Quartette Tres Bien • Our Thing

The Quartette Trés Bien was an American jazz combo based in St. Louis led by pianist Jeter Thompson. The group started to play around 1960 and began recording in the mid '60s. Jeter Thompson played with Jimmy Forrest, Oliver Nelson and Emmett Carter in his early years. The bassist of the group is Richard Simmons, the drummer Albert St. James who accompanied also Charlie Parker, Tab Smith and Jimmy Forrest. Percussionist Percy James added a Latin flavor to the quartette who played more than ten years, before splitting. Jeter Thompson is still active leading for a few years the Trio Tres Bien with brothers Harold Thompson (bass) and Howard Thompson (drums).

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El Quartette Trés Bien fue un combo de jazz estadounidense con sede en San Luis dirigido por el pianista Jeter Thompson. El grupo comenzó a tocar alrededor de 1960 y empezó a grabar a mediados de los años 60. Jeter Thompson tocó con Jimmy Forrest, Oliver Nelson y Emmett Carter en sus primeros años. El bajista del grupo es Richard Simmons, el baterista Albert St. James que acompañó también a Charlie Parker, Tab Smith y Jimmy Forrest. El percusionista Percy James añadió un sabor latino al cuarteto que tocó más de diez años, antes de separarse. Jeter Thompson sigue activo dirigiendo desde hace unos años el Trío Tres Bien con los hermanos Harold Thompson (bajo) y Howard Thompson (batería).

Jeremy Pelt • Talented Mr. Pelt

 

Jeremy Pelt has become one of the preeminent young trumpeters within the world of jazz. Forging a bond with the Mingus Big Band very early on, as his career progressed, Pelt built upon these relationships and many others which eventually lead to collaborations with some of the genre's greatest masters. These projects include performances and recordings with Cliff Barbaro, Keter Betts,
Pelt...maintains a consistent forward momentum.. while he transmits a modern-day sense of urgency with his songs. more »
Bobby "Blue" Bland, Ravi Coltrane, Frank Foster, Winard Harper, Jimmy Heath, Vincent Herring, John Hicks, Charli Persip, Ralph Peterson, Lonnie Plaxico, Bobby Short, Cedar Walton, Frank Wess, Nancy Wilson and The Skatalites, to name a few.

Pelt frequently performs alongside such notable ensembles as the Roy Hargrove Big Band, The Village Vanguard Orchestra and the Duke Ellington Big Band, and is a member of the Lewis Nash Septet and The Cannonball Adderley Legacy Band featuring Louis Hayes. As a leader, Pelt has recorded ten albums and has toured globally with his various ensembles, appearing at many major jazz festivals and concert venues.

Pelt's recordings and performances have earned him critical acclaim, both nationally and internationally. He has been featured in the Wall Street Journal by legendary jazz writer and producer, Nat Hentoff, and was voted Rising Star on the trumpet, five years in a row by Downbeat Magazine and the Jazz Journalist Association. Pelt is currently touring throughout the United States and Europe in support of his latest release, "Soundtrack".
http://jeremypelt.net/biography.html

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Jeremy Pelt se ha convertido en uno de los jóvenes trompetistas más destacados del mundo del jazz. Forjó un vínculo con la Mingus Big Band muy pronto y, a medida que avanzaba su carrera, Pelt fue consolidando estas relaciones y muchas otras que le llevaron a colaborar con algunos de los más grandes maestros del género. Estos proyectos incluyen actuaciones y grabaciones con Cliff Barbaro y Keter Betts,
Pelt... mantiene un constante impulso hacia adelante... al tiempo que transmite un sentido de urgencia actual con sus canciones. más "
Bobby "Blue" Bland, Ravi Coltrane, Frank Foster, Winard Harper, Jimmy Heath, Vincent Herring, John Hicks, Charli Persip, Ralph Peterson, Lonnie Plaxico, Bobby Short, Cedar Walton, Frank Wess, Nancy Wilson y The Skatalites, por nombrar algunos.

