Fapy Lafertin Quintet & Tim Kliphuis • Fleur D’ennui

 

In the early ’50s, near the end of his life, Django Reinhardt had switched to electric guitar and was playing in a more bebop vein. He was evolving. Little did he know that it was his acoustic, swing-based Hot Club work of the ’30s that would give rise to vast numbers of imitators.

What would Django have thought? Would he have cared?

While those questions will never be answered, he remains the most blatantly imitated jazz guitarist to have worn shoe leather. Today, especially in Europe, where the past takes on dimensions unknown to most Americans, myriad groups model themselves after the Hot Club, and several Django/Gypsy jazz festivals are held each year.

While most Django imitators by definition are highly derivative in approach and execution-if the great Gypsy hadn’t lived, they wouldn’t exist-occasionally somebody emerges from the time warp to at least demonstrate that they’re a cut above the pack and maybe even offer a surprise or two. One such player is Fapy Lafertin, whose CD, Fleur D’Ennui (Jazz Is Timeless), features the Fapy Lafertin Quintet.

Like Django, Lafertin is the real McCoy, having been raised in a Manouche Gypsy family, which, of course, doesn’t make his playing any less derivative but does give him a credential that most six-string pretenders don’t have. Despite his playing’s origins, Lafertin, after one listening, has got to be admired for the way he enthusiastically floats over his group’s bouncy Hot Club-esque tandem guitar rhythm section on tunes like “Fascinating Rhythm” and “Just One of Those Things,” where he tosses off Django licks like he’s been playing them since he’s been in short pants, which he probably has. Throughout, Dutch violinist Tim Kliphuis matches him note for note in terms of technique and spirit, skillfully playing the role of Django’s sidekick, Stephane Grappelli. And while the set draws heavily from Reinhardt’s vocabulary and repertoire, a breath of fresh air wafts through the program in the form of four nicely arranged Brazilian choros, which paved the way for the emergence of samba and bossa nova, by the likes of Pixinguinha and Ernesto Nazareth. The choros help this album rise above offerings by the seemingly endless stream of Gypsy knockoffs who are out there.

https://jazztimes.com/archives/fapy-lafertin-quintet-and-tim-kliphuis-fleur-dennui/

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A principios de los años 50, cerca del final de su vida, Django Reinhardt había cambiado a la guitarra eléctrica y estaba tocando en una vena más bebop. Estaba evolucionando. Poco sabía que era su trabajo de Hot Club acústico, basado en el swing, de los años 30, lo que daría lugar a un gran número de imitadores.

¿Qué habría pensado Django? ¿Le habría importado?

Aunque esas preguntas nunca serán respondidas, sigue siendo el guitarrista de jazz más descaradamente imitado por haber usado zapatos de cuero. Hoy en día, especialmente en Europa, donde el pasado adquiere dimensiones desconocidas para la mayoría de los estadounidenses, miles de grupos se inspiran en el Hot Club, y cada año se celebran varios festivales de jazz de Django/Gypsy.

Mientras que la mayoría de los imitadores de Django, por definición, son altamente derivados en su enfoque y ejecución -si el gran gitano no hubiera vivido, no existirían-, ocasionalmente alguien emerge de la urdimbre del tiempo para al menos demostrar que son un corte por encima de la manada y tal vez incluso ofrecer una sorpresa o dos. Uno de ellos es Fapy Lafertin, cuyo CD, Fleur D'Ennui (El jazz es intemporal), contiene el quinteto Fapy Lafertin.

Al igual que Django, Lafertin es el verdadero McCoy, criado en una familia gitana de Manouche, lo que, por supuesto, no hace que su forma de tocar sea menos derivada, pero sí le da una credencial que la mayoría de los pretendientes de seis cuerdas no tienen. A pesar de sus orígenes, Lafertin, después de una escucha, es digno de admiración por la forma en que flota con entusiasmo sobre la sección de ritmo de guitarra tándem de su grupo, al estilo del Hot Club, en temas como "Fascinating Rhythm" (Ritmo fascinante) y "Just One of Those Things" (Sólo una de esas cosas), donde se deshace de los lame de Django como si los hubiera estado tocando desde que llevaba pantalones cortos, lo cual es probable que haya estado haciendo. El violinista holandés Tim Kliphuis lo acompaña nota por nota en términos de técnica y espíritu, interpretando hábilmente el papel de Stephane Grappelli, compañero de Django. Y mientras que el conjunto se basa en gran medida en el vocabulario y repertorio de Reinhardt, un soplo de aire fresco se respira en el programa en forma de cuatro coros brasileños bien organizados, que allanaron el camino para el surgimiento de la samba y la bossa nova, por los gustos de Pixinguinha y Ernesto Nazareth. Los choros ayudan a que este álbum se eleve por encima de las ofertas de la aparentemente interminable corriente de imitaciones gitanas que están ahí fuera.

