Houston Person With Ron Carter • Just Between Friends

Review:

Immediately, Houston Person's saxophone and Ron Carter's bass meld so fluidly and effortlessly -- and create such a complete picture -- that it's easy to forget that they are the only two musicians playing. Drums are not missed, nor are piano, horns, or anything else: Person and Carter's communication skills here, as on their previous outings together, are never in doubt; they're "always" in perfect sync. They take on the standards here, and though most of these ten tracks have been recorded to death by other jazz artists, the duo's approach is original and honest enough that the songs sound fresh. "Lover Man (Oh Where Can You Be?)" is smooth, soft, and sexy; Irving Berlin's "Always" swings even if it never quite reaches swing tempo; and "Blueberry Hill" is playful and sweet. "Meditation," an Antonio Carlos Jobim tune, proves that bossa nova requires only the most minimal of instrumentation in order for its free-swaying tropical lilt to feel whole. The opening "How Deep Is the Ocean," another Berlin classic, sets the mood by establishing that melody and rhythm are never far apart -- neither musician is in any great hurry here and never eager to dominate or go outside of the songs' stated bounds. It's a collaboration in the truest sense, one in which emotion and the integrity of the material and arrangements trounce showboating.

https://www.allmusic.com/album/just-between-friends-mw0000785256

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Revisión:

Inmediatamente, el saxofón de Houston Person y el bajo de Ron Carter se funden tan fluidamente y sin esfuerzo - y crean un cuadro tan completo - que es fácil olvidar que son los únicos dos músicos que tocan. No se echa de menos la batería, ni el piano, ni las trompetas, ni nada más: las habilidades de comunicación de Person y Carter aquí, como en sus anteriores salidas juntos, nunca se ponen en duda; están "siempre" en perfecta sincronía. Ellos asumen los estándares aquí, y aunque la mayoría de estos diez temas han sido grabados hasta la muerte por otros artistas de jazz, el enfoque del dúo es original y lo suficientemente honesto como para que las canciones suenen frescas. "Lover Man (Oh Where Can You Be?)" es suave, delicado y sexy; "Always" de Irving Berlin se balancea incluso si nunca alcanza el tempo del swing; y "Blueberry Hill" es juguetona y dulce. "Meditación", una melodía de Antonio Carlos Jobim, demuestra que la bossa nova requiere sólo el más mínimo de instrumentación para que su libre giro tropical se sienta completo. La apertura "How Deep Is the Ocean", otro clásico de Berlín, establece el ambiente al establecer que la melodía y el ritmo nunca están muy separados - ningún músico tiene mucha prisa aquí y nunca está ansioso por dominar o salirse de los límites establecidos de las canciones. Es una colaboración en el sentido más verdadero, una en la que la emoción y la integridad del material y los arreglos triunfan.

https://www.allmusic.com/album/just-between-friends-mw0000785256

Akiko Tsuruga • Sakura

She’s “Sweet and Funky,” she’s “Cute and Bad”. A Composer. A Performer extraordinaire. The legendary Dr. Lonnie Smith describes her this way: “Akiko's playing is like watching a flower blooming, a bird spreading her wings in the music world. Akiko is here to stay. ” Raised in Osaka, Japan, this talented musician began studying the organ at the age of three, at the famed Yamaha Music School. After discovering her passion for jazz very early on in her musical journey, Akiko launched her career immediately after graduating from the Osaka College of Music. While living and playing in Osaka, she had many opportunities to perform with world-renowned jazz musicians from the United States. Meeting Grady Tate, in particular, was a life-changing event for Akiko. ‘

After landing in the mecca for jazz, New York City, it didn’t take long for Akiko to make her mark - It was during these early years that she had the great pleasure of sitting in, playing gigs, and eventually recording with jazz greats such as Frank Wess, Jimmy Cobb, Grady Tate and other top NY musicians. Her reputation ultimately drew attention of Lou Donaldson as he chose her in 2006 as his quartet’s organist.

But it was the meeting of organ legend Dr. Lonnie Smith that proved to have the greatest impact on Akiko’s musical development and career. He became an important mentor to Akiko, and she considers him her greatest influence. She flourished and continued to be a constant draw on the NY jazz scene.

Akiko has ten albums as a leader to her credit. Her debut album in the U.S., “Sweet and Funky” ,was selected as a “Best album of 2007” in DOWNBEAT Magazine. Akiko has been a regular in the DOWNBEAT polls since 2008 - culminating this year with the 65th Annual Critics Poll, coming in at #2 in the “Rising Star - Organ” category. Hot House Magazine has just named her 'Best Organ" in the 2017 Readers Poll. Her albums have constantly placed in the top ten on the National Radio Jazz Chart.

