McCoy Tyner • Plays John Coltrane Live at the Village Vanguard

 

 

Review:
by Jonathan Widran
Wow, here's a first (or so it seems) -- a tribute to sax legend John Coltrane that doesn't include his arrangement of "My Favorite Things." Working with his trio featuring bassist George Mraz and drummer Al Foster at New York's Village Vanguard, the pianist instead chose a mix of well-known Coltrane gems like "Naima" (which begins cool and moody, and then heats up into a booming, improvisational jam and -- dare it be said when talking about traditional jazz? -- funk explosion) and "Afro Blue (in a strolling, slightly melancholy take with Tyner gliding over Foster's swift brushes). "Moment's Notice" is wacky and wild from the start, a primer on the power of freeform and swing; Tyner's improv ability has never been more intensely realized. After that, the 12 minutes of the mid-tempo "Crescent" come as a slight letdown despite some booming low-register chord pounding and an increasingly throbbing bassline. "After the Rain" is a somber interlude, while Billy Eckstine's "I Want to Talk About You" is like a cheerful ray of dancing sunlight after the gloom is gone. Like many great live jazz dates these days, the music was recorded direct to two-track analog tape, with no mixing or editing. The show on September 23, 1997, was to celebrate Coltrane's 71st birthday, and this recording brings listeners so joyfully close that they can almost blow out the candles themselves.
https://www.allmusic.com/album/mccoy-tyner-plays-john-coltrane-at-the-village-vanguard-mw0000555250

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Reseña:
por Jonathan Widran
Vaya, es la primera vez (o eso parece) que un homenaje a la leyenda del saxo John Coltrane no incluye su arreglo de "My Favorite Things". Trabajando con su trío, que incluye al bajista George Mraz y al baterista Al Foster, en el Village Vanguard de Nueva York, el pianista eligió en su lugar una mezcla de conocidas joyas de Coltrane como "Naima" (que comienza fría y malhumorada, y luego se calienta hasta convertirse en una estruendosa mermelada de improvisación y -¿se atreve a decirlo cuando se habla de jazz tradicional? -- explosión de funk) y "Afro Blue" (en una toma de paseo, ligeramente melancólica, con Tyner deslizándose sobre las rápidas escobillas de Foster). "Moment's Notice" es chiflada y salvaje desde el principio, un manual sobre el poder de la forma libre y el swing; la capacidad de improvisación de Tyner nunca ha sido más intensa. Después de eso, los 12 minutos de "Crescent", de tempo medio, resultan un poco decepcionantes, a pesar de algunos golpes de acordes de registro bajo y una línea de bajo cada vez más palpitante. "After the Rain" es un interludio sombrío, mientras que "I Want to Talk About You", de Billy Eckstine, es como un alegre rayo de sol que baila después de que la penumbra haya desaparecido. Al igual que muchas de las grandes citas de jazz de hoy en día, la música se grabó directamente en cinta analógica de dos pistas, sin mezclas ni ediciones. El espectáculo del 23 de septiembre de 1997 fue para celebrar el 71º cumpleaños de Coltrane, y esta grabación acerca tanto a los oyentes que casi pueden soplar las velas ellos mismos.
https://www.allmusic.com/album/mccoy-tyner-plays-john-coltrane-at-the-village-vanguard-mw0000555250

Pat Martino • We'll Be Together Again

Review by Alex Henderson
When We'll Be Together Again was recorded in 1976, a 31-year-old Pat Martino was four years away from being operated on for the brain aneurysm that would wipe out his memory. The Philadelphia guitarist was also very much at the height of his creative powers -- a fact that's hard to miss on this excellent session, which 32 Jazz reissued on CD in 1998. Forming an intimate duo with electric pianist Gil Goldstein, Martino is at his most introspective on sparse interpretations of the standards "You Don't Know What Love Is" and "Willow Weep for Me" as well as Henry Mancini's "Dreamsville," J.J. Johnson's "Lament," and Stephen Sondheim's "Send in the Clowns." Martino's lyricism was never more personal than it is on this album, which was first released by Muse and was out of print for many years. Thankfully, We'll Be Together Again finally came out on CD when 32 Jazz reissued it in 1998.

