Lou Donaldson • Possom Head

 

Possum Head is an album by jazz saxophonist Lou Donaldson recorded for the Argo label in 1964 and performed by Donaldson with Bill Hardman, Big John Patton, Ray Crawford, Ben Dixon, and Cleopas Morris.

Artist Biography

Lou Donaldson is an NEA Jazz Master Lou Donaldson, alto saxophonist, recording star and entertainer extraordinaire was born in Badin, North Carolina on November 1, 1926. He is the child of parents, Lucy Wallace Donaldson, mother, and Louis Andrew Donaldson, Sr., father. His mother was a first grade teacher at Badin High School, Musical Director at the school, and a concert pianist who was a graduate of Cheney University. His father was a graduate of Livingstone College, an AME Zion minister, and insurance agent. Lou is the second of 4 children, between older sister Margaret and younger sister Elizabeth and brother William, all of whom ended up involved with music. Lou never studied piano because his mother had a switch that she would crack across the fingers when students missed a note. That turned him completely away from being a pianist. When he was about 9 years old, she heard him singing or humming all of the piano etudes that the students played and she took him aside and told him that he had more musical talent than anyone in the family and that he needed to play some type of instrument. She got a clarinet from the Band Director, Leo Gabriel, at the Alcoa Aluminum Plant Band. Although she knew nothing about the clarinet, she taught him basic music and they used the clarinet book to learn the fingerings and how to play the clarinet. Lou mastered the instrument and this ignited his pursuit of a career in music.

At age 15, Lou matriculated to North Carolina A& T College where he received a Bachelor's of Science degree and joined the marching band playing clarinet. After being drafted into the US Navy in 1945, he played in the Great Lakes Navy Band where, when playing for dances, he would also play the alto saxophone. After going into Chicago several times, he heard of Charlie Parker and, after checking him out, he decided that this was the style of playing he would make his own. Previously he had played like Johnny Hodges, or Tab Smith, or another saxophonist named Pete Brown. Returning from the military back to North Carolina A& T College, he played in the dance band led by Billy Tolles, who was a great saxophonist who played with several groups and with the Sabby Lewis Band during the summer months in Boston. Touring bands, such as Count Basie, Erskine Hawkins, Buddy Johnson, and Andy Kirk—all dance bands, used to come through Greensboro, North Carolina periodically four or five times a year. The students from the school would go down sometimes and sit in with the bands, all of which prompted the musicians in the band to tell them to come to New York. Lou never did go to New York then because he was also playing baseball which he loved dearly. But Illinois Jacquet came through with a tremendous band and Lou sat in with this band. The drummer was Poppa Joe Jones who, without any reservations, told Lou to come to New York and checked him in his hotel behind the Apollo Theater. Also, there was an Army band stationed in Greensboro that had several musicians of note: James Moody, Dave Burns, Joe Gale, and Walter Fuller and they insisted that Lou go to New York to establish himself as a musician. They assured him he would be welcomed and that he would be able to “cut the mustard”. Taking this advice, Lou went to New York in 1950 or late 49. Being a GI and a Veteran he enrolled in the Darrow Institute of Music, which was a GI school, and was paid a monthly stipend so that he could survive. While at the school, he played many small clubs in Harlem where he lived at 127th Street and 8th Avenue with his new wife, Maker. Maker was his longtime sweetheart from North Carolina and remained his wife and business partner for 56 years until her death in 2006. Together they raised two children—Lydia, deceased, who was a nurse and educational recruiter, and Dr. E. Carol Webster, clinical psychologist and author who resides in Fort Lauderdale and who, along with husband Charles, founded the African American Success Foundation that Lou very happily supports each year by doing a Jazz Benefit.

Once he moved to New York, Lou worked weekends in Jersey with Dud Bascomb's band. One night while working at Minton's Playhouse—the famous jazz club, he was approached by Alfred Lyons of Blue Note Records to make a recording and he suggested that Lou make a Charlie Parker- type recording which he did with the Milt Jackson Quartet. At that time, it was Milt Jackson, Percy Heath, John Lewis, and Kenny Clark. Later on this group would be called the Modern Jazz Quartet. The record was successful and the company asked him to make a record on his own and this is why he's most proud of his time at Blue Note Records— because this date started a career for him that actually made him bring several musicians to Blue Note Records and today he's very proud to have been the first to record these musicians— Horace Silver, Clifford Brown, Grant Green, John Patton, Blue Mitchell, Donald Byrd, Horace Parlan, Tommy Turrentine, Al Harewood, George Tucker, Jameel Nasser, and Curtis Fuller—with his group at Blue Note Records. Lou brought Gene Harris and the 3 Sounds from Washington DC to New York to record with him on the famous album called LD Plus 3 which was a big hit. His most famous group was Herman Foster on piano, Ray Baretto on conga, Peck Morrison on bass, and Dave Bailey on drums, which was the best move he made during his tenure on the label. This group recorded the famous record which is still selling today, Blues Walk—and on the back side, The Masquerade is Over. This solo is dearly considered by many disc jockeys as one of the top alto solos of all times and, along with Blues Walk, was used by many as a theme song. Another album Lou is very proud of is Lush Life, recorded for Blue Note with Duke Pearson as arranger and producer, that had several musicians who later become famous ?” Freddy Hubbard, on trumpet, Wayne Shorter on tenor saxophone, Pepper Adams on baritone saxophone, Al Harewood on drums, McCoy Tyner on piano, Jerry Dodgin on alto saxophone, Garnet Brown on trombone, and Ron Carter on bass.

After this recording, there was a big demand for Lou in Europe and he started to tour through the Wim Wigt Agency out of Wageningen, Holland in the Netherlands with his group—Herman Foster, piano, Nat Yarborough, drums, Jeff Fuller, bass, and Lou on alto saxophone —very successfully for years. Many dates and many records in between, he finally met the great Jimmy Smith and was prominent on the record, The Sermon. He often told Jimmy that his solo on that record made Jimmy famous. The organ sound was so powerful and commercial that he started making organ records. In 1968 he recorded, Alligator Boogaloo with Dr. Lonnie Smith on the organ, George Benson on guitar, Melvin Lasky on trumpet, Idris Mohammed (Leo Morris) on drums which was a hit record. It stayed on the Best Selling Billboard chart for 52 weeks, and put Lou into a good position musically and financially. He then continued to make these type of records with the great Charles Earland, the great Leon Spencer, Jr. Billy Gardner and Baby Face Willette. Then Lou began to sing blues and luckily came up with a big hit called Whiskey Drinkin' Woman, recorded on Wim Wigt's label, Timeless Records, that is still in great demand every time he plays a set.

In the mid 60's, Lou furthered his success as a musician and businessman. He set up his own tour of clubs—which was no easy feat in those days. Beginning in Rochester, NY, then to Buffalo, NY, and on to Pittsburgh, Pa.—where he worked two great clubs: Birdie's and Crawford Grill, then would head to Cleveland. All of these clubs were like two week stands and they weren't too far for Lou to drive because at that time he would have to carry an organ which he put on a U-Haul trailer. These places he booked and he would call ahead and keep booking so thathe could get more work and stay on the road. After Cleveland he would go to Columbus, right on the campus of Ohio State where one of his best friends, Warren Stephens, had a club—the Sacred Mushroom. Stephens also was an agent with the Ruth Bowen Agency and helped Lou get some gigs. Then Lou would move on to Dayton, Ohio to another club called Jilly's. Then onto Cincinnati, a few miles away from Dayton he would play two clubs—Babe Baker's and the Modern Jazz Room. From Cincinnati was another short jump to Louisville, Kentucky to the big club the Idle Hour. From there Lou would take old US 50 to Old St. Louis to the Riviera Club, the Gaslight Square Club, and a very famous club called Georgie's. Then he would head 7 miles away across the river to East St. Louis to the Blue Note Club owned by Leo Gooden, a good friend of his, where he met Oliver Nelson and recorded a great album that Oliver arranged for him called Rough House Blues.

