Dorothy Donegan • The Many Faces Of Dorothy Donegan

 

 

Biography:
More than fifteen years have passed since the flamboyant jazz pianist Dorothy Donegan died. Sadly, few jazz fans, either then or now, are aware of what enormous orchestral capacity she had at the keyboard .

Dorothy was born in Chicago in 1924. Heeding her mother’s encouragement, she studied classical music at the Chicago Conservatory and the Chicago Music College. At eighteen, she became the first African-American to be asked to perform at Orchestra Hall in Chicago. The event created enough interest to lead to some work in a film (Sensations of 1945) .

At the age of fourteen and studying classical piano she was also beginning her own jazz career, playing for a dollar a night at the city’s South Side bars  During a performance at the Hi-Jinx Club one evening, she met up with Art Tatum, who was so impressed with her abilities he became one of her champions. Despite her accomplishments in playing blues and boogie-woogie piano and making a recording for the Bluebird label, her love was for classical music and she hoped to be a classical concert pianist.

Dorothy never forgot her love of classical music so she continued her classical studies at the University of Southern California and taking Master Classes at the University of Maryland when performing in the Washington DC area. Her perseverance in both genre made her an exceptional pianist with a rich harmonic sense.

Dorothy’s career spanned over sixty years of performing throughout the U.S. and abroad. The late 1950’s was the period during which she developed her performance style (2). The end result was a flamboyant style that tended to get in the way of her extraordinary piano playing, John. S. Wilson’s coverage of one of her performances sometime later, compared her technical virtuosity to that of Art Tatum.

Finding she was more comfortable in a live setting rather than the studio her career was centered on nightclub engagements. As a result she didn’t make many recordings. Scott Albin suggests there is a compilation CD, “Dorothy Romps: A Piano Retrospective (1953-1979) that provides a sample of her many abilities (See Dorothy Donegan’s store on Amazon.com (http://www.amazon.com/Dorothy-Donegan/e/B000AQ153K/ref=ac_dtp_sa_link ) .

To quote Scott Albin: “She was best appreciated live, in lengthy well-attended engagements at night clubs like the Embers in New York and the London House in Chicago, where she offered kaleidoscopic sets that mixed her singing, dancing, and off-color jokes with piano excursions technically comparable to those of an Art Tatum or a world-class pianist.” Despite all this talent, in jazz circles she is scarcely thought of as a jazz pianist but thought of as a lounge entertainer. This is partly because much of her appeal was based on her visual antics .

In the 1990s her talents were once again recognized through her show stopping appearances on Hank O’Neal’s Floating Jazz cruises. Dorothy also lectured and received an honorary doctoral degree from Roosevelt University in 1994. She performed at the White House in 1993 and played her last concert at the Fujitsu Concord Jazz Festival in 1997 .

Many fellow musicians found her intimidating, which accounts for her solo performances with just bass and drums (3). To quote Dorothy: “I’ve snowed them (male jazz pianists) all except one (the late Art Tatum). Most of them play like women,” .

Dorothy Donegan was married three times and died on May 19, 1998.
https://musicians.allaboutjazz.com/dorothydonegan

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Biografía:
Han pasado más de quince años desde que murió la extravagante pianista de jazz Dorothy Donegan. Lamentablemente, pocos fanáticos del jazz, ya sea entonces o ahora, son conscientes de la enorme capacidad orquestal que tenía en el teclado .

Dorothy nació en Chicago en 1924. Alentada por su madre, estudió música clásica en el Conservatorio de Chicago y en el Chicago Music College. A los dieciocho años, se convirtió en la primera afroamericana a la que se le pidió que actuara en el Orchestra Hall de Chicago. El evento creó suficiente interés como para dar lugar a un trabajo en una película (Sensaciones de 1945) .

A la edad de catorce años y estudiando piano clásico también estaba empezando su propia carrera de jazz, tocando por un dólar la noche en los bares del South Side de la ciudad. Durante una actuación en el Hi-Jinx Club una noche, conoció a Art Tatum, que quedó tan impresionado con sus habilidades que se convirtió en uno de sus campeones. A pesar de sus logros tocando el piano de blues y boogie-woogie y haciendo una grabación para el sello Bluebird, su amor por la música clásica y esperaba ser una concertista de música clásica.

