James Moody • Sax & Flute Man

 

 

For over six decades, saxophone master James Moody has serenaded lovers with his signature song Moody's Mood for Love an improvisation on the chord progressions of I'm in the Mood for Love.

Born in Savannah, Georgia on March 26, 1925, and raised in Newark, New Jersey, James Moody took up the alto sax, a gift from his uncle, at the age of 16. Within a few years he fell under the spell of the deeper more full- bodied tenor saxophone after hearing Buddy Tate and Don Byas perform with the Count Basie Band at the Adams Theater in Newark, New Jersey.

In 1946, following service in the United States Air Force, Moody joined the seminal bebop big band of Dizzy Gillespie, beginning an association that - on stage and record, in orchestras and small combos - afforded a young Moody worldwide exposure and ample opportunity to shape his improvisational genius. Upon joining Gillespie, Moody was at first awed, he now admits, by the orchestra's incredible array of talent, which included Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown, Thelonius Monk. The encouragement of the legendary trumpeter-leader, made his mark on the young saxophonist. His now legendary 16-bar solo on Gillespie's Emanon alerted jazz fans to an emerging world-class soloist.

During his initial stay with Gillespie, Moody also recorded with Milt Jackson for Dial Records in 1947. One year later he made his recording debut as a leader James Moody and His Bop Men for (Blue Note).

In 1949 Moody moved to Europe where in Sweden he recorded the masterpiece of improvisation for which he is renowned, Moody's Mood for Love.

Returning to the States in 1952 with a huge “hit” on his hands, Moody employed vocalist Eddie Jefferson. Also, working with him during that period were Dinah Washington and Brook Benton.

In 1963 he rejoined Gillespie and performed off and on in the trumpeter's quintet for the remainder of the decade.

Moody moved to Las Vegas in 1973 and had a seven year stint in the Las Vegas Hilton Orchestra, doing shows for Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich, and Lou Rawls to name a few.

Moody returned to the East Coast and put together his own band again - much to the delight of his dedicated fans. In 1985, Moody received a Grammy Award Nomination for Best Jazz Instrumental Performance for his playing on Manhattan Transfer's Vocalese album thus setting the stage for his re-emergence as a major recording artist.

Moody's 1986 (RCA/NOVUS) debut Something Special ended a decade-long major label recording hiatus for the versatile reedman. His follow-up recording, Moving Forward showcased his hearty vocals on What Do You Do and his interpretive woodwind wizardry on such tunes as Giant Steps and Autumn Leaves.

Music is more than a livelihood to Moody, so much so that portions of Sweet and Lovely, dedicated to his wife, Linda, figured prominently in the saxophonist's wedding ceremony on April 3, 1989. As well as being on the album, Gillespie was best man at the wedding for his longtime friend. The bride and groom walked down the aisle to Gillespie's solo on Con Alma then everyone exited the church to the vamp on Melancholy Baby. As their first act of marriage Linda and James Moody took communion accompanied by the groom's recording of Sweet and Lovely. In 1990, Moody and Gillespie received a Grammy Award Nomination for their rendition of Gillespie's Get the Booty, which showcases scatting at its best. Moody returns the soprano sax to his woodwind arsenal on Honey, his nickname for his wife, Linda, and Moody's last recording for (RCA/NOVUS).

On March 26th, 1995 Moody got the surprise of his life with a birthday party in New York. It was an evening of historical significance for Jazz with many guest stars and Bill Cosby as the emcee. It can be heard on Telarc's recording, Moody's Party— James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

In 1995 Moody's (Warner Bros.) release of Young at Heart, was a tribute to songs that are associated with Frank Sinatra. With an orchestra and strings many people feel this is among the most beautiful of all James Moody recordings.

Moody's last recording for Warner Bros. is Moody Plays Mancini which showcases Moody on all of his horns and flute. A tribute to the American icon Henry Mancini.

Moody's 2004 release of Homage on the Savoy Label has been a great cause for celebration. His first new studio album in 6 years, the aptly named Homage is a tribute to Moody featuring new tunes specially written for him by the likes of Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine and Marc Copland. Bob Belden produced the project.