After St Louis, Lou would drive a couple of hundred more miles to Kansas City where he worked the Blue Room on 18th and Vine—the very famous street in Kansas City, and several clubs for well known club owner Jimmy Willis. Then he would head into Wichita to Bill Reeves' Steakhouse where all the food was free so the band had a nice stay for two weeks. Then from there, Lou was on to Tulsa, Oklahoma to the Twilight club, which was on a mountain overlooking Tulsa, for good friend Lloyd Williams, and then on to Dallas where the band worked 3 or 4 clubs, such as Lark Club owned by Chuck Banks. But the most prominent one was Magruder's. Then Lou would work a nice club in Fort Worth, the Blue Flamingo, which was about 40 to 50 miles from there, and then would put a long set together and go all the way to Los Angeles, California and work the It Club, run by a famous promoter named John T McClain. Lou also worked the Zebra Lounge on that famous avenue that a lot of people don't like to talk about anymore, Central Avenue. Then the band went up to San Francisco and Oakland to play a club named Mister Major's. After the band had a chance to rest, Lou started the long trip back to New York by stopping in Colorado at Basin Street West and also another club in Denver called the KC Lounge. Coming back over the top, the band dropped into Chicago where most of the time Lou worked for a good friend, Joe Segal who had a club named the Jazz Showcase which Lou worked for many years, which is still there. He also worked two very good clubs— McKee's Lounge and had some one nighters at the Persian Ballroom on 63rd and Cottage Grove. Then Lou would take the next trip coming back toward New York to Detroit where he'd work Baker's Lounge, a very famous club still there, and also the Blue Note Club which was owned by a good friend, Clarence Eddings. After Detroit, the band typically deadheaded straight across to play Cleveland one more time in another place called Leo's Casino which was at 55th and Central in Cleveland, and also Corner Tavern, then owned by Don King. The band would come back and play another place in Pittsburgh and then come across the Pennsylvania Turnpike to Philly to play the Blue Note on Ridge Avenue, Club Harlem, and a few more. Then Lou would drive the 90 miles back to New York.

Lou is most proud of this tour because several other bands would call him during these years and he would give them the scheme of the clubs so they could also book them and play there. Sometimes he would be called by big promoters and people booking other groups to put their bands in these clubs because they didn't even know where these clubs were. Jack Whittemore, Miles Davis' manager, was famous for calling Lou to try to get Miles into some of these clubs even though they were so-called “ghetto clubs” because they were in poorer neighborhoods and Lou didn't know whether the great fans who frequented these clubs would relate to the groups that Miles, John Coltrane, and these types of musicians had. But Lou told them anyway and some got work in these clubs because of his help. Lou also remembers getting John Coltrane one of his first gigs in a place called Vernon's which was in New Orleans, Louisiana—and was also on Louisiana Avenue—and the manager was not too happy with the group. Also the Judge's Chamber in East St. Louis, Illinois where Lou had to talk the guy into paying Coltrane enough money to get him back to New York because he was unsatisfied with the group and was not going to pay up the money. These were the types of things even the great musicians had to face, but Lou eventually convinced the club to do the right thing and this got Coltrane back to New York.

During these memorable years, Lou had four distinct groups that he would use for the organ sound: one group was John Patton on organ, Bill Hardman on trumpet, Grant Green on guitar, and Ben Dixon on drums. Another group was Lonnie Smith on organ, Billy Kaye on drums, Mark Elf on guitar—and sometimes Melvin Sparks on guitar, and Joe Dukes on drums—the greatest organ drummer of all times. Later he had another group with Caesar Frazier on organ, Eric Johnson on guitar, and Billy Kaye on drums with Sweet Lou on alto. Another of Lou's groups had Charles Earland on organ, Jimmy Ponder on guitar, Blue Mitchell on trumpet, and Idris Muhammad on drums. These groups played mostly the so- called “ghetto clubs” where the fans really got into their music and sometimes they were booked even for dancing. It was a very successful set up and several other people like Hank Crawford, Jack McDuff, Groove Holmes, Sonny Stitt, and even Dizzy found out about these clubs and had a good run following this idea. Later in the ‘80's, Lou began to go to Europe again touring most of the countries playing jazz festivals and one nighters and even today remains in demand for these types of jobs when he's able to do them. He has continued to play in between commercial and jazz music—sort of modified in places where the avante garde or what is called ultra modern—might run into some problems with the audience. Using this system, he has survived and continues to work as much as he possibly can at his age. This octogenarian has to space his appearances to suit his health and availability. He works locally in New York, his home town, twice a year at the Village Vanguard and twice a year and the Birdland Club, as well as many jazz festivals, concerts, and one nighters throughout the country and around the world. He is very proud of his current group that boasts the musical excellence of Randy Johnston on guitar, Akiko Tsuruga on organ, Fukushi Tainaka on drums along with Lou on alto sax.

Lou was awarded the honorary Doctorate of Letters by North Carolina A& T University and a scholarship was established in his name that is awarded to the most gifted jazz musician at North Carolina A&T University each year. He was inducted into the International Jazz Hall of Fame and is the recipient of countless other honors and awards for his outstanding contributions to jazz.

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Possum Head es un álbum del saxofonista de jazz Lou Donaldson grabado para el sello Argo en 1964 e interpretado por Donaldson con Bill Hardman, Big John Patton, Ray Crawford, Ben Dixon y Cleopas Morris.


Biografía del artista

Lou Donaldson es un maestro del jazz de NEA Lou Donaldson, saxofonista alto, estrella de la grabación y artista extraordinario que nació en Badin, Carolina del Norte el 1 de noviembre de 1926. Es hijo de los padres, Lucy Wallace Donaldson, madre, y Louis Andrew Donaldson, padre. Su madre era profesora de primer grado en Badin High School, Directora Musical en la escuela, y concertista de piano graduada de la Universidad de Cheney. Su padre se graduó de Livingstone College, ministro de AME Zion y agente de seguros. Lou es el segundo de 4 hijos, entre su hermana mayor Margaret y su hermana menor Elizabeth y su hermano William, todos los cuales terminaron involucrados con la música. Lou nunca estudió piano porque su madre tenía un interruptor que se rompía entre los dedos cuando los estudiantes perdían una nota. Eso le hizo dejar de ser pianista. Cuando tenía unos 9 años, ella lo escuchó cantar o tararear todos los estudios de piano que tocaban los estudiantes y lo llevó aparte y le dijo que tenía más talento musical que nadie en la familia y que necesitaba tocar algún tipo de instrumento. Obtuvo un clarinete del director de la banda, Leo Gabriel, en la Alcoa Aluminum Plant Band. Aunque ella no sabía nada sobre el clarinete, le enseñó música básica y usaron el libro de clarinete para aprender las digitaciones y cómo tocar el clarinete. Lou dominó el instrumento y esto encendió su búsqueda de una carrera en la música.