Dorothy nunca olvidó su amor por la música clásica, por lo que continuó sus estudios clásicos en la Universidad del Sur de California y tomó clases magistrales en la Universidad de Maryland cuando actuó en el área de Washington DC. Su perseverancia en ambos géneros la convirtió en una pianista excepcional con un rico sentido armónico.

La carrera de Dorothy abarcó más de sesenta años de actuación en los EE.UU. y en el extranjero. A finales de los años 50 fue el período durante el cual desarrolló su estilo de interpretación (2). El resultado final fue un estilo extravagante que tendía a interponerse en el camino de su extraordinaria interpretación en el piano, John. La cobertura de S. Wilson de una de sus actuaciones algún tiempo después, comparó su virtuosismo técnico con el de Art Tatum.

Al encontrar que se sentía más cómoda en un escenario en vivo que en el estudio, su carrera se centró en los compromisos en clubes nocturnos. Como resultado, no hizo muchas grabaciones. Scott Albin sugiere que hay un CD de compilación, "Dorothy Romps": A Piano Retrospective (1953-1979) que proporciona una muestra de sus muchas habilidades (Ver la tienda de Dorothy Donegan en Amazon.com (http://www.amazon.com/Dorothy-Donegan/e/B000AQ153K/ref=ac_dtp_sa_link ) .

Citando a Scott Albin: "Se la apreciaba más en directo, en largos y bien frecuentados compromisos en clubes nocturnos como el Embers en Nueva York y la Casa de Londres en Chicago, donde ofrecía sets caleidoscópicos que mezclaban sus cantos, bailes y bromas a todo color con excursiones de piano técnicamente comparables a las de un Art Tatum o un pianista de clase mundial". A pesar de todo este talento, en los círculos de jazz no se la considera una pianista de jazz sino una artista de salón. Esto se debe en parte a que gran parte de su atractivo se basa en sus payasadas visuales.

En la década de 1990 su talento fue reconocido una vez más a través de sus apariciones en los cruceros de Jazz Flotante de Hank O'Neal. Dorothy también dio conferencias y recibió un doctorado honorario de la Universidad de Roosevelt en 1994. Tocó en la Casa Blanca en 1993 y su último concierto en el Festival de Jazz de Fujitsu Concord en 1997.

Muchos colegas músicos la encontraban intimidante, lo que explica sus actuaciones en solitario sólo con el bajo y la batería (3). Citando a Dorothy: "Los he engañado (a los pianistas masculinos de jazz) a todos excepto a uno (el difunto Art Tatum). La mayoría de ellos tocan como mujeres".

Dorothy Donegan se casó tres veces y murió el 19 de mayo de 1998.
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Big John Patton • Oh Baby

Review:

Patton's fourth album for Blue Note. Big John Patton with Grant Green on guitar and Harold Vick on tenor sax. With tunes like "Fat Judy" and "Good Juice," there is no worry about there being a groove. The addition of a trumpet (Blue Mitchell) means you have a horn section, and this tends to be a little much now and again. Although a little on the light side, thanks to Patton and Green, the groove does go down.

by Michael Erlewine

https://www.allmusic.com/album/oh-baby%21-mw0000766666

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Reseña:

El cuarto álbum de Patton para Blue Note. Big John Patton con Grant Green en la guitarra y Harold Vick en el saxo tenor. Con temas como "Fat Judy" y "Good Juice", no hay que preocuparse de que haya un ritmo. La adición de una trompeta (Blue Mitchell) significa que tienes una sección de trompetas, y esto tiende a ser un poco demasiado de vez en cuando. Aunque un poco en el lado de la luz, gracias a Patton y Green, el surco se reduce.

por Michael Erlewine

https://www.allmusic.com/album/oh-baby%21-mw0000766666

Michel Camilo • RendezVous

 

