The Ronnie Scott Orchestra And Tony Crombie • At The Royal Festival Hall

 

Biography by Jason Ankeny
Tenor saxophonist Ronnie Scott looms among the towering figures of Britain's postwar jazz scene, exerting equal influence as a performer and as the owner of the world-famous club bearing his name. He was born Ronald Schatt in the east end of London on January 28, 1927 -- his father, dance band saxophonist Jock Scott, separated from his mother shortly after his birth. After first purchasing a cornet from a local junk shop, Scott then moved to the soprano saxophone, finally settling on the tenor sax during his teens; at a local youth club he began performing with aspiring drummer Tony Crombie, and soon began playing the occasional professional gig. After backing bandleader Carlo Krahmer, Scott toured with trumpeter Johnny Claes in 1945, joining the hugely popular Ted Heath Big Band the following year; however, changing economics made the big bands increasingly unfeasible, and as the nascent bebop sound developing across the Atlantic began making its way to the U.K., he and Crombie traveled to New York City to explore the source firsthand. Scott would regularly return to New York after signing on to play alongside alto saxophonist Johnny Dankworth on the transatlantic ocean liner the Queen Mary.

Despite his travels Scott remained a linchpin of the growing London bop scene, and in late 1948 he co-founded Club Eleven, the first U.K. club devoted to modern jazz. During this time he developed the lyrical but harmonically complex style that would remain the hallmark of his career, first backing drummer Jack Parnell before finally forming his own band in 1953. The nine-piece group made its public debut in conjunction with a London appearance by Norman Granz's Jazz at the Philharmonic touring revue -- working from arrangements by trumpeter Jimmy Deuchar, the Scott band's debut proved a landmark moment in the history of British jazz, in many respects heralding the true starting point of the postwar era. Not all of Scott's instincts were sound -- in 1955, he briefly assembled a full-size big band, to disastrous creative and commercial results -- but when he officially dissolved the group in 1956, he was a household name throughout Britain. In 1957 he co-founded the Jazz Couriers with fellow tenor saxophonist Tubby Hayes, scaling to even greater heights of fame. The Jazz Couriers amicably split in 1959.

Around this time Scott began to again entertain the notion of a London-based jazz club in the tradition of the landmarks dotting New York's 52nd Street -- along with Pete King, a longtime collaborator who'd recently retired from active performing, he borrowed the money necessary to lease the building at 39 Gerrard Street and on October 31, 1959 opened Ronnie Scott's Club for business. Scott himself co-headlined the opening night along with Hayes and Parnell -- sales were promising, but the venue only began reaching true critical mass in 1961 when it hosted its first American act, Scott favorite Zoot Sims. In the months to follow, Ronnie Scott's was the setting of performances by a who's who of American tenor icons including Dexter Gordon, Roland Kirk, Stan Getz, Sonny Stitt, Ben Webster, and Sonny Rollins. In late 1965 the club moved to its present location on Frith Street, where before the end of the decade it would host everyone from Ella Fitzgerald to Albert Ayler, becoming the epicenter of London's jazz community. Although the club consumed much of his time, Scott continued touring with a quartet featuring pianist Stan Tracey -- during the late 1960s, he also spearheaded an eight-piece group with whom he created the most idiosyncratic and experimental music of his career. At the time of Scott's death on December 23, 1996, his namesake club was perhaps the most famous jazz venue in all of Europe.
https://www.allmusic.com/artist/ronnie-scott-mn0000332807/biography

///////

Biografía de Jason Ankeny
El saxofonista tenor Ronnie Scott se encuentra entre las figuras más destacadas de la escena del jazz británico de la posguerra, ejerciendo la misma influencia como intérprete y como propietario del club de fama mundial que lleva su nombre. Nació Ronald Schatt en el extremo este de Londres el 28 de enero de 1927 - su padre, el saxofonista de banda de baile Jock Scott, se separó de su madre poco después de su nacimiento. Después de comprar primero una corneta en una tienda local de chatarra, Scott se pasó al saxofón soprano, y finalmente se instaló en el saxofón tenor durante su adolescencia; en un club juvenil local empezó a tocar con el aspirante a batería Tony Crombie, y pronto empezó a tocar ocasionalmente en un concierto profesional. Después de respaldar al director de la banda Carlo Krahmer, Scott realizó una gira con el trompetista Johnny Claes en 1945, uniéndose a la enormemente popular Ted Heath Big Band al año siguiente; sin embargo, los cambios económicos hicieron que las grandes bandas fueran cada vez más inviables, y a medida que el naciente sonido del bebop que se desarrollaba al otro lado del Atlántico empezó a abrirse camino en el Reino Unido, él y Crombie viajaron a la ciudad de Nueva York para explorar la fuente de primera mano. Scott regresaba regularmente a Nueva York después de firmar para tocar junto al saxofonista alto Johnny Dankworth en el transatlántico Queen Mary.

