Review by John W. Patterson What do you get when you have a superb rhythm section, saucy keyboards, a hot and brassy mini-horn section, and one very tasteful jazz- and chops-laden guitarist all come together with some jazz and some fusion in mind? You have the magic of Steve Khan and the Brecker Brothers coming together. With folks like this, and Steve Gadd and Bob James too, you have a formula for success.
Khan's compositions are smooth yet lively enough not to bore. His unique drive, and pristine flourish and tone on his modded Fender Telecaster, and even his deft acoustic work, all come together to make a very satisfying blend of sexy jazz and funked-up, be bop fusion. Yet there is that special touch that only Steve Khan can add that makes his releases a signature sound on each outing. If you listen closely, you will hear Larry Coryell-ian riffs and stylings (as Khan and Coryell used to jam together, and did record together).
Much ado is made about Mike Stern's guitar work in the '80s and '90s, but one listen to Khan and you will immediately hear who his big inspiration was. Next time you pick up an old Stern release you stand a good chance of seeing the words "produced by Steve Khan." https://www.allmusic.com/album/tightrope-mw0000919537
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Reseña de John W. Patterson ¿Qué obtienes cuando tienes una sección rítmica excelente, teclados picantes, una sección de mini trompas candente y de metales, y un guitarrista cargado de jazz y chuletas de muy buen gusto que se unen con algo de jazz y algo de fusión en mente? Tienes la magia de Steve Khan y los hermanos Brecker uniéndose. Con gente como esta, y Steve Gadd y Bob James también, tienes una fórmula para el éxito.
Las composiciones de Khan son suaves pero lo suficientemente animadas como para no aburrir. Su impulso único, y su impecable florecimiento y tono en su Fender Telecaster modificada, e incluso su hábil trabajo acústico, se unen para hacer una mezcla muy satisfactoria de jazz sexy y funked, be bop fusion. Sin embargo, existe ese toque especial que solo Steve Khan puede agregar que hace que sus lanzamientos tengan un sonido característico en cada salida. Si escuchas con atención, escucharás riffs y estilos de Larry Coryell-ian (como Khan y Coryell solían improvisar juntos, y grabaron juntos).
Se hace mucho ruido sobre el trabajo de guitarra de Mike Stern en los años 80 y 90, pero si escuchas a Khan, inmediatamente escucharás quién fue su gran inspiración. La próxima vez que recojas un viejo lanzamiento de Stern, tienes muchas posibilidades de ver las palabras " producido por Steve Khan." https://www.allmusic.com/album/tightrope-mw0000919537
Carlos Manuel "Charlie" Palmieri (November 21, 1927 –
September 12, 1988) was a renowned bandleader and musical director of salsa
music. He was known as the "Giant of the Keyboards".
Early years
Palmieri's parents migrated to New York from Ponce, Puerto Rico in 1926
and settled down in the South Bronx where Palmieri was born. As a child,
Palmieri taught himself to play the piano by ear. He attended the public school
system. At age 7, his father enrolled him at The Juilliard School, where he
took piano lessons. By the time Palmieri was 14 years old, he and his
5-year-old brother, Eddie, participated in many talent contests, often winning
prizes. It was at this time that his godfather introduced him to the music of
the Latin bands - an experience which inspired him to become a musician.
In 1943, when still only 16 years old and still in high school, he made
his professional debut as a piano player for the Osario Selasie Band. He
graduated from high school in 1946, and immediately went to play for various
bands. He made his recording debut with the song "Se Va La Rumba" as
a member of the Rafael Muñiz Band.
Musical career
In October 1947, Tito Puente, the musical director of the Fernando
Álvarez Band, was impressed with Palmieri and hired him to play for his band at
the Copacabana Club; here he played with Tito until 1953 and during the 1950s
he played with various bands. Besides having played with Tito Puente, he played
with Pupi Campo's Band and worked on Jack Paar's CBS daytime television show. Palmieri
also formed a couple of bands that performed at the Palladium Ballroom - these
were however short-lived because of a lack of work. During this time, he also
worked as an accompanist for other bands.
