Keith Jarrett • Treasure Island

 

Review by Thom Jurek
Treasure Island, released in early 1974, was the second of two albums pianist and composer Keith Jarrett recorded for Impulse Records -- the first was Fort Yawuh, issued a year earlier. Cut at Generation Sound Studios in New York City, the band consisted of Jarrett on piano and soprano saxophone, Dewey Redman on tenor, bassist Charlie Haden, and drummer Paul Motian. And though he would more than likely disagree, this was the best band he ever led. In addition to the quartet, guitarist Sam Brown contributes to a pair of cuts here as Guilherme Franco and Danny Johnson add percussion to the mix. The set kicks off with the beautiful "The Rich (And the Poor)," a folkish melody of the type Jarrett was exploring on ECM at the time, with some stellar African undertones -- it's easy to hear the majesty of Abdullah Ibrahim's South African musical sphere in this mix, and earthy deep, sparer work by Redman and Haden. The brief "Blue Streak," by contrast, is full-on and busy with melody and interplay between Redman and Motian. More speculative group improvisation occurs on "Fullsuvollivus," which travels decidedly outside, and the title cut with Sam Jones on electric guitar in place of Redman is a lithe, elegant, midtempo ballad that showcases Jarrett's truly magnificent melodic work in front of this enlarged rhythm section. The hardest groover on this set is their killer "Le Mistral," with some gorgeous interplay between Haden and Motian, and some extended solo work by Redman. "Angles (Without Edges)" is a dense construction that involves some taut counterpoint between Redman and Jarrett, even as the rhythm section tries to push them both inside toward one another -- Redman slips out of the frame a few times to excellent effect. Haden's solo is also particularly noteworthy. Brown returns on the closer "Sister Fortune," a track with almost rockist overtones. Jarrett had perhaps heard some records in his day, particularly from the Atlantic catalog, and he put that spin on this melody, which incorporates groove, repetitive and circular rhythm, and a songlike melodic structure with minimal improvisation -- though his own fills are quite stunning and deep in the pulse pocket. This is a terrific sendoff to a very fertile, creative period and begs the question as to what else may have happened had this band been able to explore their unique, fully communal sound together for more than a pair of albums.
https://www.allmusic.com/album/treasure-island-mw0000196854

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Reseña de Thom Jurek
Treasure Island, lanzado a principios de 1974, fue el segundo de los dos álbumes que el pianista y compositor Keith Jarrett grabó para Impulse Records; el primero fue Fort Yawuh, publicado un año antes. Formada en Generation Sound Studios en la ciudad de Nueva York, la banda estaba formada por Jarrett al piano y saxofón soprano, Dewey Redman al tenor, el bajista Charlie Haden y el baterista Paul Motian. Y aunque probablemente no estaría de acuerdo, esta fue la mejor banda que jamás haya liderado. Además del cuarteto, el guitarrista Sam Brown contribuye con un par de cortes aquí mientras Guilherme Franco y Danny Johnson agregan percusión a la mezcla. El set comienza con la hermosa" The Rich (And the Poor)", una melodía folklórica del tipo que Jarrett estaba explorando en ECM en ese momento, con algunos matices africanos estelares -- es fácil escuchar la majestuosidad de la esfera musical sudafricana de Abdullah Ibrahim en esta mezcla, y el trabajo terroso, profundo y más suave de Redman y Haden. La breve "Racha Azul", por el contrario, está llena y ocupada con la melodía y la interacción entre Redman y Motian. La improvisación grupal más especulativa ocurre en "Fullsuvollivus", que viaja decididamente al exterior, y el corte del título con Sam Jones a la guitarra eléctrica en lugar de Redman es una balada ágil, elegante y de medio tiempo que muestra el trabajo melódico verdaderamente magnífico de Jarrett frente a esta sección rítmica ampliada. El groover más difícil de este set es su asesino "Le Mistral", con una magnífica interacción entre Haden y Motian, y un extenso trabajo en solitario de Redman. "Angles( Without Edges)" es una construcción densa que implica un contrapunto tenso entre Redman y Jarrett, incluso cuando la sección rítmica intenta empujarlos a ambos hacia adentro el uno hacia el otro Red Redman se sale del encuadre varias veces con un efecto excelente. El solo de Haden también es particularmente digno de mención. Brown regresa en el cierre "Sister Fortune", un tema con tintes casi rockeros. Jarrett quizás había escuchado algunos discos en su época, particularmente del catálogo Atlantic, y le dio ese giro a esta melodía, que incorpora groove, ritmo repetitivo y circular, y una estructura melódica parecida a una canción con una mínima improvisación, aunque sus propios rellenos son bastante impresionantes y profundos en el bolsillo del pulso. Esta es una excelente despedida a un período creativo muy fértil y plantea la pregunta de qué más podría haber sucedido si esta banda hubiera podido explorar su sonido único y totalmente comunitario juntos durante más de un par de álbumes.
https://www.allmusic.com/album/treasure-island-mw0000196854

www.keithjarrett.org ...