Pelt actúa con frecuencia junto a formaciones tan notables como la Roy Hargrove Big Band, The Village Vanguard Orchestra y la Duke Ellington Big Band, y es miembro del Lewis Nash Septet y The Cannonball Adderley Legacy Band con Louis Hayes. Como líder, Pelt ha grabado diez álbumes y ha realizado giras por todo el mundo con sus diversas formaciones, apareciendo en muchos de los principales festivales de jazz y salas de conciertos.

Las grabaciones y actuaciones de Pelt han sido aclamadas por la crítica nacional e internacional. Ha aparecido en el Wall Street Journal de la mano del legendario escritor y productor de jazz Nat Hentoff, y ha sido elegido Rising Star de la trompeta durante cinco años consecutivos por la revista Downbeat y la Jazz Journalist Association. Actualmente, Pelt está de gira por Estados Unidos y Europa en apoyo de su último disco, "Soundtrack".
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The Jazz Crusaders • Stretchin' Out

 

In 1961, four fellows from Houston transplanted themselves to Los Angeles and added more distinctly bluesy elements to the soul jazz style with an ear-grabbing album called “The Freedom Sound,” on the Pacific Jazz label. Its four co-leaders were trombonist Wayne Henderson, tenor saxophonist (and occasional bassist) Wilton Felder, pianist Joe Sample, and drummer Nesbert “Stix” Hooper.

They first joined together in Houston in the fifties with the formation of The Swingsters, the group’s embracing of many different musical styles starts where it normally does, at the beginning. “Because we came up on the streets and not in the studios,” says Felder, “our music was live. The Texas streets were rich with the blues of Lightnin’ Hopkins. We grew up on all the deep country sounds. At the same time, we had ears for modern jazz”Miles and Monk”and never saw a contradiction between the old and new.” It’s no surprise, then, that once in senior high, The Swingsters became The Modern Jazz Sextet, a group that continued through their college years at Texas Southern University. Before graduation, though, the call of the road was irresistible, and they were off to L.A.

Two years later, in 1960, the group was signed to Pacific Jazz Records and re-christened The Jazz Crusaders. Their trombone/sax frontline sound was unique, their bop chops impeccable. In a series of superlative albums, The Jazz Crusaders built a national reputation, surviving a decade in which the popularity of jazz was in extreme decline. On one hand, the British Invasion and Motown dominated the youth market; on the other, the jazz avant-garde alienated scores of fans.

The Jazz Crusaders sound caught on big time, and their subsequent Pacific Jazz albums rewarded them with a good deal of exposure. The band performed regularly and got plenty of airplay. But as times changed, so did the Jazz Crusaders. In the late Sixties, they placed popular songs in their repertoire, and firm backbeats began to bolster many a selection. By 1971, they decided that the word “jazz” kept them from attracting a wider listener base, and so they emerged anew with “The Crusaders, Vol. 1,” (Chisa), an album that openly infused jazz with pop, soul, and R&B elements.

If the Jazz Crusaders had achieved some degree of popularity, it was nothing like the crossover success that greeted the Crusaders. Such albums as “Scratch,” “Southern Comfort,” “Chain Reaction,” “Those Southern Knights,” “Free as the Wind,” “Images, Street Life,” and “Royal Jam” (recorded variously for the Chisa, ABC Blue Thumb, and MCA labels) sold well and brought in a deluge of new fans. Street Life’s title track, with Randy Crawford on vocals, provided the Crusaders with a major crossover hit in 1979.

The Crusaders’ popularity started to fade in the early Eighties, prompted by Henderson’s departure. Hooper then left as well, and by the early ‘90’s, Sample and Felder had disbanded the group.

A few years later, Henderson and Felder began performing together, first as the New Crusaders and then, as the Jazz Crusaders. Henderson was able to hold on to the name Jazz Crusaders and is still touring under that name.

