Post Gene Vincent band featuring Cliff Gallup (guitarist).
Saturday, May 16, 2026
Don Ellis • Essence
Review
by Scott Yanow
The rarest of all Don Ellis sessions, Essence matches the trumpeter with pianist Paul Bley, bassist Gary Peacock, and either Nick Martinis or Gene Stone on drums. Ellis, who sought during this period to transfer ideas and concepts from modern classical music into adventurous jazz, often experimented with time, tempos and the use of space while still swinging. His renditions of Billy Strayhorn's "Johnny Come Lately," "Angel Eyes" and "Lover" are quite fresh, he contributes four interesting originals and introduces Carla Bley's "Wrong Key Donkey" (here simply called "Donkey"). This is thought-provoking music that was certainly way overdue to be reissued.
https://www.allmusic.com/album/essence-mw0000644476
Biography
by Scott Yanow
A talented trumpeter with a vivid musical imagination and the willingness to try new things, Don Ellis led some of the most colorful big bands of the 1965-75 period. After graduating from Boston University, Ellis played in the big bands of Ray McKinley, Charlie Barnet, and Maynard Ferguson (he was featured with the latter on "Three More Foxes"), recorded with Charles Mingus, and played with George Russell's sextet (at the same time as Eric Dolphy). Ellis led four quartet and trio sessions during 1960-1962 for Candid, New Jazz, and Pacific Jazz, mixing together bop, free jazz, and his interest in modern classical music. However it was in 1965 when he put together his first orchestra that he really started to make an impression in jazz. Ellis's big bands were distinguished by their unusual instrumentation (which in its early days had up to three bassists and three drummers including Ellis himself), the leader's desire to investigate unusual time changes (including 7/8, 9/8, and even 15/16), its occasionally wacky humor (highlighted by an excess of false endings), and an openness towards using rock rhythms and (in later years) electronics. Ellis invented the four-valve trumpet and utilized a ring modulator and all types of wild electronic devices by the late '60s. By 1971, his band consisted of an eight-piece brass section (including French horn and tuba), a four-piece woodwind section, a string quartet, and a two-drum rhythm section. A later unrecorded edition even added a vocal quartet.
Among Don Ellis's sidemen were Glenn Ferris, Tom Scott, John Klemmer, Sam Falzone, Frank Strozier, Dave MacKay, and the brilliant pianist (straight from Bulgaria) Milcho Leviev. The orchestra's most memorable recordings were Autumn, Live at the Fillmore, and Tears of Joy (all for Columbia). After suffering a mid-'70s heart attack, Ellis returned to live performing, playing the "superbone" and a later edition of his big band featured Art Pepper. Ellis's last recording was at the 1977 Montreux Jazz Festival, a year before his heart finally gave out.
https://www.allmusic.com/artist/don-ellis-mn0000180060/biography
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Revisión
por Scott Yanow
La más rara de todas las sesiones de Don Ellis, Essence, reúne al trompetista con el pianista Paul Bley, el bajista Gary Peacock y Nick Martinis o Gene Stone en la batería. Ellis, que durante este periodo trató de transferir ideas y conceptos de la música clásica moderna al jazz de aventura, experimentó a menudo con el tiempo, los tempos y el uso del espacio sin dejar de hacer swing. Sus interpretaciones de "Johnny Come Lately", "Angel Eyes" y "Lover" de Billy Strayhorn son bastante frescas, contribuye con cuatro interesantes originales e introduce "Wrong Key Donkey" de Carla Bley (aquí llamada simplemente "Donkey"). Se trata de una música que invita a la reflexión y que, sin duda, debería haber sido reeditada.
