Joe Locke • Force Of Four

 Artist Biography by Matt Collar

Percussionist Joe Locke is a highly-regarded performer and composer, known for his expressive, swinging style on both the vibraphone and drums. Emerging in the late '80s, Locke initially established himself as a reliable hard-bop player working alongside Eddie Henderson, Freddy Cole, Eric Alexander, and others. He also showcased his deep sense of the jazz tradition with albums like 1994's Longing, and 1999's Mutual Appreciation Society with pianist David Hazeltine. Beginning the '00s, Locke gained further plaudits issuing more ambitious works like 2003's Four Walls of Freedom, a six movement suite based on the writings of monk Thomas Merton, and his 2005 Milt Jackson-tribute Rev-elation. A five-time recipient of the Jazz Journalists Association's "Mallet Instrumentalist of the Year" Award, Locke was also inducted into the Music Hall of Fame of his hometown of Rochester, New York in 2016.

Born in Palo Alto, California in 1959, Locke was still a child when he moved with his family to Rochester, New York. It was there that he first started playing piano and drums around age eight, before taking up the vibraphone at age thirteen. Encouraged by his father, a music teacher, Locke initially played in rock bands. However, by his teens he had discovered jazz, and was soon imbibing the work of his idols Bobby Hutcherson and Milt Jackson. After high school, he honed his skills at the Eastman School of Music where he gained valuable tutoring from noted educators like John Beck, Gordon Stout, and Ted Moore.

In 1981, he moved to New York City, where he eventually found work playing or recording as a sideman for luminaries like Kenny Barron, Freddy Cole, Marvin "Smitty" Smith, Jerry Gonzalez, and others. He also began flexing his compositional skills, supplying the score for the independent film/documentary El Salvador: Another Vietnam. As a leader, Locke debuted with 1990's Present Tense on the Danish SteepleChase label. More albums followed for the label including 1994's But Beautiful with pianist Kenny Barron, 1994's Longing, and 1996's Inner Space.

Also during this period, he toured Japan with Eddie Henderson and recorded with artists like Grover Washington, Jr., Dianne Reeves, George Cables, Barbara Dennerlein, and the Mingus Big Band, among others. He then moved to Milestone/Fantasy's roster with 1995's Moment to Moment: The Music of Henry Mancini. His subsequent Milestone dates included 1997's Sound Tracks (which concentrated on songs from famous films) and 1998's Slander (And Other Love Songs). In 1999, he paired with pianist David Hazeltine, bassist Essiet Essiet, and drummer Billy Drummond for Mutual Appreciation Society.

In the 2000's, he formed a fruitful relationship with John Priestley's Sirocco Jazz Ltd. label, issuing albums like Beauty Burning with pianist Frank Kimbrough and drummer Jeff "Tain" Watts, and 2001's Storytelling with vocalist Mark Ledford and keyboardist/co-producer Henry Hey. His Storytelling band was also on board for 2002's State of Soul. A year later, he issued the sophisticated Four Walls of Freedom, a six movement suite based on the writings of monk Thomas Merton. Locke then joined pianist Mike LeDonne, bassist Bob Cranshaw, and drummer Mickey Roker for the 2005 Milt Jackson-tribute Rev-elation on Sharp Nine Records. Over the next several years, Locke stayed busy, pairing with longtime associate pianist Geoff Keezer, for 2006's Live in Seattle, and issuing the 2007 quartet dates Sticks and Stones, and 2008's Force of Four which featured a guest appearance by saxophonist Wayne Escoffery.

For the Love of You arrived in 2010, and featured Keezer, along with bassist George Mraz, and drummer Clarence Penn. The atmospheric session Via appeared in 2011, and found Locke collaborating with Keezer, and multi-reed player Tim Garland. Keezer was also on board for 2012's Signing on Motéma Music, as were drummer Terreon Gully, and bassist Mike Pope. More efforts followed for the label including 2013's Lay Down My Heart: Blues & Ballads, Vol. 1 , 2015's Love is a Pendulum. In 2018, Locke returned with Subtle Disguise, a nuanced album featuring contributions by saxophonist David Binney, guitarist Raul Midón, and others. Along with originals, the album included covers of Bob Dylan's "Who Killed Davey Moore?," and Blind Willie Johnson's "Motherless Children."

