Kjeld Lauritsen • In the Zone

 

  

Kjeld Lauritsen Hammond Organ Kjeld Lauritsen is one of the few remaining jazz organ players, who plays the big Hammond Org an with rotating leslie speakers and bass pedals. In his younger days he was a profile on the danish blues scene, which gave him a background similar to many of the original organ grinders. When he started his own jazz combo – The Organizers – with Bob Rockwell on saxophone, succes came immediately. 7 CDs with this group, 3 under his own name and 2 records with big-bands followed. In 2011 he released a CD with a 7-piece band playing homegrown compositions from jazz and blues to beyond. The title of this group is Hammond Organ 7. The Press wrote: “Who ever thinks of North European people thinks of cool people, the counterpart of Mediterranian people. But you did not know Kjeld Lauritsen, the hot jazz man at the Hammond. May be his attitude is friendly and restrained but you will experience a total different music: swinging, cooking, just a very active asset of the Danish jazz scene”. – Jürgen Wolf, http://www.iajo.org/ “Only very few people can play jazz on organ, but in Denmark we have a master Kjeld showed his excellent skills as an organplayer, that covers ground from the massive and agressive to the very subtle, underlined by his foot pedal playing. He is really fantastic at playing bass with his feet.” (from Aarhus Jazzfestival 2009) ”Hammond Time!” is a wonderful record that just makes you happy. It really swings, and Kjeld lift the heritage from great people like Jimmy McGriff in a sublime way.”

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Kjeld Lauritsen Hammond Organ Kjeld Lauritsen es uno de los pocos organistas de jazz que quedan, que toca el gran Hammond Org an con altavoces rotativos de leslie y pedales de bajo. En su juventud fue un perfil en la escena del blues danés, lo que le dio un fondo similar a muchos de los organilleros originales. Cuando comenzó su propio combo de jazz - The Organizers - con Bob Rockwell en el saxofón, el éxito llegó inmediatamente. Le siguieron 7 CDs con este grupo, 3 bajo su propio nombre y 2 discos con big-bands. En 2011 lanzó un CD con una banda de 7 músicos que tocaban composiciones locales de jazz y blues. El título de este grupo es Hammond Organ 7. La prensa escribió: "Quien piensa en la gente del norte de Europa piensa en la gente guay, la contrapartida de la gente del Mediterráneo". Pero no conocías a Kjeld Lauritsen, el hombre del jazz caliente en el Hammond. Puede que su actitud sea amistosa y comedida, pero experimentarás una música totalmente diferente: el swing, la cocina, sólo un activo de la escena de jazz danesa". - Jürgen Wolf, http://www.iajo.org/ "Sólo muy pocas personas pueden tocar jazz en el órgano, pero en Dinamarca tenemos un maestro Kjeld que demostró sus excelentes habilidades como organista, que abarca desde lo masivo y agresivo hasta lo muy sutil, subrayado por su manera de tocar con el pedal. Es realmente fantástico tocando el bajo con los pies." (del Festival de Jazz de Aarhus 2009) "Hammond Time!" es un disco maravilloso que te hace feliz. Realmente se balancea, y Kjeld levanta la herencia de grandes personas como Jimmy McGriff de una manera sublime." 

www.kjeldlauritsen ...

 

Lalo Schifrin • Bossa Nova - New Brazilian Jazz

 

 Artist Biography

An Oscar- and Emmy-nominated film and television composer, classical composer, and acclaimed jazz pianist, Lalo Schifrin emerged as a big-band leader in the mid-'50s, collaborating with the likes of Dizzy Gillespie and Xavier Cugat before beginning to score films in the mid-'60s. His iconic theme to TV's Mission: Impossible was first broadcast in 1966. Following in the footsteps of John Barry and Monty Norman's "James Bond Theme," its orchestral jazz instrumentation (including prevalent flutes, brass, piano, bongos, and jazz drums) and adrenalized staccato, syncopated rhythms helped to define spy music for decades to follow. Much like contemporaries Michel Legrand, Henry Mancini, and André Previn, while he wrote in a variety of styles, Schifrin remained best known for his jazz-inflected scores. They also included crime films like 1968's Bullitt, which set an urban scene with a large jazz ensemble that included electric guitar and electric bass, and the Dirty Harry franchise (1971-1988). Though more varied, the Dirty Harry scores maintained an antsy jazz M.O. while updating the production palette over time to include more keyboards, strings, and rock-styled drums. After his Mission: Impossible theme was repurposed for a big-screen reboot in the mid-'90s, Schifrin combined jazz, rock, and lush orchestral tracks in his lively soundtracks for the Rush Hour action franchise in the late '90s and 2000s. Over 50 years after its introduction, his Mission: Impossible theme was still featured heavily in Lorne Balfe's music for the blockbuster sixth entry in the film series, 2018's Mission: Impossible - Fallout.

Born Boris Claudio Schifrin in Buenos Aires in 1932, Schifrin grew up with a father who played violin with the Teatro Colón Orchestra. When Lalo was six years old, his dad arranged for him to begin studying piano with Enrique Barenboim, father of celebrated pianist/conductor Daniel Barenboim. As a teenager, he studied piano with the former head of the Kiev Conservatory, Andreas Karalis, and harmony with composer Juan Carlos Paz. After winning a scholarship to the Paris Conservatory in the early '50s, he studied with French composers Charles Koechlin and Olivier Messiaen. In his off hours, he played in Parisian jazz clubs, and in 1955, he represented Argentina in the Paris International Jazz Festival. After returning to Buenos Aires, he started his own 16-piece, Basie-style jazz band, the first of its kind in Argentina, and found work as a pianist and arranger. His status as a bandleader helped him meet Dizzy Gillespie in 1956, and Schifrin offered to write a suite for Gillespie. He completed the five-movement Gillespiana in 1958, the same year he became an arranger for Xavier Cugat. In 1960, Schifrin moved to New York City and joined Gillespie's quintet, which recorded Gillespiana to much acclaim. He became Gillespie's musical director until 1962, contributing another suite, The New Continent, before leaving the position to concentrate on his writing. Schifrin accepted his first film-scoring assignment in the U.S. in 1963 (Rhino!) and moved to Hollywood, soon finding a niche composing for both TV and the silver screen. In the meantime, he composed works marked by his jazz-classical fusion style, including the 1963 ballet Jazz Faust and 1965's Jazz Suite on the Mass Texts.

