Colaborador / Contribuitor: Michel
Saturday, July 18, 2026
Chet Atkins • Picks On The Beatles
Biography
Without Chet Atkins, country music may never have crossed over into the
pop charts in the '50s and '60s. Although he recorded hundreds of solo
records, Atkins' largest influence came as a session musician and a
record producer. During the '50s and '60s, he helped create the
Nashville sound, a style of country music that owed nearly as much to
pop as it did to honky tonks.
And as a guitarist, he was without parallel. Atkins' style grew out of
his admiration for Merle Travis, expanding Travis' signature syncopated
thumb and fingers roll into new territory. Interestingly, Atkins didn't
begin his musical career by playing guitar. On the recommendation of his
older brother, Lowell, he began playing the fiddle at a child. However,
Chet was still attracted to the guitar, and at the age of nine he
traded a pistol for a guitar. Atkins learned his instrument rapidly,
becoming an accomplished player by the time he left high school in 1941.
Using a variety of contacts, he wound up performing on the Bill
Carlisle Show on WNOX in Knoxville, TN, as well as becoming part of the
Dixie Swingers. Atkins worked with Homer & Jethro while he was at
the radio station. After three years, he moved to a radio station in
Cincinnati.
Supporting Red Foley, Atkins made his first appearance at the Grand Ole
Opry in 1946. That same year, he made his first records, recording for
Bullet. Atkins also began making regular performances on the WRVA radio
station in Richmond, VA, but he was repeatedly fired because his musical
arrangements differed from the expectations of the station's
executives. He eventually moved to Springfield, MO, working for the KWTO
station. A tape of one of Atkins' performances was sent to RCA Victor's
office in Chicago. Eventually, it worked its way to Steve Sholes, the
head of country music at RCA. Sholes had heard Atkins previously, and
had been trying to find him for several years. By the time Sholes heard
the tape, Atkins had moved to Denver, and was playing with Shorty
Thompson & His Rangers. Upon receiving the call from RCA, he moved
to Nashville to record.
Once he arrived in Nashville, Atkins recorded eight tracks for the
label, five of which featured the guitarist singing. Impressed by his
playing, Sholes made Atkins the studio guitarist for all of the RCA
studio's Nashville sessions in 1949. The following year, Mother Maybelle
and the Carter Sisters hired him as a regular on the Grand Ole Opry,
making his place in Nashville's musical community secure. While he
worked for RCA, he played on many hit records and helped fashion the
Nashville sound. RCA appreciated his work and made him a consultant to
the company's Nashville division in 1953. That year, the label began to
issue a number of instrumental albums that showcased Atkins'
considerable talents. Two years later, he scored his first hit with a
version of "Mr. Sandman"; it was followed by "Silver Bell," a duet with
Hank Snow. By the late '50s, Atkins was known throughout the music
industry as a first-rate player. Not only did his records sell well, he
designed guitars for Gibson and Gretsch; the popularity of these models
continues to the present day.
Sholes left for New York in 1957 to act as head of pop A&R, leaving
Atkins as the manager of RCA's Nashville division. However, the
guitarist didn't abandon performing, and throughout the early '60s his
star continued to rise. He played the Newport Jazz Festival in 1960; in
1961, he performed at the White House. Atkins had his first Top Five hit
in 1965 with a reworking of Boots Randolph's "Yakety Sax," retitled
"Yakety Axe"; in addition to being a sizable country hit, the song
crossed over to the pop charts. Atkins' role behind the scenes was
thriving as well. He produced hits for the majority of RCA's Nashville
acts, including Elvis Presley and Eddy Arnold, and discovered a wealth
of talent, including Don Gibson, Waylon Jennings, Floyd Cramer, Charley
Pride, Bobby Bare, and Connie Smith. Because of his consistent track
record, Atkins was promoted to vice president of RCA's country division
when Sholes died in 1968.
The following year, Atkins had his last major hit single, "Country
Gentleman." In the late '60s and early '70s, several minor hits
followed, but only one song, "Prissy" (1968), made it into the Top 40.
