Maynard Ferguson • Message From Maynard

 

Review
by Scott Yanow
The 1962 Maynard Ferguson Orchestra performs five Don Menza arrangements/compositions, plus two by Don Rader and one apiece from Mike Abene and Don Sebesky on this well-rounded LP. None of the originals caught on, but there are plenty of fine solos from the leader/trumpeter, Menza on tenor, altoist Lanny Morgan and pianist Abene; plus, the rhythm section is really pushed by drummer Rufus Jones.
https://www.allmusic.com/album/message-from-maynard-mw0000877636?1635522922979


Biography
by Scott Yanow
When he debuted with Stan Kenton's Orchestra in 1950, Maynard Ferguson could play higher than any other trumpeter up to that point in jazz history, and he was accurate. Somehow he kept most of that range through his career and since the 1970s has been one of the most famous musicians in jazz. Never known for his exquisite taste (some of his more commercial efforts are unlistenable), Ferguson nevertheless led some important bands and definitely made an impact with his trumpet playing.

After heading his own big band in Montreal, Ferguson came to the United States in 1949 with hopes of joining Kenton's orchestra, but that ensemble had just recently broke up. So instead, Ferguson gained experience playing with the big bands of Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey, and Charlie Barnet. In 1950, with the formation of Kenton's Innovations Orchestra, Ferguson became a star, playing ridiculous high notes with ease. In 1953, he left Kenton to work in the studios of Los Angeles and three years later led the all-star "Birdland Dreamband." In 1957, he put together a regular big band that lasted until 1965, recorded regularly for Roulette (all of the band's recordings with that label are on a massive Mosaic box set) and performed some of the finest music of Ferguson's career. Such players as Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry, and Don Menza were among the more notable sidemen.

After economics forced him to give up the impressive band, Ferguson had a few years in which he was only semi-active in music, spending time in India and eventually forming a new band in England. After moving back to the U.S., Ferguson in 1974 drifted quickly into commercialism. Young trumpeters in high school and colleges were amazed by his high notes, but jazz fans were dismayed by the tasteless recordings that resulted in hit versions of such songs as the themes from Star Wars and Rocky and much worse. After cutting back on his huge orchestra in the early '80s, Ferguson recorded some bop in a 1983 session, led a funk band called High Voltage during 1987-1988, and then returned to jazz with his "Big Bop Nouveau Band," a medium-sized outfit with which he toured the world up until his death from kidney and liver failure on August 23, 2006.
https://www.allmusic.com/artist/maynard-ferguson-mn0000397042/biography

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Revisión
por Scott Yanow
La Maynard Ferguson Orchestra de 1962 interpreta cinco arreglos/composiciones de Don Menza, además de dos de Don Rader y uno de Mike Abene y Don Sebesky en este completo LP. Ninguno de los originales se ha hecho popular, pero hay un montón de buenos solos del líder/trompetista, Menza en el tenor, el contralto Lanny Morgan y el pianista Abene; además, la sección rítmica es realmente impulsada por el baterista Rufus Jones.
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Biografía
por Scott Yanow
Cuando debutó con la Orquesta de Stan Kenton en 1950, Maynard Ferguson podía tocar más alto que cualquier otro trompetista hasta ese momento en la historia del jazz, y era preciso. De alguna manera, conservó la mayor parte de ese rango a lo largo de su carrera y desde la década de 1970 ha sido uno de los músicos más famosos del jazz. Aunque nunca se le conoció por su exquisito gusto (algunos de sus trabajos más comerciales son imposibles de escuchar), Ferguson dirigió algunas bandas importantes y sin duda causó un gran impacto con su forma de tocar la trompeta.

Tras dirigir su propia big band en Montreal, Ferguson llegó a Estados Unidos en 1949 con la esperanza de unirse a la orquesta de Kenton, pero ese conjunto se había disuelto recientemente. En su lugar, Ferguson adquirió experiencia tocando con las grandes bandas de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey y Charlie Barnet. En 1950, con la formación de la Kenton's Innovations Orchestra, Ferguson se convirtió en una estrella, tocando ridículas notas altas con facilidad. En 1953, dejó a Kenton para trabajar en los estudios de Los Ángeles y, tres años más tarde, dirigió la "Birdland Dreamamband" de estrellas. En 1957, formó una big band regular que duró hasta 1965, grabó regularmente para Roulette (todas las grabaciones de la banda con ese sello están en una enorme caja de Mosaic) e interpretó algunas de las mejores músicas de la carrera de Ferguson. Entre los acompañantes más destacados se encontraban Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry y Don Menza.

