Review by Michael G. Nastos Kenny
Burrell's storied career as perhaps the premier modern jazz guitarist
has been documented by many efforts in the studio, but here's a
nightclub date that may well be highly ranked as one of his very best
efforts. The spontaneity and freshness of Burrell's lyric lines and deft
chords is further enhanced by perhaps the most advanced musicians he
has ever played with -- bassist Richard Davis and drummer Roy Haynes.
For music done in 1959, this is heady, seat-of-the-pants, brilliantly
executed jazz that is mostly based in standards, but stretched to
exacting tolerances that bend, but are not close to breaking. Davis
provides strong support without going as outward as he did later in
life, while Haynes might sound subdued to his fans, yet has an elastic
presence that allows the other two a lot of freedom to fully articulate
this modern mainstream language as a prelude heading into the turbulent
'60s. On this straight reissue that originally sported the title "Man at
Work," the trio plays all standards save the lively blues groove, more
pronounced than the studio version of Burrell's "All Night Long," and
the Erroll Garner tune "Trio," where Burrell's proves expert at
combining singles lines and chords in balance. Most of the material is
very upbeat and energetic as on the fast and quick "Will You Still Be
Mine," and the bop swing of "Broadway" mixed up a little melodically by
Burrell. The love of Duke Ellington's music is always with the guitarist
as rendered during "Just A-Sittin' and A-Rockin'," where the genius of
Burrell is extant in his ability to provide his own counterpoint.
Burrell's other precious component is his ability to relax and
consistently swing as on Thelonious Monk's "Well, You Needn't," Benny
Goodman's poignant and simple "Soft Winds," and dipping deep into the
tenderness quotient on the ballad "I'm a Fool to Want You" aside the
tango-flavored bass of Davis. A solid effort top to bottom, and a
recording most highly recommended, this is Burrell and his extraordinary
trio very close to, if not truly in their prime, and their element. https://www.allmusic.com/album/a-night-at-the-vanguard-mw0000203946
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Reseña de Michael G. Nastos La
carrera de Kenny Burrell como quizás el mejor guitarrista de jazz
moderno ha sido documentada por muchos esfuerzos en el estudio, pero
aquí hay una cita en un club nocturno que bien puede ser clasificada
como uno de sus mejores esfuerzos. La espontaneidad y frescura de las
líneas líricas y los hábiles acordes de Burrell se ven realzadas por los
músicos más avanzados con los que ha tocado: el bajista Richard Davis y
el batería Roy Haynes. Para ser música de 1959, se trata de un jazz
embriagador y brillantemente ejecutado que se basa principalmente en
estándares, pero estirados hasta tolerancias exactas que se doblan, pero
no están cerca de romperse. Davis proporciona un fuerte apoyo sin
salirse tanto como lo hizo más tarde en su vida, mientras que Haynes
puede sonar apagado para sus fans, pero tiene una presencia elástica que
permite a los otros dos mucha libertad para articular plenamente este
lenguaje mainstream moderno como preludio hacia los turbulentos años 60.
