Marty Paich • The Rock-Jazz Incident

 

Review

The title The Rock-Jazz Incident tends to suggest something strange or disastrous occurred during the recording of this album, which is hardly the case, though this set from arranger and bandleader Marty Paich ends up having only so much to do with either rock or jazz. On The Rock-Jazz Incident, Paich takes a handful of well-known pop tunes of the day (which in this case was 1966) along with a few originals and dresses them up with contemporary big-band arrangements, dominated by horns, keyboards, and a tight, well-mannered rhythm section. While Paich was a respected figure in West Coast jazz with an impressive résumé, these sessions have more of a middle-of-the-road feel, lacking the élan and sense of adventure of his best work; this often sounds more like a film or television score than anything else, through Paich and his accompanists deliver strong, muscular work on these 11 cuts and their take on numbers like "Call Me," "It's Not Unusual," "Promise Her Anything," and "Watermelon Man" is gently idiosyncratic and entertaining. The real oddity is a honking sax workout on "Yesterday" that makes Paul McCartney's tale of lost love sound like something Ace Cannon cut on his lunch hour, but most of the pop numbers survive the transition quite well, and originals like "The Proud Camel" and "Gotta Go" reveal just a bit more swing, and on these selections Paich gives his musicians a little more room to color the surroundings. Anyone expecting a meeting of the minds between rock and jazz is going to be awfully disappointed with this album, but Paich does turn in 29 minutes of intelligent, well-crafted pop music that nods to both genres without ever taking sides, and it's an amusing curiosity in his catalog.

by Mark Deming

https://www.allmusic.com/album/the-rock-jazz-incident-mw0002029546

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Reseña

El título The Rock-Jazz Incident tiende a sugerir que algo extraño o desastroso ocurrió durante la grabación de este álbum, lo cual no es el caso, aunque este conjunto del arreglista y director de la banda Marty Paich termina teniendo poco que ver con el rock o el jazz. En The Rock-Jazz Incident, Paich toma un puñado de canciones pop muy conocidas de la época (que en este caso fue 1966) junto con algunos originales y las viste con arreglos contemporáneos de big-band, dominados por trompetas, teclados y una sección rítmica ajustada y bien educada. Aunque Paich era una figura respetada en el jazz de la costa oeste con un currículum impresionante, estas sesiones tienen más bien un aire de medio camino, carente del ímpetu y el sentido de la aventura de su mejor trabajo; esto a menudo suena más como una partitura de cine o televisión que otra cosa, a través de Paich y sus acompañantes entregan un trabajo fuerte y musculoso en estos 11 cortes y su toma de números como "Call Me", "It's Not Unusual", "Promise Her Anything" y "Watermelon Man" es suavemente idiosincrásico y entretenido. La verdadera rareza es un entrenamiento de saxo en "Yesterday" que hace que el cuento de amor perdido de Paul McCartney suene como algo que Ace Cannon cortó en su hora de almuerzo, pero la mayoría de los números pop sobreviven bastante bien a la transición, y los originales como "The Proud Camel" y "Gotta Go" revelan un poco más de swing, y en estas selecciones Paich da a sus músicos un poco más de espacio para colorear el entorno. Cualquiera que espere un encuentro de las mentes entre el rock y el jazz va a estar muy decepcionado con este álbum, pero Paich sí que convierte en 29 minutos de música pop inteligente y bien hecha que asiente a ambos géneros sin tomar partido, y es una curiosidad divertida en su catálogo.

por Mark Deming
https://www.allmusic.com/album/the-rock-jazz-incident-mw0002029546

Jesper Lundgaard • Love & Peace - The Music of Horace Parlan

 

Horace Parlan settled in 1973 in Copenhagen, Denmark and became an important part of the Danish Jazz scene. He also had an impressive international career working with artists like Charlie Mingus, Booker Ervin, Lou Donaldson, Eddie “Lockjaw” David, Johnny Griffin, Dexter Gordon and Ben Webster and recording for the famous Blue Note label.

Horace Parlan was also a good composer and on this CD you will hear 10 of Horace Parlan’s compositions played by his favourite Danish jazz musicians.

