Eddie Higgins • Zoot's Hymns

Biography

Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.

During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.

In 1970, Eddie moved to Ft. Lauderdale, Florida and began spending winters in Florida and summers on Cape Cod, where he plays local clubs and enjoys sailing and tennis. Since the early 1980's, Eddie has traveled widely on the jazz festival circuit and has performed frequently in Europe and Japan. His releases on the Japanese “Venus” label have earned him number one in jazz sales on more than one album. In 1988, Eddie and jazz singer/pianist/artist Meredith d'Ambrosio were married and have become a popular team at clubs and festivals, as well as recording for Sunnyside Records.

In recent years, Eddie's recording activity has become even more prolific and attention to his play has grown to be more widely recognized. He has received praise from such as Nat Hentoff and Gary Giddons. Attempts to describe his style are exemplified by the following:

To these tributes, I would add that Eddie's play can be extraordinarily moving. Listen to his treatment of Brazilian themes on “Speaking of Jobim” and solo work on the album “Time On My Hands,” the latter which achieves an almost unparalleled marriage of style, composition and audio fidelity. You would think it was being played in a cathedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

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Biografía

Nacido y criado en Nueva Inglaterra, Eddie (Haydn) Higgins comenzó su carrera profesional en Chicago, mientras estudiaba en la Escuela de Música de la Universidad de Northwestern. Durante veinte años Eddie trabajó en algunos de los clubes de jazz más conocidos de Chicago, incluyendo el Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn y Jazz Ltd. Su trabajo más largo y memorable fue en la London House, donde dirigió el trío de la casa durante doce años, tocando frente a las mayores estrellas del jazz de los años 50 y 60, incluyendo a Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans y muchos otros.

Durante su estancia en Chicago, Eddie grabó varios álbumes bajo sus auspicios y muchos más como sideman con una amplia variedad de músicos, desde Coleman Hawkins a Wayne Shorter, Don Goldie a Freddie Hubbard, Jack Teagarden a Al Grey. La versatilidad de Eddie es bien conocida: ha apoyado a cantantes, ha trabajado en estudios como pianista y arreglista y ha trabajado en todos los medios de jazz, desde Dixieland hasta Modern Jazz.

En 1970, Eddie se mudó a Ft. Lauderdale, Florida y comenzó a pasar los inviernos en Florida y los veranos en Cape Cod, donde juega en clubes locales y disfruta de la vela y el tenis. Desde principios de los años 80, Eddie ha viajado mucho por el circuito de festivales de jazz y ha tocado frecuentemente en Europa y Japón. Sus lanzamientos en el sello japonés "Venus" le han valido el número uno en ventas de jazz en más de un álbum. En 1988, Eddie y la cantante, pianista y artista de jazz Meredith d'Ambrosio se casaron y se han convertido en un equipo popular en clubes y festivales, además de grabar para Sunnyside Records.

En los últimos años, la actividad discográfica de Eddie se ha vuelto aún más prolífica y la atención a su obra ha crecido hasta ser más ampliamente reconocida. Ha recibido elogios de Nat Hentoff y Gary Giddons. Los intentos de describir su estilo se ejemplifican con lo siguiente:

A estos homenajes, añadiría que la obra de Eddie puede ser extraordinariamente conmovedora. Escuche su tratamiento de los temas brasileños en "Speaking of Jobim" y su trabajo en solitario en el álbum "Time On My Hands", este último que logra un matrimonio casi inigualable de estilo, composición y fidelidad de audio. Uno pensaría que se está tocando en una catedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

Herbie Hancock • Speak Like a Child

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine  
Between 1965's Maiden Voyage and 1968's Speak Like a Child, Herbie Hancock was consumed with his duties as part of the Miles Davis Quintet, who happened to be at their creative and popular peak during those three years. When Hancock did return to a leadership position on Speak Like a Child, it was clear that he had assimilated not only the group's experiments, but also many ideas Miles initially sketched out with Gil Evans. Like Maiden Voyage, the album is laid-back, melodic, and quite beautiful, but there are noticeable differences between the two records. Hancock's melodies and themes have become simpler and more memorable, particularly on the title track, but that hasn't cut out room for improvisation. Instead, he has found a balance between accessible themes and searching improvisations that work a middle ground between post-bop and rock. Similarly, the horns and reeds are unconventional. He has selected three parts -- Thad Jones' flügelhorn, Peter Phillips' bass trombone, Jerry Dodgion's alto flute -- with unusual voicings, and he uses them for tonal texture and melodic statements, not solos. The rhythm section of bassist Ron Carter and drummer Mickey Roker keeps things light, subtle, and forever shifting, emphasizing the hybrid nature of Hancock's original compositions. But the key to Speak Like a Child is in Hancock's graceful, lyrical playing and compositions, which are lovely on the surface and provocative and challenging upon closer listening.
https://www.allmusic.com/album/speak-like-a-child-mw0000188262

