Thursday, May 21, 2026

Don Stiernberg & John Carlini • By George

 

 



The timeless music of great American composer, George Gershwin, researched and re-arranged for acoustic quartet.

It's all Gershwin. It's all instrumental. It's all acoustic. In this collection of some of the finest tunes ever written, virtuoso mandolinist Don Stiernberg and stellar guitarist John Carlini show what those instruments can do in the proper hands. Don and John initially set forth George Gershwin's melodies as written, then engage in playful improvisation while being ever respectful of the musical integrity built into the original manuscripts. There renditions are modern, yet with an eye toward a time when Gershwin's inventive chordal excursions were new. In this project Stiernberg and Carlini are reunited with bassist Jim Cox and drummer Phil Gratteau, both of whom are veteran Chicago studio and performance musicians. They often accompany Marian McPartland for her midwest area concerts --- clear evidence of their prowess. Jim and Phil create a groove you could drive a truck through, and they seem to do it effortlessly. The finest musicians on the planet, the best melodies ever written, uncluttered yet sophisticated arrangements, and one of the most creative studio engineers in the business all come together to make "By George" an instant classic.


Don Stiernberg is a journeyman Chicago studio musician, plying his trade in jazz and numerous other genres on mandolin (his principal instrument), guitar, and (occasionally) on tenor banjo. He is the former protege' of the late, great Jethro Burns, and has headlined music festivals and major concerts throughout the U.S. John Carlini, a former member of the David Grisman Quintet, was the guitarist with the Navy Show Band, and was the musical director for the Ice Capades. He also appeared with the late Stephane' Grappelli in the Martin Scorcesi classic "King of the Gypsies."

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La música intemporal del gran compositor estadounidense George Gershwin, investigada y reordenada para cuarteto acústico.

Todo es Gershwin. Todo es instrumental. Todo es acústico. En esta colección de algunas de las mejores melodías jamás escritas, el virtuoso mandolinista Don Stiernberg y el estelar guitarrista John Carlini muestran lo que estos instrumentos pueden hacer en las manos adecuadas. Don y John exponen inicialmente las melodías de George Gershwin tal y como fueron escritas, y luego se dedican a la improvisación juguetona, siendo siempre respetuosos con la integridad musical incorporada en los manuscritos originales. Sus interpretaciones son modernas, pero con la mirada puesta en una época en la que las inventivas excursiones acordes de Gershwin eran nuevas. En este proyecto, Stiernberg y Carlini se reúnen con el bajista Jim Cox y el baterista Phil Gratteau, ambos veteranos músicos de estudio y actuación de Chicago. Suelen acompañar a Marian McPartland en sus conciertos en el área del medio oeste, lo que es una clara prueba de su destreza. Jim y Phil crean un ritmo que podría atravesar un camión, y parecen hacerlo sin esfuerzo. Los mejores músicos del planeta, las mejores melodías jamás escritas, unos arreglos sencillos pero sofisticados y uno de los ingenieros de estudio más creativos del sector se unen para hacer de "By George" un clásico instantáneo.


Don Stiernberg es un músico de estudio de Chicago, que se dedica al jazz y a otros muchos géneros con la mandolina (su instrumento principal), la guitarra y (ocasionalmente) con el banjo tenor. Es el antiguo protegido del difunto y gran Jethro Burns, y ha encabezado festivales de música y grandes conciertos por todo Estados Unidos. John Carlini, antiguo miembro del David Grisman Quintet, fue guitarrista de la Navy Show Band y director musical de los Ice Capades. También apareció con el difunto Stephane' Grappelli en el clásico de Martin Scorcesi "El rey de los gitanos".





Mike Bloomfield • Living In The Fast Lane

 



