Brian Charette • Groovin' with Big G

 

Groovin' With Big G was destined to come about. When a young Brian Charette was cutting his teeth on jazz piano gigs in his home state of Connecticut in the early '90s, he wound up working dates with drummer George Coleman Jr. The two struck up a friendship, and Coleman's encouragement helped Charette make the leap to New York a few years later. Coleman even let the budding pianist crash in his rehearsal studio for a spell.

Some time later, after transitioning into the world of jazz organ and going all in with the purchase of a Hammond B3, Charette's instrument took residence in that very same studio. There, this pair was free to practice and jam to its heart's content. On one particularly memorable occasion in said spot, the drummer's famed father—George Coleman, Sr., the Memphis Mafia tenor titan known for his unflagging attitude and virtuosity—dropped in to play with them. Whether they knew it or not at the time, the seeds for this album were planted at that very point.

Fast-forward more than two decades and we come to the moment when those aforementioned seeds began to sprout. The younger Coleman called Charette to see if he could join the elder in a gig in the saxophonist's hometown of Memphis, Tennessee. That fruitful collaboration, ultimately, led to this one.

A wonderfully limber outing wedding the Colemans with Charette and ace guitarist Vic Juris, Groovin' With Big G maintains the jam session vibe that these men are so accustomed to. The tunes, save for a soulful "Father And Son" credited to Charette and shaped by this foursome, are all jazz warhorses. But this crew doesn't view these standards with a sense of "been there, done that" apathy. Instead, these musicians make a few tweaks here and there, saddle up, and enjoy seeing where the ride takes them. A comfortably swinging "Stella By Starlight" sets things in motion and leads to a light-as-air "Body And Soul," a performance modified with a waltzing gait ; a streamlined trip through Tadd Dameron's "On A Misty Night" ends with an arrival at Lou Donaldson's "Alligator Boogaloo," where some zany Charette-isms lighten up the outro; and the closing triptych—a low-temperature "Autumn Leaves" enlivened by a vamping send-off, an appropriately tender "Never Let Me Go," and a quick jaunt through "Tenor Madness"—offers all parties some room to shine in various lights. As if we need a reminder about the saxophone-wielding Coleman's stature, Charette also includes a take on Herbie Hancock's "Maiden Voyage" as the centerpiece. It nods to Coleman's work on the original while inhabiting its own dreamy space.

There's such a natural fit from musician to musician and band to song here, and that shouldn't come as a real surprise. These men are in their element when digging into chestnuts like these, and this quartet is top-shelf all the way. The chance to hear Brian Charette grooving with George Coleman, Sr. and company is simply priceless.
By DAN BILAWSKY
July 4, 2018
https://www.allaboutjazz.com/groovin-with-big-g-brian-charette-steeplechase-records-review-by-dan-bilawsky.php

///////

Groovin' With Big G estaba destinado a producirse. Cuando un joven Brian Charette se iniciaba en el piano de jazz en su estado natal, Connecticut, a principios de los años 90, acabó trabajando con el baterista George Coleman Jr. Ambos entablaron una amistad, y el estímulo de Coleman ayudó a Charette a dar el salto a Nueva York unos años más tarde. Coleman incluso dejó que el pianista en ciernes se instalara en su local de ensayo durante un tiempo.

Un tiempo después, tras la transición al mundo del órgano de jazz y la compra de un Hammond B3, el instrumento de Charette se instaló en ese mismo estudio. Allí, esta pareja tenía libertad para practicar y tocar a su antojo. En una ocasión particularmente memorable en dicho lugar, el famoso padre del baterista -George Coleman, Sr., el titán tenor de la Mafia de Memphis conocido por su incansable actitud y virtuosismo- se presentó para tocar con ellos. Lo supieran o no en aquel momento, las semillas de este álbum se plantaron en ese mismo momento.

Si avanzamos más de dos décadas, llegamos al momento en el que esas semillas mencionadas empezaron a brotar. El Coleman más joven llamó a Charette para ver si podía unirse al mayor en un concierto en la ciudad natal del saxofonista, Memphis, Tennessee. Esa fructífera colaboración, en última instancia, dio lugar a ésta.