https://www.allmusic.com/album/essence-mw0000644476
Biografía
por Scott Yanow
Trompetista de talento con una vívida imaginación musical y la voluntad de probar cosas nuevas, Don Ellis dirigió algunas de las grandes bandas más coloridas del período 1965-75. Tras graduarse en la Universidad de Boston, Ellis tocó en las big bands de Ray McKinley, Charlie Barnet y Maynard Ferguson (con este último participó en "Three More Foxes"), grabó con Charles Mingus y tocó con el sexteto de George Russell (al mismo tiempo que Eric Dolphy). Ellis dirigió cuatro sesiones de cuarteto y trío durante 1960-1962 para Candid, New Jazz y Pacific Jazz, mezclando el bop, el free jazz y su interés por la música clásica moderna. Sin embargo, fue en 1965, cuando formó su primera orquesta, cuando realmente empezó a dejar huella en el jazz. Las big bands de Ellis se distinguían por su inusual instrumentación (que en sus primeros días contaba con hasta tres bajistas y tres baterías, incluido el propio Ellis), el deseo del líder de investigar cambios de tiempo inusuales (incluyendo 7/8, 9/8 e incluso 15/16), su humor ocasionalmente descabellado (destacado por un exceso de falsos finales) y una apertura hacia el uso de ritmos de rock y (en años posteriores) de la electrónica. Ellis inventó la trompeta de cuatro válvulas y utilizó un modulador en anillo y todo tipo de dispositivos electrónicos salvajes a finales de los 60. En 1971, su banda estaba formada por una sección de metales de ocho piezas (incluyendo trompa y tuba), una sección de viento-madera de cuatro piezas, un cuarteto de cuerda y una sección rítmica de dos tambores. En una edición posterior no grabada se añadió incluso un cuarteto vocal.
Entre los acompañantes de Don Ellis se encontraban Glenn Ferris, Tom Scott, John Klemmer, Sam Falzone, Frank Strozier, Dave MacKay y el brillante pianista (directamente de Bulgaria) Milcho Leviev. Las grabaciones más memorables de la orquesta fueron Autumn, Live at the Fillmore y Tears of Joy (todas para Columbia). Después de sufrir un ataque al corazón a mediados de los 70, Ellis volvió a actuar en directo, tocando el "superbone" y una edición posterior de su big band con Art Pepper. La última grabación de Ellis fue en el Festival de Jazz de Montreux de 1977, un año antes de que su corazón se rindiera definitivamente.
https://www.allmusic.com/artist/don-ellis-mn0000180060/biography
Michel Camilo • Spirit Of The Moment
Artist Biography
Pianist and composer Michel Camilo was born in Santo Domingo, Dominican
Republic, in 1954. Fascinated with music since childhood, he composed
his first song at the age of five, then studied for 13 years at the
National Conservatory. At 16, he became a member of the National
Symphony Orchestra.
Seeking to expand his musical horizons, he moved in 1979 to New York,
where he continued his studies at Mannes and Juilliard School of Music.
His composition Why Not? was recorded by Paquito D'Rivera as the title
tune for one of his albums, and The Manhattan Transfer won a Grammy
Award for their vocal version in 1983. His first two albums were titled
Why Not? and Suntan/In Trio.
Camilo made his Carnegie Hall debut with his trio in 1985. Since then,
he has become a prominent figure performing regularly in the United
States, the Caribbean, Japan and Europe. December 1987 marked his debut
as a classical conductor when the National Symphony Orchestra of the
Dominican Republic invited him to conduct a recital featuring the works
of Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak and Camilo’s own composition, The
Goodwill Games Theme, which won an Emmy Award. That year, he became the
musical director of the Heineken Jazz Festival in his native Dominican
Republic, a post he held through 1992.
November of 1988 marked his debut on a major record label with the
release of his self- titled album, Michel Camilo (Sony). The album
became an instant success and held the top jazz album spot for ten
consecutive weeks. His next recording, On Fire, was voted one of the top
three Jazz Albums of the Year by Billboard, and 1990s On the Other Hand
was a top-ten jazz album. All three releases reached the number-one
position in radio airplay.
