Si Zentner And His Orchestra • Up A Lazy River

 

Simon Hugh "Si" Zentner (June 13, 1917 in New York City – January 31, 2000 in Las Vegas, Nevada) was an American trombonist and jazz big-band leader.
Zentner played violin from age four and picked up trombone a few years later. As a teenager, he was awarded the Guggenheim Foundation Philharmonic Scholarship. He attended college for music and had intended to pursue a career in classical music, but became more interested in pop music after recording with Andre Kostelanetz. Zentner played in the bands of Les Brown, Harry James, and Jimmy Dorsey in the 1940s, then moved to Los Angeles, where he worked as a studio musician. He also landed a job with MGM from 1949 to the mid-50s, and was involved in the music for films such as Singin' in the Rain and A Star Is Born.
In the late 1950s Zentner put together his own studio big band and signed with Bel Canto Records. The Zentner band began recording for Liberty Records in 1959 releasing numerous successful pop/jazz albums during the 1960s and touring steadily with a large well-rehearsed outfit. He also briefly recorded for RCA Victor. Zentner was a tireless promoter and claimed to have played 178 consecutive one-night performances when the band was at its peak. His ensemble was voted "Best Big Band" for 13 straight years by Down Beat, and Zentner himself was voted Best Trombonist in Playboy Jazz Readers' Poll. Zentner was known for his bold, brash and bright playing with great breath control and distinctive vibrato. In 1962, his album Up a Lazy River (Big Band Plays the Big Hits, Vol. 2) (arranged by Bob Florence) won a Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance.
Zentner's success was thoroughly unusual; he had a thriving big band going at a time when big band music was, for the most part, on the wane. The general downturn in interest eventually caught up to him, and by mid-decade the orchestra performed only on a limited basis despite recording through the late 1960s. He then moved to Las Vegas and accompanied Mel Tormé at the Blue Room of the Tropicana Hotel. In 1968 he became musical director of the long-running Vegas show Folies Bergere. It wasn't until the 1990s that Zentner returned to big band performance, assembling a new group and releasing several more albums. He suffered from leukemia late in life, though he continued performing into 1999; he died of the disease in early 2000.

 

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Simon Hugh "Si" Zentner (13 de junio de 1917 en Nueva York - 31 de enero de 2000 en Las Vegas, Nevada) fue un trombonista y líder de big-band de jazz estadounidense.
Zentner tocaba el violín desde los cuatro años de edad y se hizo con el trombón unos años más tarde. De adolescente, recibió la beca filarmónica de la Fundación Guggenheim. Asistió a la universidad para estudiar música y tenía la intención de seguir una carrera de música clásica, pero se interesó más por la música pop después de grabar con Andre Kostelanetz. Zentner tocó en las bandas de Les Brown, Harry James y Jimmy Dorsey en la década de 1940, y luego se trasladó a Los Ángeles, donde trabajó como músico de estudio. También consiguió un trabajo en MGM desde 1949 hasta mediados de los años 50, y participó en la música de películas como Singin' in the Rain y A Star Is Born.
A finales de los años 50, Zentner formó su propia big band de estudio y firmó con Bel Canto Records. La banda de Zentner comenzó a grabar para Liberty Records en 1959, publicando numerosos y exitosos álbumes de pop/jazz durante la década de 1960 y realizando giras constantes con un gran conjunto bien ensayado. También grabó brevemente para RCA Victor. Zentner era un promotor incansable y afirmaba haber realizado 178 actuaciones consecutivas en una sola noche cuando la banda estaba en su apogeo. Su conjunto fue votado como la "Mejor Big Band" durante 13 años consecutivos por Down Beat, y el propio Zentner fue votado como el mejor trombonista en la encuesta de los lectores de Playboy Jazz. Zentner era conocido por su forma de tocar, audaz y brillante, con un gran control de la respiración y un vibrato distintivo. En 1962, su álbum Up a Lazy River (Big Band Plays the Big Hits, Vol. 2) (arreglado por Bob Florence) ganó un premio Grammy a la mejor interpretación instrumental pop.
El éxito de Zentner fue totalmente inusual; tenía una gran banda próspera en un momento en que la música de las grandes bandas estaba, en su mayor parte, en declive. El descenso general del interés acabó por afectarle y, a mediados de la década, la orquesta sólo actuaba de forma limitada, a pesar de haber grabado hasta finales de la década de 1960. Entonces se trasladó a Las Vegas y acompañó a Mel Tormé en el Blue Room del Hotel Tropicana. En 1968 se convirtió en el director musical del longevo espectáculo de Las Vegas Folies Bergere. No fue hasta la década de 1990 cuando Zentner volvió a actuar con una gran banda, formando un nuevo grupo y publicando varios álbumes más. Sufrió una leucemia al final de su vida, aunque siguió actuando hasta 1999; murió de la enfermedad a principios de 2000.

