Pucho & The Latin Soul Brothers • Cold Shoulder

  

Biography:
by Thom Jurek
During the 1960s, no one combined virtually equal elements of jazz, Latin music, pop, soul, and funk as well as Henry "Pucho" Brown. Pucho and his band (which included at various times such notable musicians as saxophonist Harold Alexander and drummers Bill Curtis and Neal Creque) never achieved the widespread recognition afforded other Latin jazz performers, though the Latin Soul Brothers grooved at least as hard. On recordings and in concert, Pucho -- who is not Latino, but African American -- consciously bridged the gap between the popular Latin sounds of the era from Machito, Tito Puente, Mongo Santamaria, and Cal Tjader to the funky, soul-jazz sounds of Gene Harris, Stanley Turrentine, and Jack McDuff. He sought to integrate these musics at every turn, beginning with their debut, 1966's Tough!, that included covers of tunes by Herbie Hancock, the Beatles, Johnny Mandel, John Barry, and Burt Bacharach, inserting whatever arrangement got them in jukeboxes and played on dancefloors. Between 1967 and 1972, Pucho & His Latin Soul Brothers issued eight more albums and a slew of 45 rpm singles. Perhaps their most notable long-player was 1969's Jungle Fire that featured "Got Myself a Good Man," which has been sampled by everyone from the Chemical Brothers and Beastie Boys to J Dilla. While the band did quite well with record sales and touring appearances, the shift in popular music during the early '70s dictated a change in fortunes. After 1972's Super Freak, the band called it a day -- at least in the studio. Various incarnations still toured sporadically in the early '80s. In the early '90s, with the acid jazz and electronic music explosions occurring in Great Britain, DJs rediscovered Pucho & His Latin Soul Brothers' catalog, and brought them over for club appearances. In 1995, the band's recordings were being reissued en masse, and the band released Rip a Dip and Jungle Strut, their first two albums in 23 years. Suddenly, Pucho and company were in demand again and toured Europe and Asia. They continued recording with the acclaimed The Hideout in 2004. Pucho toured almost constantly for the next decade before slowing down as he neared his eighties, but he still performs selectively.

As a Harlem teenager, Henry "Pucho" Brown cultivated a simultaneous deep and abiding passion for jazz, rhythm & blues, and mambo. In the late '50s, he served for several years in the band of pianist Joe Panama. When the band split in 1959, Pucho formed his own outfit. Even before he'd cemented his reputation on record, his band attracted notice from top Latin jazzmen.

Pucho began recording in 1963 and really hit his stride between 1966 and 1970, when he cut over nine albums for Prestige. On these, he helped pioneer a style termed Latin boogaloo, which mixed jazz, New York-style Latin music, R&B/soul, and the sort of funk that was just emerging from James Brown and other performers. Pucho wasn't afraid to mix up his material on his LPs, which placed originals by Brown and the Latin Soul Brothers next to covers of tunes by Herbie Hancock, the Temptations, the Beatles, Duke Ellington, and John Barry. When his brand of Latin soul/jazz fusion started to fall from commercial grace in the early '70s, Pucho disbanded the Latin Soul Brothers. In the early '90s, however, his back catalog began to generate interest in Britain, where he was a hit with the acid jazz crowd, and where several albums were reissued by the Ace label. Happily, he made a return to Latin-soul-jazz-funk with his 1995 comeback effort, Rip a Dip and Jungle Strut, and toured almost incessantly behind them as well as playing live sets by DJs Gilles Peterson, A Guy Called Gerald, and Kirk Degiorgio. Two more albums followed in 1997, Mucho Pucho and Groovin' High, as the group continued touring across Europe and Asia. In 1999 they dropped Caliente con Soul! for Ubiquity's Cu-Bop imprint and followed it with How'm I Doin'? for Minnesota's Cannonball label, which featured guest spots by trombonist Fred Wesley, flutist Dave Valentin, saxophonist Eric Alexander, and trumpeter Lew Soloff. After a series of residencies and club gigs in various major American cities, Pucho & His Latin Soul Brothers cut The Hideout -- titled for an infamous West Harlem club the band played in a lot during the '60s. Produced by Todd Barkan and recorded by Katherine Miller, the set included killer covers of tunes by Stevie Wonder, Les Baxter, Bebo Valdez, and Clyde Stubblefield, among others. Pucho's band continue to tour, but stopped recording.
https://www.allmusic.com/artist/pucho-his-latin-soul-brothers-mn0000367219/biography

