The Link Quartet • Live anthology 1998-2018

 

 

Attivo dal 1993, il quartetto di Piacenza si è imposto a livello internazionale come punto di riferimento per il suono Hammond grazie a un’esplosiva miscela di funk, rock e soul interpretata in maniera unica, moderna e originale.
La band, che da sempre affianca all’attività in studio un’intensa serie di concerti in giro per il mondo, ha calcato palchi prestigiosi come il GO! Lleida ’60 Festival in Spagna, il 100 Club di Londra, l’Our Way of Thinking di Chicago, il Club Au-go-go di Los Angeles, lo Sziget Festival di Budapest, l’Hammond Explosion di Parigi, condividendo il palco con gruppi del calibro di Manu Chao, Sharon Jones & The Dap-Kings, Charles Bradley, James Taylor Quartet, Brian Auger’s Oblivion Express, Downliners Sect, Chocolate Watch Band e Bonniwell Music Machine.
La collaborazione con etichette prestigiose come Acid Jazz (UK), Record Kicks (ITA), Hammondbeat (USA), Soundflat (GER), P-Vine (JPN), Area Pirata (ITA) e molte altre ha permesso al Link Quartet di lavorare con numerosi artisti italiani e stranieri, reinventando continuamente il proprio suono, con un occhio rivolto al futuro e uno strettamente ancorato alla lunga e prestigiosa tradizione dell’organo Hammond.
Dopo il tour promozionale dell’album “Minimal Animal” che ha portato nuovamente il gruppo in giro per tutta Europa, il Link Quartet ha deciso di festeggiare il suo venticinquesimo compleanno registrando dal vivo in studio i suoi brani migliori durante un evento di tre giorni aperto al pubblico, svoltosi presso lo studio di registrazione di Tanzan Music.
Il risultato è Secret Sessions, un nuovo album dal vivo che raccoglie il meglio della carriera della band e che restituisce su disco tutta la carica e l’energia dei live. Da “Beat.it” a “Minimal Animal” passando per “Italian Playboys”, “4”, “Fast Girl & Sexy Cars” e “Quattro Pezzi Facili”, il gruppo rispolvera i classici della sua carriera, offrendo all’ascoltatore una nuova prospettiva sul proprio suono.
L’edizione in LP è uscita 31 Maggio 2019 per l’inglese Spinout Nuggets in un’edizione limitata e numerata di 300 copie insieme all’edizione digitale per Tanzan Music e ai video registrati durante le performance.
https://www.linkquartet.com/about/

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Active since 1993, the quartet of Piacenza has established itself internationally as a reference point for the Hammond sound thanks to an explosive mixture of funk, rock and soul interpreted in a unique, modern and original Moderna.
The band, which has always combined studio activity with an intense series of concerts around the world, has trod prestigious stages such as GO! Lleida 60's Festival in Spain, the 100 Club in London, Our Way of Thinking of Chicago, the Club Au go-go in Los Angeles, the Sziget Festival in Budapest, the Hammond Explosion of Paris, sharing the stage with groups of the likes of Manu Chao, Sharon Jones & The Dap-Kings, Charles Bradley, James Taylor Quartet, Brian Auger's Oblivion Express, Downliners Sect, Chocolate Watch Band, the Bonniwell Music Machine.
The collaboration with prestigious labels such as AcidazzAzz (UK), Record Kicks (ITA), Hammondbeat (USA), Soundflat (GER), P-Vine (PN
After the promotional tour of the album “Minimal Animal " that again took the group around Europe, the Link Quartet decided to celebrate its twenty-fifth birthday by recording its best songs live in the studio during a three-day event open to the public, held at the recording studio of Tanzan Music.
The result is Secret Sessions, a new live album that collects the best of the band's career and that returns all the charge and energy of the live. From “Beat.it " a "Minimal Animal" passing through " Italian Pla Pla By S”, “4”, “Fast Girl & Se Se Cars” and “Four Easy Pieces”, the group dusts off the classics of its career, offering the listener a new perspective on their own sound.
The LP edition was released 31 May 2019 for the English Spinout Nuggets in a limited and numbered edition of 300 copies along with the digital edition for Tanzan Music and videos recorded during the performances.
https://www.linkquartet.com/about/