A la edad de 15 años, Lou se matriculó en el North Carolina A&T College donde recibió su licenciatura en Ciencias y se unió a la banda tocando clarinete. Después de ser reclutado en la Marina de los Estados Unidos en 1945, tocó en la Banda de la Marina de los Grandes Lagos donde, cuando tocaba para los bailes, también tocaba el saxofón alto. Después de ir a Chicago varias veces, oyó hablar de Charlie Parker y, después de comprobarlo, decidió que este era el estilo de juego que se haría suyo. Anteriormente había tocado como Johnny Hodges, o Tab Smith, u otro saxofonista llamado Pete Brown. Al regresar del ejército al North Carolina A&T College, tocó en la banda de baile liderada por Billy Tolles, quien fue un gran saxofonista que tocó con varios grupos y con la Sabby Lewis Band durante los meses de verano en Boston. Las bandas de gira, como Count Basie, Erskine Hawkins, Buddy Johnson, y Andy Kirk-todas las bandas de baile, solían venir a Greensboro, Carolina del Norte periódicamente cuatro o cinco veces al año. Los estudiantes de la escuela bajaban a veces y se sentaban con las bandas, lo que impulsaba a los músicos de la banda a decirles que vinieran a Nueva York. Lou nunca fue a Nueva York porque también jugaba al béisbol, algo que le encantaba. Pero Illinois Jacquet llegó con una banda tremenda y Lou se sentó con ella. El baterista fue Poppa Joe Jones quien, sin ninguna reservación, le dijo a Lou que viniera a Nueva York y lo registrara en su hotel detrás del Apollo Theater. Además, había una banda del Ejército estacionada en Greensboro que tenía varios músicos destacados: James Moody, Dave Burns, Joe Gale y Walter Fuller e insistieron en que Lou fuera a Nueva York para establecerse como músico. Le aseguraron que sería bienvenido y que podría "cortar la mostaza". Siguiendo este consejo, Lou fue a Nueva York en 1950 o a finales de los 49. Siendo un soldado y veterano, se inscribió en el Darrow Institute of Music, que era una escuela de soldados, y se le pagó un estipendio mensual para que pudiera sobrevivir. Mientras estaba en la escuela, tocaba en muchos clubes pequeños en Harlem, donde vivía en la calle 127 y la 8ª Avenida con su nueva esposa, Maker. Maker fue su novia de toda la vida desde Carolina del Norte y siguió siendo su esposa y socia de negocios durante 56 años hasta su muerte en 2006. Juntos criaron a dos hijos: Lydia, fallecida, que era enfermera y reclutadora educativa, y la Dra. E. Carol Webster, psicóloga clínica y autora que reside en Fort Lauderdale y que, junto con su esposo Charles, fundó la Fundación Afroamericana de Éxito, a la que Lou apoya muy felizmente todos los años haciendo un Jazz Benefit.

Una vez que se mudó a Nueva York, Lou trabajó los fines de semana en Jersey con la banda de Dud Bascomb. Una noche, mientras trabajaba en el Playhouse de Minton -el famoso club de jazz-, Alfred Lyons, de Blue Note Records, le propuso hacer una grabación y le sugirió a Lou que hiciera una grabación del tipo de Charlie Parker, lo que hizo con el Milt Jackson Quartet. En ese momento, eran Milt Jackson, Percy Heath, John Lewis y Kenny Clark. Más tarde este grupo se llamaría Modern Jazz Quartet. El disco fue un éxito y la compañía le pidió que grabara un disco por su cuenta y es por eso que está más orgulloso de su tiempo en Blue Note Records - porque esta fecha comenzó una carrera para él que le hizo traer a varios músicos a Blue Note Records y hoy está muy orgulloso de haber sido el primero en grabar a estos músicos - Horace Silver, Clifford Brown, Grant Green, John Patton, Blue Mitchell, Donald Byrd, Horace Parlan, Tommy Turrentine, Al Harewood, George Tucker, Jameel Nasser y Curtis Fuller, con su grupo en Blue Note Records. Lou trajo a Gene Harris y los 3 sonidos de Washington DC a Nueva York para grabar con él en el famoso álbum LD Plus 3 que fue un gran éxito. Su grupo más famoso fue Herman Foster al piano, Ray Baretto a la conga, Peck Morrison al bajo y Dave Bailey a la batería, que fue el mejor movimiento que hizo durante su mandato en el sello. Este grupo grabó el famoso disco que se sigue vendiendo hoy en día, Blues Walk-y en el reverso, The Masquerade is Over. Este solo es considerado por muchos disc-jockeys como uno de los mejores solos de contralto de todos los tiempos y, junto con Blues Walk, fue utilizado por muchos como tema principal. Otro álbum del que Lou está muy orgulloso es Lush Life, grabado para Blue Note con Duke Pearson como arreglista y productor, que tuvo varios músicos que más tarde se hicieron famosos?" Freddy Hubbard, en trompeta, Wayne Shorter en saxo tenor, Pepper Adams en saxo barítono, Al Harewood en batería, McCoy Tyner en piano, Jerry Dodgin en saxo alto, Garnet Brown en trombón y Ron Carter en bajo.

Después de esta grabación, hubo una gran demanda de Lou en Europa y comenzó a hacer giras por la Wim Wigt Agency en Wageningen, Holanda, con su grupo -Herman Foster, piano, Nat Yarborough, batería, Jeff Fuller, bajo y Lou en saxofón alto- con mucho éxito durante años. Muchas fechas y muchos discos en el medio, finalmente conoció al gran Jimmy Smith y fue prominente en el disco, El Sermón. A menudo le decía a Jimmy que su solo en ese disco le hacía famoso. El sonido del órgano era tan poderoso y comercial que comenzó a hacer discos de órgano. En 1968 grabó Alligator Boogaloo con el Dr. Lonnie Smith al órgano, George Benson a la guitarra, Melvin Lasky a la trompeta, Idris Mohammed (Leo Morris) a la batería, que fue un disco de éxito. Permaneció en la lista de los más vendidos durante 52 semanas, y puso a Lou en una buena posición musical y financiera. Luego continuó haciendo este tipo de discos con el gran Charles Earland, el gran Leon Spencer, Jr. Billy Gardner y Cara de Bebé Willette. Luego Lou comenzó a cantar blues y afortunadamente se le ocurrió un gran éxito llamado Whiskey Drinkin' Woman, grabado en el sello de Wim Wigt, Timeless Records, que sigue siendo muy solicitado cada vez que toca un set.

A mediados de los años 60, Lou amplió su éxito como músico y hombre de negocios. Organizó su propia gira de clubes, lo que no fue tarea fácil en aquellos días. Comenzando en Rochester, NY, luego en Buffalo, NY, y luego en Pittsburgh, Pa.-donde trabajó en dos grandes clubes: Birdie's y Crawford Grill, luego se dirigían a Cleveland. Todos estos clubes eran como stands de dos semanas y no estaban muy lejos para que Lou condujera porque en ese momento tendría que llevar un órgano que puso en un remolque de U-Haul. Estos lugares los reservaba y llamaba con anticipación y los seguía reservando para que pudiera conseguir más trabajo y mantenerse en la carretera. Después de Cleveland se iba a Columbus, justo en el campus de Ohio State, donde uno de sus mejores amigos, Warren Stephens, tenía un club: el Sacred Mushroom. Stephens también era agente de la Agencia Ruth Bowen y ayudó a Lou a conseguir algunos conciertos. Luego Lou se mudaría a Dayton, Ohio, a otro club llamado Jilly's. Luego, en Cincinnati, a pocos kilómetros de Dayton, tocaba en dos clubes: Babe Baker's y Modern Jazz Room. De Cincinnati fue otro salto corto a Louisville, Kentucky al gran club de la hora de descanso. Desde allí Lou llevaría la vieja US 50 a Old St. Louis al Riviera Club, al Gaslight Square Club y a un club muy famoso llamado Georgie's. Louis al Blue Note Club propiedad de Leo Gooden, un buen amigo suyo, donde conoció a Oliver Nelson y grabó un gran álbum que Oliver arregló para él llamado Rough House Blues.