 

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Reseña de Alex Henderson
Cuando se grabó We'll Be Together Again en 1976, a un Pat Martino de 31 años le faltaban cuatro años para ser operado del aneurisma cerebral que acabaría con su memoria. El guitarrista de Filadelfia también estaba en la cima de su capacidad creativa, un hecho que es difícil de pasar por alto en esta excelente sesión, que 32 Jazz reeditó en CD en 1998. Formando un dúo íntimo con el pianista eléctrico Gil Goldstein, Martino está en su momento más introspectivo en las escasas interpretaciones de los estándares "You Don't Know What Love Is" y "Willow Weep for Me", así como "Dreamsville" de Henry Mancini, "Lament" de J.J. Johnson y "Send in the Clowns" de Stephen Sondheim. El lirismo de Martino nunca fue tan personal como en este álbum, que fue publicado por primera vez por Muse y estuvo descatalogado durante muchos años. Afortunadamente, We'll Be Together Again salió finalmente en CD cuando 32 Jazz lo reeditó en 1998. 

The Lenny Hambro Quintet • Message From Hambro

 

Biography
by Eugene Chadbourne
Lenny Hambro may have been one of the musicians Charles Mingus had in mind when he wrote a song entitled "If Charlie Parker Was a Gunslinger, There Would Be a Whole Lot of Dead Copycats." Then again, the Hambro sandwich actually tastes pretty good, once given a less biased chew. In a kinder, gentler appraisal, the "Gunslinging Bird" is acknowledged as a major influence, not only on Hambro but a lot of other people as well, a musical home-ground but not something stuffed in a canvas bag during a burglary.

Hambro seems to have a moment of glory during the second half of the '50s, when his own quintet was able to release a series of LPs, as well as tour Europe in both 1957 and 1958. The fine guitarist Dick Garcia was part of Hambro's lineup, as well as pianist Wade Legge, Clyde Lombardi on bass, and Mel Zelnick tending to the drum set. Message from Hambro and The Nature of Things were among the epistles from Hambro quintets, both eventually reissued on CD. Otherwise, this woodwind player -- whose axes include alto and tenor saxophone, clarinet, and flute -- made do with a series of big-band jobs, espousing an allegiance to the "Gunslinging Bird" but playing lots of music stylistically preceding bebop. Before and after the Second World War, Hambro enjoyed his first major job with drummer Gene Krupa. In the postwar period he simultaneously held down chairs in other bands such as the Latin jazz outfits of Vincent Lopez and Pupi Campo.

In the early '50s Hambro played in and eventually began managing the Ray McKinley band, continuing the Latin connection on a Machito Orchestra tour. The latter collaboration worked out well, Hambro featured as a lead alto soloist intermittently through 1956, when he jumped over to a version of the Glenn Miller Orchestra led by former boss McKinley. Hambro also did some teaching and played on studio sessions by rhythm & blues performers such as the Spinners and Cissy Houston. Hambro's final recording date was Chico O'Farrill's comeback album on Milestone, the 1995 Pure Emotion. Significant use was made of a distinctive surname in original compositions including "Mambo Hambro" and "Ham Nose."
https://www.allmusic.com/artist/lenny-hambro-mn0001576587/biography

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Biografía
por Eugene Chadbourne
Puede que Lenny Hambro fuera uno de los músicos que Charles Mingus tenía en mente cuando escribió una canción titulada "If Charlie Parker Was a Gunslinger, There Would Be a Whole Lot of Dead Copycats". Por otra parte, el sándwich de Hambro en realidad sabe bastante bien, una vez que se le da una mascada menos sesgada. En una apreciación más amable, el "Gunslinging Bird" es reconocido como una gran influencia, no sólo para Hambro sino también para mucha otra gente, un terreno musical pero no algo metido en una bolsa de lona durante un robo.