Instead, the guitarist's major musical contribution in the early part of
the '70s was with Homer & Jethro. Under the name the Nashville
String Band, the trio released five albums between 1970 and 1972.
Following Homer's death, Atkins continued to work with Jethro.
Atkins continued to record for RCA throughout the '70s, although he was
creatively stifled by the label by the end of the decade. The guitarist
wanted to record a jazz album, but he was met with resistance by the
label. In 1982, he left the label and signed with Columbia, releasing
his first album for the label, Work It Out With Chet Atkins, in 1983.
During his time at Columbia, Atkins departed from his traditional
country roots, demonstrating that he was a bold and tasteful jazz
guitarist as well. He did return to country on occasion, particularly on
duet albums with Mark Knopfler and Jerry Reed, but by and large,
Atkins' Columbia records demonstrated a more adventurous guitarist than
was previously captured on his RCA albums.
Sadly, Atkins was diagnosed with cancer, and in 1997 doctors removed a
tumor from his brain. In his last months, the cancer had made Atkins
inactive, and he finally lost the battle on June 30, 2001, at his home
in Nashville. Throughout his career, Chet Atkins earned numerous awards,
including 11 Grammy awards and nine CMA Instrumentalist of the Year
honors, as well as a Lifetime Achievement Award from NARAS. Although his
award list is impressive, it only begins to convey his contribution to
country music.
///////
Biografía
Sin Chet Atkins, es posible que la música country nunca haya llegado a
las listas de éxitos del pop en los años 50 y 60. Aunque grabó cientos
de discos en solitario, la mayor influencia de Atkins llegó como músico
de sesión y productor de discos. Durante los años 50 y 60, ayudó a crear
el sonido de Nashville, un estilo de música country que debía casi
tanto al pop como a los honky tonks.
Y como guitarrista, no tenía paralelo. El estilo de Atkins surgió de su
admiración por Merle Travis, expandiendo la firma de Travis: pulgar
sincopado y dedos rodando hacia un nuevo territorio. Curiosamente,
Atkins no comenzó su carrera musical tocando la guitarra. Por
recomendación de su hermano mayor, Lowell, comenzó a tocar el violín a
un niño. Sin embargo, Chet todavía se sentía atraído por la guitarra, y a
la edad de nueve años cambió una pistola por una guitarra. Atkins
aprendió su instrumento rápidamente, convirtiéndose en un intérprete
consumado cuando dejó la escuela secundaria
en 1941. Usando una variedad de contactos, terminó actuando en el Bill
Carlisle Show en WNOX en Knoxville, TN, así como formando parte de los
Dixie Swingers. Atkins trabajó con Homer & Jethro mientras estaba en
la estación de radio. Después de tres años, se mudó a una estación de
radio en Cincinnati.
Apoyando a Red Foley, Atkins hizo su primera aparición en el Grand Ole
Opry en 1946. Ese mismo año, hizo sus primeros discos, grabando para
Bullet. Atkins también comenzó a hacer presentaciones regulares en la
estación de radio WRVA en Richmond, VA, pero fue despedido repetidamente
porque sus arreglos musicales diferían de las expectativas de los
ejecutivos de la estación. Eventualmente se mudó a Springfield, MO,
trabajando para la estación KWTO. Una cinta de una de las presentaciones
de Atkins fue enviada a la oficina de RCA Victor en Chicago. Con el
tiempo, se abrió camino hasta Steve Sholes, director de música country
de la RCA. Sholes había escuchado a Atkins previamente, y había estado
tratando de encontrarlo durante varios años. Para cuando Sholes escuchó
la cinta, Atkins se había mudado a Denver, y estaba jugando con Shorty
Thompson & His Rangers. Al recibir la llamada de la RCA, se mudó a
Nashville para grabar.
