es buena, con los expatriados Herman Chittison al piano y el trompetista Bill Coleman en solitario. El clarinetista Danny Polo lidera un sexteto en los cuatro últimos temas, con Garland Wilson o Una Mae Carlisle al piano y el fenomenal pero infravalorado guitarrista Oscar Alemán. El tema no acreditado "Doing the Gorgonzola" es fácilmente el punto culminante de esta rara sesión. En general, esta música no llega a ser esencial, aunque el precio muy razonable (como todos los CD de la serie Jazz in Paris de Universal) la hace un poco más atractiva.
https://www.allmusic.com/album/jazz-in-paris-louis-armstrong-and-friends-mw0000229374

Suggested video: Nigel Price Organ Trio + Vasilis Xenopoulos ‘Wes Montgomery Re-imagined'

 

YT:        Ronnie Scott's Jazz Club

Steve Kuhn Trio • Pavane for a Dead Princess

 

Biography
by Matt Collar
A highly regarded jazz pianist and composer, Steve Kuhn is known for his sophisticated ear for harmony and lyrical, motivic approach to improvisation. Emerging from the Boston jazz scene of the late '50s, Kuhn gained early exposure playing with legends like Kenny Dorham, John Coltrane, and Art Farmer. He came to wider prominence in 1966 with his albums Three Waves, with bassist Steve Swallow and drummer Pete La Roca, and The October Suite, with vibraphonist Gary McFarland. Those recordings led to a series of highly regarded albums for ECM including 1974's Trance, with Swallow and drummer Jack DeJohnette. An adaptive, forward-thinking performer, Kuhn's subsequent albums like 1987's Life's Magic, 1995's Remembering Tomorrow, and 2012's Wisteria have found him moving across various genres, from swinging acoustic post-bop to classical-influenced chamber jazz and the avant-garde.

Born in Brooklyn, New York in 1938 to Hungarian immigrant parents, Kuhn first became interested in music at a young age while listening to his father's jazz record collection on 78s. Starting piano lessons at age five, he quickly displayed his gift for perfect pitch. After moving to Boston with his family, Kuhn began taking lessons with the legendary Boston-area pedagogue Margaret Chaloff, whom he credits with engendering his strong classical piano technique. Also during this time, he befriended Chaloff's son, saxophonist Serge Chaloff, who encouraged his interest in jazz.

By his teens, Kuhn had developed into an adept jazz pianist, influenced by the recordings of jazz luminaries like Duke Ellington, Bud Powell, Fats Waller, and Art Tatum. He formed his own trio with drummer Arnold Wise and bassist Chuck Israels and began playing local clubs. Even while attending Harvard, Kuhn held down a six-nights-a-week gig in Harvard Square and gained valuable experience working with the myriad jazz stars who came through the city, including Chet Baker, Coleman Hawkins, and Vic Dickenson, among others. After graduating Harvard, Kuhn continued his studies at the Lenox School of Music, where he rubbed shoulders with fellow students Ornette Coleman and Don Cherry and studied under esteemed jazz scholars like Gunther Schuller and George Russell. It was also while at Lenox that he met trumpeter Kenny Dorham, who hired the pianist for a year-long tour.

Parting ways with Dorham in 1960, Kuhn next joined legendary saxophonist John Coltrane's quartet for a stint at New York's Jazz Gallery. While brief (Kuhn was replaced by McCoy Tyner after eight weeks), the experience inspired Kuhn and would inform much of his later work. Also during the '60s, Kuhn began appearing on recording dates with artists like Stan Getz, Oliver Nelson, and Art Farmer; he also spent a year touring with Farmer and future collaborators bassist Steve Swallow and drummer Pete La Roca.

As a leader, Kuhn debuted alongside pianist Toshiko Akiyoshi on 1963's The Country and Western Sound of Jazz Pianos. He then followed up with 1966's Three Waves, featuring Swallow and La Roca. Also in 1966, he paired with fellow Lenox student Gary McFarland for the landmark chamber jazz album The October Suite.

In the late '60s, Kuhn relocated to Stockholm, Sweden, where he lived and performed until 1971. Ironically, it wasn't until returning to the States that Kuhn signed with Manfred Eicher's then-fledgling European jazz label ECM. Notably, Kuhn's work on The October Suite had been one of Eicher's early inspirations in founding the label. With ECM, Kuhn released several probing and atmospheric albums including Ecstasy (1974), Trance (1974), Motility (1977), Non-Fiction (1978), Playground, featuring vocalist Sheila Jordan (1979), and Last Year's Waltz (1981).

In the '80s, Kuhn continued to refine his sound, often playing in a trio with bassist Ron Carter and drummer Al Foster. Many of his albums from this period, including 1984's Mostly Ballads, 1987's Life's Magic, and 1988's Porgy, showcase a mix of well-curated standards along with his inventive original compositions. It was a template that Kuhn would stick with throughout the next decade as he found himself working in various trio settings with artists like David Finck, George Mraz, Buster Williams, Billy Drummond, Lewis Nash, Bill Stewart, Kenny Washington, and others.