Hambro parece tener un momento de gloria durante la segunda mitad de los años 50, cuando su propio quinteto pudo publicar una serie de LPs, así como realizar una gira por Europa tanto en 1957 como en 1958. El excelente guitarrista Dick García formaba parte de la formación de Hambro, así como el pianista Wade Legge, Clyde Lombardi al bajo y Mel Zelnick a la batería. Message from Hambro y The Nature of Things se encuentran entre las epístolas de los quintetos de Hambro, ambas reeditadas en CD. Por lo demás, este instrumentista de viento-madera -cuyos ejes incluyen el saxofón alto y tenor, el clarinete y la flauta- se conformó con una serie de trabajos en bandas grandes, defendiendo su lealtad al "Gunsling Bird" pero tocando mucha música estilísticamente anterior al bebop. Antes y después de la Segunda Guerra Mundial, Hambro tuvo su primer trabajo importante con el baterista Gene Krupa. En la posguerra ocupó simultáneamente sillas en otras bandas, como los conjuntos de jazz latino de Vincent López y Pupi Campo.

A principios de los años 50, Hambro tocó en la banda de Ray McKinley y finalmente comenzó a dirigirla, continuando la conexión latina en una gira de la Machito Orchestra. Esta última colaboración funcionó bien, Hambro apareció como solista principal de contralto de forma intermitente hasta 1956, cuando dio el salto a una versión de la Glenn Miller Orchestra dirigida por su antiguo jefe McKinley. Hambro también dio clases y tocó en sesiones de estudio de intérpretes de rhythm & blues como los Spinners y Cissy Houston. La última fecha de grabación de Hambro fue el álbum de regreso de Chico O'Farrill en Milestone, el Pure Emotion de 1995. Se hizo un uso significativo de su distintivo apellido en composiciones originales como "Mambo Hambro" y "Ham Nose".
https://www.allmusic.com/artist/lenny-hambro-mn0001576587/biography

Roomful Of Blues • Essential Recordings - Jump Blues Classics

 

Biography
by Steve Huey
Over the course of their decades-long existence, Roomful of Blues effectively became a franchise unto themselves, establishing a sound that endured despite nearly constant changes in their lineup. More than 45 musicians have been part of Roomful of Blues since their formation in the late '60s, and a number went on to notable careers of their own, including guitarists Duke Robillard and Ronnie Earl, organist Ron Levy, pianist Al Copley, singer Lou Ann Barton, vocalist/harmonica player Sugar Ray Norcia, and drummer Fran Christina (later of the Fabulous Thunderbirds). While Roomful of Blues started out playing blues with a strong rock influence, they evolved into modern purveyors of jump blues, featuring a mighty horn section (who often moonlighted from the band by artists impressed with their sound) along with guitars, bass, keys, drums, and powerful vocals. Their self-titled 1977 debut, co-produced by legendary songwriter Doc Pomus, showed the band knew their blues history but didn't let it stop them from having a good time, and subsequent efforts like 1981's Hot Little Mama, 1994's Dance All Night, 2001's Watch You When You Go, and 2005's Standing Room Only all testified to their easy balance of chops and showmanship. The band also has a stellar reputation as a concert act, and 2013's 45 Live demonstrated that nearly a half century on, they've never lost their ability to work a crowd.

A nine-piece outfit for the majority of their existence, Roomful of Blues were founded in Westerly, RI, all the way back in 1967, by guitarist Duke Robillard and pianist Al Copley. Settling on drummer Fran Christina and bassist Larry Peduzzi, the group began playing around the local club and coffeehouse circuit, initially pursuing a contemporary blues-rock style. Robillard quickly rethought their direction when he discovered jump blues, and in 1970 he added a horn section featuring saxophonists Greg Piccolo (tenor) and Rich Lataille (alto/tenor), plus a more swinging drummer in John Rossi; baritone saxophonist Doug James joined up in 1971. After a couple of years honing their sound and achieving local popularity, Roomful of Blues started supporting established blues artists, and started what would become a 15-year residency at the Knickerbocker Cafe in Westerly. In 1974, they gigged with Count Basie, a professed admirer, and after a few more years of live work, songwriter Doc Pomus finally helped the band get a record deal with Island. Their self-titled debut was released in 1977, and they followed it up with 1979's Let's Have a Party for Antilles. Robillard subsequently left the group to pursue other projects, eventually finding considerable success as a solo artist.

