Chico Hamilton • Man From Two Worlds

 

 

Brian Setzer Orchestra • Best Of The Big Band

 

 

Biography by Stephen Thomas Erlewine
Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and styles back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice: first as the leader of the Stray Cats, the trio who brought rockabilly back into the charts during the '80s, and then as a figure who helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s, which is when rockabilly was born, but it was also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, such as Louis Prima and Big Joe Turner. While the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had. Though Setzer's first solo effort, 1986's The Knife Feels Like Justice, was a heartland rock album, his big step forward came with 1994's The Brian Setzer Orchestra, where his rockabilly/swing fusion first took hold, and with 1998's The Dirty Boogie, he took that sound to the pop charts. His work with the Orchestra and the occasional holiday-themed release dominated his solo career, but he took detours back to rockabilly, most notably on 2005's Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records and 2021's Gotta Have the Rumble. 2023's The Devil Always Collects was recorded with a trio.

While the heroes of rockabilly's golden era -- Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis, and Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard, but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter was also a bandmate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.

Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," the record was a hit; its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."

Success came to the Stray Cats, but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats' fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Another reunion with the Stray Cats followed, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; they then returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final album recorded with their original producer, Dave Edmunds.

This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200, and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal releases in his discography) to swinging covers of classical compositions (2007's Wolfgang's Big Night Out), most issued on SurfDog Records. 2004's The Ultimate Collection: Recorded Live was a solid document of this period; a two-album set, the first disc featured a show in Montreal from one of the Setzer Orchestra's early tours, while the second preserved a show in Japan after the band's commercial breakthrough, previously issued on its own in 2001 as Jumpin' East of Java: Live in Japan.

At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Another holiday album, Rockin' Rudolph, showed up in time for the Christmas season of 2015. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November 2017. In 2020, The Ultimate Collection: Recorded Live set from 2004 got a vinyl reissue in the form of two double-LP sets, with The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 featuring the Montreal concert and The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 2 containing the Japanese show. In 2021, Setzer issued his first solo outing in seven years, the rollicking, yet reflective Gotta Have the Rumble.

He returned to the studio with co-producer Julian Raymond, mixing engineer Chris Lord-Alge, and a cast of sidemen; he emerged with The Devil Always Collects. Released in September 2023, it showcased originals and covers, evidenced by lead single "Girl on the Billboard," a mid-'60s trucker's anthem closely associated with Del Reeves. Following its release, Setzer undertook the Rockabilly Riot Tour with an international trio that included bassist Australian bassist Chris D’Rozario and drummer Juan Laurios from Mexico City.
https://www.allmusic.com/artist/brian-setzer-mn0000519637#biography

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
Cada década tiene su propia locura retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y estilos clásicos. Brian Setzer interpretó este truco no solo una vez, sino dos veces: primero como líder de The Stray Cats, el trío que devolvió el rockabilly a las listas de éxitos durante los años 80, y luego como una figura que ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los 90 con la Orquesta de Brian Setzer. Ambos sonidos se basaron en los años 50, que es cuando nació el rockabilly, pero también fue el apogeo del tipo de jump blues que amaba Setzer, como Louis Prima y Big Joe Turner. Mientras que The Stray Cats eran puristas, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, como solista, Setzer terminó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo oscilante. Con este sonido de salto, cultivó seguidores leales, que consistían en no pocos discípulos de los últimos días, que se extendieron hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la carrera exitosa y de larga duración que muchos de sus ídolos nunca tuvieron. Aunque el primer esfuerzo en solitario de Setzer, The Knife Feels Like Justice de 1986, fue un álbum de rock del corazón, su gran paso adelante llegó con The Brian Setzer Orchestra de 1994, donde su fusión de rockabilly/swing se afianzó por primera vez, y con The Dirty Boogie de 1998, llevó ese sonido a las listas de éxitos. Su trabajo con la Orquesta y el lanzamiento ocasional de temas navideños dominaron su carrera en solitario, pero volvió al rockabilly, sobre todo en Rockabilly Riot, Vol. 1: Un tributo a Sun Records y Gotta Have the Rumble de 2021. The Devil Always Collects de 2023 fue grabado con un trío.

Mientras que los héroes de la era dorada del rockabilly, Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis y Carl Perkins, ocupan un lugar destacado en la obra de Setzer, cuando era niño y crecía en Long Island, inicialmente se enamoró del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el bombardino y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que lo llevó por el camino del rockabilly. Cogiendo una guitarra, formó The Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, este último también fue compañero de banda de Brian en the Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su enamoramiento por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que se convirtieron en Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom ingresaron a la formación a fines de 1979.