Akiko’s newest excitement is a trio project features a jazz celebrity drummer, Jeff Hamilton and a superb rising guitarist, Graham Dechter, and their first recording, “Equal Time” will be released in June 2019. This thrilling trio will be performing 2 nights at Dizzy’s Club Coca-Cola in May 2019.

Just take a listen to this dynamic performer, and I’m sure you will agree with the legendary Dr.

Lonnie Smith - “Akiko is here to stay!”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/akiko-tsuruga/

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Ella es "Dulce y Funky", ella es "Linda y Mala". Un Compositor. Un Intérprete extraordinario. El legendario Dr. Lonnie Smith la describe de esta manera: "Tocar con Akiko es como ver florecer una flor, un pájaro extendiendo sus alas en el mundo de la música. Akiko está aquí para quedarse. "Criado en Osaka, Japón, este talentoso músico comenzó a estudiar órgano a la edad de tres años, en la famosa Escuela de Música Yamaha. Después de descubrir su pasión por el jazz muy temprano en su viaje musical, Akiko lanzó su carrera inmediatamente después de graduarse en el Osaka College of Music. Mientras vivía y tocaba en Osaka, tuvo muchas oportunidades de actuar con músicos de jazz de renombre mundial de los Estados Unidos. Conocer a Grady Tate, en particular, fue un evento que cambió la vida de Akiko. ‘

Después de aterrizar en la meca del jazz, la ciudad de Nueva York, Akiko no tardó en dejar su huella ; fue durante estos primeros años que tuvo el gran placer de sentarse, tocar en conciertos y, finalmente, grabar con grandes del jazz como Frank Wess, Jimmy Cobb, Grady Tate y otros destacados músicos de Nueva York. Su reputación finalmente llamó la atención de Lou Donaldson cuando la eligió en 2006 como organista de su cuarteto.

Pero fue el encuentro con la leyenda del órgano, la Dra. Lonnie Smith, lo que resultó tener el mayor impacto en el desarrollo musical y la carrera de Akiko. Se convirtió en un mentor importante para Akiko, y ella lo considera su mayor influencia. Ella floreció y continuó siendo un atractivo constante en la escena del jazz de Nueva York.

Akiko tiene diez álbumes como líder en su haber. Su álbum debut en Estados Unidos, "Sweet and Funky" ,fue seleccionado como "Mejor álbum de 2007" en la revista DOWNBEAT. Akiko ha sido una habitual en las encuestas PESIMISTAS desde 2008, culminando este año con la 65ª Encuesta Anual de Críticos, ocupando el puesto número 2 en la categoría de "Órgano Estrella en ascenso". La revista Hot House acaba de nombrarla 'Mejor Órgano' en la Encuesta de lectores de 2017. Sus álbumes se han colocado constantemente entre los diez primeros en la Lista Nacional de Jazz de la Radio.

El nuevo proyecto excitement is a trio de Akiko presenta a un baterista famoso de jazz, Jeff Hamilton, y un magnífico guitarrista en ascenso, Graham Dechter, y su primera grabación, "Equal Time", se lanzará en junio de 2019. Este emocionante trío se presentará 2 noches en Dizzy's Club Coca-Cola en mayo de 2019.

Solo escuche a este dinámico intérprete, y estoy seguro de que estará de acuerdo con el legendario Dr.

Lonnie Smith - " ¡Akiko está aquí para quedarse!”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/akiko-tsuruga/

www.akikojazz.com ...

VA • Legends of Acid Jazz - Hammond Heroes

 

Review by Richie Unterberger

Very good compilation of 13 soul-jazz cuts from the Prestige vaults featuring the Hammond B-3 organ, recorded between 1959 and 1967. Some of the names (Shirley Scott, Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes") are pretty well known to fans of the style, but others are not. It's also a useful disc because it has key sides on which McDuff, Larry Young, John Patton, and others were playing as sidemen to non-keyboardist leaders, and thus might be overlooked by collectors of the style. Willis Jackson's "Pool Shark" (with Carl Wilson on organ) and Trudy Pitts' ebullient run through "Take Five" are real groovers; Richard "Groove" Holmes' "Misty" was a Top Fifty pop hit and one of the few soul-jazz singles to hit the charts.