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Biografía:
por Thom Jurek
Durante la década de 1960, nadie combinó tan bien elementos de jazz, música latina, pop, soul y funk como Henry "Pucho" Brown. Pucho y su banda (que incluía en varias ocasiones a músicos tan notables como el saxofonista Harold Alexander y los bateristas Bill Curtis y Neal Creque) nunca alcanzaron el reconocimiento generalizado que se otorgó a otros intérpretes de jazz latino, aunque los Latin Soul Brothers hacían ruido como mínimo. En las grabaciones y en los conciertos, Pucho -que no es latino, sino afroamericano- tendió conscientemente un puente entre los sonidos latinos populares de la época de Machito, Tito Puente, Mongo Santamaría y Cal Tjader y los sonidos funky y de soul-jazz de Gene Harris, Stanley Turrentine y Jack McDuff. Intentó integrar estas músicas en todo momento, empezando por su debut, Tough! de 1966, que incluía versiones de temas de Herbie Hancock, los Beatles, Johnny Mandel, John Barry y Burt Bacharach, insertando cualquier arreglo que les hiciera llegar a las máquinas de discos y a las pistas de baile. Entre 1967 y 1972, Pucho & His Latin Soul Brothers publicaron ocho álbumes más y un montón de singles de 45 rpm. Quizá su álbum más notable fue Jungle Fire, de 1969, que incluía "Got Myself a Good Man", que ha sido sampleada por todos, desde los Chemical Brothers y los Beastie Boys hasta J Dilla. Aunque a la banda le fue bastante bien con las ventas de discos y las apariciones en las giras, el cambio en la música popular durante los primeros años de la década de los 70 dictó un cambio de suerte. Después de Super Freak, de 1972, la banda se retiró, al menos en el estudio. Varias encarnaciones siguieron haciendo giras esporádicas a principios de los 80. A principios de los 90, con la explosión del acid jazz y la música electrónica en Gran Bretaña, los DJs redescubrieron el catálogo de Pucho & His Latin Soul Brothers, y los trajeron para hacer apariciones en clubes. En 1995, las grabaciones del grupo se reeditaron en masa, y la banda publicó Rip a Dip y Jungle Strut, sus dos primeros álbumes en 23 años. De repente, Pucho y compañía volvieron a estar solicitados y realizaron giras por Europa y Asia. Siguieron grabando con el aclamado The Hideout en 2004. Pucho estuvo de gira casi constantemente durante la siguiente década, antes de bajar el ritmo al acercarse a los ochenta años, pero sigue actuando de forma selectiva.

De adolescente en Harlem, Henry "Pucho" Brown cultivó una profunda y permanente pasión por el jazz, el rhythm & blues y el mambo. A finales de los años 50, trabajó durante varios años en la banda del pianista Joe Panama. Cuando la banda se separó en 1959, Pucho formó su propio grupo. Incluso antes de consolidar su reputación en los discos, su banda atrajo la atención de los mejores jazzistas latinos.