Después de que la economía le obligara a dejar la impresionante banda, Ferguson pasó unos años en los que sólo estuvo semiactivo en la música, pasando un tiempo en la India y formando finalmente una nueva banda en Inglaterra. Tras regresar a Estados Unidos, en 1974 Ferguson derivó rápidamente hacia el comercialismo. Los jóvenes trompetistas de los institutos y las universidades se quedaban asombrados por sus notas altas, pero los aficionados al jazz estaban consternados por las grabaciones de mal gusto que dieron lugar a versiones de éxito de canciones como los temas de La guerra de las galaxias y Rocky y otras mucho peores. Tras reducir su enorme orquesta a principios de los 80, Ferguson grabó algo de bop en una sesión de 1983, dirigió una banda de funk llamada High Voltage durante 1987-1988 y luego volvió al jazz con su "Big Bop Nouveau Band", un conjunto de tamaño medio con el que recorrió el mundo hasta su muerte por insuficiencia renal y hepática el 23 de agosto de 2006.
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Stan Getz • Bossas And Ballads

VA • Jazz Fusion Giants

George Benson, Kenny Burrell, Wayne Shorter, Return To Forever, Eumir Deodato, Stanley Turrentine, John McLaughlin.

 

Didier Lockwood • Open Doors

Didier Lockwood (born February 11, 1956) is a French jazz violinist.

He was born in Calais and studied classical violin and composition at the Calais Conservatory. However, his brother Francis made him receptive to forms of music other than the classical and he quit his studies in 1972. Didier was entranced by the improvisation of Jean-Luc Ponty on Frank Zappa's King Kong album and took up the amplified violin. He joined the progressive rock group Magma, touring and notable featured on their 1975 Live/Hhaï album. Lockwood was also influenced by Polish violinist Zbigniew Seifert and Stéphane Grappelli, whom he joined on tour.

Didier Lockwood in concert (1992)He has also played with Quebecois fusion group Uzeb on their Absolutely Live album.

He is famous for exploring new musical environments and for performing various sound imitations on his amplified violin, such as seagulls or trains.

On July 23, 1982, in Montreux, Switzerland, he performed in concert with guitarist Allan Holdsworth, drummer Billy Cobham, bassist/vocalist Jack Bruce, and keyboardist David Sancious.

Didier Lockwood created a string instruments improvisation school, CMDL (Centre des Musiques Didier Lockwood), in 2001.

He is married to singer Caroline Casadesus

Throughout 2006 Didier has been touring with Martin Taylor the Jazz guitarist. In these performances it is noticeable to see that he is very involved in improvisation.

https://musicians.allaboutjazz.com/didierlockwood

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Didier Lockwood (nacido el 11 de febrero de 1956) es un violinista de jazz francés.

Nacido en Calais, estudió violín clásico y composición en el Conservatorio de Calais. Sin embargo, su hermano Francis lo hizo receptivo a otras formas de música aparte de la clásica y dejó sus estudios en 1972. Didier quedó encantado con la improvisación de Jean-Luc Ponty en el álbum de Frank Zappa King Kong y tomó el violín amplificado. Se unió al grupo de rock progresivo Magma, realizando giras y apareciendo en su álbum Live/Hhaï de 1975. Lockwood también fue influenciado por el violinista polaco Zbigniew Seifert y Stéphane Grappelli, a quienes se unió en una gira.

Didier Lockwood en concierto (1992) También ha tocado con el grupo de fusión Quebecois Uzeb en su álbum Absolutely Live.

Es famoso por explorar nuevos entornos musicales y por realizar varias imitaciones de sonido en su violín amplificado, como gaviotas o trenes.

El 23 de julio de 1982, en Montreux, Suiza, tocó en concierto con el guitarrista Allan Holdsworth, el baterista Billy Cobham, el bajista/vocalista Jack Bruce y el tecladista David Sancious.

Didier Lockwood creó una escuela de improvisación de instrumentos de cuerda, CMDL (Centre des Musiques Didier Lockwood), en 2001.

Está casado con la cantante Caroline Casadesus.

