VA • Ten Long Fingers

 

 

Les & Larry Elgart And Their Orchestra • Girl Watchers

  

 

Biography by Steve Huey
Les Elgart (trumpet) and his brother Larry (alto/soprano sax) led one of the more popular swing orchestras of the '50s. Their smooth, tightly arranged sound helped keep the declining big-band style alive on the charts for a little while longer, and their later reunions often produced stylistic detours into contemporary easy listening trends. Les Elgart was born August 3, 1918, in New Haven, CT, while Larry was born March 20, 1922, in nearby New London. Their parents both played the piano, and the brothers took up music in their early teens; they were already performing professionally by the time each turned 20. During the early '40s, they sometimes wound up in the same groups, and formed their own orchestra in 1945, hiring top-notch arrangers like Nelson Riddle, Ralph Flanagan, and Bill Finegan. However, a number of factors conspired against them: the Musicians' Union recording strike, the declining popularity of live swing music, conflicts over leadership, and the end of World War II. They wound up disbanding in 1946, and Les and Larry went their separate ways, making a living as freelancers in whatever orchestras could pay them.

The Elgart brothers reunited in 1952, with arranger Charles Albertine -- a Larry Elgart discovery -- in tow. Taking advantage of new recording technology, they crafted a more nuanced, subtle sound that was lighter in tone and rhythm; it relied on tight brass and saxophone sections, and eliminated the piano and nearly all soloing. The 1953 LP Sophisticated Swing established this new blueprint, and a subsequent series of albums on Columbia over the next few years proved quite successful. Their biggest sellers were 1956's The Elgart Touch and the following year's For Dancers Also, both of which reached the Top 15 on the LP charts; they weren't as successful on the singles side, although they did have a minor hit with their theme to "The Man With the Golden Arm," and their original "Bandstand Boogie" was adopted by Dick Clark as the theme song for American Bandstand. Co-bandleader Les spent more and more time handling the business side of things, and eventually stopped performing altogether in the late '50s; he left the band and moved to California, and Larry officially took over the musical direction (he'd pretty much taken charge already). He moved the band to RCA and then MGM, and to keep up with the times, he began to move more into the easy listening market, crafting hi-fi lounge albums with touches of swing, exotica, and space age bachelor pad music.

Les reunited with Larry once again in 1963, by which time Larry had begun to add elements of rock and pop to the musical mix. Charles Albertine returned as arranger early on, but soon left to work in the TV/film industry, and was replaced by Bobby Scott. Released in 1964, Command Performance! was their last charting album, but a number of other albums from this era later became popular with lounge collectors, particularly 1967's Girl Watchers. That was one of the brothers' final recordings together, as Les retired to Texas and performed only occasionally. Larry soldiered on, and eventually found surprising commercial success in the early '80s as mastermind of the popular Hooked on Swing albums. Elgart and his New Manhattan Swing Band ran through medleys of popular jazz tunes set to a steady beat, in a format like that of the companion Hooked on Classics series. Larry Elgart continued to lead bands on whatever circuits he could find; Les Elgart passed away in Dallas on July 29, 1995, of heart failure.
https://www.allmusic.com/artist/les-larry-elgart-mn0000210107#biography

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Biografía de Steve Huey
Les Elgart (trompeta) y su hermano Larry (saxo alto/soprano) lideraron una de las orquestas de swing más populares de los años 50. Su sonido suave y bien arreglado ayudó a mantener vivo el estilo decadente de las grandes bandas en las listas de éxitos por un tiempo más, y sus reuniones posteriores a menudo produjeron desvíos estilísticos hacia las tendencias contemporáneas de escucha fácil. Les Elgart nació el 3 de agosto de 1918 en New Haven, CT, mientras que Larry nació el 20 de marzo de 1922 en la cercana Nueva Londres. Sus padres tocaban el piano y los hermanos se dedicaron a la música en su adolescencia; ya se estaban desempeñando profesionalmente cuando cada uno cumplió 20 años. A principios de los 40, a veces terminaron en los mismos grupos y formaron su propia orquesta en 1945, contratando arreglistas de primer nivel como Nelson Riddle, Ralph Flanagan y Bill Finegan. Sin embargo, una serie de factores conspiraron en su contra: la huelga de grabación del Sindicato de Músicos, la disminución de la popularidad de la música swing en vivo, los conflictos por el liderazgo y el final de la Segunda Guerra Mundial. Terminaron disolviéndose en 1946, y Les y Larry tomaron caminos separados, ganándose la vida como autónomos en cualquier orquesta que pudiera pagarles.