After establishing himself on episodes of television series such as The Alfred Hitchcock Hour and The Man from U.N.C.L.E., Schifrin joined the music department of the spy series Mission: Impossible. It premiered on CBS in 1966 and featured his catchy 5/4 instrumental "Theme from Mission: Impossible," a track that would live on in TV-music collections for decades to come. He followed it a year later with his theme to Mannix, around the same time he was becoming known for his jazzy scores to high-profile crime films such as Cool Hand Luke (1967) and Bullitt (1968). He earned his first Academy Award nomination for Cool Hand Luke and his second a year later for the D.H. Lawrence drama The Fox. Schifrin composed the music for the Don Siegel-directed Coogan's Bluff, starring Clint Eastwood, in 1968. He reunited with the pair on 1971's Dirty Harry and went on to write music for four of the five remaining films in the series, which extended through the '80s (1976's The Enforcer was composed by Jerry Fielding). During that time span, he also wrote scores for films as diverse as the 1976 war film Voyage of the Damned (his third Oscar nomination), Disney's The Cat from Outer Space from 1978, and the 1979 horror classic The Amityville Horror (his fourth Oscar nomination). He received two more Academy Award nominations in the '80s, for The Competition (1980) and The Sting II (1983).

While he continued to write frequently for movies and TV, Schifrin returned some of his focus to classical works during the '90s, a decade that saw the release of the first three in a series of orchestral jazz albums called Jazz Meets the Symphony. He also arranged much of the music for the first three of the Three Tenors concerts. In 1996, his Mission: Impossible theme reached another generation when it was repurposed for a series of films starring Tom Cruise. U2's Adam Clayton and Larry Mullen, Jr. produced a dance version of the theme that reached the Top Ten of the singles charts in the U.S. and U.K. Still writing original material for film, beginning in 1998, Schifrin provided playful orchestral scores for the first three entries in the Rush Hour series, starring Jackie Chan.

Schifrin stayed active in Hollywood in his seventies, scoring films such as the crime film After the Sunset and the horror movie Abominable (directed by his son, Ryan Schifrin), in addition to Rush Hour 3 in the 2000s. The third, fourth, and fifth Mission: Impossible films saw release during the 2010s, as did the Schifrin-scored romantic comedy Love Story (2011) and basketball bio-pic Sweetwater (2016).

by Marcy Donelson

https://www.allmusic.com/artist/lalo-schifrin-mn0000781932/biography

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Lalo Schifrin (Boris Claudio Schifrin, Buenos Aires, 21 de junio de 1932) es un pianista, compositor, arreglista y director de orquesta argentino, nacído en una familia judía. Es conocido por haber compuesto múltiples bandas sonoras de películas y series de televisión, especialmente el tema principal de Misión imposible. A lo largo de su carrera recibió cuatro Premios Grammy, un Premio Cable ACE, seis nominaciones del Premio de la Academia y cuatro al Premio Emmy. Posee una estrella en el Paseo de la fama de Hollywood.

El compositor argentino fue encargado de recibir el Premio Óscar en noviembre de 2018, como reconocimiento a su exitosa trayectoria profesional, anunció la Academia de Hollywood en una nota de prensa.1

Índice

Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años. Cursó su secundario en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, entró a estudiar en el Conservatoire de Paris y participó de la vida jazzística nocturna parisina (a la que era muy aficionado entonces el escritor argentino Julio Cortázar).

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956 conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Gillespie luego le encargó que escribiera para él. El trabajo fue una suite de cinco movimientos, titulada Gillespiana, que terminó en 1958.

Ese año se convirtió en el arreglista del músico español Xavier Cugat.

En 1960 se trasladó a Nueva York y se unió al quinteto de Gillespie que, tras grabar "Gillespiana", obtuvo un gran éxito. Schifrin se convirtió en el director musical de Gillespie hasta 1962.

A partir de ese año se centró en su carrera como compositor y director, casi siempre con una orientación de jazz latino y de bossa nova; aceptó, además, en 1963 su primera colaboración con el mundo del cine. Schifrin se traslada a Hollywood, consiguiendo grandes éxitos con sus temas para series como Misión Imposible (1966), Mannix (1967), y Starsky y Hutch (1975-76).

También compuso la música de la película de culto de George Lucas THX 1138 (1971). Durante la década de los setenta, escribió la música para películas como The Cincinnati Kid, Bullitt, Cool Hand Luke, Harry el sucio y Enter the Dragon.

Como músico de jazz, escribió la suite Jazz Mass en 1965, y se aproximó al jazz-funk con su disco de 1975 Black Widow. En 1985 recibió el Premio Konex - Diploma al Mérito como uno de los mejores jazzistas de la Argentina. Continuó con su trabajo para el cine a lo largo de la década de los noventa.

Grabó, además, una serie de discos de jazz orquestal llamados Jazz Meets the Symphony, y se convirtió en el principal arreglista de Los Tres Tenores, lo que suscitaría su actual interés por la música clásica.

En 2016 la Cinemateca Francesa le rindió tributo con la edición de The Sound Of Lalo Schifrin, una caja de cinco CD. Además, fue el invitado especial de la tercera edición del Festival de Cine y Música de Películas de La Baule, con un concierto en su honor. "Yo tengo un don. No sé quién me lo dio, pero tengo mucha suerte: a veces, veo una imagen y ya me imagino la música" dijo Schifrin en un reportaje.

El 17 y 18 de enero de 2020 se realizan en su homenaje dos conciertos denominados Tributo a Lalo Schifrin en el Symphony Space de Nueva York, promovidos por la Afro Latin Jazz Orchestra (ALJO) de Arturo O'Farrill. En el programa se incluyen su Suite Gillespiana, obras de Emilio Solla, Pablo Aslan, Guillermo Klein, Sofía Rei, Richard Nant y Horacio Salgán y se estrena Lalo cura la locura de Gabriel Senanes, composición encomendada por la ALJO, con dirección del propio compositor.
https://es.wikipedia.org/wiki/Lalo_Schifrin

schifrin.com ...