Sintiendo que Estados Unidos no estaba listo para su rock & roll, The Stray Cats partieron hacia Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. En unos pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds, quien casualmente apareció en la película de 1973 That'll be the Day, tocando en una banda llamada Stray Cats, y los tomó bajo su protección, produciendo su debut homónimo de 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", el disco fue un éxito; a su secuela de 1982, Gonna Ball, no le fue tan bien, pero los aspectos más destacados de los dos LP fueron seleccionados para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos antes mencionados, que recibieron una gran difusión en MTV, Built for Speed convirtió a The Stray Cats en estrellas en los EE. UU., allanando el camino para Rant n Rave with the Stray Cats de 1983, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17 "y uno menor en la forma de" I Won't Stand in Your Way."

El éxito llegó a The Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como acompañante de una variedad de rockeros, sobre todo tocando en la banda de viejos de Robert Plant, The Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás casualmente, Setzer regresó al redil de Stray Cats ese año para Rock Therapy, una reunión que tampoco logró impulsar las ventas. El siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Siguió otra reunión con The Stray Cats, que duró tres álbumes durante cuatro años. ¡Primero fue Blast Off de 1989!, que apoyaron con una gira como teloneros de Stevie Ray Vaughan, pero el récord no superó los 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Sin desanimarse, se unieron a Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster!, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para Choo Choo Hot Fish de 1992, un último álbum grabado con su productor original, Dave Edmunds.

Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Orquesta de Brian Setzer, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut homónimo apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, alcanzando el puesto 158; luego, la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco no llegó a las listas, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un gran éxito gracias a una versión exitosa de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima."El sencillo alcanzó su punto máximo en 23 y el récord llegó hasta nueve en el Billboard 200, y si Setzer nunca volvió a escalar esas alturas the ¡el seguimiento de 2000, Vavoom!, llegó a 62 -- sin embargo, encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big band oscilantes en el nuevo milenio, que van desde una serie de álbumes navideños (hay al menos cinco lanzamientos estacionales en su discografía) hasta versiones oscilantes de composiciones clásicas (Wolfgang's Big Night Out de 2007), la mayoría publicados en SurfDog Records. The Ultimate Collection: Recorded Live de 2004 fue un documento sólido de este período; un set de dos álbumes, el primer disco presentó un espectáculo en Montreal de una de las primeras giras de la Orquesta Setzer, mientras que el segundo conservó un espectáculo en Japón después del gran avance comercial de la banda, publicado previamente por su cuenta en 2001 como Jumpin' East of Java: Live in Japan.

A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con Nitro Burnin' Funny Daddy, de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: ¡Un tributo a Sun Records en 2005, y que se extiende a Rockabilly Riot de 2014! Todo Original. Otro álbum navideño, Rockin ' Rudolph, apareció a tiempo para la temporada navideña de 2015. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Orquesta Brian Setzer con el lanzamiento de 25 Live!, una tienda de discos de edición limitada El Día 45 de "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock", en noviembre de 2017. En 2020, The Ultimate Collection: Set grabado en vivo de 2004 recibió una reedición en vinilo en forma de dos sets de doble LP, con The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 presentando el concierto de Montreal y The Ultimate Collection Grabado en Vivo, Vol. 2 que contiene el espectáculo japonés. En 2021, Setzer emitió su primera salida en solitario en siete años, el alegre, pero reflexivo Gotta Have the Rumble.

Regresó al estudio con el coproductor Julian Raymond, el ingeniero de mezcla Chris Lord-Alge y un elenco de acompañantes; surgió con The Devil Always Collects. Lanzado en septiembre de 2023, mostró originales y versiones, evidenciado por el sencillo principal "Girl on the Billboard", un himno de camioneros de mediados de los 60 estrechamente asociado con Del Reeves. Tras su lanzamiento, Setzer emprendió la gira Rockabilly Riot con un trío internacional que incluía al bajista australiano Chris D'Rozario y al baterista Juan Laurios de la Ciudad de México.
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Paul Bley • Paul Bley

 

"Since the Montreal-born, long-US resident Bley's 50's debut with Mingus and Blakey, he's worked with more first-rate, wide ranging original musical minds than anyone but Miles..." —Howard Mandel, Downbeat, April 1995

Bley gave violin recitals at age five. By age seven he was studying piano. He went through numerous classical teachers—including one Frenchman that had him play, balancing filled water glasses on the tops of his hands. At age 11 he graduated from the McGill Conservatory—having taken on their musical curriculum in addition to his public school education. Bley, who was known as "Buzzy" in his early adolescence, formed a band and played clubs and summer hotel jobs in the Laurentian Mountains at age 13. Four years later he replaced Oscar Peterson at the Alberta Lounge. Bley founded the Montreal Jazz Workshop and brought Charlie Parker, Sonny Rollins, Brew Moore and Alan Eager to Montreal inorder to perform with them.

