Monday, February 3, 2025
Mitch Kashmar • West Coast Toast
West Coast Toast is Mitch Kashmar long awaited third studio album by Delta Groove. Despite the Live at Labatt (2008) recording and a CD reissue of his early 80s LP 100 Miles to Go (2010), his fans had to wait ten years since his last studio album, Wake Up & Worry (2006). He presents unique sounds of the West Coast Blues with a program, blended from well-selected covers and his own compositions. Together with the brilliant musicality of Junior Watson (guitar), Fred Kaplan (piano), Bill Stuve (bass) and Marty Dodson (drums), he proves that the golden era of the West Coast Blues Harp is not over Still, even at the moment!
https://www.bear-family.com/kashmar-mitch-west-coast-toast-cd.html
///////
West Coast Toast es el esperado tercer álbum de estudio de Mitch Kashmar, de Delta Groove. A pesar de la grabación Live at Labatt (2008) y una reedición en CD de su LP de principios de los 80 100 Miles to Go (2010), sus fans tuvieron que esperar diez años desde su último álbum de estudio, Wake Up & Worry (2006). Presenta sonidos únicos del Blues de la Costa Oeste con un programa, mezcla de versiones bien seleccionadas y composiciones propias. Junto con la brillante musicalidad de Junior Watson (guitarra), Fred Kaplan (piano), Bill Stuve (bajo) y Marty Dodson (batería), demuestra que la época dorada del West Coast Blues Harp aún no ha terminado, ¡incluso por el momento!
https://www.bear-family.com/kashmar-mitch-west-coast-toast-cd.html
http://www.harpmitch.com ...
George Russell • George Russell Sextet In K.C
This release contains the outstanding studio album George Russell Sextet in K.C. in its entirety.
The session was recorded in New York and features some of the compositions that the sextet was asked to play in the course of a twoweek engagement at a club called the Blue Room in Kansas City.
https://www.jazzmessengers.com/en/4174/george-russell/george-russell-sextet-in-kc
"These sides reflect a lighter, more casual view of George Russell- The music is aggressive but not hostile, neoteric but not neurotic, ultra-jazz yet never anti-jazz. I wish that anybody, everybody, who wants to do something new in modern music could study with George Allan Russell."
- from the original liner notes by Leonard Feather
///////
Este lanzamiento contiene el excepcional álbum de estudio George Russell Sextet in K.C. en su totalidad.
La sesión se grabó en Nueva York y presenta algunas de las composiciones que se pidió al sexteto que tocara en el transcurso de un compromiso de dos semanas en un club llamado Blue Room de Kansas City.
https://www.jazzmessengers.com/en/4174/george-russell/george-russell-sextet-in-kc
"Estas caras reflejan una visión más ligera y desenfadada de George Russell: la música es agresiva pero no hostil, neotérica pero no neurótica, ultra-jazz pero nunca anti-jazz. Me gustaría que cualquiera, todo el mundo, que quiera hacer algo nuevo en la música moderna pudiera estudiar con George Allan Russell".
- de las notas originales de Leonard Feather
Woody Shaw • Solid
Review
by Scott Yanow
This
CD serves as a perfect introduction to the memorable but always
underrated trumpeter Woody Shaw, who tragically had only three years
left to live - Sticking to jazz standards (including "There Will Never
Be Another You," a ten-minute rendition of "It Might as Well Be Spring,"
and a surprisingly effective up-tempo romp through "The Woody
Woodpecker Song"), Shaw is heard in a quartet with pianist Kenny Barron,
bassist Neil Swainson, and drummer Victor Jones, leading a quintet on
two numbers with the up-and-coming altoist Kenny Garrett, and welcoming
guest guitarist Peter Leitch to a sextet rendition of Sonny Rollins'
"Solid." A gem.
https://www.allmusic.com/album/solid-mw0000197126
///////
Reseña
por Scott Yanow
Este
CD sirve de perfecta introducción al memorable pero siempre
infravalorado trompetista Woody Shaw, a quien trágicamente sólo le
quedaban tres años de vida - Ciñéndose a los estándares del jazz
(incluyendo "There Will Never Be Another You", una interpretación de
diez minutos de "It Might as Well Be Spring", y un sorprendentemente
efectivo revolcón up-tempo a través de "The Woody Woodpecker Song"),
Shaw es escuchado en un cuarteto con el pianista Kenny Barron, el
bajista Neil Swainson y el batería Victor Jones, liderando un quinteto
en dos números con el prometedor contralto Kenny Garrett, y dando la
bienvenida al guitarrista invitado Peter Leitch en una interpretación en
sexteto de "Solid" de Sonny Rollins - "Una joya.
https://www.allmusic.com/album/solid-mw0000197126
woodyshaw.com ...
Bud Powell • Time Waits -The Amazing Bud Powell
Review
by Scott Yanow
This set from pianist Bud Powell (which has been reissued on CD in a "complete" four-CD set) is most notable for having the debut versions of seven of Powell's compositions; most memorable are "Time Waits," "Monopoly" and especially "John's Abbey." With bassist Sam Jones and drummer Philly Joe Jones completing the trio, Powell is in surprisingly fine form throughout the enjoyable session, creating music that is far superior to his later Verve recordings.
https://www.allmusic.com/album/time-waits-the-amazing-bud-powell-mw0000669423
///////
Reseña
por Scott Yanow
Este conjunto del pianista Bud Powell (que ha sido reeditado en CD en un conjunto "completo" de cuatro CD) es más notable por tener las versiones de debut de siete de las composiciones de Powell; las más memorables son "Time Waits", "Monopoly" y especialmente "John's Abbey". Con el bajista Sam Jones y el baterista Philly Joe Jones completando el trío, Powell está en una forma sorprendentemente buena a lo largo de la agradable sesión, creando música que es muy superior a sus posteriores grabaciones de Verve.
https://www.allmusic.com/album/time-waits-the-amazing-bud-powell-mw0000669423
The Merlin Trio • Music For Dancing
Most likely an alias of John Duffy / The John Duffy Trio - who was a Liberty Records artist at the middle of the 50s.
///////
Probablemente sea un alias de John Duffy / The John Duffy Trio, que fue un artista de Liberty Records a mediados de los años 50.