Palmieri worked for several years in Chicago, but returned to New York
and formed a band called "Charanga La Duboney". While performing at
the Monte Carlo Ballroom, Palmieri heard a young man by the name of Johnny
Pacheco playing the flute - the playing so impressed him that he hired him on
the spot. The mixture of Pacheco's flute with the strings of the violins in
Palmieri's band led to the 1960s Charanga craze in the United States. Palmieri
was signed by the United Artists Record company and had several Latino hits. Palmieri
did however suffer various setbacks - first Pacheco left the band and then
United Artists cancelled his contract because of a conflict of interest with
their other recording star, Tito Rodríguez. This led to Palmieri's signing with
the Alegre Records label and with whom he had two best selling "hits"
with "Como Bailan La Pachanga" and "La Pachanga Se Baila
Así".
When the Charanga craze declined in popularity, Palmieri switched to the
new trend, the Boogaloo, by replacing the flute and violins with three trumpets
and two trombones, he also dropped the word "Charanga" from his
bands' name and it became known simply as "La Duboney". In 1965, he
scored a hit with "Tengo Máquina y Voy a 60" (Going like 60) and in
1967 with "Hay Que Estar En Algo/Either You Have It or You Don't". In
1968, Palmieri recorded "Latin Bugalú" under the Atlantic Records
label, which was also released in the United Kingdom.
In the 1970s, Palmieri worked as the musical director for Tito Puente's
television show "El Mundo de Tito Puente" (Tito Puente's World). He
also taught and lectured about Latin music and culture at various educational
institutions. After reorganizing his band, Palmieri played the organ and
recorded "La Hija de Lola" (Lola's daughter) and "La
Vecina" (The neighbor). In 1971, he provided his organ playing talents to
some of his brother's recordings. In 1978, he added the melodica to his
recording The Heavyweight, an LP recorded for Alegre Records that also featured
Bobby Rodríguez on bass, Quique Dávila on timbales, Papiro Allende on congas,
Willie Rodríguez on bongoes, Roy Román y Lou Laurita on trumpets, Bobby Nelson
on sax, Marco Katz on trombone, Harry Viggiano on tres, and the vocalists
Meñique, Julito Villot, and Adalberto Santiago.
Among the artists Palmieri worked with at one time or another were his
brother Eddie, Celia Cruz, Tito Puente, Herbie Mann, Ismael Rivera, Rafael
Cortijo, Ismael Quintana, Bobby Capó, Mongo Santamaría, Cal Tjader, and Ray
Barretto.
Later years
In 1980, Palmieri moved back to Puerto Rico but returned to New York for
business - on one trip there he suffered a massive heart attack and stroke. He
soon recovered and returned to the music world as the member of various bands. On
June 1988, he debuted in the United Kingdom accompanied by London's Robin
"King Salsa" Jones.
Palmieri gave private piano lessons to students at the Schuylerville
Music Center in the Throggs Neck section of the Bronx in New York City. During
this time he also appeared in the 1988 movie Salsa.
Four days before his death, Palmieri gave a private show at La Fortaleza
in San Juan, Puerto Rico, where he performed solo at the piano for the Governor
of Puerto Rico (at the time, Rafael Hernández Colón) and his guests. On September
12, 1988, Charlie Palmieri suffered another heart attack upon his arrival at
New York where as the musical director of the Joe Cuba Sextet he was to arrange
a concert. He died later that day at Jacobi Hospital in the Bronx.
https://en.wikipedia.org/wiki/Charlie_Palmieri
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Carlos Manuel "Charlie"
Palmieri (Nueva York, Estados Unidos, 21 de noviembre de 1927 – 12 de
septiembre de 1988) fue un pianista, compositor y director de orquesta de
salsa, jazz afrocubano o jazz latino.
Comienzos
Sus padres emigraron a Nueva York desde
su ciudad natal (ponce, en Puerto Rico) en 1926, y se asentaron en el Bronx,
donde Palmieri nació. Comenzó a tocar el piano de oidas. A los siete años, su
padre lo matriculó en la Juilliard School, para recibir lecciones del
instrumento. Cuando Palmieri cumplió 14 años, participó en varios concursos de
talentos y ganó varios premios junto con su hermano menor, Eddie. Su abuelo, lo
introdujo en la música de las bandas de música latina.
En 1943, cuando tenía solo 16 años y
continuaba aún en la high school, hizo su debut profesional como pianista con
la "Osario Selasie Band". Graduado en 1946, debutó en el mundo
discográfico con el tema "Se Va La Rumba", como miembro de la banda
de Rafael Muñiz.