https://www.allmusic.com/artist/joe-locke-mn0000117125/biography

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 Biografía del artista por Matt Collar

El percusionista Joe Locke es un intérprete y compositor de gran prestigio, conocido por su estilo expresivo y swinging tanto en el vibráfono como en la batería. Emergiendo a finales de los 80, Locke se estableció inicialmente como un jugador de hard-bop confiable trabajando junto a Eddie Henderson, Freddy Cole, Eric Alexander y otros. También mostró su profundo sentido de la tradición del jazz con álbumes como Longing de 1994 y Mutual Appreciation Society de 1999 con el pianista David Hazeltine. A partir de los años'00, Locke obtuvo más elogios emitiendo obras más ambiciosas como Four Walls of Freedom de 2003, una suite de seis movimientos basada en los escritos del monje Thomas Merton, y su Rev-elección de contribuciones de Milt Jackson de 2005. Cinco veces galardonado con el premio "Instrumentista de mazo del año" de la Asociación de Periodistas de Jazz, Locke también fue admitido en el Music Hall of Fame de su ciudad natal de Rochester, Nueva York, en 2016.

Nacido en Palo Alto, California en 1959, Locke era todavía un niño cuando se mudó con su familia a Rochester, Nueva York. Fue allí donde comenzó a tocar el piano y la batería alrededor de los ocho años, antes de empezar a tocar el vibráfono a los trece años. Animado por su padre, profesor de música, Locke tocó inicialmente en bandas de rock. Sin embargo, en su adolescencia ya había descubierto el jazz, y pronto estaba imbuido del trabajo de sus ídolos Bobby Hutcherson y Milt Jackson. Después de la escuela secundaria, perfeccionó sus habilidades en la Escuela de Música Eastman, donde obtuvo valiosas tutorías de reconocidos educadores como John Beck, Gordon Stout y Ted Moore.

En 1981, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde eventualmente encontró trabajo tocando o grabando como sideman para luminarias como Kenny Barron, Freddy Cole, Marvin "Smitty" Smith, Jerry Gonzalez, y otros. También comenzó a flexionar sus habilidades compositivas, suministrando la banda sonora para la película/documental independiente El Salvador: Otro Vietnam. Como líder, Locke debutó con el Present Tense de 1990 en el sello danés SteepleChase. Más álbumes siguieron para el sello, incluyendo But Beautiful, de 1994, con el pianista Kenny Barron, Longing, de 1994, y Inner Space, de 1996.

También durante este período, realizó una gira por Japón con Eddie Henderson y grabó con artistas como Grover Washington, Jr., Dianne Reeves, George Cables, Barbara Dennerlein, y la Mingus Big Band, entre otros. Luego se trasladó a la lista de Milestone/Fantasy con Moment to Moment de 1995: La música de Henry Mancini. Sus fechas posteriores incluyen las bandas sonoras de 1997 (que se concentraron en canciones de películas famosas) y las calumnias de 1998 (y otras canciones de amor). En 1999, hizo pareja con el pianista David Hazeltine, el bajista Essiet Essiet y el baterista Billy Drummond para Mutual Appreciation Society.

En los años 2000, formó una fructífera relación con el sello Sirocco Jazz Ltd. de John Priestley, editando álbumes como Beauty Burning con el pianista Frank Kimbrough y el baterista Jeff "Tain" Watts, y Storytelling con el vocalista Mark Ledford y el tecladista y coproductor Henry Hey, y con su banda Storytelling, que también participó en el State of Soul de 2002. Un año después, publicó los sofisticados Cuatro Muros de Libertad, una suite de seis movimientos basada en los escritos del monje Thomas Merton. Locke se unió al pianista Mike LeDonne, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Mickey Roker en la Rev-elección de Milt Jackson 2005 en Sharp Nine Records. Durante los años siguientes, Locke se mantuvo ocupado, trabajando con el pianista asociado Geoff Keezer, para el Live in Seattle de 2006, y emitiendo el cuarteto de 2007 Sticks and Stones, y el Force of Four de 2008, que contó con la participación como invitado del saxofonista Wayne Escoffery.