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
Entre Maiden Voyage, de 1965, y Speak Like a Child, de 1968, Herbie Hancock estuvo consumido por sus obligaciones como miembro del Miles Davis Quintet, que se encontraba en su apogeo creativo y popular durante esos tres años. Cuando Hancock volvió a una posición de liderazgo en Speak Like a Child, estaba claro que había asimilado no sólo los experimentos del grupo, sino también muchas ideas que Miles esbozó inicialmente con Gil Evans. Al igual que Maiden Voyage, el álbum es relajado, melódico y bastante bello, pero hay diferencias notables entre los dos discos. Las melodías y los temas de Hancock se han vuelto más sencillos y memorables, sobre todo en la canción que da título al disco, pero eso no ha reducido el espacio para la improvisación. En su lugar, ha encontrado un equilibrio entre temas accesibles e improvisaciones de búsqueda que trabajan en un punto intermedio entre el post-bop y el rock. Del mismo modo, las trompas y las cañas son poco convencionales. Ha seleccionado tres partes -el flügelhorn de Thad Jones, el trombón bajo de Peter Phillips y la flauta contralto de Jerry Dodgion- con voicings inusuales, y las utiliza para la textura tonal y las declaraciones melódicas, no para los solos. La sección rítmica del bajista Ron Carter y el baterista Mickey Roker mantiene las cosas ligeras, sutiles y siempre cambiantes, enfatizando la naturaleza híbrida de las composiciones originales de Hancock. Pero la clave de Speak Like a Child está en la interpretación elegante y lírica de Hancock y en sus composiciones, que son encantadoras a primera vista y provocadoras y desafiantes cuando se escuchan con más detenimiento.
https://www.allmusic.com/album/speak-like-a-child-mw0000188262

www.herbiehancock.com ...

Joe Pass • One For My Baby

 

Review by Ken Dryden
Virtuoso guitarist Joe Pass didn't need sidemen on any recording, but when he used them, he chose wisely. Tenor saxophonist Plas Johnson, keyboardist Gerald Wiggins and drummer Tootle Heath had not recorded with Pass previously, but along with bassist Andy Simpkins, they achieve a perfect first-take sound on each track. The title cut features Pass with Johnson's bluesy sax and a soft organ and brushed background. Two Pass originals are lengthy blues vehicles with plenty of solo space for all. "I Remember You" is an unlikely choice that developed from Wiggins' jamming in the studio; the ballad is a relaxing detour from the blues that dominate the album. Joe Pass was without peer on guitar the last 20 years of his life; his playing here won't disappoint.
https://www.allmusic.com/album/one-for-my-baby-mw0000205022

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Reseña de Ken Dryden
El virtuoso guitarrista Joe Pass no necesitaba sidemen en ninguna grabación, pero cuando los usaba, elegía sabiamente. El saxofonista tenor Plas Johnson, el teclista Gerald Wiggins y el batería Tootle Heath no habían grabado con Pass anteriormente, pero junto con el bajista Andy Simpkins, logran un perfecto sonido de primera toma en cada pista. El corte del título presenta a Pass con el saxo blues de Johnson y un órgano suave y un fondo cepillado. Los dos originales de Pass son largos vehículos de blues con mucho espacio para todos los solos. "I Remember You" es una elección improbable que se desarrolló a partir de la improvisación de Wiggins en el estudio; la balada es un desvío relajante del blues que domina el álbum. Joe Pass estuvo sin par en la guitarra los últimos 20 años de su vida; su actuación aquí no le decepcionará.
https://www.allmusic.com/album/one-for-my-baby-mw0000205022

 

 

 

 

Bill Jennings • The Very Best Of

 

 

 

Bill Jennings (September 12, 1919 – November 29, 1978) was an American jazz guitarist and composer.