Groovin' With Big G, una maravillosa boda de los Coleman con Charette y el guitarrista Vic Juris, mantiene el ambiente de jam session al que estos hombres están tan acostumbrados. Las melodías, salvo la conmovedora "Father And Son", atribuida a Charette y creada por este cuarteto, son todos caballos de batalla del jazz. Pero este grupo no ve estos estándares con una sensación de apatía de "ya lo he hecho". En lugar de ello, estos músicos hacen algunos ajustes aquí y allá, ensillan y disfrutan viendo a dónde les lleva el viaje. Un "Stella By Starlight" cómodamente oscilante pone las cosas en movimiento y conduce a un "Body And Soul" ligero como el aire, una actuación modificada con un paso de vals; un viaje aerodinámico a través de "On A Misty Night" de Tadd Dameron termina con una llegada a "Alligator Boogaloo" de Lou Donaldson, donde algunos alocados Charette-ismos aligeran la salida; y el tríptico de cierre -un "Autumn Leaves" de baja temperatura animado por una despedida vampírica, un "Never Let Me Go" apropiadamente tierno, y una rápida excursión a través de "Tenor Madness"- ofrece a todas las partes algo de espacio para brillar en varias luces. Como si necesitáramos un recordatorio de la talla del saxofonista Coleman, Charette también incluye una versión de "Maiden Voyage" de Herbie Hancock como pieza central. Hace un guiño al trabajo de Coleman en el original mientras habita su propio espacio de ensueño.

Hay un ajuste natural de músico a músico y de banda a canción aquí, y eso no debería ser una verdadera sorpresa. Estos hombres se encuentran en su elemento cuando se adentran en canciones como éstas, y este cuarteto es de primera categoría en todo momento. La oportunidad de escuchar a Brian Charette bailando con George Coleman, Sr. y compañía no tiene precio.
Por DAN BILAWSKY
4 de julio de 2018
https://www.allaboutjazz.com/groovin-with-big-g-brian-charette-steeplechase-records-review-by-dan-bilawsky.php

www.briancharette.com ...

 

The Trumpet (Yale Musical Instrument Series)

The story of the trumpet from prehistory to the present day, written by two of its outstanding performers and teachers

In the first major book devoted to the trumpet in more than two decades, John Wallace and Alexander McGrattan trace the surprising evolution and colorful performance history of one of the world's oldest instruments. They chart the introduction of the trumpet and its family into art music, and its rise to prominence as a solo instrument, from the Baroque "golden age," through the advent of valved brass instruments in the nineteenth century, and the trumpet's renaissance in the jazz age. The authors offer abundant insights into the trumpet's repertoire, with detailed analyses of works by Haydn, Handel, and Bach, and fresh material on the importance of jazz and influential jazz trumpeters for the reemergence of the trumpet as a solo instrument in classical music today.
Wallace and McGrattan draw on deep research, lifetimes of experience in performing and teaching the trumpet in its various forms, and numerous interviews to illuminate the trumpet's history, music, and players. Copiously illustrated with photographs, facsimiles, and music examples throughout, The Trumpet will enlighten and fascinate all performers and enthusiasts.

The Chantays • Pipeline

Biography

Formed in Santa Ana in 1962, the Chantays were five high school buddies -- Brian Carman (guitar, vocals), Bob Spickard (guitar, vocals), Bob Marshall (piano, keyboards), Warren Waters (bass), and Bob Welch (drums) -- ranging in age from 13 to 17. Playing local dances, they specialized in surf music, and at least in the beginning were primarily an instrumental outfit. They were spotted and signed up by manager Dale Smallins, and in 1962 Carman and Spickard composed and published a piece entitled "Pipeline," which went on to become one of the biggest and best instrumental surf hits ever recorded. Its simple yet memorable melody and beautiful guitar line -- lyrical yet evoking excitement and motion -- and deceptively complex embellishments, all backed by a highly animated and propulsive bass part, made it naturally appealing in the musical landscape of the time. Additionally, the record had a very natural sound that made it seductive to the ear. One reason for its success may have been the fact that, so the story goes, it was actually recorded in the back of a particular surf shop (where the original master tape was reportedly found more than 25 years later) -- perhaps it was just a practical decision to cut the song there, or they were seeking some kind of psychic verisimilitude, but if it is true, it didn't hurt the finished product one bit.