En esta reedición directa que originalmente llevaba el título de "Man
at Work", el trío toca todos los estándares salvo el animado groove de
blues, más pronunciado que en la versión de estudio de "All Night Long"
de Burrell, y el tema de Erroll Garner "Trio", donde Burrell se muestra
experto en combinar líneas sencillas y acordes en equilibrio. La mayor
parte del material es muy optimista y enérgico, como en la rápida y
veloz "Will You Still Be Mine", y el swing bop de "Broadway", mezclado
un poco melódicamente por Burrell. El amor por la música de Duke
Ellington está siempre presente en el guitarrista, como en "Just
A-Sittin' and A-Rockin'", donde el genio de Burrell se manifiesta en su
habilidad para aportar su propio contrapunto. El otro componente valioso
de Burrell es su habilidad para relajarse y balancearse
consistentemente como en "Well, You Needn't" de Thelonious Monk, la
conmovedora y sencilla "Soft Winds" de Benny Goodman, y sumergiéndose
profundamente en el cociente de ternura en la balada "I'm a Fool to Want
You" al lado del bajo con sabor a tango de Davis. Burrell y su
extraordinario trío están muy cerca, si no verdaderamente en su mejor
momento, y en su elemento. https://www.allmusic.com/album/a-night-at-the-vanguard-mw0000203946
After two decades away from the music scene, Lazy Lester has been making up for lost time with a spate of recordings. Why was he away from the music all that time? According to Lazy Lester, he just did not feel like playing. The guitarist turned harmonica player from Baton Rouge, LA, made a name for himself playing with Lightnin' Slim. Lazy Lester called his style of playing swamp blues. It's a lot like the blues of Chicago, but steamier, like the country from where it originates. Leslie Johnson's moniker of Lazy Lester was given to him by record producer Jay Miller, who noted the lackadaisical attitude of the harpist. Lazy Lester, sounding like a meditation master, says that he is never in a hurry because it is easier on the system. But when he plays the harmonica, he sounds anything but laid-back. Since his comeback in 1988, Lester has been fronting his own bands in live concerts and on recordings, and he has proved to be anything but lazy in his recording schedule since his return to performing the blues. His high-energy, soulful harmonica growls out the blues with passion and authority. His recordings All Over You and Blues Stop Knockin' won accolades from the critics. His release Poor Boy Blues may be his best CD. Featured are some of the artist's best-known tunes, such as "The Same Thing Could Happen to You" and the title cut, "Poor Boy Blues." He reaches back in time for a reprise of his classic "I Hear You Knockin'." "You Got Me Where You Want Me" drives hard, "Sugar Coated Love" still has its edge, and "Sad Sad City" is the blues personified. Lazy Lester is a living legend. This recording shows why.
by Rose of Sharon Witmer
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Reseña
Después de dos décadas alejado de la escena musical, Lazy Lester ha estado recuperando el tiempo perdido con una avalancha de grabaciones. ¿Por qué estuvo alejado de la música todo ese tiempo? Según Lazy Lester, no tenía ganas de tocar. El guitarrista convertido en armónico de Baton Rouge, Los Ángeles, se hizo un nombre tocando con Lightnin' Slim. Lazy Lester llamó a su estilo de tocar swamp blues. Se parece mucho al blues de Chicago, pero más vaporoso, como el país del que procede. El apodo de Leslie Johnson de Lazy Lester se lo dio el productor discográfico Jay Miller, que notó la actitud displicente del arpista. Lazy Lester, sonando como un maestro de la meditación, dice que nunca tiene prisa porque es más fácil para el sistema. Pero cuando toca la armónica, suena todo menos relajado. Desde su regreso en 1988, Lester ha estado al frente de sus propias bandas en conciertos en vivo y en grabaciones, y ha demostrado ser cualquier cosa menos perezoso en su agenda de grabaciones desde su regreso a la interpretación del blues. Su armónica de alta energía y alma gruñe el blues con pasión y autoridad. Sus grabaciones "All Over You" y "Blues Stop Knockin" recibieron elogios de la crítica. Su lanzamiento Poor Boy Blues puede ser su mejor CD. Se presentan algunas de las canciones más conocidas del artista, como "The Same Thing Could Happen to You" y el corte del título, "Poor Boy Blues". Retrocede en el tiempo para una repetición de su clásico "I Hear You Knockin'". "You Got Me Where You Want Me" conduce duro, "Sugar Coated Love" todavía tiene su ventaja, y "Sad Sad City" es el blues personificado. Lazy Lester es una leyenda viva. Esta grabación muestra por qué.
2018 Grammy Nominee Sara Caswell “is a brilliant world-class
violinist…one of the very best of the present generation of emerging
young jazz stars” according to the late David Baker,
internationally-renowned jazz educator and former Director of the
Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra. Rooted in an early exposure to a
variety of musical genres, Sara’s technical facility intertwined with
her gift for lyricism continue to attract growing attention to her
artistry as a jazz soloist, sideman, and teacher.
Recognized as a “Rising Star” in the DownBeat Magazine Critics and
Readers Polls every year since 2013, Sara’s two groups (the Sara Caswell
Quartet and the Caswell Sisters Quintet) have been heard in venues
ranging from Jazz at Lincoln Center’s Dizzy’s Club to university concert
halls nationwide. In 2013 Sara and her sister, vocalist Rachel Caswell,
released their CD, Alive in the Singing Air featuring jazz pianist Fred
Hersch, to rave reviews and its selection by jazz critic Thomas
Cunniffe as one of the year’s “Best Vocal CDs” on Jazz History Online.