In 1950 Bley left for New York City. He studied at the Julliard School of Music from 1950-54. While at Julliard, Bley had a band with Jackie MacLean, Donald Byrd, Arthur Taylor, Doug Watkins. In this period he toured with Lester Young, Ben Webster, Roy Eldridge and Bill Harris. He was a frequent visitor at the famed Saturday night sessions at Lenny Tristano's studio. Bley served as president of the Associated Jazz Societies of New York in 1952, which led to Charlie Mingus hiring Bley to conduct his ensemble. Mingus also recorded Bley's debut album, along with himself and Art Blakey, on his label, Debut Records.

In 1957, Bley went to California where his bands included: Ornette Coleman, Don Cherry, Charlie Haden, Billy Higgens, Bobby Hutchinson, Scotty LaFaro, Lawrence Marable, and Dave Pike. In 1959 Bley returned to New York, where he played with Roland Kirk, Oliver Nelson, and Jimmy Giuffre at the Five Spot Cafe. This group evolved into the Jimmy Giuffre 3, including Bley and Steve Swallow, which brought Bley to Europe for the first time in 1961. They recorded for Verve and CBS.

In 1963 Bley and Herbie Hancock were invited to play with the bands of Miles Davis and Sonny Rollins, who were performing on a double bill on a Monday night at Birdland. Both pianists were offered both jobs. Hancock gave Bley first choice. Bley chose to join the Rollins quartet for a year to record and go to tour Japan. Bley's own trio with Gary Peacock and Paul Motian of the 1960's became the standard by which other trios would be measured.

In 1964, Bill Dixon invited Bley to become a member of the Jazz Composer's Guild, which included: Archie Shepp, Sonny Rollins, John Tchicai, Roswell Rudd, Carla Bley, Mike Mantle, Cecil Taylor, and Burton Greene. By 1968 Bley was working with audio synthesis. He gave the first live performance to date on synthesizer at Philarmonic Hall in New York City. He released several synthesizer albums recorded on the original Arp 2500.

In 1972, Bley made his first solo piano recording for ECM records. In 1973 Bley met video artist, Carol Goss, and together they created Improvising Artists (IAI). In 1978 a Billboard Magazine cover story credited IAI for creating the first "music video", as a result of the recorded and live performance collaborations it produced between jazz musicians and video artists.

Bley continued his work with electric quartets. In 1974, IAI brought Jaco Pastorious to New York for his debut recording. Mysteriously, these sessions, produced Pat Metheney's debut recording as well. Though Metheney had never been hired to play with the band, he sat in at a gig prior to the recording date and then stayed with Bley's quartet, which also included drummer, Bruce Ditmas.

Bley has released close to 100 CD's. Some of the artists he's recorded with include: Ben Webster, Lester Young, Charlie Parker, Sonny Rollins, Jimmy Giuffre, John Scofield, John Abercrombie, Bill Frisell, Chet Baker, Bill Connors, Steve Swallow, Gary Peacock, Jaco Pastorius, Pat Metheny, Red Mitchell, Marc Johnson, Niels Henning Orsted Pedersen, Arild Andersen, Kent Carter, Barre Phillips, Paul Motian, Barry Altschul, Han Benninck, Billy Hart, Tony Oxley, Bruce Ditmas, Cecil McBee, Gary Burton, Marion Brown, Jane Bunnet, Hans Koch, John Surman, John Gilmore, Evan Parker, Lee Konitz, Sam Rivers, Herbie Spanier, and Bill Evans.

In 1994 Bley received 5 stars from Downbeat for a solo synthesizer album recorded for Postcards Records and toured with Giuffre and Swallow. Bley tour Europe, Japan and North America as a solist and with duos and trios.

In 1998 the American Physical Society contacted Bley and asked if they could publish his photo in the Century of Physics Time Line Wall Char and Web Site. They said that he is the only musician to be included with a century of Noble Prize winners in physics because of his innovations in adapting the audio synthesizer for the first live performance, which Bley gave at Philarmonic Hall on December 26, 1969. The 22 foot APS Time Line wall chart will be printed and distributed to every physics classroom in the USA and will appear on the internet at the end of March 1999. The American Physical Society's website for the Time Line.