Chet Baker • Broken Wing
Review
by Michael G - Nastos
Chet
Baker's personalized style was well served later in his life, and as
his days in Europe were more conducive to his personal lifestyle, it
also gave his music a chamber-like quality while maintaining modern
mainstream values - Broken Wing is a combination of the two aspects of
Baker's understated romanticism, the deep-seeded pain through his drug
abuse and the humanity that lies underneath the rough-hewn surface of
his tattered heart - This quartet combines the advanced melodic gifts of
pianist Phil Markowitz, the great French bassist Jean-François
Jenny-Clark, and lesser-known but tasteful drummer Jeff Brillinger, from
studio sessions done in Paris in 1978 - The tracks are extended because
of solos, done mostly by Baker, split between standards and originals
penned by the trumpeter, Richie Beirach, and Wayne Shorter - Baker sings
on one cut, the lesser-known standard "Oh, You Crazy Moon," with an
elusive quality that parallels the specious and ineffable quality of our
late-night light in the sky - Fairly lengthy versions of "How Deep Is
the Ocean?" and Baker's "Blue Gilles" allow the trumpeter and especially
the marvelous Markowitz to stretch out and solo, as they have a
streaming flow of improvisational ideas to release - Beirach's "Broken
Wing" is particular poignant, deep, and modern, a pretty but sad ballad
waltz where Baker's muted trumpet echoes Miles Davis in a
forward-thinking style - The lesser-known piece written by Wayne
Shorter, "Black Eyes" is in another arena especially for Baker --
marginally harmonic in a light bossa mood, spare, effortless, and
compacted within its interplay from the four members - This is not so
much an unusual recording from Baker in that his risk-taking is never
pronounced or that his soul is completely bared - The document of a
short-lived group, it's an interesting effort, well crafted and standing
solidly with other items in his latter-period discography -
https://www.allmusic.com/album/broken-wing-mw0001737123
///////
Reseña
por Michael G - Nastos
El
estilo personalizado de Chet Baker fue bien aprovechado más tarde en su
vida, y como sus días en Europa fueron más propicios para su estilo de
vida personal, también le dio a su música una cualidad camerística
mientras mantenía los valores modernos de la corriente principal -
Broken Wing es una combinación de los dos aspectos del romanticismo
discreto de Baker, el dolor profundamente arraigado por su abuso de las
drogas y la humanidad que subyace bajo la superficie áspera de su
corazón destrozado - Este cuarteto combina las avanzadas dotes melódicas
del pianista Phil Markowitz, el gran bajista francés Jean-François
Jenny-Clark y el batería Jeff Brillinger, menos conocido pero de buen
gusto, procedentes de sesiones de estudio realizadas en París en 1978 -
Los temas se alargan debido a los solos, realizados en su mayoría por
Baker, divididos entre standards y originales escritos por el
trompetista, Richie Beirach y Wayne Shorter - Baker canta en uno de los
cortes, el menos conocido "Oh, You Crazy Moon", con una cualidad elusiva
paralela a la especiosa e inefable cualidad de nuestra luz nocturna en
el cielo - Versiones bastante largas de "How Deep Is the Ocean?" y "Blue
Gilles" de Baker permiten al trompetista y especialmente al maravilloso
Markowitz estirarse y hacer solos, ya que tienen un flujo constante de
ideas de improvisación que liberar - Broken Wing" de Beirach es
especialmente conmovedora, profunda y moderna, un bonito pero triste
vals de balada en el que la trompeta apagada de Baker recuerda a Miles
Davis en un estilo vanguardista - La pieza menos conocida escrita por
Wayne Shorter, "Black Eyes", está en otro terreno especialmente para
Baker: marginalmente armónica en un ambiente de bossa ligera, sobria,
sin esfuerzo y compacta en su interacción de los cuatro miembros - No se
trata tanto de una grabación inusual de Baker en el sentido de que su
asunción de riesgos nunca es pronunciada o que su alma está
completamente desnuda - El documento de un grupo de corta vida, es un
esfuerzo interesante, bien elaborado y que se sitúa sólidamente con
otros artículos en su discografía del último período -
https://www.allmusic.com/album/broken-wing-mw0001737123
Sunday, February 2, 2025
Robert Walter • Better Feathers
Ask
anyone who has played one on the club scene and they'll tell you horror
stories about jacking the B3 up fire escapes or removing doorframes;
not to mention the instrument's sheer weight, alone. No question, the
Hammond is a super heavy organ.
Then there's what's under the
hood. There are two layers of keys, four sets of drawbars, and eighteen
changeable presets, creating a sound that arguably smokes any modern
instrument. You need a virtuoso sitting behind the Hammond or, somehow,
it doesn't erupt in those fat, bubbly tones, or in those long glissandos
that rip the paint off the wall.
"I just love the instrument,"
Robert Walter enthuses. He knows the mantle he wears when he plays the
Hammond and the Leslie. He knows the lineage, which, in no particular
order, includes Jimmy Smith, Brother Jack McDuff, Jimmy McGriff, and
newcomers like Joey DeFrancesco. Walter wasn't born behind an organ; in
fact, he began gigging with a piano and a Fender Rhodes. The story goes
that he wanted something more powerful, wider in
bandwidth-something...heavier.
Robert Walter is the definitive
soul-jazz organist of his generation. His latest project, Super Heavy
Organ, was recorded in his new hometown of New Orleans. One cannot help
but wonder why he waited until recently to relocate from his native West
Coast to the Crescent City, with its musical history rich in both
classic jazz and dirty loose limbed funk. "I had been performing in New
Orleans for years. As a kid I was obsessed with the music coming out of
this city. I made a decision to come here and experience it first hand.
It's the best move I have ever made. I have been lucky enough to record
an album with some of my favorite musicians, people who have influenced
me," remarks Walter. The new release is a collaboration with some of the
city's most respected musicians, including drummers Stanton Moore and
Johnny Vidacovich, bassist James Singleton, tenor saxophonist Tim Green
and guest vocalist Anthony Farrell. They recorded live in the studio
with a decidedly rough edged sound to capture the raw spontaneity of the
performances. The interactions between the young leader and his veteran
band mates are mutually inspired. "My concept was not to imitate New
Orleans music of the past, but to infuse the tradition with my own
ideas," he describes. The resulting music is both exploratory and modern
while maintaining its ties to the heritage of jazz. It is
unquestionably innovative and funky at the same time.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/robert-walter
///////
Pregunta
a cualquiera que haya tocado uno en un club y te contará historias de
terror sobre cómo subir el B3 por las escaleras de incendios o quitar
los marcos de las puertas, por no mencionar el peso del instrumento. Sin
duda, el Hammond es un órgano superpesado.
Luego está lo que hay
debajo del capó. Hay dos capas de teclas, cuatro juegos de tiradores y
dieciocho preajustes modificables, que crean un sonido que sin duda
supera al de cualquier instrumento moderno. Se necesita un virtuoso
sentado detrás del Hammond o, de alguna manera, no estalla en esos tonos
gordos y burbujeantes, o en esos largos glissandos que arrancan la
pintura de la pared.
"Me encanta el instrumento", afirma
entusiasmado Robert Walter. Conoce el manto que lleva cuando toca el
Hammond y el Leslie. Conoce el linaje, que, sin ningún orden en
particular, incluye a Jimmy Smith, Brother Jack McDuff, Jimmy McGriff y
recién llegados como Joey DeFrancesco. Walter no nació detrás de un
órgano; de hecho, empezó a tocar con un piano y un Fender Rhodes. La
historia cuenta que quería algo más potente, más ancho de banda, algo...
más pesado.
Robert Walter es el organista de soul-jazz
definitivo de su generación. Su último proyecto, Super Heavy Organ, se
grabó en su nueva ciudad natal, Nueva Orleans. Uno no puede dejar de
preguntarse por qué esperó hasta hace poco para trasladarse desde su
Costa Oeste natal a la Ciudad de la Media Luna, con su historia musical
rica tanto en jazz clásico como en funk sucio de extremidades sueltas.