Sara’s two CDs, First Song (Double-Time Records, 2000) and But Beautiful
(Arbors Records, 2005), were recognized in several year-end best-of
jazz album releases.
Sara regularly performs with mandolinist Joseph Brent’s 9 Horses and has
toured extensively with Grammy-winning bassist/vocalist Esperanza
Spalding’s Chamber Music Society, clarinetist David Krakauer’s The Big
Picture, vocalist Roseanna Vitro’s quintet, violinist Mark O’Connor’s
American String Celebration, and violinist Darol Anger’s Four
Generations of Jazz Violin. She has performed and/or recorded with such
artists as Brad Mehldau, Linda Oh, Fabian Almazan, Regina Carter, Jenny
Scheinman, Lynne Arriale, Alan Ferber, Ike Sturm, John Clayton, Gene
Bertoncini, Charlie Byrd, Skitch Henderson, Bucky Pizzarelli, and Bruce
Springsteen. She is a member of the New York Pops Orchestra with whom
she has been a featured soloist several times in Carnegie Hall, and was
part of the house band for NBC’s weekly variety show “Maya & Marty”
starring Maya Rudolph and Martin Short.
Currently on faculty at both the Berklee College of Music and the
Manhattan School of Music, Sara’s formidable teaching experience also
includes the Mark O’Connor String Camps, the Jamey Aebersold Summer Jazz
Workshops, the Indiana University String Academy, and a private studio.
She has given numerous jazz string improvisation workshops and master
classes and is involved with JEN (Jazz Education Network), MENC
(National Association of Music Education), and ASTA (American String
Teachers Association).
As an award-winning classical violinist, Sara has soloed with several
orchestras, given numerous recitals, and performed as a chamber musician
in a variety of settings. She was raised in a musical family and began
violin at age 5, moving through the first five Suzuki volumes in just
nine months. Subsequent years of private lessons at Indiana University
led to her involvement in the classical competition circuit where she
won numerous awards and 1st-place prizes. “Sara has always shown a
remarkable understanding of different musical styles and an uncommon
power of communication. These qualities are making of this young artist
an outstanding one,” spoken by the late violin maestro Franco Gulli.
A graduate of Indiana University which she attended under full
scholarship as a Wells Scholar, Sara received B.M. Degrees with High
Distinction and an Artist Diploma in both Violin Performance and Jazz
Studies. In 2006 Sara completed her M.M. Degree in Jazz Violin at the
Manhattan School of Music. In addition to several years of study with
the legendary Josef Gingold (classical), Stanley Ritchie (baroque), and
David Baker (jazz), Sara worked with many of today’s top jazz artists at
the Thelonious Monk Institute of Jazz Summer Residency Program and at
the Steans Institute for Young Artists at the Ravinia Jazz Festival.
Sara’s artistry and unique sound lead international recording
artist/violinist Mark O’Connor to write: “Most good violinists will
never experience what Sara creates with her instrument. It is
beautifully refined emotion that lifts the spirit…Jazz violin needs a
universal ambassador…a player who can pick up where the last generation
left off. Sara is well on her way to extending that tradition to touch
new audiences.”
Sara Caswell, nominada al Grammy 2018 "es una brillante violinista de
clase mundial ... una de las mejores estrellas emergentes de jazz
jóvenes", según el fallecido David Baker, reconocido internacionalmente
como educador de jazz y ex director de la Smithsonian Jazz Masterworks
Orchestra . Arraigada en una temprana exposición a una variedad de
géneros musicales, la facilidad técnica de Sara entrelazada con su don
para el lirismo sigue atrayendo cada vez más atención a su arte como
solista de jazz, sideman y profesora.
Reconocidos como una “estrella en ascenso” en las encuestas de críticos y
lectores de la revista DownBeat cada año desde 2013, los dos grupos de
Sara (el cuarteto de Sara Caswell y el quinteto de las hermanas de
Caswell) han sido escuchados en lugares que van desde el Jazz en el
Dizzy's Club del Lincoln Center hasta un concierto universitario.