An exhaustive discography, over 220 pages long, of Bleys released and unreleased recordings is available from Henk Gluck.

In 1998 a one hour long biographical television program was made for BRAVO! and ARTE and an autobiographical book, entitled STOPPING TIME: Paul Bley and the Transformation of Jazz, was published in the autumn of 1999 by Vehicule Press.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-bley/

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«Desde que Bley, nacido en Montreal y residente en EE.UU. desde hace mucho tiempo, debutó en los años 50 con Mingus y Blakey, ha trabajado con más mentes musicales originales de primer orden y amplio espectro que nadie excepto Miles...» -Howard Mandel, Downbeat, abril de 1995

Bley dio recitales de violín a los cinco años. A los siete ya estudiaba piano. Pasó por numerosos profesores de música clásica, entre ellos un francés que le hacía tocar equilibrando vasos de agua llenos en la parte superior de las manos. A los 11 años se graduó en el Conservatorio McGill, donde había cursado estudios musicales además de los de la escuela pública. Bley, conocido como «Buzzy» en su adolescencia temprana, formó una banda y tocó en clubes y hoteles de verano en las montañas Laurentian a los 13 años. Cuatro años más tarde sustituyó a Oscar Peterson en el Alberta Lounge. Bley fundó el Montreal Jazz Workshop y llevó a Charlie Parker, Sonny Rollins, Brew Moore y Alan Eager a Montreal para que actuaran con ellos.

En 1950, Bley se marchó a Nueva York. Estudió en la Julliard School of Music entre 1950 y 1954. Durante su estancia en Julliard, Bley formó grupo con Jackie MacLean, Donald Byrd, Arthur Taylor y Doug Watkins. En este periodo realizó giras con Lester Young, Ben Webster, Roy Eldridge y Bill Harris. Acudía con frecuencia a las famosas sesiones de los sábados por la noche en el estudio de Lenny Tristano. Bley fue presidente de la Associated Jazz Societies de Nueva York en 1952, lo que llevó a Charlie Mingus a contratar a Bley para dirigir su conjunto. Mingus también grabó el álbum debut de Bley, junto con él mismo y Art Blakey, en su sello, Debut Records.

En 1957, Bley se marchó a California, donde sus grupos incluían a: Ornette Coleman, Don Cherry, Charlie Haden, Billy Higgens, Bobby Hutchinson, Scotty LaFaro, Lawrence Marable y Dave Pike. En 1959 Bley regresó a Nueva York, donde tocó con Roland Kirk, Oliver Nelson y Jimmy Giuffre en el Five Spot Cafe. Este grupo evolucionó hasta convertirse en Jimmy Giuffre 3, que incluía a Bley y Steve Swallow, y que llevó a Bley a Europa por primera vez en 1961. Grabaron para Verve y CBS.

En 1963, Bley y Herbie Hancock fueron invitados a tocar con las bandas de Miles Davis y Sonny Rollins, que actuaban en un programa doble un lunes por la noche en Birdland. A ambos pianistas les ofrecieron los dos trabajos. Hancock dio a Bley la primera opción. Bley eligió unirse al cuarteto de Rollins durante un año para grabar e ir de gira por Japón. El propio trío de Bley con Gary Peacock y Paul Motian de la década de 1960 se convirtió en el estándar por el que se medirían otros tríos.

En 1964, Bill Dixon invitó a Bley a formar parte del Jazz Composer's Guild, del que formaban parte: Archie Shepp, Sonny Rollins, John Tchicai, Roswell Rudd, Carla Bley, Mike Mantle, Cecil Taylor y Burton Greene. En 1968, Bley ya trabajaba con síntesis de audio. Realizó la primera actuación en directo con sintetizador hasta la fecha en el Philarmonic Hall de Nueva York. Publicó varios álbumes de sintetizadores grabados con el Arp 2500 original.

En 1972, Bley realizó su primera grabación de piano solo para ECM records. En 1973, Bley conoció a la videoartista Carol Goss y juntos crearon Improvising Artists (IAI). En 1978, una portada de la revista Billboard atribuyó a IAI la creación del primer «vídeo musical», como resultado de las colaboraciones grabadas y en directo que produjo entre músicos de jazz y videoartistas.

Bley continuó su trabajo con cuartetos eléctricos. En 1974, el IAI llevó a Jaco Pastorious a Nueva York para su primera grabación. Misteriosamente, estas sesiones produjeron también la grabación de debut de Pat Metheney. Aunque Metheney nunca había sido contratado para tocar con la banda, se sentó en un concierto antes de la fecha de grabación y luego se quedó con el cuarteto de Bley, que también incluía al batería Bruce Ditmas.