 

Jimmy Raney • Momentum

 

This 1974 LP marked a comeback for Jimmy Raney, following his long layoff from the music business in order to make a full recovery from alcoholism. Accompanied by bassist Richard Davis and drummer Alan Dawson, the guitarist is in terrific form as he explores several standards, a bossa nova-flavored "Nobody Else but Me," and a driving take of "Just Friends." He composed the other two works heard on the date. His piece, "'Momentum," is a reworking of an earlier original he called "Motion," both of which are obviously based upon the chord changes to "You Stepped Out of a Dream." "We'll Be Together" is an original ballad (set to words he wrote earlier, according to liner-note writer Ira Gitler), though it sounds as if it was partially inspired by "Autumn in New York"; it also features a strong solo by Davis. Originally released on MPS and reissued by Pausa, this record has been unavailable for quite some time, but it can be found with a diligent search. ~ Ken Dryden, All Music Guide

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Este LP de 1974 marcó el regreso de Jimmy Raney, tras su largo despido del negocio de la música para recuperarse del alcoholismo. Acompañado por el bajista Richard Davis y el baterista Alan Dawson, el guitarrista se encuentra en excelente forma mientras explora varios estándares, un "Nobody Else but Me" con sabor a bossa nova, y una toma de conducción de "Just Friends". Compuso las otras dos obras que se oyeron en la cita. Su pieza, "'Momentum", es una reelaboración de un original anterior que llamó "Motion", ambas basadas obviamente en los cambios de acordes de "You Stepped Out of a Dream". "We'll Be Together" es una balada original (ajustada a las palabras que escribió antes, según el escritor de notas de línea Ira Gitler), aunque suena como si estuviera parcialmente inspirada en "Otoño en Nueva York"; también presenta un fuerte solo de Davis. Originalmente publicado en MPS y reeditado por Pausa, este disco no ha estado disponible durante bastante tiempo, pero se puede encontrar con una búsqueda diligente. ~ Ken Dryden, All Music Guide ~

Raney Legacy ...

VA • Jazz Districtː Best Of CTI

 

 

 

Joe Farrell, Gabor Szabo, Randy Weston, Hubert Laws, Freddie Hubbard, Don Sebesky, Chet Baker, Johnny 'Hammond' Smith, Kenny Burrell, Airto Moreira, Paul Desmond, Lalo Schifrin, George Benson …

 

Don Wilkerson • The Texas Twister

 

Review
by Alex Henderson  
Don Wilkerson was among the unsung heroes of the tenor sax. Although he backed heavyweights like B.B. King and Ray Charles, the improviser's own albums aren't nearly as well known as they should be. But those who were hip to Wilkerson swore by him, and one of his allies was alto saxophonist Cannonball Adderley. It was in 1960 that Adderley produced The Texas Twister, Wilkerson's first album as a leader. The tenor man (who was 27 at the time) shows a lot of promise on this album, embracing standards as well as bop-oriented material by Adderley, pianist Barry Harris, and obscure Texas musician Jim Martin. As its title indicates, The Texas Twister has a strong Lone Star influence. Wilkerson was born in Louisiana, but Houston, TX, was his adopted home -- and the Texas tenor tradition had a major impact on his playing. Like Arnett Cobb, David "Fathead" Newman, James Clay, and other tenor men who have lived in the Lone Star State, Wilkerson was a hard-swinging, aggressive player with a big, fat tone. That isn't to say that he wasn't influenced by saxmen who lived in other parts of the U.S. -- Wilkerson also inspired comparisons to tenor men who ranged from Chicagoan Gene Ammons to Los Angeles resident Wardell Gray. But it is safe to say that Wilkerson was very much a Texan at heart and that the Lone Star influence is hard to miss on this album (which boasts an all-star lineup that includes Nat Adderley on cornet, Barry Harris on piano, Leroy Vinnegar or Sam Jones on bass, and Billy Higgins on drums). Reissued on CD in 2001, The Texas Twister is recommended to anyone who admires the Lone Star school of soulful, hard-blowing tenor.
https://www.allmusic.com/album/the-texas-twister-mw0000016463