Salones a nivel nacional. En 2013, Sara y su hermana, la vocalista
Rachel Caswell, lanzaron su CD, Alive in the Singing Air con el pianista
de jazz Fred Hersch, con excelentes críticas y su selección por el
crítico de jazz Thomas Cunniffe como uno de los "Mejores CDs vocales" de
la historia del jazz. En línea. Los dos CD de Sara, First Song
(Double-Time Records, 2000) y But Beautiful (Arbors Records, 2005),
fueron reconocidos en varios de los mejores lanzamientos de álbumes de
jazz de fin de año.
Sara se presenta regularmente con los 9 caballos del mandolinista Joseph
Brent y ha realizado numerosas giras con la bajista y vocalista
ganadora del Grammy, la Sociedad de Música de Cámara Esperanza Spalding,
The Big Picture del clarinetista David Krakauer, el quinteto de la
vocalista Roseanna Vitro, el violinista Mark O'Connor y el violinista
Darol Las cuatro generaciones de violín de jazz de la ira. Ella ha
actuado y / o grabado con artistas como Brad Mehldau, Linda Oh, Fabian
Almazan, Regina Carter, Jenny Scheinman, Lynne Arriale, Alan Ferber, Ike
Sturm, John Clayton, Gene Bertoncini, Charlie Byrd, Skitch Henderson,
Bucky Pizzarelli, y Bruce Springsteen. Es miembro de la Orquesta Pops de
Nueva York, con la que ha sido solista destacada varias veces en el
Carnegie Hall, y fue parte de la banda de house para el programa de
variedades semanal "Maya & Marty" de NBC, protagonizada por Maya
Rudolph y Martin Short.
Actualmente formando parte de la facultad de Berklee College of Music y
Manhattan School of Music, la formidable experiencia de enseñanza de
Sara también incluye los Mark O’Connor String Camps, los Jamey Aebersold
Summer Jazz Workshops, la Indiana University String Academy y un
estudio privado. Ha impartido numerosos talleres y clases magistrales de
improvisación de cuerdas de jazz y está involucrada con JEN (Jazz
Education Network), MENC (Asociación Nacional de Educación Musical) y
ASTA (American String Teachers Association).
Como violinista clásica galardonada, Sara ha tocado en solitario con
varias orquestas, ha dado numerosos recitales y ha actuado como músico
de cámara en una variedad de escenarios. Creció en una familia de
músicos y comenzó a tocar el violín a los 5 años, pasando por los
primeros cinco volúmenes de Suzuki en solo nueve meses. Los años
subsiguientes de clases privadas en la Universidad de Indiana la
llevaron a participar en el circuito de competencia clásica, donde ganó
numerosos premios y premios de 1er lugar. “Sara siempre ha demostrado
una notable comprensión de los diferentes estilos musicales y un poder
de comunicación poco común. Estas cualidades hacen que este joven
artista sea excepcional ", pronunciado por el fallecido maestro de
violín Franco Gulli.
Una graduada de la Universidad de Indiana, a la que asistió con una beca
completa como becaria de Wells, Sara recibió B.M. Grados con Alta
Distinción y un Diploma de Artista en Violin Performance y Jazz Studies.
En 2006 Sara completó su M.M. Licenciada en violín de jazz en la
Manhattan School of Music. Además de varios años de estudio con el
legendario Josef Gingold (clásico), Stanley Ritchie (barroco) y David
Baker (jazz), Sara trabajó con muchos de los mejores artistas de jazz de
hoy en el Programa de Residencia de Verano Thelonious Monk Institute of
Jazz y en El Instituto Steans para Jóvenes Artistas en el Festival de
Jazz de Ravinia.
El arte y el sonido único de Sara llevaron al artista y violinista
internacional Mark O’Connor a escribir: “La mayoría de los buenos
violinistas nunca experimentarán lo que Sara crea con su instrumento. Es
una emoción bellamente refinada la que levanta el espíritu ... El
violín de jazz necesita un embajador universal ... un jugador que puede
continuar donde se detuvo la última generación. Sara está bien
encaminada para extender esa tradición a nuevas audiencias ".
