In the 1940s, when most women singers adorned big bands as stage
attractions rather than legitimate members of jazz ensembles, Sarah
Vaughan, along with her predecessor Ella Fitzgerald, helped elevate the
vocalist's role as equal to that of the jazz instrumentalist. A woman
known for her many vicissitudes, Vaughan's outspoken personality and
artistic eloquence brought her the names “Sassy” and “The Divine One.” A
talented pianist, she joined the ranks of the 1940s bebop movement and
became, as a member of the Earl Hines and Billy Eckstine bands, one of
its most celebrated vocalists. Her dynamic vocal range, sophisticated
harmonic sense, and horn-like phrasing brought Vaughan million-selling
numbers and a stage and recording career that spanned half a decade.
Sarah Lois Vaughan was born the daughter of Asbury and Ada Vaughan on
March 27, 1924, in Newark, New Jersey. As a youth Vaughan took piano
lessons and attended the Mount Zion Baptist Church, where she served as a
church keyboardist. At home Vaughan played the family's upright piano
and listened to the recordings of jazz artists Count Basie and Erskine
Hawkins. After discovering Newark's numerous theaters and movie houses,
she skipped school and left home at night to watch dances and stage
shows. By age 15, she performed at local clubs, playing piano and
singing.
Not long after, Vaughan took the train across the river to Harlem to
frequent the Savoy Ballroom and the Apollo Theatre. One evening, in
1943, she sat in at the Apollo amateur show, a fiercely competitive
contest that often exposed lesser talents to the harsh criticism of the
theater's audience. Vaughan's moving performance of “Body and Soul” not
only brought a fever of applause from the crowd, it also caught the
attention of singer Billy Eckstine. Eckstine informed his bandleader
Earl “Fatha” Hines about the young singer. Hines then allowed Vaughan to
attend the band's uptown band rehearsal. At the rehearsal, Vaughan's
singing won immediate praise from Hines and his musicians. One of the
premiere modern big bands of the era, Hines's ensemble included such
talents as trumpeters Dizzy Gillespie and Fats Navarro, saxophonist
Charlie Parker, and trombonist J. J. Johnson. As the only female
bandmember, Vaughan shared the vocal spotlight with Eckstine and played
piano, often in duet settings with Hines. Vaughan debuted at the Apollo
with Hines's band on April 23, 1943.
Not long after, most of Hines's modernist sidemen, including Gillespie,
Parker, and Eckstine, gradually left the band. Vaughan remained briefly
with Hines's band until she accepted an invitation to join Eckstine's
newly-formed bebop big band in 1944. In December of that year, she cut
her first side “I'll Wait and Pray,” backed by the Eckstine band, which
included Dizzy Gillespie, saxophonists Dexter Gordon and Gene Ammons,
and pianist John Malachi.
Through the intercession of jazz writer and pianist Leonard Feather,
Vaughan recorded her first date as a leader for the small Continental
label. Under the production of Feather, Vaughan and Her All-Stars
attended their session on New Year's Eve 1944. Acting as the session's
producer and pianist, Feather assembled such sidemen as Dizzy Gillespie
and saxophonist Georgie Auld to cut four sides: “Signing Off,” Feather's
“No Smoke Blues,” Gillespie's “Interlude” (a vocal version of “Night in
Tunisia”), and “East of the Sun,” on which Gillespie replaced Feather
on keyboard.On a second session, Feather relinquished the piano duties
to Nat Jaffe, and brought together Gillespie and Charlie Parker.
After a nearly year-long stay with Eckstine, Vaughan left the band. With
the exception of a job with the sextet of bassist and trombonist John
Kirby in the winter of 1945, she performed as a solo act. On May 11,
1945 she recorded “Lover Man” with Dizzy Gillespie and Charlie Parker.
In October of 1945 Vaughan signed with Musicraft label, and, in the same
month, recorded for the label with jazz violinist Stuff Smith's group.
Her Musicraft 1946 recording of Tadd Dameron's “If You Could See Me Now”
is considered a modern classic. She also recorded with the bands of
Dickie Wells and Georgie Auld.