Whether Moody is playing the soprano, alto, tenor, or flute, he does so with deep resonance and wit. Moody has a healthy respect for tradition, but takes great delight in discovering new musical paths, which makes him one of the most consistently expressive and enduring figures in modern jazz today. To quote Peter Watrous of the New York Times, “As a musical explorer, performer, collaborator and composer he has made an indelible contribution to the rise of American music as the dominant musical force of the twentieth century.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody

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Durante más de seis décadas, el maestro del saxofón James Moody ha dado una serenata a los enamorados con su canción emblemática Moody's Mood for Love, una improvisación sobre la progresión de acordes de I'm in the Mood for Love.

Nacido en Savannah, Georgia, el 26 de marzo de 1925, y criado en Newark, Nueva Jersey, James Moody tomó el saxo alto, un regalo de su tío, a los 16 años. En pocos años cayó bajo el hechizo del saxo tenor, más profundo y con más cuerpo, después de escuchar a Buddy Tate y Don Byas actuar con la Count Basie Band en el Adams Theater de Newark, Nueva Jersey.

En 1946, tras prestar servicio en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Moody se unió a la seminal big band de bebop de Dizzy Gillespie, iniciando una asociación que -en el escenario y en el disco, en orquestas y pequeños combos- proporcionó a un joven Moody una exposición mundial y una amplia oportunidad para dar forma a su genio improvisador. Al incorporarse a Gillespie, Moody se sintió al principio asombrado, según admite ahora, por la increíble variedad de talentos de la orquesta, que incluía a Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown y Thelonius Monk. El estímulo del legendario trompetista-líder, hizo mella en el joven saxofonista. Su ahora legendario solo de 16 compases en el Emanon de Gillespie alertó a los aficionados al jazz sobre un solista emergente de talla mundial.

Durante su estancia inicial con Gillespie, Moody también grabó con Milt Jackson para Dial Records en 1947. Un año más tarde, hizo su debut discográfico como líder James Moody and His Bop Men para (Blue Note).

En 1949 Moody se trasladó a Europa, donde grabó en Suecia la obra maestra de la improvisación por la que es conocido, Moody's Mood for Love.

Al regresar a Estados Unidos en 1952 con un gran "éxito" entre manos, Moody contrató al vocalista Eddie Jefferson. También trabajaron con él durante ese periodo Dinah Washington y Brook Benton.

En 1963 se reunió con Gillespie y actuó de forma intermitente en el quinteto del trompetista durante el resto de la década.

Moody se trasladó a Las Vegas en 1973 y estuvo siete años en la Orquesta del Hilton de Las Vegas, haciendo espectáculos para Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich y Lou Rawls, por nombrar algunos.

Moody regresó a la Costa Este y volvió a formar su propia banda, para deleite de sus entregados fans. En 1985, Moody recibió una nominación a los premios Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz por su participación en el álbum Vocalese de Manhattan Transfer, lo que sentó las bases para su resurgimiento como artista discográfico importante.

El debut de Moody en 1986 (RCA/NOVUS), Something Special, puso fin a una década de parón discográfico de este versátil músico de caña. Su siguiente disco, Moving Forward, mostró su voz en What Do You Do y su habilidad interpretativa con los instrumentos de viento en temas como Giant Steps y Autumn Leaves.

La música es más que un medio de vida para Moody, hasta el punto de que partes de Sweet and Lovely, dedicada a su esposa, Linda, ocuparon un lugar destacado en la ceremonia de boda del saxofonista el 3 de abril de 1989. Además de participar en el álbum, Gillespie fue el padrino de la boda de su viejo amigo. Los novios se dirigieron al altar con el solo de Gillespie en Con Alma, y todos salieron de la iglesia con el vampiro de Melancholy Baby. Como primer acto de matrimonio, Linda y James Moody tomaron la comunión acompañados por la grabación del novio de Sweet and Lovely. En 1990, Moody y Gillespie recibieron una nominación a los premios Grammy por su interpretación de Get the Booty de Gillespie, que muestra el scatting en su máxima expresión. Moody devuelve el saxo soprano a su arsenal de viento-madera en Honey, su apodo para su mujer, Linda, y la última grabación de Moody para (RCA/NOVUS).