Horace Parlan is unfortunately not an active musician anymore but he is alive and a happy man. In the autumn of 2012 Jesper Lundgaard, Doug Rainey and Bob Rockwell visited him and played a concert for him with Parlan’s compositions.

Parlan was so pleased with the concert that he suggested the musicians to record the material. The result is this CD: “Love & Peace – The Music Of Horace Parlan”. The CD also features a small interview where Parlan speaks about his life and career.
https://www.storyvillerecords.com/products/love-peace-the-music-of-horace-parlan-1014286

Note: He died at a nursing home in Naestved, Denmark at the age of 86, in February 23, 2017

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Horace Parlan se estableció en 1973 en Copenhague, Dinamarca y se convirtió en una parte importante de la escena del jazz danés. También tuvo una carrera internacional impresionante trabajando con artistas como Charlie Mingus, Booker Ervin, Lou Donaldson, Eddie “Lockjaw” David, Johnny Griffin, Dexter Gordon y Ben Webster y grabando para el famoso sello Blue Note.

Horace Parlan también fue un buen compositor y en este CD escucharás diez de las composiciones de Horace Parlan interpretadas por sus músicos de jazz daneses favoritos.

Desafortunadamente, Horace Parlan ya no es un músico activo, pero está vivo y es un hombre feliz. En el otoño de 2012 Jesper Lundgaard, Doug Rainey y Bob Rockwell lo visitaron y le tocaron un concierto con las composiciones de Parlan.

Parlan estaba tan complacido con el concierto que sugirió a los músicos que grabaran el material. El resultado es este CD: “Amor y paz - La música de Horace Parlan”. El CD también incluye una pequeña entrevista en la que Parlan habla sobre su vida y su carrera.
https://www.storyvillerecords.com/products/love-peace-the-music-of-horace-parlan-1014286

Nota: Murió en un hogar de ancianos en Naestved, Dinamarca, a la edad de 86 años, el 23 de febrero de 2017.


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Kenny Garrett • Sounds From The Ancestors

 

An active working musician since the 1970s, American saxophonist Kenny Garrett made an early debut at the age of 18 as a member of the Duke Ellington Orchestra, then under the leadership of Mercer Ellington. Before making his bandleading debut in the mid-80s, Garrett spent his time building an impressive portfolio of collaborations, playing in the bands of Art Blakey, Miles Davis, Freddie Hubbard and Woody Shaw to name a handful. Although Michigan-based record label Mack Avenue has built something of a reputation recently for championing the younger generation of American jazz talent, they’ve always had plenty of veteran artists on their roster. With early releases from artists including British pianist George Shearing to contemporary American players like Kevin Eubanks, Stanley Jordan and Christian McBride, this is where Garrett has made his home for the past few years since 2008’s Sketches of MD: Live at the Iridium with Pharaoh Sanders. Now on his fifth release with the label, Sounds from the Ancestors pays homage to the sounds of past American jazz greats, much like how Sketches of MD acted as a tribute to his old bandleader Miles Davis, with the added flavours from the music of the African diaspora. In a similar vein to some of the new London sounds, Garrett manages to subtly weave Afro-Cuban rhythms into his modern jazz sound.

As the record’s title suggests, Sounds from the Ancestors is awash with references to jazz greats of the past, some of whom Garrett’s even shared a stage with. The fact that ‘For Art’s Sake’ opens with an isolated drum kit playing a killer off-kilter beat reveals it as a tribute to Garrett’s former bandmate Art Blakey, rather than the medium of art itself, while the track ‘Hargrove’ simultaneously immortalises the late trumpeter Roy Hargrove while also including the vocal refrain from Coltrane’s A Love Supreme - no doubt the two would have happily shared a stage together, too, had the saxophonist not passed when Garrett was only 7 years of age.

Garrett bookends the album with two versions of the tune ‘It’s Time to Come Home’, the only difference being that the first track features Dreiser Durruthy’s vocal performances towards the end. The tune itself has a great shuffling groove, and besides Garrett’s slightly overlong improvisation it makes for a great first impression of Sounds from the Ancestors, though its inclusion at the end is one of the more perplexing things about the album, especially given the very minor difference between the two versions. Perhaps an homage in itself to the structure of Davis’s In a Silent Way? Or perhaps Garrett and co. were split on the inclusion of Durrthy’s vocals? Nonetheless, it hardly spoils an otherwise excellent record.

