Friday, June 19, 2026
Restless • Unplugged
Restless was formed in 1978 by Mark Harman (g/v), Paul Harman (b) and Ben Cooper (d). The band name was borrowed from a Carl Perkins song. In 1981 "The Restless" EP was issued-limited to 400 copies. Once 'Why Don't You Just Rock!' was out, the boys were pretty much doing the regular Rock 'n' Roll circuit throughout England. Restless played their own style of Rock 'n' Roll and are arguably one of the most influential British Neo-Rockabilly bands. One time they played a 50´s Rockabilly standard just to follow with a pure Psychobilly song.
Jeff Bayly replaced Paul in 1984 and Restless hit the UK Independent Charts with "Mr. Blues". In 1986 Restless optioned for a second guitar and added Mick Malone. After the departure of Bayly & Cooper, Restless wanted to quit. But the addition of ex-Frenzy/ ex-Shark Steve Whitehouse (b) brought them back in business. In 1989 Rob Tyler (d) ,one of the better known Rockabilly drummers, also joined his old fellow Mark Harman.
1998 Restless played their "last" show in London just to be back in 2002 with the original lineup, that has split in 1984.
https://www.oldschool-psychobilly.de/restless2.htm
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Restless fue formado en 1978 por Mark Harman (genio de la guitarra y cantante principal, además de compositor), Paul Harman (el hermano) en contrabajo, y Ben Cooper (batería y percusión). El nombre de la banda viene de una canción de Carl Perkins.
En 1981 sacan el EP «Restless», en una edición limitada de 400 ejemplares. Luego de publicar ‘Why Don’t You Just Rock!’, la banda estuvo tocando en el circuito habitual del rock ‘n roll por todo Inglaterra. Pero Restless tocaba con su propio estilo y fueron, sin duda, una de las más influyentes bandas del Neo-Rockabilly británico.
Jeff Bayly reemplazó a Paul en 1984 y Restless copó los Charts independientes de Gran Bretaña con «Mr. Blues».
En 1981 sacan el EP «Restless», en una edición limitada de 400 ejemplares. Luego de publicar ‘Why Don’t You Just Rock!’, la banda estuvo tocando en el circuito habitual del rock ‘n roll por todo Inglaterra. Pero Restless tocaba con su propio estilo y fueron, sin duda, una de las más influyentes bandas del Neo-Rockabilly británico.
Jeff Bayly reemplazó a Paul en 1984 y Restless copó los Charts independientes de Gran Bretaña con «Mr. Blues».
En 1986 Restless optó por una segunda guitarra, y así se sumó al grupo Mick Malone.
Luego de la partida de Bayly y Cooper, Restless quiso disolverse. Pero la incorporación del ex-Frenzy/ ex-Sharks Steve Whitehouse (contrabajo) los volvió a la ruta. En 1989 Rob Tyler, uno de los más conocidos bateristas de rockabilly, también se unió a su compañero Mark Harman.
En 1998 Restless tocó su «último» show en Londres sólo para volver en 2002 CON LA FORMACIÓN ORIGINAL, que se había dividido en 1984.
Luego de la partida de Bayly y Cooper, Restless quiso disolverse. Pero la incorporación del ex-Frenzy/ ex-Sharks Steve Whitehouse (contrabajo) los volvió a la ruta. En 1989 Rob Tyler, uno de los más conocidos bateristas de rockabilly, también se unió a su compañero Mark Harman.
En 1998 Restless tocó su «último» show en Londres sólo para volver en 2002 CON LA FORMACIÓN ORIGINAL, que se había dividido en 1984.
