Lou Bennett • Pentacostal Feeling

Lou Bennett began as a bop pianist, then switched to organ and became a solid player in the late '50s. With Jimmy Smith's virtuostic approach as inspiration, Bennett left piano behind in 1956, and toured the East and Midwest with his organ trio from 1957 through 1959. Bennett left America for Paris in 1960. He recorded there, played at the city's Blue Note club with Jimmy Gourley and fellow expatriate Kenny Clarke, who became one of his regulars alongside Rene Thomas. Bennett made only one return visit to America, appearing at the 1964 Newport Jazz Festival. He led his own group during the '80s." -All Music Guide

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Lou Bennett fue el nombre artístico de Jean-Louis Benoît (n. Filadelfia, Estados Unidos, 18 de mayo de 1926 - Le Chesnay, Francia, 10 de febrero de 1997), músico organista de jazz norteamericano.

Lou Bennett tocó primero bebop al piano en algunos locales de Baltimore hasta 1956 y se decide por consagrarse al órgano tras escuchar la música de Jimmy Smith.

Gira por Estados Unidos con un trío de órgano entre 1957 y 1959, y se traslada a París en 1960 para iniciar su carrera europea, allí toca y graba en Blue Note con Jimmy Gourley y Kenny Clarke, así como con René Thomas, volverá solo en una ocasión a América, al Newport Jazz Festival de 1964.

Grabó además en los años 60 con Philip Catherine y Franco Manzecchi. En los años 80 tocó en su propio quinteto junto a Gerard Badini, entre otros, en ese período realizó giras por España, pasando por escenarios de Almería, Barcelona, La Coruña, Segovia y Madrid. En 1966 graba un disco junto a la cantante catalana Núria Feliu: Núria Feliu amb Lou Bennett i els seus amics y su disco Now hear my meaning editado en 1993 fue grabado en vivo en Barcelona.

Willie Bobo • Do What You Want To Do

 

Willie Bobo was one of the key players who fused influences from Latin soul, rock, and jazz in the late 1960s and 1970s. Willie went on to become an important band leader, whose music reflected the traditions of Spanish and Black Harlem. Born William Correa of Puerto Rican parents, in 1934, Willie was raised in New York City. In 1947, he worked as a band boy for Machito’s Afro-Cubans, one of the most popular Latin music ensembles of the era. Late at night, during the last set, he was sometimes allowed to sit in on bongos, getting his first taste of performing on a bandstand in the company of world class musicians. Good fortune led him to the side of Cuban conga legend Ramon “Mongo” Santamaria, a recent arrival in the Big Apple from Havana. In exchange for his services as Mongo’s much needed translator, the fledgling percussionist received lessons in Afro-Cuban techniques from the master. It was jazz pianist Mary Lou Williams who gave Willie the distinctive nickname “Bobo,” which he would soon adopt for his stage name and use for the rest of his life. The Spanish word means, among other things, “clown” or “funny man,” and was perfect to sum up Willie’s lighthearted demeanor and fun-loving attitude. He worked with Williams as a trap drummer and as a percussionist with Cuban big band leader Pérez Prado before being invited to join Santamaria in the rhythm section of Ernest “Tito” Puente’s mambo orchestra. The five years alongside Mongo and Puente produced what many scholarly observers consider to have been some of the finest Afro-Cuban percussion performances in “Top Percussion and Cuban Carnival” -- ever captured on tape. Bobo’s rendezvous with destiny, however, was just beginning. While still with Puente, he recorded with pianist George Shearing, on the pianists first album for Capitol, “The Shearing Spell.” Shearing would be the first of many jazz luminaries who would call on Bobo’s talents over the years. Throughout the 1950s, he accompanied numerous jazz artists such as Stan Getz, particularly on studio sessions--especially when everyone had to record a mambo or cha-cha somewhere in the course of their contract. Both he and Santamaria left Puente in 1957 and soon had another opportunity to make more Latin jazz history, joining vibraphonist Cal Tjader’s ensemble from 1958 to 1961 and participating on such landmark Tjader sessions as “Latino” and “Monterey Concerts.” Bobo partnered with the vibraphonist again in 1964 to record the top Latin jazz hit “Soul Sauce.” He and his former teacher Santamaria reunited in 1960 to record “Sabroso!” for Fantasy.