"Llevaba años actuando en Nueva Orleans. De niño estaba obsesionado con
la música que salía de esta ciudad. Decidí venir aquí y vivirla en
primera persona. Es la mejor decisión que he tomado nunca. He tenido la
suerte de grabar un álbum con algunos de mis músicos favoritos, gente
que me ha influido", comenta Walter. El nuevo lanzamiento es una
colaboración con algunos de los músicos más respetados de la ciudad,
como los baterías Stanton Moore y Johnny Vidacovich, el bajista James
Singleton, el saxofonista tenor Tim Green y el vocalista invitado
Anthony Farrell. Grabaron en directo en el estudio con un sonido
decididamente áspero para captar la cruda espontaneidad de las
actuaciones. Las interacciones entre el joven líder y sus veteranos
compañeros de banda se inspiran mutuamente. "Mi idea no era imitar la
música de Nueva Orleans del pasado, sino infundir a la tradición mis
propias ideas", describe. La música resultante es a la vez exploratoria y
moderna, al tiempo que mantiene sus lazos con la herencia del jazz. Es
indudablemente innovadora y funky al mismo tiempo.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/robert-walter
https://www.robertwalter.com/
Dave Stryker • Strike Up The Band
Review
by Ken Dryden
Dave
Stryker' fifteenth CD for Steeplechase obviously makes him one of
producer Nils Winther's favorite musicians. For this 2003 session, the
veteran guitarist is joined by pianist Xavier Davis, bassist Andy McKee,
and drummer Billy Hart, producing a post-bop oriented session that has a
number of surprises. Stryker's reworking of George Gershwin's "Strike
Up the Band" reharmonizes the standard and adds quite a different
perspective. He disguises the introduction to Sonny Rollins' "Airegin"
with a tense vamp, with Davis shining in its up-tempo setting. Cole
Porter's "I Love You" is another favorite of jazz musicians; the
pianist's easygoing, slightly funky scoring of it gives it a fresh
sound. Stryker penned three originals, including "What Is This?," a
deliberately obvious reworking of the chord changes to "What Is This
Thing Called Love." His swaggering "Blues Strut" and the demanding modal
piece "Saints and Sinners" also produce inspired performances. Davis
wrote the lyrical waltz "The Message," a low-key but infectious tune,
while McKee opens his subtle"Peace Song" alone, with the band gradually
making its entrance. Highly recommended!
https://www.allmusic.com/album/strike-up-the-band-mw0001643810
///////
Reseña
por Ken Dryden
El
decimoquinto CD de Dave Stryker para Steeplechase le convierte
obviamente en uno de los músicos favoritos del productor Nils Winther.
Para esta sesión de 2003, el veterano guitarrista está acompañado por el
pianista Xavier Davis, el bajista Andy McKee, y el batería Billy Hart,
produciendo una sesión orientada al post-bop que tiene varias sorpresas.
La versión de Stryker de "Strike Up the Band" de George Gershwin
rearmoniza el estándar y añade una perspectiva bastante diferente.
Disfraza la introducción de "Airegin" de Sonny Rollins con un tenso
vampiro, en el que Davis brilla en su tempo. I Love You" de Cole Porter
es otra de las favoritas de los músicos de jazz; el pianista la
interpreta de forma desenfadada y ligeramente funky, dándole un sonido
fresco. Stryker compuso tres originales, incluido "What Is This?", una
reelaboración deliberadamente obvia de los cambios de acordes de "What
Is This Thing Called Love". Su contoneante "Blues Strut" y la exigente
pieza modal "Saints and Sinners" también producen interpretaciones
inspiradas. Davis escribió el vals lírico "The Message", una melodía
discreta pero contagiosa, mientras que McKee abre su sutil "Peace Song"
en solitario, con la banda haciendo su entrada gradualmente. Muy
recomendable.
https://www.allmusic.com/album/strike-up-the-band-mw0001643810
Donald Byrd-Pepper Adams Quintet Feat. Herbie Hancock • Complete Live At Jorgie's 1961
This
release contains all existing live performances by the Donald Byrd -
Pepper Adams Quintet taped at Jorgie's on June 24, 1961, and appearing
here on CD for the first time ever (the first four tracks were issued on
a collector VGM LP).
The quintet on this engagement featured Herbie
Hancock on piano; both leaders had recently recorded the Blue Note
Chant with the pianist, and would make the LP Royal Flush with him a few
months later. The fifth title at Jorgie's is an extended trio version
of Like Someone in Love on which both horns sit out. No other version of
this tune by Hancock is known to exist.
https://www.discogs.com/es/release/4968738-Donald-Byrd-Pepper-Adams-Quintet-Featuring-Herbie-Hancock-Complete-Live-At-Jorgies-1961
///////
Este
lanzamiento contiene todas las actuaciones en directo existentes del
Donald Byrd - Pepper Adams Quintet grabadas en Jorgie's el 24 de junio
de 1961, y que aparecen aquí en CD por primera vez (las cuatro primeras
pistas se publicaron en un LP VGM de coleccionista).
El quinteto en
este compromiso contó con Herbie Hancock al piano; ambos líderes habían
grabado recientemente el Blue Note Chant con el pianista, y harían el LP
Royal Flush con él unos meses más tarde. El quinto título en Jorgie's
es una versión extendida en trío de Like Someone in Love en la que se
sientan las dos trompas. No se conoce ninguna otra versión de esta
melodía de Hancock.
https://www.discogs.com/es/release/4968738-Donald-Byrd-Pepper-Adams-Quintet-Featuring-Herbie-Hancock-Complete-Live-At-Jorgies-1961
Warne Marsh • Ne Plus
Biography
by Scott Yanow
Along
with Lee Konitz, Warne Marsh was the most successful "pupil" of Lennie
Tristano and, unlike Konitz, Marsh spent most of his career exploring
chordal improvisation the Tristano way. The cool-toned tenor played with
Hoagy Carmichael's Teenagers during 1944-1945 and then after the Army,
he was with Buddy Rich (1948) before working with Lennie Tristano
(1949-1952). His recordings with Tristano and Konitz still sound
remarkable today with unisons that make the two horns sound like one.
Marsh had occasional reunions with Konitz and Tristano through the
years, spent periods outside of music, and stayed true to his musical
goals. He moved to Los Angeles in 1966 and worked with Supersax during
1972-1977, also filling in time teaching. Marsh, who collapsed and died
on stage at the legendary Donte's club in 1987 while playing "Out of
Nowhere," is now considered legendary. He recorded as a leader for
Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reissued on V.S.O.P.), Atlantic, Wave,
Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross, and Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography
///////
por Scott Yanow
Junto con Lee Konitz, Warne Marsh fue el "alumno" más exitoso de Lennie Tristano y, a diferencia de Konitz, Marsh pasó la mayor parte de su carrera explorando la improvisación de acordes a la manera de Tristano. Este tenor de tono frío tocó con los Teenagers de Hoagy Carmichael durante 1944-1945 y, después del ejército, estuvo con Buddy Rich (1948) antes de trabajar con Lennie Tristano (1949-1952). Sus grabaciones con Tristano y Konitz todavía suenan de forma notable, con unísonos que hacen que las dos trompas suenen como una sola. Marsh se reunió ocasionalmente con Konitz y Tristano a lo largo de los años, pasó periodos fuera de la música y se mantuvo fiel a sus objetivos musicales. Se trasladó a Los Ángeles en 1966 y trabajó con Supersax durante 1972-1977, ocupando también tiempo en la enseñanza. Marsh, que se desplomó y murió en el escenario del legendario club Donte's en 1987 mientras tocaba "Out of Nowhere", es considerado ahora una leyenda. Grabó como líder para Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reeditado en V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross y Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography
Tony Williams Lifetime • Emergency
Review
by Leo Stanley
Tony
Williams' Emergency was one of the first and most influential albums in
late-'60s fusion, a double-LP set that shattered the boundaries between
jazz and rock. Working with guitarist John McLaughlin and organist
Larry Young, Williams pushed into new territory, creating dense,
adventurous, unpredictable soundscapes. With Emergency, Tony Williams
helped create the foundation of the style and sound of fusion. It's a
seminal release.