They reunited after a 20-year absence, and in 2003, Verve Records released “Rural Renewal.” This record featured the heart of the original Crusaders lineup;Joe Sample on keys, Wilton Felder on saxophone, and Stix Hooper on drums, along with trombonist Steve Baxter, in Wayne Henderson’s former spot. Also on board was Stewart Levine, the producer credited for The Crusaders’ major successes in the 1960s and 1970s.

Henderson and Felder both went on to have solid solo careers both as performers and producers. Hooper likewise remained active though not as visible as the others.Joe Sample of course has gone on to become a first call pianist and has produced a score of fine albums as leader as well.

Even during the days of commercial success, the Crusaders had at their core a note of integrity. Though many will judge them for their latter more popular period, they are recognized by jazz aficionados for their work in the early ‘60’s as the Jazz Crusaders.

The young musicians performed their own mix of the sounds that came out of their culture and their experiences. It was only when they were signed to Pacific Jazz that they adopted the name that would remain unchanged for a decade.

From their first recordings, The Jazz Crusaders proved they sounded like no one else. They took as their foundation what Sample called the three pillars of African American music: jazz, blues and gospel. In fact, part of what makes The Jazz Crusaders' music through the decade of the 1960s so appealing is that their background and musical influences seemed to put them on a course of musical discovery, seeking ways to apply the art of self expression and improvisation to their own compositions and to a wide repertoire from the jazz and pop worlds.
https://musicians.allaboutjazz.com/jazzcrusaders

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 En 1961, cuatro compañeros de Houston se mudaron a Los Ángeles y añadieron elementos más distintivos de blues al estilo de jazz soul con un álbum que les llamó la atención, "The Freedom Sound", del sello Pacific Jazz. Sus cuatro co-líderes fueron el trombonista Wayne Henderson, el saxofonista tenor (y ocasional bajista) Wilton Felder, el pianista Joe Sample, y el baterista Nesbert "Stix" Hooper.

Se unieron por primera vez en Houston en los años 50 con la formación de The Swingsters, la adopción de muchos estilos musicales diferentes por parte del grupo comienza donde normalmente lo hace, al principio. "Porque llegamos a las calles y no a los estudios", dice Felder, "nuestra música era en vivo. Las calles de Texas eran ricas en el blues de Lightnin' Hopkins. Crecimos con todos los sonidos profundos del country. Al mismo tiempo, teníamos oídos para el jazz moderno "Miles y Monk" y nunca vimos una contradicción entre lo viejo y lo nuevo." No es sorprendente, entonces, que una vez en la secundaria, los Swingsters se convirtieran en el Sexteto de Jazz Moderno, un grupo que continuó durante sus años de universidad en la Universidad del Sur de Texas. Antes de la graduación, sin embargo, la llamada de la carretera era irresistible, y se fueron a Los Ángeles.

Dos años después, en 1960, el grupo firmó con Pacific Jazz Records y rebautizó The Jazz Crusaders.
Su sonido de primera línea de trombón y saxo era único, sus chuletas de bop impecables. En una serie de álbumes superlativos, The Jazz Crusaders construyeron una reputación nacional, sobreviviendo a una década en la que la popularidad del jazz estaba en extremo declive. Por un lado, la Invasión Británica y la Motown dominaron el mercado juvenil; por otro, la vanguardia del jazz enajenó a decenas de fanáticos.

El sonido de los Jazz Crusaders se hizo notar, y sus posteriores álbumes de Pacific Jazz los recompensaron con una buena dosis de exposición. La banda tocó regularmente y tuvo mucha difusión. Pero a medida que los tiempos cambiaban, también lo hacían los Jazz Crusaders. A finales de los sesenta, incluyeron canciones populares en su repertorio, y los firmes ritmos de fondo comenzaron a reforzar muchas de sus selecciones. En 1971, decidieron que la palabra "jazz" les impedía atraer a una base de oyentes más amplia, y así emergieron de nuevo con "The Crusaders, Vol. 1," (Chisa), un álbum que infundió abiertamente el jazz con elementos de pop, soul y R&B.

