John Coltrane • Expression

 

John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
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John Hicks • Moanin' - Portrait Of Art Blakey

Biography by Jason Ankeny

A longtime fixture of the New York City jazz landscape, pianist John Hicks was an artist of uncommon versatility, moving effortlessly from pop standards to the avant-garde while retaining the dense physicality and intense energy that were the hallmarks of his approach. Born December 12, 1941, in Atlanta, Hicks was still an infant when his preacher father relocated the family to Los Angeles. He spent the better part of his teen years in St. Louis, and counted among his classmates there the young Lester Bowie. Hicks' mother was his first piano teacher, and after a stint at Lincoln University in Missouri he attended the Berklee School of Music and the Juilliard School; he later cited influences spanning from Fats Waller to Thelonious Monk to Methodist church hymns, and his catholic listening tastes were instrumental in shaping his far-ranging skills as a player. After touring in support of bluesman Albert King and hard bop tenor saxophonist Johnny Griffin, Hicks backed singer Della Reese during a 1963 New York club residency, and the city remained his home for the rest of his life. In the wake of stints with Kenny Dorham and Joe Henderson, Hicks joined Art Blakey's Jazz Messengers in 1964, collaborating alongside the likes of trumpeters Lee Morgan and Freddie Hubbard. Two years later, he signed on with singer Betty Carter, like Blakey a keen judge of emerging talent. Upon exiting Carter's band in 1968, Hicks spent the remainder of the decade with Woody Herman and entered the decade to follow as a first-call sideman. He also moonlighted as an educator, and during the early '70s taught jazz and improvisation at Southern Illinois University.

After backing Carter on her 1976 date Now It's My Turn, Hicks returned to her backing group full-time. The exposure vaulted him to new renown, and in 1979 he finally led his own studio effort, After the Morning. With 1981's Some Other Time, cut with bassist Walter Booker and drummer Idris Muhammad, Hicks also emerged as a gifted composer, writing his best-known effort, "Naima's Love Song," in honor of his young daughter. He recorded prolifically in the years to follow, concentrating on solo and small ensemble work including stints as member of the Power Trio and the Keystone Trio. He also served as the regular pianist with the Mingus Dynasty Band and for a time led his own big band. Hicks enjoyed his greatest commercial success with a series of tribute LPs celebrating the music of his mentors and influences, highlighted by 1998's Something to Live For (a collection of Billy Strayhorn compositions), 2000's Impressions of Mary Lou (Williams, of course), and 2003's Fatha's Day (honoring Earl Hines). Hicks' longest and most rewarding collaboration was his partnership with flutist Elise Wood, which launched in 1983 and after several studio sessions and tours culminated in marriage in 2001, around the time of the release of their duo recording Beautiful Friendship. Hicks died suddenly on May 10, 2006. Just three days earlier, he delivered his final performance at Harlem's St. Mark's United Methodist Church, where his father served as a minister prior to his own death. Hicks was 64 years old.

https://www.allmusic.com/artist/john-hicks-mn0000224920#biography

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Biografía de Jason Ankeny

Un elemento fijo durante mucho tiempo en el panorama del jazz de la ciudad de Nueva York, el pianista John Hicks fue un artista de una versatilidad poco común, que pasó sin esfuerzo de los estándares pop a la vanguardia al tiempo que conservaba la densa fisicalidad y la intensa energía que eran las características distintivas de su enfoque. Nacido el 12 de diciembre de 1941 en Atlanta, Hicks todavía era un bebé cuando su padre predicador trasladó a la familia a Los Ángeles. Pasó la mayor parte de su adolescencia en St.Louis, y contaba entre sus compañeros de clase allí con el joven Lester Bowie. La madre de Hicks fue su primera profesora de piano, y después de una temporada en la Universidad Lincoln en Missouri, asistió a la Escuela de Música Berklee y a la Escuela Juilliard; más tarde citó influencias que van desde Fats Waller hasta Thelonious Monk y himnos de la iglesia Metodista, y sus gustos auditivos católicos fueron fundamentales para dar forma a sus habilidades de gran alcance como intérprete. Después de realizar una gira en apoyo del músico de blues Albert King y el saxofonista tenor Johnny Griffin, Hicks respaldó a la cantante Della Reese durante una residencia en un club de Nueva York en 1963, y la ciudad siguió siendo su hogar por el resto de su vida. A raíz de las temporadas con Kenny Dorham y Joe Henderson, Hicks se unió a Art Blakey's Jazz Messengers en 1964, colaborando junto a trompetistas como Lee Morgan y Freddie Hubbard. Dos años más tarde, firmó con la cantante Betty Carter, como Blakey, un agudo juez de talentos emergentes. Al salir de la banda de Carter en 1968, Hicks pasó el resto de la década con Woody Herman y entró en la década siguiente como acompañante de primera llamada. También trabajó como educador y, a principios de los 70, enseñó jazz e improvisación en la Universidad del Sur de Illinois.