Soon after that, he picked up a contract as a solo artist for Roulette Records, which was looking for another artist to ride on the coattails of Ray Barretto's hit instrumental, "El Watusi." Bobo's career with Roulette ended about as quickly as the Watusi craze. Verve signed Bobo and quickly released his album, “Spanish Grease,” soon thereafter. When he began to lead his own groups in the mid 1960s, Bobo was quick to look to the popular culture of the day for inspiration. He was one of the pioneers of the boogaloo (bugalú) or “Spanish Soul” movement, a style known for its jaunty blend of R&B influences and Afro- Cuban rhythms that became wildly popular. On such albums as “Spanish Grease,” “Juicy,” “Spanish Blues Band” and “Uno Dos Tres,” Bobo rendered rock, pop, soul, Cuban and Brazilian songs with equal panache, substituting an electric guitar for the customary piano and emphasizing a funky, urban side of the style that expanded his audience even further. His recording of “Evil Ways,” for example, foreshadowed the hit version of the tune recorded by Santana a few years later. Like many of Verve's jazz artists, Bobo covered current pop hits as often as more serious Latin and jazz material. At the time, this choice was pretty much a sure-fire way to get panned by jazz critics, but in recent years, Bobo's albums have been reissued to new acclaim and provided a rich sampling source for breakbeat artists. He always has a strong following within the Puerto Rican community where he is still revered as a percussion legend. In the late 1960s, he moved to Los Angeles, where he worked as a session musician with Carlos Santana and others after his Verve contract expired. He played with the studio band on "The Cosby Show," and did other recordings as; “Tomorrow is Here,” in ’77 for Blue Note, and “Bobo,” in ’79 for Columbia. He reunited with Santamaria in 1983 at the Playboy Jazz Festival, and died the same year. Bobo’s son Eric released “Lost and Found,” in 2006 for Concord, it is, for the most part, a fine collection of unreleased recordings dating from the early to mid-'70s, when the artist was still at the peak of his creativity. Discovered by his son in the family home, the dozen tracks assembled here showcase Bobo in a number of settings. It is more of a tribute from a son than a best of compilation. For the uninitiated into Willie Bobo, and interested readers alike, I recommend “Willie Bobo’s Finest Hour,” as a good introduction into this man’s music. In an excellent review of this reissue by Thom Jurek he states: “What comes across so forcefully on the Bobo collection is that his ideas about music were progressive to the point of being oversimplified by others; Bobo saw all music as pop music and treated it as such on his records. His wish to make corner-bending sides for his friends in Harlem actually translates to the entire American populace very well, so well in their directness and emotional honesty -- as well sweet-grooving simplicity -- that sophisticated statements on race and class are played out in his pop music. For those who don't give a damn about this kind of analysis, it's safe to say that this set -- all 18 tracks of it -- constitutes one hell of a driving, partying, dancing, or goofing record straight from the heart to the street corner. This is amazing stuff.” Right On Willie !!
https://www.allaboutjazz.com/musicians/willie-bobo/

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Willie Bobo fue uno de los músicos clave que fusionó influencias del soul latino, el rock y el jazz a fines de la década de 1960 y 1970. Willie se convirtió en un importante líder de banda, cuya música reflejaba las tradiciones del Harlem español y negro. Nacido William Correa de padres puertorriqueños, en 1934, Willie se crió en la ciudad de Nueva York. En 1947, trabajó como chico de banda para Machito's Afro-Cubans, uno de los conjuntos de música latina más populares de la época. A altas horas de la noche, durante el último set, a veces se le permitía sentarse en los bongos, probando por primera vez tocar en un quiosco de música en compañía de músicos de clase mundial. La buena fortuna lo llevó al lado de la leyenda cubana de la conga Ramón "Mongo" Santamaría, recién llegado a la Gran Manzana desde La Habana. A cambio de sus servicios como traductor muy necesario de Mongo, el percusionista novato recibió lecciones de técnicas afrocubanas del maestro. Fue la pianista de jazz Mary Lou Williams quien le dio a Willie el apodo distintivo de "Bobo", que pronto adoptaría como su nombre artístico y usaría por el resto de su vida. La palabra en español significa, entre otras cosas, "payaso" u "hombre divertido", y fue perfecta para resumir el comportamiento alegre y la actitud amante de la diversión de Willie. Trabajó con Williams como baterista de trap y como percusionista con el líder de la big band cubana Pérez Prado antes de ser invitado a unirse a Santamaría en la sección rítmica de la orquesta de mambo de Ernest "Tito" Puente. Los cinco años junto a Mongo y Puente produjeron lo que muchos observadores académicos consideran que han sido algunas de las mejores actuaciones de percusión afrocubana en "La Mejor Percusión y el Carnaval Cubano", jamás capturadas en cinta. La cita de Bobo con el destino, sin embargo, apenas comenzaba. Mientras aún estaba con Puente, grabó con el pianista George Shearing, en el primer álbum de pianists para Capitol, " The Shearing Spell."Shearing sería la primera de muchas luminarias del jazz que recurrirían al talento de Bobo a lo largo de los años. A lo largo de la década de 1950, acompañó a numerosos artistas de jazz como Stan Getz, particularmente en sesiones de estudio, especialmente cuando todos tenían que grabar un mambo o cha-cha en algún momento de su contrato. Tanto él como Santamaría dejaron Puente en 1957 y pronto tuvieron otra oportunidad de hacer más historia del jazz latino, uniéndose al conjunto del vibrafonista Cal Tjader de 1958 a 1961 y participando en sesiones históricas de Tjader como los conciertos "Latino" y "Monterey"."Bobo se asoció nuevamente con el vibrafonista en 1964 para grabar el éxito más importante del jazz latino" Soul Sauce. Él y su ex maestra Santamaría se reunieron en 1960 para grabar " Sabroso!"por Fantasía.