Los hermanos Elgart se reunieron en 1952, con el arreglista Charles Albertine, un descubrimiento de Larry Elgart, a cuestas. Aprovechando la nueva tecnología de grabación, crearon un sonido más sutil y matizado que era más ligero en tono y ritmo; se basó en secciones ajustadas de metales y saxofón, y eliminó el piano y casi todos los solos. El LP Sophisticated Swing de 1953 estableció este nuevo plan, y una serie posterior de álbumes en Columbia durante los próximos años resultó bastante exitosa. Sus mayores ventas fueron The Elgart Touch de 1956 y For Dancers Also del año siguiente, que alcanzaron el Top 15 en las listas de LP; no tuvieron tanto éxito en el lado de los sencillos, aunque tuvieron un éxito menor con su tema "The Man With the Golden Arm", y Dick Clark adoptó su "Bandstand Boogie" original como tema principal de American Bandstand. El co-líder de la banda, Les, pasó cada vez más tiempo manejando el aspecto comercial de las cosas, y finalmente dejó de actuar por completo a fines de los 50.; dejó la banda y se mudó a California, y Larry asumió oficialmente la dirección musical (prácticamente ya se había hecho cargo). Movió la banda a RCA y luego a MGM, y para mantenerse al día con los tiempos, comenzó a moverse más hacia el mercado de la escucha fácil, creando álbumes de alta fidelidad con toques de swing, exotica y música de bachelor pad de la era espacial.

Les se reunió con Larry una vez más en 1963, momento en el que Larry había comenzado a agregar elementos de rock y pop a la mezcla musical. Charles Albertine regresó como arreglista desde el principio, pero pronto se fue a trabajar a la industria de la televisión y el cine, y fue reemplazado por Bobby Scott. Lanzado en 1964, Command Performance! fue su último álbum en las listas de éxitos, pero varios otros álbumes de esta época más tarde se hicieron populares entre los coleccionistas de lounge, particularmente Girl Watchers de 1967. Esa fue una de las últimas grabaciones de los hermanos juntos, ya que Les se retiró a Texas y actuó solo ocasionalmente. Larry siguió adelante y, finalmente, encontró un sorprendente éxito comercial a principios de los 80 como cerebro de los populares álbumes Hooked on Swing. Elgart y su Nueva Manhattan Swing Band interpretaron popurrís de melodías populares de jazz con un ritmo constante, en un formato como el de la serie complementaria Hooked on Classics. Larry Elgart continuó liderando bandas en cualquier circuito que pudiera encontrar; Les Elgart falleció en Dallas el 29 de julio de 1995, de insuficiencia cardíaca.
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I Marc 4 • Nelson Psychout

  

Italian four-member session group who played on soundtrack and library music recordings.

The name I Marc 4 (or Marc 4) comes from the initials of their members: Maurizio Majorana (bass), Antonello Vannucchi (Hammond/piano), Roberto Podio (drums/percussion) and Carlo Pes (guitar).
Sometimes the 'A' stood for Italian soundtrack composer Armando Trovaioli. I Marc 4 played and recorded most of Armando Travaioli's compositions. I Marc 4 were known for their funky Italian soundtrack style. They also played and record with well known Italian composers like Ennio Morricone and Piero Umiliani. 

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Grupo de sesión italiano de cuatro miembros que tocaba en grabaciones de bandas sonoras y música de biblioteca.