Recording as both a leader and a sideman, Jennings has been called "the architect of soul jazz" and has influenced on jazz, soul, R&B, and blues guitar. B.B. King often mentioned Jennings as one of biggest influences. Jennings has recorded with many artists including Willis "Gator" Jackson, Brother Jack McDuff, Leo Parker, Bill Doggett, Louis Jordan, King Curtis, Louis Armstrong, and Ella Fitzgerald and unique in his ability to play in many styles, including swing, bop, jump blues, R&B, and pop. Jennings played on "Fever" by Little Willie John, which made the Billboard R&B chart in the US and peaked at number 24 on the Billboard Hot 100.

A left-handed player, Jennings played guitar upside down, with the high strings at the top, which gave him a different approach to phrasing and bending the strings. Later in his career he lost a finger on his fretting hand and began playing bass guitar.
https://en.wikipedia.org/wiki/Bill_Jennings_(guitarist)

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Bill Jennings (12 de septiembre de 1919 - 29 de noviembre de 1978) fue un guitarrista y compositor de jazz americano.

Grabando como líder y acompañante, Jennings ha sido llamado "el arquitecto del soul jazz" y ha influido en el jazz, el soul, el R&B y la guitarra de blues. B.B. King a menudo mencionó a Jennings como una de las mayores influencias. Jennings ha grabado con muchos artistas como Willis "Gator" Jackson, Brother Jack McDuff, Leo Parker, Bill Doggett, Louis Jordan, King Curtis, Louis Armstrong y Ella Fitzgerald y es único en su habilidad para tocar en muchos estilos, incluyendo swing, bop, jump blues, R&B y pop. Jennings tocó en "Fever" de Little Willie John, que llegó a la lista de R&B de la Billboard en los EE.UU. y alcanzó el número 24 en la Billboard Hot 100.

Siendo zurdo, Jennings tocaba la guitarra al revés, con las cuerdas altas en la parte superior, lo que le daba un enfoque diferente al fraseo y a la flexión de las cuerdas. Más tarde en su carrera perdió un dedo de su mano y comenzó a tocar el bajo.
https://en.wikipedia.org/wiki/Bill_Jennings_(guitarrista)

Lou Donaldson • Live In Bologna

 

Review by Steve Loewy
A direct (musical) descendant of Bird, alto saxophonist Lou Donaldson has often been criticized for commercial concessions or for lack of imagination. Over a span of decades, his sound remained constant, rarely wavering from his initial bop conception. This set of standards is one of Donaldson's best recordings, in part due to the relaxed setting, but also because of the outstanding piano trio accompanying the saxophonist. Pianist Herman Foster is one of the underrated improvisers of the bop genre, and he, along with bassist Jeff Fuller and drummer Victor Jones, set a sophisticated, vibrant groove that meshes well with Donaldson's brand of straight-ahead blowing. While there is little to distinguish these interpretations of "Stella by Starlight" or "Summertime," the set as a whole has a joyous and even infectious exuberance that should provide an enjoyable, if light, listening experience.
https://www.allmusic.com/album/live-in-bologna-timeless-mw0000912145

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Reseña de Steve Loewy
Un descendiente directo (musical) de Bird, el saxofonista alto Lou Donaldson ha sido a menudo criticado por sus concesiones comerciales o por su falta de imaginación. Durante décadas, su sonido permaneció constante, raramente vacilando de su concepción inicial de bop. Este conjunto de normas es una de las mejores grabaciones de Donaldson, en parte debido al ambiente relajado, pero también por el destacado trío de pianos que acompaña al saxofonista. El pianista Herman Foster es uno de los improvisadores menospreciados del género bop, y él, junto con el bajista Jeff Fuller y el baterista Victor Jones, estableció un sofisticado y vibrante ritmo que encaja bien con el estilo de Donaldson de soplado directo. Aunque hay poco que distinguir entre estas interpretaciones de "Stella by Starlight" o "Summertime", el conjunto tiene una exuberancia alegre e incluso contagiosa que debería proporcionar una experiencia auditiva agradable, aunque ligera.

https://www.allmusic.com/album/live-in-bologna-timeless-mw0000912145

 

 

loudonaldson.com ...