While the trio remained Kuhn's preferred format, his 1995 album Seasons of Romance found him working in an all-star quintet with tenor saxophonist Bob Mintzer and trumpeter Tom Harrell. Even more expansive was his 2004 return to ECM, Promises Kept, which found him backed by a small string orchestra. Kuhn also retained his exploratory edge, returning to his love of classical composers like Debussy and Ravel on 2006's Pavane for a Dead Princess. Jazz reworkings of classical compositions were featured on his 2008 trio album, Baubles, Bangles and Beads.

In 2009, Kuhn revisited his time as a member of John Coltrane's quartet with Mostly Coltrane, featuring saxophonist Joe Lovano, on ECM. Also for ECM, Kuhn paired in a trio with bassist Swallow and drummer Joey Baron for 2012's Wisteria. His trio with Swallow and Baron was also the focus of 2016's At This Time... and 2018's To and from the Heart.
https://www.allmusic.com/artist/steve-kuhn-mn0000036645/biography

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Biografía
por Matt Collar
Reputado pianista y compositor de jazz, Steve Kuhn es conocido por su sofisticado oído para la armonía y su enfoque lírico y motivador de la improvisación. Surgido de la escena jazzística de Boston a finales de los años 50, Kuhn empezó a tocar con leyendas como Kenny Dorham, John Coltrane y Art Farmer. Saltó a la fama en 1966 con sus álbumes Three Waves, con el bajista Steve Swallow y el batería Pete La Roca, y The October Suite, con el vibrafonista Gary McFarland. Esas grabaciones dieron lugar a una serie de álbumes de gran prestigio para ECM, incluido Trance, de 1974, con Swallow y el batería Jack DeJohnette. Kuhn, un intérprete adaptable y con visión de futuro, ha publicado álbumes posteriores como Life's Magic, de 1987, Remembering Tomorrow, de 1995, y Wisteria, de 2012, en los que se ha movido por diversos géneros, desde el swing post-bop acústico hasta el jazz de cámara de influencia clásica y la vanguardia.

Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1938, de padres inmigrantes húngaros, Kuhn empezó a interesarse por la música a una edad temprana, mientras escuchaba la colección de discos de jazz de 78 de su padre. Empezó a tomar clases de piano a los cinco años, y pronto demostró su don para la afinación perfecta. Tras mudarse a Boston con su familia, Kuhn empezó a tomar clases con la legendaria pedagoga Margaret Chaloff, a quien atribuye la creación de su sólida técnica de piano clásico. También en esa época, se hizo amigo del hijo de Chaloff, el saxofonista Serge Chaloff, que fomentó su interés por el jazz.

En su adolescencia, Kuhn se había convertido en un experto pianista de jazz, influido por las grabaciones de luminarias del jazz como Duke Ellington, Bud Powell, Fats Waller y Art Tatum. Formó su propio trío con el batería Arnold Wise y el bajista Chuck Israels y empezó a tocar en clubes locales. Incluso mientras estudiaba en Harvard, Kuhn actuaba seis noches a la semana en Harvard Square y adquirió una valiosa experiencia trabajando con las innumerables estrellas del jazz que pasaban por la ciudad, como Chet Baker, Coleman Hawkins y Vic Dickenson, entre otros. Tras graduarse en Harvard, Kuhn prosiguió sus estudios en la Lenox School of Music, donde se codeó con sus compañeros Ornette Coleman y Don Cherry y estudió con reputados estudiosos del jazz como Gunther Schuller y George Russell. También fue en Lenox donde conoció al trompetista Kenny Dorham, que contrató al pianista para una gira de un año.

Tras separarse de Dorham en 1960, Kuhn se unió al cuarteto del legendario saxofonista John Coltrane para una temporada en la Jazz Gallery de Nueva York. Aunque breve (Kuhn fue sustituido por McCoy Tyner al cabo de ocho semanas), la experiencia inspiró a Kuhn y marcaría gran parte de su obra posterior. También durante los años 60, Kuhn empezó a aparecer en fechas de grabación con artistas como Stan Getz, Oliver Nelson y Art Farmer; también pasó un año de gira con Farmer y sus futuros colaboradores, el bajista Steve Swallow y el batería Pete La Roca.

Como líder, Kuhn debutó junto al pianista Toshiko Akiyoshi en The Country and Western Sound of Jazz Pianos, de 1963. Siguió con Three Waves, de 1966, con Swallow y La Roca. También en 1966, formó pareja con otro estudiante de Lenox, Gary McFarland, en el álbum de jazz de cámara The October Suite, que marcó un hito.