Pucho comenzó a grabar en 1963 y alcanzó su máximo nivel entre 1966 y 1970, cuando grabó más de nueve álbumes para Prestige. En ellos, contribuyó a la creación de un estilo denominado boogaloo latino, que mezclaba el jazz, la música latina de estilo neoyorquino, el R&B/soul y el tipo de funk que acababa de surgir de James Brown y otros intérpretes. Pucho no tenía miedo de mezclar su material en sus LPs, que incluían originales de Brown y los Latin Soul Brothers junto a versiones de temas de Herbie Hancock, los Temptations, los Beatles, Duke Ellington y John Barry. Cuando su estilo de fusión de jazz y soul latino empezó a caer en desgracia comercial a principios de los años 70, Pucho disolvió los Latin Soul Brothers. Sin embargo, a principios de los años 90, su catálogo empezó a generar interés en Gran Bretaña, donde tuvo éxito entre el público del acid jazz, y donde varios álbumes fueron reeditados por el sello Ace. Afortunadamente, regresó al latin-soul-jazz-funk con su regreso en 1995, Rip a Dip y Jungle Strut, y realizó una gira casi incesante tras ellos, además de tocar en directo con los DJ Gilles Peterson, A Guy Called Gerald y Kirk Degiorgio. En 1997 se publicaron dos álbumes más, Mucho Pucho y Groovin' High, y el grupo siguió de gira por Europa y Asia. En 1999 lanzaron Caliente con Soul! para el sello Cu-Bop de Ubiquity y siguieron con How'm I Doin'? para el sello Cannonball de Minnesota, que contó con la participación del trombonista Fred Wesley, el flautista Dave Valentin, el saxofonista Eric Alexander y el trompetista Lew Soloff. Después de una serie de residencias y actuaciones en clubes de varias ciudades americanas importantes, Pucho & His Latin Soul Brothers grabaron The Hideout, titulado así por un infame club de West Harlem en el que la banda tocó mucho durante los años 60. Producido por Todd Barkan y grabado por Katherine Miller, el disco incluía excelentes versiones de temas de Stevie Wonder, Les Baxter, Bebo Valdez y Clyde Stubblefield, entre otros. La banda de Pucho siguió de gira, pero dejó de grabar.
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VA • French organ jazz

Herbie Mann • Plays The Roar of the Greasepaint & The Smell of the Crowd

Review by Scott Yanow

On this out of print LP, flutist Herbie Mann performs 11 songs from a famous Leslie Bricusse-Anthony Newley musical. Joined by an orchestra arranged by Ray Ellis (and including either Chick Corea or Roger Kellaway on piano), Mann plays well enough. However, the only one of the 11 songs remembered today is "Who Can I Turn To," and the renditions of the material are so brief (only two songs are longer than three minutes) as to be unadventurous and rather superficial. One of Mann's less significant projects of the '60s.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

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Reseña de Scott Yanow

En este LP agotado, el flautista Herbie Mann interpreta 11 canciones de un famoso musical de Leslie Bricusse-Anthony Newley. Acompañado por una orquesta arreglada por Ray Ellis (e incluyendo a Chick Corea o Roger Kellaway en el piano), Mann toca bastante bien. Sin embargo, la única de las 11 canciones que se recuerdan hoy en día es "Who Can I Turn To", y las interpretaciones del material son tan breves (sólo dos canciones duran más de tres minutos) que no son aventureras y son bastante superficiales. Uno de los proyectos menos significativos de Mann de los años 60.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

 

 

 

Peter Appleyard • The Vibe Sound

Peter Appleyard, OC (26 August 1928 – 17 July 2013) was a British–Canadian jazz vibraphonist, percussionist, and composer. He spent most of his life living and performing in the city of Toronto where for many years he was a popular performer in the city's nightclubs and hotels. He also played and recorded with many of the city's orchestras and been featured on Canadian television and radio programs. In the early 1970s he drew wide acclaim for his performances with Benny Goodman's jazz sextet with which he toured internationally. In 1992, he was made an Officer of the Order of Canada in recognition of his being an "internationally renowned vibraphonist who has represented the Canadian jazz community across North America, Europe, the Middle East and Australia".

more ... https://en.wikipedia.org/wiki/Peter_Appleyard

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Peter Appleyard, OC (26 de agosto de 1928 - 17 de julio de 2013) fue un vibrafonista, percusionista y compositor de jazz anglo-canadiense. Pasó la mayor parte de su vida viviendo y actuando en la ciudad de Toronto, donde durante muchos años fue un popular intérprete en los clubes nocturnos y hoteles de la ciudad. También tocó y grabó con muchas de las orquestas de la ciudad y apareció en programas de radio y televisión canadienses. A principios del decenio de 1970 fue muy aclamado por sus actuaciones con el sexteto de jazz de Benny Goodman, con el que realizó giras internacionales. En 1992, fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá en reconocimiento a su condición de "vibrafonista de renombre internacional que ha representado a la comunidad de jazz canadiense en América del Norte, Europa, Oriente Medio y Australia".