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Reseña de Richie Unterberger

Muy buena compilación de 13 cortes de soul-jazz de las bóvedas del Prestige con el órgano Hammond B-3, grabado entre 1959 y 1967. Algunos de los nombres (Shirley Scott, Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes") son bastante conocidos por los fans del estilo, pero otros no. También es un disco útil porque tiene lados clave en los que McDuff, Larry Young, John Patton y otros jugaban como acompañantes de líderes no teclistas, y por lo tanto podría ser pasado por alto por los coleccionistas del estilo. El "Pool Shark" de Willis Jackson (con Carl Wilson en el órgano) y el exuberante recorrido de Trudy Pitts en "Take Five" son auténticos groovers; el "Misty" de Richard "Groove" Holmes fue un éxito pop del Top 50 y uno de los pocos singles de soul-jazz que llegó a las listas de éxitos.

Adam Levy, Larry Goldings & Kenny Wollesen • Buttermilk Channel

 

Guitarist Adam Levy is joined by organist Larry Goldings and drummer Kenny Wolleson on this understated and rather engaging album. Levy's tone is far more trebly and bright than is common in jazz, and this suits his compositional aesthetic, which boldly departs from jazz in many instances. There's more than a hint of blues and rock in the slow shuffle of "I Guess," the relaxed, twangy vibe of "Dear John" (a tribute to Scofield, perhaps), and the semi-reggae vehicle "Orange You Glad," which begins with strummed open-string voicings that briefly conjure an Eastern feel. Despite his rock leanings, Levy is not one for distortion and high decibels; even the rocking vamp at the end of "That's All She Wrote" ebbs and flows with dynamic subtlety. Levy's jazz leanings become more evident on "Out of Harm's Way" and the closing track, "Sphere of Influence." This is intelligent, genre-defying music played with a quiet passion.
David R. Adler, All Music Guide

 

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El guitarrista Adam Levy está acompañado por el organista Larry Goldings y el baterista Kenny Wolleson en este álbum discreto y bastante atractivo. El tono de Levy es mucho más agudo y brillante de lo que es habitual en el jazz, y esto se adapta a su estética compositiva, que se aleja audazmente del jazz en muchos casos. Hay más de un indicio de blues y rock en el lento shuffle de "I Guess", el relajado y retorcido ambiente de "Dear John" (tal vez un tributo a Scofield), y el vehículo semireggae "Orange You Glad", que comienza con rasgueos de cuerdas abiertas que evocan brevemente una sensación oriental. A pesar de sus inclinaciones rockeras, Levy no es partidario de la distorsión y los altos decibelios; incluso el vampiro rockero del final de "That's All She Wrote" fluye y refluye con sutileza dinámica. Las inclinaciones jazzísticas de Levy se hacen más evidentes en "Out of Harm's Way" y en el tema final, "Sphere of Influence". Se trata de una música inteligente que desafía los géneros y que se interpreta con una pasión silenciosa.
David R. Adler, All Music Guide

 

Howard Roberts • Forever

Howard Roberts was born in Phoenix, Arizona in 1929. He began playing guitar at age 8 and by age 15 was playing gigs in and around the Phoenix area. In 1950 (at age 20) Howard decided to move to Los Angeles, and through hard work and the invaluable assistance of fellow guitarist/arranger-composer Jack Marshall, Howard met and began playing with some of L.A.'s very best musicians, including Bobby Troup, Chico Hamilton and Barney Kessel. This led to a job with Bobby Troup and circa 1956 to a solo recording contract with Verve Records. At around that same time as he signed with Verve, Howard decided to concentrate on recording/studio work - work that he would do nearly non- stop until the early 1970's.

Howard's studio career has to be one of the most prolific ever. He played rhythm guitar, lead guitar, bass and even mandolin on an incredible number of television and movie projects. He also backed jazz, pop, country and rock 'n roll artists, and was heard on thousands of records over his career.

But Howard wasn't just a first call studio musician. Beginning in the late 60's Howard's interest in studio work diminished. He began to travel and hold guitar seminars all around the country. Howard had a genuine talent for teaching and curriculum development, a talent he shared with his wife Patty. This interest/talent led to the founding of a school for guitarists: GIT (The Guitar Institute of Technology). He also established Playback Publishing and wrote several books as part of a structured guitar music curriculum. And if that wasn't enough, for several years Howard wrote a monthly column (”Jazz Improvisation”) for Guitar Player magazine.

Howard had already recorded under his own name on at least one other label (Verve Records) before he signed with Capitol Records. Prior to that (circa 1955) he recorded at least two records as part of pianist/song stylist Bobby Troup's band on the Bethlehem label. “Color Him Funky,” and “H.R. is a Dirty Guitar Player” are the first two albums Howard recorded for Capitol, and were recorded within a few months of each other in 1963. The outstanding rhythm section is the same on both dates - Chuck Berghofer on bass and Earl Palmer on drums. Paul Bryant and Burkley Kendrix are on organ.