"Pipeline" became a number one single and rocketed the quintet out of Santa Ana and straight to national fame. They followed it up with a brace of singles, none of which saw even a shadow of the sales of "Pipeline," and also cut two albums, Pipeline and The Two Sides of the Chantays. Those were fine showcases for the group's strengths -- and a few weaknesses -- but made very little impact. Their repertoire was crowded with rock & roll covers and "Pipeline" sound-alikes, as well as some cutesy plays on the Shadows' sound of the same period, and none of their follow-up singles charted. Meanwhile, "Pipeline" not only got heavy radio play for years after it left the charts, but also entered the musical mainstream as a pop instrumental standard (in particular, television viewers who lived in the New York area during the early/mid-'60s may remember "Pipeline" being used almost weekly as background music whenever kids show host Chuck McCann would come out dressed as Ace Jackson, to read the "Smilin' Jack" comic strip on his Sunday television show Let's Have Fun.

Competent players who went heavy on the rumbling bass, ghostly reverb, and electric keyboards, the Chantays were very much a one-shot act. The group remained perennially popular on the nostalgia and oldies circuits, with new members coming in alongside of Carman and Spickard, and Welch subsequently rejoined. In 1994, the group released their first new album in over 30 years, called Next Set, and they followed it up in 1997 with Waiting for the Tide. As of 2005, the band was still working regularly.

https://www.allmusic.com/artist/the-chantays-mn0000762990/biography

///////

Biografía

Formados en Santa Ana en 1962, los Chantays eran cinco compañeros de secundaria -- Brian Carman (guitarra, voz), Bob Spickard (guitarra, voz), Bob Marshall (piano, teclados), Warren Waters (bajo), y Bob Welch (batería) -- con edades comprendidas entre los 13 y 17 años. Tocando danzas locales, se especializaron en música de surf, y al menos al principio eran principalmente un equipo instrumental. Fueron descubiertos y fichados por el manager Dale Smallins, y en 1962 Carman y Spickard compusieron y publicaron una pieza titulada "Pipeline", que se convirtió en uno de los mayores y mejores éxitos instrumentales del surf jamás grabados. Su melodía simple pero memorable y su hermosa línea de guitarra - lírica pero que evoca la emoción y el movimiento - y los adornos engañosamente complejos, todo ello respaldado por una parte de bajo muy animada y propulsora, la hicieron naturalmente atractiva en el paisaje musical de la época. Además, el disco tenía un sonido muy natural que lo hacía seductor para el oído. Una razón de su éxito puede haber sido el hecho de que, según la historia, fue grabado en la parte trasera de una tienda de surf en particular (donde se dice que la cinta original fue encontrada más de 25 años después) - tal vez fue sólo una decisión práctica de cortar la canción allí, o estaban buscando algún tipo de verosimilitud psíquica, pero si es cierto, no dañó ni un poco el producto final.

"Pipeline" se convirtió en el número uno y lanzó al quinteto fuera de Santa Ana y directo a la fama nacional. Lo siguieron con un par de sencillos, ninguno de los cuales vio ni siquiera una sombra de las ventas de "Pipeline", y también cortaron dos álbumes, "Pipeline" y "The Two Sides of the Chantays". Esos fueron buenos escaparates para las fortalezas del grupo - y algunas debilidades - pero tuvieron muy poco impacto. Su repertorio estaba repleto de portadas de rock & roll y de discos con sonido de "Pipeline", así como de algunas obras de teatro de las Sombras del mismo período, y ninguno de los siguientes sencillos se incluyó en la lista de éxitos. Mientras tanto, "Pipeline" no sólo se escuchó mucho en la radio durante años después de salir de las listas de éxitos, sino que también entró en la corriente principal de la música como un estándar instrumental pop (en particular, los televidentes que vivieron en el área de Nueva York a principios/mediados de los 60 pueden recordar que "Pipeline" se usaba casi semanalmente como música de fondo cuando el presentador del programa infantil Chuck McCann salía vestido de Ace Jackson, para leer la tira cómica de "Smilin' Jack" en su programa televisivo dominical Let's Have Fun.