 

 

 

Cherry Wainer • Waltzes In Swingtime

 

Cherry Wainer was born on March 2 1935 in South Africa, and was in showbusiness almost from infancy. Her father promoted tours by nationally renowned artistes while her mother ensured that their daughter’s obvious musical talent was formalised. “I was going to be a classical pianist,” she recalled. “At the age of eight, I performed a concerto with an orchestra. I was, I suppose, considered a child prodigy – because, in my early teens, my mother took me to London to start at the Sadler’s Wells Ballet School.”

While she finished the course, she failed the audition to join the associated ballet company. However, on returning to the Transvaal, her imagination was captured by the Hammond organ, a keyboard that was becoming increasingly more prominent in jazz, notably beneath the hands of the American exponent Jimmy Smith. “I was entirely self-taught,” she confessed, “mostly by applying what I knew on piano to organ. I wanted to be the female Jimmy Smith!”

Response to her performances in regional clubs was sufficiently encouraging for Wainer to seek engagements further afield – in the first instance in Holland, but she was too young to go on her own, so her mother went along too. “I only knew six tunes, which I played over and over again while trying to learn new ones,” said Cherry Wainer in later life.

Next, she collaborated with accordionist Nico Carstens on Flying High, the first rock and roll album recorded by South Africans before entering the orbit of Don Storer, a highly paid jobbing drummer and her future husband. They first played together in 1958 at a private function for the billionaire Johnny Schlesinger. With a musical chemistry that was, reckoned Wainer, “almost telepathic”, the duo tried their luck in Britain – where Wainer’s flatmate, the singer and actress Georgia Brown, introduced them to booking agent Tito Burns, who found them work on the variety circuit and in US military bases. Burns also got them booked on ITV’s Lunch Box, the lightest of light entertainment shows.

It was through one such appearance that they came to the attention of Jack Good, who had been commissioned to produce the first series of Oh Boy! that autumn. As well as incorporating Storer and Wainer into Lord Rockingham’s XI, he also brokered a recording contract for Wainer. Her output was to include Money (1960), historically the first Tamla-Motown number to be covered in the UK (and, later, a set track for many beat groups).

While chart entries proved elusive for Wainer in her own right, a maiden Rockingham single, Fried Onions, made the US Hot 100. Hoots Mon, the follow-up, was a domestic No 1 – and was heard on a section of Oh Boy! featured in the 1959 Royal Command Performance. Wainer became the focal point of the band – publicised as “the female Liberace” – with solo spots as both a singer and instrumentalist.

“I had my Hammond customised with quilted white-leather and diamanté studs,” she recalled. “Also, my poodle used to sit next to me. I loved every minute of it – being recognised in the street, signing autographs and when fans washed my pink saloon car when it was parked outside the hall in Islington where every Oh Boy! was rehearsed.”

After the final edition of Oh Boy! in 1959, Wainer went on to star in another ITV series, Boy Meets Girls, which was aimed at a wider audience. “It didn’t have the same pace as Oh Boy!” said Jack Good, “and was a dreadful mistake.”

“It just didn’t feel the same,” agreed Wainer, “Neither has any other television series in which I’ve been involved since.” Among the shows was Beat! Beat! Beat!, a German TV pop programme on which she and Storer were regular performers during the mid-1960s prior to their move to the United States in 1968. In America they played residencies at venues in Las Vegas where they settled.

In the wake of Storer’s death in 1977, Wainer retired as a professional entertainer. In 2013, at the time of her appearance on Rock’n’Roll Britannia on BBC4, she was working as an assistant in a small gift shop.

Cherry Wainer, born March 2 1935, died November 14 2014

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 Cherry Wainer nació el 2 de marzo de 1935 en Sudáfrica, y estuvo en el mundo del espectáculo casi desde su infancia. Su padre promovió giras de artistas de renombre nacional, mientras que su madre se aseguró de que el evidente talento musical de su hija se formalizara. "Iba a ser pianista clásica", recuerda. "A la edad de ocho años, di un concierto con una orquesta. Supongo que me consideraban un niño prodigio, porque, a principios de mi adolescencia, mi madre me llevó a Londres para empezar en la Escuela de Ballet de Sadler's Wells".

