Thursday, May 14, 2026

Art Pepper • On Savoy Art Pepper

 


Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography


Duke Pearson • The Right Touch

 



Review by Scott Yanow
Duke Pearson rises to the challenge of writing for an all-star octet (with trumpeter Freddie Hubbard, trombonist Garnett Brown, altoist James Spaulding, Jerry Dodgion on alto and flute, Stanley Turrentine on tenor, bassist Gene Taylor, drummer Grady Tate, and the leader/pianist), contributing colorful frameworks and consistently challenging compositions. The set is full of diverse melodies (the CD reissue has a previously unissued take of "Los Malos Hombres") played by a variety of distinctive soloists; many of these songs deserve to be revived. This is one of the finest recordings of Duke Pearson's career.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524

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Crítica de Scott Yanow
Duke Pearson se enfrenta al reto de escribir para un octeto de estrellas (con el trompetista Freddie Hubbard, el trombonista Garnett Brown, el contralto James Spaulding, Jerry Dodgion en el contralto y la flauta, Stanley Turrentine en el tenor, el bajista Gene Taylor, el baterista Grady Tate, y el líder/pianista), aportando coloridos marcos y composiciones consistentemente desafiantes. El conjunto está lleno de melodías diversas (la reedición en CD contiene una toma inédita de "Los Malos Hombres") interpretadas por una variedad de solistas distintivos; muchas de estas canciones merecen ser revividas. Se trata de una de las mejores grabaciones de la carrera de Duke Pearson.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524


Nicolas Meier • From Istanbul To Ceuta With A Smile

 



Long ago, when the world was younger and far more innocent, a British TV commercial challenged its viewers. Take a particular brand of fruit pastille (Rowntree's, to be specific), place it in the mouth, resist the temptation to chew. So deliciously fruity was the pastille that such resistance would be futile. A similar challenge might be initiated for From Istanbul To Ceuta With A Smile, from the Swiss-born, UK-based guitarist Nicolas Meier. Take the album, press Play, listen, resist the temptation to smile.

Meier is a man of eclectic taste—a heavy metal guitarist with 7even, a master of acoustic steel and nylon strung guitars and a lover of Turkish music, he's even a member of a jazz-classical-pop fusion band called Eclectica!. His love of Turkish music has led Meier to produce a series of albums—including Yuz (Naim Records, 2007) and Journey (MGP Records, 2010)—on which he's fused this music with jazz and other styles. From Istanbul To Ceuta With A Smile is filled with inspiration from Turkey, but also from Spain, Argentina, the Middle East and the United States, forged skilfully into Meier's original compositions.

The center of this music is Meier's beautiful playing: precise intonation, fluid single note lines and strong rhythmic grooves burst out of his instruments. The fast-paced "To Ceuta" features Meier at his most breathtakingly swift; on the elegiac "Memories (in the memory of Peter)" he's at his most melancholy and considered, a mood matched by Gilad Atzmon's clarinet and Patrick Bettison's harmonica; on "The Wind" his playing is at its most forceful, underpinned by powerhouse drums and percussion from Asaf Sirkis and Demi Garcia.

Meier may be at the album's heart, but he not alone. In fact, he's put together a larger-than-usual ensemble for this album, mostly musicians who have worked with him on previous projects. While Atzmon and Bettison make the biggest contributions—Bettison's bass playing is also exemplary—no player underperforms. Violinist Lizzie Ball and cellist Bernard Gregor-Smith (both members of Eclectica!) add striking harmonies to "The Gate." James Pearson—musical director at the legendary Ronnie Scott's Club in London's Soho—adds a classically-flavored piano solo to "The Lightness" and an eloquent, jazzy one to "To Ceuta."