Camilo’s list of compositions, recordings and other achievements
throughout the '90s is vast. His composition Caribe was recorded by
pianists Katia and Marielle Lebeque, and by the legendary Dizzy
Gillespie, in 1991. His Rhapsody for Two Pianos and Orchestra,
commissioned by the Philharmonia Orchestra, premiered a year later at
the Royal Festival Hall. In 1993, Gavin and Billboard magazines picked
his Rendezvous as one of the top jazz albums of the year.
Camilo performed a series of piano recitals in 1996 as part of
Copenhagen’s Cultural Capital of Europe celebration, and also debuted at
the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC, and
Carnegie Hall in New York. That same year, he performed in Israel,
Spain, Mexico, Dominican Republic and Switzerland, where he debuted at
Zurich’s prestigious Tonhalle concert hall as part of the Jazz Piano
Masters series.
He served as co-artistic director in 1998 for the first Latin-Caribbean
Music Festival at the Kennedy Center, which featured performances by his
trio and big band, as well as the world premiere of his Piano Concerto
with the National Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin. The
following year, he toured with Cuban jazz pianist Chucho Valdes, and
debuted with the Cleveland Symphony Orchestra.
In addition to compiling an extensive discography and maintaining a
rigorous performance schedule, Camilo has composed and recorded a number
of Spanish film scores over the years, and holds honorary degrees from
his alma mater, Universidad Autonoma de Santo Domingo, and UTESA
University of Santiago, Dominican Republic (he’s the youngest person to
ever receive the distinction from the latter school). In 1992, he was
named a Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus by the
Dominican Government.
At the turn of the millennium, his 2000 Verve release, Spain, with
guitarist Tomatito, won Best Latin Jazz Album in the first-ever Latin
Grammy Awards. Camilo also performed in a trio concert in 2000 presented
by the New Jersey Chamber Society with special guest Paquito D'Rivera.
In 2001, Camilo appeared on the soundtrack CD for the acclaimed Latin
jazz film Calle 54, directed by the Oscar-winning Spaniard Fernando
Trueba. In addition to his activities as a composer and pianist, Camilo
lectured and performed at many universities and colleges throughout
Europe and the United States”including New York University, Berklee
School of Music, MIT, William Paterson College (in New Jersey) and
Puerto Rico Conservatory.
In November 2001, he was awarded the Silver Cross of the Order of
Duarte, Sanchez & Mella from the president of the Dominican
Republic, the highest honor that the government can give.
2002 marked a special year for Camilo with two albums: Classical and
Jazz. In February, Decca released his Concerto for Piano &
Orchestra, Suite for Piano, Strings and Harp & Caribe, to celebrate
his guest appearance with the NSO conducted by Leonard Slatkin at the
Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.
In March 2002, Telarc released Triangulo, Camilo’s Grammy Award nominee
trio recording, which features bass guitarist Anthony Jackson and
drummer Horacio “El Negro” Hernandez.
August 2003 marked the Telarc release of his latest album Live at the
Blue Note, featuring Horacio “El Negro” Hernandez on drums and Charles
Flores on acoustic bass. This two-CD set captures the quintessential
Camilo “sound” live for the first time and was awarded a GRAMMY for Best
Latin Jazz Album.
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Biografía del artista
El pianista y compositor Michel Camilo nació en Santo Domingo, República
Dominicana, en 1954. Fascinado por la música desde la infancia, compuso
su primera canción a la edad de cinco años, y luego estudió durante 13
años en el Conservatorio Nacional. A los 16 años, se convirtió en
miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional.
Buscando ampliar sus horizontes musicales, se trasladó en 1979 a Nueva
York, donde continuó sus estudios en la Mannes and Juilliard School of
Music. Su composición Why Not? fue grabada por Paquito D'Rivera como
tema principal de uno de sus discos, y The Manhattan Transfer ganó un
premio Grammy por su versión vocal en 1983. Sus dos primeros álbumes se
titulaban Why Not? y Suntan/In Trio.
Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall con su trío en 1985. Desde
entonces, se ha convertido en una figura prominente que actúa
regularmente en los Estados Unidos, el Caribe, Japón y Europa. En
diciembre de 1987 debutó como director de orquesta clásica cuando la
Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana lo invitó a
dirigir un recital con las obras de Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak y
la propia composición de Camilo, The Goodwill Games Theme, que ganó un
premio Emmy. Ese año, se convirtió en el director musical del Festival
de Jazz de Heineken en su República Dominicana natal, cargo que ocupó
hasta 1992.
Noviembre de 1988 marcó su debut en un importante sello discográfico con
el lanzamiento de su autodenominado álbum, Michel Camilo (Sony). El
álbum se convirtió en un éxito instantáneo y ocupó el primer lugar en la
lista de los álbumes de jazz durante diez semanas consecutivas. Su
siguiente disco, On Fire, fue votado por Billboard como uno de los tres
mejores álbumes de jazz del año, y On the Other Hand fue uno de los diez
mejores álbumes de jazz de la década de 1990. Los tres lanzamientos
alcanzaron la posición número uno en la emisión de radio.
La lista de composiciones, grabaciones y otros logros de Camilo a lo
largo de los años 90 es muy amplia. Su composición Caribe fue grabada
por las pianistas Katia y Marielle Lebeque, y por el legendario Dizzy
Gillespie, en 1991. Su Rapsodia para dos pianos y orquesta, encargada
por la Philharmonia Orchestra, se estrenó un año más tarde en el Royal
Festival Hall. En 1993, las revistas Gavin y Billboard eligieron su
Rendezvous como uno de los mejores álbumes de jazz del año.
Camilo interpretó una serie de recitales de piano en 1996 como parte de
la celebración de la Capital Cultural de Europa en Copenhague, y también
debutó en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, DC, y
en el Carnegie Hall en Nueva York. Ese mismo año se presentó en Israel,
España, México, República Dominicana y Suiza, donde debutó en la
prestigiosa sala de conciertos Tonhalle de Zurich como parte de la serie
Jazz Piano Masters.
Se desempeñó como co-director artístico en 1998 para el primer Festival
de Música Latino-Caribeña en el Kennedy Center, que incluyó
presentaciones de su trío y big band, así como el estreno mundial de su
Concierto para Piano con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por
Leonard Slatkin. Al año siguiente, realizó una gira con el pianista
cubano de jazz Chucho Valdés, y debutó con la Orquesta Sinfónica de
Cleveland.
Además de compilar una extensa discografía y mantener un riguroso
programa de actuaciones, Camilo ha compuesto y grabado varias partituras
de películas españolas a lo largo de los años, y cuenta con títulos
honoríficos de su alma mater, la Universidad Autónoma de Santo Domingo, y
la Universidad UTESA de Santiago, República Dominicana (es la persona
más joven que ha recibido la distinción de esta última escuela). En
1992, fue nombrado Caballero de la Orden Heráldica de Cristóbal Colón
por el Gobierno Dominicano.
En el cambio de milenio, su disco Verve 2000, España, con el guitarrista
Tomatito, ganó el premio al Mejor Álbum de Jazz Latino en los primeros
premios Grammy Latinos de la historia. Camilo también actuó en un
concierto de trío en el año 2000 presentado por la New Jersey Chamber
Society con el invitado especial Paquito D'Rivera.
En 2001, Camilo apareció en el CD de la banda sonora de la aclamada
película de jazz latino Calle 54, dirigida por el español Fernando
Trueba, ganador de un Oscar. Además de sus actividades como compositor y
pianista, Camilo dio conferencias y actuó en muchas universidades y
colegios de toda Europa y Estados Unidos States"incluyendo la
Universidad de Nueva York, la Escuela de Música de Berklee, el MIT, el
William Paterson College (en Nueva Jersey) y el Conservatorio de Puerto
Rico.