Evolución
En octubre de 1947, Tito Puente, quedó
impresionado con Palmieri y le contrató para tocar con su banda en el
Copacabana Club; permaneció con Tito hasta 1953, tocando después con numerosas
bandas. Trabajó con la Pupi Campo's Band y en el show diario que Jack Paar
tenía en la CBS-TV. Palmieri formó también un par de orquestas para tocar en el
Palladium Ballroom.
Palmieri trabajó durante varios años en
Chicago, aunque regresó a Nueva York y formó una banda llamada "Charanga
La Duboney". Mientras tocaba, una noche, en el Monte Carlo Ballroom,
Palmieri escuchó a un joven llamado Johnny Pacheco tocando la flauta y quedó
impresionado. La mezcla de la flauta de Pacheco con las cuerdas de la orquesta
de Palmieri, fueron el origen de la locura por la Charanga en los Estados
Unidos. Palmieri firmó con United Artists Records y obtuvo varios éxitos. Sin
embargo, Pacheco dejó la banda y United Artists rompió su contrato por un
conflicto de intereses con su artista más comercial, Tito Rodríguez. Firmó
entonces con Alegre Records y obtuvo nuevos éxitos, con los discos "Cómo
bailan la pachanga" y "La pachanga se baila así".
Cuando decayó la popularidad de la
pachanga, Palmieri giró hacia el nuevo ritmo de éxito, el Boogaloo, reformando
la estructura de su orquesta, dejando aparte las cuerdas y la flauta e
incorporando trompetas y trombones, y reduciendo el nombre de su banda a
"La Duboney". En 1965, consiguió un nuevo éxito con "Tengo
máquina y voy a 60", y en 1967 con "Hay que estar en algo/Either You
Have It or You Don't". En 1968, Palmieri grabó "Latin Bugalu"
para Atlantic Records.
En la década de 1970, Palmieri ejerció
de director musical para el programa de TV, "El Mundo de Tito
Puente", además desarrolló una labor pedagógica sobre música latina. En
1971, tras reorganizar su banda, Palmieri comienza a tocar el órgano,
colaborando en los discos de su hermano. En 1974, edita un LP titulado "El Gigante del Teclado", del cual
se destacaron los éxitos "La hija de Lola", "La vecina" y
"El Pan Sobao", con la participación del cantante puertorriqueño
Vitín Avilés. Dos años más tarde, en 1976, añadió la melódica en su grabación
The Heavyweight, un LP editado por Alegre Records, que también incluyó a Bobby
Rodríguez en el bajo, Quique Davlia en los timbales, Papiro Allende en las
congas, Willie Rodríguez en los bongos, Roy Román y Lou Laurita en las
trompetas, Bobby Nelson en el saxo, Marco Katz al trombón, Harry Viggiano
tocando el tres, más los vocalistas Meñique, Julito Villot, y Adalberto
Santiago.
Entre los muchos artistas con los que
trabajó Palmieri, están su hermano Eddie, Celia Cruz, Tito Puente, Herbie Mann,
Ismael Rivera, Rafael Cortijo, Ismael Quintana, Bobby Capo, Mongo Santamaría y
Ray Barretto.
Últimos años
En 1980, Palmieri se instaló en Puerto
Rico pero, viajando a Nueva York por razones de trabajo, sufrió un ataque
cardíaco. Se recuperó pronto y volvió al mundo de la música en 1988, realizando
una gira por el Reino Unido. Palmieri se dedicó a partir de entonces a dar lecciones de piano en el
Schuylerville Music Center del Bronx. Ese mismo año, 1988, apareció en la
película Salsa.
El 12 de septiembre de 1988, Charlie
Palmieri sufrió otro ataque en Nueva York, donde estaba para un concierto como
director musical de Joe Cuba. Murió al día siguiente en el Jacobi Hospital del
Bronx.