Robillard's spot as guitarist and bandleader was taken by Ronnie Earl, and trombonist Porky Cohen was also added to flesh out the horn section. Meanwhile, female vocalist Lou Ann Barton spent a year with the group, and saxophonist Piccolo subsequently took over, making his vocal debut on 1981's Hot Little Mama (recorded for Blue Flame); the same year, trumpeter Bob Enos joined the group, as did bassist Jimmy Wimpfheimer (who was replaced by Preston Hubbard in 1983). Roomful of Blues' reputation had been growing steadily in the blues world, and they soon attracted more mainstream notice by serving as a studio backing group for legends like Eddie "Cleanhead" Vinson (1982's Eddie Cleanhead Vinson & Roomful of Blues), Big Joe Turner (1983's Blues Train), and Earl King (1988's Glazed); all three albums in question earned Grammy nominations. Roomful of Blues hit the studios on their own as well, signing with Varrick and recording 1984's Dressed Up to Get Messed Up. Helped by good timing, the record raised the group's profile even further following the emergence of Stevie Ray Vaughan and the Fabulous Thunderbirds, and they were able to tour heavily behind it. Unfortunately, Piccolo needed throat surgery, and at first Keith Dunn filled his spot in concert; vocalist/harpist Curtis Salgado was brought in as a longer-term replacement, and fronted the group on 1987's Live at Lupo's Heartbreak Hotel; new organist Ron Levy also made his debut there, replacing Copley.

Unfortunately, Ronnie Earl left the group later that year, and while Roomful of Blues remained a popular touring attraction, it would be seven years before they would pull together and reenter the recording studio (at least, on their own; they did back Pat Benatar on 1991's True Love). Predictably, several personnel shifts ensued: Salgado left when Piccolo's voice healed; trombonist Cohen was replaced by Carl Querfurth in 1988 (later serving as the group's producer as well); guitarist Chris Vachon joined in 1990; and new pianist Matt McCabe came on board in 1992. With a trail of busted record deals behind them, Roomful of Blues eventually bankrolled their own sessions and found a home for the result, Dance All Night, on Bullseye Blues in 1994. With Piccolo now departed, Ronnie Earl's longtime friend Sugar Ray Norcia handled vocals and harmonica, and stuck around for the subsequent Bullseye albums Turn It On! Turn It Up! (1995, nominated for a Grammy) and Under One Roof (1997). Following the latter, a mass exodus of personnel left Roomful of Blues down to just a core of drummer Rossi, guitarist Vachon, trumpeter Enos, and saxman Lataille (even the long-running horn team was broken up). The remaining members restored the band to a nine-piece fronted by new vocalist McKinley "Mac" Odom, and returned in 1998 with There Goes the Neighborhood. Prior to recording their next album, longtime stalwart Rossi finally retired from the band and was replaced by Chris Lemp on 2001's Watch You When You Go. Looking to return to a more traditional blues sound, in early 2002 the band replaced Odom with singer/harpist Mark DuFresne. The group moved to Alligator Records in 2003 for That's Right, following it with a string of consistent albums for the label, including 2005's Standing Room Only, 2008's Raisin' a Ruckus, and 2011's Hook, Line & Sinker. The band celebrated their 45th anniversary in 2012 with 45 Live, recorded over three nights at Ocean Mist in Rhode Island. Alligator released the album from those shows the following year. 2020's In a Roomful of Blues, another release for Alligator, was produced by guitarist Chris Vachon, who also wrote several songs for the album; ten of the LP's 13 tracks were Roomful of Blues originals, the most yet on a ROB album.
https://www.allmusic.com/artist/roomful-of-blues-mn0000847022/biography