A finales de los 60, Kuhn se trasladó a Estocolmo (Suecia), donde vivió y actuó hasta 1971. Irónicamente, no fue hasta su regreso a Estados Unidos cuando Kuhn firmó con ECM, el entonces incipiente sello europeo de jazz de Manfred Eicher. El trabajo de Kuhn en The October Suite había sido una de las primeras inspiraciones de Eicher para fundar el sello. Con ECM, Kuhn publicó varios álbumes profundos y atmosféricos, como Ecstasy (1974), Trance (1974), Motility (1977), Non-Fiction (1978), Playground, con la vocalista Sheila Jordan (1979), y Last Year's Waltz (1981).

En los años 80, Kuhn siguió perfeccionando su sonido, tocando a menudo en trío con el bajista Ron Carter y el batería Al Foster. Muchos de sus álbumes de esta época, como Mostly Ballads (1984), Life's Magic (1987) y Porgy (1988), muestran una mezcla de estándares bien seleccionados junto con sus inventivas composiciones originales. Fue una plantilla que Kuhn mantendría a lo largo de la década siguiente, cuando se encontró trabajando en varios tríos con artistas como David Finck, George Mraz, Buster Williams, Billy Drummond, Lewis Nash, Bill Stewart, Kenny Washington y otros.

Aunque el trío siguió siendo el formato preferido de Kuhn, en su álbum de 1995 Seasons of Romance trabajó en un quinteto de estrellas con el saxofonista tenor Bob Mintzer y el trompetista Tom Harrell. Aún más expansivo fue su regreso a ECM en 2004, Promises Kept, en el que contó con el respaldo de una pequeña orquesta de cuerda. Kuhn también conservó su lado explorador, volviendo a su amor por compositores clásicos como Debussy y Ravel en Pavane for a Dead Princess, de 2006. En su álbum para trío de 2008, Baubles, Bangles and Beads, Kuhn incluyó versiones jazzísticas de composiciones clásicas.

En 2009, Kuhn retomó su etapa como miembro del cuarteto de John Coltrane con Mostly Coltrane, con el saxofonista Joe Lovano, en ECM. También para ECM, Kuhn formó pareja en un trío con el bajista Swallow y el batería Joey Baron para Wisteria, de 2012. Su trío con Swallow y Baron también fue el centro de At This Time..., de 2016, y To and from the Heart, de 2018.
https://www.allmusic.com/artist/steve-kuhn-mn0000036645/biography

ecmrecords.com/steve-kuhn ...

Suggested video: Patrick Saussois & Alma Sinti • Live at The New Morning

 

 

 

 

VA • Great Expectations

 

Christian Escoude • Plays Django

 

 

christian-escoude ...

Jack Dejohnette • Sound Travels

 

Review
by Thom Jurek  
In his sixth decade as a professional musician, Jack DeJohnette has established himself as a musical chameleon. He's led bands and recorded and performed with an array of jazz legends as well as funk and pop artists. DeJohnette has even made new age music listenable with Peace Time and Music in the Key of Om (the former won him a Grammy). And he has always cultivated and acted on his deep, abiding interest in indigenous musics from Latin America and Africa. Sound Travels is his first recording of new material since 2009's Music We Are. True to form, DeJohnette, who plays drums and piano here, ranges widely. The disc begins with the brief "Enter Here," a grounded yet ambitious offering with the sound of a resonating bell that gives way to DeJohnette's lilting solo piano. "Salsa for Luisto" features the percussionist Luisto Quintero playing grooved-out, modern Afro-Cuban son. Esperanza Spalding is the upright bassist in the band, and on this track, she sings alongside Ambrose Akinmusire's trumpet and Lionel Loueke's guitar. DeJohnette plays piano and drums. This salsa is of the earthier yet breezier Caribbean variety. It's lovely. Just as quickly, things shift into down-home New Orleans-style funky blues with Tim Ries on soprano and tenor saxophones. Bruce Hornsby appears on vocals singing about not surrendering in the face of disaster more soulfully than on any of his own records. Loueke's unique guitar style makes this track sound more like the Band than Allen Toussaint, though Wardell Quezergue's ghost inhabits the horn chart. "New Music" is modern, modal post-bop with Middle Eastern overtones. It features fine traded solos by Ries on soprano and Akinmusire. Township jazz crossed with Latin groove is the bedrock for "Sonny Light," with Loueke's lyric solo being the tune's centerpiece as DeJohnette finds a perfect space to comp behind him and enhance the guitar's presence. The two horns and Quintero's hand drums weave a wonderful, rhythmic lyricism around the pair. The title track is an exercise in rhythm from DeJohnette, Loueke, Quintero, and Spalding (who really drives this track and shines brightly on the album as a whole). "Oneness" is a sparse and moving ballad played by DeJohnette and Quintero, backing vocalist Bobby McFerrin. The song feels deeply indebted to Milton Nascimento's excellent mid-'70s work. The set's longest cut is "Indigo Dreamscapes," a breezy, midtempo, fingerpopping Latin number. DeJohnette's piano work alongside Ries' tenor create an irresistible harmonic progression even when they move the tune toward straight-ahead jazz, then walk it back. The closer, "Home," is another languid, crystalline solo piano piece that is the bookend to "Enter Here." It's quiet, reverent, warm, and inviting, and it pays an indirect homage to Abdullah Ibrahim's South African style. Sound Travels is a current, understated, well-disciplined glimpse into DeJohnette's current musical world view, which is worth celebrating for its own sake.
https://www.allmusic.com/album/sound-travels-mw0002281927