El 26 de marzo de 1995 Moody recibió la sorpresa de su vida con una fiesta de cumpleaños en Nueva York. Fue una velada de importancia histórica para el jazz, con muchas estrellas invitadas y Bill Cosby como maestro de ceremonias. Se puede escuchar en la grabación de Telarc, Moody's Party- James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

En 1995, Moody (Warner Bros.) publicó Young at Heart, un homenaje a las canciones asociadas a Frank Sinatra. Con una orquesta y cuerdas, muchos consideran que se trata de una de las grabaciones más bellas de James Moody.

La última grabación de Moody para Warner Bros. es Moody Plays Mancini, que muestra a Moody con todos sus instrumentos de viento y flauta. Un homenaje al icono americano Henry Mancini.

El lanzamiento en 2004 de Homage en el sello Savoy ha sido un gran motivo de celebración para Moody. Su primer nuevo álbum de estudio en 6 años, el acertado nombre de Homage, es un tributo a Moody que incluye nuevas melodías escritas especialmente para él por gente como Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine y Marc Copland. Bob Belden ha producido el proyecto.

Tanto si Moody toca la soprano, el alto, el tenor o la flauta, lo hace con profunda resonancia e ingenio. Moody siente un sano respeto por la tradición, pero se complace en descubrir nuevos caminos musicales, lo que le convierte en una de las figuras más expresivas y duraderas del jazz moderno actual. En palabras de Peter Watrous, del New York Times, "Como explorador musical, intérprete, colaborador y compositor, ha hecho una contribución indeleble al ascenso de la música americana como fuerza musical dominante del siglo XX".
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Johnny Coles • Little Johnny C

 

Biography
by Scott Yanow
A fine trumpeter with a distinctive cry, Johnny Coles long had the ability to say a lot with a few notes. He played with a few top R&B bands, including Eddie "Cleanhead" Vinson (1948-1951), Bull Moose Jackson (1952), and Earl Bostic (1955-1956); was with James Moody's group (1956-1958); and appeared on several Gil Evans records between 1958-1964. Probably his most significant association was with the 1964 Charles Mingus Sextet that toured Europe. Also in the group were Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard, and Dannie Richmond. Coles can be seen holding his own against those giants on a European television show (available on a Shanachie video), but he had to leave the tour halfway through due to a sudden illness. He also played with Herbie Hancock's sextet (1968-1969), Ray Charles (1969-1971), Duke Ellington (1971-1974), Art Blakey's Jazz Messengers (briefly in 1976), Dameronia, Mingus Dynasty, and the Count Basie band when it was under Thad Jones' leadership (1985-1986), but fame managed to elude him. Coles led sessions through the years for Epic, Blue Note, Mainstream, and finally for Criss Cross, before passing away from cancer.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-coles-mn0000201232/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Johnny Coles, un excelente trompetista con un grito distintivo, tuvo durante mucho tiempo la capacidad de decir mucho con unas pocas notas. Tocó con algunas de las mejores bandas de R&B, como Eddie "Cleanhead" Vinson (1948-1951), Bull Moose Jackson (1952) y Earl Bostic (1955-1956); estuvo con el grupo de James Moody (1956-1958) y apareció en varios discos de Gil Evans entre 1958-1964. Probablemente su asociación más significativa fue con el Sexteto de Charles Mingus de 1964, que realizó una gira por Europa. En el grupo también estaban Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard y Dannie Richmond. Se puede ver a Coles enfrentándose a esos gigantes en un programa de televisión europeo (disponible en un vídeo de Shanachie), pero tuvo que abandonar la gira a mitad de camino debido a una repentina enfermedad. También tocó con el sexteto de Herbie Hancock (1968-1969), Ray Charles (1969-1971), Duke Ellington (1971-1974), Art Blakey's Jazz Messengers (brevemente en 1976), Dameronia, Mingus Dynasty y la banda de Count Basie cuando estaba bajo la dirección de Thad Jones (1985-1986), pero la fama le fue esquiva. Coles dirigió sesiones a lo largo de los años para Epic, Blue Note, Mainstream y, finalmente, para Criss Cross, antes de fallecer de cáncer.
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The Mariachi Brass Featuring Chet Baker • A Taste Of Tequila