Pucho & The Latin Soul Brothers • Jungle Fire

Biography:

During the 1960s, no one combined virtually equal elements of jazz, Latin music, pop, soul, and funk as well as Henry "Pucho" Brown. Pucho and his band (which included at various times such notable musicians as saxophonist Harold Alexander and drummers Bill Curtis and Neal Creque) never achieved the widespread recognition afforded other Latin jazz performers, though the Latin Soul Brothers grooved at least as hard. On recordings and in concert, Pucho -- who is not Latino, but African American -- consciously bridged the gap between the popular Latin sounds of the era from Machito, Tito Puente, Mongo Santamaria, and Cal Tjader to the funky, soul-jazz sounds of Gene Harris, Stanley Turrentine, and Jack McDuff. He sought to integrate these musics at every turn, beginning with their debut, 1966's Tough!, that included covers of tunes by Herbie Hancock, the Beatles, Johnny Mandel, John Barry, and Burt Bacharach, inserting whatever arrangement got them in jukeboxes and played on dancefloors. Between 1967 and 1972, Pucho & His Latin Soul Brothers issued eight more albums and a slew of 45 rpm singles. Perhaps their most notable long-player was 1969's Jungle Fire that featured "Got Myself a Good Man," which has been sampled by everyone from the Chemical Brothers and Beastie Boys to J Dilla. While the band did quite well with record sales and touring appearances, the shift in popular music during the early '70s dictated a change in fortunes. After 1972's Super Freak, the band called it a day -- at least in the studio. Various incarnations still toured sporadically in the early '80s. In the early '90s, with the acid jazz and electronic music explosions occurring in Great Britain, DJs rediscovered Pucho & His Latin Soul Brothers' catalog, and brought them over for club appearances. In 1995, the band's recordings were being reissued en masse, and the band released Rip a Dip and Jungle Strut, their first two albums in 23 years. Suddenly, Pucho and company were in demand again and toured Europe and Asia. They continued recording with the acclaimed The Hideout in 2004. Pucho toured almost constantly for the next decade before slowing down as he neared his eighties, but he still performs selectively.

As a Harlem teenager, Henry "Pucho" Brown cultivated a simultaneous deep and abiding passion for jazz, rhythm & blues, and mambo. In the late '50s, he served for several years in the band of pianist Joe Panama. When the band split in 1959, Pucho formed his own outfit. Even before he'd cemented his reputation on record, his band attracted notice from top Latin jazzmen.

Pucho began recording in 1963 and really hit his stride between 1966 and 1970, when he cut over nine albums for Prestige. On these, he helped pioneer a style termed Latin boogaloo, which mixed jazz, New York-style Latin music, R&B/soul, and the sort of funk that was just emerging from James Brown and other performers. Pucho wasn't afraid to mix up his material on his LPs, which placed originals by Brown and the Latin Soul Brothers next to covers of tunes by Herbie Hancock, the Temptations, the Beatles, Duke Ellington, and John Barry. When his brand of Latin soul/jazz fusion started to fall from commercial grace in the early '70s, Pucho disbanded the Latin Soul Brothers. In the early '90s, however, his back catalog began to generate interest in Britain, where he was a hit with the acid jazz crowd, and where several albums were reissued by the Ace label. Happily, he made a return to Latin-soul-jazz-funk with his 1995 comeback effort, Rip a Dip and Jungle Strut, and toured almost incessantly behind them as well as playing live sets by DJs Gilles Peterson, A Guy Called Gerald, and Kirk Degiorgio. Two more albums followed in 1997, Mucho Pucho and Groovin' High, as the group continued touring across Europe and Asia. In 1999 they dropped Caliente con Soul! for Ubiquity's Cu-Bop imprint and followed it with How'm I Doin'? for Minnesota's Cannonball label, which featured guest spots by trombonist Fred Wesley, flutist Dave Valentin, saxophonist Eric Alexander, and trumpeter Lew Soloff. After a series of residencies and club gigs in various major American cities, Pucho & His Latin Soul Brothers cut The Hideout -- titled for an infamous West Harlem club the band played in a lot during the '60s. Produced by Todd Barkan and recorded by Katherine Miller, the set included killer covers of tunes by Stevie Wonder, Les Baxter, Bebo Valdez, and Clyde Stubblefield, among others. Pucho's band continue to tour, but stopped recording.

by Thom Jurek

https://www.allmusic.com/artist/pucho-his-latin-soul-brothers-mn0000367219/biography

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Biografía:

Durante los años 60, nadie combinó elementos virtualmente iguales de jazz, música latina, pop, soul y funk como Henry "Pucho" Brown. Pucho y su banda (que incluía en varias ocasiones a músicos tan notables como el saxofonista Harold Alexander y los bateristas Bill Curtis y Neal Creque) nunca alcanzaron el amplio reconocimiento que se le dio a otros intérpretes de jazz latino, aunque los Latin Soul Brothers se movieron al menos con la misma fuerza. En grabaciones y en conciertos, Pucho - que no es latino, sino afroamericano - conscientemente tendió un puente entre los populares sonidos latinos de la época, desde Machito, Tito Puente, Mongo Santamaría, y Cal Tjader hasta los sonidos funky, soul-jazz de Gene Harris, Stanley Turrentine, y Jack McDuff. Intentó integrar estas músicas en cada momento, empezando por su debut, 1966's Tough!, que incluía versiones de canciones de Herbie Hancock, los Beatles, Johnny Mandel, John Barry, y Burt Bacharach, insertando cualquier arreglo que les llegara en las rocolas y tocando en las pistas de baile. Entre 1967 y 1972, Pucho & His Latin Soul Brothers publicaron ocho álbumes más y un montón de singles a 45 rpm. Quizás su álbum más notable fue Jungle Fire de 1969, con "Got Myself a Good Man", que ha sido sampleado por todos, desde los Chemical Brothers y los Beastie Boys hasta J Dilla. Mientras que la banda lo hizo bastante bien con las ventas de discos y las apariciones en giras, el cambio en la música popular a principios de los 70 dictó un cambio de fortuna. Después de Super Freak de 1972, la banda se retiró, al menos en el estudio. Varias encarnaciones aún hacían giras esporádicas a principios de los 80. A principios de los 90, con las explosiones del acid jazz y la música electrónica en Gran Bretaña, los DJs redescubrieron el catálogo de Pucho & His Latin Soul Brothers, y los trajeron a los clubes. En 1995, las grabaciones de la banda se reeditaron en masa, y la banda lanzó Rip a Dip y Jungle Strut, sus dos primeros álbumes en 23 años. De repente, Pucho y compañía volvieron a ser demandados y realizaron una gira por Europa y Asia. Siguieron grabando con el aclamado The Hideout en 2004. Pucho realizó giras casi constantes durante la década siguiente antes de disminuir la velocidad al acercarse a los ochenta años, pero sigue actuando de forma selectiva.