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Reseña
por Alex Henderson  
Don Wilkerson fue uno de los héroes anónimos del saxo tenor. Aunque acompañó a pesos pesados como B.B. King y Ray Charles, los álbumes del improvisador no son tan conocidos como deberían. Pero los que conocían a Wilkerson juraban por él, y uno de sus aliados era el saxofonista alto Cannonball Adderley. Fue en 1960 cuando Adderley produjo The Texas Twister, el primer álbum de Wilkerson como líder. El tenor (que tenía 27 años por aquel entonces) se muestra muy prometedor en este álbum, en el que abarca tanto estándares como material orientado al bop de Adderley, el pianista Barry Harris y el oscuro músico tejano Jim Martin. Como su título indica, The Texas Twister tiene una fuerte influencia de la Estrella Solitaria. Wilkerson nació en Luisiana, pero Houston, Texas, fue su hogar adoptivo, y la tradición del tenor tejano tuvo un gran impacto en su forma de tocar. Al igual que Arnett Cobb, David "Fathead" Newman, James Clay y otros tenores que han vivido en el Estado de la Estrella Solitaria, Wilkerson era un intérprete duro y agresivo con un tono grande y grueso. Esto no quiere decir que no recibiera influencias de saxofonistas que vivieron en otras partes de Estados Unidos: Wilkerson también inspiró comparaciones con tenores que iban desde Gene Ammons, de Chicago, hasta Wardell Gray, residente en Los Ángeles. Pero es seguro decir que Wilkerson era un tejano de corazón y que la influencia de la Estrella Solitaria es difícil de pasar por alto en este álbum (que cuenta con una alineación de estrellas que incluye a Nat Adderley a la corneta, Barry Harris al piano, Leroy Vinnegar o Sam Jones al bajo, y Billy Higgins a la batería). Reeditado en CD en 2001, The Texas Twister se recomienda a cualquiera que admire la escuela de tenor conmovedor y duro de la Estrella Solitaria.
https://www.allmusic.com/album/the-texas-twister-mw0000016463

Mississippi John Hurt • Satisfied

  

Biography by Bruce Eder
No blues singer ever presented a more gentle, genial image than Mississippi John Hurt. A guitarist with an extraordinarily lyrical and refined fingerpicking style, he also sang with a warmth unique in the field of blues, and the gospel influence in his music gave it a depth and reflective quality unusual in the field. Coupled with the sheer gratitude and amazement that he felt over having found a mass audience so late in life, and playing concerts in front of thousands of people -- for fees that seemed astronomical to a man who had always made music a sideline to his life as a farm laborer -- these qualities make Hurt's recordings into a very special listening experience.

John Hurt grew up in the Mississippi hill country town of Avalon, population under 100, north of Greenwood, near Grenada. He began playing guitar in 1903, and within a few years was performing at parties, doing ragtime repertory rather than blues. As a farm hand, he lived in relative isolation, and it was only in 1916, when he went to work briefly for the railroad, that he got to broaden his horizons and his repertory beyond Avalon. In the early '20s, he teamed up with white fiddle player Willie Narmour, playing square dances.

Hurt was spotted by a scout for Okeh Records who passed through Avalon in 1927, who was supposed to record Narmour, and was signed to record after a quick audition. Of the eight sides that Hurt recorded in Memphis in February of 1928, only two were ever released, but he was still asked to record in New York late in 1928.