Paul Desmond • From The Hot Afternoon
All the featured performances are excellent, Paul Desmond's playing is superb, taking a little more of a back seat, but with some beautiful, memorable phrasing. Not mentioned in other reviews are three vocal tracks featuring Wanda de Sa, "To Say Goodbye", "Circles" and "Crystal Illusions". In "To Say Goodbye", she was forced by the recording schedule and low register of the instrumental part to sing well below her normal register, producing a striking and sultry version of this song, a must-have for her fans. Edu Lobo may not be Jobim, but "Crystal Illusions" is perhaps his best known work. He performs on the track and Wanda (his wife) sings it beautifully. The swirling '70s orchestation suits the song very well, the edgy chord shifts provide Paul with a challenging backdrop for his solos; this is probably my favourite version. This is an easy listening classic which is head and shoulders above others in the genre and has the power to move you with some exceptional performances by several icons of jazz and the '60s "Bossa" sound. - by Ricardo, Amazon.com
Review by Richard S. Ginell
Paul Desmond's first genuine all-Brazilian album under the Creed Taylor signature was a beauty, a collection of songs by the then-moderately known Edu Lobo and the emerging giant Milton Nascimento, then only in his early twenties. All Desmond has to do is sit back and ride the Brazilian grooves while lyrically ruminating on whatever pops into his head. It sounds so effortless -- until you try it yourself. The swirling, often gorgeous orchestral arrangements are by Don Sebesky (one CD edition mistakenly gives Claus Ogerman credit on the cover), Airto Moreira leads the samba-flavored percussion forces, and Lobo and his wife Wanda de Sah appear on three of Lobo's four songs. Lobo's "To Say Goodbye," "Circles," and "Martha and Romao" have exactly the brand of wistful sadness that Desmond could communicate so well; on the former, de Sah has to sing well below the register with which she is comfortable, and the strain is painfully obvious. Some of Nascimento's best early tunes are here, including the tense title track, the popping "Catavento," and "Canto Latino." "Catavento" inspires a particularly inventive solo from Desmond where he pulls out one of his age-old tricks, quoting "St. Thomas." This 2000 Verve "By Request" edition adds no less than six alternate takes to the package.
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Todas las actuaciones son excelentes, la interpretación de Paul Desmond es magnífica, tomando un poco más de un asiento trasero, pero con un fraseo hermoso y memorable. En otras críticas no se mencionan tres pistas vocales con Wanda de Sa, "To Say Goodbye", "Circles" y "Crystal Illusions". En "To Say Goodbye", se vio obligada por el horario de grabación y el registro bajo de la parte instrumental a cantar muy por debajo de su registro normal, produciendo una llamativa y sensual versión de esta canción, imprescindible para sus fans. Edu Lobo puede no ser Jobim, pero "Ilusiones de Cristal" es quizás su obra más conocida. Actúa en la pista y Wanda (su esposa) la canta muy bien. La orquestación de los años 70 se adapta muy bien a la canción, los cambios de acordes nerviosos proporcionan a Paul un telón de fondo desafiante para sus solos; esta es probablemente mi versión favorita. Se trata de un clásico de fácil escucha que está por encima de otros en el género y que tiene el poder de conmoverte con algunas actuaciones excepcionales de varios iconos del jazz y del sonido de la Bossa de los años 60. - por Ricardo, Amazon.com
Reseña de Richard S. Ginell
El primer álbum genuinamente brasileño de Paul Desmond bajo la firma de Creed Taylor fue una belleza, una colección de canciones del entonces moderadamente conocido Edu Lobo y del gigante emergente Milton Nascimento, entonces sólo a los veinte años. Todo lo que tiene que hacer Desmond es sentarse y correr por los surcos brasileños mientras rumia líricamente sobre lo que se le viene a la cabeza. Suena tan fácil... hasta que lo pruebes tú mismo. Los arremolinados y a menudo magníficos arreglos orquestales son de Don Sebesky (una edición en CD da crédito a Claus Ogerman en la portada), Airto Moreira lidera las fuerzas de la percusión con sabor a samba, y Lobo y su esposa Wanda de Sah aparecen en tres de las cuatro canciones de Lobo. "To Say Goodbye", de Lobo, "Circles" y "Martha and Romao" tienen exactamente la marca de tristeza melancólica que Desmond podía comunicar tan bien; en la primera, de Sah tiene que cantar muy por debajo del registro con el que se siente cómoda, y la tensión es dolorosamente obvia. Algunas de las mejores canciones tempranas de Nascimento están aquí, incluyendo el tenso tema del título, el pop "Catavento" y "Canto Latino". "Catavento" inspira un solo particularmente inventivo de Desmond donde saca uno de sus viejos trucos, citando a "St. Thomas". Esta edición 2000 de Verve "By Request" añade no menos de seis tomas alternativas al paquete.