En su adolescencia en Harlem, Henry "Pucho" Brown cultivó una profunda y duradera pasión simultánea por el jazz, el rhythm & blues y el mambo. A finales de los años 50, sirvió durante varios años en la banda del pianista Joe Panama. Cuando la banda se separó en 1959, Pucho formó su propio grupo. Incluso antes de que hubiera consolidado su reputación en el disco, su banda atrajo la atención de los mejores jazzistas latinos.

Pucho comenzó a grabar en 1963 y realmente dio su gran paso entre 1966 y 1970, cuando cortó más de nueve álbumes para Prestige. En ellos, ayudó a crear un estilo llamado boogaloo latino, que mezclaba jazz, música latina de Nueva York, R&B/soul, y el tipo de funk que acababa de surgir de James Brown y otros intérpretes. Pucho no tuvo miedo de mezclar su material en sus LPs, que colocaban originales de Brown y los Latin Soul Brothers junto a covers de temas de Herbie Hancock, los Temptations, los Beatles, Duke Ellington y John Barry. Cuando su marca de fusión de soul/jazz latino empezó a caer en desgracia comercial a principios de los 70, Pucho disolvió los Latin Soul Brothers. Sin embargo, a principios de los 90, su catálogo comenzó a generar interés en Gran Bretaña, donde fue un éxito entre la gente del acid jazz, y donde varios álbumes fueron reeditados por el sello Ace. Afortunadamente, regresó al Latin-soul-jazz-funk con su esfuerzo de regreso en 1995, Rip a Dip y Jungle Strut, y realizó giras casi incesantes detrás de ellos, además de tocar los sets en vivo de los DJs Gilles Peterson, A Guy Called Gerald y Kirk Degiorgio. En 1997 siguieron dos álbumes más, Mucho Pucho y Groovin' High, mientras el grupo seguía de gira por Europa y Asia. En 1999 dejaron Caliente con Soul! para el sello Cu-Bop de Ubiquity y lo siguieron con How'm I Doin'? para el sello Cannonball de Minnesota, en el que aparecieron como invitados el trombonista Fred Wesley, el flautista Dave Valentin, el saxofonista Eric Alexander y el trompetista Lew Soloff. Después de una serie de residencias y conciertos en clubes en varias ciudades importantes de América, Pucho & His Latin Soul Brothers cortaron The Hideout - titulado para un infame club de West Harlem en el que la banda tocó mucho durante los años 60. Producida por Todd Barkan y grabada por Katherine Miller, el conjunto incluyó covers asesinos de canciones de Stevie Wonder, Les Baxter, Bebo Valdez, y Clyde Stubblefield, entre otros. La banda de Pucho sigue de gira, pero dejó de grabar.

de Thom Jurek

https://www.allmusic.com/artist/pucho-his-latin-soul-brothers-mn0000367219/biography

Nicola Conte • Bossa Per Due

Review by Nicholas Gordon

Italian arranger, producer, DJ, musician, and general purveyor of acid jazz and bossa for the Scema label and the Fez movement, Nicola Conte's Bossa Per Due full-length for the American Eighteenth Street Lounge (ESL) label takes a much needed step in revitalizing a stagnant stateside genre. A classically trained musician, Conte has worked on several notable projects including recordings by Paolo Achenza Trio, Fez Combo, Intensive Jazz Sextet, and Balanco, where his touch, ear, and stamp of approval have propelled these projects to underground acclaim. The record works through 12 tracks of developing cool, loungy atmosphere on a foundation of steady grooving rhythms evolving from cold bossa on the stellar title track, "Bossa Per Due," and "Jet Sounds," to acid-funk breaks on the sitar/tabla-complimented "Dossier Omega," to essential samba on "The In Samba," to swinging jazz on "Jazz Pour Dadine." Regardless of the style Conte takes on and turns out with his signature sound, he produces each sample, vocal, or beat in a way that creates a punchy and vital musical environment that never ceases to strut its suave sexiness. Released in the U.S. by ESL, most notable for the Thievery Corporation, this record is sure to become a genre classic!

 

 

Biography

Italian DJ/producer Nicola Conte's loungey brand of acid jazz relies extensively on bossa nova, but is also heavily influenced by the swinging soundtracks of Italian films in the '60s and '70s, plus touches of ethnic music and easy listening kitsch reminiscent of Japan's Pizzicato Five. That said, his career trajectory has also seen him delve deeply into jazz as a guitarist, composer, and arranger, leading bands comprised of superstars, playing music that touches on '60s Brazilian traditions, '70s spiritual jazz, and even modal post-bop. He is also a curator and has released numerous volumes in his Viagem series, which compiles rare tracks from many international musical traditions in thematic collections.

Part of the loose-knit Fez collective of artsy acid jazz revivalists centered in the Italian town of Bari, Conte was a classically trained musician who moved into production and DJ'ing, working with artists like the Paolo Achenza Trio, the Fez Combo, Balanco, Quintetto X, and the Intensive Jazz Sextet. Conte also masterminded the Schema label, which gave many of those artists a home and cultivated a trademark, distinctly Italian approach to acid jazz. As for his own recording career, Conte scored an underground hit with his first single, "Bossa per Due," which appeared on a variety of compilations and was licensed in the U.S. for an Acura commercial. Conte's first album to be released in America was also titled Bossa per Due, a slightly reconfigured version of the Italian Jet Sounds; it appeared on Thievery Corporation's ESL (Eighteenth Street Lounge) label in the summer of 2001. The remix album Jet Sounds Revisited followed in late 2002. Two years later, Conte bowed on Blue Note's French subsidiary with an assured jazz date, Other Directions. Quiet Stars and a slew of singles followed before Conte would return with Viagem, his curated selection of classic Brazilian recordings in 2008, followed by four more volumes between 2009 and 2013. These were followed by a two-CD set of electronic recordings entitled The Modern Sound of Nicola Conte: Versions in Jazz Dub in early 2009.

That same year, Conte explored Latin jazz, Brazilian pop, and John Coltrane's early sense of experiments as inspirations for Rituals, an exotic, wide-ranging jazz album that featured five different vocalists. The use of singers was expanded to eight on 2011's Love & Revolution, an exercise in European pop, jazz balladry, and Eastern-tinged and modal jazz that included performances by Jose James, Gregory Porter, Melanie Charles, and Ghalia Benali, and was followed by the Brazilian-themed EP Sketches of Samba in 2013.