Hurt's dexterity as a guitarist, coupled with his plain-spoken nature, were his apparent undoing, at least as a popular blues artist, at the time. His playing was too soft and articulate, and his voice too plain to be taken up in a mass setting, such as a dance; rather, his music was best heard in small, intimate gatherings. In that sense, he was one of the earliest blues musicians to rely completely on the medium of recorded music as a vehicle for mass success; where the records of Furry Lewis or Blind Blake were mere distillations of music that they (presumably) did much better on-stage, in John Hurt's case the records were good representations of what he did best. Additionally, Hurt never regarded himself as a blues singer, preferring to let his relatively weak voice speak for itself with none of the gimmicks that he might've used, especially in the studio, to compensate. And he had no real signature tune with which he could be identified, in the way that Furry Lewis had "Kassie Jones" or "John Henry."

Not that Hurt didn't have some great numbers in his song bag: "Frankie," "Louis Collins," "Avalon Blues," "Candy Man Blues," "Big Leg Blues," and "Stack O' Lee Blues," were all brilliant and unusual as blues, in their own way, and highly influential on subsequent generations of musicians. They didn't sell in large numbers at the time, however, and as Hurt never set much store on a musical career, he was content to make his living as a hired hand in Avalon, living on a farm and playing for friends whenever the occasion arose.

Mississippi John Hurt might've lived and died in obscurity, if it hadn't been for the folk music revival of the late '50s and early '60s. A new generation of listeners and scholars suddenly expressed a deep interest in the music of America's hinterlands, not only in listening to it but finding and preserving it. A scholar named Tom Hoskins discovered that Mississippi John Hurt, who hadn't been heard from musically in over 35 years, was alive and living in Avalon, MS, and sought him out, following the trail laid down in Hurt's song "Avalon Blues." Their meeting was a fateful one; Hurt was in his 70s, and weary from a lifetime of backbreaking labor for pitifully small amounts of money, but his musical ability was intact, and he bore no ill-will against anyone who wanted to hear his music.

A series of concerts were arranged, including an appearance at the Newport Folk Festival, where he was greeted as a living legend. This opened up a new world to Hurt, who was grateful to find thousands, or even tens of thousands of people too young to have even been born when he made his only records up to that time, eager to listen to anything he had to sing or say. A tour of American universities followed as did a series of recordings: first in a relatively informal, non-commercial setting intended to capture him in his most comfortable and natural surroundings, and later under the auspices of Vanguard Records, with folk singer Patrick Sky producing.

It was 1965, and Mississippi John Hurt had found a mass audience for his songs 35 years late. He took the opportunity, playing concerts and making new records of old songs as well as material he'd never before laid down; whether he eventually put down more than a portion of his true repertory will probably never be clear, but Hurt did leave a major legacy of his and other peoples' songs, in a style that barely skipped a beat from his late-'20s Okeh sides.

As with many people to whom success comes late in life, certain aspects of the success were hard for him to absorb in stride; the money was more than he'd ever hoped to see, even if it wasn't much by the standards of a major pop star; 1,000 dollar concert fees were something he'd never even pondered having to deal with. What he did most easily was sing and play; Vanguard got out a new album, Today!, in 1966, from his first sessions for the label. Additionally, the tape of a concert that Hurt played at Oberlin College in April of 1965 was released under the title The Best of Mississippi John Hurt; the 21-song live album was just that, even if it wasn't made up of previously released work (more typical of a "best-of" album), a perfect record of a beautiful performance in which the man did old and new songs in the peak of his form. Hurt got in one more full album, The Immortal Mississippi John Hurt, released posthumously, but even better was the record assembled from his final sessions, Last Sessions, also issued after his death; these songs broke new lyrical ground, and showed Hurt's voice and guitar to be as strong as ever, just months before his death.