Hailed by Metronome magazine as the “Influence of the Year” in 1948,
Vaughan rose to jazz stardom. In the following year, she signed a
five-year contract with Columbia and recorded her classic “Black Coffee”
with the Joe Lippman Orchestra—a number that climbed to number 13 on
Billboard's pop charts. For Columbia she recorded in various settings
and attended two sessions that emerged as the albums “Summertime,” with
the Jimmy Jones band, and “Sarah Vaughan in Hi-Fi,” both of which
featured trumpeter Miles Davis. Vaughan was now presenting herself as a
pop singer who could do popular ballads in a straightforward style, the
soft, sultry sound of her voice unfurling with hypnotic effect, moving
with ease between her soprano and contralto registers. During the next
year, Vaughan made her first trip to Europe. During her stay in England
she sang to enthusiastic audience at Royal Albert Hall.
In 1954, Vaughan signed a contract with the Mercury label and recorded
numerous sides primarily in orchestral settings. In December of the same
year, her trio—pianist Jimmy Jones, bassist Joe Benjamin, and drummer
Roy Haynes—joined 24-year-old trumpet talent Clifford Brown, saxophonist
Paul Quinichette, and flutist Herbie Mann to record the LP Sarah
Vaughan with Clifford Brown. Surrounded by first-rate musicians
sensitive to her vocal talent, Vaughan produced an album that, as the
author to the original LP's notes wrote, “It is doubtful whether anyone,
including Sarah herself, is likely to be able to find any more
completely satisfying representation of her work, or any more
appropriate musical setting than are offered in this LP. These sides are
sure to rank among the foremost achievements of her decade as a
recording artist.”
During a stint at Chicago's Mr. Kelly's nightclub in August of 1957,
Vaughan recorded a live album with her trio: pianist Jimmy Jones,
bassist Richard Davis, and drummer Roy Haynes. In the following year,
she and pianist Ronnell Bright recorded with the Count Basie Band and
took part in a session in Paris under the direction of orchestra leader
and conductor Quincy Jones, issued as the Mercury LP, “Vaughan and
Violins.”
In 1958, Vaughan was earning a yearly income of $230,000. In July of the
following year, she scored her first million-selling hit, “Broken
Hearted Melody,” with the Ray Ellis Orchestra. A hit with both black and
white audiences, “Broken Hearted Melody,” which was nominated for a
Grammy Award, reached number five on the pop R&B charts.
When Vaughan's contract with Mercury ended in the fall of 1959, she
signed with Roulette Records and became, over the next few years, one
the label's biggest stars. Her 1960 sessions for Roulette included “The
Divine One,” arranged by Jimmy Jones and a session with Count Basie Band
featuring such talents as trumpeters Thad Jones and Joe Newman and
saxophonists Frank Foster and Billy Mitchell. Featured in duet numbers
with singer Joe Williams, the Basie Band session produced the sides, “If
I Were a Bell” and “Teach Me Tonight.”
Several arrangements recorded with the Basie Band in January of 1961,
were complied as the album “Sarah Vaughan and Count Basie.” Vaughan
signed with Mercury again in 1963. Her recorded work in the sixties
featured the ensembles of Benny Carter, Quincy Jones, and Gerald Wilson.
Her trio accompanists included noted pianists Roland Hanna and Bob
James. Vaughan debuted on the Mainstream record label with the 1971 LP
“A Time in Life.” On her 1977 live recording at Ronnie Scott's in the
Soho section of London, Vaughan produced a classic with her rendition of
“Send in the Clowns.”
In 1978, she recorded an album backed by pianist Oscar Peterson,
guitarist Joe Pass, bassist Ray Brown, and drummer Louie Bellson.
Recorded with an-star line up, she devoted two albums, in 1979, to the
music of Duke Ellington, “Duke Ellington Songbook One,” and “Duke
Ellington Songbook Two.” Though she had been nominated for Grammy Awards
several times, including a nomination for her 1979 effort “I Love
Brazil,” Vaughan did not win her first Grammy until 1982 for “Gershwin
Live!.”
Throughout the 1980s Vaughan recorded on the Pablo label, often with the
label's featured artists Count Basie, Oscar Peterson, and Dizzy
Gillespie. As she told Max Jones in Talking Jazz; “Now that I've been in
so long, you know, I can work with whom I want to. I have more say now
over what jobs I do and how I want to do them.” During a trip to Brazil
in 1987, she recorded the CBS album “Brazilian Romance,” and afterward
appeared at a festival in Rio de Janeiro. On her last recording—Quincy
Jones's all-star 1989 album “Back on the Block,” she sang with Ella
Fitzgerald on the introduction of “Birdland.” In February, of the same
year, she received a Grammy Award for lifetime achievement.