Meier's desire to mix musics from across Europe and the Middle East shows no sign of abating. As From Istanbul To Ceuta With A Smile demonstrates, it shows no sign of becoming stale or repetitive either. Meier uses his extended group to expand his musical range with great success—and with a smile.
By BRUCE LINDSAY
March 11, 2013
https://www.allaboutjazz.com/from-istanbul-to-ceuta-with-a-smile-nicolas-meier-mgp-records-review-by-bruce-lindsay.php

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Hace mucho tiempo, cuando el mundo era más joven y mucho más inocente, un anuncio de la televisión británica desafió a sus espectadores. Tome una marca particular de pastilla de fruta (Rowntree's, para ser específicos), colóquela en la boca, resista la tentación de masticar. La pastilla era tan deliciosamente afrutada que tal resistencia sería inútil. Un desafío similar podría iniciarse para From Istanbul To Ceuta With A Smile, del guitarrista Nicolas Meier, nacido en Suiza y residente en el Reino Unido. Coge el álbum, pulsa Play, escucha, resiste la tentación de sonreír.

Meier es un hombre de gusto ecléctico -un guitarrista de heavy metal con 7even, un maestro de las guitarras acústicas de acero y cuerdas de nylon y un amante de la música turca, incluso es miembro de una banda de fusión de jazz-clásico-pop llamada Ecléctica!. Su amor por la música turca ha llevado a Meier a producir una serie de álbumes, incluyendo Yuz (Naim Records, 2007) y Journey (MGP Records, 2010), en los que ha fusionado esta música con el jazz y otros estilos. From Istanbul To Ceuta With A Smile está lleno de inspiración de Turquía, pero también de España, Argentina, el Medio Oriente y los Estados Unidos, forjada hábilmente en las composiciones originales de Meier.

El centro de esta música es la hermosa interpretación de Meier: una entonación precisa, líneas fluidas de una sola nota y fuertes surcos rítmicos que salen de sus instrumentos. En el trepidante "To Ceuta", Meier se encuentra en su momento más ágil; en el elegíaco "Memories (in the memory of Peter)" está en su momento más melancólico y considerado, un estado de ánimo que se corresponde con el clarinete de Gilad Atzmon y la armónica de Patrick Bettison; en "The Wind" su interpretación es más contundente, apoyada por los poderosos tambores y percusiones de Asaf Sirkis y Demi García.

Meier puede estar en el corazón del álbum, pero no está solo. De hecho, ha reunido un conjunto más grande de lo habitual para este álbum, en su mayoría músicos que han trabajado con él en proyectos anteriores. Aunque Atzmon y Bettison son los que más contribuyen -el bajo de Bettison es también ejemplar- ningún músico se queda atrás. La violinista Lizzie Ball y el violonchelista Bernard Gregor-Smith (ambos miembros de Ecléctica!) añaden sorprendentes armonías a "The Gate". James Pearson, director musical del legendario Club Ronnie Scott en el Soho londinense, añade un solo de piano de sabor clásico a "The Lightness" y uno elocuente y jazzístico a "To Ceuta".

El deseo de Meier de mezclar músicas de toda Europa y el Medio Oriente no muestra signos de disminuir. Como demuestra "From Istanbul To Ceuta With A Smile", tampoco muestra signos de volverse rancio o repetitivo. Meier utiliza su grupo extendido para ampliar su gama musical con gran éxito y con una sonrisa.
Por BRUCE LINDSAY
11 de marzo de 2013
https://www.allaboutjazz.com/from-istanbul-to-ceuta-with-a-smile-nicolas-meier-mgp-records-review-by-bruce-lindsay.php
 
 

 

Colaborador / Contribuitor:  Michel
 
 

Jerzy Milian & Gustav Brom Orchestra • Blues for Praha

 



A living legend of the Polish jazz and the country's leading vibraphonist, Jerzy Milian has recorded and performed alongside such stars as Krzysztof Komeda, Jan Ptaszyn Wróblewski, Zbigniew Namysłowski, and Tomasz Stańko. His 1969 debut LP, “Bazaar”, remains a much sought-for item. For nearly a quarter of a century Jerzy Milian has been in charge of the Polish Radio and Television Orchestra of Popular Music whose recordings have been regularly featured by the BBC. Today, Milian's original LPs command high prices, while the man himself is generally considered the icon of the Polish jazz. He is by all means the godfather of the groove.