Una vez que llegó a Nashville, Atkins grabó ocho temas para el sello,
cinco de los cuales incluían el canto del guitarrista. Impresionado por
su forma de tocar, Sholes convirtió a Atkins en el guitarrista de
estudio de todas las sesiones de Nashville del estudio RCA en 1949. Al
año siguiente, la madre Maybelle y las hermanas Carter lo contrataron
como cliente habitual en el Grand Ole Opry, lo que aseguró su lugar en
la comunidad musical de Nashville. Mientras trabajaba para RCA, tocó en
muchos discos de éxito y ayudó a crear el sonido de Nashville. RCA
apreció su trabajo y lo hizo consultor de la división de Nashville de la
compañía en 1953. Ese año, el sello comenzó a publicar varios álbumes
instrumentales que mostraban el considerable talento de Atkins. Dos años
más tarde, obtuvo su primer éxito con una versión de "Mr. Sandman",
seguido de "Silver Bell", un dúo con Hank Snow. A finales de los años
50, Atkins era conocido en la industria de la música como un reproductor
de primera clase. No sólo sus discos se vendieron bien, sino que
también diseñó guitarras para Gibson y Gretsch; la popularidad de estos
modelos continúa hasta el día de hoy.
Sholes partió a Nueva York en 1957 para actuar como jefe de pop A&R,
dejando a Atkins como gerente de la división de Nashville de RCA. Sin
embargo, el guitarrista no abandonó la interpretación, y a principios de
los años 60 su estrella siguió creciendo. Tocó en el Festival de Jazz
de Newport en 1960; en 1961, actuó en la Casa Blanca. Atkins tuvo su
primer éxito en el Top Five en 1965 con una revisión de "Yakety Saxe" de
Boots Randolph, titulado "Yakety Axe"; además de ser un gran éxito en
el país, la canción pasó a las listas de éxitos del pop. El papel de
Atkins entre bastidores también fue próspero. Produjo éxitos para la
mayoría de las actuaciones de RCA en Nashville, incluyendo a Elvis
Presley y Eddy Arnold, y descubrió una gran cantidad de talento,
incluyendo a Don Gibson, Waylon Jennings, Floyd Cramer, Charley Pride,
Bobby Bare, y Connie Smith. Debido a su consistente historial, Atkins
fue ascendido a vicepresidente de la división de países de la RCA cuando
Sholes murió en 1968.
Al año siguiente, Atkins tuvo su último gran éxito, "Country Gentleman".
A finales de los'60 y principios de los'70, le siguieron varios éxitos
menores, pero sólo una canción, "Prissy" (1968), llegó al Top 40. En
cambio, la mayor contribución musical del guitarrista en la primera
parte de los años 70 fue con Homer & Jethro. Bajo el nombre de
Nashville String Band, el trío lanzó cinco álbumes entre 1970 y 1972.
Después de la muerte de Homero, Atkins continuó trabajando con Jethro.
Atkins continuó grabando para RCA a lo largo de los años 70, aunque fue
ahogado creativamente por el sello a finales de la década. El
guitarrista quería grabar un disco de jazz, pero el sello se encontró
con la resistencia. En 1982, dejó el sello y firmó con Columbia,
lanzando su primer álbum para el sello, Work It Out With Chet Atkins, en
1983. Durante su estancia en Columbia, Atkins se alejó de sus raíces
tradicionales en el campo, demostrando que también era un guitarrista de
jazz audaz y de buen gusto. De vez en cuando regresó al país,
particularmente en álbumes de dúo con Mark Knopfler y Jerry Reed, pero
en general, los discos de Columbia de Atkins demostraron ser un
guitarrista más aventurero de lo que era capturado previamente en sus
álbumes de RCA.
Lamentablemente, a Atkins le diagnosticaron cáncer, y en 1997 los
médicos le extirparon un tumor del cerebro. En sus últimos meses, el
cáncer había dejado inactivo a Atkins, y finalmente perdió la batalla el
30 de junio de 2001, en su casa de Nashville. A lo largo de su carrera,
Chet Atkins ganó numerosos premios, incluyendo 11 premios Grammy y
nueve honores como Instrumentista del Año de CMA, así como un premio de
logros de toda una vida de NARAS. Aunque su lista de premios es
impresionante, sólo comienza a transmitir su contribución a la música
country.
Gildo Mahones • I'm Shooting High
Gildo Mahones (born June 2, 1929, New York City) is an American jazz pianist.