En noviembre de 2001, el presidente de la República Dominicana le otorgó
la Cruz de Plata de la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, el más alto
honor que el gobierno puede otorgar.
El 2002 marcó un año especial para Camilo con dos álbumes: Clásica y
Jazz. En febrero, Decca lanzó su Concierto para Piano y Orquesta, Suite
para Piano, Cuerdas y Arpa y Caribe, para celebrar su aparición como
invitado con la NSO dirigida por Leonard Slatkin en el Kennedy Center
for the Performing Arts en Washington, D.C.
En marzo de 2002, Telarc lanzó Triángulo, la grabación del trío nominado
al premio Grammy de Camilo, que incluye al bajista Anthony Jackson y al
baterista Horacio "El Negro" Hernández.
En agosto de 2003, Telarc lanzó su último álbum Live at the Blue Note,
con Horacio "El Negro" Hernández a la batería y Charles Flores al bajo
acústico. Este set de dos CDs captura por primera vez en vivo el
"sonido" de Camilo por excelencia y fue premiado con un GRAMMY al Mejor
Álbum de Jazz Latino.www.michelcamilo.com ...
Sam Yahel • Hometown
Biography
One of the more distinctive voices among a new
breed of Hammond B-3 organ players on the jazz scene, Sam Yahel has
earned the top spot in Down Beat's annual International Critics Poll as a
Talent Deserving Of Recognition for the past four consecutive years.
Since
moving to New York in 1990, Yahel has worked with a string of notable
jazz artists including tenor saxophonists Joshua Redman and Eric
Alexander, former James Brown sideman and alto sax great Maceo Parker,
guitarists Peter Bernstein and Bill Frisell, trumpeters Ryan Kisor and
Jim Rotondi, vocalists HYPERLINK Norah Jones (on her Grammy-winning Come
Away With Me), Lizz Wright, and Madeleine Peyroux.
But it has been as a solo artist in his own right that Yahel has made his most personal statements as both composer and player.
On
Truth and Beauty, his fourth outing as a leader, Yahel joins with
longtime colleagues Joshua Redman and drummer Brian Blade in rekindling
the potent chemistry they generated as Yaya3, a collective group that
was an outgrowth of a residency they had at Small's nightclub in New
York. "I'm proud of that record. I like Yaya3 (which was released by
Warner Bros. in 2003). But at the same time I was always thinking about
doing something purely of my own."
And while Yahel had previously
released three recordings as a leader -- 1998's Searchin', 1999's Trio
and 2000's In The Blink of an Eye -- his current outing is his strongest
to date. "This record is not so much about the straight-ahead swinging
undercurrent of the rhythm section," says Sam. "These days I feel like
jazz has absorbed more world music influences. I hear Brazilian, African
and Cuban music elements starting to seep into the mainstream jazz
scene and I find myself drawing from those influences more. And for me,
the organ is the perfect instrument to implement that kind of thing
because you can really get rhythmic and percussive on it, you can evoke
images and sounds just as easily as swinging. And although I'm a big fan
of straight ahead swinging music and I still play it with pleasure, I
think that this record is more of a foray into the other side."
With
Truth and Beauty, Yahel once again stakes out his own territory on the
Hammond B-3 organ while taking another important stride as a bandleader
and composer.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/sam-yahel
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Biografía
Sam
Yahel, una de las voces más distintivas de la nueva generación de
organistas Hammond B-3 de la escena del jazz, ha obtenido el primer
puesto en la encuesta anual de la crítica internacional de Down Beat
como Talento merecedor de reconocimiento durante los últimos cuatro años
consecutivos.