https://www.allmusic.com/album/emergency%21-mw0000473149
https://www.allmusic.com/album/emergency%21-mw0000473149
///////
Reseña
por Leo Stanley
Emergency
de Tony Williams fue uno de los primeros y más influyentes álbumes de
fusión de finales de los 60, un doble LP que rompió las fronteras entre
el jazz y el rock. Trabajando con el guitarrista John McLaughlin y el
organista Larry Young, Williams se adentró en nuevos territorios,
creando paisajes sonoros densos, aventureros e impredecibles. Con
Emergency, Tony Williams ayudó a crear los cimientos del estilo y el
sonido de la fusión. Es un lanzamiento seminal.
https://www.allmusic.com/album/emergency%21-mw0000473149
Premium Key for Depositfiles
7m7c9bo7p?zqje2hokw1xcnzv0vffd8q
Premium key for Depositfiles for 24hs.
For this you need to be registered in Depostfiles.
It is important and I would appreciate that whoever is the lucky one, to comment that they have already succeeded.
How to activate pass-Gold:
Once registered go to
https://depositfiles.org/gold/points.php
At the bottom of the web page it states:
“If you have (purchased) a Gold key and wish to activate it, enter it here and click Activate”.
///////
Premium para Depositfiles por 24hs.
Para ello es necesario estar registrado en Depostfiles.
Es importante y agradecería que quien sea el afortunado, que comente que ya lo han logrado.
Cómo activar pass-Gold:
Una vez registrado ira a
https://depositfiles.org/gold/points.php
Al pie de la página web se indica:
"Si usted tiene (ha comprado) una clave Gold y desea activarla, introdúzcala aquí y haga clic en Activar"
Mongo Santamaría • Afro-Indio
Review
by Thom Jurek
Originally
released in 1975, this set by master Cuban percussionist Mongo
Santamaria is an exercise in smooth jazz and jazz-funk. Besides its
amazing cover by Ron Levine, this disc holds a special place in
Santamaria's catalog. This was the first time he was able to reach his
goal of making a large band -- in this case, 14 musicians -- sound like
an intimate combo. "Creepin" kicks it off; it's an easy-groove number
reminiscent of the Crusaders' slippery moves at the time -- think
Scratch. "Funk Up," "Mambomongo," and "Funk Down" juxtapose Afro-beat,
War-style R&B and funk, steamy salsa horns, and just a touch of Jimi
Hendrix for a smokin' raw slice of heated riffing on a theme and two
variations. Drummer Bernard Purdie kept the entire band anchored, while
saxophonist Justo Almario cuts a mean swathe with his solo in the middle
of the track, in the heart of a horn stomp that is unequaled on any of
Santamaria's other records. There's even a version LaBelle's "Lady
Marmalade" that has a vocal chorus to back up Almario's razored
saxophone lines; with its Afro-funk backbeat and driving horn section,
this one was made for the dancefloor. There is some schlock here,
though, in the Joe Gallardo-arranged "Song for You" (not the Bernie
Taupin/Elton John tune), a syrupy waste of time and energy with the
wimpiest, most anemic flute solo ever recorded (this makes Hubert Laws'
most sentimental moments seem like the theme from Rocky). At
seven-and-a-half minutes, this would have been better served on the
cutting-room floor. Despite a few dumpy cuts, this one is necessary for
fans of classic '70s soul-jazz and jazz-funk; it's also of peculiar but
pointed interest to those interested in the evolution of Afro-Cuban beat
science.
https://www.allmusic.com/album/afro-indio-mw0000769635
///////
Reseña
por Thom Jurek
Publicado
originalmente en 1975, este disco del maestro de la percusión cubana
Mongo Santamaria es un ejercicio de smooth jazz y jazz-funk. Además de
su asombrosa portada realizada por Ron Levine, este disco ocupa un lugar
especial en el catálogo de Santamaría. Fue la primera vez que pudo
alcanzar su objetivo de hacer que una banda grande -en este caso, 14
músicos- sonara como un combo íntimo. "Creepin" da el pistoletazo de
salida; es un número de ritmo fácil que recuerda a los resbaladizos
movimientos de los Crusaders de la época: piensa en Scratch. "Funk Up",
"Mambomongo" y "Funk Down" yuxtaponen afro-beat, R&B y funk de
estilo bélico, vientos de salsa y un toque de Jimi Hendrix en una
rebanada de riffs calientes sobre un tema y dos variaciones. El
baterista Bernard Purdie mantuvo a toda la banda anclada, mientras que
el saxofonista Justo Almario se lució con su solo en mitad del tema, en
el corazón de un "stomp" de vientos que no tiene parangón en ninguno de
los otros discos de Santamaría. Incluso hay una versión de "Lady
Marmalade" de LaBelle con un estribillo vocal que respalda las afiladas
líneas de saxofón de Almario; con su ritmo afro-funk y su sección de
vientos, está hecha para la pista de baile. Sin embargo, hay algo de
basura en el arreglo de Joe Gallardo "Song for You" (no la melodía de
Bernie Taupin/Elton John), una almibarada pérdida de tiempo y energía
con el solo de flauta más enclenque y anémico jamás grabado (hace que
los momentos más sentimentales de Hubert Laws parezcan el tema de
Rocky). Con sus siete minutos y medio de duración, habría sido mejor
dejarlo en la sala de montaje. A pesar de algunos cortes de mala
calidad, este disco es necesario para los fans del soul-jazz y el
jazz-funk clásicos de los 70; también es de interés peculiar pero
puntual para los interesados en la evolución de la ciencia beat
afrocubana.
https://www.allmusic.com/album/afro-indio-mw0000769635
David Fathead Newman • I Remember Brother Ray
Review
by Thom Jurek
If
ever a musician had a pedigree for simultaneously lamenting and
celebrating the late Ray Charles, David "Fathead" Newman does. Newman
met Charles in 1952 and was a working member of his band from 1954-1964.
This program of tunes so closely associated with Charles features the
tenor saxophonist in the company of vibist Steve Nelson, John Hicks in
the piano chair, Winard Harper on drums, and bassist John Menegon.
Newman's signature Southern soul tone, saturated in warmth and emotion,
is by turns buttery, fat, and back-porch tender. From the opening chorus
of "Hit the Road, Jack," one can feel the great control Newman has over
the dynamic quality of these tunes. He treats them as classics, albeit
very familiar ones. He finds no need to force anything here, knowing
that the tunes themselves provide all the inspirational magic necessary.
Newman also stays close to the soul-drenched bone despite the
sophistication of the arrangements and performances. The reading of
"Georgia On My Mind," with fine solos by Nelson and Hicks, is a case in
point, as is the midtempo groove in "Deed I Do," where the swinging
lyric is given wings in Newman's solo. The set closes with "Them That
Got (I Ain't Got You)," a wide-open relaxed stroll through Charles'
brand of gospel and soul re-created with a hard bop finger pop. This is a
winner through and through.
https://www.allmusic.com/album/i-remember-brother-ray-mw0000365854
///////
Reseña
por Thom Jurek
Si
alguna vez un músico tuvo pedigrí para lamentar y celebrar
simultáneamente al difunto Ray Charles, David "Fathead" Newman lo tiene.
