Lou Bennett • Now Hear My Meaning

"Lou Bennett began as a bop pianist, then switched to organ and became a solid player in the late '50s. With Jimmy Smith's virtuostic approach as inspiration, Bennett left piano behind in 1956, and toured the East and Midwest with his organ trio from 1957 through 1959. Bennett left America for Paris in 1960. He recorded there, played at the city's Blue Note club with Jimmy Gourley and fellow expatriate Kenny Clarke, who became one of his regulars alongside Rene Thomas. Bennett made only one return visit to America, appearing at the 1964 Newport Jazz Festival. He led his own group during the '80s." -All Music Guide

Review:

Seated in Europe for decades, this is the last album of a short but enjoyable discography. A two-day tour-de-force session recorded live in Barcelona, featuring the classic Lou Bennett sturdy soul-jazz organ, backed by saxophonist Abdu Salim, Ximo Tebar, a young straight-ahead bop guitar player from Valencia, and the funk master drumming of Idris Muhammad, altogether create a remarkably full sound atmosphere. A rare must have for collectors.

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Lou Bennett fue el nombre artístico de Jean-Louis Benoît (n. Filadelfia, Estados Unidos, 18 de mayo de 1926 - Le Chesnay, Francia, 10 de febrero de 1997), músico organista de jazz norteamericano.

Lou Bennett tocó primero bebop al piano en algunos locales de Baltimore hasta 1956 y se decide por consagrarse al órgano tras escuchar la música de Jimmy Smith.

Gira por Estados Unidos con un trío de órgano entre 1957 y 1959, y se traslada a París en 1960 para iniciar su carrera europea, allí toca y graba en Blue Note con Jimmy Gourley y Kenny Clarke, así como con René Thomas, volverá solo en una ocasión a América, al Newport Jazz Festival de 1964.

Grabó además en los años 60 con Philip Catherine y Franco Manzecchi. En los años 80 tocó en su propio quinteto junto a Gerard Badini, entre otros, en ese período realizó giras por España, pasando por escenarios de Almería, Barcelona, La Coruña, Segovia y Madrid. En 1966 graba un disco junto a la cantante catalana Núria Feliu: Núria Feliu amb Lou Bennett i els seus amics y su disco Now hear my meaning editado en 1993 fue grabado en vivo en Barcelona.

Revisión:
Sentado en Europa durante décadas, este es el último álbum de una discografía corta pero agradable. Una sesión de dos días de tour-de-force grabada en vivo en Barcelona, con el clásico Lou Bennett, el robusto órgano de soul-jazz, respaldado por el saxofonista Abdu Salim, Ximo Tebar, un joven guitarrista de Valencia, y el maestro del funk. Los tambores de Idris Muhammad crean una atmósfera de sonido notablemente completa. Un raro debe tener para los coleccionistas.

Isla Eckinger & Riner Scivally • Duets

Guitarist Riner Scivally and bassist Isla Eckinger have worked together all over Southern California now for over twenty years. Both have brought an exquisite melodic impression, as well as a powerful rhythmic foundation, to their various projects, sharing great jazz with a who's who of Los Angeles performers.

This time out, however, it's just the two of them. Scivally and Eckinger romp and stroll through this program of originals and standards with facility, enjoying the ride. Eckinger's bass solos and Scivally's guitar improvisations spark a creative interest that won't let up. Together, they provide a warm program that stands proud on the jazz and blues tradition.

Eckinger switches to trombone for "Michigan Girl, "Swifts and "Lament, bringing a laid-back ambience to the duet session. He reaches all the way back to jazz's earliest and earthiest roots for these selections, exploring the melodies with a carefree air while Scivally provides the rhythmic foundation. The guitarist's lovely solo stretch on J.J. Johnson's "Lament serves as a centerpiece for the album, reminding us that melody, rhythm and improvisation make perfect partners.

On vibraphone for "That's a Wrap, "Re-Wrap, "Out of the Green, "Stardust, "Blues for Pili and "Groovin' High, Eckinger provides a layered harmony and embellished melody while Scivally supplies the rhythm. Their partnership allows them to swing with a comfortable texture common to the straight-ahead philosophy.