For the Love of You llegó en 2010, y contó con Keezer, junto con el bajista George Mraz, y el baterista Clarence Penn. La sesión atmosférica Via apareció en 2011, y encontró a Locke colaborando con Keezer, y al jugador de multicascos Tim Garland. Keezer también estuvo a bordo para el Signing on Motéma Music de 2012, al igual que el baterista Terreon Gully y el bajista Mike Pope. Siguieron más esfuerzos para el sello, incluyendo el de 2013, Lay Down My Heart: Blues & Ballads, Vol. 1, El amor de 2015 es un péndulo. En 2018, Locke regresó con Subtle Disguise, un álbum matizado con contribuciones del saxofonista David Binney, el guitarrista Raúl Midón y otros. Junto con los originales, el álbum incluía versiones de "Who Killed Davey Moore? de Bob Dylan" y "Motherless Children" de Blind Willie Johnson.

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https://joelocke.com/product/force-of-four-album/

Brian Charette • Kürrent

 

 

Organ Trio with dreamy soundscapes and glitch robotix. Unusual compositions and great line up
https://www.briancharette.com/new-products/circuit-bent-organ-trio-krrent


New York City organist/pianist, Brian Charette, has established himself as a leading voice in modern jazz. Charette is a Hammond U.S.A, I.K Multimedia, and Casio endorsed, Steeplechase, Positone, and Cellar Live recording artist. He was the winner of the 2014 Downbeat Critics’ Poll “Rising Star: Organ” award and 2015 Hot House Magazine's “Fan's Decision Jazz Award for Best Organist”. This year he has placed 3rd in the 2022 Downbeat Critic’s Poll for Hammond Organ. Brian has released 20 albums as a leader, many of which have been in the Jazzweek and Itunes top 20. His new Cellar Live release, Jackpot, was recorded at Rudy Van Gelder’s hallowed studio and will come out on July 15, 2022, featuring Bill Stewart on drums. In the Fall of 2022 Charette will perform and conduct original pieces with The Modern Art Orchestra in Budapest, tour with Otto Hejnic in the Czech Republic and record with John Hart and Billy Drummond.
     Charette was born in Meriden, Connecticut in 1972, and was introduced to music by his mother, Catherine. By the age of 17, he was playing with jazz luminaries such as Lou Donaldson and Houston Person. Since graduating on the Dean's List from UConn in 1994 with a BA in Music, Charette has been performing extensively in Europe and the USA with his home base being the East Village, NYC. Brian is a staple of the downtown NYC scene working with virtually everyone who plays with an organist.
     Besides being a critically acclaimed composer and bandleader, Brian has performed with many notable artists such as Joni Mitchell, Chaka Khan, Paul Simon, Cyndi Lauper, Oz Noy, Vinnie Colaiuta, John Patitucci, and many more. Charette is also an active author and educator, writing for Keyboard Magazine, The New York City Jazz Record, DownBeat, Electronic Musician and the Czech magazine, Muzikus. Brian teaches masterclasses all over the world and is on the faculty of the Czech Summer Jazz Workshop at Jesek Conservatory in Prague. In NYC, he teaches lessons and group classes at The New School and 92nd Y School of Music. His first book, 101 Hammond B3 Tips, released through publisher Hal Leonard, has become very popular, as well as his videos on the website, mymusicmasterclass.com. Outside of music, Charette is passionate about White Crane kung fu, in which he holds a black sash.
https://www.briancharette.com/about

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Trío de órganos con paisajes sonoros de ensueño y glitch robotix. Composiciones inusuales y gran alineación
https://www.briancharette.com/new-products/circuit-bent-organ-trio-krrent