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Reseña
por Thom Jurek  
En su sexta década como músico profesional, Jack DeJohnette se ha establecido como un camaleón musical. Ha liderado bandas y ha grabado y actuado con toda una serie de leyendas del jazz, así como con artistas del funk y el pop. DeJohnette incluso ha hecho escuchable la música new age con Peace Time y Music in the Key of Om (el primero le valió un Grammy). Y siempre ha cultivado y puesto en práctica su profundo y permanente interés por las músicas indígenas de América Latina y África. Sound Travels es su primera grabación de material nuevo desde Music We Are, de 2009. Fiel a su estilo, DeJohnette, que aquí toca la batería y el piano, se explaya ampliamente. El disco comienza con la breve "Enter Here", una propuesta sencilla pero ambiciosa con el sonido de una campana resonante que da paso al cadencioso piano solista de DeJohnette. "Salsa for Luisto" presenta al percusionista Luisto Quintero tocando un moderno son afrocubano. Esperanza Spalding es la bajista de la banda, y en este tema canta junto a la trompeta de Ambrose Akinmusire y la guitarra de Lionel Loueke. DeJohnette toca el piano y la batería. Esta salsa es de la variedad caribeña, más terrenal pero más desenfadada. Es encantadora. Igual de rápido, las cosas cambian a un funky blues al estilo de Nueva Orleans con Tim Ries en los saxos soprano y tenor. Bruce Hornsby aparece en la voz cantando sobre no rendirse ante el desastre con más alma que en ninguno de sus discos. El estilo único de la guitarra de Loueke hace que este tema suene más a The Band que a Allen Toussaint, aunque el fantasma de Wardell Quezergue habita en la tabla de vientos. "New Music" es post-bop moderno y modal con matices de Oriente Medio. Cuenta con finos solos intercambiados por Ries en la soprano y Akinmusire. Township jazz cruzado con groove latino es la base de "Sonny Light", con el solo lírico de Loueke como pieza central de la melodía mientras DeJohnette encuentra un espacio perfecto para componer detrás de él y realzar la presencia de la guitarra. Las dos trompas y la batería de Quintero tejen un maravilloso lirismo rítmico alrededor de la pareja. El tema que da título al disco es un ejercicio de ritmo a cargo de DeJohnette, Loueke, Quintero y Spalding (que es el verdadero motor de este tema y brilla con luz propia en el conjunto del álbum). "Oneness" es una balada escasa y conmovedora interpretada por DeJohnette y Quintero, con el apoyo vocal de Bobby McFerrin. La canción se siente profundamente deudora del excelente trabajo de Milton Nascimento de mediados de los 70. El corte más largo del disco es "Indigo Dreamscapes", una canción latina, a medio tiempo y muy ligera. El trabajo al piano de DeJohnette junto al tenor de Ries crean una progresión armónica irresistible incluso cuando mueven la melodía hacia el jazz directo, para luego retroceder. El final, "Home", es otra lánguida y cristalina pieza de piano solista que sirve de colofón a "Enter Here". Es tranquila, reverente, cálida y acogedora, y rinde un homenaje indirecto al estilo sudafricano de Abdullah Ibrahim. Sound Travels es un vistazo actual, discreto y bien disciplinado a la visión actual del mundo musical de DeJohnette, que merece la pena celebrar por sí mismo.
https://www.allmusic.com/album/sound-travels-mw0002281927

www.jackdejohnette.com ...

VA • Jazz Moods

 

Ella Fitzgerald, John Coltrane, Quincy Jones, Herbie Hancock, Grant Green, Wayne Shorter, Clifford Brown, Oscar Peterson, Nina Simone, Wes Montgomery, Chet Baker, Dave Brubeck, Etta James ...

Sonny Rollins • Freedom Suite

Theodore Walter Rollins was born on September 7, 1930 in New York City. He grew up in Harlem not far from the Savoy Ballroom, the Apollo Theatre, and the doorstep of his idol, Coleman Hawkins. After early discovery of Fats Waller and Louis Armstrong, he started out on alto saxophone, inspired by Louis Jordan. At the age of sixteen, he switched to tenor, trying to emulate Hawkins. He also fell under the spell of the musical revolution that surrounded him, Bebop.