A pesar de sus viajes, Scott siguió siendo un elemento clave de la creciente escena del bop de Londres y, a finales de 1948, cofundó el Club Eleven, el primer club del Reino Unido dedicado al jazz moderno. Durante este tiempo desarrolló el estilo lírico pero armónicamente complejo que seguiría siendo el sello distintivo de su carrera, primero apoyando al baterista Jack Parnell antes de formar finalmente su propia banda en 1953. El grupo de nueve miembros hizo su debut público junto con una aparición en Londres de Norman Granz's Jazz en la Philharmonic touring revue - trabajando con arreglos del trompetista Jimmy Deuchar, el debut de la banda Scott demostró ser un momento histórico en la historia del jazz británico, anunciando en muchos aspectos el verdadero punto de partida de la era de la posguerra. No todos los instintos de Scott eran sólidos - en 1955, reunió brevemente una big band de tamaño completo, con resultados creativos y comerciales desastrosos - pero cuando disolvió oficialmente el grupo en 1956, era un nombre muy conocido en toda Gran Bretaña. En 1957 cofundó los Jazz Couriers con su compañero saxofonista tenor Tubby Hayes, escalando a mayores alturas de la fama. Los Jazz Couriers se separaron amistosamente en 1959.

Por esta época, Scott comenzó a considerar de nuevo la idea de un club de jazz con sede en Londres, en la tradición de los monumentos que salpican la calle 52 de Nueva York. Junto con Pete King, un colaborador de larga data que se había retirado recientemente de la actuación activa, pidió prestado el dinero necesario para alquilar el edificio de la calle Gerrard 39 y el 31 de octubre de 1959 abrió el Ronnie Scott's Club para el negocio. El propio Scott encabezó la noche de apertura junto con Hayes y Parnell: las ventas eran prometedoras, pero el local sólo empezó a alcanzar una verdadera masa crítica en 1961 cuando acogió su primer acto americano, el favorito de Scott, Zoot Sims. En los meses siguientes, Ronnie Scott's fue el escenario de actuaciones de un quién es quién de iconos del tenor americano como Dexter Gordon, Roland Kirk, Stan Getz, Sonny Stitt, Ben Webster y Sonny Rollins. A finales de 1965 el club se trasladó a su actual ubicación en la calle Frith, donde antes del final de la década acogería a todo el mundo, desde Ella Fitzgerald hasta Albert Ayler, convirtiéndose en el epicentro de la comunidad de jazz de Londres. Aunque el club consumía gran parte de su tiempo, Scott siguió de gira con un cuarteto con el pianista Stan Tracey - a finales de los años 60, también encabezó un grupo de ocho músicos con los que creó la música más idiosincrásica y experimental de su carrera. En el momento de la muerte de Scott, el 23 de diciembre de 1996, su club homónimo era quizás el lugar de jazz más famoso de toda Europa.
https://www.allmusic.com/artist/ronnie-scott-mn0000332807/biography

 

Nico Brina • That's My Way [30 Years - The Jubilee Sessions]

 

Perhaps, some might say it is strange to define yourself as a Boogie-Woogie-pianist already as a young boy, but that is what Nico did when he was a knee-high boy. Of course, he needed courage, an extraordinary talent and a certain kind of smartness. When Nico was 8 years old, he found his neighbor's piano and he suddenly fell in love with its magical tone. Furthermore, Nico discovered the world of Rock'n'Roll, lightning fast Boogie-Woogie-rhythms, breathtaking bass lines and shining melodies. He played with his hands and even with his feet. However, in the beginning of his career, Nico needed to be smart; as a kid, he pretended to be sick so that he could stay at home and rehearse instead. As a young musician, after his concerts he played chess against the owners of the clubs to double his salary. It was all or nothing. Later, not even angry neighbours could stop Nico Brina's career. Once, a neighbour threw a chair into Nico's window because he had enough of Nico's everlasting rehearsals. All that the police then said, was; "Don't mess around with a pianoman". Nico took this quote and wrote a song about this incident.