 

Chesney Henry “Chet” Baker Jr. was raised in a musical household in Oklahoma (his father was a guitar player), and coming of age in Southern California during the bebop era of jazz, Baker found success as a trumpet player in 1951 when he was chosen by Charlie Parker to play with him for a series of West Coast engagements.

In 1952, Baker joined the Gerry Mulligan Quartet, which was an instant phenomenon. Baker became famous on the strength of his solo on their recording of “My Funny Valentine” a piece he was later said to “own”. The Quartet, however, lasted less than a year because of Mulligan's arrest on drug charges.

In 1954, Baker won the Downbeat Jazz Poll, beating Miles Davis among others. Over the next few years, Baker fronted his own combo, playing trumpet and singing. He became an icon of the west coast “cool school” of jazz, helped by his good looks and singing talent. By the early 1960s, Baker had begun playing the fluegelhorn, as well.

Then, drug addiction caught up with Baker, and his promising musical career declined as a result. Heroin addiction created a myriad of legal problems for him as well; he served more than a year in prison in Italy, and was later expelled from both West Germany and England for drug-related offenses. Baker was eventually deported from West Germany to the United States after running afoul of the law there a second time. He settled in Milpitas in northern California where he was active in San Jose and San Francisco between short jail terms served for writing his own prescriptions.

In 1966, Baker allegedly was severely beaten while attempting to buy drugs after a gig in San Francisco, sustaining severe cuts on the lips and broken front teeth, thus ruining his embouchure. Accounts of the incident vary, largely because of his lack of reliable testimony on the matter. From that time he had to learn to play with dentures, a difficult process for a brass player.

Between 1966 and 1974, Baker mostly played flugelhorn, with its wider mouthpiece, and recorded what must be considered slick mood music. He eventually moved to New York City and began recording again in earnest with other well known jazz musicians such as Jim Hall. Later in the seventies, Baker returned to Europe where he was assisted by his friend Diane Vavra who took care of his personal needs and otherwise helped him during his recording and performance dates.

Baker recorded extensively throughout his career. As a result, his discography is considered widely uneven. However, some of Baker's European recordings, made near the end of his career, reveal a more mature and, at times, brilliant talent with simplicity and depth beyond his previous work.

Near the end of Baker's life, he resided and played almost exclusively in Europe, returning to the USA about once a year for a few performance dates.

On May 13, 1988, he fell (or was pushed) from his second story hotel window in Amsterdam and died. There was speculation that he was under the influence of drugs at the time, however his autopsy revealed that he was sober. There were also rumors that a suicide note was found but is held in private hands. A plaquette outside the Prins Hendrik Hotel memorializes him. Baker's body was brought home for interment in the Inglewood Park Cemetery in Inglewood, California.

Jeroen de Valk wrote a biography of Chet Baker, Chet Baker: His Life and Music.

The iconic side of Chet Baker was captured by the photographer William Claxton in his book Young Chet: The Young Chet Baker. A documentary film about his career, Let's Get Lost, also portrayed Chet as a cultural icon of the 1950s, but juxtaposed this with his later image as a drug abuser. The film, released in 1988 and directed by fashion photographer Bruce Weber, was shot in black-and-white, and includes a series of interviews with friends, family, associates and lovers, interspersed with film from Baker's earlier life, and with interviews with Baker from his last years.