   
Considered by many to be the living legend of the Polish jazz, Jerzy Milian remains one of Europe's leading vibraphonists. In the autumn of 1965 he found himself doing a brief yet fruitful stint with the Czechoslovak big band directed by Gustav Brom. It wasn't until almost half a century later, however, that the recordings documenting this unique collaboration finally surfaced on a CD. Blues for Praha is out now.

Back in the 1960s Gustav Brom's orchestra was classified by “Down Beat" as of one the world's best big bands. Jerzy Milian had already been an experienced musician and performer by then, having played with Krzysztof Komeda and Jan Ptaszyn Wróblewski. In October 1965 he seized the Czechslovak audience during his memorable performance at the Prague Jazz Festival, bringing down the Lucerna Music Hall and becoming the event's biggest revelation almost instantly. Although the live recordings have not survived, their studio equivalents, laid down at the Czech radio and encompassing the material from the entire show, are now released on the Blues for Praha CD. The ensemble's live potential can be heard on three additional live tracks recorded in February 1966 at Brno's Jazz Club.

Remastered from the original tapes, the album comes with a lavish booklet featuring a comprehensive essay (also in English), the artist's reminiscences and a bunch of previously unseen photos by Marek Karewicz.

Blues for Praha continues the bestselling “Jerzy Milian Tapes" series of recordings launched in 2012 with the “When Where Why" album. At least eight more volumes are to follow.

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Una leyenda viva del jazz polaco y el principal vibrafonista del país, Jerzy Milian ha grabado y actuado junto a estrellas como Krzysztof Komeda, Jan Ptaszyn Wróblewski, Zbigniew Namysłowski, y Tomasz Stańko. Su LP de debut de 1969, "Bazaar", sigue siendo un artículo muy solicitado. Durante casi un cuarto de siglo Jerzy Milian ha estado a cargo de la Orquesta de Música Popular de la Radio y la Televisión Polaca, cuyas grabaciones han sido presentadas regularmente por la BBC. Hoy en día, los LP originales de Milian alcanzan precios elevados, mientras que el hombre mismo es considerado generalmente como el icono del jazz polaco. Él es por todos los medios el padrino del groove.



Considerado por muchos como la leyenda viva del jazz polaco, Jerzy Milian sigue siendo uno de los principales vibrafonistas de Europa. En el otoño de 1965 se encontró haciendo una breve pero fructífera estancia en la big band checoslovaca dirigida por Gustav Brom. Sin embargo, no fue hasta casi medio siglo más tarde que las grabaciones que documentan esta colaboración única salieron finalmente a la luz en un CD. Blues for Praha ya está en circulación.

En la década de 1960 la orquesta de Gustav Brom fue clasificada por "Down Beat" como una de las mejores big bands del mundo. Jerzy Milian ya era un músico e intérprete experimentado para entonces, habiendo tocado con Krzysztof Komeda y Jan Ptaszyn Wróblewski. En octubre de 1965 se apoderó del público checo durante su memorable actuación en el Festival de Jazz de Praga, derribando el Lucerna Music Hall y convirtiéndose casi instantáneamente en la mayor revelación del evento. Aunque las grabaciones en vivo no han sobrevivido, sus equivalentes de estudio, establecidas en la radio checa y que abarcan el material de todo el espectáculo, se publican ahora en el CD Blues for Praha. El potencial del conjunto en vivo se puede escuchar en tres temas adicionales grabados en febrero de 1966 en el Club de Jazz de Brno.

Remasterizado a partir de las cintas originales, el álbum viene con un lujoso folleto que incluye un amplio ensayo (también en inglés), las reminiscencias del artista y un montón de fotos inéditas de Marek Karewicz.

Blues for Praha continúa con la serie de grabaciones de mayor venta "Jerzy Milian Tapes" lanzada en 2012 con el álbum "When Where Why". Por lo menos ocho volúmenes más van a seguir.   


Christian McBride Big Band • For Jimmy, Wes and Oliver