Early in his career, Mahones played with Joe Morris (1948) and Milt Jackson. He served in the Army during the Korean War and then played with Lester Young from 1953 to 1956. Later in the 1950s he toured with the Jazz Modes (whose members included Charlie Rouse and Julius Watkins), Sonny Stitt, and Benny Green. From 1959 to 1964 he played behind Lambert, Hendricks & Ross.
When LHR split, Mahones relocated to Los Angeles where he worked both as a studio musician and as a jazz sideman. He led his own trio, and appeared on recordings by O.C. Smith, Lou Rawls, James Moody, Harold Land and Blue Mitchell, Leon Thomas, Jim Hall, Big Joe Turner, Lorez Alexandria, Benny Carter, Pony Poindexter, Booker Ervin, and Jimmy Witherspoon.
Early in his career, Mahones played with Joe Morris (1948) and Milt Jackson. He served in the Army during the Korean War and then played with Lester Young from 1953 to 1956. Later in the 1950s he toured with the Jazz Modes (whose members included Charlie Rouse and Julius Watkins), Sonny Stitt, and Benny Green. From 1959 to 1964 he played behind Lambert, Hendricks & Ross.
When LHR split, Mahones relocated to Los Angeles where he worked both as a studio musician and as a jazz sideman. He led his own trio, and appeared on recordings by O.C. Smith, Lou Rawls, James Moody, Harold Land and Blue Mitchell, Leon Thomas, Jim Hall, Big Joe Turner, Lorez Alexandria, Benny Carter, Pony Poindexter, Booker Ervin, and Jimmy Witherspoon.
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Gildo Mahones (nacido el 2 de junio de 1929, en la ciudad de Nueva York) es un pianista de jazz americano.
Al principio de su carrera, Mahones tocó con Joe Morris (1948) y Milt Jackson. Sirvió en el Ejército durante la Guerra de Corea y luego tocó con Lester Young de 1953 a 1956. Más tarde, en la década de 1950, realizó una gira con los Jazz Modes (entre cuyos miembros se encontraban Charlie Rouse y Julius Watkins), Sonny Stitt y Benny Green. De 1959 a 1964 tocó detrás de Lambert, Hendricks & Ross.
Cuando LHR se separó, Mahones se trasladó a Los Ángeles donde trabajó como músico de estudio y como sideman de jazz. Dirigió su propio trío y apareció en grabaciones de O.C. Smith, Lou Rawls, James Moody, Harold Land y Blue Mitchell, Leon Thomas, Jim Hall, Big Joe Turner, Lorez Alexandria, Benny Carter, Pony Poindexter, Booker Ervin y Jimmy Witherspoon.
Al principio de su carrera, Mahones tocó con Joe Morris (1948) y Milt Jackson. Sirvió en el Ejército durante la Guerra de Corea y luego tocó con Lester Young de 1953 a 1956. Más tarde, en la década de 1950, realizó una gira con los Jazz Modes (entre cuyos miembros se encontraban Charlie Rouse y Julius Watkins), Sonny Stitt y Benny Green. De 1959 a 1964 tocó detrás de Lambert, Hendricks & Ross.
Cuando LHR se separó, Mahones se trasladó a Los Ángeles donde trabajó como músico de estudio y como sideman de jazz. Dirigió su propio trío y apareció en grabaciones de O.C. Smith, Lou Rawls, James Moody, Harold Land y Blue Mitchell, Leon Thomas, Jim Hall, Big Joe Turner, Lorez Alexandria, Benny Carter, Pony Poindexter, Booker Ervin y Jimmy Witherspoon.
John McLaughlin • Devotion
Biography by Thom Jurek
One of fusion's most virtuosic guitar soloists, John McLaughlin placed his blazing speed in the service of a searching spiritual passion that has kept his music evolving and open to new influences. Whether shredding on electric or simmering quietly on acoustic, McLaughlin's intensity and versatility have kept his playing vital. His best early moments appear on some of fusion's greatest recordings, including Miles Davis' Bitches Brew and Tribute to Jack Johnson, as well as his own Mahavishnu Orchestra's seminal The Inner Mounting Flame (1971) and Birds of Fire (1973). In 1976, he formed the acoustic Indo-jazz quartet Shakti, who released three acclaimed albums, and he continued to balance his time between electric and acoustic projects. The latter's most notable efforts include Friday Night in San Francisco with guitarists Al Di Meola and Paco de Lucia in 1981. His fusion outings continued to break new ground, including 1978's Electric Guitarist and 1995's The Promise. In the 21st century, McLaughlin kept delivering diverse projects, but his focus was once again on incorporating fusion from both ends of the rock and jazz spectrum, as evidenced by 2008's Floating Point, 2015's post-psychedelic Black Light, and 2021's Liberation Time.