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Biografía
por Steve Huey
A lo largo de sus décadas de existencia, Roomful of Blues se convirtió en una franquicia en sí misma, estableciendo un sonido que perduró a pesar de los cambios casi constantes en su formación. Más de 45 músicos han formado parte de Roomful of Blues desde su formación a finales de los años 60, y algunos de ellos han desarrollado sus propias y notables carreras, como los guitarristas Duke Robillard y Ronnie Earl, el organista Ron Levy, el pianista Al Copley, la cantante Lou Ann Barton, el vocalista y músico de armónica Sugar Ray Norcia y el batería Fran Christina (más tarde de los Fabulous Thunderbirds). Si bien Roomful of Blues comenzó tocando blues con una fuerte influencia del rock, evolucionaron hasta convertirse en modernos proveedores de jump blues, con una poderosa sección de vientos (que a menudo era pluriempleada por artistas impresionados con su sonido) junto con guitarras, bajo, teclas, batería y potentes voces. Su debut autotitulado de 1977, coproducido por el legendario compositor Doc Pomus, demostró que la banda conocía su historia de blues, pero no dejó que eso les impidiera divertirse, y los trabajos posteriores, como Hot Little Mama de 1981, Dance All Night de 1994, Watch You When You Go de 2001, y Standing Room Only de 2005, dan fe de su fácil equilibrio entre las habilidades y el espectáculo. La banda también tiene una reputación estelar como acto de concierto, y el 45 Live de 2013 demostró que casi medio siglo después, nunca han perdido su capacidad de trabajar con una multitud.

Roomful of Blues, un grupo de nueve miembros durante la mayor parte de su existencia, fue fundado en Westerly, RI, en 1967, por el guitarrista Duke Robillard y el pianista Al Copley. Con el baterista Fran Christina y el bajista Larry Peduzzi, el grupo comenzó a tocar en el circuito local de clubes y cafés, inicialmente con un estilo de blues-rock contemporáneo. Robillard no tardó en replantearse su dirección cuando descubrió el jump blues, y en 1970 añadió una sección de vientos con los saxofonistas Greg Piccolo (tenor) y Rich Lataille (alto/tenor), además de un baterista con más swing, John Rossi; el saxofonista barítono Doug James se unió en 1971. Después de un par de años perfeccionando su sonido y alcanzando la popularidad local, Roomful of Blues comenzó a apoyar a artistas de blues establecidos, y comenzó lo que se convertiría en una residencia de 15 años en el Knickerbocker Cafe en Westerly. En 1974, actuaron con Count Basie, un admirador declarado, y tras unos años más de trabajo en directo, el compositor Doc Pomus ayudó finalmente al grupo a conseguir un contrato discográfico con Island. Su debut autotitulado se publicó en 1977, y le siguió Let's Party for Antilles, de 1979. Posteriormente, Robillard abandonó el grupo para dedicarse a otros proyectos y acabó teniendo un éxito considerable como artista en solitario.

El puesto de Robillard como guitarrista y líder de la banda fue ocupado por Ronnie Earl, y el trombonista Porky Cohen fue añadido para completar la sección de vientos. Mientras tanto, la vocalista Lou Ann Barton pasó un año con el grupo, y el saxofonista Piccolo tomó posteriormente el relevo, haciendo su debut vocal en Hot Little Mama de 1981 (grabado para Blue Flame); ese mismo año, el trompetista Bob Enos se unió al grupo, al igual que el bajista Jimmy Wimpfheimer (que fue sustituido por Preston Hubbard en 1983). La reputación de Roomful of Blues había crecido de forma constante en el mundo del blues, y pronto atrajeron la atención del público general al servir como grupo de acompañamiento en el estudio para leyendas como Eddie "Cleanhead" Vinson (Eddie Cleanhead Vinson & Roomful of Blues, de 1982), Big Joe Turner (Blues Train, de 1983) y Earl King (Glazed, de 1988); los tres álbumes en cuestión obtuvieron nominaciones a los Grammy. Roomful of Blues también llegó a los estudios por su cuenta, firmando con Varrick y grabando Dressed Up to Get Messed Up (1984). Con la ayuda de un buen momento, el disco elevó el perfil del grupo aún más tras la aparición de Stevie Ray Vaughan y los Fabulous Thunderbirds, y pudieron hacer una gran gira con él. Desgraciadamente, Piccolo tuvo que ser operado de la garganta, y al principio Keith Dunn ocupó su lugar en los conciertos; el vocalista y arpista Curtis Salgado fue contratado como sustituto a largo plazo, y lideró el grupo en el disco Live at Lupo's Heartbreak Hotel de 1987; el nuevo organista Ron Levy también hizo su debut allí, sustituyendo a Copley.