Twenty studio albums in, Garrett manages the careful balance of embracing outer influences whilst condensing them into his now-refined style without it feeling like an awkward clashing of sounds. Marrying the rhythmic sounds of pan-African music isn’t a novel concept, but it injects much of Sounds from the Ancestors with an undeniable groove that would otherwise be missed on another moody, modal contemporary jazz record. The music Garrett composed for Sounds from the Ancestors is densely harmonic, in the vein of modern jazz sounds. From the subdued, nu jazz chord-work of ‘Soldiers of the Fields / Soldats de Champs’, to the more bluesy gospel-infused ‘When the Days Were Different’, there’s both an impressive range of styles explored and dynamicness to the works themselves. ‘Soldiers of the Fields’ kicks into its midsection with a sudden burst of energy after the otherwise sombre opening act, while the album’s title track does just the opposite and mellows out towards its ending. With tasteful use of vocal features - that don’t take away from this otherwise ostensibly instrumental-focussed music, mind - as well as progressive song structures, Sounds from the Ancestors is consistently pleasing from start to finish.
https://www.prestomusic.com/jazz/articles/4207--recording-of-the-week-kenny-garrett-sounds-from-the-ancestors?gclid=Cj0KCQjwqP2pBhDMARIsAJQ0CzqvN1pEbF_Pgi5U2tdo7tQiSWJ-PcO0T-bfBbulU3bJ-ZX3oet7IfsaAvyHEALw_wcB

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Músico activo desde la década de 1970, el saxofonista estadounidense Kenny Garrett debutó a la edad de 18 años como miembro de la Orquesta de Duke Ellington, entonces bajo el liderazgo de Mercer Ellington. Antes de hacer su debut como líder de banda a mediados de los 80, Garrett pasó su tiempo construyendo una impresionante cartera de colaboraciones, tocando en las bandas de Art Blakey, Miles Davis, Freddie Hubbard y Woody Shaw, por nombrar un puñado. Aunque el sello discográfico Mack Avenue, con sede en Michigan, se ha ganado una reputación recientemente por defender a la generación más joven de talentos del jazz estadounidense, siempre han tenido muchos artistas veteranos en su lista. Con lanzamientos tempranos de artistas como el pianista británico George Shearing y músicos estadounidenses contemporáneos como Kevin Eubanks, Stanley Jordan y Christian McBride, aquí es donde Garrett ha hecho su hogar durante los últimos años desde Sketches of MD: Live at the Iridium de 2008 con Pharaoh Sanders. Ahora en su quinto lanzamiento con el sello, Sounds from the Ancestors rinde homenaje a los sonidos de los grandes del jazz estadounidense del pasado, al igual que Sketches of MD actuó como un tributo a su antiguo líder de banda Miles Davis, con los sabores añadidos de la música de la diáspora africana. En una línea similar a algunos de los sonidos de New London, Garrett logra tejer sutilmente ritmos afrocubanos en su sonido de jazz moderno.

Como sugiere el título del disco, Sounds from the Ancestors está inundado de referencias a grandes del jazz del pasado, algunos de los cuales incluso compartieron escenario con Garrett. El hecho de que 'For Art's Sake' se abra con una batería aislada tocando un ritmo fuera de lugar lo revela como un tributo al ex compañero de banda de Garrett, Art Blakey, en lugar del medio del arte en sí, mientras que la canción 'Hargrove' inmortaliza simultáneamente al difunto trompetista Roy Hargrove, al tiempo que incluye el estribillo vocal de A Love Supreme de Coltrane, sin duda los dos también habrían compartido felizmente un escenario juntos, si el saxofonista no hubiera pasado cuando Garrett tenía solo 7 años de edad.