After some time, Nico added the Blues to his repertoire, and this was like the missing link to finally define his own unique sound. He travelled around and he played his Boogie-Woogie-driven Blues music almost anywhere in the world. He played in Europe, in the Caribbean, in Kazakhstan, in Singapore... - and he even won several awards such as the "Prix Walo" (1995), the "Guinness Book of World Records" title for the fastest Boogie-Woogie ever (1996) and he got a nomination from the "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" for his album "Flight 6024" (Category Blues 2014).

It has been 36 years since the journey started. More than 3'000 shows in 19 different countries, more than 1'00'000 km on the road, 18 albums, one LP, one DVD and four singles.

Nico still feels happiness when he plays his piano - just like a child playing its first note. There is magic, when he combines his talent, his power and his musical wit. It is this mixture that makes the entertainer become an artist. Brina is a wizard, maybe a fool, but he shows us where passion can lead us. His BBB-combination - Boogie & Blues & Brina - is like a drug, but without any side effects.
Text by Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

///////

Tal vez, algunos podrían decir que es extraño definirse como un Boogie-Woogie-pianista ya de joven, pero eso es lo que Nico hizo cuando era un niño de la altura de la rodilla. Por supuesto, necesitaba coraje, un talento extraordinario y una cierta clase de inteligencia. Cuando Nico tenía 8 años, encontró el piano de su vecino y de repente se enamoró de su tono mágico. Además, Nico descubrió el mundo del Rock'n'Roll, los rápidos ritmos del Boogie-Woogie, las impresionantes líneas de bajo y las brillantes melodías. Tocaba con sus manos e incluso con sus pies. Sin embargo, al principio de su carrera, Nico necesitaba ser inteligente; de niño, fingía estar enfermo para poder quedarse en casa y ensayar en su lugar. Como joven músico, después de sus conciertos jugaba al ajedrez contra los dueños de los clubes para doblar su salario. Era todo o nada. Más tarde, ni siquiera los vecinos enfadados pudieron detener la carrera de Nico Brina. Una vez, un vecino tiró una silla a la ventana de Nico porque estaba harto de los eternos ensayos de Nico. Todo lo que la policía dijo entonces, fue: "No te metas con un pianoman". Nico tomó esta cita y escribió una canción sobre este incidente.

Después de un tiempo, Nico añadió el Blues a su repertorio, y esto fue como el eslabón perdido para definir finalmente su propio y único sonido. Viajó por todo el mundo y tocó su música de Blues impulsado por el Boogie-Woogie en casi cualquier lugar del mundo. Tocó en Europa, en el Caribe, en Kazajstán, en Singapur... - e incluso ganó varios premios como el "Prix Walo" (1995), el título del "Libro Guinness de los Records Mundiales" por el Boogie-Woogie más rápido de la historia (1996) y obtuvo una nominación del "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" por su álbum "Flight 6024" (Categoría Blues 2014).

Han pasado 36 años desde que comenzó el viaje. Más de 3'000 espectáculos en 19 países diferentes, más de 1'00'000 km en la carretera, 18 álbumes, un LP, un DVD y cuatro singles.

Nico todavía siente felicidad cuando toca el piano, como un niño tocando su primera nota. Hay magia cuando combina su talento, su poder y su ingenio musical. Es esta mezcla la que hace que el artista se convierta en un artista. Brina es un mago, tal vez un tonto, pero nos muestra a dónde nos puede llevar la pasión. Su combinación de BBB - Boogie & Blues & Brina - es como una droga, pero sin efectos secundarios.
Texto de Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

www.brina.ch ...

Gil Evans • Verve Jazz Masters

 

Biography

by Ron Wynn
A superb jazz arranger and bandleader, Gil Evans rivaled Ellington and Mingus in his ability to provide imaginative frameworks for individual voices within a large orchestra. He wrote elaborate, intricate arrangements that didn't weaken or threaten his band's spontaneity. His most renowned work came in the late '50s, when Miles Davis signed with Columbia and brought Evans into the studio with a large ensemble. The resultant albums -- Miles Ahead (1957), Porgy and Bess (1958), Sketches of Spain (1959) -- became milestones in the careers of both men. Evans was hardly a purist; he began using electronics in his bands in the '70s and scandalized some by recording Jimi Hendrix material. His style got looser in later years, with more space and less precision, but certainly his music remained compelling. Evans' harmonic language, compositional and arranging skill were immense, and he was responsible for many masterpieces through either his arrangements, compositions, or conducting.