Desgraciadamente, Ronnie Earl abandonó el grupo ese mismo año, y aunque Roomful of Blues siguió siendo una atracción popular en las giras, pasaron siete años antes de que se reunieran y volvieran a entrar en el estudio de grabación (al menos, por su cuenta; sí respaldaron a Pat Benatar en True Love, de 1991). Como era de esperar, se produjeron varios cambios de personal: Salgado se marchó cuando la voz de Piccolo se curó; el trombonista Cohen fue sustituido por Carl Querfurth en 1988 (que más tarde también fue productor del grupo); el guitarrista Chris Vachon se unió en 1990; y el nuevo pianista Matt McCabe se incorporó en 1992. Con un rastro de acuerdos discográficos frustrados a sus espaldas, Roomful of Blues acabó financiando sus propias sesiones y encontró un hogar para el resultado, Dance All Night, en Bullseye Blues en 1994. ¡Tras la marcha de Piccolo, el viejo amigo de Ronnie Earl, Sugar Ray Norcia, se encargó de las voces y la armónica, y se quedó para los siguientes álbumes de Bullseye, Turn It On! ¡Turn It Up! (1995, nominado al Grammy) y Under One Roof (1997). Tras este último, un éxodo masivo de personal dejó a Roomful of Blues reducido a un núcleo formado por el baterista Rossi, el guitarrista Vachon, el trompetista Enos y el saxofonista Lataille (incluso el equipo de vientos, que llevaba mucho tiempo, se disolvió). Los miembros restantes restauraron la banda hasta convertirla en un grupo de nueve miembros liderado por el nuevo vocalista McKinley "Mac" Odom, y regresaron en 1998 con There Goes the Neighborhood. Antes de grabar su siguiente álbum, el veterano Rossi se retiró finalmente de la banda y fue sustituido por Chris Lemp en Watch You When You Go, de 2001. Buscando volver a un sonido de blues más tradicional, a principios de 2002 la banda sustituyó a Odom por el cantante y arpista Mark DuFresne. El grupo se trasladó a Alligator Records en 2003 para That's Right, y siguió con una serie de álbumes consistentes para el sello, incluyendo Standing Room Only de 2005, Raisin' a Ruckus de 2008, y Hook, Line & Sinker de 2011. La banda celebró su 45 aniversario en 2012 con 45 Live, grabado durante tres noches en el Ocean Mist de Rhode Island. Alligator publicó el álbum de esos shows al año siguiente. In a Roomful of Blues de 2020, otro lanzamiento para Alligator, fue producido por el guitarrista Chris Vachon, quien también escribió varias canciones para el álbum; diez de las 13 pistas del LP eran originales de Roomful of Blues, la mayor cantidad hasta ahora en un álbum de ROB.
https://www.allmusic.com/artist/roomful-of-blues-mn0000847022/biography

www.roomful.com...

Snooky Pryor • All My Money Gone

 

 Snooky Pryor (nacido el 15 de septiembre de 1921 en Lambert, Mississippi y fallecido el 10 de octubre de 2006) fue un armonicista, compositor de blues, y cantante estadounidense, que clama haber sido el creador de la técnica de armónica amplificada ahuecando sus manos y usando un pequeño micrófono para que se escuchara su instrumento en la bulliciosa Maxwell Street Market de Chicago. Sin embargo, en sus grabaciones de finales los años 40 y principios de los 50, no utiliza este método.
https://es.wikipedia.org/wiki/Snooky_Pryor

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James Edward "Snooky" Pryor (September 15, 1919[2] or 1921[3] – October 18, 2006) was an American Chicago blues harmonica player.[1][4] He claimed to have pioneered the now-common method of playing amplified harmonica by cupping a small microphone in his hands along with the harmonica, although on his earliest records, in the late 1940s, he did not use this method.
https://es.wikipedia.org/wiki/Snooky_Pryor