Conte forged ahead in his explorations, wedding deep modal and spiritual jazz to sophisticated pop. This resulted in Free Souls in the spring of 2014, an album that once again utilized vocalists -- including James and Charles -- and was comprised of expansive originals and standards, including tunes by Ahmad Jamal and Hoagy Carmichael. In the '90s, Conte had worked with vocalist Stefania Dipierro in a band called Fez. They reprised their partnership for 2016's Natural, a program of originals, jazz standards, and bossa/samba classics. Conte wrote some of the original tunes, produced the album, and played guitar, while Dipierro wrote others and sang in the company of a Conte-assembled band that included some of Italy's finest jazz musicians, including trumpeter Fabrizio Bosso and saxist/flutist Gaetano Partipilo. After touring the record, the pair went their separate ways with the intention of working together again in the future. Conte issued a pair of collaborative singles with Gianluca Petrella: "African Spirits"/"New World Shuffle" in December of 2017, and "Sun Song b/w "Nigeria" in the late winter of 2018. He was also the subject of the Schema compilation The Modern Sounds of Nicola Conte: Versions in Jazz-Dub. In May, Conte issued the full-length Let Your Light Shine with an international all-star cast of jazz and world music musicians under the umbrella Nicola Conte & Spiritual Galaxy. They included vocalists Bridgette Amofah, Zara McFarlane, Carolina Bubbico, and Zoe Modica, and instrumentalists Logan Richardson on alto sax, Magnus Lindgren on tenor and flute, Theo Croker on trumpet, Pietro Lussu on keyboards, and Gianluca Petrella on trombone and Moog.

by Steve Huey

https://www.allmusic.com/artist/nicola-conte-mn0000869631/biography

 

Biografía

La marca loungey de acid jazz del DJ/productor italiano Nicola Conte se basa en gran medida en la bossa nova, pero también está muy influenciada por las bandas sonoras de las películas italianas de los años 60 y 70, además de toques de música étnica y kitsch de fácil escucha que recuerdan al Pizzicato Five de Japón. Dicho esto, su trayectoria profesional también lo ha llevado a profundizar en el jazz como guitarrista, compositor y arreglista, liderando bandas compuestas por superestrellas, tocando música que toca las tradiciones brasileñas de los 60, el jazz espiritual de los 70, e incluso el post-bop modal. También es curador y ha publicado numerosos volúmenes en su serie Viagem, que recopila en colecciones temáticas temas raros de muchas tradiciones musicales internacionales.

Parte del colectivo de Fez de renacimiento del acid jazz artístico centrado en la ciudad italiana de Bari, Conte fue un músico de formación clásica que se dedicó a la producción y al DJ, trabajando con artistas como el Paolo Achenza Trio, el Fez Combo, Balanco, Quinteto X y el Sexteto de Jazz Intensivo. Conte también fue el cerebro del sello Schema, que dio a muchos de esos artistas un hogar y cultivó una marca registrada, un enfoque claramente italiano del acid jazz. En cuanto a su propia carrera discográfica, Conte consiguió un éxito underground con su primer single, "Bossa per Due", que apareció en varias recopilaciones y fue licenciado en los EE.UU. para un anuncio de Acura. El primer álbum de Conte que se lanzó en América también se tituló "Bossa per Due", una versión ligeramente reconfigurada de los Jet Sounds italianos; apareció en el sello ESL (Eighteenth Street Lounge) de Thievery Corporation en el verano de 2001. El álbum de remezclas Jet Sounds Revisited siguió a finales de 2002. Dos años más tarde, Conte se inclinó ante la filial francesa de Blue Note con una cita de jazz asegurada, Other Directions. Siguieron Quiet Stars y una serie de singles antes de que Conte volviera con Viagem, su selección curada de grabaciones clásicas brasileñas en 2008, seguida de cuatro volúmenes más entre 2009 y 2013. Estas fueron seguidas por un conjunto de grabaciones electrónicas en dos CDs titulado The Modern Sound of Nicola Conte: Versiones en Jazz Dub a principios de 2009.

Ese mismo año, Conte exploró el jazz latino, el pop brasileño y el sentido temprano de los experimentos de John Coltrane como inspiración para Rituals, un álbum de jazz exótico y de gran alcance que incluía cinco vocalistas diferentes. El uso de cantantes se amplió a ocho en Love & Revolution de 2011, un ejercicio de pop europeo, balada de jazz y jazz oriental y modal que incluía actuaciones de Jose James, Gregory Porter, Melanie Charles y Ghalia Benali, y fue seguido por el EP Sketches of Samba de temática brasileña en 2013.

Conte avanzó en sus exploraciones, uniendo el profundo jazz modal y espiritual con el pop sofisticado. Esto dio como resultado Free Souls en la primavera de 2014, un álbum que una vez más utilizó vocalistas - incluyendo a James y Charles - y estaba compuesto por amplios originales y estándares, incluyendo temas de Ahmad Jamal y Hoagy Carmichael. En los 90, Conte había trabajado con la vocalista Stefania Dipierro en una banda llamada Fez. Reiteraron su asociación para el programa Natural de 2016, un programa de originales, estándares de jazz y clásicos de bossa/samba. Conte escribió algunos de los temas originales, produjo el álbum y tocó la guitarra, mientras que Dipierro escribió otros y cantó en compañía de una banda montada por Conte que incluía a algunos de los mejores músicos de jazz de Italia, entre ellos el trompetista Fabrizio Bosso y el saxofonista/fluyente Gaetano Partipilo. Después de la gira del disco, la pareja tomó caminos separados con la intención de trabajar juntos de nuevo en el futuro. Conte publicó un par de sencillos en colaboración con Gianluca Petrella: "African Spirits"/"New World Shuffle" en diciembre de 2017, y "Sun Song b/n "Nigeria" a finales del invierno de 2018. También fue objeto de la compilación del esquema "The Modern Sounds of Nicola Conte": Versiones en Jazz-Dub. En mayo, Conte publicó el largometraje Let Your Light Shine con un elenco internacional de músicos de jazz y de música del mundo bajo el paraguas de Nicola Conte & Spiritual Galaxy. Entre ellos se encontraban los vocalistas Bridgette Amofah, Zara McFarlane, Carolina Bubbico y Zoe Modica, y los instrumentistas Logan Richardson en saxo alto, Magnus Lindgren en tenor y flauta, Theo Croker en trompeta, Pietro Lussu en teclados y Gianluca Petrella en trombón y Moog.