Garrett cierra el álbum con dos versiones de la canción 'It's Time to Come Home', la única diferencia es que la primera pista presenta las interpretaciones vocales de Dreiser Durruthy hacia el final. La melodía en sí tiene un gran ritmo de mezcla, y además de la improvisación ligeramente demasiado larga de Garrett, crea una gran primera impresión de los sonidos de The Ancestors, aunque su inclusión al final es una de las cosas más desconcertantes del álbum, especialmente dada la pequeña diferencia entre las dos versiones. ¿Quizás un homenaje en sí mismo a la estructura de Davis De una manera silenciosa? O quizás Garrett y compañía. ¿estaban divididos por la inclusión de la voz de Durrthy? Sin embargo, difícilmente estropea un récord excelente.

Con veinte álbumes de estudio, Garrett logra el cuidadoso equilibrio de abrazar influencias externas mientras las condensa en su estilo ahora refinado sin que se sienta como un choque incómodo de sonidos. Casarse con los sonidos rítmicos de la música panafricana no es un concepto novedoso, pero inyecta muchos de los Sonidos de los Antepasados con un ritmo innegable que de otro modo se perdería en otro disco de jazz contemporáneo modal y cambiante. La música que Garrett compuso para los Sonidos de los Antepasados es densamente armónica, en la línea de los sonidos del jazz moderno. Desde el tenue trabajo de acordes de jazz nu de 'Soldiers of the Fields / Soldats de Champs', hasta el más blues con infusión de gospel 'When the Days Were Different' ,hay una impresionante gama de estilos explorados y dinamismo en las obras mismas. 'Soldiers of the Fields' comienza en su sección media con una repentina explosión de energía después del acto de apertura, por lo demás sombrío, mientras que la canción principal del álbum hace todo lo contrario y se suaviza hacia su final. Con un uso de buen gusto de las características vocales, que no se alejan de esta música aparentemente enfocada en instrumentos, la mente, así como las estructuras de canciones progresivas, Sounds from the Ancestors es consistentemente agradable de principio a fin.
https://www.prestomusic.com/jazz/articles/4207--recording-of-the-week-kenny-garrett-sounds-from-the-ancestors?gclid=Cj0KCQjwqP2pBhDMARIsAJQ0CzqvN1pEbF_Pgi5U2tdo7tQiSWJ-PcO0T-bfBbulU3bJ-ZX3oet7IfsaAvyHEALw_wcB

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Xavier Cugat • Merengues por Cugat

Artist Biography

Xavier Cugat was the first bandleader to front a successful Latin orchestra in the United States. He was largely responsible for popularizing Latin music among North American audiences, paving the way for such future stars as Perez Prado, and Tito Puente.

Sources differ widely on Cugat's early life and career. It seems, though, that he was born on January 1, 1900, in the Catalonian region of Spain and moved to Cuba with his family when he was only a few years of age. A child prodigy on the violin, at age 12 he earned a seat as first violin with the orchestra of the Teatro Nacional in Havana. The young Cugat also apparently struck up a friendship with famed opera singer Enrico Caruso, who brought him to America near the end of the First World War. In New York Cugat met pianist and fellow Catalonian Agusto Borgunyó. Together they formed a classical duo.

In the early 1920s Cugat decided to abandon classical for popular music. His main interest lay in Latin rhythms, and picking up on the tango craze he formed a short-lived band called the Gigolos. He spent the next few years playing odd engagements and working with such popular orchestras as those of Vincent Lopez and Phil Harris. In the late 1920s he jumped on the sound movie bandwagon and formed a new version of the Gigolos. With this group he finally achieved a modicum of success, opening at the Los Angeles Coconut Grove in 1928 and appearing in the 1929 film Mexicana.

Cugat worked in Anson Weeks' orchestra during the early 1930s before forming a new outfit of his own. He continued to lead his band throughout the 1930s and into the 1940s, spending a great deal of time at the Waldorf- Astoria Hotel in New York. Cugat also had his own radio program. In the early 1930s he had a big hit with the song ''El Manicero'' (''The Peanut Vendor''), which started a rumba craze across America. His other hits were “Perfida” in 1940, and the original recording of “Babalu” in 1944. Cugat’s band always had very fine musicians and singers, and he put on a top notch performance on stage.