Desde que se trasladó a Nueva York en 1990, Yahel
ha trabajado con una serie de notables artistas de jazz, entre ellos los
saxofonistas tenores Joshua Redman y Eric Alexander, el antiguo
acompañante de James Brown y gran saxo alto Maceo Parker, los
guitarristas Peter Bernstein y Bill Frisell, los trompetistas Ryan Kisor
y Jim Rotondi, las vocalistas HYPERLINK Norah Jones (en su ganadora del
Grammy Come Away With Me), Lizz Wright y Madeleine Peyroux.
Pero ha sido en solitario donde Yahel ha hecho sus declaraciones más personales como compositor e intérprete.
En
Truth and Beauty, su cuarto trabajo como líder, Yahel se une a sus
colegas de toda la vida Joshua Redman y el batería Brian Blade para
reavivar la potente química que generaron como Yaya3, un grupo colectivo
que surgió de una residencia que tuvieron en el club nocturno Small's
de Nueva York. "Estoy orgulloso de ese disco. Me gusta Yaya3 (que
publicó Warner Bros. en 2003). Pero al mismo tiempo siempre pensaba en
hacer algo puramente mío".
Y aunque Yahel ya había publicado tres
discos como líder: Searchin' (1998), Trio (1999) e In The Blink of an
Eye (2000), el actual es el más potente hasta la fecha. "Este disco no
tiene tanto que ver con el swing directo de la sección rítmica", dice
Sam. "Hoy en día creo que el jazz ha absorbido más influencias de las
músicas del mundo. Oigo que elementos de la música brasileña, africana y
cubana empiezan a filtrarse en la escena del jazz convencional y me
encuentro a mí mismo inspirándome más en esas influencias. Y para mí, el
órgano es el instrumento perfecto para poner en práctica ese tipo de
cosas, porque con él se puede ser realmente rítmico y percusivo, se
pueden evocar imágenes y sonidos con la misma facilidad que con el
swing. Y aunque soy un gran admirador de la música swing directa y sigo
tocándola con placer, creo que este disco es más bien una incursión en
el otro lado".
Con Truth and Beauty, Yahel vuelve a marcar su
propio territorio con el órgano Hammond B-3 al tiempo que da otro paso
importante como director de orquesta y compositor.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/sam-yahel
Flying Horse Big Band • The Bat Swings!
Although The Bat Swings! could well be taken for a baseball analogy, the focus of this third CD by the University of Central Florida's high-powered Flying Horse Big Band is on music associated with the campy Batman TV series from the late 1960s that starred Adam West as the masked superhero and Burt Ward as his sidekick, Robin. The album embodies themes by the celebrated composers Nelson Riddle, Neal Hefti and Paul Francis Webster with arrangements by Michael Philip Mossman, Harry Allen and FHBB director Jeff Rupert (two each), Mark Taylor and UCF faculty member Per Danielsson. Mossman also arranged the five concise (four-second or less) "Bat-Spins" that separate a number of tracks.
In spite of the inescapable variations in technique and tempo, the one constant is swing as the arrangers splice together essential themes and incidental music from the series to sparkle in a big-band format and the ensemble digs in hard to make it happen. The session is all Batman all the way save for Rupert's walking arrangement of the "Spider-Man Theme" and the gospel-leaning finale, "Amazing Grace," dedicated to frequent UCF guest artist and acclaimed multi-instrumentalist Ira Sullivan. Speaking of guest artists, the band welcomes four of them but only one, organist Richard Drexler, solos (on "Spider-Man" and "Amazing Grace"). The others are trumpeter Justin Diaz, percussionist Jeff Moore and vibraphonist / percussionist Marty Morell.