SPACE
JUNK IS FOREVER is a project from Massachusetts, U.S.A. that started as
solo compositions and recordings in 2013 by organist Jordan Holt, who
stated he had no intention of using the material in a band. He would
later collaborate with pianist/composer Claude Garoute. In 2017 drummer
Madden Klass joined and the trio began creating live recording sessions
of their debut, self-titled release. The band is accompanied by Matt
Vigna on guitar and Dave Palan on bass on their third release, SJF3, as
well as live shows.
SPACE JUNK IS FOREVER describes their music with the following passage from their website:
"Space
Junk is Forever uses vintage instruments to weave simple melodies,
stirring harmonic language, and frequent key and meter changes into
impressionistic, aptly titled tunes that 70's prog lovers, mathy
drummers, synthesizer geeks, and music theory nerds are all sure to
enjoy. Deep grooves, varied instrumentations, and wild group
improvisations further invite a broader audience."
https://www.progarchives.com/artist.asp?id=11969
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SPACE
JUNK IS FOREVER es un proyecto de Massachusetts, EE. UU. que comenzó
como composiciones y grabaciones en solitario en 2013 por el organista
Jordan Holt, quien declaró que no tenía intención de usar el material en
una banda. Más tarde colaboraría con el pianista y compositor Claude
Garoute. En 2017, el baterista Madden Klass se unió y el trío comenzó a
crear sesiones de grabación en vivo de su debut, el lanzamiento
homónimo. La banda está acompañada por Matt Vigna a la guitarra y Dave
Palan al bajo en su tercer lanzamiento, SJF3, así como en shows en vivo.
SPACE JUNK IS FOREVER describe su música con el siguiente pasaje de su sitio web:
"Space
Junk is Forever usa instrumentos antiguos para tejer melodías simples,
un lenguaje armónico conmovedor y frecuentes cambios de tonalidad y
compás en melodías impresionistas y acertadamente tituladas que los
amantes progresistas de los 70, los bateristas matemáticos, los geeks de
sintetizadores y los nerds de la teoría musical seguramente
disfrutarán. Ritmos profundos, instrumentaciones variadas e
improvisaciones grupales salvajes invitan aún más a una audiencia más
amplia."
Editorial Reviews "The Dave Brubeck Quartet - Live from the Northwest, 1959" is the newest release from Brubeck Editions, the family-run label that only puts out music of the highest musical and technical quality. These exciting performances were recorded by the trailblazing and iconic audio engineer, Wally Heider, who pioneered the art of remote recording from his "studio on wheels." The sound he achieved is stellar, and this is perhaps the best live recording you can hear of one the most popular jazz groups of all time. The tapes were recorded in April, 1959 at the Multnomah Jazz Club and Clark College, both in the Portland, Oregon area. On this recording you can hear the Quartet's mastery of spontaneous counterpoint improvisation. Four months later, the Dave Brubeck Quartet's focus shifted to polytonal and polyrhythmic approaches when the group recorded the legendary "Time Out", and changed the course of jazz forever. https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959
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Reseñas Editoriales "The Dave Brubeck Quartet-Live from the Northwest, 1959" es el lanzamiento más reciente de Brubeck Editions, el sello familiar que solo publica música de la más alta calidad musical y técnica. Estas emocionantes actuaciones fueron grabadas por el pionero e icónico ingeniero de audio, Wally Heider, quien fue pionero en el arte de la grabación remota desde su "estudio sobre ruedas"."El sonido que logró es estelar, y esta es quizás la mejor grabación en vivo que puedes escuchar de uno de los grupos de jazz más populares de todos los tiempos. Las cintas fueron grabadas en abril de 1959 en el Multnomah Jazz Club y Clark College, ambos en el área de Portland, Oregón. En esta grabación se puede escuchar el dominio del Cuarteto de la improvisación contrapuntística espontánea. Cuatro meses después, el enfoque del Dave Brubeck Quartet cambió a enfoques politonales y polirrítmicos cuando el grupo grabó el legendario "Time Out" y cambió el rumbo del jazz para siempre. https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959