Newman conoció a Charles en 1952 y fue miembro activo de su banda entre
1954 y 1964. Este programa de temas tan estrechamente relacionados con
Charles presenta al saxofonista tenor en compañía del vibráfono Steve
Nelson, John Hicks al piano, Winard Harper a la batería y el bajista
John Menegon. El característico tono soul sureño de Newman, saturado de
calidez y emoción, es por momentos mantecoso, gordo y tierno. Desde el
estribillo inicial de "Hit the Road, Jack", uno puede sentir el gran
control que Newman tiene sobre la calidad dinámica de estas melodías.
Las trata como clásicos, aunque muy conocidos. No tiene necesidad de
forzar nada aquí, sabiendo que las propias melodías proporcionan toda la
magia inspiradora necesaria. Newman también se mantiene cerca del hueso
empapado de alma a pesar de la sofisticación de los arreglos y las
interpretaciones. La lectura de "Georgia On My Mind", con buenos solos
de Nelson y Hicks, es un buen ejemplo, como lo es el ritmo a medio tempo
de "Deed I Do", donde la letra oscilante adquiere alas en el solo de
Newman. El conjunto se cierra con "Them That Got (I Ain't Got You)", un
relajado paseo por el gospel y el soul de Charles recreado con un hard
bop finger pop. Es un disco ganador de principio a fin.
https://www.allmusic.com/album/i-remember-brother-ray-mw0000365854
The Jonah Jones Quartet • A Touch Of Blue
Biography by Scott Yanow
A
talented and flashy trumpeter, Jonah Jones hit upon a formula in 1955
that made him a major attraction for a decade; playing concise versions
of melodic swing standards and show tunes muted with a quartet. But
although the non-jazz audience discovered Jones during the late '50s, he
had already been a very vital trumpeter for two decades. Jones started
out playing on a Mississippi riverboat in the 1920s. He freelanced in
the Midwest (including with Horace Henderson), was briefly with Jimmie
Lunceford (1931), had an early stint with Stuff Smith (1932-1934), and
then spent time with Lil Armstrong's short-lived orchestra and the
declining McKinney's Cotton Pickers. Jones became famous for his playing
with Stuff Smith's Onyx club band (1936-1940), recording many exciting
solos. He gigged with Benny Carter and Fletcher Henderson and became a
star soloist with Cab Calloway (1941-1952), staying with the singer even
after his big band became a combo. Jones played Dixieland with Earl
Hines (1952-1953), toured Europe in 1954 (including a brilliant
recording session with Sidney Bechet), and then led his quartet at the
Embers (1955), hitting upon his very successful formula. His shuffle
version of "On the Street Where You Live" was the first of many hits and
he recorded a long series of popular albums for Capitol during
1957-1963, switching to Decca for a few more quartet albums in
1965-1967. Jonah Jones recorded a fine date with Earl Hines for
Chiaroscuro (1972) and still played on an occasional basis in the 1980s
and early '90s; he died April 30, 2000, at the age of 91.
https://www.allmusic.com/artist/jonah-jones-mn0000261332/biography
///////
Biografía de Scott Yanow
Un
talentoso y llamativo trompetista, Jonah Jones encontró una fórmula en
1955 que lo convirtió en una gran atracción durante una década; tocando
versiones concisas de estándares de swing melódico y melodías de
espectáculo silenciadas con un cuarteto. Pero aunque el público no
especializado descubrió a Jones a finales de los 50, ya había sido un
trompetista muy vital durante dos décadas. Jones empezó a tocar en un
barco del Mississippi en los años 20. Trabajó como freelance en el Medio
Oeste (incluyendo a Horace Henderson), estuvo brevemente con Jimmie
Lunceford (1931), tuvo una temprana estancia con Stuff Smith
(1932-1934), y luego pasó un tiempo con la orquesta de corta duración de
Lil Armstrong y la decadente McKinney's Cotton Pickers. Jones se hizo
famoso por tocar con la banda del club Onyx de Stuff Smith (1936-1940),
grabando muchos solos emocionantes. Actuó con Benny Carter y Fletcher
Henderson y se convirtió en un solista estrella con Cab Calloway
(1941-1952), permaneciendo con el cantante incluso después de que su
gran banda se convirtiera en un combo. Jones tocó en Dixieland con Earl
Hines (1952-1953), hizo una gira por Europa en 1954 (incluyendo una
brillante sesión de grabación con Sidney Bechet), y luego dirigió su
cuarteto en el Embers (1955), dando con su fórmula de gran éxito. Su
versión aleatoria de "On the Street Where You Live" fue el primero de
muchos éxitos y grabó una larga serie de álbumes populares para Capitol
durante 1957-1963, pasando a Decca para unos pocos álbumes más del
cuarteto en 1965-1967. Jonah Jones grabó una buena cita con Earl Hines
para Chiaroscuro (1972) y todavía tocó ocasionalmente en los años
ochenta y principios de los noventa; murió el 30 de abril de 2000, a la
edad de 91 años.
https://www.allmusic.com/artist/jonah-jones-mn0000261332/biography
Saturday, February 1, 2025
VA • 100 Greatest Jazz Icons
Dave Brubeck, Miles Davis, Thelonious Monk, Sonny Rollins, John Coltrane, Stan Getz, Nina Simone, Bill Evans, Charlie Parker, Glenn Miller, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Sarah Vaughan, Ahmad Jamal, Quincy Jones, Charles Mingus …
Friedrich Gulda • Ineffableː The Unique Jazz Piano Of Friedrich Gulda
Biography
Born in Vienna as the son of a teacher, Gulda began learning to play the piano from Felix Pazofsky at the Wiener Volkskonservatorium, aged 7. In 1942, he entered the Vienna Music Academy, where he studied piano and musical theory under Bruno Seidlhofer and Joseph Marx.
He won first prize at the Geneva International Music Competition in 1946. Initially, the jury preferred the Belgian pianist Lode Backx, but when the final vote was taken, Gulda was the winner. One of the jurors, Eileen Joyce, who favoured Backx, stormed out and claimed the other jurors were unfairly influenced by Gulda's supporters.[1] Gulda began to play concerts worldwide. He made his Carnegie Hall debut in 1950.[2] Together with Jörg Demus and Paul Badura-Skoda, Gulda formed what became known as the "Viennese troika".
Although most famous for his Mozart and Beethoven interpretations, Gulda also performed the music of J. S. Bach (often on clavichord), Schubert, Chopin, Schumann, Debussy and Ravel.
From the 1950s on he cultivated an interest in jazz, writing several songs and instrumental pieces, and at times combining jazz and classical music in his concerts. In 1956, he performed at Birdland in New York City[3] and at the Newport Jazz Festival.[2] He organized the International Competition for Modern Jazz in 1966,[4] and he established the International Musikforum, a school for students who wanted to learn improvisation, in Ossiach, Austria, in 1968.[5] He once said:[6]
There can be no guarantee that I will become a great jazz musician, but at least I shall know that I am doing the right thing. I don't want to fall into the routine of the modern concert pianist's life, nor do I want to ride the cheap triumphs of the Baroque bandwagon.