Grant Green • Feelin' The Spirit

From the original liner notes: "Green has made no attempt here to recreate the five spirituals he plays in anything resembling their original context, nor has he tried to duplicate their often pallid manifestation on the concert stage. He has approached them with affection, but as music to be played in his style. The result is a fascinating combination: the techniques of modern jazz, blues, and gospel, all applied to the spiritual." - Joe Goldberg

Review by Steve Huey
Broadening his musical palette, Grant Green detoured into a number of "theme" sessions in 1962 -- the light Latin jazz of The Latin Bit; the country & western standards of Goin' West; and the best of the bunch, the old-time gospel album Feelin' the Spirit. For Feelin' the Spirit, Green takes five traditional, public-domain African-American spirituals (plus the CD bonus track "Deep River") and gives them convincing jazz treatments in a quartet-plus-tambourine setting. Green's light touch and clear tone match very well with the reverent material, and pianist Herbie Hancock is tremendous in support, serving the needs of the music and nailing the bright gospel style perfectly. Similarly, Green's playing never gets too complicated or loses sight of the melodies, yet he never runs short of ideas -- which goes to show that Feelin' the Spirit is indeed a labor of love. Opening with a jaunty "Just a Closer Walk With Thee," Green and Hancock work up an impassioned gospel fervor on "Go Down Moses," which is loaded with soulful, bluesy tradeoffs. Yet overall, the mood is fairly reflective, with Green's interpretations of "Joshua Fit de Battle ob Jericho," "Nobody Knows the Trouble I've Seen," and "Sometimes I Feel Like a Motherless Child" pointing up the suffering and sorrow behind these standards -- with the implication that suffering still continued into 1962. That's not to say Feelin' the Spirit is a depressing album, though; it's simply infused with the spirit of the blues, which is part of the reason these songs translate so surprisingly well despite their harmonic simplicity. Green, Hancock, bassist Butch Warren, and drummer Billy Higgins keep the grooves flowing throughout, making Feelin' the Spirit a rousingly successful experiment.
 

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De las notas originales del disco: "Green no ha intentado aquí recrear los cinco espirituales que interpreta en nada que se parezca a su contexto original, ni ha tratado de duplicar su manifestación, a menudo pálida, en el escenario del concierto. Los ha abordado con afecto, pero como música para ser interpretada a su estilo. El resultado es una combinación fascinante: las técnicas del jazz moderno, el blues y el gospel, todo ello aplicado a los espirituales." - Joe Goldberg

Reseña de Steve Huey

Ampliando su paleta musical, Grant Green se desvió hacia una serie de sesiones "temáticas" en 1962: el jazz latino ligero de The Latin Bit; los estándares de country & western de Goin' West; y el mejor del grupo, el álbum de gospel antiguo Feelin' the Spirit. En Feelin' the Spirit, Green toma cinco espirituales afroamericanos tradicionales de dominio público (más el tema extra del CD "Deep River") y les da un tratamiento jazzístico convincente en un entorno de cuarteto más pandereta. El toque ligero y el tono claro de Green encajan muy bien con el material reverente, y el pianista Herbie Hancock es tremendo como apoyo, sirviendo a las necesidades de la música y clavando el brillante estilo gospel perfectamente. Del mismo modo, la forma de tocar de Green nunca se complica demasiado ni pierde de vista las melodías, pero nunca se queda sin ideas, lo que demuestra que Feelin' the Spirit es realmente un trabajo de amor. Abriendo con un alegre "Just a Closer Walk With Thee", Green y Hancock trabajan con un apasionado fervor gospel en "Go Down Moses", que está cargado de soul y blues. Sin embargo, en general, el estado de ánimo es bastante reflexivo, con las interpretaciones de Green de "Joshua Fit de Battle ob Jericho", "Nobody Knows the Trouble I've Seen" y "Sometimes I Feel Like a Motherless Child", que señalan el sufrimiento y la pena que hay detrás de estos estándares, con la implicación de que el sufrimiento aún continuaba en 1962. Esto no quiere decir que Feelin' the Spirit sea un álbum deprimente, sino que simplemente está impregnado del espíritu del blues, que es parte de la razón por la que estas canciones se traducen tan sorprendentemente bien a pesar de su simplicidad armónica. Green, Hancock, el bajista Butch Warren y el batería Billy Higgins mantienen el ritmo en todo momento, lo que hace de Feelin' the Spirit un experimento muy exitoso.