https://jazztimes.com/archives/fapy-lafertin-quintet-and-tim-kliphuis-fleur-dennui/

Vinnie Burke • All-Stars

 

Press reviews
"Originally schooled on violin and guitar, Vinnie Burke redirected his creative energies to contrabass out of necessity brought about by an accident at a factory day gig. The earlier instruments still informed the approach to his replacement, particularly in the areas of timbre and melody and Burke became a first call session man for a roster of east coast band leaders including Tal Farlow, Marian McPartland and singer Chris Conner. There were also opportunities to organize sessions. All-Stars and His String Jazz Quartet collects two of the three albums that Burke released under his name. Together, they present his substantial bull fiddle talents in a handful of stimulating contexts that also show him to have been an accomplished leader.

All-Stars benefits greatly from the presence of one of Burke’s closest associates, pianist Eddie Costa. The latter employed the bassist in his trio, and the rapport established in that context transfers directly the three sessions that comprise the original album. The majority of pieces are by a quartet that combines the pair with guitarist Jimmy Raney and drummer Joe Morello, on loan from the Dave Brubeck Quartet. The most adventurous piece, “Vin-Tin-Tin” juxtaposes a driving melodic figure that flirts with atonality with staggered solos. Another original, “Unison Blues” swaps in guitarist Joe Puma and drummer Jimmy Campbell for Raney and Morello without missing a beat. Three more tunes add tenorist Al Cohn and trombonist Urbie Green, but it’s the more streamlined ensembles that deliver the best results.

On String Jazz Quartet Burke explores an idea that his later employer Gerry Mulligan would borrow and expand on to significantly greater commercial success. The order of titular modifiers is important as the ensembles assembled are first and foremost jazz-grounded rather than classically inclined. Violinist Dick Wetmore, cellist Calo Scott, and guitarist Bobby Grillo join Burke as the core group. Kenny Burrell and Paul Palmieri guest as electric guitarists in a tune ratio of five to one. Lastly, there’s a kit-less Campbell, returning for six numbers to play “brushes on Manhattan telephone directory.” That last addition has gimmick written all over it, but his contributions actually bolster the bands’ rhythmic integrity, particularly on a delightfully fisheye version of “A Night in Tunisia.” Burke solos cogently and concisely on basically every piece and the disc’s generous 74+ minute duration flies by in a finger pluck, er, snap!!

—Derek Taylor (March 4, 2021)
https://dustedmagazine.tumblr.com

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Reseñas de prensa
"Originalmente educado en el violín y la guitarra, Vinnie Burke redirigió sus energías creativas al contrabajo por la necesidad provocada por un accidente en un concierto en una fábrica. Los instrumentos anteriores todavía informaron el enfoque de su reemplazo, particularmente en las áreas de timbre y melodía y Burke se convirtió en un hombre de sesión de primera llamada para una lista de líderes de bandas de la costa este incluyendo Tal Farlow, Marian McPartland y el cantante Chris Conner. También tuvo la oportunidad de organizar sesiones. All-Stars and His String Jazz Quartet recoge dos de los tres álbumes que Burke publicó con su nombre. Juntos, presentan su importante talento como violinista en un puñado de contextos estimulantes que también demuestran que fue un líder consumado.

All-Stars se beneficia en gran medida de la presencia de uno de los socios más cercanos de Burke, el pianista Eddie Costa. Este último empleó al bajista en su trío, y la compenetración establecida en ese contexto se traslada directamente a las tres sesiones que componen el álbum original. La mayoría de las piezas son de un cuarteto que combina a la pareja con el guitarrista Jimmy Raney y el baterista Joe Morello, cedido por el Dave Brubeck Quartet. La pieza más arriesgada, "Vin-Tin-Tin", yuxtapone una figura melódica impulsora que coquetea con la atonalidad con solos escalonados. Otro original, "Unison Blues", cambia al guitarrista Joe Puma y al batería Jimmy Campbell por Raney y Morello sin perder el ritmo. Otras tres melodías añaden al tenorista Al Cohn y al trombonista Urbie Green, pero son los conjuntos más racionalizados los que ofrecen los mejores resultados.