A tireless live performer who still maintained a fine voice, Vaughan
showed little signs of artistic diminution. Offstage, however, band
members began to notice the slowed pace of her walk and her shortness of
breath. Diagnosed with lung cancer, she died on April 4, 1990.
Jazz artists and critics have described Sarah Vaughan as a musical
innovator whose voice reached the level of the finest jazz
instrumentalists. Betty Carter told how “Sarah Vaughan took those
melodies and did something with them. She opened the door to do anything
you wanted with a melody.” From her first appearances on the jazz scene
in the early 1940s until her death, Vaughan's voice became a model of
excellence and an inspiration of those venturing to strive beyond the
role of popular vocal entertainer and into the higher realm of musical
artistry.
Sarah Vaughan received in her lifetime an Emmy Award, for individual
achievement, 1981; Grammy Award for best jazz vocalist, 1982; Hollywood
Walk of Fame Star, 1985; Grammy Award, for lifetime achievement, 1989.
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En el decenio de 1940, cuando la mayoría de las mujeres cantantes
adornaban las grandes bandas como atracciones del escenario en lugar de
ser miembros legítimos de los conjuntos de jazz, Sarah Vaughan, junto
con su predecesora Ella Fitzgerald, contribuyó a elevar el papel de la
vocalista al de la instrumentista de jazz. Mujer conocida por sus muchas
vicisitudes, la personalidad franca y la elocuencia artística de
Vaughan le valieron los nombres de "Sassy" y "The Divine One". Pianista
de talento, se unió a las filas del movimiento de bebop de los años 40 y
se convirtió, como miembro de las bandas de Earl Hines y Billy
Eckstine, en una de sus vocalistas más célebres. Su dinámico rango
vocal, su sofisticado sentido armónico y su fraseo parecido al de las
trompetas le proporcionaron a Vaughan números de venta millonarios y una
carrera escénica y discográfica que duró media década.
Sarah Lois Vaughan nació como hija de Asbury y Ada Vaughan el 27 de
marzo de 1924 en Newark, Nueva Jersey. En su juventud Vaughan tomó
clases de piano y asistió a la Iglesia Bautista Mount Zion, donde sirvió
como teclista de la iglesia. En casa, Vaughan tocaba el piano vertical
de la familia y escuchaba las grabaciones de los artistas de jazz Count
Basie y Erskine Hawkins. Después de descubrir los numerosos teatros y
cines de Newark, faltó a la escuela y salió de casa por la noche para
ver bailes y espectáculos. A los 15 años, actuó en clubes locales,
tocando el piano y cantando.
Poco después, Vaughan tomó el tren que cruzaba el río hacia Harlem para
frecuentar el Savoy Ballroom y el Teatro Apolo. Una noche, en 1943,
asistió al espectáculo de aficionados del Apolo, un concurso ferozmente
competitivo que a menudo exponía a los talentos menores a las duras
críticas del público del teatro. La conmovedora interpretación de
Vaughan de "Cuerpo y Alma" no sólo trajo una fiebre de aplausos de la
multitud, sino que también llamó la atención del cantante Billy
Eckstine. Eckstine informó a su director de banda, Earl "Fatha" Hines,
sobre el joven cantante. Hines permitió entonces que Vaughan asistiera
al ensayo de la banda en la zona alta de la ciudad. En el ensayo, el
canto de Vaughan obtuvo el elogio inmediato de Hines y sus músicos. Una
de las primeras grandes bandas modernas de la época, el conjunto de
Hines incluía talentos como los trompetistas Dizzy Gillespie y Fats
Navarro, el saxofonista Charlie Parker y el trombonista J. J. Johnson.
Como único miembro femenino del grupo, Vaughan compartía el centro de
atención vocal con Eckstine y tocaba el piano, a menudo a dúo con Hines.
Vaughan debutó en el Apolo con la banda de Hines el 23 de abril de
1943.