Poco después de eso, consiguió un contrato como solista para Roulette Records, que buscaba otro artista para subirse al faldón del exitoso instrumental de Ray Barretto, "El Watusi."La carrera de Bobo con la Ruleta terminó tan rápido como la locura de los Watusi. Verve contrató a Bobo y rápidamente lanzó su álbum, "Spanish Grease", poco después. Cuando comenzó a liderar sus propios grupos a mediados de la década de 1960, Bobo se apresuró a buscar inspiración en la cultura popular de la época. Fue uno de los pioneros del movimiento boogaloo (bugalú) o "Alma Española", un estilo conocido por su alegre mezcla de influencias de R&B y ritmos afrocubanos que se hizo tremendamente popular. En álbumes como "Spanish Grease", "Juicy", "Spanish Blues Band" y "Uno Dos Tres", Bobo interpretó canciones de rock, pop, soul, cubanas y brasileñas con igual garbo, sustituyendo el piano habitual por una guitarra eléctrica y enfatizando un lado funky y urbano del estilo que expandió aún más a su audiencia. Su grabación de "Evil Ways", por ejemplo, presagió la exitosa versión de la canción grabada por Santana unos años más tarde. Como muchos de los artistas de jazz de Verve, Bobo cubrió éxitos pop actuales con tanta frecuencia como material latino y de jazz más serio. En ese momento, esta elección era prácticamente una forma segura de ser criticada por los críticos de jazz, pero en los últimos años, los álbumes de Bobo se han reeditado con nuevos elogios y han proporcionado una rica fuente de muestreo para los artistas de breakbeat. Siempre tiene un gran número de seguidores dentro de la comunidad puertorriqueña, donde todavía es venerado como una leyenda de la percusión. A fines de la década de 1960, se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como músico de sesión con Carlos Santana y otros después de que expirara su contrato con Verve. Tocó con la banda de estudio en "The Cosby Show" e hizo otras grabaciones como; "Tomorrow is Here", en el 77 para Blue Note, y "Bobo", en el 79 para Columbia. Se reunió con Santamaría en 1983 en el Festival de Jazz Playboy, y murió el mismo año. El hijo de Bobo, Eric, lanzó "Lost and Found" en 2006 para Concord, es, en su mayor parte, una excelente colección de grabaciones inéditas que datan de principios a mediados de los 70, cuando el artista aún estaba en la cima de su creatividad. Descubiertas por su hijo en la casa familiar, las doce pistas reunidas aquí muestran a Bobo en varios escenarios. Es más un tributo de un hijo que lo mejor de la compilación. Para los no iniciados en Willie Bobo, y para los lectores interesados por igual, recomiendo "Willie Bobo's Finest Hour", como una buena introducción a la música de este hombre. En una excelente reseña de esta reedición de Thom Jurek afirma: "Lo que se ve con tanta fuerza en The Bobo collection es que sus ideas sobre la música eran progresivas hasta el punto de ser simplificadas por otros; Bobo veía toda la música como música pop y la trataba como tal en sus discos. Su deseo de hacer lados que doblen las esquinas para sus amigos en Harlem en realidad se traduce muy bien en toda la población estadounidense, tan bien en su franqueza y honestidad emocional, así como en su simplicidad dulce, que las declaraciones sofisticadas sobre raza y clase se reproducen en su música pop. Para aquellos a quienes les importa un comino este tipo de análisis, es seguro decir que este set, las 18 pistas, constituye un disco infernal de conducción, fiesta, baile o tonterías directamente desde el corazón hasta la esquina de la calle. Esto es algo asombroso."¡Justo En Willie !!
https://www.allaboutjazz.com/musicians/willie-bobo/