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En activo desde 1993, el cuarteto de Piacenza se ha consolidado internacionalmente como un referente del sonido Hammond gracias a una explosiva mezcla de funk, rock y soul interpretada de forma única, moderna y original.
¡La banda, que siempre ha combinado la actividad de estudio con una intensa serie de conciertos por todo el mundo, ha actuado en prestigiosos escenarios como el Festival GO! Lleida '60 Festival en España, el 100 Club en Londres, Our Way of Thinking en Chicago, el Au-go-go Club en Los Ángeles, el Sziget Festival en Budapest, el Hammond Explosion en París, compartiendo escenario con artistas de la talla de Manu Chao, Sharon Jones & The Dap-Kings, Charles Bradley, James Taylor Quartet, Brian Auger's Oblivion Express, Downliners Sect, Chocolate Watch Band o Bonniwell Music Machine.
La colaboración con prestigiosos sellos como Acid Jazz (UK), Record Kicks (ITA), Hammondbeat (USA), Soundflat (GER), P-Vine (JPN), Area Pirata (ITA) y muchos otros ha permitido al Link Quartet trabajar con numerosos artistas italianos y extranjeros, reinventando constantemente su sonido, con la mirada puesta en el futuro y estrictamente anclado en la larga y prestigiosa tradición del órgano Hammond.
Tras la gira promocional del álbum "Minimal Animal", que una vez más llevó al grupo por Europa, el Link Quartet decidió celebrar su 25 cumpleaños grabando sus mejores temas en directo en el estudio durante un evento de tres días abierto al público, celebrado en el estudio de grabación de Tanzan Music.
El resultado es Secret Sessions, un nuevo álbum en directo que recoge lo mejor de la carrera de la banda y devuelve al disco toda la carga y la energía de las actuaciones en vivo. Desde "Beat.it" a "Minimal Animal" pasando por "Italian Playboys", "4", "Fast Girl & Sexy Cars" y "Four Easy Pieces", la banda desempolva los clásicos de su carrera, ofreciendo al oyente una nueva perspectiva de su sonido.
La edición en LP sale el 31 de mayo de 2019 para Spinout Nuggets del Reino Unido en una edición limitada y numerada de 300 copias junto con una edición digital para Tanzan Music y vídeos grabados durante las actuaciones.
https://www.linkquartet.com/about/


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Don Patterson & Booker Ervin • Legends of Acid Jazz

  

Mongo Santamaria • El Pussy Cat

 

Mongo Santamaria enjoyed a long and successful career in Latin music. His recordings and concert performances ranged from the authentic percussion music of Afro-Cuban religious rituals through to Latin-jazz reworkings of American jazz and pop hits.

His song Afro-Blue became a contemporary jazz standard, best-known in the coruscating version by saxophonist John Coltrane. His own adaptation of Herbie Hancock’s Watermelon Man provided the biggest hit of his career in 1963, and is regarded as a classic artefact on the Lounge Music scene.

He was born Ramon Santamaria in Cuba, and nicknamed Mongo by his father (the word denotes a tribal chief in Senegal). He began learning violin, but quickly switched to drums and then congas, and left school early to work as a musician on the highly active local scene in Havana.

He graduated to the famous Tropicana Club with bands like Conjunto Matamoros and Conjunto Azul, then moved to New York in 1950. He was able to pursue his interest in American jazz at its epicentre, while gaining valuable exposure playing with two of the most important Latin band leaders in the city, Perez Prado and later Tito Puente.

Their explosive percussion battles became a major attraction in Puente’s band, but in 1958 he left the band to work with the jazz vibraphonist Cal Tjader, who was beginning to explore the Latin jazz direction which made his reputation. He spent some years in California in this period, but returned to New York in 1962.

He was already making records under his own name while working with Tjader, and soon formed his own band in New York. He came across Herbie Hancock’s Watermelon Man when the pianist sat in with the band at a Cuban music club in the Bronx in 1962, and immediately saw the possibilities.

His own version was a top ten entry on the American pop charts in 1963, and launched the percussionist on a new and more commercial direction, although the standard of his musicians generally remained high, including jazz artists like Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune and Hubert Laws.

He pursued the strategy of adding a Latin groove to jazz and pop tunes throughout the next two decades, and became an acknowledged leader in the highly popular Latin-soul fusion movement of the era. He became one of the best known names in Latin music, and reached a wide audience with his accessible, dance-oriented approach to the music.

Although he never scored another hit of the magnitude of Watermelon Man, his other successes of the period included an energised version of La Bamba in 1964 and another big American success with his version of The Temptations’s Cloud Nine in 1969. He received several Grammy nominations in the Seventies and Eighties, and won the award in 1977 for his album Amancer.

In the early Eighties he returned to a more jazz influenced direction. He continued to perform into the early Nineties, and made further recordings even after he retired from concert appearances.

Latin Jazz conguero and bandleader Ramón “Mongo” Santamaria, unfortunately passed away in Miami, Florida, on February 1st, 2003 at the age of 85.