Greg Skaff • Soulmation
Guitarist Greg Skaff is all about the grease, grit, and grooves on Soulmation. It's a logical extension of his previous work—guitar-fronted organ group dates like East Harlem Skyline (Zoho Music, 2009) and 116th & Park (Zoho Music, 2012)—but it's a tad heavier, raunchier, and funkier than anything Skaff threw us on those records. His approach here is equal parts soul jazz, jam band, and unadulterated rock, nodding toward everybody from Grant Green to Lenny Kravitz to Jimi Hendrix.
Skaff wastes no time getting down to business on this one. He kicks things off with a funky gem ("Conjure") that calls to mind the music that Medeski Martin & Wood produced with John Scofield. It's a performance that's indicative of the attitude surrounding the album, yet the sound of that song doesn't define the record. No single track could. Skaff is far too cagey to be pigeonholed, altering his direction in slight and not-so-subtle ways from song to song. One number might present like a meeting of Stevie Wonder, Grand Funk Railroad, and Delbert McClinton ("Soulmation"), the next may slam and shred with controlled abandon ("Mother Root"), and the one after that may appear as waltzing jazz poetry riding on a psychedelic fusion flow (Jan Hammer's "Smoke In The Sun").
Everything is on the table here, and it's quite a spread to take in. Skaff and company ably construct Jeff Beck-meets-Living Colour hybrids ("Bottom Feeder"), manufacture slinky-and-dreamy tastes of Ellingtonia ("Fleurette Africaine"), shoot out sizzling swingers ("Porcupine Hat"), and engage in jams that marry roadhouse aesthetics to more advanced harmonic language ("Talisman"). Virtually nothing is left unexplored across these eleven tracks.
If there's a single idea at the heart of this album, it's that a musician unbound is like a musician heretofore unheard. Whether discussing the leader, his regular on-record collaborators like organist Pat Bianchi and drummer Charley Drayton, or Skaff album newbies like bassist Fima Ephron and drummer Jonathan Barber, that thought rings true. One can never really know the full weight of an artist's thoughts and skills until they're unleashed, so no truer picture of this guitarist (and his friends) may exist. Soulmation is truly a summation of what Greg Skaff is all about.
By DAN BILAWSKY
April 22, 2017
https://www.allaboutjazz.com/soulmation-greg-skaff-zoho-music-review-by-dan-bilawsky.php
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El guitarrista Greg Skaff es todo sobre la grasa, la arenilla y los surcos de Soulmation. Es una extensión lógica de su trabajo anterior, con fechas de grupos de guitarra y órgano como East Harlem Skyline (Zoho Music, 2009) y 116th & Park (Zoho Music, 2012), pero es un poco más pesado, ruidoso y funky que cualquier cosa que Skaff nos haya dado en esos discos. Su enfoque aquí es a partes iguales el soul jazz, la banda de jamón, y el rock no adulterado, asintiendo a todo el mundo desde Grant Green a Lenny Kravitz a Jimi Hendrix.