Review by Jo-Ann Greene  
An artist's final album always sits heavily on the shelf, and even more so when that life has been cut abruptly short, becoming an unintended epitaph to what was a still flourishing career. Thus, Living in the Fast Lane has a weighty burden to bear, one that Michael Bloomfield never meant it to shoulder, yet the set does so with remarkable ease. There's a definite joie de vivre found within, partly, one presumes, a reflection of the happiness of reuniting with myriad former cohorts, among them Mark Naftalin and Bob Jones, who both played on Bloomfield's debut solo album back in 1969, and ex-Electric Flag Roger Troy. A gospel choir and an entire band provide backing vocals and a horn section, which hints at the many styles showcased within. The set kicks off with "Maudie," a classic R&B number that brilliantly highlights Naftalin's piano skills, Bloomfield's own keyboard talent, and even more spectacularly his emotive, fluid guitar style, as his leads wind round vocalist Frank Biner, almost engaging him in conversation. On the indeed ragtime-flavored "Watkin's Rag" Bloomfield plays everything flawlessly, of course, even as he attempts to outdo himself in places. That's an instrumental, while on "Big C Blues" he also picks up the mike, defiantly determined to have a good time, as his piano and slide guitar vie for attention. Bloomfield sings out his own frustration at himself on the autobiographical "Used to It," a funk-drenched self-pummeling. "Roots" is equally funky, but in a slicker Temptations style that stresses the importance of knowing where you come from. Bloomfield certainly does and is keen to highlight all the styles that so influenced him within this set. With gospel-flecked blues, country-speckled blues, lavish soul, jazzy ragtime, R&B, and on "Andy's Bad" even a touch of hip-hop, Bloomfield and company showcase blues of many shades, progenitors, and descendents. The musicianship is sensational, the vocalists superb, and Bloomfield is on fire, yet there's no struggle and strain to succeed, just a sublime atmosphere. Fans will insist he made much better sets, and they'd be right, but regardless, this album remains a magnificent achievement, one that's lost none of its power over the years.
https://www.allmusic.com/album/living-in-the-fast-lane-mw0000102794

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Revisado por Jo-Ann Greene  
El último álbum de un artista siempre se encuentra en el estante, y más aún cuando esa vida se ha acortado abruptamente, convirtiéndose en un epitafio involuntario de lo que era una carrera aún floreciente. Por lo tanto, vivir en el Carril Rápido tiene una carga pesada que soportar, una que Michael Bloomfield nunca quiso que asumiera, sin embargo, el conjunto lo hace con notable facilidad. Hay una alegría de vivir definida que se encuentra dentro, en parte, uno presume, un reflejo de la felicidad de reunirse con innumerables ex cohortes, entre ellos Mark Naftalin y Bob Jones, quienes tocaron en el álbum debut en solitario de Bloomfield en 1969, y el ex-Electric Flag Roger Troy. Un coro de gospel y una banda completa proporcionan coros y una sección de vientos, que insinúa los muchos estilos que se muestran en su interior. El set comienza con "Maudie", un número clásico de R & B que destaca brillantemente las habilidades de Naftalin para el piano, el talento para el teclado de Bloomfield y, aún más espectacularmente, su estilo de guitarra emotivo y fluido, mientras sus líderes rodean al vocalista Frank Biner, casi involucrándolo en una conversación. En el "Watkin's Rag" con sabor a ragtime, Bloomfield toca todo a la perfección, por supuesto, incluso cuando intenta superarse a sí mismo en algunos lugares. Ese es un instrumental, mientras que en "Big C Blues" también toma el micrófono, desafiante y decidido a pasar un buen rato, mientras su piano y su guitarra deslizante compiten por la atención. Bloomfield canta su propia frustración consigo mismo en la autobiográfica "Used to It", una autolesión empapada de funk. "Roots" es igualmente funky, pero en un estilo más pulido de Temptations que enfatiza la importancia de saber de dónde vienes. Bloomfield ciertamente lo hace y está dispuesto a resaltar todos los estilos que lo influenciaron tanto dentro de este conjunto. Con blues salpicado de gospel, blues salpicado de country, soul lujoso, ragtime jazzístico, R&B y en "Andy's Bad" incluso un toque de hip-hop, Bloomfield and company muestra blues de muchos tonos, progenitores y descendientes. La musicalidad es sensacional, los vocalistas soberbios y Bloomfield está en llamas, pero no hay lucha ni esfuerzo para triunfar, solo una atmósfera sublime. Los fans insistirán en que hizo sets mucho mejores, y tendrían razón, pero a pesar de todo, este álbum sigue siendo un logro magnífico, uno que no ha perdido nada de su poder a lo largo de los años.
https://www.allmusic.com/album/living-in-the-fast-lane-mw0000102794


www.michaelbloomfield.com ...