Poco después, la mayoría de los músicos modernistas de Hines, incluyendo
a Gillespie, Parker y Eckstine, dejaron gradualmente la banda. Vaughan
permaneció brevemente con la banda de Hines hasta que aceptó una
invitación para unirse a la recién formada big band de bebop de Eckstine
en 1944. En diciembre de ese año, cortó su primer lado "I'll Wait and
Pray", respaldado por la banda de Eckstine, que incluía a Dizzy
Gillespie, los saxofonistas Dexter Gordon y Gene Ammons, y el pianista
John Malachi.
Por la intercesión del escritor de jazz y pianista Leonard Feather,
Vaughan grabó su primera cita como líder para el pequeño sello
Continental. Bajo la producción de Feather, Vaughan y sus estrellas
asistieron a su sesión en la víspera de Año Nuevo de 1944. Actuando como
productor y pianista de la sesión, Feather reunió a hombres como Dizzy
Gillespie y el saxofonista Georgie Auld para cortar cuatro lados:
"Signing Off", "No Smoke Blues" de Feather, "Interludio" de Gillespie
(una versión vocal de "Night in Tunisia"), y "East of the Sun", en la
que Gillespie sustituyó a Feather en el teclado.en una segunda sesión,
Feather cedió las tareas de piano a Nat Jaffe, y reunió a Gillespie y
Charlie Parker.
Tras una estancia de casi un año con Eckstine, Vaughan dejó la banda.
Con la excepción de un trabajo con el sexteto del bajista y trombonista
John Kirby en el invierno de 1945, actuó como solista. El 11 de mayo de
1945 grabó "Lover Man" con Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En octubre
de 1945 Vaughan firmó con el sello Musicraft, y, en el mismo mes, grabó
para el sello con el grupo del violinista de jazz Stuff Smith. Su
grabación de Musicraft 1946 de "If You Could See Me Now" de Tadd Dameron
es considerada un clásico moderno. También grabó con las bandas de
Dickie Wells y Georgie Auld.
Aclamado por la revista Metronome como la "Influencia del año" en 1948,
Vaughan alcanzó el estrellato del jazz. Al año siguiente, firmó un
contrato de cinco años con Columbia y grabó su clásico "Black Coffee"
con la Joe Lippman Orchestra- un número que subió al número 13 de las
listas de pop de Billboard. Para Columbia grabó en varios escenarios y
asistió a dos sesiones que surgieron como los álbumes "Summertime", con
la banda de Jimmy Jones, y "Sarah Vaughan en Hi-Fi", ambos con el
trompetista Miles Davis. Vaughan se presentaba ahora como una cantante
pop que podía hacer baladas populares con un estilo sencillo, el sonido
suave y sensual de su voz desplegándose con efecto hipnótico, moviéndose
con facilidad entre sus registros de soprano y contralto. Durante el
año siguiente, Vaughan hizo su primer viaje a Europa. Durante su
estancia en Inglaterra cantó ante un público entusiasta en el Royal
Albert Hall.
En 1954, Vaughan firmó un contrato con el sello Mercury y grabó
numerosos lados principalmente en escenarios orquestales. En diciembre
de ese mismo año, su trío-pianista Jimmy Jones, el bajista Joe Benjamin y
el baterista Roy Haynes se unieron al talento de trompeta de 24 años
Clifford Brown, al saxofonista Paul Quinichette y al flautista Herbie
Mann para grabar el LP Sarah Vaughan con Clifford Brown. Rodeada de
músicos de primera categoría sensibles a su talento vocal, Vaughan
produjo un álbum que, como escribió el autor de las notas del LP
original, "Es dudoso que alguien, incluida la propia Sarah, pueda
encontrar una representación más completamente satisfactoria de su
trabajo, o un escenario musical más apropiado que el que se ofrece en
este LP". Estos lados están seguros de estar entre los logros más
importantes de su década como artista de grabación."
Durante una temporada en el club nocturno Mr. Kelly's de Chicago en
agosto de 1957, Vaughan grabó un álbum en directo con su trío: el
pianista Jimmy Jones, el bajista Richard Davis y el batería Roy Haynes.
Al año siguiente, ella y el pianista Ronnell Bright grabaron con la
Count Basie Band y participaron en una sesión en París bajo la dirección
del líder de la orquesta y director Quincy Jones, publicado como el LP
de Mercury, "Vaughan and Violins".