Biography by Steve Huey Producer, songwriter, arranger, session pianist, solo artist -- Allen Toussaint wore all these hats over the course of his lengthy and prolific career, and his behind-the-scenes work alone would have been enough to make him a legend of New Orleans R&B. Thanks to his work with numerous other artists, Toussaint bore an enormous amount of responsibility for the sound of R&B in the Crescent City from the '60s on into the '70s. His productions kept with the times, moving from rollicking, earthy soul in the '60s to gritty, rambunctious funk in the '70s. As a composer, Toussaint proved himself a consistent hitmaker, penning more than a few gems that have since become R&B standards and been covered by countless artists working in many different styles. In keeping with that across-the-board appeal, Toussaint worked in some supporting capacity for a wide variety of rock and blues legends, particularly from the '70s on. On top of all that, Toussaint waxed his own records from time to time, enjoying a creative peak in the '70s with several albums that highlighted his laid-back vocals and elegantly funky piano work. Even if he wasn't always the most visible figure, Toussaint's contributions to New Orleans music -- and to rock & roll in general -- were such that he earned induction into the Rock and Roll Hall of Fame in 1998.
Toussaint was born January 14, 1938, in New Orleans, and began learning piano at age seven, inspired by Professor Longhair; his style later grew to include elements of Fats Domino, Huey "Piano" Smith, and Ray Charles. As a teenager, he played in a band called the Flamingoes with bluesman Snooks Eaglin. Toussaint caught his first professional break at age 17, when Earl King tapped him to fill in for Smith at a live gig. Not long after, famed producer/songwriter Dave Bartholomew -- whose role in New Orleans R&B during the '50s was fairly analogous to Toussaint's later career -- hired him to lay down the piano parts at a Fats Domino recording session for which Domino himself was unavailable. Bartholomew made regular use of Toussaint, most notably on further sessions for Domino and Smiley Lewis, and demand for the young pianist's services grew quickly, especially after he first displayed his talent as an arranger on saxman Lee Allen's biggest hit, "Walkin' with Mr. Lee." In 1958, Toussaint recorded an instrumental album for RCA called The Wild Sound of New Orleans, under the alias Tousan; one of his original compositions for the record, "Java," went on to become a smash hit for Dixieland jazz trumpeter Al Hirt five years later. Toussaint also began writing under the pseudonym Naomi Neville, after his mother's maiden name.
In 1960, Toussaint was hired by Joe Banashak as an A&R man for the brand-new Minit label; in practice, he wound up masterminding most of the label's recording sessions. It was here that Toussaint truly began to build his legend. His first national success as a producer came with Jessie Hill's R&B Top Five smash "Ooh Poo Pah Doo" in 1960, and the classic hits came fast and furious after that: Ernie K-Doe's pop and R&B number one "Mother-in-Law" (a Toussaint composition), Benny Spellman's "Fortune Teller," and "Lipstick Traces (On a Cigarette)" (both Toussaint tunes written as Naomi Neville, with the former later covered by the Rolling Stones), Chris Kenner's original version of "Land of 1000 Dances," Lee Dorsey's "Ya Ya," and numerous sides with New Orleans soul queen Irma Thomas. Toussaint's singular touch on all these records redefined the sound of New Orleans R&B for a new decade. When Banashak left Minit to found another label, Instant, Toussaint went with him to fulfill much the same duties; he also freelanced elsewhere, most prominently with Dorsey's recordings for the Fury label, and cut a few low-profile singles of his own, mostly for Seville. In 1963, Toussaint was drafted into the military, during which time he recorded with his backing band the Stokes while on leave; one of their tunes, the Naomi Neville credit "Whipped Cream," was covered by Herb Alpert in 1965 for an instrumental hit, which was in turn later adopted as the theme for TV's The Dating Game.
Upon his discharge in 1965, Toussaint teamed up with fellow producer Marshall Sehorn to form a production company and record label, Sansu Enterprises. Sansu recorded the likes of Betty Harris, Earl King, Chris Kenner, and Lou Johnson, among others, often leasing their singles to larger labels for official release. Their most profitable association was with Lee Dorsey, who returned to the upper reaches of the R&B charts with Toussaint-penned hits like "Ride Your Pony," the oft-covered "Get Out of My Life Woman," the immortal "Working in a Coalmine," and "Everything I Do Gonh Be Funky (From Now On)" (covered by jazzman Lou Donaldson). In 1966, Sansu also engaged the services of a house band dubbed the Meters, who supplied backing for nearly all of the company's productions; after the Meters started making their own records in 1969 (produced by Toussaint), they developed into arguably the top instrumental funk ensemble of the '70s outside of the J.B.'s.