Después de St. Louis, Lou conduciría un par de cientos de millas más hasta Kansas City, donde trabajó en el Blue Room de la calle 18 y Vine-la famosa calle de Kansas City, y en varios clubes para el conocido dueño del club, Jimmy Willis. Luego se dirigía a Wichita a Bill Reeves's Steakhouse donde toda la comida era gratis, así que la banda tuvo una agradable estancia durante dos semanas. Luego de ahí, Lou fue a Tulsa, Oklahoma al club Twilight, que estaba en una montaña con vistas a Tulsa, para el buen amigo Lloyd Williams, y luego a Dallas, donde la banda trabajaba en 3 o 4 clubes, como Lark Club, propiedad de Chuck Banks. Pero la más prominente era la de Magruder. Luego Lou trabajaría en un bonito club en Fort Worth, el Blue Flamingo, que estaba a unas 40 a 50 millas de allí, y luego armaría un largo set e iría hasta Los Ángeles, California y trabajaría en el It Club, dirigido por un famoso promotor llamado John T McClain. Lou también trabajó en el Zebra Lounge en esa famosa avenida de la que a mucha gente ya no le gusta hablar, Central Avenue. Luego la banda fue a San Francisco y Oakland a tocar en un club llamado Mister Major's. Después de que la banda tuvo la oportunidad de descansar, Lou comenzó el largo viaje de regreso a Nueva York parando en Colorado en Basin Street West y también en otro club en Denver llamado KC Lounge. Volviendo a la cima, la banda cayó en Chicago, donde la mayor parte del tiempo Lou trabajaba para un buen amigo, Joe Segal, que tenía un club llamado Jazz Showcase, en el que Lou trabajó durante muchos años, y que todavía está allí. También trabajó en dos clubes muy buenos - McKee's Lounge y tuvo algunos noctámbulos en el Persian Ballroom en la 63 y Cottage Grove. Luego Lou haría el siguiente viaje volviendo a Nueva York a Detroit donde trabajaría en Baker's Lounge, un club muy famoso que aún existe, y también en el Blue Note Club que era propiedad de un buen amigo, Clarence Eddings. Después de Detroit, la banda se dirigió directamente a Cleveland para tocar una vez más en otro lugar llamado Leo's Casino, que estaba en la calle 55 y Central en Cleveland, y también en Corner Tavern, entonces propiedad de Don King. La banda regresaba y tocaba en otro lugar en Pittsburgh y luego se cruzaba con el Pennsylvania Turnpike a Filadelfia para tocar el Blue Note en Ridge Avenue, el Club Harlem, y unos cuantos más. Entonces Lou conduciría las 90 millas de regreso a Nueva York.

Lou está muy orgulloso de esta gira porque varias otras bandas lo llamarían durante estos años y les daría el esquema de los clubes para que ellos también los reservaran y tocaran allí. A veces lo llamaban los grandes promotores y la gente que contrataba a otros grupos para que pusieran sus bandas en estos clubes porque ni siquiera sabían dónde estaban estos clubes. Jack Whittemore, el manager de Miles Davis, era famoso por llamar a Lou para tratar de meter a Miles en algunos de estos clubes a pesar de que eran los llamados "ghetto clubs" porque estaban en barrios pobres y Lou no sabía si los grandes fans que frecuentaban estos clubes se relacionarían con los grupos que Miles, John Coltrane y este tipo de músicos tenían. Pero Lou se lo dijo de todos modos y algunos consiguieron trabajo en estos clubes gracias a su ayuda. Lou también recuerda haberle conseguido a John Coltrane uno de sus primeros conciertos en un lugar llamado Vernon's que estaba en Nueva Orleans, Louisiana, y también en Louisiana Avenue, y el gerente no estaba muy contento con el grupo. Louis, Illinois, donde Lou tuvo que convencer al tipo para que le pagara a Coltrane suficiente dinero para que regresara a Nueva York porque no estaba satisfecho con el grupo y no iba a pagar el dinero. Este era el tipo de cosas que incluso los grandes músicos tenían que enfrentar, pero Lou finalmente convenció al club de que hiciera lo correcto y esto hizo que Coltrane regresara a Nueva York.

Durante estos años memorables, Lou tenía cuatro grupos distintos que utilizaría para el sonido del órgano: un grupo era John Patton en el órgano, Bill Hardman en la trompeta, Grant Green en la guitarra, y Ben Dixon en la batería. Otro grupo fue Lonnie Smith al órgano, Billy Kaye a la batería, Mark Elf a la guitarra-y a veces Melvin Sparks a la guitarra, y Joe Dukes a la batería-el mejor baterista de órgano de todos los tiempos. Más tarde tuvo otro grupo con Caesar Frazier al órgano, Eric Johnson a la guitarra, y Billy Kaye a la batería con Sweet Lou a la contralto. Otro de los grupos de Lou tenía a Charles Earland al órgano, Jimmy Ponder a la guitarra, Blue Mitchell a la trompeta e Idris Muhammad a la batería. Estos grupos tocaban sobre todo en los llamados "ghetto clubs", donde los aficionados se metían de lleno en su música y a veces se les reservaba incluso para bailar. Fue un montaje muy exitoso y otras personas como Hank Crawford, Jack McDuff, Groove Holmes, Sonny Stitt, e incluso Dizzy se enteraron de estos clubes y tuvieron una buena racha siguiendo esta idea. Más tarde, en los años 80, Lou comenzó a ir a Europa de nuevo de gira por la mayoría de los países tocando en festivales de jazz y en noches, y aún hoy en día sigue teniendo demanda para este tipo de trabajos cuando es capaz de hacerlo. Ha seguido tocando entre la música comercial y el jazz, algo así como modificada en lugares donde la vanguardia o lo que se llama ultramoderno podría tener problemas con el público. Usando este sistema, ha sobrevivido y continúa trabajando tanto como puede a su edad. Este octogenario tiene que espaciar sus apariciones para adaptarse a su salud y disponibilidad. Trabaja localmente en Nueva York, su ciudad natal, dos veces al año en el Village Vanguard y dos veces al año en el Birdland Club, así como en muchos festivales de jazz, conciertos y fiestas nocturnas en todo el país y en todo el mundo. Está muy orgulloso de su actual grupo que cuenta con la excelencia musical de Randy Johnston a la guitarra, Akiko Tsuruga al órgano, Fukushi Tainaka a la batería y Lou al saxo alto.

Lou recibió el Doctorado Honorario en Letras de la Universidad A&T de Carolina del Norte y se estableció una beca en su nombre que se otorga cada año al músico de jazz más talentoso de la Universidad A&T de Carolina del Norte. Fue admitido en el Salón de la Fama del Jazz Internacional y ha recibido innumerables otros honores y premios por sus destacadas contribuciones al jazz.

Dr. Lonnie Smith • Too Damn Hot!

 

Hammond B-3 boss Dr. Lonnie Smith ends up on yet another new label with Too Damn Hot!, the follow-up to his thoroughly enjoyable -- if curious -- Boogaloo to Beck outing from 2003. This studio set places the organist in the company of two fine guitarists -- Peter Bernstein (lead) and Rodney Jones (rhythm), and alternating drummers Greg Hutchinson and Fukushi Tainaka. The two-guitar format is lovely in that it presents a wide array of colors and harmonic textures to the proceedings. The material is a compendium of new soul-jazz originals like the title track, which is a sultry slow burner with killer chorded solos by Smith, and "The Whip," a slippery funky hard bopper that recalls Johnny Patton's sessions with Grant Green. There are two covers present here as well, a fine version of Horace Silver's ballad "Silver Serenade" and a whimsical read of "Someday My Prince Will Come." The album's final cut, "Evil Turn," cooks like mad in stunning bop fashion. This is a keeper and Smith's best record of the decade so far. http://www.allmusic.com/album/too-damn-hot-mw000025681

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El jefe de Hammond B-3, el Dr. Lonnie Smith, termina en otra nueva etiqueta con Too Damn Hot!, la continuación de su completamente agradable - aunque curiosa - salida de Boogaloo a Beck del 2003. Este set de estudio coloca al organista en compañía de dos buenos guitarristas -- Peter Bernstein (líder) y Rodney Jones (ritmo), y los bateristas alternativos Greg Hutchinson y Fukushi Tainaka. El formato de dos guitarras es encantador porque presenta una amplia gama de colores y texturas armónicas en los procedimientos. El material es un compendio de nuevos originales de soul-jazz como el tema principal, que es un sensual slow burner con solos de acordes asesinos de Smith, y "The Whip", un resbaladizo y funky hard bopper que recuerda las sesiones de Johnny Patton con Grant Green. También hay dos portadas presentes aquí, una fina versión de la balada de Horace Silver "Silver Serenade" y una caprichosa lectura de "Someday My Prince Will Come". El corte final del álbum, "Evil Turn", se cocina como loco en una asombrosa moda bop. Este es el mejor disco de Smith de la década hasta ahora. http://www.allmusic.com/album/too-damn-hot-mw000025681

www.drlonniesmith.com ...