Review by Jonathan Widran
Watching lightning crackle and disappear from the sky is a good
analogy for listening to this pianist's approach to the piano, at least on the funky jazz tunes. Camilo's ivory command is simply amazing, and his melodic, percussive treatment of even the simplest pieces is quite exciting to listen to, even though it gets frenetic after a while. Latin-tinged cookers like "Tropical Jam" and "Blacky" will rivet you with an improvisational energy you've never heard before, while the simple romance of "Remembrance" offers a tender counterpoint to all the friskiness. Camilo's approach to jazz is combining funk with improvisation, while never losing sight of the song itself. The way he integrates everything is superb and inspiring -- definitely a rendezvous worth meeting up with.
https://www.allmusic.com/album/rendezvous-mw0000098447



Artist Biography
Pianist and composer Michel Camilo was born in Santo Domingo, Dominican Republic, in 1954. Fascinated with music since childhood, he composed his first song at the age of five, then studied for 13 years at the National Conservatory. At 16, he became a member of the National Symphony Orchestra.
Seeking to expand his musical horizons, he moved in 1979 to New York, where he continued his studies at Mannes and Juilliard School of Music. His composition Why Not? was recorded by Paquito D'Rivera as the title tune for one of his albums, and The Manhattan Transfer won a Grammy Award for their vocal version in 1983. His first two albums were titled Why Not? and Suntan/In Trio.
Camilo made his Carnegie Hall debut with his trio in 1985. Since then, he has become a prominent figure performing regularly in the United States, the Caribbean, Japan and Europe. December 1987 marked his debut as a classical conductor when the National Symphony Orchestra of the Dominican Republic invited him to conduct a recital featuring the works of Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak and Camilo’s own composition, The Goodwill Games Theme, which won an Emmy Award. That year, he became the musical director of the Heineken Jazz Festival in his native Dominican Republic, a post he held through 1992.
November of 1988 marked his debut on a major record label with the release of his self- titled album, Michel Camilo (Sony). The album became an instant success and held the top jazz album spot for ten consecutive weeks.
His next recording, On Fire, was voted one of the top three Jazz Albums of the Year by Billboard, and 1990s On the Other Hand was a top-ten jazz album. All three releases reached the number-one position in radio airplay.
Camilo’s list of compositions, recordings and other achievements throughout the '90s is vast. His composition Caribe was recorded by pianists Katia and Marielle Lebeque, and by the legendary Dizzy Gillespie, in 1991. His Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, commissioned by the Philharmonia Orchestra, premiered a year later at the Royal Festival Hall. In 1993, Gavin and Billboard magazines picked his Rendezvous as one of the top jazz albums of the year.
Camilo performed a series of piano recitals in 1996 as part of Copenhagen’s Cultural Capital of Europe celebration, and also debuted at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC, and Carnegie Hall in New York. That same year, he performed in Israel, Spain, Mexico, Dominican Republic and Switzerland, where he debuted at Zurich’s prestigious Tonhalle concert hall as part of the Jazz Piano Masters series.
He served as co-artistic director in 1998 for the first Latin-Caribbean Music Festival at the Kennedy Center, which featured performances by his trio and big band, as well as the world premiere of his Piano Concerto with the National Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin. The following year, he toured with Cuban jazz pianist Chucho Valdes, and debuted with the Cleveland Symphony Orchestra.
In addition to compiling an extensive discography and maintaining a rigorous performance schedule, Camilo has composed and recorded a number of Spanish film scores over the years, and holds honorary degrees from his alma mater, Universidad Autonoma de Santo Domingo, and UTESA University of Santiago, Dominican Republic (he’s the youngest person to ever receive the distinction from the latter school). In 1992, he was named a Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus by the Dominican Government.
At the turn of the millennium, his 2000 Verve release, Spain, with guitarist Tomatito, won Best Latin Jazz Album in the first-ever Latin Grammy Awards. Camilo also performed in a trio concert in 2000 presented by the New Jersey Chamber Society with special guest Paquito D'Rivera.
In 2001, Camilo appeared on the soundtrack CD for the acclaimed Latin jazz film Calle 54, directed by the Oscar-winning Spaniard Fernando Trueba. In addition to his activities as a composer and pianist, Camilo lectured and performed at many universities and colleges throughout Europe and the United States”including New York University, Berklee School of Music, MIT, William Paterson College (in New Jersey) and Puerto Rico Conservatory.
In November 2001, he was awarded the Silver Cross of the Order of Duarte, Sanchez & Mella from the president of the Dominican Republic, the highest honor that the government can give.
2002 marked a special year for Camilo with two albums: Classical and Jazz. In February, Decca released his Concerto for Piano & Orchestra, Suite for Piano, Strings and Harp & Caribe, to celebrate his guest appearance with the NSO conducted by Leonard Slatkin at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.
In March 2002, Telarc released Triangulo, Camilo’s Grammy Award nominee trio recording, which features bass guitarist Anthony Jackson and drummer Horacio “El Negro” Hernandez.
August 2003 marked the Telarc release of his latest album Live at the Blue Note, featuring Horacio “El Negro” Hernandez on drums and Charles Flores on acoustic bass. This two-CD set captures the quintessential Camilo “sound” live for the first time and was awarded a GRAMMY for Best Latin Jazz Album.