Skaff no pierde el tiempo en ponerse a trabajar en esto. Empieza con una joya funky ("Conjure") que recuerda a la música que Medeski Martin & Wood produjo con John Scofield. Es una actuación que indica la actitud que rodea al álbum, pero el sonido de esa canción no define el disco. Ninguna pista podría hacerlo. Skaff es demasiado cauteloso para ser encasillado, alterando su dirección de manera ligera y no tan sutil de una canción a otra. Un número podría presentarse como una reunión de Stevie Wonder, Grand Funk Railroad, y Delbert McClinton ("Soulmation"), el siguiente podría golpearse y desmenuzarse con abandono controlado ("Mother Root"), y el siguiente podría aparecer como un vals de poesía de jazz montado en un flujo de fusión psicodélica ("Smoke In The Sun" de Jan Hammer).
Todo está sobre la mesa aquí, y es un gran despliegue para asimilar. Skaff y compañía construyen hábilmente los híbridos Jeff Beck-meets-Living Colour ("Bottom Feeder"), fabrican sabores esbeltos y soñadores de Ellingtonia ("Fleurette Africaine"), lanzan chispeantes swingers ("Porcupine Hat"), y participan en mermeladas que combinan la estética de los bares con un lenguaje armónico más avanzado ("Talismán"). Prácticamente no queda nada sin explorar en estas once pistas.
Si hay una sola idea en el corazón de este álbum, es que un músico sin ataduras es como un músico hasta ahora no escuchado. Ya sea que se trate del líder, sus colaboradores regulares en el disco como el organista Pat Bianchi y el baterista Charley Drayton, o los novatos del álbum de Skaff como el bajista Fima Ephron y el baterista Jonathan Barber, ese pensamiento suena cierto. Uno nunca puede saber el peso total de los pensamientos y habilidades de un artista hasta que se desencadenan, así que no puede existir una imagen más verdadera de este guitarrista (y sus amigos). La formación es realmente un resumen de lo que Greg Skaff es todo.
Por DAN BILAWSKY
22 de abril de 2017
https://www.allaboutjazz.com/soulmation-greg-skaff-zoho-music-review-by-dan-bilawsky.php
https://www.gregskaff.com/
Contributor
Chris Joss • I've Been Remixed
Chris Joss is a French multi-instrumentalist and record producer, who
has released seven solo albums; five of them by ESL Music. His music
ranges from funk to electronica, and tracks excerpted from his releases
are featured in movie trailers such as Accepted (2006), Argo (2012),
Hotel for Dogs (2009), Inside Deep Throat (2005), Ocean's Thirteen
(2007), and Role Models (2008), and the television shows Six Feet Under
and Better Call Saul.
His track "I want Freedom", taken from his fourth album, is part of Apple Inc.'s iPhoto 10 and iPhoto 11 software.
His album The Man with a Suitcase (1999) was part of a trend in the late
1990s of "imaginary soundtracks", compositions created to accompany
films that did not actually exist. In the soundtrack, he attempted to
pay homage to works of the 1960s and 1970s such as The Avengers and
Mission Impossible, with a mixture of jazz, pop, rock, and funk.
https://en.wikipedia.org/wiki/Chris_Joss
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Chris Joss es un multi-instrumentista y productor de discos francés, que ha lanzado siete álbumes en solitario, cinco de ellos de ESL Music. Su música abarca desde el funk hasta la electrónica, y las pistas extraídas de sus lanzamientos aparecen en los tráileres de películas como Accepted (2006), Argo (2012), Hotel for Dogs (2009), Inside Deep Throat (2005), Ocean's Thirteen (2007), y Role Models (2008), y los programas de televisión Six Feet Under y Better Call Saul.
Su canción "I want Freedom", tomada de su cuarto álbum, forma parte del software iPhoto 10 e iPhoto 11 de Apple Inc.
Su álbum "The Man with a Suitcase" (1999) formaba parte de una tendencia de finales de los años 90 de "bandas sonoras imaginarias", composiciones creadas para acompañar películas que en realidad no existían. En la banda sonora, intentó rendir homenaje a obras de los años sesenta y setenta como Los Vengadores y Misión Imposible, con una mezcla de jazz, pop, rock y funk.
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