www.bluenote.com/artist/grant-green ...

Bernard Purdie • Legends of Acid Jazz

 

review by Chris Slawecki

Legends of Acid Jazz: The Best of Bernard Purdie is a pounding demonstration of why Bernard "Pretty" Purdie was considered one of the premier "funky drummers" of the late 1960s and early 1970s. A compilation of his two 1971 solo albums Shaft and Purdie Good!, Legends opens with a cracklin' cover of James Brown's standard "Cold Sweat" and includes other pop covers such as "Everybody's Talkin' at Me" and a thumping, purely instrumental version of Isaac Hayes' "Theme From Shaft," with a dash of reggae sun splashed in from "Montego Bay." According to the liner notes (the originals from Purdie Good), Purdie patterned the bands on this release (which included pianists Harold Wheeler and Neal Creque, guitarists Billy Nichols, Ted Dunbar and Lloyd Davis, bassist Norman Edwards and Norman Pride on congas) after the soul/rock stylings of Blood Sweat & Tears. If that's truly the case, Legends of Acid Jazz: The Best of Bernard Purdie pulsates and burns with soul/rock fire that thoroughly and absolutely eclipses Purdie's original inspiration. This is the sound of funky jazz from the end of the 1960s, so funky and swinging it just about dares you to stand still and not dance.

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reseña de Chris Slawecki

Legends of Acid Jazz: The Best of Bernard Purdie es una demostración contundente de por qué Bernard "Pretty" Purdie fue considerado uno de los principales "bateristas funky" de finales de los 60 y principios de los 70. Una compilación de sus dos álbumes en solitario de 1971, Shaft y Purdie Good!, Legends se abre con una crujiente versión de la canción estándar de James Brown "Cold Sweat" e incluye otras versiones pop como "Everybody's Talkin' at Me" y una impactante versión puramente instrumental del "Theme From Shaft" de Isaac Hayes, con una pizca de sol reggae salpicado de "Montego Bay". De acuerdo con las notas del liner (los originales de Purdie Good), Purdie le dio un patrón a las bandas de este lanzamiento (que incluían a los pianistas Harold Wheeler y Neal Creque, los guitarristas Billy Nichols, Ted Dunbar y Lloyd Davis, el bajista Norman Edwards y Norman Pride en las congas), después de los estilos soul/rock de Blood Sweat & Tears. Si ese es realmente el caso, Legends of Acid Jazz: The Best of Bernard Purdie pulsa y arde con el fuego del soul/rock que eclipsa completa y absolutamente la inspiración original de Purdie. Este es el sonido del funky jazz de finales de los años 60, tan funky y balanceado que casi te atreves a quedarte quieto y no bailar.

Red Rodney • Red Giant

 

American trumpeter Red Rodney (1927-1994) came into the spotlight with his legendary firecracker pace and pitch the late 40s and was hired by Charlie Parker to replace Miles Davis in his quintet (1949-1951). In spite of his turbulent life during the 60s and 70s, Rodney made a comeback to the world scene in the 80s.
This 1988 studio recording took place in Copenhagen, Denmark where he lived a couple of years.
https://www.jazzmessengers.com/es/82959/red-rodney/redgiant