Wednesday, May 20, 2026

Max Roach Plus Four • Quiet As It's Kept

  



Review
by Michael G. Nastos  
Max Roach's post-Clifford Brown ensembles became more experimental down the road, but this 1960 band, with the brothers Tommy and Stanley Turrentine, and Julian Priester, was short-lived, very satisfying, and one of the most memorable combos the drummer led. Continuing to concentrate on hard bop themes, the band is hardly quiet as the title would suggest. It perhaps could be said that this band was a sleeper in not being as recognized as the superior collective talent would indicate. Perhaps the obscure bassist Bob Boswell has something to do with it, or that the front line would find their niches in jazz well past their membership in this fine combo. Of course Roach's drumming is far beyond reproach, but it is his choice of material and their composers that have to strike even the most literate jazz head as quite daring. The bouncy title track written by Bill Lee with its happy counterpoint and unison lines, the fleet Kenny Dorham evergreen "Lotus Blossom" embellished in held or stretched melody lines, and Priester's "Juliano" are all extension of the mid-'50s hard bop that Roach helped to found, the latter tune contrasting Tommy Turrentine's bright trumpet with the trombonist's mushy sound. Brother Stanley Turrentine's tenor sax is featured extensively on this set, proving a quite able bopper in his pre-soul-jazz days. For "The More I See You" his easygoing, restrained tone exudes more in what he doesn't play than what he does. On the original, first recorded version of the eventual standard "As Long as You're Living" in 5/4 time, Boswell's bass leads as the three horns fill in the cracks and accent beautifully. Leon Mitchell's ballad tribute to Billie Holiday, "To Lady," is the feature for Tommy Turrentine's soulful trumpet, the perfect example of the unsung hero and his voicings that were never fully acknowledged. Only one other album (the Enja release Long as You're Living) from this band was issued with some different material, but they stand together as brief monuments from a group unique unto itself, and a transitional band in the history of Roach's long tenure as a leader.
https://www.allmusic.com/album/quiet-as-its-kept-mw0000818470?1642424695430

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Los conjuntos de Max Roach posteriores a Clifford Brown se volvieron más experimentales en el camino, pero esta banda de 1960, con los hermanos Tommy y Stanley Turrentine, y Julian Priester, fue de corta duración, muy satisfactoria, y uno de los combos más memorables que el baterista dirigió. Siguiendo con la concentración en temas de hard bop, la banda no es tranquila como sugiere el título. Tal vez podría decirse que esta banda fue un "sleeper" al no ser tan reconocida como indicaría el superior talento colectivo. Tal vez el oscuro bajista Bob Boswell tenga algo que ver con ello, o que la primera línea encontraría sus nichos en el jazz mucho más allá de su pertenencia a este buen combo. Por supuesto, la forma de tocar la batería de Roach es irreprochable, pero es su elección de material y sus compositores lo que tiene que impresionar incluso a la cabeza más letrada del jazz como algo bastante atrevido. El alegre tema del título escrito por Bill Lee, con sus alegres contrapuntos y líneas al unísono, la rápida "Lotus Blossom" de Kenny Dorham, adornada con líneas melódicas sostenidas o estiradas, y "Juliano" de Priester, son una extensión del hard bop de mediados de los 50 que Roach ayudó a fundar, y este último tema contrasta la brillante trompeta de Tommy Turrentine con el sonido pastoso del trombonista. El saxo tenor de su hermano Stanley Turrentine aparece ampliamente en este disco, demostrando ser un gran intérprete de bop en su época anterior al jazz. En "The More I See You", su tono fácil y comedido emana más de lo que no toca que de lo que toca. En la primera versión original grabada del eventual estándar "As Long as You're Living" en tiempo de 5/4, el bajo de Boswell lidera mientras las tres trompas rellenan las grietas y acentúan maravillosamente. La balada de Leon Mitchell en homenaje a Billie Holiday, "To Lady", es la característica para la conmovedora trompeta de Tommy Turrentine, el ejemplo perfecto del héroe no reconocido y sus voicings que nunca fueron del todo reconocidos. Sólo se publicó otro álbum (el lanzamiento de Enja Long as You're Living) de esta banda con material diferente, pero se mantienen juntos como breves monumentos de un grupo único en sí mismo, y una banda de transición en la historia de la larga trayectoria de Roach como líder.
https://www.allmusic.com/album/quiet-as-its-kept-mw0000818470?1642424695430


George Benson • Goodies

 

 
 
 
 
 

Return To Forever Feat. Chick Corea • No Mystery

 