On double bass for "Blues in the Closet, "A Smooth One, "Four on Six and "Mr. Blue, Eckinger provides a mainstream rhythm-oriented approach while the guitar steps out in an animated fashion. Both artists provide lovely solo spots, and these guitar/bass selections stand out as the album's best tracks. "Mr. Blue, dedicated to the memory of the late guitarist Stevie Ray Vaughan, finds both the guitarist and the bassist at the top of their form, with expressive fingers on fire.

As two formidable veterans in the contemporary field of straight-ahead jazz, Scivally and Eckinger say it all with class on Duets.

https://www.allaboutjazz.com/duets-riner-scivally-talking-dog-review-by-jim-santella.php

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El guitarrista Riner Scivally y el bajista Isla Eckinger han trabajado juntos en todo el sur de California por más de veinte años. Ambos han traído una exquisita impresión melódica, así como una poderosa base rítmica, a sus diversos proyectos, compartiendo un gran jazz con los artistas de los Ángeles.

Esta vez, sin embargo, son solo ellos dos. Scivally y Eckinger juguetean y pasean por este programa de originales y estándares con facilidad, disfrutando del viaje. Los solos de bajo de Eckinger y las improvisaciones de guitarra de Scivally despiertan un interés creativo que no cede. Juntos, brindan un programa cálido que se enorgullece de la tradición del jazz y el blues.

Eckinger cambia a trombón para "Michigan Girl", Swifts y "Lament, que le da un ambiente relajado a la sesión de dúo. Se remonta a las raíces más antiguas y terrenales del jazz para estas selecciones, explorando las melodías con aire despreocupado mientras Scivally proporciona la base rítmica. El encantador tramo en solitario del guitarrista en JJ Johnson's "Lament sirve como pieza central para el álbum, y nos recuerda que la melodía, el ritmo y la improvisación son compañeros perfectos.

En vibráfono para "That's a Wrap", Re-Wrap, "Out of the Green", Stardust, "Blues for Pili" y "Groovin 'High", Eckinger ofrece una armonía en capas y una melodía adornada mientras Scivally proporciona el ritmo. Su asociación les permite balancearse con una textura cómoda común a la filosofía directa.

En contrabajo para "Blues in the Closet", A Smooth One, "Four on Six" y "Mr. Azul, Eckinger proporciona un enfoque principal orientado al ritmo, mientras que la guitarra sale de forma animada. Ambos artistas brindan encantadores espacios para solistas, y estas selecciones de guitarra / bajo se destacan como las mejores pistas del álbum. "El Sr. Blue, dedicado a la memoria del fallecido guitarrista Stevie Ray Vaughan, encuentra al guitarrista y al bajista en la parte superior de su forma, con expresivos dedos en llamas.

Como dos veteranos formidables en el campo contemporáneo del jazz directo, Scivally y Eckinger lo dicen todo con clase en Duets.

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Marcel Loeffler • Source Manouche

 

Initié par son père guitariste, il choisit l'accordéon comme instrument de prédilection. Il connaît l'expérience de la scène dès l'âge de 8 ans, en compagnie de son frère, à la batterie, et de son père. Il explique : "C'est à cette époque que j'ai commencé à écouter les grands accordéonistes de jazz Gus Viseur et Art Van Damme. J'ai passé des nuits blanches à essayer de les copier !"
Ses expériences et ses rencontres le mènent à jouer du piano et du synthé et à s'intéresser à d'autres genres musicaux. Il déclare à ce sujet : "Je me suis inspiré des musiques du monde. J'adore les musiques d'Europe Centrale, d'Afrique du Nord, le jazz américain et la bonne chanson française."

On retrouve certaines de ces influences sur son premier disque solo "Vago". La richesse de la musique de Marcel Loeffler vient sans doute de ce métissage, de cette palette aux couleurs variées et d'une très grande sensibilité.

Si ses racines se situent bien sûr du côté du jazz manouche, Marcel a très vite élargi son horizon en s'intéressant de très près au travail de musiciens comme Chick Corea ou Herbie Hancock, et en se passionnant pour le travail du son.