A self-taught musician, Evans led his own group in California during the mid and late '30s. He remained its arrranger after Skinnay Ennis became bandleader, until he joined Claude Thornhill's orchestra in 1941 as an arranger. His arrangements of classical bebop compositions helped shape and make Thornhill's orchestra a topflight band. He stayed until 1948, except for a stretch in the service during the mid-'40s. Evans first worked with Miles Davis in the late '40s and early '50s, creating the same magic, but with a smaller combo. He also wrote songs for Peggy Lee, Tony Bennett, and Benny Goodman, while conducting albums for Astrud Gilberto and Kenny Burrell.

Evans generated more fireworks later in the '50s and '60s with Davis, writing spectacular arrangements for the albums Miles Ahead, Porgy and Bess, and Sketches of Spain (later came Quiet Nights). Evans also played piano on some sessions. These, and his 1958 album New Bottle Old Wine remain landmark works. His own intriguing releases in the '60s included Out of the Cool, Into the Hot, and The Individualism of Gil Evans.

Evans did more writing in the '70s, penning such works as "Las Vegas Tango," "Proclamation" and "Anita's Dance." He issued more fine albums, such as 1974's The Gil Evans Orchestra Plays the Music of Jimi Hendrix and 1983's Priestess.

He continued writing, arranging and recording in the '80s, and for a lengthy period his band was the featured attraction at Sweet Basil's in New York on Monday nights. Evans recorded for Enja, Mole, and other labels in the '80s. His 75th birthday concert was held in London in 1987; he died the next year.

///////

Biografía
por Ron Wynn
Gil Evans, magnífico arreglista de jazz y director de orquesta, rivalizaba con Ellington y Mingus en su capacidad para proporcionar marcos imaginativos a las voces individuales dentro de una gran orquesta. Escribía arreglos elaborados e intrincados que no debilitaban ni amenazaban la espontaneidad de su banda. Su trabajo más reconocido llegó a finales de los años 50, cuando Miles Davis firmó con Columbia y llevó a Evans al estudio con un gran conjunto. Los álbumes resultantes -Miles Ahead (1957), Porgy and Bess (1958), Sketches of Spain (1959)- se convirtieron en hitos en las carreras de ambos. Evans no era un purista; empezó a utilizar la electrónica en sus bandas en los años 70 y escandalizó a algunos al grabar material de Jimi Hendrix. Su estilo se hizo más suelto en los últimos años, con más espacio y menos precisión, pero ciertamente su música siguió siendo convincente. El lenguaje armónico y la habilidad compositiva y de arreglos de Evans eran inmensos, y fue responsable de muchas obras maestras a través de sus arreglos, composiciones o dirección.

Músico autodidacta, Evans dirigió su propio grupo en California a mediados y finales de los años treinta. Siguió siendo su arreglista después de que Skinnay Ennis se convirtiera en director de la banda, hasta que se unió a la orquesta de Claude Thornhill en 1941 como arreglista. Sus arreglos de composiciones clásicas de bebop ayudaron a dar forma y convertir a la orquesta de Thornhill en una banda de primera categoría. Permaneció hasta 1948, salvo un tramo en el servicio a mediados de los años 40. Evans trabajó por primera vez con Miles Davis a finales de los 40 y principios de los 50, creando la misma magia, pero con un combo más pequeño. También escribió canciones para Peggy Lee, Tony Bennett y Benny Goodman, y dirigió discos para Astrud Gilberto y Kenny Burrell.

Evans generó más fuegos artificiales más tarde, en los años 50 y 60, con Davis, escribiendo espectaculares arreglos para los álbumes Miles Ahead, Porgy and Bess y Sketches of Spain (más tarde llegó Quiet Nights). Evans también tocó el piano en algunas sesiones. Éstas y su álbum de 1958 New Bottle Old Wine siguen siendo obras de referencia. Sus propios e intrigantes lanzamientos en los años 60 incluyeron Out of the Cool, Into the Hot, y The Individualism of Gil Evans.

Evans se dedicó más a escribir en los años 70, escribiendo obras como "Las Vegas Tango", "Proclamation" y "Anita's Dance". Publicó más discos de calidad, como The Gil Evans Orchestra Plays the Music of Jimi Hendrix, de 1974, y Priestess, de 1983.

Siguió escribiendo, arreglando y grabando en los años 80, y durante un largo periodo su banda fue la atracción principal en Sweet Basil's en Nueva York los lunes por la noche. Evans grabó para Enja, Mole y otros sellos en los años 80. En 1987 se celebró en Londres el concierto de su 75º aniversario; murió al año siguiente.