McLaughlin was born January 4, 1942, in Yorkshire, England, and began playing guitar at age 11. Initially attracted to blues and swing, he worked with British artists like Georgie Fame, Graham Bond, Brian Auger, and Ginger Baker. McLaughlin formed his own band in 1968 and recorded the excellent debut Extrapolation in early 1969. Later that year he moved to New York to join Tony Williams' groundbreaking fusion band Lifetime, and appeared on the classic Emergency! Through Williams, McLaughlin was invited to join Miles Davis' band, and became an important part of fusion landmarks like In a Silent Way, Bitches Brew, and A Tribute to Jack Johnson. In 1970, wanting to explore acoustic and Eastern music, McLaughlin recorded the classic My Goal's Beyond; he soon left Davis, and after one further solo album, Devotion, McLaughlin spent some time woodshedding.
He re-emerged in 1971 as leader of the Mahavishnu Orchestra, a seminal band that did much to define and popularize early jazz-rock fusion, as evidenced by the albums The Inner Mounting Flame, Birds of Fire, and Visions of the Emerald Beyond. Pausing to record Love Devotion Surrender with Carlos Santana in 1972, McLaughlin led Mahavishnu until 1975. Returning to spiritual preoccupations on My Goal's Beyond, he then formed Shakti, which fused acoustic jazz with Indian music over the course of three albums. McLaughlin returned to his solo career in the late '70s, forming a backing outfit called the One Truth Band, and also recording the guitar trio albums Friday Night in San Francisco and Passion, Grace & Fire with fellow fusion burner Al di Meola and flamenco guitarist Paco de Lucia. As the '80s went along, McLaughlin experimented with classical-jazz hybrid composing; there was also a short-lived Mahavishnu reunion in the mid-'80s.
John McLaughlin Plays Bill Evans
In the '90s, McLaughlin continued to record steadily in both electric and acoustic groups. He signed to Verve, where he would remain for 13 years. Some of the more notable albums from that period include the acoustic Time Remembered: John McLaughlin Plays Bill Evans in 1993; After the Rain with Elvin Jones and Joey DeFrancesco in 1995; and 1996's The Promise, which featured the guitarist in a number of settings, including a reunion with his acoustic trio partners di Meola and de Lucia, and a trio with DeFrancesco and drummer Dennis Chambers. The drummer was also a part of McLaughlin's final album of the decade, Heart of Things, a furious bout of electric jazz.
The 21st century found McLaughlin in another nostalgic mood, releasing Remember Shakti: The Believer, a live set featuring the guitarist (playing electric guitar) with electric mandolinist U. Shrinivas, kanjira and ghatam player V. Selvaganesh, and legendary tabla player Zakir Hussain. While it wasn't a Shakti album proper, it nonetheless echoed that group's intricate and amazing rhythmic and harmonic breakthroughs. The group toured and released Saturday Night in Bombay a year later. McLaughlin's Euro-classical-leaning Thieves and Poets appeared in 2003. The following year, WEA in Germany issued the massive 17-CD box set of McLaughlin's Montreux Concerts, which featured performances recorded between 1974 and 1996. Industrial Zen, released in 2006, was a mixed-bag recording where the guitarist's ambitions ran wild. It was his final album for Verve.