A lo largo de 2006 Didier ha estado de gira con Martin Taylor, el guitarrista de Jazz. En estas actuaciones se nota que está muy involucrado en la improvisación.

https://musicians.allaboutjazz.com/didierlockwood

J.B. Lenoir • Alabama Blues

Nunca regresaré a Alabama, ese no es lugar para mí,

Nunca regresaré a Alabama, ese no es lugar para mí,

Sabes, ellos asesinaron a mi hermana y a mi hermano

Y allá el mundo entero permitió a esa gente salir impune

 J.B Lenoir, “Alabama Blues”

En las décadas de 1950 y de 1960 se desarrolló en Estados Unidos el Movimiento de los Derechos Civiles que reivindicaba, entre otras cosas, el fin de la segregación racial contra los africano-americanos y el fin de leyes racistas que en la práctica impedían que la mayoría de los africano-americanos que vivían en estados sureños pudieran ejercer derechos fundamentales como el del voto y llevar una vida digna. Si hubo un bluesman que puso voz y música a estas reivindicaciones ese fue J.B. Lenoir.

J.B. Lenoir no es que fuera un desconocido por los aficionados al blues, pero no fue hasta la emisión en 2003 del documental de Wim Wenders “Soul of a Man, incluido en la serie de Martin Scorsese “The Blues”, que su nombre tuvo el reconocimiento que se merecía. Un hecho para constatar lo injustamente infravalorado que ha estado Lenoir es que no fue incluido en el Blues Hall of Fame hasta 2011, mientras que otros nombres con bastante menos talento lo fueron mucho antes. Puede que no haya un porqué para este olvido, o puede ser que las críticas contra el sistema de muchas de las canciones de Lenoir tuvieran algo que ver con ello, pero, hoy en día, y en parte gracias al mencionado documental, Lenoir tiene el reconocimiento que no pudo disfrutar en vida.

J.B. Lenoir nació el 5 de marzo de 1929 en Monticello, Mississippi. Las iniciales de su nombre no significan nada en particular, simplemente fue bautizado así. Su padre le introdujo en el blues cuando todavía era un niño. Así su primera influencia musical fue Blind Lemon Jefferson. Más adelante descubriría a Lightnin’ Hopkins y a Arthur Crudup, quienes tuvieron una gran influencia en su música. En la década de 1940 se mudó a Nueva Orleans donde tocó junto a Sonny Boy Williamson II y Elmore James. A finales de la década se fue a Chicago. Algunas peculiaridades de Lenoir, como llevar en sus conciertos una llamativa chaqueta con estampado de piel de zebra, la cual combinaba con una pajarita del mismo estampado, tocar acompañado por un saxo en vez de la habitual armónica, o una voz aguda, que en algunos momentos sembraba la duda sobre el género de quien cantaba, ayudaron, junto a su incuestionable calidad, a que se hiciera un nombre en la emergente escena blues de la ciudad del viento.

En 1951 grabó sus primeras canciones y ya desde sus inicios mostró sus inquietudes sociales. Títulos como “Korea Blues” dan fe de ello. Durante la década de 1950, grabaría temas para los sellos J.O.B, Chess, Checker y Parrot. En 1954 fue forzado por Parrot, su sello en ese momento, a regrabar su canción "Eisenhower Blues" y cambiar el título por uno menos comprometido como “Tax Paying Blues”. En esos años algunas de sus canciones disfrutaron de cierto éxito. Entre ellas, destaca "Mamma Talk to Your Daughter", que alcanzó el puesto 11 en las listas Billboard de rhythm & blues.

En la década de 1960, Lenoir, para poder subsistir, combinaba la música con otros trabajos menos gratificantes. En 1965 giraría junto a otras figuras del blues por Europa en el American Folk Blues Festival y ese mismo año y el siguiente grabaría dos elepés acústicos llamados “Alabama Blues” y “Down in Mississippi” para la discográfica L&R – el sello Evidence sacaría ambos álbumes juntos en 1995 bajo el título de “Vietnam Blues” –. Estos discos, grabados bajo la supervisión de Willie Dixon, nos muestran lo mejor de Lenoir. Para estas grabaciones Lenoir tuvo libertad absoluta para grabar lo que quisiera. Así, a una más que interesante relectura de canciones suyas más antiguas añadió mucho material nuevo donde sobresalen unas letras profundas llenas de críticas contra un sistema y una sociedad en la que todavía pervivían muchos prejuicios racistas. Respecto a la música, Lenoir, con la única ayuda en algunas canciones del baterista Fred Below y del propio Willie Dixon haciendo algunos coros, había consolidado un estilo propio y original con aires africanos al que llamó African Hunch. Estos dos álbumes incuestionables aúnan sabiamente canciones profundas, tristes y reivindicativas con boogies alegres y bailables.