He began to follow Charlie Parker, and soon came under the wing of Thelonious Monk, who became his musical mentor and guru. Living in Sugar Hill, his neighborhood musical peers included Jackie McLean, Kenny Drew and Art Taylor, but it was young Sonny who was first out of the pack, working and recording with Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell and Miles Davis before he turned twenty.

“Of course, these people are there to be called on because I think I represent them in a way,” Rollins said recently of his peers and mentors. “They’re not here now so I feel like I’m sort of representing all of them, all of the guys. Remember, I’m one of the last guys left, as I’m constantly being told, so I feel a holy obligation sometimes to evoke these people.”

In the early fifties, he established a reputation first among musicians, then the public, as the most brash and creative young tenor on the scene, through his work with Miles, Monk, and the MJQ.

Miles Davis was an early Sonny Rollins fan and in his autobiography wrote that he “began to hang out with Sonny Rollins and his Sugar Hill Harlem crowd…anyway, Sonny had a big reputation among a lot of the younger musicians in Harlem. People loved Sonny Rollins up in Harlem and everywhere else. He was a legend, almost a god to a lot of the younger musicians. Some thought he was playing the saxophone on the level of Bird. I know one thing–he was close. He was an aggressive, innovative player who always had fresh musical ideas. I loved him back then as a player and he could also write his ass off…”

Sonny moved to Chicago for a few years to remove himself from the surrounding elements of negativity around the Jazz scene. He reemerged at the end of 1955 as a member of the Clifford Brown-Max Roach Quintet, with an even more authoritative presence. His trademarks became a caustic, often humorous style of melodic invention, a command of everything from the most arcane ballads to calypsos, and an overriding logic in his playing that found him hailed for models of thematic improvisation.

It was during this time that Sonny acquired a nickname,”Newk.” As Miles Davis explains in his autobiography: “Sonny had just got back from playing a gig out in Chicago. He knew Bird, and Bird really liked Sonny, or “Newk” as we called him, because he looked like the Brooklyn Dodgers’ pitcher Don Newcombe. One day, me and Sonny were in a cab…when the white cabdriver turned around and looked at Sonny and said, `Damn, you’re Don Newcombe!” Man, the guy was totally excited. I was amazed, because I hadn’t thought about it before. We just put that cabdriver on something terrible. Sonny started talking about what kind of pitches he was going to throw Stan Musial, the great hitter for the St. Louis Cardinals, that evening…”

In 1956, Sonny began recording the first of a series of landmark recordings issued under his own name: Valse Hot introduced the practice, now common, of playing bop in 3/4 meter; St. Thomasinitiated his explorations of calypso patterns; and Blue 7 was hailed by Gunther Schuller as demonstrating a new manner of “thematic improvisation,” in which the soloist develops motifs extracted from his theme. Way Out West (1957), Rollins’s first album using a trio of saxophone, double bass, and drums, offered a solution to his longstanding difficulties with incompatible pianists, and exemplified his witty ability to improvise on hackneyed material (Wagon Wheels, I’m an Old Cowhand). It Could Happen to You (also 1957) was the first in a long series of unaccompanied solo recordings, and The Freedom Suite (1958) foreshadowed the political stances taken in jazz in the 1960s. During the years 1956 to 1958 Rollins was widely regarded as the most talented and innovative tenor saxophonist in jazz.

Rollins’s first examples of the unaccompanied solo playing that would become a specialty also appeared in this period; yet the perpetually dissatisfied saxophonist questioned the acclaim his music was attracting, and between 1959 and late `61 withdrew from public performance.

Sonny remembers that he took his leave of absence from the scene because “I was getting very famous at the time and I felt I needed to brush up on various aspects of my craft. I felt I was getting too much, too soon, so I said, wait a minute, I’m going to do it my way. I wasn’t going to let people push me out there, so I could fall down. I wanted to get myself together, on my own. I used to practice on the Bridge, the Williamsburg Bridge because I was living on the Lower East Side at the time.”

sonnyonthebridgefixedWhen he returned to action in late `61, his first recording was appropriately titled The Bridge. By the mid 60’s, his live sets became grand, marathon stream-of-consciousness solos where he would call forth melodies from his encyclopedic knowledge of popular songs, including startling segues and sometimes barely visiting one theme before surging into dazzling variations upon the next. Rollins was brilliant, yet restless. The period between 1962 and `66 saw him returning to action and striking productive relationships with Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, and his idol Hawkins, yet he grew dissatisfied with the music business once again and started yet another sabbatical in `66. “I was getting into eastern religions,” he remembers. “I’ve always been my own man. I’ve always done, tried to do, what I wanted to do for myself. So these are things I wanted to do. I wanted to go on the Bridge. I wanted to get into religion. But also, the Jazz music business is always bad. It’s never good. So that led me to stop playing in public for a while, again. During the second sabbatical, I worked in Japan a little bit, and went to India after that and spent a lot of time in a monastery. I resurfaced in the early 70s, and made my first record in `72. I took some time off to get myself together and I think it’s a good thing for anybody to do.”