 

Melvin Sparks • Im A Gittar Player

 

Review by Alex Henderson

Although he appeared on countless R&B and soul-jazz sessions in the 1960s and early 1970s, Melvin Sparks has recorded only sporadically as a leader over the years. The late 1990s found the swinging, Grant Green-influenced guitarist recording for the Minneapolis-based Cannonball label and playing much the same type of groove-oriented organ-combo music he'd been embracing 25 and 30 years earlier. Recalling his work with Charles Earland, I'm a 'Gittar' Player employs Ron Levy on the Hammond B-3 and offers a very accessible fusion of jazz, R&B, blues and pop that often sounds like it could have been recorded in 1970. The only thing letting you know that this decent, enjoyable CD wasn't recorded back then is some Salt-N-Pepa-ish rapping that Sparks' daughters Ayisha and Idrissa provide on a remake of KC & the Sunshine Band's "Get Down Tonight." Otherwise, a retro outlook prevails. From the Latin-influenced "Jiggy" (which bears a definite resemblance to War's 1970 hit "Spill the Wine") to congenial numbers like "Sparkling," "Taste the Flavor" and "Mr. Texas," I'm a 'Gittar' Player demonstrates that jazz can have commercial appeal and pop leanings without sacrificing the type of spontaneity and blues feeling that make it jazz in the first place.

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Traducción Automática:

Revisión por Alex Henderson
Aunque apareció en innumerables sesiones de R&B y soul-jazz en la década de los 60 y principios de los 70, Melvin Sparks ha grabado solo de forma esporádica como líder a lo largo de los años. A fines de la década de 1990, se encontró con el guitarrista de Grant Green, con influencia de Green, para el sello Cannonball de Minneapolis y tocaba casi el mismo tipo de música de órgano-combo orientada al ritmo que había estado abrazando 25 y 30 años antes. Al recordar su trabajo con Charles Earland, soy un jugador 'Gittar' que emplea a Ron Levy en el Hammond B-3 y ofrece una fusión muy accesible de jazz, R&B, blues y pop que a menudo suena como si pudiera haber sido grabado en 1970. Lo único que te hace saber que este decente y agradable CD no se grabó en ese momento es el rap de Salt-N-Pepa-ish que las hijas de Sparks Ayisha e Idrissa ofrecen en una nueva versión de "Get Down Tonight" de KC & Sunshine Band. " De lo contrario, una perspectiva retro prevalece. Desde el "Jiggy" de influencia latina (que se parece mucho al éxito de 1970 de la Guerra, "Spill the Wine") a números similares como "Sparkling", "Taste the Flavor" y "Mr. Texas", soy un 'Gittar 'El jugador demuestra que el jazz puede tener un atractivo comercial y tendencias pop sin sacrificar el tipo de espontaneidad y el sentimiento de blues que lo hacen el jazz en primer lugar. 

 

 

The New Mastersounds • Masterology The Pioneers Of New British Funk

In the late 1990’s, guitarist and producer Eddie Roberts was promoting a club night in Leeds called “The Cooker.” When The Cooker moved into a new venue with a second floor in 1999, there was space and the opportunity to put a live band together to complement the DJ sets. Simon Allen and Eddie had previously played together as The Mastersounds, though with a different bassist and no organ. Through friends and the intimate nature of the Leeds music scene, Pete Shand and Bob Birch were added on bass and Hammond respectively, and The New Mastersounds were born. Though it was raw, and more of a boogaloo sound at first, it was powerful from the start. Their first rehearsal was hot enough for Blow it Hard Records to release on two limited-edition 7” singles in 2000.

Fast-forward 19 years, and the band’s recorded catalogue boasts 24 more 7” singles, 13 studio albums, 3 live albums, 1 remix album and 3 compilation albums, released variously in UK, Japan, and USA - where they continue to tour extensively. Joe Tatton, another veteran of the Leeds scene, joined back in 2007, replacing Bob Birch on organ and piano.

As a band, and as individuals, they have collaborated with an impressive array of musicians, DJs and producers, including: Lou Donaldson, Corinne Bailey Rae, Quantic, Carleen Anderson, Keb Darge, Kenny Dope, Mr Scruff, LSK, Lack of Afro, Page McConnell, Grace Potter, Karl Denson, Melvin Sparks, Idris Muhammad, Fred Wesley, Pee-Wee Ellis, Maceo Parker, Bernard Purdie, George Porter Jr, Zigaboo Modeliste, Art Neville, Ernest Ranglin.

During a 2018 US tour, a sit-in by Atlanta-based vocalist Lamar Williams Jr turned heads, and the fit with NMS was so right that they pledged to make a record together. The resulting album was written and recorded in Denver, CO in December of that year and will be released in Fall 2019 on Eddie Roberts’ own Color Red label.

As an example of the respect this band commands, Peter Wermelinger - DJ, collector, and author of the crate-diggers’ bible The Funky & Groovy Music Lexicon - places the 2001 NMS track ‘Turn This Thing Around’ in his all-time top-ten tunes, along with the likes of Eddie Harris, Funkadelic, and Herbie Hancock. The New Mastersounds are at the very top of an elite selection of acts that bring the true soul out of funk.
http://www.newmastersounds.com/about

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A finales de los 90, el guitarrista y productor Eddie Roberts promocionaba una noche de club en Leeds llamada "The Cooker". Cuando The Cooker se trasladó a un nuevo local con una segunda planta en 1999, hubo espacio y la oportunidad de montar una banda en directo para complementar los sets de los DJ. Simon Allen y Eddie ya habían tocado juntos como The Mastersounds, aunque con un bajista diferente y sin órgano. Gracias a los amigos y a la naturaleza íntima de la escena musical de Leeds, Pete Shand y Bob Birch se incorporaron al bajo y al Hammond respectivamente, y así nació The New Mastersounds. Aunque su sonido era crudo y más bien de boogaloo al principio, fue potente desde el principio. Su primer ensayo fue lo suficientemente bueno como para que Blow it Hard Records lo publicara en dos singles de 7" de edición limitada en el año 2000.

Avancemos 19 años, y el catálogo de la banda cuenta con 24 singles de 7" más, 13 álbumes de estudio, 3 álbumes en directo, 1 álbum de remezclas y 3 álbumes recopilatorios, editados en Reino Unido, Japón y Estados Unidos, donde siguen realizando numerosas giras. Joe Tatton, otro veterano de la escena de Leeds, se unió en 2007, sustituyendo a Bob Birch en el órgano y el piano.

Como banda, y como individuos, han colaborado con una impresionante variedad de músicos, DJs y productores, incluyendo: Lou Donaldson, Corinne Bailey Rae, Quantic, Carleen Anderson, Keb Darge, Kenny Dope, Mr Scruff, LSK, Lack of Afro, Page McConnell, Grace Potter, Karl Denson, Melvin Sparks, Idris Muhammad, Fred Wesley, Pee-Wee Ellis, Maceo Parker, Bernard Purdie, George Porter Jr, Zigaboo Modeliste, Art Neville, Ernest Ranglin.