Mississippi John Hurt left behind a legacy unique in the annals of the blues, and not just in terms of music. A humble, hard-working man who never sought fame or fortune from his music, and who conducted his life in an honest and honorable manner, he also avoided the troubles that afflicted the lives of many of his more tragic fellow musicians. He was a pure musician, playing for himself and the smallest possible number of listeners, developing his guitar technique and singing style to please nobody but himself; and he suddenly found himself with a huge following, precisely because of his unique style. Unlike contemporaries such as Skip James, he felt no bitterness over his late-in-life mass success, and as a result continued to please and win over new listeners with his recordings until virtually the last weeks of his life. Nothing he ever recorded was less than inspired, and most of it was superb.
https://www.allmusic.com/artist/mississippi-john-hurt-mn0000424019#biography

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Biografía de Bruce Eder
Ningún cantante de blues presentó una imagen más amable y genial que Mississippi John Hurt. Guitarrista con un estilo de tocar los dedos extraordinariamente lírico y refinado, también cantó con una calidez única en el campo del blues, y la influencia del gospel en su música le dio una profundidad y una calidad reflexiva inusuales en el campo. Junto con la pura gratitud y asombro que sintió por haber encontrado una audiencia masiva tan tarde en la vida y tocar en conciertos frente a miles de personas, por tarifas que parecían astronómicas para un hombre que siempre había hecho de la música un elemento secundario de su vida como trabajador agrícola, estas cualidades hacen que las grabaciones de Hurt se conviertan en una experiencia auditiva muy especial.

John Hurt creció en la ciudad de Avalon, en la región montañosa de Mississippi, con una población de menos de 100 habitantes, al norte de Greenwood, cerca de Granada. Comenzó a tocar la guitarra en 1903 y, a los pocos años, actuaba en fiestas, haciendo repertorio de ragtime en lugar de blues. Como peón agrícola, vivió en relativo aislamiento, y no fue hasta 1916, cuando se fue a trabajar brevemente para el ferrocarril, que pudo ampliar sus horizontes y su repertorio más allá de Avalon. A principios de los años 20, se asoció con el violinista blanco Willie Narmour, tocando bailes cuadrados.

Hurt fue descubierto por un cazatalentos de Okeh Records que pasó por Avalon en 1927, que se suponía que grabaría Narmour, y firmó para grabar después de una audición rápida. De los ocho lados que Duelen grabados en Memphis en febrero de 1928, solo dos fueron lanzados, pero aún así se le pidió que grabara en Nueva York a fines de 1928.

La destreza de Hurt como guitarrista, junto con su naturaleza de habla sencilla, fueron su aparente perdición, al menos como artista de blues popular, en ese momento. Su forma de tocar era demasiado suave y articulada, y su voz demasiado clara para ser escuchada en un ambiente multitudinario, como un baile; más bien, su música se escuchaba mejor en reuniones pequeñas e íntimas. En ese sentido, fue uno de los primeros músicos de blues en confiar completamente en el medio de la música grabada como vehículo para el éxito masivo; mientras que los discos de Furry Lewis o Blind Blake eran meras destilaciones de música que (presumiblemente) hacían mucho mejor en el escenario, en el caso de John Hurt los discos eran buenas representaciones de lo que mejor hacía. Además, Hurt nunca se consideró a sí mismo como un cantante de blues, prefiriendo dejar que su voz relativamente débil hablara por sí misma sin ninguno de los trucos que podría haber usado, especialmente en el estudio, para compensarlo. Y no tenía una melodía característica real con la que pudiera identificarse, de la misma manera que Furry Lewis tenía "Kassie Jones" o "John Henry."

Not that Hurt no tenía grandes números en su bolsa de canciones: "Frankie", "Louis Collins", "Avalon Blues", "Candy Man Blues", "Big Leg Blues" y "Stack O' Lee Blues", todos fueron brillantes e inusuales como blues, a su manera, y muy influyentes en las generaciones posteriores de músicos. Sin embargo, en ese momento no se vendían en grandes cantidades y, dado que Hurt nunca le dio mucha importancia a una carrera musical, se contentó con ganarse la vida como jornalero en Avalon, viviendo en una granja y tocando para amigos cada vez que surgía la ocasión.