El nombre I Marc 4 (o Marc 4) proviene de las iniciales de sus miembros: Maurizio Majorana (bajo), Antonello Vannucchi (Hammond/piano), Roberto Podio (batería/percusión) y Carlo Pes (guitarra).
En ocasiones, la "A" representaba al compositor italiano de bandas sonoras Armando Trovaioli. I Marc 4 tocó y grabó la mayoría de las composiciones de Armando Travaioli. I Marc 4 era conocido por su estilo funky de banda sonora italiana. También tocaron y grabaron con conocidos compositores italianos como Ennio Morricone y Piero Umiliani. 

 

 

 

Vertú • Vertú

 

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Vertu is undeniably an ambitious project, certainly more so than most contemporary fusion projects. At the core of the collective are Stanley Clarke and Lenny White, the renowned rhythm section of Return to Forever; they're augmented by violinist Karn Briggs, keyboardist Rachel Z, and former Poison guitarist Richie Kotzen, of all people. It's a wildly eclectic group of musicians, and they appropriately tackle all sorts of music, from straight-ahead fusion and post-bop to worldbeat and classical-tinged rock. Thanks to the fine musicianship of all involved, it's not nearly the mess that it could have been, but it's hardly an unqualified success, either. The main problem is the weird blend of songs and compositions. Vertu is basically divided between songs (only a handful of which feature Kotzen's strained bluesy vocals), which have one simple melody, and flowing, multi-layered, multi-sectioned compositions. In each case, they're graced by some truly extraordinary playing (laugh you may, but Kotzen is a gifted guitarist and it's a pleasure to hear him stretch out, instead of being confined to pop-metal), but the songs often are built around lame themes that feel like excuses for improvisations; even worse, those themes are often delivered with the tone and grace of a television commercial. Vertu is much better with "Topasio Es Puro Corazon" and "Danse of the Harlequin" -- opportunities to build fascinating contrasts in sound, both through themes and improvisations. These pieces, along with the plentiful solo sections in the flawed songs, have some great interplay that will certainly be of interest to fans of all the involved musicians. And if they're longtime fans of any of the members (especially Clarke, White, and Return to Forever), they'll realize that creative risks are often successful and flawed in equal measure, so they won't be discouraged by the awkward moments on Vertu.
https://www.allmusic.com/album/vert%C3%BA-mw0000240727

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Crítica de Stephen Thomas Erlewine
Vertu es innegablemente un proyecto ambicioso, ciertamente más que la mayoría de los proyectos de fusión contemporáneos. En el núcleo del colectivo están Stanley Clarke y Lenny White, la renombrada sección rítmica de Return to Forever; a ellos se suman el violinista Karn Briggs, la teclista Rachel Z y el ex guitarrista de Poison Richie Kotzen. Es un grupo de músicos tremendamente ecléctico, y abordan con acierto todo tipo de música, desde la fusión directa y el post-bop hasta el worldbeat y el rock de tintes clásicos. Gracias a la excelente musicalidad de todos los participantes, no es ni mucho menos el desastre que podría haber sido, pero tampoco es un éxito rotundo. El principal problema es la extraña mezcla de canciones y composiciones. Vertu se divide básicamente entre canciones (sólo un puñado de las cuales presentan la tensa voz de blues de Kotzen), que tienen una melodía simple, y composiciones fluidas, de múltiples capas y secciones. En todos los casos, están adornadas por una forma de tocar realmente extraordinaria (ríete, pero Kotzen es un guitarrista dotado y es un placer oírle explayarse, en lugar de limitarse al pop-metal), pero las canciones a menudo se construyen en torno a temas poco convincentes que parecen excusas para improvisaciones; peor aún, esos temas a menudo se presentan con el tono y la gracia de un anuncio de televisión. Vertu es mucho mejor con "Topasio Es Puro Corazon" y "Danse of the Harlequin" -- oportunidades para construir fascinantes contrastes en el sonido, tanto a través de temas como de improvisaciones. Estas piezas, junto con las abundantes secciones solistas en las canciones defectuosas, tienen una gran interacción que sin duda será de interés para los fans de todos los músicos involucrados. Y si son fans veteranos de alguno de los miembros (especialmente de Clarke, White y Return to Forever), se darán cuenta de que los riesgos creativos suelen ser acertados y fallidos a partes iguales, así que no se desanimarán por los momentos incómodos de Vertu.
https://www.allmusic.com/album/vert%C3%BA-mw0000240727

stanleyclarke.com ...
facebook.com/LennyWhiteOfficial ...