Si los Crusaders de Jazz habían alcanzado algún grado de popularidad, no era nada como el éxito del crossover que saludó a los Crusaders. Álbumes como "Scratch", "Southern Comfort", "Chain Reaction", "Those Southern Knights", "Free as the Wind", "Images, Street Life" y "Royal Jam" (grabados en varias ocasiones para los sellos Chisa, ABC Blue Thumb y MCA) se vendieron bien y atrajeron un diluvio de nuevos fans. El tema que da título a Street Life, con Randy Crawford a la voz, proporcionó a los Crusaders un gran éxito en 1979.

La popularidad de los Crusaders comenzó a desvanecerse a principios de los ochenta, impulsada por la salida de Henderson. Hooper también se fue, y a principios de los 90, Sample y Felder habían disuelto el grupo.

Unos años más tarde, Henderson y Felder comenzaron a actuar juntos, primero como los New Crusaders y luego como los Jazz Crusaders. Henderson pudo mantener el nombre de Jazz Crusaders y todavía está de gira bajo ese nombre.

Se reunieron después de una ausencia de 20 años, y en 2003, Verve Records lanzó "Rural Renewal". Este disco presentaba el corazón de la alineación original de los Crusaders; Joe Sample en las teclas, Wilton Felder en el saxofón, y Stix Hooper en la batería, junto con el trombonista Steve Baxter, en el antiguo lugar de Wayne Henderson. También estaba a bordo Stewart Levine, el productor acreditado por los grandes éxitos de Los Cruzados en los años 60 y 70.

Henderson y Felder tuvieron sólidas carreras como solistas, tanto como intérpretes como productores. Hooper también se mantuvo activo, aunque no tan visible como los demás. Joe Sample, por supuesto, se ha convertido en un pianista de primera llamada y ha producido una veintena de buenos álbumes como líder también.

Incluso durante los días de éxito comercial, los Cruzados tenían en su núcleo una nota de integridad. Aunque muchos los juzgarán por su último período más popular, son reconocidos por los aficionados al jazz por su trabajo a principios de los años 60 como los Cruzados del Jazz.

Los jóvenes músicos interpretaron su propia mezcla de los sonidos que salieron de su cultura y sus experiencias.
Sólo cuando firmaron con Pacific Jazz adoptaron el nombre que permanecería inalterado durante una década.

Desde sus primeras grabaciones, The Jazz Crusaders demostraron que sonaban como nadie más. Tomaron como base lo que Sample llamó los tres pilares de la música afroamericana: jazz, blues y gospel. De hecho, parte de lo que hace tan atractiva la música de The Jazz Crusaders a lo largo de la década de 1960 es que sus antecedentes e influencias musicales parecían ponerlos en un curso de descubrimiento musical, buscando formas de aplicar el arte de la autoexpresión y la improvisación a sus propias composiciones y a un amplio repertorio del mundo del jazz y del pop.
https://musicians.allaboutjazz.com/jazzcrusaders

Charlie Feathers & Mac Curtis • Rockabilly Kings

Charlie Feathers: Aunque en su momento no fue reconocido, como padre del rockabilly, hay que decir que fue compositor de gran parte de canciones que dieron fama a otros cantantes, entre ellos por ejemplo Elvis Presley.