por Steve Huey

https://www.allmusic.com/artist/nicola-conte-mn0000869631/biography

Reseña de Nicholas Gordon

Arreglista, productor, DJ, músico y proveedor general de acid jazz y bossa para el sello Scema y el movimiento Fez, el largometraje Bossa Per Due de Nicola Conte para el sello American Eighteenth Street Lounge (ESL) da un paso muy necesario para revitalizar un género estadounidense estancado. Músico de formación clásica, Conte ha trabajado en varios proyectos notables, incluyendo grabaciones de Paolo Achenza Trio, Fez Combo, Intensive Jazz Sextet, y Balanco, donde su toque, su oído y su sello de aprobación han impulsado estos proyectos a la aclamación underground. El disco se desarrolla a través de 12 pistas de desarrollo de una atmósfera fresca y relajada sobre una base de ritmos de ritmo constante que evolucionan desde la bossa fría en el estelar tema del título, "Bossa Per Due", y "Jet Sounds", a las rupturas de acid-funk en el "Dossier Omega", complementado con tablas, a la samba esencial en "The In Samba", al jazz de swing en "Jazz Pour Dadine". Independientemente del estilo que Conte adopte y resulte con su sonido característico, produce cada muestra, vocal o ritmo de manera que crea un ambiente musical impactante y vital que nunca deja de pavonearse con su suave sensualidad. Lanzado en los EE.UU. por ESL, más notable para la Corporación Thievery, este disco se convertirá en un clásico del género!

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The Cult • The Singles

 

 

Biography by Stephen Thomas Erlewine
Fronted by vocalist Ian Astbury and featuring guitarist Billy Duffy, the Cult evolved from a Gothic post-punk outfit in 1984, transforming themselves into England's leading hard rock revivalist act. Their image combined the pseudo-mysticism and Native American cultural obsessions of the Doors with the guitar orchestrations of Led Zeppelin, and the three-chord crunch of AC/DC, with blended traces of post-punk goth rock. Their 1984 debut Dreamtime performed well, but follow-up Love amplified their hard rock direction and chart success with breakout single "She Sells Sanctuary." 1987's Rick Rubin-produced Electric, was their hardest record yet and went Top 40 stateside thanks to the smash singles "Lil' Devil," "Love Removal Machine, and "Wildflower." 1989's, Sonic Temple became their most successful album, peaking at ten in America behind single "Edie (Ciao Baby)." The spoils of success began tearing at the members, and they disbanded in 1995. Astbury and Duffy resurrected the Cult for 2001's Beyond Good and Evil. Subsequent efforts included Born Into This (2007), Choice of Weapon (2012), and Under the Midnight Sun (2022).

The origins of the Cult lie in the Southern Death Cult, a goth rock outfit formed by vocalist Ian Astbury (born May 14, 1962) in 1981. Astbury was the son of a merchant navy man, which meant he moved frequently during his youth; at one point in his childhood, his family lived in Canada, where the young Astbury became fascinated with Native Americans, who would become a recurring theme in his songwriting. Astbury eventually settled in Bradford, Yorkshire, where he met a group comprising David Burrows (guitar), Barry Jepson (bass), and Haq Quereshi (drums). Ian joined the group as its lead vocalist (performing with the last name of "Lindsay," which was his mother's maiden name) and had the group renamed the Southern Death Cult. By only their fifth concert, the band was attracting audiences of 2,000. In December 1982, the Southern Death Cult released their first single -- the double A-side "Moya"/"Fatman" -- and the following month, they supported Bauhaus on tour. Though the group's future was looking bright, Astbury pulled the plug on the band because he was frustrated with the positive articles he was receiving in the press. The remaining three members joined Getting the Fear, which eventually became Into a Circle; in the late '80s, Quereshi became a member of Fun^Da^Mental. All of the Southern Death Cult recordings were eventually released in 1986.

Following the breakup, Astbury shortened the name of the group to Death Cult and recruited guitarist Billy Duffy -- who had previously played with Morrissey in the pre-Smiths band the Nosebleeds, as well as Theatre of Hate -- and drummer Ray Mondo and bassist Jamie Stewart, who had previously played with Ritual. Death Cult released an eponymous EP in the summer of 1983; on the EP, Astbury reverted back to his given name. Later in the year, Mondo was replaced by Nigel Preston, who had previously played with Duffy in Theatre of Hate; coincidentally, Mondo became the drummer for Preston's previous group, Sex Gang Children.

In early 1984, the bandmembers decided to excise "Death" from the title, fearing that the word gave them the misleading appearance of being a goth band. Where both Southern Death Cult and Death Cult had been overtly influenced by post-punk, the Cult were a heavy hard rock band with slight psychedelic flourishes. Dreamtime, the group's first album, was released in the fall of 1984, accompanied by the single "Spiritwalker." Dreamtime reached number 21 on the U.K. charts. In the spring of 1985, Preston left the group. For the group's summer single, "She Sells Sanctuary," the band was joined by Big Country's drummer, Mark Brzezicki. "She Sells Sanctuary" became a major U.K. hit, peaking at number 15. During the recording of the group's second album, drummer Les Warner joined the group. Love, released in the fall of 1985, continued the hard rock direction of its teaser single and became a number four hit in Britain.

For their third album, the Cult shuffled their lineup -- Stewart moved to rhythm guitar, while former Zodiac Mindwarp bassist Kid Chaos joined the lineup -- and hired Rick Rubin as producer, and the result, Electric, was their hardest, heaviest record to date. The first single from the album, "Love Removal Machine," became a number 18 hit in the spring of 1987, while the album itself reached number four in the U.K. upon its April release. Later that year, Electric gained the Cult a fan base in America, and the album cracked the U.S. Top 40.

In 1988, the group fired Chaos and Warner, replacing the latter with Matt Sorum; the band failed to hire another bassist. The new lineup released Sonic Temple, which would prove to be the band's most successful effort. The hit single "Fire Woman" helped propel the album into the American Top Ten, and within no time, the Cult were seen hanging out with the likes of Mötley Crüe and Aerosmith, as well as supporting Metallica on the Damaged Justice tour. Though the group was experiencing its best sales, it was fraying behind the scenes due to infighting and substance abuse. By the time they recorded their follow-up to Sonic Temple, Sorum had left to join Guns N' Roses and Stewart had quit; they were replaced by drummer Mickey Curry and bassist Charlie Drayton. The resulting album, Ceremony, was released in the fall of 1991 to weak reviews and disappointing sales.