Ken Mcintyre • Home

 

Review
by Scott Yanow
This excellent outing by multi-reedist Ken McIntyre ranges musically in his ten originals from a blues, the ballad "Charlotte," and a tribute to John Coltrane ("Sea Train") to freer pieces. McIntyre is heard on alto, flute, bassoon, oboe and bass clarinet and is joined by a stimulating rhythm section consisting of pianist Jaki Byard (who plays electric piano on the title cut), bassist Reggie Workman and drummer Andrei Strobert. The post-bop music is consistently inventive and easily recommended.
https://www.allmusic.com/album/home-mw0000856573


Biography
by Scott Yanow
A versatile player with a thoughtful style who can play quite freely, Ken McIntyre has never been a major name in jazz despite his talents. After serving in the military and graduating from the Boston Conservatory, he arrived in New York in 1960 and made a strong impression. He recorded two albums for New Jazz that year, including one on which he held his own against Eric Dolphy. McIntyre also led two now-scarce records for United Artists during 1962-1963 (including one titled Way Way Out) but became involved in education, teaching in public schools starting in 1961. He continued playing on a part-time basis (recording with Cecil Taylor in 1966). McIntyre led five albums for SteepleChase during 1974-1978, including his definitive set Hindsight (which finds him spotlighting each of his five horns in a quartet). He also recorded with Craig Harris in 1983 and put together an Eric Dolphy tribute set for Serene in 1991, but Ken McIntyre never gained the recognition he deserved. In the early '90s, he adopted the first name of Makanda and in June 2001, he released his first recording in years, entitled A New Beginning. Multi-instumentalist and music educator Dr. Makanda Ken McIntyre passed away at the age of 69 as a result of a heart attack on Wednesday, June 13, 2001, at his home in Harlem, NY .
https://www.allmusic.com/artist/ken-mcintyre-mn0000766122/biography

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Reseña
por Scott Yanow
Esta excelente salida del multireedista Ken McIntyre varía musicalmente en sus diez originales desde un blues, la balada "Charlotte", y un homenaje a John Coltrane ("Sea Train") hasta piezas más libres. McIntyre toca el contralto, la flauta, el fagot, el oboe y el clarinete bajo, y está acompañado por una estimulante sección rítmica formada por el pianista Jaki Byard (que toca el piano eléctrico en el corte que da título al disco), el bajista Reggie Workman y el batería Andrei Strobert. La música post-bop es consistentemente inventiva y fácilmente recomendable.
https://www.allmusic.com/album/home-mw0000856573


Biografía
por Scott Yanow
Un músico versátil con un estilo reflexivo que puede tocar con bastante libertad, Ken McIntyre nunca ha sido un nombre importante en el jazz a pesar de su talento. Después de servir en el ejército y graduarse en el Conservatorio de Boston, llegó a Nueva York en 1960 y causó una fuerte impresión. Ese año grabó dos álbumes para New Jazz, incluido uno en el que se enfrentó a Eric Dolphy. McIntyre también dirigió dos discos, ahora escasos, para United Artists durante 1962-1963 (incluido uno titulado Way Way Out), pero se dedicó a la educación, dando clases en escuelas públicas a partir de 1961. Siguió tocando a tiempo parcial (grabando con Cecil Taylor en 1966). McIntyre dirigió cinco álbumes para SteepleChase durante 1974-1978, incluido su conjunto definitivo Hindsight (en el que destaca cada una de sus cinco trompas en un cuarteto). También grabó con Craig Harris en 1983 y preparó un conjunto de homenaje a Eric Dolphy para Serene en 1991, pero Ken McIntyre nunca obtuvo el reconocimiento que merecía. A principios de los 90, adoptó el nombre de Makanda y en junio de 2001 publicó su primera grabación en años, titulada A New Beginning. El multiinstrumentista y educador musical Dr. Makanda Ken McIntyre falleció a la edad de 69 años como consecuencia de un ataque al corazón el miércoles 13 de junio de 2001 en su casa de Harlem, Nueva York.
https://www.allmusic.com/artist/ken-mcintyre-mn0000766122/biography