Charlie Feathers fue sin duda muchas cosas para muchos fanáticos de la música rock y country. Para algunos, era un magnífico estilista de country que podía tomar casi cualquier pieza y estamparla con toda la fuerza de su personalidad. Para otros, fue uno de los grandes pioneros del rockabilly, allí en los albores de Sun Records. Y la obstinada insistencia de Feathers en combinar elementos de country, raw blues y bluegrass para crear su propia versión de la experiencia rockabilly lo convirtió en uno de los artistas más originales y perdurables del género.
Feathers nació cerca de Slayden, Misisipi. Después de trabajar en Illinois y Texas, Feathers se mudó a Memphis en 1950, trabajando para un fabricante de cajas hasta que una pelea con una meningitis espinal lo dejó hospitalizado. Alli escuchaba la radio a diario, y al salir decidido convertirse en cantante profesional. En 1954, Feathers se estaba abriendo camino en los confines del Servicio de Grabación de Memphis de Sam Phillips, con miras a conseguir algo lanzado en Sun Records. Grababa cuando y donde podía, ayudando con ideas de arreglos, incluso tocando cucharas en una sesión de Miller Sisters. Componiendo canciones para el guitarrista Stan Kesler, acabo compartiendo créditos con Elvis en el tema 'I Forgot to Remember to Forget'. Phillips decidió crear un sello local llamado Flip para probar nuevos artistas, y después de probar a Feathers y otros músicos y compositores de country como Bill Cantrell y Quinton Claunch, lanzó el primer sencillo de Charlie en ese sello, el clásico 'Peepin 'Eyes' junto a 'I've Been Deceived'. El disco hizo el suficiente ruido local para transferir a Feathers a Sun para un segundo sencillo, pero el artista tenia visiones más grandes.
Aunque Phillips lo veía como un excelente estilista de country, Feathers quería rockear y cortar sesiones de ese estilo. Cuando Phillips hizo oídos sordos a todo esto, la impaciencia de Feathers lo llevó a Memphis, a Meteor Records, donde enceró el clásico de rockabilly de dos caras 'Tongue-Tied Jill' y 'Get With It'. Este sencillo obtuvo suficiente aire en Memphis para concretar un trato con King Records, y es aquí donde la historia de Charlie Feathers como leyenda del rockabilly comienza en serio. La docena de temas que cortó como singles para King son las mejores pistas de rockabilly de los años 50, 'One Hand Loose', 'Bottle to the Baby', 'Everybody's Lovin 'My Baby' y 'I Can't Hardly Stand It'. Todos se convierten en clásicos del género. Cuando se agotó el contrato de King, Feathers continuó grabando singles de muy alta calidad musical, para una variedad de sellos de Memphis, mientras reproducía tercamente su música para cualquier público local que quisiera escuchar.
Cuando el renacimiento del rockabilly comenzó en Europa a principios de los 70, Feathers se convirtió en el primer artista vivo en ser alabado por los coleccionistas. Sus viejos 45s de repente valieron cientos de dólares, y todos los entrevistadores querían saber por qué nunca se hizo tan grande y en qué consistía su verdadera relación con Sun. Las plumas bordaron la historia con una vista distorsionada de la historia del rock & roll, pero una vez que tomó su guitarra y cantó, la verdad salió a relucir en su música. No importa por qué no regresó en los años 50. Todavía podía entregar la mercancía ahora. Con los problemas de salud que lo aquejaban de su diabetes y un pulmón extirpado quirúrgicamente, Feathers siguió su propio curso irascible, grabando su primer álbum para un sello importante en 1991 y continuando tocando y grabando para su amplia base de fanáticos europeos. Feathers murió el 29 de agosto de 1998, de complicaciones después de un derrame cerebral. Tenía 66 años.
http://www.historiasderock.com/charlie-feathers.html

 

Wesley Erwin "Mac" Curtis, Jr. (16 de enero de 1939 – 16 de septiembre de 2013). Nació en Fort Worth, Texas. Aprendió a tocar guitarra a los 12, ingresando a un concurso de talentos. Se mudó a Weatherford en 1954, donde formó una banda con dos compañeros de clase, Jim y Ken Galbraith. Tocaban en los eventos de la escuela, pero durante uno de ellos su espectáculo fur interrumpido por realizar movimientos con contenido sexual sobre el escenario.1​ El grupo siguió tocando localmente, y en 1955 les ofrecieron un trato con King Records, que lanzó su primer sencillo "If I Had Me a Woman".   
Más tarde Alan Freed escuchó al grupo y los invitó a tocar en su especial de radio de Navidad en 1956. Curtis volvió a Weatherford para completar su educación y se convirtió en disc jockey en Seúl, Corea luego de unirse a la milicia.1​ Al retornar en 1960, siguió trabajando como DJ en el sur de Estados Unidos y lanzó otros álbumes. El de 1968, The Sunshine Man, alcanzó la posición 35 en las listas de música country en el país.2​ Como en la década de 1970 el rockabilly se hizo popular, comenzó a grabar con Ray Campi y firmó para el sello de Ronnie Weiser, Rollin' Rock Records. Su carrera despegó en los 1980s y 1990s. Más tarde fue elegido para Salón de la Fama del Rockabilly. Murió el 16 de septiembre de 2013 debido a las heridas provocadas en un accidente de tránsito.