En String Jazz Quartet Burke explora una idea que su posterior empleador Gerry Mulligan tomaría prestada y ampliaría con un éxito comercial significativamente mayor. El orden de los modificadores del título es importante, ya que los conjuntos reunidos tienen, ante todo, una base jazzística más que una inclinación clásica. El violinista Dick Wetmore, el chelista Calo Scott y el guitarrista Bobby Grillo se unen a Burke como grupo principal. Kenny Burrell y Paul Palmieri están invitados como guitarristas eléctricos en una proporción de cinco a uno. Por último, hay un Campbell sin equipo, que vuelve durante seis números para tocar "pinceles en la guía telefónica de Manhattan". Esta última adición tiene el truco escrito por todas partes, pero sus contribuciones en realidad refuerzan la integridad rítmica de la banda, particularmente en una versión deliciosamente pesada de "A Night in Tunisia". Burke hace solos convincentes y concisos en prácticamente todas las piezas y los más de 74 minutos de duración del disco se pasan volando.

-Derek Taylor (4 de marzo de 2021)
https://dustedmagazine.tumblr.com


www.freshsoundrecords.com/vinnie-burke ...

John Etheridge & Sweet Chorus • Small Hotel

 

 

John Etheridge:
British rock guitarist, worked with: Darryl Way's Wolf, The Soft Machine, Whatever and others.
Born: January 12, 1948 in Lambeth, London, England.
https://www.discogs.com/artist/418236-John-Etheridge

Sweet Chorus:
'Hot club' style band founded in 1998 and led by guitarist John Etheridge - originally formed as a personal tribute by John Etheridge to his mentor and inspiration Stephane Grappelli with whom he worked for 5 years in the 70's and early 80's.
https://www.discogs.com/artist/4189412-Sweet-Chorus-2

Colaborador / Contributor:  Mich58

Michel Camilo • Rhapsody In Blue

 

Artist Biography

Pianist and composer Michel Camilo was born in Santo Domingo, Dominican Republic, in 1954. Fascinated with music since childhood, he composed his first song at the age of five, then studied for 13 years at the National Conservatory. At 16, he became a member of the National Symphony Orchestra.

Seeking to expand his musical horizons, he moved in 1979 to New York, where he continued his studies at Mannes and Juilliard School of Music. His composition Why Not? was recorded by Paquito D'Rivera as the title tune for one of his albums, and The Manhattan Transfer won a Grammy Award for their vocal version in 1983. His first two albums were titled Why Not? and Suntan/In Trio.

Camilo made his Carnegie Hall debut with his trio in 1985. Since then, he has become a prominent figure performing regularly in the United States, the Caribbean, Japan and Europe. December 1987 marked his debut as a classical conductor when the National Symphony Orchestra of the Dominican Republic invited him to conduct a recital featuring the works of Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak and Camilo’s own composition, The Goodwill Games Theme, which won an Emmy Award. That year, he became the musical director of the Heineken Jazz Festival in his native Dominican Republic, a post he held through 1992.

November of 1988 marked his debut on a major record label with the release of his self- titled album, Michel Camilo (Sony). The album became an instant success and held the top jazz album spot for ten consecutive weeks. His next recording, On Fire, was voted one of the top three Jazz Albums of the Year by Billboard, and 1990s On the Other Hand was a top-ten jazz album. All three releases reached the number-one position in radio airplay.

Camilo’s list of compositions, recordings and other achievements throughout the '90s is vast. His composition Caribe was recorded by pianists Katia and Marielle Lebeque, and by the legendary Dizzy Gillespie, in 1991. His Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, commissioned by the Philharmonia Orchestra, premiered a year later at the Royal Festival Hall. In 1993, Gavin and Billboard magazines picked his Rendezvous as one of the top jazz albums of the year.

Camilo performed a series of piano recitals in 1996 as part of Copenhagen’s Cultural Capital of Europe celebration, and also debuted at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC, and Carnegie Hall in New York. That same year, he performed in Israel, Spain, Mexico, Dominican Republic and Switzerland, where he debuted at Zurich’s prestigious Tonhalle concert hall as part of the Jazz Piano Masters series.