Allen Toussaint In 1971, Toussaint recorded his first solo album in over a decade for Scepter, calling it simply Toussaint (it was later reissued in the U.K. as From a Whisper to a Scream, after its best-known track). The following year, he moved up to Reprise for Life, Love and Faith, and he and Sehorn opened a state-of-the-art recording studio in New Orleans called Sea-Saint, which became the site for most of his subsequent projects. In addition to his solo records, Toussaint was getting more high-profile offers for outside work during the first half of the '70s. He did horn arrangements for the Band, Paul Simon, Little Feat, and Sandy Denny, and his continued work with the Meters was moving him into contemporary funk with a harder edge than his own albums. In fact, he wound up producing two of New Orleans' greatest funk records: Dr. John's Top Ten hit "Right Place, Wrong Time" and LaBelle's number one disco-funk smash "Lady Marmalade." In 1975, Toussaint released what many regarded as his finest solo album, Southern Nights; the title track went on to become a huge hit for country-pop superstar Glen Campbell, and "What Do You Want the Girl to Do?" was covered by Boz Scaggs, Lowell George, and Bonnie Raitt.
In 1976, Toussaint produced the Meters-related group the Wild Tchoupitoulas, whose self-titled debut was hailed as a classic of New Orleans funk. The record's experimentalism signaled a growing desire to branch out in the Meters camp, though, which would soon cause the band's split with Toussaint and, eventually, each other. The absence of their unerring sense of groove was noticeable on Toussaint's final solo LP for quite some time, 1978's Motion. Toussaint's activities tailed off in the years that followed; he still produced, arranged, and played piano on selected projects, which included albums by blues artists Etta James and Albert King, and rockers Elvis Costello and Joe Cocker, among others. In the meantime, his extensive song catalog was still mined regularly for cover material; the Lee Dorsey period was the most fertile, not just for "Working in a Coalmine" (Devo, the Judds), but lesser-known items like "Yes We Can" (the Pointer Sisters), "Sneakin' Sally Through the Alley" (Robert Palmer), and "Freedom for the Stallion" (the Oak Ridge Boys, among others). In addition, "Play Something Sweet (Brickyard Blues)" was a hit for Three Dog Night, and Bonnie Raitt cut a well-received version of "What Is Success."
The Allen Toussaint Collection, a fine overview of his major-label recordings in the '70s, was released in 1991. In 1996, Toussaint formed a new label, NYNO, and recorded a full album of new material at his Sea-Saint studio titled Connected. Toussaint also began recording newer Crescent City artists in hopes of preserving the classic New Orleans sound. He was inducted into the Rock & Roll Hall of Fame in 1998 in the non-performer category. Going Places, attributed to Allen Toussaint's Jazzity Project, appeared in 2005, followed by the Joe Henry-produced The Bright Mississippi from Nonesuch Records in 2009. Four years later, the solo live album Songbook -- its performances dating from 2006 -- appeared on Rounder. Although Toussaint continued to perform, Songbook was the last album he released; he died in Madrid on November 10, 2015 while touring. A few weeks prior to his passing, Toussaint reunited with Joe Henry to cut material for a new record. Those recordings, combined with some solo 2013 sessions, were packaged as the posthumous American Tunes, released in June of 2016. https://www.allmusic.com/artist/allen-toussaint-mn0000933172/biography
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Biografía de Steve Huey Productor, compositor, arreglista, pianista de sesión, solista -- Allen Toussaint llevó todos estos sombreros a lo largo de su larga y prolífica carrera, y su trabajo entre bastidores por sí solo habría sido suficiente para convertirlo en una leyenda del R&B de Nueva Orleans. Gracias a su trabajo con muchos otros artistas, Toussaint tuvo una enorme responsabilidad en el sonido del R&B en Crescent City desde los años 60 hasta los 70. Sus producciones se mantuvieron con los tiempos, pasando de un alma terrenal y alegre en los 60 a un funk descarnado y bullicioso en los 70. Como compositor, Toussaint demostró ser un hitmaker consistente, escribiendo más de unas pocas gemas que se han convertido en estándares del R&B y han sido cubiertas por innumerables artistas que trabajan en muchos estilos diferentes. Para mantener ese atractivo general, Toussaint trabajó en cierta medida como soporte de una amplia variedad de leyendas del rock y el blues, especialmente a partir de los años 70. Además, Toussaint enceró sus propios discos de vez en cuando, disfrutando de un pico creativo en los 70 con varios álbumes que destacaban sus relajadas voces y su elegante trabajo en el piano. Aunque no siempre fue la figura más visible, las contribuciones de Toussaint a la música de Nueva Orleans, y al rock & roll en general, fueron tales que le hicieron entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1998.