Laurindo Almeida • Guitar Music Of Spain

 

Biography by arwulf arwulf
During a long and uncommonly productive career, Brazilian guitarist Laurindo Almeida achieved a ubiquity in popular music that has yet to be fully recognized. Largely responsible for the Brazilian/North American "samba jazz" that would eventually catch on in the form of a musical trend known as bossa nova, he played behind dozens of well-known pop vocalists and improved the overall texture of many a studio production ensemble. One credible estimate states that Almeida contributed to no less than 800 film soundtracks (among them The Old Man and the Sea, How the West Was Won, and Breakfast at Tiffany's), as well as countless TV scores. He also authored a series of guitar instruction books that are still in use worldwide. A master improviser and a skilled arranger as well as a brilliant interpreter of classical repertoire, he left for posterity superb recordings of works by J.S. Bach, Fryderyk Chopin, Claude Debussy, and Joaquín Rodrigo as well as a host of Brazilian composers including Heitor Villa-Lobos, Radamés Gnattali, and Alfredo Vianna. Almeida's own chamber compositions include a concerto for guitar and orchestra.

Laurindo Jose de Araujo Almeida Nobrega Neto was born in the village of Prainha near the Port of Santos in the state of São Paulo, Brazil, on September 2, 1917. He received his first musical instruction from his mother, a classically trained pianist, and credited her fondness for the music of Fryderyk Chopin as a primary influence. After observing his sister being given guitar lessons, "Lindo" borrowed her instrument and retreated to a barn where he taught himself to play entirely by ear, transferring what he'd heard his mother play on the piano to the strings of the guitar. Many years later he would declare his preference for the direct intimacy of the guitar as opposed to the more percussive piano. By the age of nine he had become uncommonly skilled and was well on the way to becoming a guitar virtuoso; it was then that he lost his father to typhoid fever. At 12 he relocated to São Paulo with his brother. He joined the Revolutionary Army at 15 and was wounded in a civil conflagration. While recuperating in a hospital he met Garoto, a nationally respected guitarist who was visiting to perform for the patients. Within a few years, Almeida would perform and record extensively with Garoto.

In 1935 Almeida moved to Rio de Janeiro, where he teamed up with singer and tenor guitarist Nestor Amaral and began working in radio while becoming active as a songwriter, arranger, and multi-instrumentalist and performing regularly at the Casino da Urea. He composed folk songs, fox trots, sambas, choros, waltzes, and comedic airs, and worked with a broad range of artists including choro master Pixinguinha. He also collected 78-rpm jazz records, and was especially fond of the way Fats Waller played the piano. In 1936, at the age of 19, he got a job (playing banjo for the most part so as to be heard) for half a year on the Cuyaba, a cruise ship that docked in every country along the coast of Europe from Spain to Germany. While visiting Paris he was able to hear Django Reinhardt and Stéphane Grappelli in person. In 1941 he played the Casino Copacabana, and switched over to the Casino Balneario da Urca the following year. It was there that he met a Portuguese ballerina named Natalia (Maria Miguelina Ferreira Ribeiro) in 1944 and married her shortly afterwards.

After touring north with Carmen Miranda, Laurindo Almeida moved to Los Angeles in 1947, and was able to do so because of royalties received from the sale of his tune "Johnny Pedlar," made famous as "Johnny Peddler" by popular acts like Jimmy Dorsey, Les Brown, and the Andrews Sisters. He performed in Laguna Beach with Nestor Amaral, José Oliveira, and violinist Elisabeth Waldo and appeared in a variety show with vocalist Dennis Day and comedians Victor Borge and Red Skelton, and in movies with Jimmy Durante and Danny Kaye. What made Almeida so different from anyone else on the scene at the time was his practice of using only his fingers on the guitar strings; everybody else used picks. When asked who his favorite guitarists were, he gave an answer that was emblematic of his entire career: classical virtuoso Andrés Segovia and Oscar Moore of the King Cole Trio. Almeida's film production work brought him to the attention of bandleader Stan Kenton, who hired and featured him while absorbing stylistic elements of the northeast Brazilian baiao, the samba, and the choro. Kenton eventually composed "Lament" especially for the guitarist. Almeida's direct involvement with Kenton's orchestra lasted until 1952. His first album as a solo artist, Concert Creations for Guitar, was released in 1950 by Kenton's host label, Capitol.