Durante una gira por Estados Unidos en 2018, una sentada del vocalista de Atlanta, Lamar Williams Jr, llamó la atención, y el encaje con NMS fue tan correcto que se comprometieron a hacer un disco juntos. El álbum resultante se escribió y grabó en Denver, CO, en diciembre de ese año y se publicará en otoño de 2019 en el propio sello Color Red de Eddie Roberts.

Como ejemplo del respeto que despierta esta banda, Peter Wermelinger -DJ, coleccionista y autor de la biblia de los buscadores de cajas The Funky & Groovy Music Lexicon- coloca el tema de NMS de 2001 'Turn This Thing Around' en su top-ten de canciones de todos los tiempos, junto con las de Eddie Harris, Funkadelic y Herbie Hancock. The New Mastersounds están en la cima de una selección de élite de artistas que sacan el verdadero alma del funk.
http://www.newmastersounds.com/about


www.newmastersounds.com ...

Grant Green • Street of Dreams (RVG-edition)

 

Amazon ...

Jimmy Smith • Sum Serious Blues

Review by Scott Yanow
Organist Jimmy Smith performs a spirited set of blues-based material (only "You've Changed" is a change of pace) with a dozen of his Los Angeles-based friends including trumpeter Oscar Brashear, the underrated tenor Herman Riley (who is best among the supporting cast), guitarist Philip Upchurch and singers Marlena Shaw and Bernard Ighner who have two vocals apiece. Nothing that surprising occurs other than Smith's surprisingly effective vocal on "Hurry Change, If You're Comin'," but the swinging music, which was arranged by Johnny Pate, should please Jimmy Smith's fans.

 

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Reseña de Scott Yanow
El organista Jimmy Smith interpreta un animado conjunto de material basado en el blues (sólo "You've Changed" es un cambio de ritmo) con una docena de sus amigos de Los Ángeles, incluyendo al trompetista Oscar Brashear, el infravalorado tenor Herman Riley (que es el mejor entre el reparto secundario), el guitarrista Philip Upchurch y los cantantes Marlena Shaw y Bernard Ighner que tienen dos voces cada uno. No hay nada tan sorprendente como la voz sorprendentemente efectiva de Smith en "Hurry Change, If You're Comin'", pero la música swing, que fue arreglada por Johnny Pate, debería complacer a los fans de Jimmy Smith.

Walter Wanderley • Batucada

Artist Biography by Alvaro Neder

Walter Wanderley was a talented and gifted organist with an acute ear for new harmonies. With 46 recorded solo albums in his entire career, both in Brazil and the U.S., he reached number 26 on the Billboard pop charts in September 1966, opening a large pathway of success only menaced by himself and his complex character. Ten years after his death from cancer, with a new fad coming, he was repackaged by the entertainment industry as a mere lounge player, carrying his record sales even further and sending the cost of his out-of-print albums to the stratosphere, but all at the cost of minimizing his significance. It is forgotten that the time lag worked against him and what today is lounge music was then innovative and revolutionary. With all those fans of samba-canção divas feeling personally insulted by those percussive rhythms reminiscent of a Brazilian black tradition that was not dear to the average Brazilian, it has to be stressed that the bossa nova movement, and Wanderley within it, had the role of affirming Brazilian identity in a broader cultural industry which was developed out of the folkloric redoubts. In fact, he also has an upbeat production full of that energy provided by his distinctive staccato stuttering style, immediately reminiscent of authentic Brazilian rhythmic and percussive impetus. He also improvised extended melodic solos without reheated licks, but that was obviously also left out of his most popular albums.

At five, he was already playing the piano. At 12, he attended the Licee of Arts for a year of theory classes, later studying harmony and arranging. Beginning his professional career while still in Recife, a most lively city with a vibrant cultural life, he worked every night either at the piano or at the organ. At 26, in 1958, he moved to São Paulo and immediately became an active player in nightclubs such as the Claridge, the Captain's Bar, and Oásis. Wanderley's first recording was in August 1959 for Odeon, with Carlos Lyra's "Lobo Bobo." Backing his wife, Brazilian singer Isaurinha Garcia (with whom he had a daughter, Monica), he recorded for the second time one month later. At that time, he was Garcia's accompanist and arranger. He would record another six LPs accompanying Garcia and another 19 solo albums in Brazil for several labels; he was left out of some of the credits because of his contract with Philips. Wanderley became known on the artistic scene for recording young artists, like Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, and others, until then with no expression out of the little nightclubs in which they performed on a nightly basis. But as the tunes and arrangements were fun to dance to, the albums sold very well. João Gilberto's João Gilberto (later reissued as O Mito in Brazil and as The Legendary João Gilberto in the U.S. in 1990 by World Pacific) from 1961 also had Walter in it. An impatient Wanderley then bent under Gilberto's oppressive, meticulous direction on March 10. That was the third album Gilberto was recording for Odeon and would be the last. Until then, Gilberto had Tom Jobim as pianist and Aluísio de Oliveira as producer. In spite of his frequent discussions with de Oliveira, the producer was the person who mediated Gilberto's hard relationship with Jobim. But de Oliveira had left Odeon the previous September, and Jobim didn't want to be scheduled for that recording. Gilberto, not knowing how to write music, insisted on expressing his musical vision of overall arrangements by singing, and that not only included the tones themselves, but the expression, timbre, and articulation. This drove Wanderley mad, especially with a certain sound effect of a boat's siren for "O Barquinho" ("Little Boat"), which was never good enough for Gilberto. The next day, Gilberto interrupted the recording of that album, only resuming it five months later with Jobim as musical director. Wanderley went on with his career and life, beginning an association with singer Claudette Soares in 1963, as an arranger and accompanist. His marriage was broken at this period. He also recorded for several renowned Brazilian singers in that time, among them Dóris Monteiro and Geraldo Vandré. It was when Tony Bennett saw Wanderley during a Brazilian tour and was taken by his playing. He urged Wanderley to move to the U.S. and, he himself talked about him to Verve Records producer Creed Taylor, also giving Taylor some of Wanderley's albums. After some insistence, Taylor sent contracts for Wanderley and his trio to record a single. So in 1966, they recorded brothers Marcos and Paulo Sérgio Valle's "Samba de Verão" ("Summer Samba"). It was an instant success, with radio stations playing it four or five times per hour. In that same year, the LP Rain Forest came out, also selling very well and was certified platinum (one million units sold) in two years. The trio accompanied Astrud Gilberto on her A Certain Smile, a Certain Sadness album, also in 1966. He would record six more solo LPs or singles for Verve until the next year, and ten more in his career in the U.S. He always sold well and had a full performing schedule, in which local presentations at the San Francisco area were interspersed with some tours to Mexico. He never did return to Brazil after moving to the U.S. and he went on with his life until death caught up with him.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

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 Biografía del artista por Alvaro Neder

Walter Wanderley era un organista talentoso y dotado con un oído agudo para las nuevas armonías. Con 46 discos en solitario grabados en toda su carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en las listas de éxitos de Billboard en septiembre de 1966, abriendo un gran camino de éxito sólo amenazado por él mismo y su complejo personaje. Diez años después de su muerte por cáncer, con una nueva moda que se avecinaba, fue reempaquetado por la industria del entretenimiento como un simple jugador de salón, llevando sus ventas de discos aún más lejos y enviando el costo de sus álbumes agotados a la estratosfera, pero todo a costa de minimizar su importancia. Se olvida que el desfase temporal le perjudicó y que lo que hoy en día es música de salón era entonces innovadora y revolucionaria. Con todos esos fanáticos de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan a una tradición negra brasileña que no era querida por el brasileño promedio, hay que subrayar que el movimiento bossa nova, y Wanderley dentro de él, tuvo el papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más amplia que se desarrolló a partir de los reductos folclóricos. De hecho, también tiene una producción optimista llena de esa energía que le proporciona su distintivo estilo de tartamudeo del staccato, que recuerda inmediatamente el auténtico impulso rítmico y percusivo brasileño. También improvisó solos melódicos extendidos sin lametones recalentados, pero eso obviamente también fue dejado fuera de sus álbumes más populares.