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Reseña de Jonathan Widran
Ver el crepitar de los relámpagos y desaparecer del cielo es un buen
analogía para escuchar el acercamiento de este pianista al piano, al menos en las melodías funky de jazz. El dominio del marfil de Camilo es simplemente asombroso, y su tratamiento melódico y percusivo de las piezas más simples es muy emocionante de escuchar, aunque se vuelve frenético después de un tiempo. Cocinas con matices latinos como "Tropical Jam" y "Blacky" le fascinarán con una energía de improvisación que nunca antes había oído, mientras que el simple romance de "Remembrance" ofrece un tierno contrapunto a todo el frenesí. El enfoque de Camilo en el jazz es combinar el funk con la improvisación, sin perder nunca de vista la canción en sí. La forma en que integra todo es magnífica e inspiradora... definitivamente una cita que vale la pena conocer.
https://www.allmusic.com/album/rendezvous-mw0000098447

Biografía del artista
El pianista y compositor Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana, en 1954. Fascinado por la música desde la infancia, compuso su primera canción a la edad de cinco años, y luego estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional. A los 16 años, se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional.
Buscando ampliar sus horizontes musicales, se trasladó en 1979 a Nueva York, donde continuó sus estudios en la Escuela de Música de Mannes y Juilliard. Su composición Why Not? fue grabada por Paquito D'Rivera como la canción principal de uno de sus álbumes, y The Manhattan Transfer ganó un premio Grammy por su versión vocal en 1983. Sus dos primeros álbumes se titulaban Why Not? y Suntan/In Trio.
Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall con su trío en 1985. Desde entonces, se ha convertido en una figura prominente que actúa regularmente en los Estados Unidos, el Caribe, Japón y Europa. En diciembre de 1987 debutó como director clásico cuando la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana lo invitó a dirigir un recital con las obras de Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak y la propia composición de Camilo, The Goodwill Games Theme, que ganó un premio Emmy.
Ese año, se convirtió en el director musical del Festival de Jazz de Heineken en su República Dominicana natal, cargo que ocupó hasta 1992.
En noviembre de 1988 debutó en un importante sello discográfico con el lanzamiento de su álbum autotitulado, Michel Camilo (Sony). El álbum se convirtió en un éxito instantáneo y ocupó el primer puesto de los álbumes de jazz durante diez semanas consecutivas. Su siguiente grabación, On Fire, fue votada como uno de los tres mejores álbumes de jazz del año por Billboard, y 1990 On the Other Hand fue uno de los diez mejores álbumes de jazz. Los tres lanzamientos alcanzaron la posición número uno en la radio.
La lista de composiciones, grabaciones y otros logros de Camilo a lo largo de los 90 es muy amplia. Su composición Caribe fue grabada por las pianistas Katia y Marielle Lebeque, y por el legendario Dizzy Gillespie, en 1991. Su Rapsodia para dos pianos y orquesta, comisionada por la Orquesta Filarmónica, se estrenó un año después en el Royal Festival Hall. En 1993, las revistas Gavin y Billboard eligieron su Rendezvous como uno de los mejores álbumes de jazz del año.
Camilo realizó una serie de recitales de piano en 1996 como parte de la celebración de la Capital Cultural de Europa en Copenhague, y también debutó en el Centro Kennedy para las Artes Escénicas en Washington, DC, y en el Carnegie Hall en Nueva York. Ese mismo año, actuó en Israel, España, México, República Dominicana y Suiza, donde debutó en la prestigiosa sala de conciertos Tonhalle de Zurich como parte de la serie Jazz Piano Masters.
En 1998 fue co-director artístico del primer Festival de Música Latinoamericana y Caribeña en el Kennedy Center, que contó con la participación de su trío y su big band, así como con el estreno mundial de su Concierto para Piano con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Leonard Slatkin. Al año siguiente, realizó una gira con el pianista de jazz cubano Chucho Valdés y debutó con la Orquesta Sinfónica de Cleveland.