Just as Machito, Dizzy Gillespie, and Chano Pozo had enlivened the scene with their Afro-Cuban jazz during the late '40s, Laurindo Almeida's session work during his first decade in the U.S. pollinated the modern jazz scene with rhythms and melodies from Brazil. During the years 1953-1958, he recorded several jazz samba albums with saxophonist Bud Shank that have since come to be regarded as precursors of the bossa nova trend of the late '50s and early '60s. In addition to steady session work with vocalists like June Christy, Rosemary Clooney, Nat King Cole, Bing Crosby, Doris Day, Frankie Laine, Peggy Lee, Robert Mitchum, Connie Russell, Frank Sinatra, Martha Tilton, Mel Tormé, Kitty White, and vocal groups like the Four Freshmen, the Hi-Lo's, and the Platters, Almeida collaborated with bandleader Ray Anthony, pianist George Shearing, multi-instrumentalist Herbie Mann, space age pop music's Juan Garcia Esquivel, Kenton's right-hand man Pete Rugolo, and Hollywood's master of movie music Henry Mancini.

Between 1960 and 1967 Almeida put out no less than nine pop-oriented albums for Capitol; these were in addition to at least as many "classical" titles for that label. When the bossa nova craze really set in, Almeida brought an authentic Brazilian presence to records by Stan Getz, Shorty Rogers, and Cal Tjader; he also assisted with a Harry Belafonte Christmas LP and cut an album with the Modern Jazz Quartet, touring with them throughout all of Europe. While continuing to work with Mancini, he practiced anonymity as a member of Guitars Unlimited and the 50 Guitars of Tommy Garrett, sat in with bandleader Gerald Wilson, backed Dean Martin and Sammy Davis, Jr., and shared a session with trumpeter Rafael Méndez. In 1968 he played on the soundtrack of the film Charly, based upon Flowers for Algernon, a novel by Daniel Keyes.

In 1970 Almeida was one of the musicians backing Phil Ochs on his Greatest Hits album, produced by Van Dyke Parks, who invited the guitarist back to record the album Discover America in 1972. In 1974 Almeida and Bud Shank formed the L.A. 4 with bassist Ray Brown and drummer Shelly Manne (later replaced by Jeff Hamilton); this unit would eventually turn out at least eight albums, mostly for the Concord label, with which Almeida would be closely associated for the rest of his days. During the 1980s he performed with his second wife, Canadian soprano Deltra Ruth Eamon; he also recorded several albums with guitarist Charlie Byrd and led a trio at Disney World in Orlando, FL. In 1988 he formed a three-piece unit called Guitarjam with Sharon Isbin and Larry Coryell. Laurindo Almeida never failed to get behind musicians who earned his respect, and was especially supportive of other guitarists, including fellow Brazilian Baden Powell and classicist Paulo Bellinati. At the age of 74 he cut a live album (Outra Vez) with his trio at a club near San Diego, performing (in addition to his own compositions) works by Antonio Carlos Jobim, Enriqué Granados, Thelonious Monk, Ludwig van Beethoven, Irving Berlin, and Antonin Dvorák. This intriguingly diverse selection was typical of Laurindo Almeida, who passed away on July 26, 1995, in Van Nuys, CA.
https://www.allmusic.com/artist/laurindo-almeida-mn0000761478#biography

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Biografía de arwulf arwulf
Durante una carrera larga y extraordinariamente productiva, el guitarrista brasileño Laurindo Almeida logró una ubicuidad en la música popular que aún no ha sido plenamente reconocida. En gran parte responsable del "samba jazz" brasileño/norteamericano que eventualmente se popularizaría en la forma de una tendencia musical conocida como bossa nova, tocó detrás de docenas de conocidos vocalistas pop y mejoró la textura general de muchos conjuntos de producción de estudio. Una estimación creíble afirma que Almeida contribuyó a no menos de 800 bandas sonoras de películas (entre ellas The Old Man and the Sea, How the West Was Won y Breakfast at Tiffany's), así como a innumerables bandas sonoras de televisión. También es autor de una serie de libros de instrucciones de guitarra que todavía se usan en todo el mundo. Maestro improvisador y hábil arreglista, así como brillante intérprete de repertorio clásico, dejó para la posteridad magníficas grabaciones de obras de J. S. Bach, Fryderyk Chopin, Claude Debussy y Joaquín Rodrigo, así como una gran cantidad de compositores brasileños, incluidos Heitor Villa-Lobos, Radamés Gnattali y Alfredo Vianna. Las composiciones de cámara de Almeida incluyen un concierto para guitarra y orquesta.