La musique est toute sa vie. Compagnon de route du guitariste Mandino Reinhardt depuis une vingtaine d'années au sein du groupe "Sweet Chorus" puis de "Note Manouche", Marcel a sorti son premier CD sous le nom de "Vago" (roulotte)
Noblesse des mélodies
Improvisateur subtil et tout en retenue, Marcel Loeffler s'est rapidement exprimé avec des compositions aussi éthérées que personnelles. La pureté de ses thèmes, la noblesse des ses mélodies et la force qui innerve chacune de ses pièces, habillent son jazz de reliefs chatoyants. Limpides et curieusement aimantés, par fois hypnotiques, ils retiennent l'oreille dès les premières mesures. La reconnaissance de son art est aussi, pour lui, celle de son instrument. "Pendant longtemps, on a entendu l'accordéon derrière des chanteurs français, de Brel à Renaud, et il restait pour beaucoup un instrument à faire danser ou d'accompagnement... Aujourd'hui, je crois qu'il a enfin retrouvé la place qui est la sienne."
http://www.djangostation.com/Marcel-Loeffler,383.html


Source Manouche
Il y a des disques comme ça qui, sans qu’on puisse savoir pourquoi, vous portent. Dès la première écoute, les morceaux nous paraissent familiers et évidents. Pas d’esbroufes, ça swing. Pas ce swing ravageur qui veut tout emporter mais ce balancement enivrant qui obsède. Pourtant la technique et la virtuosité sont là, mais au service du phrasé. C’est la simplicité et l’émotion qui prime. C’est en famille de sang et de coeur que cet album a pris sa source... manouche. Yorgui Loeffler en soliste est le bon complément avec notamment une très belle composition - "Ruby" - bien mieux mise en valeur ici que sur "For Magnio". La version de "Joshua fit the battle of Jericho" chanté par "Lisa Doby" à la voix veloutée devient une prière swing. La version de "La ballade irlandaise" en accordéon solo est pleine de couleur.
Le duo avec Biréli sur "Fiso place" (en second extrait) est tout simplement magnifique. La guitare soutient à merveille un accordéon qui décolle. Chaque instrument est au service de l’autre. Le solo de Biréli est... Birélien ! C’est la liberté entre eux deux... un grand moment. Mais le plus important est la "douce ambiance" qui colore d’un bout à l’autre le disque. Il est toujours difficile de rendre un album cohérent avec autant d’univers différents, de rencontres, de voyage, d’instruments et de son différents, mais pourtant l’album est un tout. Tout se marie autour d’un fil rouge porté par l’accordéon. Bref un coup de coeur !!!
http://www.djangostation.com/Source-Manouche,326.html

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Initiated by his guitarist father, he chose the accordion as his preferred instrument. He knows the experience of the stage from the age of 8 years old, with his brother, on drums, and his father. He explains: "It was at this time that I started listening to the great jazz accordionists Gus Viseur and Art Van Damme. I spent sleepless nights trying to copy them!"
His experiences and encounters led him to play the piano and the synthesizer and to become interested in other musical genres. He states on this subject: "I was inspired by world music. I love the music of Central Europe, North Africa, American jazz and good French chanson".

Some of these influences can be found on his first solo album "Vago". The richness of Marcel Loeffler's music undoubtedly comes from this crossbreeding, this palette of varied colors and a very great sensitivity.

If his roots are of course on the side of gypsy jazz, Marcel very quickly broadened his horizon by taking a close interest in the work of musicians such as Chick Corea or Herbie Hancock, and by being passionate about the work of sound.

Music is his whole life. Marcel has been a traveling companion of guitarist Mandino Reinhardt for about twenty years in the band "Sweet Chorus" and then "Note Manouche". Marcel released his first CD under the name "Vago" (caravan).
Nobility of melodies
A subtle and restrained improviser, Marcel Loeffler quickly expressed himself with compositions as ethereal as they were personal. The purity of his themes, the nobility of his melodies and the strength that innervates each of his pieces, dress his jazz with shimmering reliefs. Limpid and curiously magnetized, at times hypnotic, they hold the ear from the very first bars. The recognition of his art is also, for him, that of his instrument. "For a long time, the accordion was heard behind French singers, from Brel to Renaud, and it remained for many an instrument to be danced or accompanied... Today, I believe that it has finally found its rightful place."
http://www.djangostation.com/Marcel-Loeffler,383.html