Después de respaldar a Carter en su cita de 1976 Now It's My Turn, Hicks regresó a su grupo de respaldo a tiempo completo. La exposición lo llevó a un nuevo renombre, y en 1979 finalmente dirigió su propio esfuerzo de estudio, After the Morning. Con Some Other Time de 1981, grabado con el bajista Walter Booker y el baterista Idris Muhammad, Hicks también emergió como un compositor talentoso, escribiendo su esfuerzo más conocido, "Naima's Love Song", en honor a su pequeña hija. Grabó prolíficamente en los años siguientes, concentrándose en trabajos en solitario y en pequeños conjuntos, incluidos períodos como miembro del Power Trio y el Keystone Trio. También se desempeñó como pianista habitual de la Mingus Dynasty Band y durante un tiempo dirigió su propia big band. Hicks disfrutó de su mayor éxito comercial con una serie de LP tributo que celebraban la música de sus mentores e influencias, destacados por Something to Live For de 1998 (una colección de composiciones de Billy Strayhorn), Impressions of Mary Lou de 2000 (Williams, por supuesto) y Fatha's Day de 2003 (en honor a Earl Hines). La colaboración más larga y gratificante de Hicks fue su asociación con la flautista Elise Wood, que se lanzó en 1983 y después de varias sesiones de estudio y giras culminó en matrimonio en 2001, alrededor del momento del lanzamiento de su dúo grabando Beautiful Friendship. Hicks murió repentinamente el 10 de mayo de 2006. Apenas tres días antes, pronunció su última actuación en la Iglesia Metodista Unida de San Marcos de Harlem, donde su padre se desempeñaba como ministro antes de su propia muerte. Hicks tenía 64 años.

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Gerry Mulligan • The After Life of the Party

 

Gerry Mulligan grew up in Philadelphia and first learned piano, which he played occasionally. While in his teens, he wrote arrangements for Johnny Warrington's radio band (1944) and played reed instruments professionally. After moving to New York in 1946, he joined Gene Krupa's big band as staff arranger, attracting attention with his Disc Jockey Jump (1947). He then became involved with the nascent cool-jazz movement in New York, taking part in the performances (1948) and recording sessions (1949-50) of Miles Davis' nonet and contributing scores to the big bands of Elliot Lawrence and Claude Thornhill. By this time, he was specializing in baritone saxophone and playing in groups with Kai Winding and others. He also wrote scores for Stan Kenton's band and recorded with his own tentet (1951), which was modeled on Davis's ensemble.

In 1952, Mulligan, then based in Los Angeles, formed his first “piano-less” quartet, with Chet Baker on trumpet. The group was instantaneously successful and brought Baker and Mulligan international acclaim. Mulligan led a new tentet and various versions of the quartet throughout the mid-1950s. He made a sensational appearance at the Salle Pleyel in Paris in 1954 and began dominating jazz opinion polls for his instrument. In 1960, he organized his own 13-piece concert jazz band with which he toured Europe in that year and Japan in 1964. After it disbanded, he became an active sideman, working often with Dave Brubeck (1968-72) and as a freelance arranger for other jazz groups. He formed a new 14-piece big band, the Age of Steam, in 1972, and was artist-in-residence at Miami University in 1974.

From 1974 to 1977, Mulligan led a sextet that included Dave Samuels, and during this period he worked regularly in New York and Italy. Around the same time he began playing soprano saxophone. He formed a 14-piece band in 1978 and toured with it into the following year. During the early 1980s, he made recordings as a leader in New York that involved experiments with a 20-piece big band (1980) and electronic instruments (1982-3), but in 1986 he returned to a more familiar format as the leader of a quintet with Scott Hamilton and Grady Tate.

Mulligan is among the most versatile figures in modern jazz. Although slow to develop as an instrumentalist, he has long been recognized as the most important baritone saxophonist in jazz since Harry Carney. Besides the cool idiom that he helped to create, he is equally at home in a big-band, bop, or even Dixieland context (playing clarinet in the latter), and his excellent recordings with musicians as varied as Johnny Hodges and Thelonious Monk show an unusual musical adaptability. Initially, however, Mulligan made his reputation as an arranger of band scores with intricate inner parts, careful balancing of timbres, low dynamics, and light swing, all of which features are present in his settings of Jeru, Godchild, and Venus de Milo for Davis' nonet. Later, he abstracted these qualities in his piano-less groups, where the low volume and absence of chordal underpinnings freed the wind players to improvise in delicate two-part counterpoint. Some of Mulligan's best playing may be heard in his recordings with Chet Baker, Bob Brookmeyer, and most notably Paul Desmond, with whom he shares an unusual talent for improvised countermelody.