He served as co-artistic director in 1998 for the first Latin-Caribbean Music Festival at the Kennedy Center, which featured performances by his trio and big band, as well as the world premiere of his Piano Concerto with the National Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin. The following year, he toured with Cuban jazz pianist Chucho Valdes, and debuted with the Cleveland Symphony Orchestra.

In addition to compiling an extensive discography and maintaining a rigorous performance schedule, Camilo has composed and recorded a number of Spanish film scores over the years, and holds honorary degrees from his alma mater, Universidad Autonoma de Santo Domingo, and UTESA University of Santiago, Dominican Republic (he’s the youngest person to ever receive the distinction from the latter school). In 1992, he was named a Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus by the Dominican Government.

At the turn of the millennium, his 2000 Verve release, Spain, with guitarist Tomatito, won Best Latin Jazz Album in the first-ever Latin Grammy Awards. Camilo also performed in a trio concert in 2000 presented by the New Jersey Chamber Society with special guest Paquito D'Rivera.

In 2001, Camilo appeared on the soundtrack CD for the acclaimed Latin jazz film Calle 54, directed by the Oscar-winning Spaniard Fernando Trueba. In addition to his activities as a composer and pianist, Camilo lectured and performed at many universities and colleges throughout Europe and the United States”including New York University, Berklee School of Music, MIT, William Paterson College (in New Jersey) and Puerto Rico Conservatory.

In November 2001, he was awarded the Silver Cross of the Order of Duarte, Sanchez & Mella from the president of the Dominican Republic, the highest honor that the government can give.

2002 marked a special year for Camilo with two albums: Classical and Jazz. In February, Decca released his Concerto for Piano & Orchestra, Suite for Piano, Strings and Harp & Caribe, to celebrate his guest appearance with the NSO conducted by Leonard Slatkin at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.

In March 2002, Telarc released Triangulo, Camilo’s Grammy Award nominee trio recording, which features bass guitarist Anthony Jackson and drummer Horacio “El Negro” Hernandez.

August 2003 marked the Telarc release of his latest album Live at the Blue Note, featuring Horacio “El Negro” Hernandez on drums and Charles Flores on acoustic bass. This two-CD set captures the quintessential Camilo “sound” live for the first time and was awarded a GRAMMY for Best Latin Jazz Album.

https://www.allmusic.com/artist/michel-camilo-mn0000889856/biography

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Biografía del artista

El pianista y compositor Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana, en 1954. Fascinado por la música desde la infancia, compuso su primera canción a la edad de cinco años, y luego estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional. A los 16 años, se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional.

Buscando ampliar sus horizontes musicales, se trasladó en 1979 a Nueva York, donde continuó sus estudios en la Mannes and Juilliard School of Music. Su composición Why Not? fue grabada por Paquito D'Rivera como tema principal de uno de sus discos, y The Manhattan Transfer ganó un premio Grammy por su versión vocal en 1983. Sus dos primeros álbumes se titulaban Why Not? y Suntan/In Trio.

Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall con su trío en 1985. Desde entonces, se ha convertido en una figura prominente que actúa regularmente en los Estados Unidos, el Caribe, Japón y Europa. En diciembre de 1987 debutó como director de orquesta clásica cuando la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana lo invitó a dirigir un recital con las obras de Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak y la propia composición de Camilo, The Goodwill Games Theme, que ganó un premio Emmy. Ese año, se convirtió en el director musical del Festival de Jazz de Heineken en su República Dominicana natal, cargo que ocupó hasta 1992.

Noviembre de 1988 marcó su debut en un importante sello discográfico con el lanzamiento de su autodenominado álbum, Michel Camilo (Sony). El álbum se convirtió en un éxito instantáneo y ocupó el primer lugar en la lista de los álbumes de jazz durante diez semanas consecutivas. Su siguiente disco, On Fire, fue votado por Billboard como uno de los tres mejores álbumes de jazz del año, y On the Other Hand fue uno de los diez mejores álbumes de jazz de la década de 1990. Los tres lanzamientos alcanzaron la posición número uno en la emisión de radio.