En 1958, Vaughan ganaba un ingreso anual de 230.000 dólares. En julio
del año siguiente, consiguió su primer éxito de un millón de dólares,
"Melodía de Corazón Roto", con la Orquesta de Ray Ellis. Un éxito entre
el público blanco y negro, "Melodía de Corazón Roto", que fue nominada a
un premio Grammy, alcanzó el número cinco en las listas de R&B pop.
Cuando el contrato de Vaughan con Mercury terminó en el otoño de 1959,
firmó con Roulette Records y se convirtió, en los años siguientes, en
una de las mayores estrellas del sello. Sus sesiones de 1960 para
Roulette incluyeron "The Divine One", arreglada por Jimmy Jones y una
sesión con Count Basie Band con talentos como los trompetistas Thad
Jones y Joe Newman y los saxofonistas Frank Foster y Billy Mitchell.
Presentada en números de dúo con el cantante Joe Williams, la sesión de
Basie Band produjo los lados, "If I Were a Bell" y "Teach Me Tonight".
Varios arreglos grabados con la Basie Band en enero de 1961, se
cumplieron como el álbum "Sarah Vaughan y Count Basie". Vaughan firmó
con Mercurio de nuevo en 1963. Su trabajo grabado en los sesenta incluía
los conjuntos de Benny Carter, Quincy Jones y Gerald Wilson. Su trío de
acompañantes incluía a los famosos pianistas Roland Hanna y Bob James.
Vaughan debutó en el sello discográfico Mainstream con el LP de 1971 "A
Time in Life". En su grabación en vivo de 1977 en Ronnie Scott's en el
Soho de Londres, Vaughan produjo un clásico con su interpretación de
"Send in the Clowns".
En 1978, grabó un álbum respaldado por el pianista Oscar Peterson, el
guitarrista Joe Pass, el bajista Ray Brown y el baterista Louie Bellson.
Grabado con una formación de estrellas, dedicó dos álbumes, en 1979, a
la música de Duke Ellington, "Duke Ellington Songbook One" y "Duke
Ellington Songbook Two". Aunque había sido nominada a los premios Grammy
varias veces, incluyendo una nominación por su esfuerzo de 1979 "I Love
Brazil", Vaughan no ganó su primer Grammy hasta 1982 por "Gershwin
Live!".
A lo largo de los años 80 Vaughan grabó en el sello Pablo, a menudo con
los artistas del sello Count Basie, Oscar Peterson y Dizzy Gillespie.
Como le dijo a Max Jones en Talking Jazz; "Ahora que llevo tanto tiempo,
ya sabes, puedo trabajar con quien quiera. Ahora tengo más que decir
sobre los trabajos que hago y cómo quiero hacerlos". Durante un viaje a
Brasil en 1987, grabó el álbum de la CBS "Romance Brasileño", y después
apareció en un festival en Río de Janeiro. En su última grabación, el
álbum estrella de Quincy Jones de 1989 "Back on the Block", cantó con
Ella Fitzgerald en la introducción de "Birdland". En febrero del mismo
año, recibió un premio Grammy por el logro de toda una vida.
Un incansable intérprete en vivo que aún mantenía una voz fina, Vaughan
mostró pequeños signos de disminución artística. Sin embargo, fuera del
escenario, los miembros de la banda empezaron a notar el ritmo lento de
su andar y su falta de aliento. Diagnosticada con cáncer de pulmón,
murió el 4 de abril de 1990.
Los artistas y críticos de jazz han descrito a Sarah Vaughan como una
innovadora musical cuya voz alcanzó el nivel de los mejores
instrumentistas de jazz. Betty Carter contó cómo "Sarah Vaughan tomó
esas melodías e hizo algo con ellas. Ella abrió la puerta para hacer
cualquier cosa que quisieras con una melodía". Desde sus primeras
apariciones en la escena del jazz a principios de la década de 1940
hasta su muerte, la voz de Vaughan se convirtió en un modelo de
excelencia y una inspiración para aquellos que se aventuran a ir más
allá del papel de animador vocal popular y entrar en el reino superior
del arte musical.
Sarah Vaughan recibió en vida un premio Emmy, por logros individuales,
1981; un premio Grammy por mejor vocalista de jazz, 1982; una estrella
del Paseo de la Fama de Hollywood, 1985; un premio Grammy, por logros de
toda una vida, 1989.