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Gerry Mulligan creció en Filadelfia y aprendió piano por primera vez, que tocaba ocasionalmente. Mientras era adolescente, escribió arreglos para Johnny Warrington's radio band (1944) y tocó instrumentos de lengüeta profesionalmente. Después de mudarse a Nueva York en 1946, se unió a la big band de Gene Krupa como arreglista de personal, atrayendo la atención con su Disc Jockey Jump (1947). Luego se involucró con el naciente movimiento cool-jazz en Nueva York, participando en las actuaciones (1948) y sesiones de grabación (1949-50) de Miles Davis ' nonet y contribuyendo con partituras a las big bands de Elliot Lawrence y Claude Thornhill. En ese momento, se especializaba en saxofón barítono y tocaba en grupos con Kai Winding y otros. También escribió partituras para la banda de Stan Kenton y grabó con su propio tentet (1951), que se inspiró en el conjunto de Davis.

En 1952, Mulligan, entonces con sede en Los Ángeles, formó su primer cuarteto "sin piano", con Chet Baker a la trompeta. El grupo tuvo un éxito instantáneo y le dio a Baker y Mulligan reconocimiento internacional. Mulligan dirigió un nuevo tentet y varias versiones del cuarteto a mediados de la década de 1950. Hizo una aparición sensacional en la Salle Pleyel de París en 1954 y comenzó a dominar las encuestas de opinión sobre el jazz para su instrumento. En 1960, organizó su propia banda de jazz de concierto de 13 integrantes con la que realizó una gira por Europa en ese año y Japón en 1964. Después de su disolución, se convirtió en un acompañante activo, trabajando a menudo con Dave Brubeck (1968-72) y como arreglista independiente para otros grupos de jazz. Formó una nueva big band de 14 integrantes, the Age of Steam, en 1972, y fue artista residente en la Universidad de Miami en 1974.

De 1974 a 1977, Mulligan dirigió un sexteto que incluía a Dave Samuels, y durante este período trabajó regularmente en Nueva York e Italia. Casi al mismo tiempo comenzó a tocar el saxofón soprano. Formó una banda de 14 integrantes en 1978 y estuvo de gira con ella hasta el año siguiente. A principios de la década de 1980, realizó grabaciones como líder en Nueva York que involucraron experimentos con una big band de 20 integrantes (1980) e instrumentos electrónicos (1982-3), pero en 1986 regresó a un formato más familiar como líder de un quinteto con Scott Hamilton y Grady Tate.

Mulligan se encuentra entre las figuras más versátiles del jazz moderno. Aunque tardó en desarrollarse como instrumentista, durante mucho tiempo ha sido reconocido como el saxofonista barítono más importante del jazz desde Harry Carney. Además del lenguaje genial que ayudó a crear, se siente igualmente como en casa en un contexto de big band, bop o incluso Dixieland (tocando el clarinete en este último), y sus excelentes grabaciones con músicos tan variados como Johnny Hodges y Thelonious Monk muestran una adaptabilidad musical inusual. Inicialmente, sin embargo, Mulligan se ganó la reputación de arreglador de partituras de banda con intrincadas partes internas, cuidadoso equilibrio de timbres, baja dinámica y swing ligero, características todas presentes en sus composiciones de Jeru, Godchild y Venus de Milo para Davis' nonet. Más tarde, abstrajo estas cualidades en sus grupos sin piano, donde el bajo volumen y la ausencia de bases cordales liberaron a los músicos de viento para improvisar en un delicado contrapunto de dos partes. Algunas de las mejores interpretaciones de Mulligan se pueden escuchar en sus grabaciones con Chet Baker, Bob Brookmeyer y, sobre todo, Paul Desmond, con quien comparte un talento inusual para la contramelodia improvisada.
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The Funkstamatics • Lift Off

 

Jump on board with Holland's hardest rockin' jazzed-up funk band and travel through ten banging tracks of Hammond grooves, spaced-out jazzfunk, garage-style stompers and the occasional hint of breezy disco/boogie.

Flying new start for Dutch funksters who had to change band name

The Funkstamatics are ready for Lift Off - are you?

Imagine playing almost a hundred gigs in 7 years, releasing several albums and vinyl singles. But then, just as BBC funk guru Craig Charles supports your tracks Koekwaus and the Spotify counter runs towards 40.000 plays, you receive an email from the US. As it turns out, an American company holds a trademark to 'your' band name: Euro Cinema. Even for a band that's renowned for the pleasure they exude on stage, that's anything but pleasant. After some emails back and forth and a few curses, the band chooses a new name, after their own second album: The Funkstamatics.