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Charlie Feathers was many things to many fans of rock and country music. To some, he was a superb country stylist who could take almost any piece of material and stamp it with the full force of his personality. To others, he was one of rockabilly's great pioneers, there at the dawn of Sun Records. And Feathers' stubborn insistence on combining elements of country, raw blues, and bluegrass to make his own version of the rockabilly experience showed him to be one of the genre's most original and enduring artists.

Feathers was born near Slayden, MS, with music all around the sharecropping community he grew up in. After day jobs in Illinois and Texas, Feathers moved to Memphis in 1950, working for a box manufacturer until a bout with spinal meningitis left him hospitalized. Listening to the radio there on a daily basis, he emerged from his stay determined to become a professional singer. By 1954, Feathers was working his way into the confines of Sam Phillips' Memphis Recording Service, with an eye toward getting something released on Sun Records. He filled in whenever and wherever he could, helping with arrangement ideas, even playing spoons on a Miller Sisters session. Demoing songs for steel guitarist Stan Kesler found him getting half credit on the Elvis Sun side "I Forgot to Remember to Forget." Phillips decided to start a local non-union label called Flip to test out new artists, and after pairing Feathers with country session songwriter-musicians Bill Cantrell and Quinton Claunch, released Charlie's first single on that label, the classic "Peepin' Eyes" coupled with "I've Been Deceived." The record kicked enough noise locally to get Feathers transferred to Sun for a second single, but the artist had bigger visions. Although Phillips saw him as "a superb country stylist," Feathers wanted to rock and cut many Sun demo sessions in that style. When Phillips turned a deaf ear to it all, Feathers' impatience led him to Memphis rival Meteor Records, where he waxed the two-sided rockabilly classic "Tongue-Tied Jill" and "Get With It." This single garnered enough Memphis airplay to cement him a deal with King Records, and it is here that the Charlie Feathers as rockabilly legend story begins in earnest. The dozen or so sides he cut as singles for King are the greatest '50s rockabilly tracks to escape the hegemony of the Sun studios, with "One Hand Loose," "Bottle to the Baby," "Everybody's Lovin' My Baby," and "I Can't Hardly Stand It" all becoming classics of the genre. Their territorial success got Feathers on numerous package tours and multiple appearances on Dallas' Big D Jamboree. When the King contract ran out, Feathers continued to record one-off singles of very high musical quality, for a variety of Memphis labels, while stubbornly playing his music for whatever local audience cared to listen.

When the rockabilly revival started up in Europe in the early '70s, Feathers became the first living artist up for deification by collectors. His old 45s suddenly became worth hundreds of dollars, and every interviewer wanted to know why he never really made it big and what his true involvement with Sun consisted of. Feathers embroidered the story with a skewed view of rock & roll history with each retelling, to be sure, but once he picked up his guitar and sang to reinforce his point, the truth came out in his music. Never mind why he didn't make it back in the '50s; he could still deliver the goods now.