Músicos competentes que se pusieron pesados con el bajo retumbante, la reverberación fantasmal y los teclados eléctricos, los Chantays fueron un acto de una sola vez. El grupo siguió siendo perennemente popular en los circuitos de la nostalgia y los viejos, con nuevos miembros que llegaron junto a Carman y Spickard, y Welch se reincorporó posteriormente. En 1994, el grupo lanzó su primer nuevo álbum en más de 30 años, llamado Next Set, y lo siguieron en 1997 con Waiting for the Tide. A partir de 2005, la banda seguía trabajando regularmente.

https://www.allmusic.com/artist/the-chantays-mn0000762990/biography

Creatividad invisible: Mujeres y arte popular en América Latina y el Caribe

 

 

Si bien desde nuestros valores occidentales podemos ofrecer con facilidad una clara diferencia entre arte y artesanía, las cosas se vuelven considerablemente más complicadas cuando hablamos de arte popular. ¿Qué es el arte popular? ¿qué hace diferente el arte de la artesanía?

Indice

 Introducción por Eli Bartra

 I Sally Price (Surinam) Siempre algo nuevo: cambios de moda en una “cultura tradicional”

 II Norma Valle (Puerto Rico) El surgimiento de las santeras fortalece el arte puertorriqueño tradicional

 III Mari Lynn Salvador (Panamá) Las artes de las mujeres kuna: molas, significados y mercados

 IV Dorothea Scott Whitten (Ecuador) Conexiones: cerámica de las mujeres canelos quichua

 V Eli Bartra (México) Al encuentro de las ceramistas de Mata Ortiz

 VI Ronald J. Duncan (Colombia) Arte popular de las mujeres en La Chamba

 VII Dolores Juliano (Argentina) Las artesanas mapuches

 VIII María J. Rodríguez-Shadow (México) Peticiones y plegarias femeninas en los exvotos de Chalma

 IX. Betty LaDuke (México) Magia de la tierra: el legado de Teodora Blanco

 X. Lourdes Rejón Patrón (México) Gustos, colores, y técnicas del bordado en el traje maya femenino

 

Lenny Dee • Plays the Organ Songs Everybody Knows

Leonard George DeStoppelaire (January 5, 1923 – February 12, 2006), better known as Lenny Dee, was a virtuoso organist who played many styles of music. His record albums were among the most popular of easy listening and space age pop organists of the 1950s through the early 1970s. His signature hit, Plantation Boogie, charted as a Top 20 hit in 1955. He also had a gold record with 1970's Spinning Wheel.
Dee played a variety of songs in numerous styles. He played original compositions, popular songs, and novelty tunes, and was a master of improvisation. Although his unique style was a pop/boogie-woogie blend, he also played ballads, country and western, jazz, rock, and patriotic songs.
from: https://en.wikipedia.org/wiki/Lenny_Dee

 

///////

Leonard George DeStoppelaire (5 de enero de 1923 - 12 de febrero de 2006), más conocido como Lenny Dee, fue un virtuoso organista que tocó muchos estilos de música. Sus álbumes de discos se encuentran entre los más populares de los organistas de música pop de la era espacial y de fácil escucha de los años cincuenta a principios de los setenta. Su éxito característico, Plantation Boogie, se situó en el Top 20 en 1955. También tuvo un disco de oro con Spinning Wheel de los 70.
Dee tocó una variedad de canciones en numerosos estilos. Tocaba composiciones originales, canciones populares y temas novedosos, y era un maestro de la improvisación. Aunque su estilo único era una mezcla de pop/boogie-woogie, también tocaba baladas, country y western, jazz, rock y canciones patrióticas.
de: https://en.wikipedia.org/wiki/Lenny_Dee