Next, they get to the studio to funk all the bad vibes away. And establish their credentials once more as the hardest rockin’ jazzed-up funk band in the Netherlands. As always, they plunder their elaborate vinyl collections for inspiration. From Meters-style raw Hammond grooves and James Brown breaks to spacey jazz-funk in a Herbie Hancock vein, lazy New Orleans rhythms, filthy funk rock guitars and even a hit of boogie/disco … it's all there on the album Lift Off. So what if the guitar play needs physical therapy on his arm after recording the hyperactive title track? Nothing can stop The Funkstamatics now - they're ready for Lift Off.

Raw sound

Besides the original quartet of Tim den Heijer (guitar), Niels Piay (drums), Dennis Orsel (bass) and Rob Schepens (Hammond & vintage keys), sax player Efraïm Trujillo (Ploctones, New Cool Collective) plays an important part on the album. Singer Sanne Monster (ex-Laura Vane & The Vipertones) also returns and on three tracks trumpet player Dirk Beets (Candy Dulfer) completes a JB’s style horn section. Three tracks were produced by Dutch funk mastermind Phil Martin (Laura Vane & The Vipertones, Soul Snatchers). The band produced the remainder of the album using vintage analogue gear in the Electric Monkey Studios in Amsterdam, favourite among the likes of Lefties Soul Connection for its raw and warm sound.

"One of the coolest funk combos we've heard in years" - Dusty Groove America"One heavy collection of Hammond led grooves" - Craig Charles, BBC Funk & Soul Show

"***** One of the heaviest slices of Hammond funk you’ll ever hear" -Monkeyboxing.com

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Súbete a bordo con la banda de funk de jazz rock más duro de Holland y recorre diez canciones de Hammond Grooves, jazzfunk espaciado, pompas de estilo de garaje y el ocasional toque de ventosa discoteca / boogie.

Un nuevo comienzo para los funksters holandeses que tuvieron que cambiar el nombre de la banda.

Los Funkstamatics están listos para el despegue, ¿verdad?

Imagínese tocando casi cien conciertos en 7 años, lanzando varios álbumes y singles de vinilo. Pero entonces, al igual que el gurú del funk de la BBC Craig Charles soporta tus pistas Koekwaus y el contador de Spotify se ejecuta hacia 40.000 reproducciones, recibes un correo electrónico de los EE. Como resultado, una compañía estadounidense posee una marca registrada con el nombre de su banda: Euro Cinema. Incluso para una banda que es famosa por el placer que exudan en el escenario, eso no es nada agradable. Después de algunos correos electrónicos de ida y vuelta y algunas maldiciones, la banda elige un nuevo nombre, después de su segundo álbum: The Funkstamatics.

A continuación, llegan al estudio para hacer desaparecer todas las malas vibras. Y establecer sus credenciales una vez más como la banda de funk de jazz de rock más duro de los Países Bajos. Como siempre, saquean sus elaboradas colecciones de vinilos en busca de inspiración. Desde los ritmos crudos de Hammond al estilo de Meters y James Brown hasta spacey jazz-funk en un estilo Herbie Hancock, los perezosos ritmos de Nueva Orleans, las sucias guitarras de funk rock e incluso un éxito de boogie / disco ... todo está en el álbum Lift Off. Entonces, ¿qué pasa si la guitarra necesita una terapia física en su brazo después de grabar la pista de título hiperactiva? Nada puede detener a The Funkstamatics ahora; están listos para el despegue.

Sonido crudo

Además del cuarteto original de Tim den Heijer (guitarra), Niels Piay (batería), Dennis Orsel (bajo) y Rob Schepens (Hammond y teclas vintage), el jugador de saxos Efraïm Trujillo (Ploctones, New Cool Collective) juega un papel importante en la álbum. La cantante Sanne Monster (ex-Laura Vane y The Vipertones) también regresa y en tres pistas el trompetista Dirk Beets (Candy Dulfer) completa la sección de bocina de estilo JB. Tres pistas fueron producidas por el maestro de funk holandés Phil Martin (Laura Vane & The Vipertones, Soul Snatchers). La banda produjo el resto del álbum con equipos analógicos vintage en Electric Monkey Studios en Ámsterdam, uno de los favoritos de Lefties Soul Connection por su sonido crudo y cálido.

"Uno de los mejores combos de funk que hemos escuchado en años" - Dusty Groove America "Una gran colección de grooves de Hammond" - Craig Charles, BBC Funk & Soul Show

"***** Una de las rebanadas más pesadas de Hammond Funk que jamás hayas escuchado" -Monkeyboxing.com

 

The George Shearing Quintet • Burnished Brass