In 2005 Oklahoma Governor Brad Henry and the Oklahoma House of Representatives proclaimed July 2, 2005 as Chet Baker

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Chesney Henry "Chet" Baker Jr. se crió en un hogar musical en Oklahoma (su padre era guitarrista), y al llegar a la mayoría de edad en el sur de California durante la era del bebop del jazz, Baker encontró el éxito como trompetista en 1951 cuando fue elegido por Charlie Parker para tocar con él en una serie de compromisos en la Costa Oeste.

En 1952, Baker se unió al Cuarteto Gerry Mulligan, que fue un fenómeno instantáneo. Baker se hizo famoso por su solo en la grabación de "My Funny Valentine", una pieza que luego se le dijo que "poseía". El Cuarteto, sin embargo, duró menos de un año debido al arresto de Mulligan por cargos de drogas.

En 1954, Baker ganó el Downbeat Jazz Poll, venciendo a Miles Davis entre otros. Durante los siguientes años, Baker encabezó su propio combo, tocando la trompeta y cantando. Se convirtió en un icono de la "escuela genial" de jazz de la costa oeste, ayudado por su buena apariencia y su talento como cantante. A principios de los años 60, Baker también empezó a tocar el corno de flauta.

Entonces, la adicción a las drogas alcanzó a Baker, y su prometedora carrera musical decayó como resultado. La adicción a la heroína también le creó un sinfín de problemas legales; pasó más de un año en la cárcel en Italia, y más tarde fue expulsado tanto de Alemania Occidental como de Inglaterra por delitos relacionados con las drogas. Baker fue finalmente deportado de Alemania Occidental a los Estados Unidos después de haber violado la ley por segunda vez. Se estableció en Milpitas en el norte de California donde estuvo activo en San José y San Francisco entre breves períodos de cárcel cumplidos por escribir sus propias recetas.

En 1966, Baker fue presuntamente golpeado gravemente cuando intentaba comprar drogas después de un concierto en San Francisco, sufriendo severos cortes en los labios y la rotura de los dientes delanteros, lo que arruinó su embocadura. Los relatos del incidente varían, en gran parte debido a su falta de testimonio fiable sobre el asunto. Desde entonces tuvo que aprender a jugar con dentaduras postizas, un proceso difícil para un músico de metal.

Entre 1966 y 1974, Baker tocó mayormente el flugelhorn, con su boquilla más ancha, y grabó lo que debe ser considerado como música de humor. Eventualmente se mudó a la ciudad de Nueva York y comenzó a grabar de nuevo en serio con otros músicos de jazz bien conocidos como Jim Hall. Más tarde, en los años setenta, Baker volvió a Europa donde fue asistido por su amiga Diane Vavra que se ocupó de sus necesidades personales y le ayudó de otras maneras durante sus fechas de grabación y actuación.

Baker grabó extensamente a lo largo de su carrera. Como resultado, su discografía se considera muy desigual. Sin embargo, algunas de las grabaciones europeas de Baker, hechas cerca del final de su carrera, revelan un talento más maduro y, a veces, brillante, con una simplicidad y profundidad más allá de su trabajo anterior.

Cerca del final de la vida de Baker, residió y tocó casi exclusivamente en Europa, regresando a los EE.UU. alrededor de una vez al año para algunas fechas de actuación.

El 13 de mayo de 1988, se cayó (o fue empujado) de la ventana de su hotel del segundo piso en Amsterdam y murió. Se especuló que estaba bajo la influencia de drogas en ese momento, sin embargo su autopsia reveló que estaba sobrio. También hubo rumores de que se encontró una nota de suicidio pero que está en manos privadas. Una placa fuera del Hotel Prins Hendrik lo recuerda. El cuerpo de Baker fue llevado a casa para su entierro en el cementerio de Inglewood Park en Inglewood, California.

Jeroen de Valk escribió una biografía de Chet Baker, Chet Baker: Su vida y su música.