With health problems plaguing him from his diabetes and a surgically removed lung, Feathers continued on his own irascible course, recording his first album for a major label in 1991 (Elektra's American Masters series) and continuing to perform and record for his wide European fan base. Truly an American music original, Feathers died August 29, 1998, of complications following a stroke; he was 66.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-feathers-mn0000207735/biographyA

 

Mac Curtis: Born in Fort Worth, Texas, Curtis began playing guitar at the age of 12, entering local talent competitions. He moved to Weatherford in 1954, and while there he formed a band with two classmates, Jim and Ken Galbraith. They played at school events, but during one of the events, their show was shut down due to sexually suggestive on-stage movements. Instead, the group played locally, and in 1955 they were offered a deal with King Records, who released their debut single, "If I Had Me a Woman". Soon after Alan Freed heard the group and invited them to play on his Christmas radio special in 1956. He returned to Weatherford to finish school in 1957, and then became a disc jockey in Seoul, Korea after joining the military. Upon his return in 1960, he continued work as a DJ in the South, and released a few albums; his 1968 release, The Sunshine Man, hit #35 on the U.S. Country albums chart. As rockabilly grew in popularity in the 1970s, he began recording with Ray Campi and signed to European label Rollin Rock; his career took off there in the 1980s and 1990s. He was later elected to the Rockabilly Hall of Fame

 

Llyod Glenn • After Hours

 

Biography by Bill Dahl
As an integral behind-the-scenes fixture on the L.A. postwar blues scene, pianist/arranger/A&R man Lloyd Glenn had few equals. His rolling ivories anchored many of Lowell Fulson's best waxings for Swing Time and Checker, and he scored his own major hits on Swing Time with the imaginative instrumentals "Old Time Shuffle Blues" in 1950 and "Chica Boo" the next year. Glenn was already an experienced musician when he left the Lone Star state for sunny California in 1942. His early sessions there included backing T-Bone Walker at the 1947 Capitol date that produced the guitarist's immortal "Call It Stormy Monday." Glenn recorded for the first time under his own name the same year for Imperial with his band, the Joymakers, which included guitarist Gene Phillips, saxist Marshall Royal, and singer Geraldine Carter.

Massively constructed guitarist Tiny Webb introduced Glenn to Swing Time owner Jack Lauderdale in 1949, inaugurating Glenn's five-year stint as A&R man at the firm. After Swing Time's demise, the pianist moved to Aladdin Records, issuing more catchy instrumentals for Eddie Mesner's firm through 1959. There was also an isolated session for Imperial in 1962 that produced "Twistville" and "Young Date." The pianist remained active into the '80s, often touring as Big Joe Turner's accompanist.
https://www.allmusic.com/artist/lloyd-glenn-mn0000276243/biography

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Biografía de Bill Dahl
El pianista/arreglista/representante Lloyd Glenn fue un elemento fundamental de la escena del blues de posguerra en Los Ángeles, y tuvo pocos iguales. Sus marfiles rodantes anclaron muchos de los mejores enceres de Lowell Fulson para Swing Time y Checker, y consiguió sus propios éxitos importantes en Swing Time con los imaginativos instrumentales "Old Time Shuffle Blues" en 1950 y "Chica Boo" al año siguiente. Glenn ya era un músico experimentado cuando dejó el estado de la Estrella Solitaria para ir a la soleada California en 1942. Sus primeras sesiones allí incluyeron el respaldo a T-Bone Walker en la fecha de Capitol de 1947 que produjo el inmortal "Call It Stormy Monday" del guitarrista. Glenn grabó por primera vez con su propio nombre ese mismo año para Imperial con su banda, los Joymakers, que incluía al guitarrista Gene Phillips, al saxofonista Marshall Royal y a la cantante Geraldine Carter.

El guitarrista Tiny Webb presentó a Glenn al propietario de Swing Time, Jack Lauderdale, en 1949, inaugurando la etapa de cinco años de Glenn como hombre de A&R en la empresa. Tras la desaparición de Swing Time, el pianista se trasladó a Aladdin Records, donde publicó más instrumentales pegadizos para la empresa de Eddie Mesner hasta 1959. También hubo una sesión aislada para Imperial en 1962 que produjo "Twistville" y "Young Date". El pianista permaneció activo hasta los años 80, a menudo de gira como acompañante de Big Joe Turner.
https://www.allmusic.com/artist/lloyd-glenn-mn0000276243/biography