In 2008, McLaughlin issued Floating Point, an extension of many of the concepts on Industrial Zen, on the Abstract Logix imprint. The final track on that album was entitled "Five Peace Band"; it served as the name for a supergroup assembled by McLaughlin and Chick Corea for a one-off world tour. The other members were saxophonist Kenny Garrett, drummer Vinnie Colaiuta, and bassist Christian McBride; an album of the same name was released in 2009 on Concord. To the One, issued in 2010, debuted his new 4th Dimension band, whose lineup included veterans of his other groups: Gary Husband on keyboards and drums, Etienne Mbappe on electric bass, and drummer Mike Mondesir. This group became a collaborative, creative anchor for the guitarist, much as the early Mahavishnu Orchestra had been.
McLaughlin resurfaced two years later with Now Here This. The album featured the lone change in the 4th Dimension lineup as drummer and vocalist Ranjit Barot replaced Mondesir. Barot had collaborated with the guitarist on Floating Point but was long established and celebrated as a film composer, music director, arranger, and vocalist. He was also a longtime associate of filmmaker/composer A.R. Rahman. This group toured the world and followed up with Now Here This in 2012. They were captured live on-stage during the last night of a tour at the Berklee College of Music; the set was released as The Boston Record in 2014.
Over the previous couple of years, McLaughlin had been in communication again with longtime friend de Lucia in hopes of recording together. It never happened. The Spanish guitarist passed away in February of 2014. McLaughlin and 4th Dimension released Black Light in the fall of 2015. Among its tracks was the acoustic number "El Hombre Que Sabia," a tribute to the flamenco master. A concert album also featuring the ensemble, Live at Ronnie Scott's, appeared in 2017. That same year, McLaughlin embarked on what he described as a farewell tour, playing songs from Mahavishnu Orchestra's extensive catalog. In 2018, Abstract Logix issued Live in San Francisco -- a souvenir of a sold-out concert at the historic Warfield Theatre, where the guitarist last played 36 years earlier. His 4th Dimension band played encores of classic Mahavishnu Orchestra tunes with guitarist Jimmy Herring's nine-piece orchestra the Invisible Whip.
Back in 2013, in the aftermath of a Remember Shakti quintet tour that McLaughlin, composer and singer Shankar Mahadevan, and tabla master Ustad Zakir Hussain undertook, the guitarist approached the others about forming a group that would experiment with Indian classical music and improvisation. It took six years to synchronize schedules due to the commitments of all three men, and to assemble and/or compose material before recording. In September 2019, the preview track "Sakhi" was released to the internet. The tune had been written in the early '70s for Shakti and played live but was never recorded until McLaughlin formed this band. Titled Is That So?, the studio album was co-billed to all three musicians and was issued by Abstract Logix.
McLaughlin continued to record during the COVID-19 pandemic, composing, arranging, and recording via the internet, a series of tunes with a variety of collaborators in several ensembles. They included 4th Dimension, saxophonist Julian Siegel, pianists Roger Rossignol and Oz Ezzeldin, drummers Vinnie Colaiuta, Jean Michel "Kiki" Aublette (who also played bass) and Nicholas Viccaro, and bassists Sam Burgess and Jerome Regard. The eight-track Liberation Time was released in July 2021.
https://www.allmusic.com/artist/john-mclaughlin-mn0000223701#biography
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Biografía de Thom Jurek
John McLaughlin, uno de los solistas de guitarra más virtuosos de fusion, puso su velocidad vertiginosa al servicio de una pasión espiritual en búsqueda que ha mantenido su música en evolución y abierta a nuevas influencias. Ya sea triturando con electricidad o hirviendo silenciosamente con acústica, la intensidad y versatilidad de McLaughlin han mantenido vital su interpretación. Sus mejores momentos tempranos aparecen en algunas de las mejores grabaciones de fusion, incluidas Bitches Brew de Miles Davis y Tribute to Jack Johnson, así como el seminal de su propia orquesta Mahavishnu The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973). En 1976, formó el cuarteto acústico de Indo-jazz Shakti, que lanzó tres álbumes aclamados, y continuó equilibrando su tiempo entre proyectos eléctricos y acústicos. Los esfuerzos más notables de este último incluyen Friday Night in San Francisco con los guitarristas Al Di Meola y Paco de Lucía en 1981. Sus salidas de fusión continuaron abriendo nuevos caminos, incluido Electric Guitarist de 1978 y The Promise de 1995. En el siglo XXI, McLaughlin siguió entregando diversos proyectos, pero una vez más se centró en incorporar la fusión de ambos extremos del espectro del rock y el jazz, como lo demuestran Floating Point de 2008, Black Light post-psicodélico de 2015 y Liberation Time de 2021.