Bley ha publicado cerca de 100 CD. Algunos de los artistas con los que ha grabado son: Ben Webster, Lester Young, Charlie Parker, Sonny Rollins, Jimmy Giuffre, John Scofield, John Abercrombie, Bill Frisell, Chet Baker, Bill Connors, Steve Swallow, Gary Peacock, Jaco Pastorius, Pat Metheny, Red Mitchell, Marc Johnson, Niels Henning Orsted Pedersen, Arild Andersen, Kent Carter, Barre Phillips, Paul Motian, Barry Altschul, Han Benninck, Billy Hart, Tony Oxley, Bruce Ditmas, Cecil McBee, Gary Burton, Marion Brown, Jane Bunnet, Hans Koch, John Surman, John Gilmore, Evan Parker, Lee Konitz, Sam Rivers, Herbie Spanier y Bill Evans.

En 1994 Bley recibió 5 estrellas de Downbeat por un álbum en solitario con sintetizador grabado para Postcards Records y realizó una gira con Giuffre y Swallow. Bley realiza giras por Europa, Japón y Norteamérica como solista y con dúos y tríos.


En 1998, la American Physical Society se puso en contacto con Bley y le preguntó si podían publicar su foto en el Century of Physics Time Line Wall Char y en la página web. Dijeron que era el único músico incluido en un siglo de premios Nobel de Física por sus innovaciones en la adaptación del sintetizador de audio para la primera actuación en directo, que Bley ofreció en el Philarmonic Hall el 26 de diciembre de 1969. El gráfico mural de 22 pies de la Línea del Tiempo de la APS se imprimirá y distribuirá a todas las aulas de física de EE.UU. y aparecerá en Internet a finales de marzo de 1999. Página web de la American Physical Society para la Línea del Tiempo.

Henk Gluck ofrece una discografía exhaustiva, de más de 220 páginas, de grabaciones publicadas e inéditas de Bleys.

En 1998 se realizó un programa de televisión biográfico de una hora de duración para BRAVO! y ARTE y un libro autobiográfico, titulado STOPPING TIME: Paul Bley and the Transformation of Jazz, fue publicado en otoño de 1999 por Vehicule Press.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-bley/

Mose Allison • I've Been Doin' Some Thinkin

 

Review by Eugene Chadbourne
Three years had gone by between this release and the previous Mose Allison outing on Atlantic, perhaps giving the artist time to concoct some of the really tasty lyrics he came up with. The opening track, "Just Like Livin'," alternates between absurd satire and to-the-point cynicism in a way that is completely unique to Allison, although many other artists have tried to imitate it. How many songwriters can sum up life in less than two minutes, after all? There are many other highlights as well, including the memorable structure of "City Home" and a rococo reworking of "You Are My Sunshine" that might cause a riot at a wedding if played as a request. A peak perhaps not only of this album but the entire Allison career is the ballad "Everybody's Cryin' Mercy," as powerful an indictment of hypocrisy as has ever been recorded. Bassist Red Mitchell is on hand with his fat but easy to digest sound, and he seems to prompt Allison to play aggressively. Some of the piano solos sound like they were rendered with various martial arts techniques.
https://www.allmusic.com/album/ive-been-doin-some-thinkin-mw0000225317

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Reseña de Eugene Chadbourne
Han pasado tres años entre este lanzamiento y el anterior de Mose Allison en Atlantic, lo que tal vez haya dado tiempo al artista a elaborar algunas de las letras realmente sabrosas que se le ocurrieron. La canción que abre el disco, "Just Like Livin'", alterna entre la sátira absurda y el cinismo a ultranza de una forma que es completamente exclusiva de Allison, aunque muchos otros artistas hayan intentado imitarla. Después de todo, ¿cuántos compositores pueden resumir la vida en menos de dos minutos? También hay muchos otros momentos destacados, como la memorable estructura de "City Home" y una rococó reelaboración de "You Are My Sunshine" que podría provocar un motín en una boda si se tocara como petición. Un punto álgido quizás no sólo de este álbum sino de toda la carrera de Allison es la balada "Everybody's Cryin' Mercy", una acusación tan poderosa contra la hipocresía como jamás se ha grabado. El bajista Red Mitchell está presente con su sonido gordo pero fácil de digerir, y parece incitar a Allison a tocar agresivamente. Algunos de los solos de piano suenan como si hubieran sido ejecutados con diversas técnicas de artes marciales.
https://www.allmusic.com/album/ive-been-doin-some-thinkin-mw0000225317

moseallison.com ...

Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars • Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars Vol 3