He was married five times, including to two of his vocalists, Abbe Lane and in the ‘60’s to Charo, who incidentally is still capitalizing on her association with him. He used his popularity in the music business to also have a very successful film career and made scores of film 1930 to 1960. During the ‘50’s and 60’s Cugat continued performing and recording, both on the Mercury and Decca labels. He left quite a recorded history and his music is still very popular today, and always sells. He briefly had his own television program in 1957 and also spent time in Europe directing Italian television. He was also quite a talented cartoonist and his caricatures are now valued by collectors. Cugat retired from show business in 1971 after suffering a stroke. In 1978 he settled in Barcelona.

Xavier Cugat died in 1990 from heart failure.

https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat

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Biografía del artista

Xavier Cugat fue el primer director de orquesta en liderar una exitosa orquesta latina en Estados Unidos. Fue en gran parte responsable de popularizar la música latina entre el público norteamericano, allanando el camino para futuras estrellas como Pérez Prado y Tito Puente.

Las fuentes difieren ampliamente sobre los comienzos de la vida y la carrera de Cugat. Parece, sin embargo, que nació el 1 de enero de 1900 en la región catalana de España y se trasladó a Cuba con su familia cuando sólo tenía unos pocos años de edad. Niño prodigio del violín, a la edad de 12 años obtuvo un asiento como primer violín con la orquesta del Teatro Nacional de La Habana. Al parecer, el joven Cugat también entabló una amistad con el famoso cantante de ópera Enrico Caruso, que lo trajo a América cerca del final de la Primera Guerra Mundial. En Nueva York, Cugat conoció al pianista y compatriota catalán Agusto Borgunyó. Juntos formaron un dúo clásico.

A principios de la década de 1920, Cugat decidió abandonar la música clásica por la música popular. Su interés principal residía en los ritmos latinos, y recogiendo la moda del tango formó una banda de corta duración llamada The Gigolos. Pasó los siguientes años tocando en compromisos extraños y trabajando con orquestas tan populares como las de Vincent Lopez y Phil Harris. A finales de la década de 1920 se subió al tren de las películas de sonido y formó una nueva versión de los Gigolos. Con este grupo finalmente logró un mínimo éxito, abriendo en Los Angeles Coconut Grove en 1928 y apareciendo en la película Mexicana de 1929.

Cugat trabajó en la orquesta de Anson Weeks a principios de la década de 1930 antes de formar su propio equipo. Continuó dirigiendo su banda durante los años 30 y 40, pasando mucho tiempo en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York. Cugat también tenía su propio programa de radio. A principios de la década de 1930 tuvo un gran éxito con la canción ''El Manicero'' (''El Manicero''), que inició una locura de rumba en toda América. Sus otros éxitos fueron "Perfida" en 1940 y la grabación original de "Babalu" en 1944. La banda de Cugat siempre tuvo músicos y cantantes muy buenos, y él hizo una actuación de primera clase en el escenario.

Se casó cinco veces, incluyendo a dos de sus vocalistas, Abbe Lane y en los años 60 con Charo, quien por cierto sigue capitalizando su asociación con él. Utilizó su popularidad en el negocio de la música para tener también una carrera cinematográfica muy exitosa e hizo partituras de películas de 1930 a 1960. Durante los años'50 y'60 Cugat continuó tocando y grabando, tanto en los sellos Mercury como Decca. Dejó una historia bastante grabada y su música sigue siendo muy popular hoy en día, y siempre se vende. Tuvo brevemente su propio programa de televisión en 1957 y también pasó un tiempo en Europa dirigiendo la televisión italiana. También era un caricaturista con mucho talento y sus caricaturas son ahora muy apreciadas por los coleccionistas. Cugat se retiró del mundo del espectáculo en 1971 tras sufrir un derrame cerebral. En 1978 se instaló en Barcelona.

Xavier Cugat murió en 1990 de un paro cardíaco.
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Victor Feldman • Merry Olde Soul

 

Victor Feldman was born in Edgware, Middlesex in 1934.