McLaughlin nació el 4 de enero de 1942 en Yorkshire, Inglaterra, y comenzó a tocar la guitarra a los 11 años. Inicialmente atraído por el blues y el swing, trabajó con artistas británicos como Georgie Fame, Graham Bond, Brian Auger y Ginger Baker. McLaughlin formó su propia banda en 1968 y grabó el excelente debut Extrapolation a principios de 1969. Más tarde ese año se mudó a Nueva York para unirse a la innovadora banda de fusión Lifetime de Tony Williams, y apareció en el clásico Emergency! A través de Williams, McLaughlin fue invitado a unirse a la banda de Miles Davis y se convirtió en una parte importante de hitos de la fusión como In a Silent Way, Bitches Brew y A Tribute to Jack Johnson. En 1970, queriendo explorar la música acústica y oriental, McLaughlin grabó el clásico My Goal's Beyond; pronto dejó Davis, y después de otro álbum en solitario, Devotion, McLaughlin pasó un tiempo como leñador.
Resurgió en 1971 como líder de la Orquesta Mahavishnu, una banda seminal que hizo mucho para definir y popularizar la fusión temprana de jazz-rock, como lo demuestran los álbumes The Inner Mounting Flame, Birds of Fire y Visions of the Emerald Beyond. Haciendo una pausa para grabar Love Devotion Surrender con Carlos Santana en 1972, McLaughlin dirigió Mahavishnu hasta 1975. Volviendo a las preocupaciones espirituales sobre My Goal's Beyond, luego formó Shakti, que fusionó el jazz acústico con la música india en el transcurso de tres álbumes. McLaughlin regresó a su carrera en solitario a fines de los 70, formando un grupo de acompañamiento llamado One Truth Band, y también grabando los álbumes del trío de guitarras Friday Night in San Francisco y Passion, Grace & Fire con su compañero quemador de fusión Al di Meola y el guitarrista flamenco Paco de Lucía. A medida que avanzaban los 80, McLaughlin experimentó con la composición híbrida de jazz clásico; también hubo una reunión efímera de Mahavishnu a mediados de los 80.
John McLaughlin interpreta a Bill Evans
En los años 90, McLaughlin continuó grabando de manera constante en grupos eléctricos y acústicos. Firmó con Verve, donde permanecería durante 13 años. Algunos de los álbumes más notables de ese período incluyen the acoustic Time Remembered: John McLaughlin interpreta a Bill Evans en 1993; After the Rain con Elvin Jones y Joey DeFrancesco en 1995; y The Promise de 1996, que presentó al guitarrista en varios escenarios, incluida una reunión con sus compañeros de trío acústico di Meola y de Lucia, y un trío con DeFrancesco y el baterista Dennis Chambers. El baterista también formó parte del último álbum de McLaughlin de la década, Heart of Things, un furioso ataque de jazz eléctrico.
El siglo XXI encontró a McLaughlin en otro estado de ánimo nostálgico, lanzando Remember Shakti: The Believer, un set en vivo con el guitarrista (tocando la guitarra eléctrica) con el mandolinista eléctrico U. Shrinivas, el intérprete de kanjira y ghatam V. Selvaganesh y el legendario intérprete de tabla Zakir Hussain. Si bien no era un álbum de Shakti propiamente dicho, se hizo eco de los intrincados y sorprendentes avances rítmicos y armónicos de ese grupo. El grupo realizó una gira y lanzó Saturday Night in Bombay un año después. Thieves and Poets, de McLaughlin, de tendencia euroclásica, apareció en 2003. Al año siguiente, WEA en Alemania lanzó la enorme caja recopilatoria de 17 CD de Mclaughlin's Montreux Concerts, que incluía actuaciones grabadas entre 1974 y 1996. Industrial Zen, lanzado en 2006, fue una grabación mixta en la que las ambiciones del guitarrista se volvieron locas. Fue su último álbum para Verve.