Mientras terminaba el curso, fracasó en la audición para unirse a la compañía de ballet asociada. Sin embargo, al volver a la Transvaal, su imaginación fue capturada por el órgano de Hammond, un teclado que cada vez era más prominente en el jazz, notablemente bajo las manos del exponente americano Jimmy Smith. "Era totalmente autodidacta", confesó, "sobre todo aplicando al órgano lo que sabía hacer en el piano. ¡Quería ser la Jimmy Smith femenina!"

La respuesta a sus actuaciones en clubes regionales fue lo suficientemente alentadora como para que Wainer buscara compromisos más allá, en primer lugar en Holanda, pero ella era demasiado joven para ir sola, así que su madre también lo hizo. "Sólo conocía seis melodías, que tocaba una y otra vez mientras trataba de aprender otras nuevas", dijo Cherry Wainer más tarde en su vida.

Luego, colaboró con el acordeonista Nico Carstens en Flying High, el primer álbum de rock and roll grabado por sudafricanos antes de entrar en la órbita de Don Storer, un baterista muy bien pagado y su futuro esposo. Tocaron juntos por primera vez en 1958 en una función privada para el multimillonario Johnny Schlesinger. Con una química musical que fue, según Wainer, "casi telepática", el dúo probó suerte en Gran Bretaña, donde la compañera de piso de Wainer, la cantante y actriz Georgia Brown, les presentó al agente de contratación Tito Burns, que les encontró trabajando en el circuito de variedades y en bases militares estadounidenses. Burns también los reservó en Lunch Box de ITV, el programa de entretenimiento más ligero.

Fue a través de una de esas apariciones que llamaron la atención de Jack Good, que había sido comisionado para producir la primera serie de Oh Boy! ese otoño. Además de incorporar a Storer y Wainer en el XI de Lord Rockingham, también negoció un contrato de grabación para Wainer. Su producción incluiría a Money (1960), históricamente el primer número de Tamla-Motown en ser cubierto en el Reino Unido (y, más tarde, un tema fijo para muchos grupos de beat).

Mientras que las entradas en las listas de éxitos resultaron difíciles para Wainer por derecho propio, un sencillo inaugural de Rockingham, Fried Onions, se convirtió en el Hot 100 de Estados Unidos. Hoots Mon, la continuación, fue la número 1 en el ámbito nacional, y se escuchó en una sección de Oh Boy! que apareció en la Royal Command Performance de 1959. Wainer se convirtió en el punto focal de la banda -publicada como "la Liberace femenina"- con spots en solitario como cantante e instrumentista.

"Hice personalizar mi Hammond con sementales de cuero blanco acolchado y diamantes", recuerda. "Además, mi caniche se sentaba a mi lado. Me encantó cada minuto - ser reconocido en la calle, firmar autógrafos y cuando los fans lavaron mi auto rosado cuando estaba estacionado fuera del pasillo en Islington donde cada Oh Boy! fue ensayado".

Después de la edición final de Oh Boy! en 1959, Wainer protagonizó otra serie de ITV, Boy Meets Girls, dirigida a un público más amplio. "No tenía el mismo ritmo que Oh Boy", dijo Jack Good, "y fue un terrible error".

"No sentí lo mismo", dijo Wainer, "Tampoco lo ha hecho ninguna otra serie de televisión en la que haya participado desde entonces". Entre los espectáculos se encontraba Beat! Beat! Beat! un programa de televisión pop alemán en el que ella y Storer actuaron regularmente a mediados de la década de 1960 antes de su traslado a los Estados Unidos en 1968. En Estados Unidos tocaron en residencias en lugares de Las Vegas donde se establecieron.

Tras la muerte de Storer en 1977, Wainer se retiró como artista profesional. En 2013, en el momento de su aparición en Rock'n'Roll Britannia en la BBC4, trabajaba como asistente en una pequeña tienda de regalos.

Cherry Wainer, nacida el 2 de marzo de 1935, fallecida el 14 de noviembre de 2014