He caused a sensation as a musical prodigy when he was “discovered” at age 7. His family were all musical and his father founded the Feldman Swing Club in London in 1942 to showcase his talented son. His first professional appearance was playing drums at No 1 Rhythm Club as a member of the Feldman Trio with brothers Robert on clarinet and Monty on piano accordion. In 1944 he was featured at a concert with Glenn Miller's AAAF band, featured inevitably as “Kid Krupa”. Carlo Krahmer encouraged Feldman to play the vibes which he did first in the Ralph Sharon Sextet and later in the Roy Fox band. He worked in India in 1952 and 1953 in a band led by pianist Eddie Carroll. His vibraphone and conga drum playing were notable, but it was as a pianist that he became best known.

Before leaving the U.K. in 1955 to work in the U.S., Feldman recorded with Ronnie Scott's orchestra and quintet from 1954 to 1955, which also featured other important British jazz musicians such as Phil Seamen and Hank Shaw, among others. It was Scott who recommended that Feldman emigrate to the U.S., which he did in 1957. Once there, his first steady work was with the Woody Herman Herd. From there he went on to join Buddy DeFranco. He recorded with many different jazz artists, including Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley and Miles Davis, most notably on Davis' 1963 album Seven Steps to Heaven, the title tune being his own composition. The 5-CD Shelly Manne Black Hawk set, originally released on LP in September, 1959, is a good representation of Feldman's unmistakable driving “comping” behind the soloists, helping to define the session as a valuable hard bop genre element.

In 1957 Feldman settled in Los Angeles permanently and then specialized in lucrative session work for the US film and recording industry. He also branched out to work a variety of musicians outside of jazz, working with artists such as Frank Zappa in 1967, Steely Dan in the 1970s and Tom Waits and Joe Walsh in the 1980s. Feldman died at age 53, a year after the death of his wife, to whom he was completely devoted.

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Victor Feldman nació en Edgware, Middlesex en 1934.

Causó sensación como prodigio musical cuando fue "descubierto" a los 7 años. Su familia era toda musical y su padre fundó el Feldman Swing Club en Londres en 1942 para mostrar a su talentoso hijo. Su primera aparición profesional fue tocando la batería en el No 1 Rhythm Club como miembro del Feldman Trio con los hermanos Robert en el clarinete y Monty en el acordeón de piano. En 1944 fue presentado en un concierto con la banda AAAF de Glenn Miller, inevitablemente como "Kid Krupa". Carlo Krahmer animó a Feldman a tocar las vibraciones que hizo primero en el Sexteto de Ralph Sharon y luego en la banda de Roy Fox. Trabajó en la India en 1952 y 1953 en una banda dirigida por el pianista Eddie Carroll. Su vibráfono y su conga eran notables, pero fue como pianista que se hizo más conocido.

Antes de dejar el Reino Unido en 1955 para trabajar en los Estados Unidos, Feldman grabó con la orquesta y el quinteto de Ronnie Scott de 1954 a 1955, en el que también participaron otros importantes músicos británicos de jazz como Phil Seamen y Hank Shaw, entre otros. Fue Scott quien recomendó que Feldman emigrara a los Estados Unidos, lo cual hizo en 1957. Una vez allí, su primer trabajo estable fue con el Woody Herman Herd. A partir de ahí se unió a Buddy DeFranco. Grabó con muchos artistas de jazz diferentes, incluyendo a Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley y Miles Davis, más notablemente en el álbum de 1963 de Davis Seven Steps to Heaven, cuya melodía titular es su propia composición. El set de 5 CD Shelly Manne Black Hawk, originalmente publicado en LP en septiembre de 1959, es una buena representación del inconfundible "comping" de Feldman detrás de los solistas, ayudando a definir la sesión como un valioso elemento del género hard bop.

En 1957 Feldman se estableció permanentemente en Los Ángeles y luego se especializó en lucrativas sesiones de trabajo para la industria cinematográfica y discográfica de los Estados Unidos. También se dedicó a trabajar con una variedad de músicos fuera del jazz, trabajando con artistas como Frank Zappa en 1967, Steely Dan en la década de 1970 y Tom Waits y Joe Walsh en la década de 1980. Feldman murió a la edad de 53 años, un año después de la muerte de su esposa, a quien estaba completamente dedicado.