In 1972, with the encouragement and support of his wife Lucille, who had become his business manager, Rollins returned to performing and recording, signing with Milestone and releasing Next Album. (Working at first with Orrin Keepnews, Sonny was by the early ’80s producing his own Milestone sessions with Lucille.) His lengthy association with the Berkeley-based label produced two dozen albums in various settings – from his working groups to all-star ensembles (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); from a solo recital to tour recordings with the Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); in the studio and on the concert stage (Montreux, San Francisco, New York, Boston). Sonny was also the subject of a mid-’80s documentary by Robert Mugge entitled Saxophone Colossus; part of its soundtrack is available as G-Man.

He won his first performance Grammy for This Is What I Do (2000), and his second for 2004’s Without a Song (The 9/11 Concert), in the Best Jazz Instrumental Solo category (for “Why Was I Born”). In addition, Sonny received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Recording Arts and Sciences in 2004.

In June 2006 Rollins was inducted into the Academy of Achievement – and gave a solo performance – at the International Achievement Summit in Los Angeles. The event was hosted by George Lucas and Steven Spielberg and attended by world leaders as well as distinguished figures in the arts and sciences.

Rollins was awarded the Austrian Cross of Honor for Science and Art, First Class, in November 2009. The award is one of Austria’s highest honors, given to leading international figures for distinguished achievements. The only other American artists who have received this recognition are Frank Sinatra and Jessye Norman.

In 2010 on the eve of his 80th birthday, Sonny Rollins is one of 229 leaders in the sciences, social sciences, humanities, arts, business, and public affairs who have been elected members of the American Academy of Arts and Sciences. A center for independent policy research, the Academy is among the nation’s oldest and most prestigious honorary societies and celebrates the 230th anniversary of its founding this year.

In August 2010, Rollins was named the Edward MacDowell Medalist, the first jazz composer to be so honored. The Medal has been awarded annually since 1960 to an individual who has made an outstanding contribution to his or her field.

Yet another major award was bestowed on Rollins on March 2, 2011, when he received the Medal of Arts from President Barack Obama in a White House ceremony. Rollins accepted the award, the nation’s highest honor for artistic excellence, “on behalf of the gods of our music.”

Since 2006, Rollins has been releasing his music on his own label, Doxy Records. The first Doxy album was Sonny, Please, Rollins’s first studio recording since This Is What I Do. That was followed by the acclaimed Road Shows, vol. 1 (2008), the first in a planned series of recordings from Rollins’s audio archives.

Mr. Rollins released Road Shows, vol. 2 in the fall of 2011. In addition to material recorded in Sapporo and Tokyo, Japan during an October 2010 tour, the recording contains several tracks from Sonny’s September 2010 80th birthday concert in New York—including the historic and electrifying encounter with Ornette Coleman.

On December 3, 2011 Sonny Rollins was one of five 2011 Kennedy Center honorees, alongside actress Meryl Streep, singer Barbara Cook, singer/songwriter Neil Diamond and cellist Yo-Yo Ma.   Rollins said of the honor, “I am deeply appreciative of this great honor. In honoring me, the Kennedy Center honors jazz, America’s classical music. For that, I am very grateful.”

The saxophonist’s most recent CD is Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  He has just completed editing Road Shows, vol. 4, for Spring 2016 release.

https://sonnyrollins.com/biography/

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Theodore Walter Rollins nació el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York. Creció en Harlem no lejos del Savoy Ballroom, el Teatro Apolo y la puerta de su ídolo, Coleman Hawkins. Tras el descubrimiento temprano de Fats Waller y Louis Armstrong, empezó con el saxo alto, inspirado por Louis Jordan. A la edad de 16 años, cambió a tenor, tratando de emular a Hawkins. También cayó bajo el hechizo de la revolución musical que lo rodeaba, el Bebop.

Empezó a seguir a Charlie Parker, y pronto se puso bajo el ala de Thelonious Monk, que se convirtió en su mentor musical y gurú. Viviendo en Sugar Hill, entre sus compañeros musicales de barrio se encontraban Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor, pero fue el joven Sonny el primero en salir de la manada, trabajando y grabando con Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell y Miles Davis antes de cumplir los veinte años.

"Por supuesto, estas personas están ahí para ser llamadas porque creo que los represento de alguna manera", dijo Rollins recientemente sobre sus compañeros y mentores. "No están aquí ahora, así que siento que los represento a todos ellos, a todos los chicos. Recuerden que soy uno de los últimos que quedan, como me dicen constantemente, así que siento una obligación sagrada a veces de evocar a estas personas".