Toussaint nació el 14 de enero de 1938 en Nueva Orleans, y comenzó a aprender piano a los siete años, inspirado por el profesor Longhair; su estilo creció más tarde para incluir elementos de Fats Domino, Huey "Piano" Smith y Ray Charles. En su adolescencia, tocó en una banda llamada los Flamingoes con el bluesman Snooks Eaglin. Toussaint tuvo su primera oportunidad profesional a los 17 años, cuando Earl King le pidió que sustituyera a Smith en un concierto en vivo. Poco después, el famoso productor y compositor Dave Bartholomew, cuyo papel en el R&B de Nueva Orleans durante los años 50 era bastante análogo a la carrera posterior de Toussaint, le contrató para que pusiera las partes de piano en una sesión de grabación de Fats Domino para la que el propio Domino no estaba disponible. Bartholomew utilizó regularmente a Toussaint, sobre todo en sesiones posteriores para Domino y Smiley Lewis, y la demanda de los servicios del joven pianista creció rápidamente, especialmente después de que mostrara su talento como arreglista en el mayor éxito del saxofonista Lee Allen, "Walkin' with Mr. Lee". En 1958, Toussaint grabó un álbum instrumental para RCA llamado The Wild Sound of New Orleans, bajo el alias de Tousan; una de sus composiciones originales para el disco, "Java", se convirtió en un gran éxito para el trompetista de jazz de Dixieland, Al Hirt, cinco años más tarde. Toussaint también empezó a escribir bajo el seudónimo de Naomi Neville, por el apellido de soltera de su madre.
En 1960, Toussaint fue contratado por Joe Banashak como hombre de A&R para el flamante sello Minit; en la práctica, terminó siendo el cerebro de la mayoría de las sesiones de grabación del sello. Fue aquí donde Toussaint realmente comenzó a construir su leyenda. Su primer éxito nacional como productor llegó con el éxito del Top 5 de R&B de Jessie Hill "Ooh Poo Pah Doo" en 1960, y los éxitos clásicos llegaron rápido y furiosos después de eso: El pop y R&B número uno de Ernie K-Doe "Mother-in-Law" (una composición de Toussaint), "Fortune Teller" de Benny Spellman, y "Lipstick Traces (On a Cigarette)" (ambas canciones de Toussaint escritas como Naomi Neville, con el primero cubierto más tarde por los Rolling Stones), la versión original de Chris Kenner de "La Tierra de los 1000 Bailes", "Ya Ya" de Lee Dorsey, y numerosos lados con la reina del soul de Nueva Orleans, Irma Thomas. El toque singular de Toussaint en todos estos discos redefinió el sonido del R&B de Nueva Orleans para una nueva década. Cuando Banashak dejó Minit para fundar otra discográfica, Instant, Toussaint se fue con él para cumplir con los mismos deberes; también trabajó como freelance en otros lugares, sobre todo con las grabaciones de Dorsey para la discográfica Fury, y grabó algunos sencillos de bajo perfil propios, sobre todo para Sevilla. En 1963, Toussaint fue reclutado en el ejército, durante el cual grabó con su banda de apoyo los Stokes mientras estaba de permiso; una de sus canciones, el crédito de Naomi Neville "Whipped Cream", fue cubierta por Herb Alpert en 1965 para un éxito instrumental, que a su vez fue adoptado más tarde como el tema para el programa de televisión The Dating Game.
Tras su licenciamiento en 1965, Toussaint se asoció con su colega Marshall Sehorn para formar una compañía de producción y un sello discográfico, Sansu Enterprises. Sansu grabó a gente como Betty Harris, Earl King, Chris Kenner y Lou Johnson, entre otros, y a menudo alquiló sus singles a grandes sellos para su lanzamiento oficial. Su asociación más provechosa fue con Lee Dorsey, que regresó a los primeros puestos de las listas de R&B con éxitos de Toussaint como "Ride Your Pony", el frecuentemente cubierto "Get out of my life woman", el inmortal "Working in a coaline" y "Everything I do gonh be funky (from now on)" (cubierto por el jazzista Lou Donaldson). En 1966, Sansu también contrató los servicios de una banda de la casa llamada The Meters, que proporcionó el respaldo para casi todas las producciones de la compañía; después de que The Meters comenzara a hacer sus propios discos en 1969 (producidos por Toussaint), se convirtieron en el principal conjunto de funk instrumental de los 70 fuera de los J.B.'s.