Biography by Scott Yanow
Red Rodney's comeback in the late '70s was quite inspiring and found the veteran bebop trumpeter playing even better than he had during his legendary period with Charlie Parker. He started his professional career by performing with Jerry Wald's orchestra when he was 15, and he passed through a lot of big bands, including those of Jimmy Dorsey (during which Rodney closely emulated his early idol Harry James), Elliot Lawrence, Georgie Auld, Benny Goodman, and Les Brown. He totally changed his style after hearing Dizzy Gillespie and Charlie Parker, becoming one of the brighter young voices in bebop. Rodney made strong contributions to the bands of Gene Krupa (1946), Claude Thornhill, and Woody Herman's Second Herd (1948-1949). Off and on during 1949-1951, Rodney was a regular member of the Charlie Parker Quintet, playing brilliantly at Bird's recorded Carnegie Hall concert of 1949. But drugs cut short that association, and Rodney spent most of the 1950s in and out of jail. After he kicked heroin, almost as damaging to his jazz chops was a long period playing for shows in Las Vegas. When he returned to New York in 1972, it took Rodney several years to regain his former form. However, he hooked up with multi-instrumentalist Ira Sullivan in 1980 and the musical partnership benefited both of the veterans; Sullivan's inquisitive style inspired Rodney to play post-bop music (rather than continually stick to bop) and sometimes their quintet (which also featured Garry Dial) sounded like the Ornette Coleman Quartet, amazingly. After Sullivan went back to Florida a few years later, Rodney continued leading his own quintet which in later years featured the talented young saxophonist Chris Potter. Red Rodney, who was portrayed quite sympathetically in the Clint Eastwood film Bird (during which he played his own solos), stands as proof that for the most open-minded veterans there is life beyond bop.
https://www.allmusic.com/artist/red-rodney-mn0000883694#biography

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El trompetista estadounidense Red Rodney (1927-1994) saltó a la fama con su legendario ritmo y tono de petardo a finales de los años 40 y fue contratado por Charlie Parker para sustituir a Miles Davis en su quinteto (1949-1951). A pesar de su turbulenta vida durante los años 60 y 70, Rodney regresó a la escena mundial en los 80.
Esta grabación de estudio de 1988 tuvo lugar en Copenhague, Dinamarca, donde vivió un par de años.
https://www.jazzmessengers.com/es/82959/red-rodney/redgiant


Biografía de Scott Yanow
El regreso de Red Rodney a finales de los 70 fue bastante inspirador y encontró al veterano trompetista de bebop tocando incluso mejor que durante su legendaria etapa con Charlie Parker. Comenzó su carrera profesional tocando con la orquesta de Jerry Wald cuando tenía 15 años, y pasó por muchas big bands, entre ellas las de Jimmy Dorsey (durante la cual Rodney emuló de cerca a su ídolo de la primera época Harry James), Elliot Lawrence, Georgie Auld, Benny Goodman y Les Brown. Cambió totalmente su estilo tras escuchar a Dizzy Gillespie y Charlie Parker, convirtiéndose en una de las voces jóvenes más brillantes del bebop. Rodney hizo importantes contribuciones a las bandas de Gene Krupa (1946), Claude Thornhill y Woody Herman's Second Herd (1948-1949). Entre 1949 y 1951, Rodney fue miembro habitual del Charlie Parker Quintet y tocó con brillantez en el concierto que Bird grabó en el Carnegie Hall en 1949. Pero las drogas truncaron esa asociación y Rodney pasó la mayor parte de la década de 1950 entrando y saliendo de la cárcel. Después de dejar la heroína, casi tan perjudicial para sus habilidades jazzísticas fue un largo periodo tocando para espectáculos en Las Vegas. Cuando regresó a Nueva York en 1972, Rodney tardó varios años en recuperar su antigua forma. Sin embargo, en 1980 se juntó con el multiinstrumentista Ira Sullivan y la asociación musical benefició a ambos veteranos; el estilo inquisitivo de Sullivan inspiró a Rodney a tocar música post-bop (en lugar de ceñirse continuamente al bop) y a veces su quinteto (en el que también estaba Garry Dial) sonaba como el Ornette Coleman Quartet, sorprendentemente. Después de que Sullivan regresara a Florida unos años más tarde, Rodney siguió dirigiendo su propio quinteto, que en los últimos años contó con el joven y talentoso saxofonista Chris Potter. Red Rodney, que fue retratado con bastante simpatía en la película Bird de Clint Eastwood (durante la cual tocó sus propios solos), es la prueba de que para los veteranos de mente más abierta hay vida más allá del bop.
https://www.allmusic.com/artist/red-rodney-mn0000883694#biography

Takeshi Ohbayashi Trio • Manhattan

 

A native of Hiroshima, Japan, Takeshi Ohbayashi began playing piano at the age of two.