Desgraciadamente, cuando se hallaba en su mejor momento creativo, un infarto relacionado con unas heridas derivadas de un accidente de tráfico que había tenido tres semanas antes se llevó a Lenoir de este mundo a la pronta edad de 38 años. Pero su talento musical y su sensibilidad para escribir unas letras que en pocas palabras reflejaran la lucha y el sufrimiento de una raza oprimida permanecerán para siempre como fieles retratos musicales de un tiempo y un lugar, como un pedazo de historia del siglo XX.

https://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/

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Automatic translation:

I will never go back to Alabama, that's no place for me,

I will never go back to Alabama, that's no place for me,

You know, they murdered my sister and my brother

And there the whole world allowed those people to go unpunished

 J.B Lenoir, "Alabama Blues"

In the 1950s and 1960s, the Civil Rights Movement developed in the United States, which claimed, among other things, the end of racial segregation against African-Americans and the end of racist laws that in practice prevented the Most African-Americans living in southern states could exercise fundamental rights such as voting and leading a dignified life. If there was a bluesman who put voice and music to these claims that was J.B. Lenoir

J.B. Lenoir is not a stranger to blues fans, but it was not until the 2003 broadcast of Wim Wenders' documentary "Soul of a Man, included in the Martin Scorsese series" The Blues ", that his name was recognized what he deserved. A fact to confirm how unfairly undervalued Lenoir has been is that he was not included in the Blues Hall of Fame until 2011, while other names with much less talent were much earlier. There may not be a reason for this oblivion, or it may be that criticism against the system of many of Lenoir's songs had something to do with it, but, nowadays, and partly thanks to the aforementioned documentary, Lenoir has the recognition that he could not enjoy in life.

J.B. Lenoir was born on March 5, 1929 in Monticello, Mississippi. The initials of his name do not mean anything in particular, he was simply baptized that way. His father introduced him to the blues when he was still a child. Thus his first musical influence was Blind Lemon Jefferson. Later I would discover Lightnin 'Hopkins and Arthur Crudup, who had a great influence on his music. In the 1940s he moved to New Orleans where he played alongside Sonny Boy Williamson II and Elmore James. At the end of the decade he went to Chicago. Some peculiarities of Lenoir, such as wearing in his concerts a striking zebra-print jacket, which he combined with a bow tie of the same pattern, played accompanied by a saxophone instead of the usual harmonica, or a high-pitched voice, which in some moments sowed doubt about the genre of the singer, helped, along with its unquestionable quality, to make a name in the emerging blues scene of the city of the wind.

In 1951 he recorded his first songs and already from his beginnings he showed his social restlessness. Titles like "Korea Blues" attest to that. During the 1950s, he would record songs for the J.O.B, Chess, Checker and Parrot labels. In 1954 he was forced by Parrot, his label at that time, to re-record his song "Eisenhower Blues" and change the title to one less committed as "Tax Paying Blues". In those years some of his songs enjoyed some success. Among them, highlights "Mamma Talk to Your Daughter", which reached the 11th place in the Billboard charts of rhythm & blues.

In the decade of 1960, Lenoir, to be able to subsist, combined the music with other less rewarding works. In 1965 he would tour with other blues figures in Europe in the American Folk Blues Festival and that same year and the following year he would record two acoustic LPs called "Alabama Blues" and "Down in Mississippi" for the label L & R - the Evidence label would release both albums together in 1995 under the title of "Vietnam Blues" -. These records, recorded under the supervision of Willie Dixon, show us the best of Lenoir. For these recordings Lenoir had absolute freedom to record what he wanted. Thus, to a more than interesting rereading of his older songs he added a lot of new material where some deep lyrics stand out, full of criticism against a system and a society in which many racist prejudices still persisted. Regarding the music, Lenoir, with the only help in some songs of the drummer Fred Below and of Willie Dixon himself doing some choirs, had consolidated an own and original style with African airs which he called African Hunch. These two unquestionable albums wisely combine deep, sad and vindictive songs with cheerful and danceable boogies.

Unfortunately, when he was at his best creative moment, a heart attack related to injuries from a car accident that he had had three weeks earlier took Lenoir from this world at the early age of 38 years. But his musical talent and his sensitivity to write lyrics that in a few words will reflect the struggle and suffering of an oppressed race will remain forever as faithful musical portraits of a time and place, like a piece of twentieth century history.

https://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/