A los cinco años, ya tocaba el piano. A los 12 años, asistió a la Licenciatura de Artes durante un año de clases de teoría, para luego estudiar armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife, una ciudad muy animada con una vibrante vida cultural, donde trabajó todas las noches, ya sea en el piano o en el órgano. A los 26 años, en 1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un jugador activo en clubes nocturnos como el Claridge, el Captain's Bar y Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Apoyando a su esposa, la cantante brasileña Isaurinha García (con quien tuvo una hija, Mónica), grabó por segunda vez un mes después. En ese momento, era el acompañante y arreglista de García. Grabaría otros seis LPs acompañando a García y otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; fue excluido de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley se dio a conocer en la escena artística por la grabación de jóvenes artistas, como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, y otros, hasta entonces sin expresión alguna de los pequeños clubes nocturnos en los que actuaban todas las noches. Pero como las canciones y los arreglos eran divertidos para bailar, los álbumes se vendieron muy bien. João Gilberto de João Gilberto (más tarde reeditado como O Mito en Brasil y como The Legendary João Gilberto en los EE.UU. en 1990 por World Pacific) de 1961 también tenía a Walter en él. Un Wanderley impaciente se inclinó bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto el 10 de marzo. Ese fue el tercer álbum que Gilberto estaba grabando para Odeon y sería el último. Hasta entonces, Gilberto tenía a Tom Jobim como pianista y a Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus frecuentes conversaciones con de Oliveira, el productor fue la persona que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira había dejado Odeon el pasado septiembre, y Jobim no quería que se le programara para esa grabación. Gilberto, sin saber escribir música, insistió en expresar su visión musical de los arreglos globales a través del canto, y eso no sólo incluía los tonos en sí mismos, sino también la expresión, el timbre y la articulación. Esto volvió loco a Wanderley, especialmente con un cierto efecto sonoro de la sirena de un barco para "O Barquinho" ("El Barquito"), que nunca fue suficiente para Gilberto. Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de ese disco y sólo lo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical. Wanderley continuó con su carrera y su vida, comenzando una asociación con la cantante Claudette Soares en 1963, como arreglista y acompañante. Su matrimonio se rompió en este período. También grabó para varios cantantes brasileños de renombre en esa época, entre ellos Dóris Monteiro y Geraldo Vandré. Fue cuando Tony Bennett vio a Wanderley durante una gira brasileña y se dejó llevar por su forma de tocar. Instó a Wanderley a mudarse a los Estados Unidos y él mismo habló de él con el productor de Verve Records, Creed Taylor, dándole también a Taylor algunos de los discos de Wanderley. Después de alguna insistencia, Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un sencillo. Así que en 1966, grabaron a los hermanos Marcos y Paulo Sérgio Valle "Samba de Verão" ("Samba de verano"). Fue un éxito instantáneo, con estaciones de radio que lo tocaban cuatro o cinco veces por hora. En ese mismo año, el LP Rain Forest salió a la venta, también se vendió muy bien y fue certificado platino (un millón de unidades vendidas) en dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum A Certain Smile, a Certain Sadness, también en 1966. Grabaría seis LPs o singles más para Verve hasta el próximo año, y diez más en su carrera en los Estados Unidos. Siempre se vendió bien y tenía un programa completo de presentaciones, en el que las presentaciones locales en el área de San Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a Brasil después de mudarse a Estados Unidos y continuó con su vida hasta que la muerte lo atrapó.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Houston Person • Soul Dance!

Artist Biography

Houston Person wears the Boss Tenor crown, worn so long by Gene Ammons. Mr. Person is busy working his own gigs; booking his tours, finding new clubs, having phone numbers for every major concert promoter on every continent. He even produces his own albums. His first big break came while working as a sideman with organist Johnny Hammond and his group, co-led by Etta Jones. Mr. Person's working relationship with Ms. Jones began in 1973 and lasted for thirty years, until her recent passing in 2001. Early gigs happened while serving in the Army overseas in Germany, where he played with Eddie Harris, Cedar Walton and others. On Mr. Person's philosophy of jazz, he says, “Well, it's uplifting and important. And a release and a relief. That's what it is, jazz, so called jazz, to me. It's important that it's relaxing. Something that when the end of the day comes, after a hard and frustrating day out in the world, that relieves you. Relaxes you and makes you feel good.” Mr Person adds that all he wants is to give people “good solid melodies with some improvisation and plenty of blues feel.” He smiles, “You always want that dance feeling there, that happy, happy feeling.”

https://musicians.allaboutjazz.com/houstonperson

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Biografía del artista

Houston Person lleva la corona Boss Tenor, que tanto tiempo lleva Gene Ammons. El Sr. Person está ocupado trabajando en sus propios conciertos; reservando sus giras, buscando nuevos clubes, teniendo números de teléfono de todos los grandes promotores de conciertos en todos los continentes. Incluso produce sus propios álbumes. Su primera gran oportunidad llegó cuando trabajaba como acompañante con el organista Johnny Hammond y su grupo, co-dirigido por Etta Jones. La relación de trabajo del Sr. Person con la Sra. Jones comenzó en 1973 y duró treinta años, hasta su reciente fallecimiento en 2001. Los primeros conciertos tuvieron lugar mientras servía en el Ejército en el extranjero, en Alemania, donde tocó con Eddie Harris, Cedar Walton y otros. Sobre la filosofía del jazz del Sr. Person, dice: "Bueno, es edificante e importante. Y una liberación y un alivio. Eso es lo que es, el jazz, el llamado jazz, para mí. Es importante que sea relajante. Algo que cuando llega el final del día, después de un duro y frustrante día en el mundo, te alivia. Te relaja y te hace sentir bien". El Sr. Person añade que lo único que quiere es dar a la gente "buenas melodías sólidas con un poco de improvisación y un montón de sentimiento blues". Sonríe: "Siempre quieres ese sentimiento de baile, ese sentimiento de felicidad, de felicidad".

https://musicians.allaboutjazz.com/houstonperson

Shirley Scott • Queen Of The Organ

Review

This CD reissue brings back all of the music previously put out on the two-LP set The Great Live Sessions with the exception of one number ("Shirley's Shuffle") left out due to lack of space; with over 70 minutes of music, one cannot complain too much about the omission. Overall, this is a pretty definitive live set featuring organist Shirley Scott, tenor saxophonist Stanley Turrentine, bassist Bob Cranshaw and drummer Otis "Candy" Finch, one of the great soul-jazz combos of the 1960s. In addition to a swinging "Just In Time" and Duke Ellington's "Squeeze Me, But Please Don't Tease Me," the set mostly features obscurities and originals, plus a surprisingly effective version of the Beatles' "Can't Buy Me Love." The musicians sound quite heated and consistently inspired. Highly recommended.

by Scott Yanow

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Reseña:

Esta reedición del CD trae de vuelta toda la música previamente puesta en el set de dos-LP The Great Live Sessions con la excepción de un número ("Shirley's Shuffle") dejado fuera por falta de espacio; con más de 70 minutos de música, uno no puede quejarse demasiado de la omisión. En general, este es un set en vivo bastante definitivo con la organista Shirley Scott, el saxofonista tenor Stanley Turrentine, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Otis "Candy" Finch, uno de los grandes combos de soul-jazz de los años 60. Además de un swing "Just In Time" y "Squeeze Me, But Please Don't Tease Me" de Duke Ellington, el conjunto presenta sobre todo oscuridades y originales, además de una versión sorprendentemente efectiva de "Can't Buy Me Love" de los Beatles. Los músicos suenan muy acalorados y consistentemente inspirados. Altamente recomendado.