Además de recopilar una extensa discografía y mantener un riguroso programa de actuaciones, Camilo ha compuesto y grabado varias partituras de películas españolas a lo largo de los años, y tiene títulos honoríficos de su alma mater, la Universidad Autónoma de Santo Domingo, y de la Universidad UTESA de Santiago, República Dominicana (es la persona más joven en recibir la distinción de esta última escuela). En 1992 fue nombrado Caballero de la Orden Heráldica de Cristóbal Colón por el Gobierno Dominicano.
A principios del milenio, su disco Verve del año 2000, España, con el guitarrista Tomatito, ganó el premio al mejor álbum de jazz latino en la primera entrega de los Grammy Latinos. Camilo también actuó en un concierto de trío en 2000 presentado por la Sociedad de Cámara de Nueva Jersey con el invitado especial Paquito D'Rivera.
En 2001, Camilo apareció en el CD de la banda sonora de la aclamada película de jazz latino Calle 54, dirigida por el español Fernando Trueba, ganador de un Oscar. Además de sus actividades como compositor y pianista, Camilo dio conferencias y actuó en muchas universidades y colegios de Europa y los Estados Unidos, incluyendo la Universidad de Nueva York, la Escuela de Música de Berklee, el MIT, el William Paterson College (en Nueva Jersey) y el Conservatorio de Puerto Rico.
En noviembre de 2001, el presidente de la República Dominicana le concedió la Cruz de Plata de la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, el más alto honor que el gobierno puede otorgar.
El 2002 marcó un año especial para Camilo con dos álbumes: Clásico y Jazz. En febrero, Decca lanzó su Concierto para Piano y Orquesta, Suite para Piano, Cuerdas y Arpa y Caribe, para celebrar su aparición como invitado con la NSO dirigida por Leonard Slatkin en el Centro Kennedy de las Artes Escénicas en Washington, D.C.
En marzo de 2002, Telarc lanzó Triángulo, la grabación del trío nominado a los premios Grammy de Camilo, en la que participan el bajista Anthony Jackson y el baterista Horacio "El Negro" Hernández.
En agosto de 2003, Telarc lanzó su último álbum Live at the Blue Note, en el que participan Horacio "El Negro" Hernández en la batería y Charles Flores en el bajo acústico. Este conjunto de dos CDs captura por primera vez el "sonido" por excelencia de Camilo en vivo y fue galardonado con un GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino.

www.michelcamilo.com/rendezvous 

 

Mike Longo Trio • Float Like a Butterfly

 

Review by William Ruhlmann
Producer Bob Magnuson concludes his brief liner notes for the Mike Longo Trio's Float Like a Butterfly by writing, "The future of contemporary bebop is bright, and Mike Longo is one of those leading the way." The phrase "contemporary bebop" is a curious one, since it suggests that bebop is a style of music that has continued to evolve since it emerged after World War II, when in fact it began being superseded by other styles of jazz as long ago as the late '50s. By 2007, there was no "contemporary bebop," any more than there was a "contemporary ragtime." The only sense in which the Longo album can be considered "contemporary" is that it was recorded in the 21st century, shortly before its release, rather than back in the '50s when, by the style of playing, it could have been. Pianist Longo is a longtime sideman for Dizzy Gillespie and a proud protégé of Oscar Peterson, to whom he dedicates the album. In his notes, he recalls being turned on to jazz by hearing Peterson play "Tenderly" "when I was in the 10th grade." Given that he was born in 1939, that would have been back in the mid-'50s, so it's appropriate that the playing here and the covers of pop standards like "Tenderly" and "Laura" as well as works by Gillespie, Freddie Hubbard, and Thelonious Monk hark back 50-plus years. Longo, a music teacher and author of music textbooks, is presenting his accumulated knowledge of bebop on this album, along with his rhythm section of Paul West (bass) and Jimmy Wormworth (drums). It would be more accurate to paraphrase Magnuson and say of the album that the future of traditional bebop as a scholarly pursuit is assured, and Mike Longo is one of its leading archivists.
https://www.allmusic.com/album/float-like-a-butterfly-mw0001137964