Mongo's body of work and his contribution to the evolution of percussion not just in Latin genres but in music in general is one that will continue to inspire musicians for years to come.

https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria

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Mongo Santamaría disfrutó de una larga y exitosa carrera en la música latina. Sus grabaciones y conciertos abarcaron desde la auténtica música de percusión de rituales religiosos afrocubanos hasta la reelaboración de jazz latinoamericano y éxitos pop.

Su canción Afro-Blue se convirtió en un estándar del jazz contemporáneo, más conocido en la versión coruscante del saxofonista John Coltrane. Su propia adaptación de Watermelon Man de Herbie Hancock proporcionó el mayor éxito de su carrera en 1963, y es considerado como un artefacto clásico en la escena Lounge Music.

Nació en Cuba, Ramón Santamaría, y su padre lo apodó Mongo (la palabra denota un jefe tribal en Senegal). Comenzó a aprender violín, pero rápidamente cambió a la batería y luego a las congas, y dejó la escuela temprano para trabajar como músico en la activa escena local de La Habana.

Se graduó en el famoso Tropicana Club con bandas como Conjunto Matamoros y Conjunto Azul, y luego se mudó a Nueva York en 1950. Pudo continuar su interés en el jazz americano en su epicentro, mientras ganaba una valiosa exposición tocando con dos de los líderes de bandas latinas más importantes de la ciudad, Pérez Prado y más tarde Tito Puente.

Sus explosivas batallas de percusión se convirtieron en una gran atracción para la banda de Puente, pero en 1958 dejó la banda para trabajar con el vibrafonista de jazz Cal Tjader, quien estaba comenzando a explorar la dirección del jazz latino que hizo su reputación. Pasó algunos años en California en este período, pero regresó a Nueva York en 1962.

Ya estaba grabando discos bajo su propio nombre mientras trabajaba con Tjader, y pronto formó su propia banda en Nueva York. Se encontró con Watermelon Man de Herbie Hancock cuando el pianista se sentó con la banda en un club de música cubana en el Bronx en 1962, e inmediatamente vio las posibilidades.

Su propia versión fue una de las diez mejores entradas en las listas de éxitos del pop estadounidense en 1963, y lanzó al percusionista en una dirección nueva y más comercial, aunque el nivel de sus músicos en general siguió siendo alto, incluyendo a artistas de jazz como Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune y Hubert Laws.

Siguió la estrategia de añadir un groove latino a las melodías de jazz y pop durante las dos décadas siguientes, y se convirtió en un líder reconocido en el altamente popular movimiento de fusión de alma latina de la época. Se convirtió en uno de los nombres más conocidos de la música latina, y llegó a un amplio público con su enfoque accesible y orientado a la danza.

Aunque nunca tuvo otro éxito de la magnitud de Watermelon Man, sus otros éxitos de la época incluyeron una versión animada de La Bamba en 1964 y otro gran éxito americano con su versión de The Temptations's Cloud Nine en 1969. Recibió varias nominaciones a los Grammy en los años setenta y ochenta, y ganó el premio en 1977 por su álbum Amancer.

A principios de los ochenta regresó a una dirección más influenciada por el jazz. Continuó tocando hasta principios de los años noventa, e hizo más grabaciones incluso después de retirarse de las apariciones en conciertos.

El conguero y director de orquesta de jazz latino Ramón "Mongo" Santamaría, lamentablemente falleció en Miami, Florida, el 1 de febrero de 2003 a la edad de 85 años.

El trabajo de Mongo y su contribución a la evolución de la percusión no sólo en los géneros latinos, sino en la música en general, es uno que continuará inspirando a los músicos en los años venideros.

https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria

Tom Jobim & Sérgio Mendes • Tom Jobim & Sérgio Mendes

This is described on the cover somewhat disingenuously as a collaborative album, when in fact it is a compilation. Five of the tracks (not one continuous side, as suggested by the liner notes) are taken from Mendes' 1965 album Bossa Nova York/The Swinger From Rio. The other six tracks are from second session with Caymmi and his son Dori. The Mendes tracks alternate with the Caymmi tracks. Jobim is the only constant.
https://www.discogs.com/release/3635129-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes

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Esto se describe en la portada de manera un tanto engañosa como un álbum colaborativo, cuando en realidad es una compilación. Cinco de las pistas (no un lado continuo, como sugieren las notas) están tomadas del álbum de Mendes de 1965 Bossa Nova York / The Swinger From Rio. Los otros seis temas son de la segunda sesión con Caymmi y su hijo Dori. Las pistas de Mendes se alternan con las pistas de Caymmi. Jobim es la única constante.
https://www.discogs.com/release/3635129-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes

Freddie Hubbard • The Body & The Soul

 

 