In jazz, he found "the rhythmic drive, the risk, the absolute contrast to the pale, academic approach I had been taught."[6] He also took up playing the baritone saxophone.[4]
Gulda wrote a Prelude and Fugue with a theme suggesting swing. Keith Emerson performed it on Emerson, Lake & Palmer's The Return of the Manticore. In addition, Gulda composed "Variations on The Doors' 'Light My Fire'". Another version can be found on Gulda's album As You Like It (1970), an album with standards such as "'Round Midnight" and "What Is This Thing Called Love?". In 1980, he wrote his Concerto for Cello and Wind Orchestra, which has been called "as moving as it is lighthearted", in five movements "involving jazz, a minuet, rock, a smidgen of polka, a march and a cadenza with two spots where a star cellist must improvise."[7]
In 1982, Gulda teamed up with jazz pianist Chick Corea, who was between the breakup of Return to Forever and the formation of his Elektric Band. Issued on The Meeting (Philips, 1984), Gulda and Corea communicate in lengthy improvisations mixing jazz ("Some Day My Prince Will Come" and the lesser known Miles Davis song "Put Your Foot Out") and classical music (Brahms' "Wiegenlied" ["Cradle song"]). In the late 1990s, Gulda organised rave parties, where he performed with the support of several DJs and Go-Go dancers.
These unorthodox practices along with his refusal to follow clothing conventions or announce the program of his concerts in advance earned him the nickname "terrorist pianist".[2] In 1988, he cancelled a performance after officials of the Salzburg Festival objected to his including jazz musician Joe Zawinul on the program.[2] When the Vienna Music Academy awarded him its Beethoven Ring in recognition of his performances, he accepted it but then reconsidered and returned it.[5] To promote a concert in 1999, he announced his own death in a press release so that the concert at the Vienna Konzerthaus could serve as a resurrection party.[5]
Gulda is widely regarded[weasel words] as one of the most outstanding piano players of the 20th century. His piano students included Martha Argerich, who called Gulda "my most important influence,"[8] and the conductor Claudio Abbado.[9]
He expressed a wish to die on the birthday of Mozart,[citation needed] the composer he most adored, and did so. He died of heart failure at the age of 69 on 27 January 2000 at his home in Weissenbach, Austria.[5] Gulda is buried in the cemetery of Steinbach am Attersee, Austria.
He was married twice, first to Paola Loew and then to Yuko Wakiyama. Two of his three sons, Paul and Rico Gulda, one from each of his marriages, are accomplished pianists.
A documentary film made for television in 2007, So what?! - Friedrich Gulda, tells his life story.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/friedrich-gulda
https://en.wikipedia.org/wiki/Friedrich_Gulda
///////
Biografía
Nacido en Viena, hijo de un profesor, Gulda comenzó a tocar el piano con Felix Pazofsky en el Wiener Volkskonservatorium, a la edad de 7 años. En 1942 ingresó en la Academia de Música de Viena, donde estudió piano y teoría musical con Bruno Seidlhofer y Joseph Marx.
En 1946 ganó el primer premio del Concurso Internacional de Música de Ginebra. En un principio, el jurado prefirió al pianista belga Lode Backx, pero cuando se realizó la votación final, Gulda fue el ganador. Uno de los miembros del jurado, Eileen Joyce, que estaba a favor de Backx, se marchó furiosa y afirmó que los demás miembros del jurado estaban injustamente influenciados por los partidarios de Gulda[1] Gulda empezó a dar conciertos por todo el mundo. Debutó en el Carnegie Hall en 1950[2]. Junto con Jörg Demus y Paul Badura-Skoda, Gulda formó lo que se conoció como la "troika vienesa".
Aunque es famoso sobre todo por sus interpretaciones de Mozart y Beethoven, Gulda también tocó música de J. S. Bach (a menudo al clavicordio), Schubert, Chopin, Schumann, Debussy y Ravel.
A partir de la década de 1950 cultivó su interés por el jazz, compuso varias canciones y piezas instrumentales y, en ocasiones, combinó jazz y música clásica en sus conciertos. En 1956 actuó en Birdland (Nueva York)[3] y en el Festival de Jazz de Newport[2]. En 1966 organizó el Concurso Internacional de Jazz Moderno[4] y en 1968 fundó en Ossiach (Austria) el International Musikforum, una escuela para estudiantes que querían aprender a improvisar[5]. En una ocasión dijo:[6].
No puedo garantizar que me convierta en un gran músico de jazz, pero al menos sabré que estoy haciendo lo correcto. No quiero caer en la rutina de la vida del concertista moderno, ni subirme al carro de los triunfos baratos del barroco.
En el jazz encontró "el impulso rítmico, el riesgo, el contraste absoluto con el enfoque pálido y académico que me habían enseñado"[6] También empezó a tocar el saxofón barítono[4].
Gulda escribió un Preludio y fuga con un tema que sugiere swing. Keith Emerson lo interpretó en The Return of the Manticore, de Emerson, Lake & Palmer. Además, Gulda compuso "Variations on The Doors' 'Light My Fire'". Otra versión puede encontrarse en el álbum de Gulda As You Like It (1970), un álbum con estándares como "'Round Midnight" y "What Is This Thing Called Love?". En 1980, escribió su Concierto para violonchelo y orquesta de viento, que ha sido calificado de "tan conmovedor como desenfadado", en cinco movimientos "que incluyen jazz, un minué, rock, una pizca de polca, una marcha y una cadencia con dos puntos en los que un violonchelista estrella debe improvisar"[7].
En 1982, Gulda se asoció con el pianista de jazz Chick Corea, que se encontraba entre la ruptura de Return to Forever y la formación de su Elektric Band. Publicado en The Meeting (Philips, 1984), Gulda y Corea se comunican en largas improvisaciones que mezclan jazz ("Some Day My Prince Will Come" y la canción menos conocida de Miles Davis "Put Your Foot Out") y música clásica ("Wiegenlied" ["Canción de cuna"] de Brahms). A finales de los 90, Gulda organizó fiestas rave, en las que actuó con el apoyo de varios DJ y bailarinas Go-Go.
Estas prácticas poco ortodoxas, junto con su negativa a seguir las convenciones de vestuario o a anunciar el programa de sus conciertos con antelación, le valieron el apodo de "pianista terrorista"[2]. En 1988, canceló una actuación después de que los responsables del Festival de Salzburgo se opusieran a que incluyera en el programa al músico de jazz Joe Zawinul[2]. [2] Cuando la Academia de Música de Viena le concedió el Anillo Beethoven en reconocimiento a sus actuaciones, lo aceptó, pero luego lo reconsideró y lo devolvió[5]. Para promocionar un concierto en 1999, anunció su propia muerte en un comunicado de prensa para que el concierto en el Konzerthaus de Viena sirviera de fiesta de resurrección[5].
Gulda está considerado como uno de los pianistas más destacados del siglo XX. Entre sus alumnos de piano se encuentran Martha Argerich, que llamó a Gulda "mi influencia más importante"[8], y el director de orquesta Claudio Abbado[9].
Expresó su deseo de morir el día del cumpleaños de Mozart,[cita requerida] el compositor al que más adoraba, y así lo hizo. Murió de insuficiencia cardiaca a la edad de 69 años el 27 de enero de 2000 en su casa de Weissenbach (Austria)[5] Gulda está enterrado en el cementerio de Steinbach am Attersee (Austria).
Estuvo casado dos veces, primero con Paola Loew y después con Yuko Wakiyama. Dos de sus tres hijos, Paul y Rico Gulda, uno de cada matrimonio, son pianistas consumados.