por Scott Yanow

Jimmy Reed • Aint That Loving You Baby

 

Lou Donaldson • Everything I Play Is Funky

 Review by Steve Huey

Although purists might not find it as much to their taste as Midnight Creeper, Everything I Play Is Funky is easily one of the best examples of Lou Donaldson's commercially accessible period of the late '60s and early '70s. Donaldson's forays into funk and R&B-driven soul-jazz could sometimes sound stiff, but the grooves here -- which feature many of the same players -- are consistently limber and unforced. And, typical of the style, the grooves (not adventurous improvisation) are what make the album tick. For once, Donaldson's attempt at an R&B cover -- in this case, the Lee Dorsey-sung, Allen Toussaint-penned "Everything I Do Gonna Be Funky (From Now On)" -- is pulled off well enough to make for an entirely convincing statement of purpose. That number kicks off an entertaining program also highlighted by three Donaldson originals -- the cooking funk number "Donkey Walk," which seems to inspire the fieriest solos on the record, the cheery calypso "West Indian Daddy," and the hard bop-flavored "Minor Bash." There's also a version of "Over the Rainbow" done in Donaldson's caressing, melodic ballad style, and the simple funk vamp "Hamp's Hump." It's a nicely varied assortment, all anchored by the percolating rhythm section of guitarist Melvin Sparks, bassist Jimmy Lewis, and drummer Idris Muhammad (Charles Earland and Dr. Lonnie Smith switch off on organ, and Blue Mitchell and Eddie Williams do the same on trumpet). This is the sort of record that modern-day Donaldson disciples like the Sugarman Three cherish, and one of his few truly consistent efforts in this style. Recommended wholeheartedly to funk and rare-groove fans.

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Traducción Automática:

Reseña por Steve Huey

Aunque los puristas no lo encuentren a su gusto como Midnight Creeper, Everything I Play Is Funky es fácilmente uno de los mejores ejemplos del período comercialmente accesible de Lou Donaldson de finales de los sesenta y principios de los setenta. Las incursiones de Donaldson en el funk y el soul-jazz impulsado por el R&B a veces pueden sonar rígidos, pero los ritmos aquí, que incluyen a muchos de los mismos jugadores, son consistentemente ágiles y no forzados. Y, típico del estilo, los surcos (no la improvisación aventurera) son los que hacen que el álbum funcione. Por una vez, el intento de Donaldson de una portada de R&B, en este caso el "Todo lo que hago va a ser funky (interpretado por Lee Dorsey), interpretado por Allen Toussaint" Se arranca lo suficientemente bien como para crear una declaración convincente de propósito. Ese número da inicio a un entretenido programa también resaltado por tres originales de Donaldson: el número funky de cocina "Donkey Walk", que parece inspirar a los solos más feroces del disco, el alegre calypso "West Indian Daddy" y el duro sabor a bop "Golpe menor". También hay una versión de "Over the Rainbow" realizada en el estilo de balada melódica y caricias de Donaldson, y en el simple vampiro funk "Hamp's Hump". Es un surtido muy variado, todo anclado por la sección de ritmo percolador del guitarrista Melvin Sparks, el bajista Jimmy Lewis y el baterista Idris Muhammad (Charles Earland y el Dr. Lonnie Smith apagan el órgano, y Blue Mitchell y Eddie Williams hacen lo mismo en la trompeta ). Este es el tipo de registro que los discípulos modernos de Donaldson como Sugarman Three aprecian, y uno de sus pocos esfuerzos verdaderamente consistentes en este estilo. Recomendado de todo corazón para los fanáticos del funk y el groove raro.

 

Johnny Lytle-Albert Dailey-Chester Thompson • I Giganti Del Jazz

Niacin • Blood, Sweat and Beers

Niacin is a neo-fusion instrumental trio featuring bassist Billy Sheehan, drummer Dennis Chambers, and keyboardist John Novello. Founded in 1996, the band's name comes from the timbral foundation of the Hammond B3 organ; vitamin B3 is also known as niacin.
While the members pursue solo and sideman projects, they have continued to record and tour as a unit.
more info: http://www.magnacarta.net/niacin/

 

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Niacin es un trío instrumental de neofusión formado por el bajista Billy Sheehan, el batería Dennis Chambers y el teclista John Novello. Fundado en 1996, el nombre de la banda proviene de la base tímbrica del órgano Hammond B3; la vitamina B3 también se conoce como niacina.
Mientras los miembros se dedican a proyectos en solitario y como músicos secundarios, han seguido grabando y haciendo giras como unidad.
more info: http://www.magnacarta.net/niacin/

Grant Green • Alive!

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

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Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros jugadores. Colaboró con muchos organistas, entre ellos el Hermano Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green jugó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Leon Spencer • Louisiana Slim

Leon Spencer (1945 - March 11, 2012) was an American acid jazz / soul jazz organist born in Houston, Texas. He played piano with David Newman, and later organ with Melvin Sparks.

Spencer is best known for his albums for the Prestige Records label in the early 1970s, i.e. Sneak Preview (1970) Louisiana Slim (1971) and Where I'm Coming From (1973). Some of the musicians who appeared with him on these albums include Grover Washington, Jr., Idris Muhammad, Melvin Sparks and Buddy Caldwell.

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Leon Spencer (1945 - 11 de marzo de 2012) fue un organista estadounidense de acid jazz / soul jazz nacido en Houston, Texas. Tocó el piano con David Newman, y más tarde el órgano con Melvin Sparks.

Spencer es más conocido por sus álbumes para el sello Prestige Records a principios de los años 70, por ejemplo Sneak Preview (1970) Louisiana Slim (1971) y Where I'm Coming From (1973). Algunos de los músicos que aparecieron con él en estos álbumes incluyen a Grover Washington, Jr., Idris Muhammad, Melvin Sparks y Buddy Caldwell.

   

 

VA • Anthology Of The Twelve String Guitar

Editorial Reviews

One of the most influential recordings in the entire Tradition records catalog, the 1963 LP Anthology of the Twelve String Guitar is a treasured artifact that has been relished by generations of guitar fans as one of the cornerstones of recorded guitar history. The great 12 string guitarist Leo Kottke, among many others, has often cited this album as being one of the first records that made him aware of the possibilities of the instrument and was most influential in developing his own style. The guitar players assembled for this wonderful record are all superstars in their own right among them Glen Campbell, the king of all West Coast session guitarists Howard Roberts, the great Mason Williams (Classical Gas), Roger McGuinn (The Byrds), Country Music super-session players Joe Maphis and Bob Gibson, and the unique Billy Strange.

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reseñas editoriales
Una de las grabaciones más influyentes de todo el catálogo de registros de Tradition, la Antología del LP de 1963 de Twelve String Guitar es un artefacto que ha sido apreciado por generaciones de aficionados a la guitarra como uno de los pilares de la historia de la guitarra. El gran guitarrista de 12 cuerdas Leo Kottke, entre muchos otros, ha citado a menudo este álbum como uno de los primeros discos que lo hicieron consciente de las posibilidades del instrumento y fue el más influyente en el desarrollo de su propio estilo. Los guitarristas reunidos para este maravilloso disco son todos superestrellas por derecho propio, entre ellos Glen Campbell, el rey de todos los guitarristas de la costa oeste Howard Roberts, el gran Mason Williams (Gas Clásico), Roger McGuinn (The Byrds), super músico country. Los jugadores de la sesión Joe Maphis y Bob Gibson, y el único Billy Strange.