Champion Jack Dupree • Sings The Blues

 

 

 Born William Thomas Dupree, 4 July 1910, New Orleans, (Dupree's birth date is the matter of some conjecture and is sometimes listed as 23 July 1909). Orphaned in infancy, Dupree was raised in the Colored Waifs Home for Boys until the age of 14. After leaving, he led a marginal existence, singing for tips, and learning piano from musicians such as Willie “Drive-'em-down” Hall. Dupree also became a professional boxer, and blended fighting with hoboing throughout the 30s, before retiring from the ring in 1940, and heading for New York. Initially, he traveled only as far as Indianapolis, where he joined with musicians who had been associates of Leroy Carr. Dupree rapidly became a star of the local black entertainment scene, as a comedian and dancer as well as a musician. He acquired a residency at the local Cotton Club, and partnered comedienne Ophelia Hoy.
In 1940, Dupree made his recording debut, with music that blended the forceful, barrelhouse playing and rich, Creole- accented singing of New Orleans with the more suave style of Leroy Carr. Not surprisingly, a number of titles were piano/guitar duets, although on some, Jesse Ellery's use of amplification pointed the way forward. A few songs covered unusual topics, such as the distribution of grapefruit juice by relief agencies, or the effects of drugs.
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Dupree's musical career was interrupted when he was drafted into the US Navy as a cook; even so he managed to become one of the first blues singers to record for the folk revival market while on leave in New York in 1943. Dupree's first wife died while he was in the navy, and he took his discharge in New York, where he worked as a club pianist, and formed a close musical association with Sonny Terry and Brownie McGhee.
His own post-war recording career commenced with a splendid series of solo recordings for Joe Davis, on some of which the influence of Peetie Wheatstraw is very evident. More typical were the many tracks with small groups recorded thereafter for a number of labels from 1946-53, and for King Records between April 1953 and late 1955. As ever, these recordings blend the serious with the comic, the latter somewhat tastelessly on songs such as “Tongue Tied Blues” and “Harelip Blues”. “Walking The Blues”, a comic dialogue with Teddy “Mr Bear” McRae, was a hit on King, and the format was repeated on a number of titles recorded for RCA Records' Vik and Groove.
In 1958, Dupree made his last American recordings until 1990; “Blues From The Gutter,” this a magnificent testament to Dupree's barrelhouse background, boasting marvelous readings of “Stack-O-Lee,” “Junker's Blues,” “Frankie & Johnny” and the “Nasty Boogie.” This is considered to be his finest effort and he was able to cruise off its laurels to launch a successful career overseas.
In 1959, he moved to Europe, and lived in Switzerland, England, Sweden and Germany, touring extensively and recording prolifically. There are many reissues and compilations available on a variety of labels to cover this European period. Among these are “Walking the Blues,” for King,(’70) and the outstanding live recording, “Blues at Montreaux”(’73) on Atco that also featured sax great, King Curtis.
Dupree returned to New Orleans in 1990 for his first visit in 36 years. While there, he played the Jazz & Heritage Festival and laid down an album for Bullseye Blues, “Back Home in New Orleans.”
The tracks on the 1993 release “One Last Time” were drawn from Dupree's final recording session before his death the previous year. Champion Jack died from complications of cancer on January 21, 1992.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com › championjackdupree