Un documental realizado para la televisión en 2007, ¿Y qué? - Friedrich Gulda, cuenta la historia de su vida.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/friedrich-gulda
https://en.wikipedia.org/wiki/Friedrich_Gulda
Cannonball Adderley • Domination
Review
by Michael G. Nastos
Following
suit with several other great jazz soloists, Cannonball Adderley teamed
with Oliver Nelson and a star-studded 18-piece big band plus
percussionists for this program of big-band-coerced modern post-bop.
Brother Nat Adderley joins Cannonball, in many instances playing tandem
lines, while the alto saxophonist plays solos on many of these
selections, all originals written by a variety of authors. If you
remember Cannonball Adderley's first album in collaboration with Quincy
Jones, you can easily correlate the similarities between the two
recordings. The difference is that because of the larger choice of
composers, the music has a larger palette, but not necessarily one that
is focused. Bop is the central character, as heard during the title
track in its truly collaborative sound and the exceptional track "Gon
Gong," based in a two-note vehicle that supports the alto saxophonist
and the horn section. Both Adderley brothers play together quite a bit
on head melodies, with the exotic, self-explanatory "Introduction to a
Samba" and the boppish "Interlude" as the best examples. Getting more
into the Latin bit, "Shake a Lady" simmers slowly in a hip and sexy
Afro-Cuban cha-cha, while "Cyclops," despite the unwieldy title, is a
typical soul-jazz number that Nelson regularly doled out, with
counterpointed brass and woodwinds battling it out. While not an
essential or pivotal recording in Cannonball Adderley's career,
Domination is one of his few big-band joint efforts, an intriguing
studio-produced sidebar in his otherwise stellar discography.
https://www.allmusic.com/album/domination-mw0000210528
///////
Reseña
por Michael G. Nastos
Siguiendo
el ejemplo de otros grandes solistas de jazz, Cannonball Adderley se
asoció con Oliver Nelson y una big band de 18 músicos más percusionistas
para este programa de post-bop moderno forzado por big-band. El hermano
Nat Adderley se une a Cannonball, en muchos casos tocando líneas en
tándem, mientras que el saxofonista alto toca solos en muchas de estas
selecciones, todas originales escritas por diversos autores. Si recuerda
el primer álbum de Cannonball Adderley en colaboración con Quincy
Jones, podrá correlacionar fácilmente las similitudes entre ambas
grabaciones. La diferencia es que, debido a la mayor elección de
compositores, la música tiene una paleta más amplia, pero no
necesariamente centrada. El bop es el personaje central, como se escucha
durante el tema que da título al disco en su sonido verdaderamente
colaborativo y en el excepcional tema "Gon Gong", basado en un vehículo
de dos notas que sostiene al saxofonista alto y a la sección de vientos.
Los dos hermanos Adderley colaboran bastante en las melodías de cabeza,
con la exótica y autoexplicativa "Introduction to a Samba" y el boppish
"Interlude" como mejores ejemplos. Entrando más en la parte latina,
"Shake a Lady" se sumerge lentamente en un moderno y sexy cha-cha-cha
afrocubano, mientras que "Cyclops", a pesar de su difícil título, es un
típico número de soul-jazz que Nelson interpreta regularmente, con
metales y maderas contrapunteando. Aunque no se trata de una grabación
esencial o fundamental en la carrera de Cannonball Adderley, Domination
es uno de sus pocos trabajos conjuntos con big-band, una intrigante nota
secundaria producida en estudio en su discografía, por lo demás
estelar.
https://www.allmusic.com/album/domination-mw0000210528
Jim Hall • Blues On The Rocks
This record features Jim Hall’s complete trio recordings with bassist George Duvivier and drummer Chico Hamilton as heard on the album "Blues On The Rocks" recorded in Los Angeles on February 8, 1956.
The release also includes the complete album "Good Friday Blues" recorded in Los Angeles on April 1 & 2, 1960 with pianist Red Mitchell and bassist Red Kelly.
https://www.jazzmessengers.com/en/89215/jim-hall/blues-on-the-rocks
///////
Este disco recoge las grabaciones completas del trío de Jim Hall con el bajista George Duvivier y el batería Chico Hamilton, tal como se escuchan en el álbum "Blues On The Rocks" grabado en Los Ángeles el 8 de febrero de 1956.
El lanzamiento también incluye el álbum completo "Good Friday Blues" grabado en Los Ángeles el 1 y 2 de abril de 1960 con el pianista Red Mitchell y el bajista Red Kelly.
https://www.jazzmessengers.com/en/89215/jim-hall/blues-on-the-rocks
VA • Boogaloo Pow Wow; Dancefloor Rendez- Vous In Young Nuyorica
A
scorching compilation which brings to the table the brilliant, hybrid,
jostling array of styles which burnedup Latino dancefloors in Sixties
New York. Sassy soundtrack from when salsa was cool and cutting-edge.
There is no literal Spanish translation of "cool" but the sound of New
York Latino dancefloor music from the 1960s is surely the original
meaning of the word. Listen to hombres like Machito, Ray Barretto and
Joe Loco and you can hear the Cuban vibe being reimagined and funked up
for a new generation. Son, mambo, cha cha cha and jazz flirt with rhythm
and blues and soul to get morphed into the explosive beat of boogaloo
and shingaling. Spin this 17-track collection and you'll hear the wail
of the big city and the hustle of Harlem's clubland in its heyday.
Political protest was on fire, civil rights were on the agenda and
cultural pots were melting and boiling over. This is the soundtrack of a
moment when new energies burst forward and Latinos found their style.
https://www.amazon.com/Willie-Bobo/dp/B001PU8N62?
///////
Una
abrasadora recopilación que pone sobre la mesa la brillante, híbrida y
agitada variedad de estilos que hicieron arder las pistas de baile
latinas en el Nueva York de los años sesenta. Una banda sonora descarada
de cuando la salsa era cool y vanguardista. No existe una traducción
literal al español de la palabra "cool", pero el sonido de la música
latina de las pistas de baile neoyorquinas de los años sesenta es sin
duda el significado original de la palabra. Escuche a hombres como
Machito, Ray Barretto y Joe Loco y oirá cómo el ambiente cubano se
reinventa y se transforma para una nueva generación. El son, el mambo,
el cha cha cha y el jazz coquetean con el rhythm and blues y el soul
para transformarse en el ritmo explosivo del boogaloo y el shingaling.
Gire esta colección de 17 pistas y escuchará el ulular de la gran ciudad
y el ajetreo de los clubes de Harlem en su apogeo. La protesta política
ardía, los derechos civiles estaban a la orden del día y las ollas
culturales se derretían y hervían. Esta es la banda sonora de un momento
en el que irrumpieron nuevas energías y los latinos encontraron su
estilo.
https://www.amazon.com/Willie-Bobo/dp/B001PU8N62?