Allen Toussaint En 1971, Toussaint grabó su primer álbum en solitario en más de un decenio para Scepter, llamándolo simplemente Toussaint (posteriormente se reeditó en el Reino Unido como From a Whisper to a Scream, en honor a su canción más conocida). Al año siguiente, ascendió a Reprise for Life, Love and Faith, y él y Sehorn abrieron un estudio de grabación de última generación en Nueva Orleans llamado Sea-Saint, que se convirtió en el lugar de la mayoría de sus proyectos posteriores. Además de sus discos en solitario, Toussaint recibió más ofertas de alto perfil para trabajos externos durante la primera mitad de los 70. Hizo arreglos de trompa para la banda, Paul Simon, Little Feat y Sandy Denny, y su trabajo continuo con los Meters lo llevó al funk contemporáneo con un filo más duro que sus propios álbumes. De hecho, terminó produciendo dos de los mejores discos de funk de Nueva Orleans: El éxito de Dr. John "Right Place, Wrong Time" y el éxito disco-funk número uno de LaBelle "Lady Marmalade". En 1975, Toussaint lanzó lo que muchos consideraban su mejor álbum en solitario, Southern Nights; el tema que da título al disco se convirtió en un gran éxito para la superestrella del country-pop Glen Campbell, y "What Do You Want the Girl to Do?" fue cubierto por Boz Scaggs, Lowell George y Bonnie Raitt.
En 1976, Toussaint produjo el grupo relacionado con Meters, los Wild Tchoupitoulas, cuyo debut autotitulado fue aclamado como un clásico del funk de Nueva Orleans. El experimentalismo del disco señaló un creciente deseo de expandirse en el campo de los Meters, lo que pronto causaría la separación de la banda con Toussaint y, eventualmente, entre ellos mismos. La ausencia de su infalible sentido del groove se notó en el último LP en solitario de Toussaint durante bastante tiempo, Motion de 1978. Las actividades de Toussaint disminuyeron en los años siguientes; todavía producía, arreglaba y tocaba el piano en proyectos seleccionados, que incluían álbumes de los artistas de blues Etta James y Albert King, y de los rockeros Elvis Costello y Joe Cocker, entre otros. Mientras tanto, su extenso catálogo de canciones seguía siendo extraído regularmente para el material de portada; el período de Lee Dorsey fue el más fértil, no sólo para "Working in a Coalmine" (Devo, the Judds), sino también para temas menos conocidos como "Yes We Can" (the Pointer Sisters), "Sneakin' Sally Through the Alley" (Robert Palmer), y "Freedom for the Stallion" (the Oak Ridge Boys, entre otros). Además, "Play Something Sweet (Brickyard Blues)" fue un éxito para Three Dog Night, y Bonnie Raitt hizo una versión bien recibida de "What Is Success".