La lista de composiciones, grabaciones y otros logros de Camilo a lo largo de los años 90 es muy amplia. Su composición Caribe fue grabada por las pianistas Katia y Marielle Lebeque, y por el legendario Dizzy Gillespie, en 1991. Su Rapsodia para dos pianos y orquesta, encargada por la Philharmonia Orchestra, se estrenó un año más tarde en el Royal Festival Hall. En 1993, las revistas Gavin y Billboard eligieron su Rendezvous como uno de los mejores álbumes de jazz del año.

Camilo interpretó una serie de recitales de piano en 1996 como parte de la celebración de la Capital Cultural de Europa en Copenhague, y también debutó en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, DC, y en el Carnegie Hall en Nueva York. Ese mismo año se presentó en Israel, España, México, República Dominicana y Suiza, donde debutó en la prestigiosa sala de conciertos Tonhalle de Zurich como parte de la serie Jazz Piano Masters.

Se desempeñó como co-director artístico en 1998 para el primer Festival de Música Latino-Caribeña en el Kennedy Center, que incluyó presentaciones de su trío y big band, así como el estreno mundial de su Concierto para Piano con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Leonard Slatkin. Al año siguiente, realizó una gira con el pianista cubano de jazz Chucho Valdés, y debutó con la Orquesta Sinfónica de Cleveland.

Además de compilar una extensa discografía y mantener un riguroso programa de actuaciones, Camilo ha compuesto y grabado varias partituras de películas españolas a lo largo de los años, y cuenta con títulos honoríficos de su alma mater, la Universidad Autónoma de Santo Domingo, y la Universidad UTESA de Santiago, República Dominicana (es la persona más joven que ha recibido la distinción de esta última escuela). En 1992, fue nombrado Caballero de la Orden Heráldica de Cristóbal Colón por el Gobierno Dominicano.

En el cambio de milenio, su disco Verve 2000, España, con el guitarrista Tomatito, ganó el premio al Mejor Álbum de Jazz Latino en los primeros premios Grammy Latinos de la historia. Camilo también actuó en un concierto de trío en el año 2000 presentado por la New Jersey Chamber Society con el invitado especial Paquito D'Rivera.

En 2001, Camilo apareció en el CD de la banda sonora de la aclamada película de jazz latino Calle 54, dirigida por el español Fernando Trueba, ganador de un Oscar. Además de sus actividades como compositor y pianista, Camilo dio conferencias y actuó en muchas universidades y colegios de toda Europa y Estados Unidos States"incluyendo la Universidad de Nueva York, la Escuela de Música de Berklee, el MIT, el William Paterson College (en Nueva Jersey) y el Conservatorio de Puerto Rico.

En noviembre de 2001, el presidente de la República Dominicana le otorgó la Cruz de Plata de la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, el más alto honor que el gobierno puede otorgar.

El 2002 marcó un año especial para Camilo con dos álbumes: Clásica y Jazz. En febrero, Decca lanzó su Concierto para Piano y Orquesta, Suite para Piano, Cuerdas y Arpa y Caribe, para celebrar su aparición como invitado con la NSO dirigida por Leonard Slatkin en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C.

En marzo de 2002, Telarc lanzó Triángulo, la grabación del trío nominado al premio Grammy de Camilo, que incluye al bajista Anthony Jackson y al baterista Horacio "El Negro" Hernández.

En agosto de 2003, Telarc lanzó su último álbum Live at the Blue Note, con Horacio "El Negro" Hernández a la batería y Charles Flores al bajo acústico. Este set de dos CDs captura por primera vez en vivo el "sonido" de Camilo por excelencia y fue premiado con un GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino.

https://www.allmusic.com/artist/michel-camilo-mn0000889856/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

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Freddie Hubbard • Here To Stay

 

Album Review
This album has certainly had a sad history. It was left in the Blue note vaults for fourteen years. Then it was reissued in a double-vinyl set with Hub Cap, a coupling that doesn't reveal either session in the best light.Then a decade later, it finally was released as a single album. And that brings us to the present version, on which occasion the devout Bob Blumenthal seems to say in his liner notes (well, he hedges around the fact) that this is just fine, but he'd might rather listen to other Hubbard Blue Notes. That leaves the impression that perhaps Blue Note was right for keeping this in the vaults for so long.