A principios de los 50, estableció una reputación, primero entre los músicos y luego entre el público, como el joven tenor más descarado y creativo de la escena, a través de su trabajo con Miles, Monk y el MJQ.

Miles Davis fue uno de los primeros fans de Sonny Rollins y en su autobiografía escribió que "empezó a salir con Sonny Rollins y su gente de Sugar Hill Harlem... de todas formas, Sonny tenía una gran reputación entre muchos de los músicos más jóvenes de Harlem". La gente amaba a Sonny Rollins en Harlem y en todas partes. Era una leyenda, casi un dios para muchos de los músicos jóvenes. Algunos pensaban que tocaba el saxofón al nivel de Bird. Sé una cosa, estaba cerca. Era un músico agresivo e innovador que siempre tenía ideas musicales frescas. Lo amaba en ese entonces como músico y también podía escribir su trasero..."

Sonny se mudó a Chicago por unos años para alejarse de los elementos negativos que rodean la escena del Jazz. Reapareció a finales de 1955 como miembro del Quinteto Clifford Brown-Max Roach, con una presencia aún más autoritaria. Su marca registrada se convirtió en un estilo cáustico, a menudo humorístico, de invención melódica, un dominio de todo, desde las baladas más arcanas hasta los calipsos, y una lógica primordial en su forma de tocar que lo encontró aclamado por los modelos de improvisación temática.

Fue durante este tiempo que Sonny adquirió un apodo, "Newk". Como explica Miles Davis en su autobiografía: "Sonny acababa de regresar de un concierto en Chicago. Conocía a Bird, y a Bird le gustaba mucho Sonny, o "Newk" como lo llamábamos, porque se parecía al lanzador de los Dodgers de Brooklyn, Don Newcombe. Un día, Sonny y yo estábamos en un taxi... cuando el taxista blanco se dio la vuelta y miró a Sonny y le dijo: "¡Maldita sea, eres Don Newcombe!" Tío, el tipo estaba totalmente excitado. Estaba sorprendido, porque no había pensado en ello antes. Acabamos de poner a ese taxista en algo terrible. Sonny empezó a hablar de qué tipo de lanzamientos iba a hacer Stan Musial, el gran bateador de los Cardenales de San Luis, esa noche..."

En 1956, Sonny comenzó a grabar la primera de una serie de grabaciones históricas publicadas con su propio nombre: Valse Hot introdujo la práctica, ahora común, de tocar bop en 3/4 de metro; St. Thomas inició sus exploraciones de los patrones del calipso; y Blue 7 fue aclamado por Gunther Schuller como una nueva forma de "improvisación temática", en la que el solista desarrolla motivos extraídos de su tema. Way Out West (1957), el primer álbum de Rollins con un trío de saxofón, contrabajo y batería, ofreció una solución a sus antiguas dificultades con pianistas incompatibles, y ejemplificó su ingeniosa habilidad para improvisar sobre material trillado (Wagon Wheels, I'm an Old Cowhand). It Could Happen to You (también 1957) fue la primera de una larga serie de grabaciones en solitario sin acompañamiento, y The Freedom Suite (1958) prefiguró las posturas políticas adoptadas en el jazz en el decenio de 1960. Durante los años 1956 a 1958 Rollins fue considerado como el saxofonista tenor más talentoso e innovador del jazz.

Los primeros ejemplos de Rollins de la interpretación en solitario sin acompañamiento que se convertiría en una especialidad también aparecieron en este período; sin embargo, el saxofonista, perpetuamente insatisfecho, cuestionó la aclamación que su música estaba atrayendo, y entre 1959 y finales de 1961 se retiró de la actuación pública.

Sonny recuerda que se despidió de la escena porque "me estaba volviendo muy famoso en ese momento y sentí que necesitaba repasar varios aspectos de mi oficio. Sentí que estaba recibiendo demasiado, demasiado pronto, así que dije, espera un minuto, voy a hacerlo a mi manera. No iba a dejar que la gente me empujara ahí fuera, para que me cayera. Quería recomponerme, por mi cuenta. Solía practicar en el puente, el puente de Williamsburg, porque en ese momento vivía en el Lower East Side".