Buddy Rich • Mr. Drumsː The Buddy Rich Collection 1946-55
Arguably the greatest jazz drummer of all time, the legendary Buddy Rich exhibited his love for music through the dedication of his life to the art. His was a career that spanned seven decades, beginning when Rich was 18 months old and continuing until his death in 1987. Immensely gifted, Rich could play with remarkable speed and dexterity despite the fact that he never received a formal lesson and refused to practice outside of his performances. Born Bernard Rich to vaudevillians Robert and Bess Rich on September 30, 1917, the famed drummer was introduced to audiences at a very young age. By 1921, he was a seasoned solo performer with his vaudeville act, "Traps the Drum Wonder." With his natural sense of rhythm, Rich performed regularly on Broadway at the age of four. At the peak of Rich's early career, he was the second-highest paid child entertainer in the world. Rich's jazz career began in 1937 when he began playing with Joe Marsala at New York's Hickory House. By 1939, he had joined Tommy Dorsey's band, and he later went on to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong and Gene Krupa. Rich was regularly featured in Jazz at the Philharmonic during the late 1940s. He also appeared in such Hollywood films as Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) and How's About It (1943). Throughout the 1960s and 1970s, Rich toured with his own bands and opened two nightclubs, Buddy's Place and Buddy's Place II. Both clubs were regularly filled to capacity by fans of the great master drummer. After opening Buddy's Place II, Rich introduced new tunes with elements of rock into his repertoire, demonstrating his ability to adapt to his audience's changing tastes and establishing himself as a great rock drummer. Known for his caustic humor, Rich was a favorite on several television talk shows including the Tonight Show with Johnny Carson, the Mike Douglas Show, the Dick Cavett Show and the Merv Griffin Show. During these appearances, audiences were entertained by Rich's constant sparring with the hosts and his slights of various pop singers. This famed musician received outstanding recognition throughout his career. The Downbeat Magazine Hall of Fame Award, the Modern Drummer Magazine Hall of Fame Award and the Jazz Unlimited Immortals of Jazz Award are just a few of his numerous honors. Rich gained international attention for such master compositions as his 10-minute West Side Story medley.
During his lengthy career, Rich toured around the globe, performing for millions of fans and several world leaders including the King of Thailand, King Hussein of Jordan the Queen of England, and U.S. presidents Franklin Roosevelt, John F. Kennedy and Ronald Reagan. On April 2, 1987, Rich died of heart failure following surgery for a malignant brain tumor. Longtime friend, Frank Sinatra, spoke a touching eulogy at Rich's funeral. Today, Buddy Rich is remembered as one of history's greatest musicians. According to jazz legend Gene Krupa, Rich was "The greatest drummer ever to have drawn breath."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/
///////
Posiblemente el mejor batería de jazz de todos los tiempos, el legendario Buddy Rich demostró su amor por la música dedicando su vida a este arte. Su carrera abarcó siete décadas, desde que Rich tenía 18 meses hasta su muerte en 1987. Inmensamente dotado, Rich podía tocar con notable rapidez y destreza a pesar de que nunca recibió una lección formal y se negaba a practicar fuera de sus actuaciones. Nacido Bernard Rich, hijo de los vodeviles Robert y Bess Rich, el 30 de septiembre de 1917, el famoso batería se dio a conocer al público a una edad muy temprana. En 1921, ya era un experimentado solista con su número de vodevil, "Traps the Drum Wonder". Con su sentido natural del ritmo, Rich actuaba regularmente en Broadway a la edad de cuatro años. En el punto álgido de su carrera, fue el segundo artista infantil mejor pagado del mundo. La carrera jazzística de Rich comenzó en 1937, cuando empezó a tocar con Joe Marsala en el Hickory House de Nueva York. En 1939 se unió a la banda de Tommy Dorsey y más tarde tocó con grandes del jazz como Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong y Gene Krupa. Rich participó regularmente en Jazz at the Philharmonic a finales de la década de 1940. También apareció en películas de Hollywood como Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) y How's About It (1943). Durante las décadas de 1960 y 1970, Rich realizó giras con sus propias bandas y abrió dos clubes nocturnos, Buddy's Place y Buddy's Place II. Ambos clubes se llenaban regularmente de fans del gran maestro de la batería. Tras abrir Buddy's Place II, Rich introdujo en su repertorio nuevas melodías con elementos de rock, demostrando su capacidad para adaptarse a los gustos cambiantes de su público y consagrándose como un gran batería de rock. Conocido por su humor cáustico, Rich fue uno de los favoritos en varios programas de entrevistas de televisión, como el Tonight Show con Johnny Carson, el Mike Douglas Show, el Dick Cavett Show y el Merv Griffin Show. Durante estas apariciones, el público se divertía con las constantes disputas de Rich con los presentadores y sus desprecios a varios cantantes pop. Este afamado músico recibió destacados reconocimientos a lo largo de su carrera. El Premio del Salón de la Fama de la revista Downbeat, el Premio del Salón de la Fama de la revista Modern Drummer y el Premio de los Inmortales del Jazz de Jazz Unlimited son sólo algunos de sus numerosos honores. Rich se ganó la atención internacional por composiciones maestras como su popurrí de 10 minutos de West Side Story.
Durante su larga carrera, Rich realizó giras por todo el mundo, actuando para millones de fans y varios líderes mundiales, entre ellos el Rey de Tailandia, el Rey Hussein de Jordania, la Reina de Inglaterra y los presidentes estadounidenses Franklin Roosevelt, John F. Kennedy y Ronald Reagan. El 2 de abril de 1987, Rich murió de un fallo cardíaco tras una operación por un tumor cerebral maligno. Su viejo amigo Frank Sinatra pronunció un emotivo elogio en el funeral de Rich. Hoy, Buddy Rich es recordado como uno de los mejores músicos de la historia. Según la leyenda del jazz Gene Krupa, Rich era "El mejor batería que jamás haya exhalado aliento".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/
Joe Henderson • Page One
Review
by Rovi Staff
The title Page One is fitting for this disc, as it marks the beginning of the first chapter in the long career of tenor man Joe Henderson. And what a beginning it is; no less than Kenny Dorham, McCoy Tyner, Butch Warren, and Pete La Roca join the saxophonist for a stunning set that includes "Blue Bossa" and "Recorda Me," two works that would be forever associated with Henderson. Both are bossa novas that offer a hip alternative to the easy listening Brazilian trend that would become popular with the masses. Henderson and Dorham make an ideal pair on these and other choice cuts like the blistering "Homestretch" and the engaging swinger "Jinrikisha." These both show the already mature compositional prowess that would become Henderson's trademark throughout his legendary career. The final blues number, "Out of the Night," features powerful work by the leader that only hints of things to come in subsequent chapters.
https://www.allmusic.com/album/page-one-mw0000241422
///////
Reseña
por Rovi Staff
El título Page One es apropiado para este disco, ya que marca el comienzo del primer capítulo en la larga carrera del tenor Joe Henderson. Y vaya comienzo; nada menos que Kenny Dorham, McCoy Tyner, Butch Warren y Pete La Roca se unen al saxofonista en un impresionante set que incluye "Blue Bossa" y "Recorda Me", dos obras que se asociarían para siempre con Henderson. Ambas son bossa novas que ofrecen una alternativa de moda a la tendencia brasileña easy listening que se haría popular entre las masas. Henderson y Dorham forman una pareja ideal en estos y otros cortes selectos como el abrasador "Homestretch" y el atractivo swinger "Jinrikisha". Ambos muestran la ya madura destreza compositiva que se convertiría en la marca de Henderson a lo largo de su legendaria carrera. El blues final, "Out of the Night", presenta un poderoso trabajo del líder que sólo insinúa lo que vendrá en los capítulos siguientes.
https://www.allmusic.com/album/page-one-mw0000241422
Subscribe to:
Posts (Atom)