Review by Michael G. Nastos
At age 25, Freddie Hubbard made inroads into modern jazz most trumpeters could not imagine, much less come through with. As a soloist, one of Hubbard's crowning achievements in his early period was this recording on which he teamed with Wayne Shorter, marginally as a performer but prominent in the role of arranger/conductor for his first time ever. Utilizing a septet, 16-piece big band, and orchestra plus stings to play concise, tight tunes, Shorter provides the backdrop to employ Hubbard's bold toned trumpet and all of its devices in a full display of his powerful melodic talents. Yeoman Reggie Workman plays bass on all selections, with drummer Louis Hayes in the seven-piece combo, and great work from Philly Joe Jones in the larger bands. Interestingly enough, the three tracks with the smaller ensemble are the most interesting, due to the presence of Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton, and Shorter on the front line. "Clarence's Place" is a post-bop jewel with spiky brass accents and Dolphy's ribald and outre alto sax solo contrasting Shorter's relatively reserved tenor, "Dedicated to You" is a wisp of a tune, while "Body & Soul," an atypical choice for the opening selection, is a straight read of the classic ballad with a chart that sounds larger than the small horn section, and a wavering flute via Dolphy. The big band does an unusual soul-jazz treatment of the Brazilian number "Manha de Carnaval" flavored by Robert Northern's French horn, while "Aries" is a hard bop show stopper with two-note accents buoying Hubbard's great lyrical lines, and goes further into hard bop with "Thermo" as the horns demand attention with the trumpeter as an afterthought. The string section, ten pieces strong, joins the big band on the film noir type Duke Ellington piece "Chocolate Shake," the stock "I Got It Bad," and "Skylark," with its soft clarion intro bubbling underneath with the violins, violas, and cellos. The manner in which this recording is programmed is thoughtful in that it lends to the diversity of the project, but is seamless from track to track. Dan Morgenstern's hefty liner notes also explain the concept behind this ambitious project, one which did not compare to any of Hubbard's other recordings in his career. Therefore it stands alone as one of the most unique productions in his substantive discography, and a quite credible initial go-round for Shorter as an orchestrator.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

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Reseña de Michael G. Nastos
A la edad de 25 años, Freddie Hubbard hizo incursiones en el jazz moderno que la mayoría de los trompetistas no podían imaginar, y mucho menos llegar. Como solista, uno de los logros más importantes de Hubbard en su primera etapa fue esta grabación en la que se asoció con Wayne Shorter, marginalmente como intérprete pero prominente en el papel de arreglista/director de orquesta por primera vez. Utilizando un septeto, una big band de 16 piezas y una orquesta más stings para tocar melodías concisas y ajustadas, Shorter proporciona el telón de fondo para emplear la audaz trompeta de Hubbard y todos sus dispositivos en un despliegue completo de sus poderosos talentos melódicos. El músico Reggie Workman toca el bajo en todas las selecciones, con el baterista Louis Hayes en el combo de siete piezas, y un gran trabajo de Philly Joe Jones en las bandas más grandes. Curiosamente, los tres temas con el conjunto más pequeño son los más interesantes, debido a la presencia de Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton y Shorter en primera línea. "Clarence's Place" es una joya post-bop con acentos de metal puntiagudos y el solo de saxo alto de Dolphy, mordaz y extravagante, que contrasta con el tenor relativamente reservado de Shorter, "Dedicated to You" es una melodía muy ligera, mientras que "Body & Soul", una elección atípica para la selección de apertura, es una lectura directa de la balada clásica con un gráfico que suena más grande que la pequeña sección de vientos, y una flauta vacilante a través de Dolphy. La big band hace un tratamiento inusual de soul-jazz del número brasileño "Manha de Carnaval" con el sabor de la trompa de Robert Northern, mientras que "Aries" es un espectáculo de hard bop con acentos de dos notas que animan las grandes líneas líricas de Hubbard, y va más allá en el hard bop con "Thermo", ya que las trompas exigen atención con el trompetista como una idea de último momento. La sección de cuerdas, compuesta por diez piezas, se une a la big band en la pieza de Duke Ellington de tipo cine negro "Chocolate Shake", en la clásica "I Got It Bad" y en "Skylark", con su suave introducción de clarín burbujeando por debajo con los violines, las violas y los chelos. La forma en que se ha programado esta grabación está bien pensada, ya que contribuye a la diversidad del proyecto, pero es perfecta de una pista a otra. Las abundantes notas de Dan Morgenstern también explican el concepto que hay detrás de este ambicioso proyecto, que no se compara con ninguna de las otras grabaciones de Hubbard en su carrera. Por lo tanto, se trata de una de las producciones más singulares de su extensa discografía, y de una primera vuelta de tuerca bastante creíble para Shorter como orquestador.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194