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Reseña de William Ruhlmann
El productor Bob Magnuson concluye sus breves notas para Float Like a Butterfly del Mike Longo Trio escribiendo: "El futuro del bebop contemporáneo es brillante, y Mike Longo es uno de los que lidera el camino."La frase "bebop contemporáneo" es curiosa, ya que sugiere que el bebop es un estilo de música que ha seguido evolucionando desde que surgió después de la Segunda Guerra Mundial, cuando en realidad comenzó a ser reemplazado por otros estilos de jazz ya a finales de los 50. Para 2007, no había "bebop contemporáneo", más de lo que había un "ragtime contemporáneo"."El único sentido en el que el álbum Longo puede considerarse "contemporáneo" es que fue grabado en el siglo XXI, poco antes de su lanzamiento, en lugar de allá por los años 50 cuando, por el estilo de interpretación, podría haberlo sido. El pianista Longo es acompañante de Dizzy Gillespie desde hace mucho tiempo y un orgulloso protegido de Oscar Peterson, a quien dedica el álbum. En sus notas, recuerda que se entusiasmó con el jazz al escuchar a Peterson tocar "Tiernamente "" cuando estaba en décimo grado."Dado que nació en 1939, eso habría sido a mediados de los 50, por lo que es apropiado que tocar aquí y las versiones de estándares pop como "Tenderly" y "Laura", así como obras de Gillespie, Freddie Hubbard y Thelonious Monk se remonten a más de 50 años. Longo, profesor de música y autor de libros de texto de música, presenta su conocimiento acumulado del bebop en este álbum, junto con su sección rítmica de Paul West (bajo) y Jimmy Wormworth (batería). Sería más exacto parafrasear a Magnuson y decir del álbum que el futuro del bebop tradicional como búsqueda académica está asegurado, y Mike Longo es uno de sus principales archivistas.
https://www.allmusic.com/album/float-like-a-butterfly-mw0001137964

Mark O'Leary • On the Shore [link OK]

Biography:
Mark O'Leary was born in Cork City Ireland.Being mainly auto didactic on guitar he moved to Los Angeles at the age of 17 to study at Musicians Institute,from where he later graduated. He has presented his music in 29 countries and has played at some of the worlds top Jazz festivals and contemporary Jazz venues. He has toured Europe as a member of Canadian Pianist Paul Bley's trio,he has performed in duo with Jack DeJohnette,in a jazz trio with Yes/King Crimson drummer Bill Bruford, in duo with Han Bennink,composed and performed classical music with Cikada string quartet,collaborated in an all electronics setting with Sound Artist Gunter Muller, Erdem Helveciouglu and Jakob Riis,in a free improvisation combo with Evan Parker and Sunny Murray, performed in concerts with Anders Jormin and Audun Kleive, played Norwegian folk music with Nils Okland, Swedish folk music with Mats Eden, Jazz with Uri Caine, he has performed in seperate projects with trumpeters Axel Dorner,Kenny Wheeler, Thomas Heberer and Jeff Kaiser. He has the distinction of having played in duo with Paul Bley, Bobo Stenson and Matthew Shipp. In 2004 he toured Serbia, Bosnia and Montenegro with Vasil Hadzimanov and Marco Djordevic. He also toured in Macedonia with Guitarist Toni Kitanovski and Drummer Alexander Sekhulovski. He also represented Ireland in the Athens European jazz festival. He has also worked in a trio with ex Weather Report/Jaco Pastorius Drummer Peter Erskine and Palle Danielsson. He has also collaborated with the innovative percussionists z'ev, Alex Cline ,Hans Kristian Kjos Sorensen and Terje Isungset.He has also collaborated with Stale Storlokken in contemporary trio using church organ and with John Herndon of Tortoise in the Underground Jazz Trio. He has also worked in different projects with Slava Ganelin and Alexander Tarasov of the Ganelin trio fame also in a UK based group with Mark Sanders and Joe Williamson of Trapist. He has toured in the exciting group Zemlya with Eyvind Kang and Dylan Van Der Schyff and also with Dylan and Wayne Horvitz. In conjunction with Alliance Francaise he performed in a trio with Henri Texier and Aldo Romano. He also played in a trio with Jon Christensen and Terje Gewelt He has played in Poland with drummer Michal Miskiewicz and Tomasz Szukalski and with the Oles brothers Bartlomiej and Marcin. He has also played with the Aka Moon rhythm section of Michel Hadzigeorgiu and Stephane Galland. He has also colloborated in trio with Stefan Pasborg and Peter Friis Nielsen as well as working with other Danes Jacob Anderskov and in duo with Kresten Osgood.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/mark-oleary/