Here's an attempt to redeem "Here to Stay," perhaps one of Hubbard's finest ever, and surely misunderstood as well as undervalued. The case for this album's value can be built simply. Forget the original track sequence. Begin with Hubbard's cover of "Body and Soul," a completely remarkable ballad performance marked for the maturity of the individual interpretation the young trumpeter (who was 24 years old in 1962) brings. Hubbard is thinking hard—harder than most trumpeters double his age have thought—about the lyrics, holding a lot of passion in reserve while maintaining a determined, probing tone. I think only the classic Coleman Hawkins' original recording outclasses Hubbard's reading.

While Hubbard recorded with drummer Philly Joe Jones on a number of sessions, I think their chemistry was never as intensely pitched as on this session, particularly on the opening "Philly Mignon," written by Hubbard for the fiery drummer. This is one of Philly Joe Jones' supreme moments in the studio, and this CD deserves top-drawer billing for that alone. If you listened to "Body and Soul" first, then skip to "Philly Mignon," where you'll drop the cliche of the young Hubbard as all brassy confidence with brio to the brim, and instead hear a mature musical intelligence at work that is as questioning and questing, as conflicted as Lee Morgan's.

Another indication of Hubbard's well-seasoned taste on this session is revealed in using two of Cal Massey's most memorable compositions, "Father and Son" and "Assunta." Listen to the solos by Hubbard and Shorter on "Assunta" and ask yourself if they haven't slipped to a new phase of their growth, apart from Blakey's band at this juncture, that's more darkly introspective.

I hope the album title is true of the recording's fate.
By Norman Weinstein
September 20, 2006
https://www.allaboutjazz.com/here-to-stay-freddie-hubbard-blue-note-records-review-by-norman-weinstein

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Reseña del álbum
Este álbum ha tenido ciertamente una triste historia. Estuvo en las bóvedas de Blue Note durante catorce años. Luego se reeditó en un doble vinilo con Hub Cap, un acoplamiento que no revela ninguna de las dos sesiones de la mejor manera.Luego, una década más tarde, finalmente fue lanzado como un solo álbum. Y eso nos lleva a la presente versión, en la que el devoto Bob Blumenthal parece decir en sus notas de presentación (bueno, lo evita) que está bien, pero que preferiría escuchar otras Blue Notes de Hubbard. Esto deja la impresión de que tal vez Blue Note hizo bien en mantener esto en las bóvedas durante tanto tiempo.

Aquí hay un intento de redimir "Here to Stay", tal vez uno de los mejores discos de Hubbard de todos los tiempos, y seguramente incomprendido además de infravalorado. El caso del valor de este álbum se puede construir de forma sencilla. Olvídese de la secuencia de pistas original. Comienza con la versión de Hubbard de "Body and Soul", una interpretación de balada completamente notable marcada por la madurez de la interpretación individual que aporta el joven trompetista (que tenía 24 años en 1962). Hubbard piensa mucho -más de lo que la mayoría de los trompetistas del doble de su edad han pensado- en la letra, reservando mucha pasión mientras mantiene un tono resuelto y probador. Creo que sólo la clásica grabación original de Coleman Hawkins supera la lectura de Hubbard.

Aunque Hubbard grabó con el baterista Philly Joe Jones en varias sesiones, creo que su química nunca fue tan intensa como en esta sesión, particularmente en la apertura "Philly Mignon", escrita por Hubbard para el fogoso baterista. Este es uno de los momentos supremos de Philly Joe Jones en el estudio, y este CD merece ser considerado de primera categoría sólo por eso. Si escuchas primero "Body and Soul", salta a "Philly Mignon", donde dejarás de lado el cliché del joven Hubbard como todo confianza descarada con brío hasta el borde, y en su lugar escucharás una inteligencia musical madura en el trabajo que es tan cuestionadora y buscadora, tan conflictiva como la de Lee Morgan.

Otro indicio del buen gusto de Hubbard en esta sesión se revela al utilizar dos de las composiciones más memorables de Cal Massey, "Father and Son" y "Assunta". Escuche los solos de Hubbard y Shorter en "Assunta" y pregúntese si no se han deslizado a una nueva fase de su crecimiento, aparte de la banda de Blakey en esta coyuntura, que es más oscuramente introspectiva.

Espero que el título del álbum sea fiel al destino de la grabación.
Por Norman Weinstein
20 de septiembre de 2006
https://www.allaboutjazz.com/here-to-stay-freddie-hubbard-blue-note-records-review-by-norman-weinstein