El lado icónico de Chet Baker fue capturado por el fotógrafo William Claxton en su libro Young Chet: El Joven Chet Baker. Un documental sobre su carrera, Let's Get Lost, también retrató a Chet como un icono cultural de los años 50, pero lo yuxtapuso con su posterior imagen de drogadicto. La película, estrenada en 1988 y dirigida por el fotógrafo de moda Bruce Weber, fue rodada en blanco y negro, e incluye una serie de entrevistas con amigos, familiares, socios y amantes, intercaladas con películas de la vida anterior de Baker, y con entrevistas a Baker de sus últimos años.

En 2005 el gobernador de Oklahoma Brad Henry y la Cámara de Representantes de Oklahoma proclamaron el 2 de julio de 2005 como Chet Baker

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Victor Rydström • To Whom It May Concern

 

 

Review from Lira (by Bengt Eriksson): Victor Rydström's debut is a Hammond-organ trio recording with Simon Jonsson on organ and Oskar Cederblad on drums. Robert Nordmark joins on tenor saxophone on some tracks. Eriksson notes that Rydström composed all but one of the pieces and that the musicians share the musical space between guitar, organ, saxophone and drums.

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Resena de Lira (por Bengt Eriksson): El debut de Victor Rydstrom es una grabacion en formato de trio de organo Hammond con Simon Jonsson en organo y Oskar Cederblad en bateria. Robert Nordmark participa en saxo tenor en algunos temas. Eriksson senala que Rydstrom compuso todos los temas salvo uno y que los musicos comparten el espacio musical entre guitarra, organo, saxo y bateria. 

 

Stan Getz & Bill Evans • Verve 833 802-2

Review:

The only studio meeting between Stan Getz and Bill Evans took place over two days in 1964, with the aggressive drummer Elvin Jones and either Richard Davis or Ron Carter on bass. It is peculiar that Verve shelved the results for over a decade before issuing any of the music, though it may have been felt that Getz and Evans hadn't had enough time to achieve the desired chemistry, though there are memorable moments. The punchy take of "My Heart Stood Still," the elegant interpretation of "Grandfather's Waltz," and the lush setting of the show tune "Melinda" all came from the first day's session, with Davis on bass. (Evidently he was unavailable the following day, so Carter replaced him.) Evans' driving, challenging "Funkallero" is the obvious highlight from day two, though the gorgeous "But Beautiful" and the breezy setting of "Night and Day" are also enjoyable. Only the brief version of "Carpetbagger's Theme," which seems badly out of place and suggestive of the label's interference with the session, is a bit of a disappointment. Obviously neither Getz nor Evans liked the tune, as they go through the motions in a very brief performance. [Some reissues add three unissued alternate takes, though additional material from the sessions was included in the box set The Complete Bill Evans on Verve.]

by Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-bill-evans-mw0000194941

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Revisión:

La única reunión de estudio entre Stan Getz y Bill Evans tuvo lugar durante dos días en 1964, con el agresivo baterista Elvin Jones y Richard Davis o Ron Carter al bajo. Es curioso que Verve archivara los resultados durante más de una década antes de publicar la música, aunque puede que se pensara que Getz y Evans no habían tenido tiempo suficiente para lograr la química deseada, aunque hay momentos memorables. La contundente toma de "My Heart Stood Still", la elegante interpretación de "Grandfather's Waltz", y la exuberante puesta en escena de la melodía del espectáculo "Melinda", todo vino de la sesión del primer día, con Davis en el bajo. (Evidentemente no estaba disponible al día siguiente, así que Carter lo reemplazó.) La conducción de Evans, desafiando a "Funkallero" es el obvio punto culminante del segundo día, aunque el magnífico "But Beautiful" y el ambiente ventoso de "Night and Day" también son agradables. Sólo la breve versión de "Carpetbagger's Theme", que parece muy fuera de lugar y sugiere la interferencia de la etiqueta en la sesión, es un poco decepcionante. Obviamente ni a Getz ni a Evans les gustó la melodía, ya que se mueven en una actuación muy breve. [Algunas reediciones añaden tres tomas alternas no emitidas, aunque el material adicional de las sesiones se incluyó en el set de la caja The Complete Bill Evans on Verve.]

por Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-bill-evans-mw0000194941