Laurindo José de Araujo Almeida Nobrega Neto nació en el pueblo de Prainha, cerca del puerto de Santos, en el estado de São Paulo, Brasil, el 2 de septiembre de 1917. Recibió su primera instrucción musical de su madre, una pianista de formación clásica, y atribuyó su afición por la música de Fryderyk Chopin como influencia principal. Después de observar a su hermana recibiendo lecciones de guitarra, "Lindo" tomó prestado su instrumento y se retiró a un granero donde aprendió a tocar completamente de oído, transfiriendo lo que había escuchado tocar a su madre en el piano a las cuerdas de la guitarra. Muchos años después declararía su preferencia por la intimidad directa de la guitarra frente al piano más percusivo. A la edad de nueve años se había vuelto extraordinariamente hábil y estaba en camino de convertirse en un virtuoso de la guitarra; fue entonces cuando perdió a su padre a causa de la fiebre tifoidea. A los 12 años se mudó a São Paulo con su hermano. Se unió al Ejército Revolucionario a los 15 años y resultó herido en una conflagración civil. Mientras se recuperaba en un hospital conoció a Garoto, un guitarrista respetado a nivel nacional que estaba de visita para tocar para los pacientes. En pocos años, Almeida actuaría y grabaría extensamente con Garoto.

En 1935 Almeida se mudó a Río de Janeiro, donde se asoció con el cantante y guitarrista tenor Nestor Amaral y comenzó a trabajar en la radio mientras se volvía activo como compositor, arreglista y multiinstrumentista y actuaba regularmente en el Casino da Urea. Compuso canciones folclóricas, fox trots, sambas, choros, valses y aires cómicos, y trabajó con una amplia gama de artistas, incluido el maestro del choro Pixinguinha. También coleccionaba discos de jazz de 78 rpm, y le gustaba especialmente la forma en que Fats Waller tocaba el piano. En 1936, a la edad de 19 años, consiguió un trabajo (tocando el banjo en su mayor parte para ser escuchado) durante medio año en el Cuyaba, un crucero que atracaba en todos los países de la costa de Europa, desde España hasta Alemania. Mientras visitaba París, pudo escuchar a Django Reinhardt y Stéphane Grappelli en persona. En 1941 tocó en el Casino Copacabana, y se cambió al Casino Balneario da Urca al año siguiente. Fue allí donde conoció a una bailarina portuguesa llamada Natalia (Maria Miguelina Ferreira Ribeiro) en 1944 y se casó con ella poco después.

Después de hacer una gira por el norte con Carmen Miranda, Laurindo Almeida se mudó a Los Ángeles en 1947 y pudo hacerlo gracias a las regalías recibidas por la venta de su canción "Johnny Pedlar", que se hizo famosa como "Johnny Peddler" por actos populares como Jimmy Dorsey, Les Brown y the Andrews Sisters. Actuó en Laguna Beach con Nestor Amaral, José Oliveira y la violinista Elisabeth Waldo y apareció en un programa de variedades con el vocalista Dennis Day y los comediantes Victor Borge y Red Skelton, y en películas con Jimmy Durante y Danny Kaye. Lo que hizo a Almeida tan diferente de cualquier otra persona en la escena en ese momento fue su práctica de usar solo sus dedos en las cuerdas de la guitarra; todos los demás usaban púas. Cuando se le preguntó quiénes eran sus guitarristas favoritos, dio una respuesta emblemática de toda su carrera: el virtuoso clásico Andrés Segovia y Oscar Moore del Trío King Cole. El trabajo de producción cinematográfica de Almeida llamó la atención del líder de la banda Stan Kenton, quien lo contrató y presentó mientras absorbía elementos estilísticos del baiao del noreste de Brasil, la samba y el choro. Kenton eventualmente compuso "Lament" especialmente para el guitarrista. La participación directa de Almeida con la orquesta de Kenton duró hasta 1952. Su primer álbum como solista, Concert Creations for Guitar, fue lanzado en 1950 por el sello anfitrión de Kenton, Capitol.