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Nacido William Thomas Dupree, 4 de julio de 1910, Nueva Orleans, (la fecha de nacimiento de Dupree es el asunto de algunas conjeturas y a veces se menciona como 23 de julio de 1909). Huérfano en la infancia, Dupree se crió en el Hogar de Niños de Color Waifs hasta la edad de 14 años. Después de irse, llevó una existencia marginal, cantando a cambio de propinas y aprendiendo a tocar el piano con músicos como Willie "Drive-'em-down" Hall. Dupree también se convirtió en boxeador profesional, y mezcló la lucha con el vagabundeo a lo largo de los años 30, antes de retirarse del ring en 1940, y se dirigió a Nueva York. Inicialmente, viajó sólo hasta Indianápolis, donde se unió a músicos que habían sido asociados de Leroy Carr. Dupree se convirtió rápidamente en una estrella de la escena local de entretenimiento negro, como comediante y bailarín, así como músico. Adquirió una residencia en el Cotton Club local y fue socio de la comediante Ophelia Hoy.
En 1940, Dupree hizo su debut discográfico, con una música que mezclaba el poderoso toque de barrelhouse y el rico y acentuado canto criollo de Nueva Orleans con el estilo más suave de Leroy Carr. No es de extrañar que varios títulos fueran dúos de piano/guitarra, aunque en algunos casos, el uso de la amplificación por parte de Jesse Ellery señaló el camino a seguir. Algunas canciones cubrían temas inusuales, como la distribución de jugo de toronja por parte de las agencias de ayuda humanitaria, o los efectos de las drogas.
La carrera musical de Dupree se interrumpió cuando fue reclutado en la Marina de los Estados Unidos como cocinero; aún así, logró convertirse en uno de los primeros cantantes de blues en grabar para el mercado de renacimiento folklórico mientras estaba de permiso en Nueva York en 1943. La primera esposa de Dupree murió mientras él estaba en la marina, y él fue dado de baja en Nueva York, donde trabajó como pianista de club, y formó una estrecha asociación musical con Sonny Terry y Brownie McGhee.
Su propia carrera discográfica de posguerra comenzó con una espléndida serie de grabaciones en solitario para Joe Davis, en algunas de las cuales la influencia de Peetie Wheatstraw es muy evidente. Más típicos fueron los muchos temas con pequeños grupos grabados después para varios sellos entre 1946 y 1953, y para King Records entre abril de 1953 y finales de 1955. Como siempre, estas grabaciones mezclan lo serio con lo cómico, este último un tanto insípido en canciones como "Tongue Tied Blues" y "Harelip Blues". "Walking The Blues", un diálogo cómico con Teddy "Mr Bear" McRae, fue un éxito en King, y el formato se repitió en varios títulos grabados para Vik and Groove de RCA Records.
En 1958, Dupree hizo sus últimas grabaciones en Estados Unidos hasta 1990; "Blues From The Gutter", un magnífico testimonio de los antecedentes de Dupree en el barrelhouse, con maravillosas lecturas de "Stack-O-Lee", "Junker's Blues", "Frankie & Johnny" y el "Nasty Boogie". Este es considerado como su mejor esfuerzo y fue capaz de cruzar los laureles para lanzar una exitosa carrera en el extranjero.
En 1959, se trasladó a Europa y vivió en Suiza, Inglaterra, Suecia y Alemania, donde realizó numerosas giras y grabaciones. Hay muchas reediciones y recopilaciones disponibles en una variedad de etiquetas para cubrir este período europeo. Entre ellos están "Walking the Blues", para King, ('70) y la destacada grabación en vivo, "Blues at Montreaux" ('73) en Atco que también incluía al gran saxofonista King Curtis.
Dupree regresó a Nueva Orleans en 1990 para su primera visita en 36 años. Mientras estaba allí, tocó en el Jazz & Heritage Festival y grabó un álbum para Bullseye Blues, "Back Home in New Orleans".
Los temas del disco "One Last Time" de 1993 fueron extraídos de la última sesión de grabación de Dupree antes de su muerte el año anterior. El campeón Jack murió de complicaciones del cáncer el 21 de enero de 1992.
Fuente: James Nadal
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Colaborador / Contributor:  BOBpinBOB