Source Manouche
There are records like that that, without anyone knowing why, carry you. From the very first listening, the tracks seem familiar and obvious. No bluster, it's swinging. Not that devastating swing that wants to take it all away, but that intoxicating swing that obsesses. Yet the technique and virtuosity are there, but in the service of the phrasing. It is simplicity and emotion that prevails. It is in a family of blood and heart that this album was born... gypsy. Yorgui Loeffler as a soloist is the right complement with notably a very beautiful composition - "Ruby" - much better highlighted here than on "For Magnio". The version of "Joshua fit the battle of Jericho" sung by "Lisa Doby" with her velvety voice becomes a swing prayer. The version of "La ballade irlandaise" in solo accordion is full of color.
The duet with Biréli on "Fiso place" (second excerpt) is simply magnificent. The guitar supports wonderfully an accordion that takes off. Each instrument is at the service of the other. Biréli's solo is... Birélian ! It's the freedom between the two of them... a great moment. But the most important thing is the "soft atmosphere" that colors the record from one end to the other. It is always difficult to make an album coherent with so many different worlds, so many different encounters, so many different journeys, so many different instruments and sounds, but nevertheless the album is a whole. Everything blends around a red thread carried by the accordion. In short, it's a "coup de coeur" !!
http://www.djangostation.com/Source-Manouche,326.html

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Iniciado por su padre guitarrista, eligió el acordeón como su instrumento preferido. Ha estado tocando en vivo en el escenario desde los 8 años, con su hermano en la batería y su padre. Explica: "Fue entonces cuando empecé a escuchar a los grandes acordeonistas de jazz Gus Viseur y Art Van Damme. ¡Pasé noches de insomnio tratando de copiarlos!"
Sus experiencias y encuentros le llevaron a tocar el piano y el sintetizador y a interesarse por otros géneros musicales. Sobre este tema, dice: "Me inspiré en la música del mundo. Me encanta la música de Europa Central, África del Norte, el jazz americano y la buena chanson francesa".

Algunas de estas influencias se pueden encontrar en su primer álbum en solitario "Vago". La riqueza de la música de Marcel Loeffler proviene sin duda de este mestizaje, de esta paleta de colores variados y de una gran sensibilidad.

Si sus raíces están por supuesto del lado del jazz gitano, Marcel amplió muy rápidamente su horizonte al interesarse de cerca por el trabajo de músicos como Chick Corea o Herbie Hancock, y al apasionarse por el trabajo del sonido.

La música es toda su vida. Compañero de viaje del guitarrista Mandino Reinhardt durante unos veinte años en el grupo "Sweet Chorus" y luego "Note Manouche", Marcel lanzó su primer CD bajo el nombre de "Vago" (caravana).
Nobleza de las melodías
Un improvisador sutil y comedido, Marcel Loeffler se expresó rápidamente con composiciones tan etéreas como personales. La pureza de sus temas, la nobleza de sus melodías y la fuerza que innervan cada una de sus piezas, visten su jazz con brillantes relieves. Limpio y curiosamente magnetizado, a veces hipnótico, se agarran a la oreja desde los primeros compases. El reconocimiento de su arte es también, para él, el de su instrumento. "Durante mucho tiempo, el acordeón se escuchó detrás de los cantantes franceses, desde Brel hasta Renaud, y para muchos siguió siendo un instrumento para ser bailado o acompañado. Hoy, creo que finalmente ha encontrado su lugar correcto."
http://www.djangostation.com/Marcel-Loeffler,383.html