La colección de Allen Toussaint, un buen resumen de sus grabaciones para grandes sellos en los años 70, se publicó en 1991. En 1996, Toussaint formó un nuevo sello, NYNO, y grabó un álbum completo de nuevo material en su estudio de Sea-Saint titulado Connected. Toussaint también empezó a grabar a los nuevos artistas de Crescent City con la esperanza de preservar el sonido clásico de Nueva Orleans. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1998 en la categoría de no artista. Going Places, atribuido al proyecto Jazzity de Allen Toussaint, apareció en 2005, seguido por la producción de Joe Henry de The Bright Mississippi de Nonesuch Records en 2009. Cuatro años más tarde, el álbum en vivo en solitario Songbook, cuyas actuaciones datan de 2006, apareció en Rounder. Aunque Toussaint siguió actuando, Songbook fue el último álbum que publicó; murió en Madrid el 10 de noviembre de 2015 mientras estaba de gira. Unas semanas antes de su fallecimiento, Toussaint se reunió con Joe Henry para cortar material para un nuevo disco. Esas grabaciones, combinadas con algunas sesiones en solitario en 2013, fueron empaquetadas como el póstumo American Tunes, publicado en junio de 2016. https://www.allmusic.com/artist/allen-toussaint-mn0000933172/biography
Never Let Me Go is the eighth album by jazz saxophonist Stanley Turrentine recorded for the Blue Note label and performed by Turrentine with Shirley Scott, Major Holley, Ray Barretto and Al Harewood, with Sam Jones and Clarence Johnston replacing Holley, Barretto and Harewood on two tracks. Review by Thom Jurek This 1961 groove date by Stanley Turrentine is an example of him at his fiery peak. Far from the slow groover of the CTI years, Turrentine's early Blue Note sides were massive and bright, saturated in deep soul and blues. This set featured Turrentine's wife, organist and composer Shirley Scott, and a pair of alternating rhythm sections. The first is Major Holley on bass and Al Harewood on drums, and the second is with Sam Jones and Clarence Johnston. Latin Conguero Ray Barretto appeared with the Holley/Harewood band. The set opens with a stomping version of Lloyd Price's "Trouble," with Scott taking the early solo while driving the groove. Turrentine burns the edges of the tune and Barretto punches up the middle with decorative flourishes and fills. This is followed by the a deeply moving read of "God Bless the Child." With Turrentine playing in his smokiest, silkiest, Ben Webster-inflected tone. Scott's solo, by contrast, is pure blues. The coolest tune on the set is "Major's Minor," written by Stanley and Shirley. With its seeming quotations from "So What?" and "Chim Chim Cherie," in the foreground, it gives way to a completely funky blues, which is a bit of a surprise. But the easy swing and in-the-pocket saxophone soloing punctuated by fat, grooved-out chords by Scott make it the gem it is. The alternate rhythm section of Jones and Johnston appear on the title track. This is one of those grand ballads where the organ acts as the testifying pulpit from which to speak, and Turrentine not only speaks, he weeps and whispers and wails here. All the while his rhythm section layers washes of percussion and muted changes in ever-present but subtle shades of blue. It's a stunner.
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Never Let Me Go es el octavo álbum del saxofonista de jazz Stanley Turrentine grabado para el sello Blue Note e interpretado por Turrentine con Shirley Scott, Major Holley, Ray Barretto y Al Harewood, con Sam Jones y Clarence Johnston reemplazando a Holley, Barretto y Harewood en dos pistas
Revisión por Thom Jurek Esta cita de 1961 de Stanley Turrentine es un ejemplo de él en su pico de fuego. Lejos del movimiento lento de los años de CTI, los primeros lados del Blue Note de Turrentine eran enormes y brillantes, saturados en el alma y los azules profundos. Este conjunto presentaba a la esposa de Turrentine, la organista y compositora Shirley Scott, y un par de secciones de ritmo alternas. El primero es Major Holley en el bajo y Al Harewood en la batería, y el segundo es con Sam Jones y Clarence Johnston. El conguero latino Ray Barretto apareció con la banda Holley / Harewood. El conjunto se abre con una versión pisoteante de "Trouble" de Lloyd Price, con Scott tomando el primer solo mientras conduce. Turrentine quema los bordes de la melodía y Barretto empuja el centro con adornos y rellenos decorativos. A esto le sigue la lectura conmovedora de "Dios bendiga al niño". Con Turrentine tocando en su tono más suave, más sedoso e inflexible de Ben Webster. El solo de Scott, por el contrario, es blues puro. La melodía más genial en el set es "Major's Minor", escrita por Stanley y Shirley. Con sus citas aparentes de "¿Y qué?" y "Chim Chim Cherie", en primer plano, da paso a un blues completamente funky, que es un poco sorprendente. Pero el swing fácil y el solo de saxofón en el bolsillo salpicado por cuerdas gruesas y estriadas de Scott lo convierten en la joya que es. La sección de ritmo alternativo de Jones y Johnston aparece en la pista del título. Esta es una de esas grandes baladas donde el órgano actúa como el púlpito testificante desde el cual hablar, y Turrentine no solo habla, sino que también llora, susurra y gime. Mientras tanto, su sección de ritmo combina capas de percusión y cambios apagados en matices de azul siempre presentes pero sutiles. Es un aturdidor.