Mississippi John Hurt podría haber vivido y muerto en la oscuridad, de no haber sido por el resurgimiento de la música folclórica de finales de los 50 y principios de los 60. Una nueva generación de oyentes y académicos expresó repentinamente un profundo interés en la música del interior de Estados Unidos, no solo en escucharla, sino en encontrarla y preservarla. Un erudito llamado Tom Hoskins descubrió que Mississippi John Hurt, de quien no se había sabido musicalmente en más de 35 años, estaba vivo y vivía en Avalon, MS, y lo buscó, siguiendo el rastro establecido en la canción de Hurt "Avalon Blues."Su reunión fue fatídica; Hurt tenía más de 70 años y estaba cansado de toda una vida de trabajo agotador por cantidades lamentablemente pequeñas de dinero, pero su habilidad musical estaba intacta y no tenía mala voluntad contra nadie que quisiera escuchar su música.

Se organizaron una serie de conciertos, incluida una aparición en el Festival Folclórico de Newport, donde fue recibido como una leyenda viviente. Esto abrió un nuevo mundo para Hurt, quien estaba agradecido de encontrar a miles, o incluso decenas de miles de personas demasiado jóvenes para haber nacido cuando hizo sus únicos discos hasta ese momento, ansioso por escuchar cualquier cosa que tuviera que cantar o decir. Siguió una gira por universidades estadounidenses y una serie de grabaciones: primero en un entorno relativamente informal y no comercial con la intención de capturarlo en su entorno más cómodo y natural, y más tarde bajo los auspicios de Vanguard Records, con el cantante de folk Patrick Sky produciendo.

Era 1965, y Mississippi John Hurt había encontrado una audiencia masiva para sus canciones 35 años tarde. Aprovechó la oportunidad, tocando en conciertos y haciendo nuevos discos de canciones antiguas, así como material que nunca antes había grabado; si eventualmente dejó más de una parte de su verdadero repertorio probablemente nunca estará claro, pero Hurt dejó un legado importante de sus canciones y las de otras personas, en un estilo que apenas se saltó un ritmo de sus lados Okeh de finales de los 20.

Al igual que con muchas personas para quienes el éxito llega tarde en la vida, ciertos aspectos del éxito le resultaron difíciles de absorber con calma; el dinero era más de lo que esperaba ver, incluso si no era mucho para los estándares de una gran estrella del pop; las tarifas de los conciertos de 1.000 dólares eran algo con lo que nunca había pensado tener que lidiar. Lo que hizo más fácilmente fue cantar y tocar; ¡Vanguard lanzó un nuevo álbum hoy!, en 1966, desde sus primeras sesiones para el sello. Además, la cinta de un concierto que Hurt tocó en Oberlin College en abril de 1965 fue lanzada bajo el título The Best of Mississippi John Hurt; el álbum en vivo de 21 canciones era solo eso, incluso si no estaba compuesto por trabajos lanzados anteriormente (más típico de un álbum "lo mejor de"), un registro perfecto de una hermosa actuación en la que el hombre hizo canciones viejas y nuevas en la cima de su forma. Hurt participó en un álbum más completo, El Inmortal Mississippi John Hurt, lanzado póstumamente, pero aún mejor fue el disco reunido de sus sesiones finales, Last Sessions, también emitido después de su muerte; estas canciones abrieron nuevos caminos líricos y mostraron que la voz y la guitarra de Hurt eran tan fuertes como siempre, pocos meses antes de su muerte.

Mississippi John Hurt dejó un legado único en los anales del blues, y no solo en términos musicales. Un hombre humilde y trabajador que nunca buscó fama o fortuna en su música, y que condujo su vida de una manera honesta y honorable, también evitó los problemas que afligían la vida de muchos de sus compañeros músicos más trágicos. Era un músico puro, tocaba para sí mismo y para el menor número posible de oyentes, desarrollando su técnica de guitarra y estilo de canto para complacer a nadie más que a sí mismo; y de repente se encontró con un gran número de seguidores, precisamente por su estilo único. A diferencia de contemporáneos como Skip James, no sintió amargura por su éxito masivo en los últimos años de su vida y, como resultado, continuó complaciendo y conquistando a nuevos oyentes con sus grabaciones hasta prácticamente las últimas semanas de su vida. Nada de lo que grabó fue menos que inspirado, y la mayor parte fue excelente.
https://www.allmusic.com/artist/mississippi-john-hurt-mn0000424019#biography