Ohbayashi studied film scoring and composition at Tokyo College of Music, but it was not until he attended a jazz piano clinic during his freshman year, that he found his calling to jazz. He was awarded a scholarship to the renowned Berklee College of Music in Boston, where he began his studies in 2007. Following this, Ohbayashi was awarded the Best Player Award and the Audience’s Favorite Award in the 2009 Yokohama Jazz Competition. In Fall 2009, Ohbayashi was selected to be a part of the opening class of the honorable Berklee Global Jazz Institute, led by Danilo Perez. During his time in the Berklee Global Jazz Institute, Ohbayashi performed and taught alongside world class musicians in music clinics around the world.

Ohbayashi graduated from Berklee in 2011 and currently resides in New York City where he leads his own trio and co-leads the New Century Jazz Quintet, with Grammy award winning drummer Ulysses Owens Jr. Ohbayashi quickly garnered reputation as an in demand pianist/keyboardist between world class jazz musicians in New York City. Some of the notables that Ohbayashi has played with internationally include Takuya Kuroda, Jose James, Terri Lyne Carrington, Hailey Niswanger, Charles Turner III, Felix Peikli.

Ohbayashi performs both as a sideman and leader regularly at New York jazz staples such as: Blue Note, Jazz at Lincoln Center, Small's and Smoke, to name a few. Frequently on tour, Ohbayashi has traveled domestically and internationally to over 30 different countries with a myriad of NYC based artists.

In 2016, Ohbayashi received 1st place at the Jacksonville Piano Competition, being the first Japanese pianist in history to do so. That same year, New Century Jazz Quintet won the DCJazzPrix at the DC Jazz Festival.

In addition to his illustrious performing career, Ohbayashi is also an accomplished and reputable educator. He travels abroad to perform and teach with the tour organized by Jazz at Lincoln Center, JazzReach.

Ohbayashi has released 5 records as a leader. His most recent release, “Manhattan”, has received “Jazz Japan 2016 Album of the Year”
https://takeshi.online/about#bio

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Nacido en Hiroshima (Japón), Takeshi Ohbayashi empezó a tocar el piano a los dos años.

Ohbayashi estudió composición y composición cinematográfica en la Escuela Superior de Música de Tokio, pero no fue hasta que asistió a un curso de piano jazz durante su primer año de carrera cuando encontró su vocación por el jazz. Obtuvo una beca para el prestigioso Berklee College of Music de Boston, donde comenzó sus estudios en 2007. Posteriormente, Ohbayashi fue galardonado con el Premio al Mejor Intérprete y el Premio Favorito del Público en el Concurso de Jazz de Yokohama de 2009. En otoño de 2009, Ohbayashi fue seleccionado para formar parte de la clase inaugural del honorable Berklee Global Jazz Institute, dirigido por Danilo Pérez. Durante su estancia en el Berklee Global Jazz Institute, Ohbayashi actuó y enseñó junto a músicos de talla mundial en clínicas musicales de todo el mundo.

Ohbayashi se graduó en Berklee en 2011 y actualmente reside en Nueva York, donde dirige su propio trío y codirige el New Century Jazz Quintet, con el baterista ganador de un Grammy Ulysses Owens Jr. Ohbayashi se labró rápidamente una reputación como pianista/teclista muy solicitado entre músicos de jazz de talla mundial en la ciudad de Nueva York. Algunos de los notables con los que Ohbayashi ha tocado internacionalmente son Takuya Kuroda, Jose James, Terri Lyne Carrington, Hailey Niswanger, Charles Turner III, Felix Peikli.

Ohbayashi actúa regularmente como músico de acompañamiento y como líder en locales de jazz de Nueva York como: Blue Note, Jazz at Lincoln Center, Small's y Smoke, entre otros. Con frecuencia de gira, Ohbayashi ha viajado nacional e internacionalmente a más de 30 países diferentes con una miríada de artistas con sede en Nueva York.

En 2016, Ohbayashi recibió el 1er puesto en el Concurso de Piano de Jacksonville, siendo el primer pianista japonés de la historia en conseguirlo. Ese mismo año, New Century Jazz Quintet ganó el DCJazzPrix en el DC Jazz Festival.

Además de su ilustre carrera como intérprete, Ohbayashi es también un consumado y reputado educador. Viaja al extranjero para actuar y enseñar con la gira organizada por Jazz at Lincoln Center, JazzReach.

Ohbayashi ha publicado 5 discos como líder. Su lanzamiento más reciente, «Manhattan», ha recibido el premio «Jazz Japan 2016 Album of the Year»
https://takeshi.online/about#bio


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