Cuando volvió a la acción a finales del 61, su primera grabación se tituló apropiadamente El Puente. A mediados de los 60, sus directos se convirtieron en grandes y maratónicos solos de consciencia donde sacaba melodías de su conocimiento enciclopédico de las canciones populares, incluyendo sorprendentes segundas partes y a veces apenas visitando un tema antes de pasar a deslumbrantes variaciones sobre el siguiente. Rollins era brillante, pero inquieto. El período entre 1962 y 1966 le vio volver a la acción y establecer relaciones productivas con Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, y su ídolo Hawkins, pero se descontento con el negocio de la música una vez más y comenzó otro año sabático en 1966. "Me estaba metiendo en las religiones orientales", recuerda. "Siempre he sido mi propio hombre. Siempre he hecho, tratado de hacer, lo que he querido hacer por mí mismo. Así que estas son las cosas que quería hacer. Quería ir al puente. Quería entrar en la religión. Pero también, el negocio de la música de Jazz siempre es malo. Nunca es bueno. Así que eso me llevó a dejar de tocar en público por un tiempo, de nuevo. Durante el segundo año sabático, trabajé un poco en Japón, y después me fui a la India y pasé mucho tiempo en un monasterio. Resurgí a principios de los 70, e hice mi primer disco en el 72. Me tomé un tiempo libre para recomponerme y creo que es algo bueno para cualquiera".

En 1972, con el estímulo y el apoyo de su esposa Lucille, que se había convertido en su gerente comercial, Rollins volvió a actuar y a grabar, firmando con Milestone y lanzando Next Album. (Trabajando al principio con Orrin Keepnews, Sonny estaba a principios de los 80 produciendo sus propias sesiones de Milestone con Lucille). Su larga asociación con el sello discográfico de Berkeley produjo dos docenas de álbumes en varios escenarios - desde sus grupos de trabajo hasta conjuntos de estrellas (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); desde un recital en solitario hasta grabaciones de gira con los Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); en el estudio y en el escenario de conciertos (Montreux, San Francisco, Nueva York, Boston). Sonny también fue objeto de un documental de mediados de los años ochenta de Robert Mugge titulado Saxophone Colossus; parte de su banda sonora está disponible como G-Man.

Ganó su primer Grammy por This Is What I Do (2000), y su segundo por Without a Song (The 9/11 Concert) de 2004, en la categoría de Mejor Solo Instrumental de Jazz (por "Why Was I Born"). Además, Sonny recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación en 2004.

En junio de 2006 Rollins fue admitido en la Academia de Logros, y realizó una actuación en solitario, en la Cumbre Internacional de Logros de Los Ángeles. El evento fue presentado por George Lucas y Steven Spielberg y asistieron líderes mundiales así como distinguidas figuras de las artes y las ciencias.

Rollins fue galardonado con la Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y el Arte, de primera clase, en noviembre de 2009. El premio es uno de los más altos honores de Austria, otorgado a las principales figuras internacionales por sus distinguidos logros. Los únicos otros artistas americanos que han recibido este reconocimiento son Frank Sinatra y Jessye Norman.

En 2010, en la víspera de su 80 cumpleaños, Sonny Rollins es uno de los 229 líderes en ciencias, ciencias sociales, humanidades, artes, negocios y asuntos públicos que han sido elegidos miembros de la Academia Americana de Artes y Ciencias. La Academia, un centro de investigación política independiente, es una de las sociedades honorarias más antiguas y prestigiosas del país y celebra este año el 230 aniversario de su fundación.

En agosto de 2010, Rollins fue nombrado medallista Edward MacDowell, el primer compositor de jazz en recibir este honor. La Medalla se ha concedido anualmente desde 1960 a un individuo que ha hecho una contribución sobresaliente en su campo.

Otro premio importante fue otorgado a Rollins el 2 de marzo de 2011, cuando recibió la Medalla de las Artes del Presidente Barack Obama en una ceremonia en la Casa Blanca. Rollins aceptó el premio, el más alto honor de la nación por excelencia artística, "en nombre de los dioses de nuestra música".

Desde 2006, Rollins ha estado publicando su música en su propio sello, Doxy Records. El primer álbum de Doxy fue Sonny, Please, la primera grabación de estudio de Rollins desde This Is What I Do. A esto le siguió el aclamado Road Shows, vol. 1 (2008), el primero de una serie de grabaciones previstas de los archivos de audio de Rollins.

El Sr. Rollins publicó Road Shows, vol. 2 en el otoño de 2011. Además del material grabado en Sapporo y Tokio, Japón, durante una gira en octubre de 2010, la grabación contiene varios temas del concierto del 80º cumpleaños de Sonny en Nueva York en septiembre de 2010, incluyendo el histórico y electrizante encuentro con Ornette Coleman.

El 3 de diciembre de 2011 Sonny Rollins fue uno de los cinco homenajeados del Kennedy Center en 2011, junto con la actriz Meryl Streep, la cantante Barbara Cook, el cantante y compositor Neil Diamond y el violonchelista Yo-Yo Ma.   Rollins dijo del honor: "Estoy profundamente agradecido por este gran honor. Al honrarme, el Kennedy Center honra el jazz, la música clásica de Estados Unidos. Por eso, estoy muy agradecido".

El CD más reciente del saxofonista es Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  Acaba de terminar la edición de Road Shows, vol. 4, para su lanzamiento en la primavera de 2016.

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