Así como Machito, Dizzy Gillespie y Chano Pozo animaron la escena con su jazz afrocubano a fines de los 40, el trabajo de sesión de Laurindo Almeida durante su primera década en los EE.UU. polinizó la escena del jazz moderno con ritmos y melodías de Brasil. Durante los años 1953-1958, grabó varios álbumes de jazz samba con el saxofonista Bud Shank que desde entonces se han considerado precursores de la tendencia bossa nova de finales de los 50 y principios de los 60. Además de trabajar en sesiones constantes con vocalistas como June Christy, Rosemary Clooney, Nat King Cole, Bing Crosby, Doris Day, Frankie Laine, Peggy Lee, Robert Mitchum, Connie Russell, Frank Sinatra, Martha Tilton, Mel Tormé, Kitty White y grupos vocales como The Four Freshmen, The Hi-Lo's y the Platters, Almeida colaboró con el líder de la banda Ray Anthony, el pianista George Shearing, el multiinstrumentista Herbie Mann, Juan García Esquivel de space age pop Music, Pete Rugolo, mano derecha de Kenton, y Henry Mancini, maestro de la música cinematográfica de Hollywood.

Entre 1960 y 1967 Almeida lanzó no menos de nueve álbumes orientados al pop para Capitol; estos se sumaron al menos a otros tantos títulos "clásicos" para ese sello. Cuando realmente comenzó la locura de la bossa nova, Almeida trajo una auténtica presencia brasileña a los discos de Stan Getz, Shorty Rogers y Cal Tjader; también ayudó con un LP Navideño de Harry Belafonte y grabó un álbum con el Cuarteto de Jazz Moderno, girando con ellos por toda Europa. Mientras continuaba trabajando con Mancini, practicó el anonimato como miembro de Guitars Unlimited y the 50 Guitars of Tommy Garrett, se sentó con el líder de la banda Gerald Wilson, respaldó a Dean Martin y Sammy Davis, Jr., y compartió una sesión con el trompetista Rafael Méndez. En 1968 participó en la banda sonora de la película Charly, basada en Flowers for Algernon, una novela de Daniel Keyes.

En 1970 Almeida fue uno de los músicos que respaldó a Phil Ochs en su álbum de Grandes éxitos, producido por Van Dyke Parks, quien invitó al guitarrista a volver a grabar el álbum Discover America en 1972. En 1974 Almeida y Bud Shank formaron The L. A. 4 con el bajista Ray Brown y la baterista Shelly Manne (luego reemplazada por Jeff Hamilton); esta unidad eventualmente produciría al menos ocho álbumes, la mayoría para el sello Concord, con el que Almeida estaría estrechamente asociado durante el resto de sus días. Durante la década de 1980 actuó con su segunda esposa, la soprano canadiense Deltra Ruth Eamon; también grabó varios álbumes con el guitarrista Charlie Byrd y dirigió un trío en Disney World en Orlando, Florida. En 1988 formó una unidad de tres piezas llamada Guitarjam con Sharon Isbin y Larry Coryell. Laurindo Almeida nunca dejó de apoyar a músicos que se ganaron su respeto, y apoyó especialmente a otros guitarristas, incluidos su compatriota brasileño Baden Powell y el clasicista Paulo Bellinati. A los 74 años grabó un álbum en vivo (Outra Vez) con su trío en un club cerca de San Diego, interpretando (además de sus propias composiciones) obras de Antonio Carlos Jobim, Enriqué Granados, Thelonious Monk, Ludwig van Beethoven, Irving Berlin y Antonin Dvorák. Esta selección intrigantemente diversa fue típica de Laurindo Almeida, quien falleció el 26 de julio de 1995 en Van Nuys, California.
https://www.allmusic.com/artist/laurindo-almeida-mn0000761478#biography

Jackie McLean • Lights Out!

 

Review by Scott Yanow
Altoist Jackie McLean's second session as a leader is reissued on this CD. The music that he makes with trumpeter Donald Byrd, pianist Elmo Hope, bassist Doug Watkins and drummer Art Taylor is essentially hard bop with fairly simple (or in some cases nonexistent) melody statements preceding two romps through the "I Got Rhythm" chord changes, a pair of blues, a thinly disguised "Embraceable You" and a straightforward version of "A Foggy Day." Enjoyable if not really essential music from the up-and-coming artists.
https://www.allmusic.com/album/lights-out%21-mw0000203392

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Reseña de Scott Yanow
La segunda sesión de la altoista Jackie McLean como líder se reedita en este CD. La música que hace con el trompetista Donald Byrd, el pianista Elmo Hope, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Taylor es esencialmente hard bop con declaraciones melódicas bastante simples (o en algunos casos inexistentes) que preceden a dos retozos a través de los cambios de acordes de "I Got Rhythm", un par de blues, un "Embraceable You" apenas disfrazado y una versión sencilla de "A Foggy Day."Música agradable, si no realmente esencial, de los artistas emergentes.
https://www.allmusic.com/album/lights-out%21-mw0000203392