Following the release of Ceremony, the group took a break for the next three years. In 1993, the band released the U.K.-only hits compilation Pure Cult, which debuted at number one. By summer 1993, the Cult had a new rhythm section, featuring former Mission bassist Craig Adams, second guitarist Mike Dimkich (Channel 3), and drummer Scott Garrett. This lineup recorded The Cult, which was released in late 1994 to poor reviews and sales. In spring 1995, the Cult disbanded, with Ian Astbury forming the Holy Barbarians later in the year. Billy Duffy briefly played with Miles Hunt's Vent 414 before leaving to pursue a solo project. In 2000, the band's catalog was remastered and reissued, and Pure Cult was released in the U.S. (despite a similar compilation, High Octane Cult, having appeared four years earlier). It was followed by Rare Cult, a six-disc box set of rarities.

A new Cult, with Matt Sorum, Martyn LeNoble, and Chris Wyse joining Astbury and Duffy, made their debut in June 1999 at the Tibetan Freedom Festival. This band produced the 2001 album Beyond Good and Evil before the Cult were retired again, as Astbury joined former Doors members Robbie Krieger and Ray Manzarek in the Doors of the 21st Century (later renamed Riders on the Storm). In 2007, it was announced that Astbury had left the band to rejoin Duffy in a new version of the Cult, with Chris Wyse on bass and John Tempesta on drums. They signed to Roadrunner and released Born Into This in 2008, which they promoted over the next few years on their highly publicized Love Live tour. They returned to the studio in 2011 after inking a deal with Cooking Vinyl Records and released their ninth studio album, Choice of Weapon, the following year.

In 2013, Duffy announced in an interview that the Cult were working on new material for 2015. However, personnel changes put a bit of a damper on the band's plans: after 20 years, Dimkich left to play with Bad Religion and Wyse left for Ace Frehley's band. Longtime friend James Stevenson took the second guitar chair, while Grant Fitzpatrick took over on bass to play the band's 2014 world tour. Jane's Addiction bassist Chris Channey came on board in the studio for the band's tenth studio album. With Bob Rock producing, the Cult completed Hidden City in 2015. The first two singles, "Dark Energy" and "Deeply Ordered Chaos," were issued in November and December, respectively, with a third, "Hinterland," appearing in January of 2016. The album followed in February of that year.

Following two world tours, and summers spent playing sheds and festivals on both sides of the Atlantic, the Cult took a well-deserved breather extended by the onset of the COVID-19 pandemic. In July 2022, they quietly released the video single for "Give Me Mercy." In October they released the full-length Under the Midnight Sun. Produced by Tom Dalgety (Pixies, Ghost) it appeared from hard rock indie Black Hill Records, offering eight tracks that also included a second single in "A Cut Inside."
https://www.allmusic.com/artist/the-cult-mn0000139908#biography

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
Liderados por el vocalista Ian Astbury y con el guitarrista Billy Duffy, The Cult evolucionó de un grupo gótico post-punk en 1984, transformándose en el principal grupo revivalista de hard rock de Inglaterra. Su imagen combinaba el pseudomisticismo y las obsesiones culturales de los nativos americanos de The Doors con las orquestaciones de guitarra de Led Zeppelin y el crujido de tres acordes de AC / DC, con trazos mezclados de rock gótico post-punk. Su debut en 1984, Dreamtime, tuvo un buen desempeño, pero el seguimiento de Love amplificó su dirección de hard rock y su éxito en las listas con el sencillo revelación " She Sells Sanctuary."Electric, producido por Rick Rubin en 1987, fue su disco más difícil hasta el momento y llegó al Top 40 en los Estados Unidos gracias a los exitosos sencillos" Lil' Devil", "Love Removal Machine" y " Wildflower."Sonic Temple de 1989 se convirtió en su álbum más exitoso, alcanzando el puesto diez en Estados Unidos detrás del sencillo Edie (Ciao Baby)."El botín del éxito comenzó a desgarrar a los miembros, y se disolvieron en 1995. Astbury y Duffy resucitaron el Culto para Beyond Good and Evil de 2001. Los esfuerzos posteriores incluyeron Nacido en esto (2007), Elección de arma (2012) y Bajo el sol de Medianoche (2022).

Los orígenes de The Cult se encuentran en Southern Death Cult, un grupo de rock gótico formado por el vocalista Ian Astbury (nacido el 14 de mayo de 1962) en 1981. Astbury era hijo de un hombre de la marina mercante, lo que significaba que se mudaba con frecuencia durante su juventud; en un momento de su infancia, su familia vivió en Canadá, donde el joven Astbury quedó fascinado con los nativos americanos, que se convertirían en un tema recurrente en su composición. Astbury finalmente se estableció en Bradford, Yorkshire, donde conoció a un grupo formado por David Burrows (guitarra), Barry Jepson (bajo) y Haq Quereshi (batería). Ian se unió al grupo como vocalista principal (actuando con el apellido de soltera de su madre," Lindsay") y cambió el nombre del grupo a Southern Death Cult. Con solo su quinto concierto, la banda atraía audiencias de 2000. En diciembre de 1982, Southern Death Cult lanzó su primer sencillo, el doble lado A "Moya" / "Fatman", y al mes siguiente, apoyaron a Bauhaus en la gira. Aunque el futuro del grupo se veía brillante, Astbury desconectó a la banda porque estaba frustrado con los artículos positivos que recibía en la prensa. Los tres miembros restantes se unieron a Getting the Fear, que eventualmente se convirtió en un Círculo; a fines de los 80, Quereshi se convirtió en miembro de Fun^Da^Mental. Todas las grabaciones de Southern Death Cult finalmente se lanzaron en 1986.

Tras la ruptura, Astbury acortó el nombre del grupo a Death Cult y reclutó al guitarrista Billy Duffy, que anteriormente había tocado con Morrissey en la banda anterior a The Smiths, the Nosebleeds, así como Theatre of Hate, y al baterista Ray Mondo y al bajista Jamie Stewart, que previamente había tocado con Ritual. Death Cult lanzó un EP homónimo en el verano de 1983; en el EP, Astbury volvió a su nombre de pila. Más tarde ese año, Mondo fue reemplazado por Nigel Preston, quien previamente había tocado con Duffy en Theatre of Hate; casualmente, Mondo se convirtió en el baterista del grupo anterior de Preston, Sex Gang Children.