En 2008, McLaughlin publicó Floating Point, una extensión de muchos de los conceptos sobre Zen Industrial, en el sello Abstract Logix. La última pista de ese álbum se tituló "Five Peace Band"; sirvió como nombre para un supergrupo reunido por McLaughlin y Chick Corea para una gira mundial única. Los otros miembros fueron el saxofonista Kenny Garrett, el baterista Vinnie Colaiuta y el bajista Christian McBride; un álbum del mismo nombre fue lanzado en 2009 en Concord. To the One, publicado en 2010, debutó con su nueva banda 4th Dimension, cuya formación incluía veteranos de sus otros grupos: Gary Husband en teclados y batería, Etienne Mbappe en bajo eléctrico y el baterista Mike Mondesir. Este grupo se convirtió en un ancla colaborativa y creativa para el guitarrista, al igual que lo había sido la primera Orquesta Mahavishnu.
McLaughlin resurgió dos años después con Now Here This. El álbum presentó el único cambio en la formación de 4th Dimension cuando el baterista y vocalista Ranjit Barot reemplazó a Mondesir. Barot había colaborado con el guitarrista en Floating Point, pero se estableció y celebró durante mucho tiempo como compositor de cine, director musical, arreglista y vocalista. También fue socio durante mucho tiempo del cineasta y compositor A. R. Rahman. Este grupo realizó una gira por el mundo y siguió con Now Here This en 2012. Fueron capturados en vivo en el escenario durante la última noche de una gira en el Berklee College of Music; el set fue lanzado como Boston Record en 2014.
Durante los dos años anteriores, McLaughlin había estado en comunicación nuevamente con su vieja amiga de Lucía con la esperanza de grabar juntos. Nunca sucedió. El guitarrista español falleció en febrero de 2014. McLaughlin y 4th Dimension lanzaron Black Light en el otoño de 2015. Entre sus temas se encontraba el número acústico "El Hombre Que Sabía", un homenaje al maestro flamenco. Un álbum de concierto también con el conjunto, Live at Ronnie Scott's, apareció en 2017. Ese mismo año, McLaughlin se embarcó en lo que describió como una gira de despedida, tocando canciones del extenso catálogo de Mahavishnu Orchestra. En 2018, Abstract Logix emitió Live in San Francisco a un recuerdo de un concierto con entradas agotadas en el histórico Warfield Theatre, donde el guitarrista tocó por última vez 36 años antes. Su banda de 4ta Dimensión tocó bises de melodías clásicas de Mahavishnu Orchestra con la orquesta de nueve piezas del guitarrista Jimmy Herring, the Invisible Whip.
En 2013, tras una gira del quinteto Remember Shakti que McLaughlin, el compositor y cantante Shankar Mahadevan y el maestro de tablas Ustad Zakir Hussain emprendieron, el guitarrista se acercó a los demás para formar un grupo que experimentara con la música clásica india y la improvisación. Tomó seis años sincronizar los horarios debido a los compromisos de los tres hombres, y ensamblar y/o componer material antes de grabar. En septiembre de 2019, se lanzó a Internet la pista de vista previa "Sakhi". La melodía había sido escrita a principios de los 70 para Shakti y tocada en vivo, pero nunca fue grabada hasta que McLaughlin formó esta banda. Titulado ¿Es Así?, el álbum de estudio fue facturado conjuntamente a los tres músicos y fue emitido por Abstract Logix.
McLaughlin continuó grabando durante la pandemia de COVID-19, componiendo, arreglando y grabando a través de Internet, una serie de melodías con una variedad de colaboradores en varios conjuntos. Entre ellos se encontraban 4th Dimension, el saxofonista Julian Siegel, los pianistas Roger Rossignol y Oz Ezzeldin, los bateristas Vinnie Colaiuta, Jean Michel "Kiki" Aublette (que también tocaba el bajo) y Nicholas Viccaro, y los bajistas Sam Burgess y Jerome Regard. El Tiempo de Liberación de ocho pistas se lanzó en julio de 2021.
https://www.allmusic.com/artist/john-mclaughlin-mn0000223701#biography
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