Bob Brookmeyer • Portrait Of The Artist

The portrait that emerges from this disc reveals a trombonist with excellent technique, a smooth, pungent percussive wit, dark and buttery tone, down home stomping and slyly musical humor; a pianist who ranges from a basic, solid, four-square attack to a delightfully airy way; a composer who is strongly conscious of the foundations of jazz; and an arranger who mainly writes with a heavy emphasis on a rolling swing, and occasionally blending it with impressionistic devices, but always with strength and simplicity.

In a revealing insight, Nat Hentoff considered that Brookmeyer has opened himself to jazz of all eras - He has absorbed, tested, and selected from the whole reservoir of autobiographies in sound that is the jazz language, those elements he felt relevant to his own experience in living and telling his history of jazz - He has not limited himself to any one era, school or attitude, preferring to filter all of jazz through his emotions rather than remain a parochial hipster.

Press reviews

"This interesting LP matches together valve trombonist Bob Brookmeyer with the slide trombone of Curtis Fuller - Four songs use a modern rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Paul Motian) while the other four have a strong Count Basie feel (with trumpeters Thad Jones and Joe Newman, pianist Hank Jones, bassist Ed Jones and drummer Charlie Persip making their presence felt) - Brookmeyer and Fuller display contrasting styles while blending together quite well on the ensembles." - Scott Yanow

///////

El retrato que surge de este disco revela a un trombonista con una excelente técnica, un ingenio percusivo suave y picante, un tono oscuro y mantecoso, un pisoteo casero y un humor musical socarrón; un pianista que va desde un ataque básico y sólido de cuatro cuadros hasta una forma deliciosamente aérea; un compositor que es muy consciente de los fundamentos del jazz; y un arreglista que escribe principalmente con un fuerte énfasis en un swing ondulante, y ocasionalmente mezclándolo con dispositivos impresionistas, pero siempre con fuerza y sencillez.

En una visión reveladora, Nat Hentoff consideró que Brookmeyer se ha abierto al jazz de todas las épocas - Ha absorbido, probado y seleccionado de toda la reserva de autobiografías en el sonido que es el lenguaje del jazz, aquellos elementos que sentía relevantes para su propia experiencia de vivir y contar su historia del jazz - No se ha limitado a una sola época, escuela o actitud, prefiriendo filtrar todo el jazz a través de sus emociones en lugar de seguir siendo un hipster pueblerino.

Reseñas de prensa

"Este interesante LP combina al trombón de válvula Bob Brookmeyer con el trombón de diapositivas de Curtis Fuller - Cuatro canciones utilizan una sección rítmica moderna (el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Paul Motian) mientras que las otras cuatro tienen un fuerte sentimiento de Count Basie (con los trompetistas Thad Jones y Joe Newman, el pianista Hank Jones, el bajista Ed Jones y el baterista Charlie Persip haciendo sentir su presencia) - Brookmeyer y Fuller muestran estilos contrastantes mientras se mezclan bastante bien en los conjuntos" - - Scott Yanow

 

  

Teddy Edwards • Teddy’s Ready!

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Teddy Edwards' debut for Contemporary (which has been reissued on CD in the OJC series) gives listeners a strong sampling of the underrated tenor's talents. Edwards, a contemporary of Dexter Gordon and Wardell Gray but sometimes overlooked due to his decision to spend most of his life living in Los Angeles, is showcased on a quartet set with the obscure but talented pianist Joe Castro, bassist Leroy Vinnegar, and drummer Billy Higgins. Performing three standards, three originals (of which "Higgins' Hideaway" is most memorable), and Hampton Hawes' "The Sermon," Edwards has a chance to stretch out and he makes the most of the opportunity, creating some excellent straight-ahead music.
https://www.allmusic.com/album/teddys-ready-mw0000617292

///////

Reseña de Scott Yanow
El debut del saxofonista tenor Teddy Edwards en Contemporary (que ha sido reeditado en CD en la serie OJC) ofrece a los oyentes una fuerte muestra de los talentos del tenor menospreciado. Edwards, un contemporáneo de Dexter Gordon y Wardell Gray pero a veces pasado por alto debido a su decisión de pasar la mayor parte de su vida viviendo en Los Ángeles, se presenta en un conjunto de cuarteto con el oscuro pero talentoso pianista Joe Castro, el bajista Leroy Vinnegar y el baterista Billy Higgins. Con tres standards, tres originales (de los cuales "Higgins' Hideaway" es el más memorable), y "The Sermon" de Hampton Hawes, Edwards tiene la oportunidad de estirarse y aprovecha al máximo la oportunidad, creando un excelente straight-ahead.
https://www.allmusic.com/album/teddys-ready-mw0000617292