A principios de 1984, los miembros de la banda decidieron eliminar "Death" del título, temiendo que la palabra les diera la apariencia engañosa de ser una banda gótica. Donde tanto Southern Death Cult como Death Cult habían sido abiertamente influenciados por el post-punk, the Cult era una banda de hard rock pesado con ligeros florituras psicodélicas. Dreamtime, el primer álbum del grupo, fue lanzado en el otoño de 1984, acompañado del sencillo "Spiritwalker."Dreamtime alcanzó el número 21 en las listas del Reino Unido .  En la primavera de 1985, Preston dejó el grupo. Para el sencillo de verano del grupo, "She Sells Sanctuary", se unió a la banda el baterista de Big Country, Mark Brzezicki. "She Sells Sanctuary" se convirtió en un gran éxito en el Reino Unido, alcanzando el puesto número 15. Durante la grabación del segundo álbum del grupo, el baterista Les Warner se unió al grupo. Love, lanzado en el otoño de 1985, continuó la dirección del hard rock de su sencillo teaser y se convirtió en un éxito número cuatro en Gran Bretaña.

Para su tercer álbum, The Cult barajó su formación (Stewart se cambió a la guitarra rítmica, mientras que el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos, se unió a la formación) y contrató a Rick Rubin como productor, y el resultado, Electric, fue su disco más duro y pesado hasta la fecha. El primer sencillo del álbum, "Love Removal Machine", se convirtió en un éxito número 18 en la primavera de 1987, mientras que el álbum en sí alcanzó el número cuatro en el Reino Unido tras su lanzamiento en abril. Más tarde ese año, Electric le ganó al Culto una base de fanáticos en Estados Unidos, y el álbum entró en el Top 40 de EE.UU.

En 1988, el grupo despidió a Chaos y Warner, reemplazando a este último con Matt Sorum; la banda no pudo contratar a otro bajista. La nueva formación lanzó Sonic Temple, que resultaría ser el esfuerzo más exitoso de la banda. El exitoso sencillo "Fire Woman" ayudó a impulsar el álbum al Top Ten estadounidense, y en poco tiempo, The Cult fue visto saliendo con gente como Mötley Crüe y Aerosmith, además de apoyar a Metallica en la gira Damaged Justice. Aunque el grupo estaba experimentando sus mejores ventas, se estaba deshilachando detrás de escena debido a las luchas internas y el abuso de sustancias. Para cuando grabaron su seguimiento de Sonic Temple, Sorum se había ido para unirse a Guns N ' Roses y Stewart había renunciado; fueron reemplazados por el baterista Mickey Curry y el bajista Charlie Drayton. El álbum resultante, Ceremony, fue lanzado en el otoño de 1991 con críticas débiles y ventas decepcionantes.

Tras el lanzamiento de Ceremony, el grupo se tomó un descanso durante los siguientes tres años. En 1993, la banda lanzó la compilación de éxitos Pure Cult, exclusiva del Reino Unido, que debutó en el número uno. Para el verano de 1993, The Cult tenía una nueva sección rítmica, con el ex bajista de Mission Craig Adams, el segundo guitarrista Mike Dimkich (Channel 3) y el baterista Scott Garrett. Esta formación grabó The Cult, que fue lanzado a fines de 1994 con malas críticas y ventas. En la primavera de 1995, el Culto se disolvió, y Ian Astbury formó The Holy Barbarians más tarde ese año. Billy Duffy tocó brevemente con Vent 414 de Miles Hunt antes de irse a buscar un proyecto en solitario. En 2000, el catálogo de la banda fue remasterizado y reeditado, y Pure Cult fue lanzado en los Estados Unidos (a pesar de que una compilación similar, High Octane Cult, había aparecido cuatro años antes). Fue seguido por Rare Cult, una caja de rarezas de seis discos.

A new Cult, con Matt Sorum, Martyn LeNoble y Chris Wyse uniéndose a Astbury y Duffy, hizo su debut en junio de 1999 en el Festival de la Libertad Tibetana. Esta banda produjo el álbum de 2001 Beyond Good and Evil antes de que The Cult se retirara nuevamente, ya que Astbury se unió a los ex miembros de Doors Robbie Krieger y Ray Manzarek en the Doors of the 21st Century (más tarde rebautizado como Riders on the Storm). En 2007, se anunció que Astbury había dejado la banda para reunirse con Duffy en una nueva versión de The Cult, con Chris Wyse al bajo y John Tempesta a la batería. Firmaron con Roadrunner y lanzaron Born Into This en 2008, que promocionaron durante los próximos años en su muy publicitada gira Love Live. Regresaron al estudio en 2011 después de firmar un contrato con Cooking Vinyl Records y lanzaron su noveno álbum de estudio, Choice of Weapon, al año siguiente.

En 2013, Duffy anunció en una entrevista que The Cult estaban trabajando en nuevo material para 2015. Sin embargo, los cambios de personal frenaron un poco los planes de la banda: después de 20 años, Dimkich se fue a tocar con Bad Religion y Wyse se fue a la banda de Ace Frehley. Su viejo amigo James Stevenson tomó la segunda silla de guitarra, mientras que Grant Fitzpatrick asumió el bajo para tocar en la gira mundial de la banda en 2014. El bajista de Jane's Addiction, Chris Channey, subió a bordo en el estudio para el décimo álbum de estudio de la banda. Con Bob Rock como productor, The Cult completó Hidden City en 2015. Los dos primeros sencillos, "Dark Energy" y "Deeply Ordered Chaos", se publicaron en noviembre y diciembre, respectivamente, y un tercero, "Hinterland", apareció en enero de 2016. El álbum siguió en febrero de ese año.

Después de dos giras mundiales y veranos tocando en cobertizos y festivales a ambos lados del Atlántico, the Cult se tomó un merecido respiro extendido por el inicio de la pandemia de COVID-19. En julio de 2022, lanzaron silenciosamente el video sencillo de " Give Me Mercy."En octubre lanzaron el largometraje Under the Midnight Sun. Producido por Tom Dalgety (Pixies, Ghost) apareció en el disco independiente de hard rock Black Hill Records, ofreciendo ocho pistas que también incluían un segundo sencillo en " A Cut Inside."
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