Review
by Michael G. Nastos  
The fourth edition of Return to Forever was a band that emphasized the screaming wah-wah guitar of Al Di Meola and every electric keyboard Chick Corea could get his hands on to play furiously fast runs. Where the initial, airy Flora Purim/Airto/Joe Farrell edition gave way to the second undocumented group featuring Earl Klugh, and the third band with electric guitarist Bill Connors, this RTF was resplendently and unapologetically indulgent, ripping through riffs and charted, rehearsed melodies, and polyrhythms like a circular saw through a thin tree branch. Their immediacy and visceral power is why rock audiences were drawn to them, impressed by their speed-demon vagaries as much as their concern for musicality. Thank goodness No Mystery had more than its share of toned-down acoustic moments, as well as the powerhouse fighter jet stance that most of their fans craved. It's not nearly as balanced as the previous album Where Have I Known You Before?, but expounds on those themes -- inspired by Neville not Harry Potter -- in a more progressive though louder manner. The bold, dancing, and funky "Dayride" in a higher octave and vocal-type keyboard range perfectly identifies the group sound in a scant three-plus minutes. The two-part, 14-minute "Celebration Suite" gives you a larger view of the classical Bartok/Chopin influence of Corea, and the dramatic medieval or regal stance they alchemized with so many keyboard sounds. It's pseudo-funky, Spanish in a 6/8 rhythm, wailing with Di Meola leaping forth in true guitar hero form, with some group-oriented perfunctory subtleties and complex lines. The title track is the jewel, an acoustic romp through fields of flowers with Lenny White on marimba buoyed by a beautiful, lilting, memorable melody and shifting loud and soft dynamics -- a classic in the repertoire and a fan favorite. The tromping beat of "Jungle Waterfall" supersedes Stanley Clarke's lithe lines, while noise keyboards dominate the silly "Sofistifunk." Corea's acoustic piano is featured on the chordal, grandiose solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal," and in duet with Clarke. the improvised "Interplay" shows a more spontaneous rather than rehearsed side of these brilliant musicians. Over time, No Mystery yields mixed results, where initially they were viscerally driven and ultimately impressive. The next phase of the group, as indicated by this recording, would take them into even more technologically dominated music.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394

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Reseña
por Michael G. Nastos  
La cuarta edición de Return to Forever fue una banda que hizo hincapié en la chillona guitarra wah-wah de Al Di Meola y en todos los teclados eléctricos que Chick Corea pudo tener en sus manos para tocar carreras furiosamente rápidas. Mientras que la edición inicial de Flora Purim/Airto/Joe Farrell dio paso al segundo grupo indocumentado con Earl Klugh, y al tercero con el guitarrista eléctrico Bill Connors, este RTF era resplandeciente y descaradamente indulgente, arrasando riffs y melodías ensayadas y polirrítmicas como una sierra circular atraviesa una rama fina de árbol. Su inmediatez y poder visceral es la razón por la que el público del rock se sentía atraído por ellos, impresionado por sus caprichos de demonios de la velocidad tanto como por su preocupación por la musicalidad. Gracias a Dios, No Mystery tiene más que su parte de momentos acústicos atenuados, así como la poderosa postura de avión de combate que la mayoría de sus fans ansiaban. No es ni mucho menos tan equilibrado como el álbum anterior Where Have I Known You Before?, pero profundiza en esos temas -inspirados en Neville y no en Harry Potter- de una manera más progresiva aunque más ruidosa. La atrevida, bailable y funky "Dayride", en una octava más alta y con un teclado de tipo vocal, identifica a la perfección el sonido del grupo en apenas tres minutos y pico. La "Celebration Suite", en dos partes y de 14 minutos de duración, ofrece una visión más amplia de la influencia clásica Bartok/Chopin de Corea, y de la dramática postura medieval o regia que alquimizaron con tantos sonidos de teclado. Es pseudo-funky, español en un ritmo de 6/8, ululante con Di Meola saltando en verdadera forma de héroe de la guitarra, con algunas sutilezas perfunctorias orientadas al grupo y líneas complejas. La canción que da título al disco es la joya, un jugueteo acústico por campos de flores con Lenny White a la marimba, animado por una melodía hermosa, cadenciosa y memorable y una dinámica que cambia de alto a bajo: un clásico del repertorio y uno de los favoritos de los fans. El ritmo trompetero de "Jungle Waterfall" sustituye a las ágiles líneas de Stanley Clarke, mientras que los teclados ruidosos dominan la tonta "Sofistifunk". El piano acústico de Corea aparece en el acorde y grandioso solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal", y a dúo con Clarke, el improvisado "Interplay" muestra un lado más espontáneo que ensayado de estos brillantes músicos. Con el tiempo, No Mystery arroja resultados dispares, donde al principio eran visceralmente impulsados y, en última instancia, impresionantes. La siguiente fase del grupo, como indica esta grabación, les llevaría a una música aún más dominada por la tecnología.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394


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