The album opens with Mossman's sassy "Batmobile to Airport" and continues apace with "Batman Riddles the Riddler" and the easygoing "Batman Blues" before digressing to "Spider-Man." The colorful, time-shifting "Kitka" salutes Batman's nemesis / love interest Catwoman, the mid-tempo "Holy-Hole-in-the-Doughnut" Robin's off-the-wall declamations such as "holy flypaper" and "leaping lumbago." Mossman appends an Afro-Cuban luster to "Murcielago en la Cueva" (A Bat in the Cave) before "Amazing Grace" and guitarist Ryan Waszmer ring down the curtain. There are other enticing solos along the way by Waszmer, alto saxophonist Dylan Young, tenors Andy Garcia and Dylan Hannon, trombonist Christian Herrera, trumpeter Aidan Lakshman, pianist Mudel Honore and especially baritone Saul Dautsch ("Airport," "Batman Blues").
While it may not quite keep pace with the swagger or bombast of its iconic namesake, The Bat Swings! does what it set out to do, which is to swing with the sort of POW! that Batman (and Robin) would have applauded.
Jack Bowers BY JACK BOWERS
July 17, 2018
https://www.allaboutjazz.com/the-bat-swings-jeff-rupert-flying-horse-records-review-by-jack-bowers
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Aunque The Bat Swings! bien podría tomarse por una analogía con el béisbol, el enfoque de este tercer CD de la potente Flying Horse Big Band de la Universidad de Florida se centra en la música asociada a la campechana serie de televisión de Batman de finales de los años 60, protagonizada por Adam West como el superhéroe enmascarado y Burt Ward como su compañero, Robin. El álbum incorpora temas de los célebres compositores Nelson Riddle, Neal Hefti y Paul Francis Webster con arreglos de Michael Philip Mossman, Harry Allen y el director de la FHBB Jeff Rupert (dos cada uno), Mark Taylor y el miembro de la facultad de la UCF Per Danielsson. Mossman también arregló los cinco concisos (cuatro segundos o menos) "Bat-Spins" que separan varias pistas.
A pesar de las ineludibles variaciones en la técnica y el tempo, la única constante es el swing, ya que los arreglistas empalman los temas esenciales y la música incidental de la serie para que brillen en un formato de big-band y el conjunto se esfuerza por conseguirlo. La sesión es todo Batman hasta el final, salvo el arreglo de Rupert del "Tema de Spiderman" y el final con tintes gospel, "Amazing Grace", dedicado al frecuente artista invitado de la UCF y aclamado multiinstrumentista Ira Sullivan. Hablando de artistas invitados, la banda da la bienvenida a cuatro de ellos, pero sólo uno, el organista Richard Drexler, hace un solo (en "Spider-Man" y "Amazing Grace"). Los otros son el trompetista Justin Díaz, el percusionista Jeff Moore y el vibrafonista/percusionista Marty Morell.
El álbum se abre con la atrevida "Batmobile to Airport" de Mossman y continúa con "Batman Riddles the Riddler" y la desenfadada "Batman Blues" antes de hacer una digresión con "Spider-Man". El colorido y cambiante "Kitka" saluda a la némesis/interés amoroso de Batman, Catwoman, el medio tempo "Holy-Hole-in-the-Doughnut" las declamaciones fuera de lo común de Robin como "holy flypaper" y "leaping lumbago". Mossman añade un lustre afrocubano a "Murciélago en la Cueva" antes de que "Amazing Grace" y el guitarrista Ryan Waszmer bajen el telón. Hay otros solos atractivos en el camino por Waszmer, el saxofonista alto Dylan Young, los tenores Andy García y Dylan Hannon, el trombonista Christian Herrera, el trompetista Aidan Lakshman, el pianista Mudel Honore y especialmente el barítono Saul Dautsch ("Airport", "Batman Blues").
Aunque no se mantiene al ritmo de la fanfarronería o el bombardeo de su icónico homónimo, The Bat Swings! hace lo que se propone, que es balancearse con el tipo de POW! que Batman (y Robin) habrían aplaudido.
Jack Bowers POR JACK BOWERS
17 de julio de 2018
https://www.allaboutjazz.com/the-bat-swings-jeff-rupert-flying-horse-records-review-by-jack-bowers
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