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Biografía:
Mark O'Leary nació en la ciudad de Cork, Irlanda.Siendo principalmente autodidacta en guitarra, se mudó a Los Ángeles a los 17 años para estudiar en el Musicians Institute,de donde luego se graduó. Ha presentado su música en 29 países y ha tocado en algunos de los mejores festivales de Jazz y salas de Jazz contemporáneo del mundo. Ha realizado giras por Europa como miembro del trío del pianista canadiense Paul Bley,ha actuado a dúo con Jack DeJohnette,en un trío de jazz con el baterista de Yes/King Crimson Bill Bruford, a dúo con Han Bennink,compuso e interpretó música clásica con Cikada string Quartet,colaboró en un entorno totalmente electrónico con el artista sonoro Gunter Muller, Erdem Helveciouglu y Jakob Riis,en un combo de improvisación libre con Evan Parker y Sunny Murray, actuó en conciertos con Anders Jormin y Audun Kleive, tocó música folclórica noruega con Nils Okland, música folclórica sueca con Mats Eden, Jazz con Uri Caine, ha actuado en proyectos separados con los trompetistas Axel Dorner, Kenny Wheeler, Thomas Heberer y Jeff Kaiser. Tiene la distinción de haber tocado a dúo con Paul Bley, Bobo Stenson y Matthew Shipp. En 2004 realizó una gira por Serbia, Bosnia y Montenegro con Vasil Hadzimanov y Marco Djordevic. También realizó una gira por Macedonia con el guitarrista Toni Kitanovski y el baterista Alexander Sekhulovski. También representó a Irlanda en el festival europeo de jazz de Atenas. También ha trabajado en un trío con el ex baterista de Weather Report/Jaco Pastorius, Peter Erskine y Palle Danielsson. También ha colaborado con los innovadores percusionistas Z'ev, Alex Cline, Hans Kristian Kjos Sorensen y Terje Isungset.También ha colaborado con Stale Storlokken en trío contemporáneo usando órgano de iglesia y con John Herndon de Tortoise en el Trío de Jazz Underground. También ha trabajado en diferentes proyectos con Slava Ganelin y Alexander Tarasov del Ganelin trio fame también en un grupo con sede en el Reino Unido con Mark Sanders y Joe Williamson de Trapist. Ha realizado giras en el emocionante grupo Zemlya con Eyvind Kang y Dylan Van Der Schyff y también con Dylan y Wayne Horvitz. En conjunto con Alliance Francaise actuó en trío con Henri Texier y Aldo Romano. También tocó en trío con Jon Christensen y Terje Gewelt. Ha tocado en Polonia con el baterista Michal Miskiewicz y Tomasz Szukalski y con los hermanos Oles Bartlomiej y Marcin. También ha tocado con la sección rítmica Aka Moon de Michel Hadzigeorgiu y Stephane Galland. También ha colaborado en trío con Stefan Pasborg y Peter Friis Nielsen, además de trabajar con otros daneses Jacob Anderskov y en dúo con Kresten Osgood.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/mark-oleary/