Source Manouche
Hay registros como ese que, sin que sepamos por qué, te llevan. Desde la primera escucha, las pistas parecen familiares y obvias. No te pongas arrogante, se está balanceando. No ese devastador balanceo que quiere quitarlo todo, sino ese balanceo embriagador que obsesiona. Sin embargo, la técnica y el virtuosismo están ahí, pero al servicio del fraseo. Es la simplicidad y la emoción lo que prevalece. Es en una familia de sangre y corazón donde nació este álbum... gitano. Yorgui Loeffler, como solista, es el complemento adecuado con una muy bella composición - "Ruby" - mucho mejor destacada aquí que en "Para Magnio". La versión de "Josué encaja en la batalla de Jericó" cantada por "Lisa Doby" con su voz aterciopelada se convierte en una plegaria de balanceo. La versión de "La ballade irlandaise" en acordeón solista está llena de color.
El dúo con Biréli en "Fiso place" (segundo sencillo) es simplemente magnífico. La guitarra soporta maravillosamente un acordeón que despega. Cada instrumento está al servicio del otro. El solo de Biréli es... ¡Birélian! Es la libertad entre los dos... un gran momento. Pero lo más importante es la "atmósfera suave" que colorea el álbum de principio a fin. Siempre es difícil hacer un álbum coherente con tantos mundos diferentes, tantos encuentros diferentes, tantos viajes diferentes, tantos instrumentos y sonidos diferentes, pero el álbum es un todo. Todo se junta alrededor de un hilo rojo llevado por el acordeón. En resumen, ¡es un "golpe de corazón"!
http://www.djangostation.com/Source-Manouche,326.html

 


https://marcel-loeffler.fr/

 

Cecil Brooks III & Gene Ludwig • Double Exposure

The liner notes for Double Exposure recount that the disc was recorded in a few spare hours that drummer Cecil Brooks III and organist Gene Ludwig found themselves with while they were recording another album. That feeling of spontaneity and casual inspiration is very present on this rare organ and drum duo effort.

Ludwig is a veteran who has been performing since the early '60s. His style is very much in the same vein as the other more well-known soul-jazz players of the era. He achieves a rich, stately and swinging feel, all at the same time. His work at the end of "Serenade in Blue reveals the majesty of Hammond B-3 in full flight with a long, sustained burst of sound. Elsewhere, on Stevie Wonder's "Black Beauty, Ludwig takes an opposite route, showing off some fast finger work.

Brooks' playing throughout is steady and unobtrusive. He seems to sense that the best path to take when backing up an organ player is to keep things simple and make sure the proceedings don't get too abstract or loose. On his own composition, "Double Exposure, Brooks opens with some tensely rhythmic pounding that morphs into a slinking groove. He also gets to strut his stuff with some skittering breaks on Neal Hefti's "Cute.

Double Exposure is a fine, relaxed effort showcasing two musicians who play together with a great deal of comfort and conversational grace. The recording session was definitely a few hours of time well spent.

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Las notas del forro para Double Exposure cuentan que el disco fue grabado en unas pocas horas libres con el baterista Cecil Brooks III y el organista Gene Ludwig mientras se encontraban grabando otro álbum. Ese sentimiento de espontaneidad e inspiración casual está muy presente en este raro esfuerzo de dúo de órgano y tambor.

Ludwig es un veterano que ha estado actuando desde principios de los años 60. Su estilo es muy similar al de otros músicos de soul-jazz más conocidos de la época. Consigue una sensación rica, majestuosa y oscilante, todo al mismo tiempo. Su trabajo al final de "Serenade in Blue revela la majestuosidad de Hammond B-3 en pleno vuelo con un estallido de sonido largo y sostenido. En otra parte, en" Black Beauty "de Stevie Wonder, Ludwig toma una ruta opuesta, mostrando un dedo rápido trabajo.

El juego de Brooks es constante y discreto. Parece sentir que el mejor camino a seguir cuando se hace una copia de seguridad de un órgano es mantener las cosas simples y asegurarse de que los procedimientos no sean demasiado abstractos o flexibles. En su propia composición, "Double Exposure, Brooks se abre con algunos golpes rítmicos tensos que se transforman en un surco escurridizo. También puede lucirse en sus cosas con algunos cambios bruscos en" Cute "de Neal Hefti.

Double Exposure es un esfuerzo fino y relajado que muestra a dos músicos que tocan juntos con gran comodidad y gracia para conversar. La sesión de grabación fue definitivamente unas pocas horas de tiempo bien empleadas.

Aretha Franklin • Aretha With The Ray Bryant Combo

 

www.arethafranklin.net ...