Most of Howard Roberts' recordings through the years, particularly a long string for Capitol in the ‘60’s and into the ‘70’s were quite commercial, featuring brief versions of current pop tunes. He did some good work with The Magic Band on some live recordings at Donte’s in Los Angeles that showed hints of what he could do. A versatile studio player, Roberts finally had an opportunity in 1977 to record some no-nonsense, straight-ahead jazz. “The Real Howard Roberts,” was a stand out, with a good band behind him interpreting jazz standards.

Howard Roberts died June 28, 1992

Howard Roberts is a member of the prestigious Gibson Hall of Fame. His guitars, personally designed and marketed by Gibson, are the H.R. Custom, with is arch top and oval hole combining classic-acoustic and electric guitars, and the newer H.R. Fusion model.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

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Howard Roberts nació en Phoenix, Arizona, en 1929. Empezó a tocar la guitarra a los 8 años y a los 15 ya tocaba en conciertos en el área de Phoenix y sus alrededores. En 1950 (a la edad de 20 años) Howard decidió mudarse a Los Ángeles, y a través del trabajo duro y la inestimable ayuda de su compañero guitarrista/compositor Jack Marshall, Howard conoció y comenzó a tocar con algunos de los mejores músicos de Los Ángeles, incluyendo a Bobby Troup, Chico Hamilton y Barney Kessel. Esto llevó a un trabajo con Bobby Troup y hacia 1956 a un contrato de grabación en solitario con Verve Records. Al mismo tiempo que firmaba con Verve, Howard decidió concentrarse en el trabajo de grabación y estudio, trabajo que haría casi sin parar hasta principios de los 70.

La carrera de Howard en el estudio tiene que ser una de las más prolíficas de la historia. Tocó la guitarra rítmica, la guitarra solista, el bajo e incluso la mandolina en un número increíble de proyectos de televisión y cine. También apoyó a artistas de jazz, pop, country y rock 'n roll, y se le escuchó en miles de discos a lo largo de su carrera.

Pero Howard no era sólo un músico de estudio de primera llamada. A partir de finales de los 60, el interés de Howard por el trabajo en el estudio disminuyó. Empezó a viajar y a dar seminarios de guitarra por todo el país. Howard tenía un genuino talento para la enseñanza y el desarrollo de planes de estudio, un talento que compartía con su esposa Patty. Este interés/talento llevó a la fundación de una escuela para guitarristas: GIT (El Instituto Tecnológico de la Guitarra). También estableció Playback Publishing y escribió varios libros como parte de un currículo estructurado de música para guitarra. Y por si fuera poco, durante varios años Howard escribió una columna mensual ("Jazz Improvisation") para la revista Guitar Player.

Howard ya había grabado bajo su propio nombre en al menos otro sello (Verve Records) antes de firmar con Capitol Records. Antes de eso (alrededor de 1955) grabó al menos dos discos como parte de la banda del pianista y estilista de canciones Bobby Troup en el sello Bethlehem. "Color Him Funky" y "H.R. is a Dirty Guitar Player" son los dos primeros discos que Howard grabó para Capitol, y se grabaron con pocos meses de diferencia en 1963. La sección rítmica destacada es la misma en ambas fechas - Chuck Berghofer en el bajo y Earl Palmer en la batería. Paul Bryant y Burkley Kendrix están en el órgano.

La mayoría de las grabaciones de Howard Roberts a través de los años, en particular una larga cuerda para Capitol en los 60 y en los 70 fueron bastante comerciales, con breves versiones de temas pop actuales. Hizo un buen trabajo con The Magic Band en algunas grabaciones en vivo en Donte's en Los Ángeles que mostraban indicios de lo que podía hacer. Un versátil jugador de estudio, Roberts finalmente tuvo la oportunidad en 1977 de grabar algo de jazz sin tonterías. "El verdadero Howard Roberts", se destacó, con una buena banda detrás de él interpretando estándares de jazz.

Howard Roberts murió el 28 de junio de 1992

Howard Roberts es miembro del prestigioso Salón de la Fama de Gibson. Sus guitarras, personalmente diseñadas y comercializadas por Gibson, son las H.R. Custom, con su tapa arqueada y agujero ovalado que combina guitarras clásicas-acústicas y eléctricas, y el más reciente modelo H.R. Fusion.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

1956-1979, 50 songs special selection