El organista/pianista neoyorquino Brian Charette se ha consolidado como una de las principales voces del jazz moderno. Charette es un artista avalado por Hammond U.S.A, I.K Multimedia y Casio, Steeplechase, Positone y Cellar Live. Fue el ganador del premio 2014 Downbeat Critics' Poll "Rising Star: Organ" y el premio "Fan's Decision Jazz Award for Best Organist" de 2015 de la revista Hot House. Este año ha quedado en tercer lugar en el 2022 Downbeat Critic's Poll para órgano Hammond. Brian ha publicado 20 álbumes como líder, muchos de los cuales han estado en el top 20 de Jazzweek e Itunes. Su nuevo lanzamiento en Cellar Live, Jackpot, se grabó en el sagrado estudio de Rudy Van Gelder y saldrá a la venta el 15 de julio de 2022, con la participación de Bill Stewart a la batería. En otoño de 2022 Charette actuará y dirigirá piezas originales con The Modern Art Orchestra en Budapest, hará una gira con Otto Hejnic en la República Checa y grabará con John Hart y Billy Drummond.
     Charette nació en Meriden, Connecticut, en 1972, y fue introducido en la música por su madre, Catherine. A los 17 años ya tocaba con figuras del jazz como Lou Donaldson y Houston Person. Desde que se graduó en la lista del decano de la Universidad de Connecticut en 1994 con una licenciatura en música, Charette ha actuado extensamente en Europa y Estados Unidos, siendo su base de operaciones el East Village, en Nueva York. Brian es un elemento básico de la escena del centro de Nueva York que trabaja con prácticamente todos los que tocan con un organista.
     Además de ser un compositor y director de banda aclamado por la crítica, Brian ha actuado con muchos artistas notables como Joni Mitchell, Chaka Khan, Paul Simon, Cyndi Lauper, Oz Noy, Vinnie Colaiuta, John Patitucci y muchos más. Charette es también un autor y educador activo, escribiendo para Keyboard Magazine, The New York City Jazz Record, DownBeat, Electronic Musician y la revista checa Muzikus. Brian imparte clases magistrales en todo el mundo y forma parte del profesorado del Taller Checo de Jazz de Verano en el Conservatorio Jesek de Praga. En Nueva York, imparte lecciones y clases de grupo en The New School y en la 92nd Y School of Music. Su primer libro, 101 Hammond B3 Tips, publicado por la editorial Hal Leonard, se ha hecho muy popular, así como sus vídeos en la página web, mymusicmasterclass.com. Fuera de la música, Charette es un apasionado del kung fu de la Grulla Blanca, en el que ostenta un fajín negro.
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Alessandro Alessandroni • Angoscia

Originally released by Octopus, a label devoted to thematic libraries, “Angoscia” is one of the best works by Alessandro Alessandroni: here the composer native of Lazio shows his unique skills as an author and as an arranger.

Famous for his work in the movies – often with masters such as Piero Umiliani and Ennio Morricone, with whom he collaborated to create some truly immortal soundtracks (especially those written for Sergio Leone) – Alessandroni also developed a parallel career as an author of libraries, freely crossing and touching every music genre. Alone, or together with friends and pupils like Rino De Filippi (aka Gisteri) and Giuliani Sorgini (aka Raskovich), he always managed to push the boundaries of experimentation – but with great taste and personality, never giving up on the majestic orchestrations which are characteristic of his art.

“Angoscia” (released in 1975, when the artist was at his own creative peak) features twelve tracks revolving around the core theme of the album – an oppressive state of mind. Each one portrays a facet of distress (“angoscia”, in Italian): in the beginning it’s anguish, then it becomes dismay, desperation, uncertainty, pride, resignation, frustration, desolation, agony, prostration, obsession and – finally – fear. Thirty minutes of anguish never seemed so enticing and nuanced before...

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Originalmente lanzado por Octopus, una etiqueta dedicada a las bibliotecas temáticas, "Angoscia" es una de las mejores obras de Alessandro Alessandroni: aquí el compositor nativo de Lazio muestra sus habilidades únicas como autor y arreglista.

Famoso por su trabajo en el cine, a menudo con maestros como Piero Umiliani y Ennio Morricone, con quienes colaboró ​​para crear algunas bandas sonoras realmente inmortales (especialmente las escritas para Sergio Leone). Alessandroni también desarrolló una carrera paralela como autor de bibliotecas. Cruzando y tocando libremente todos los géneros musicales. Solo, o junto con amigos y alumnos como Rino De Filippi (también conocido como Gisteri) y Giuliani Sorgini (también conocido como Raskovich), siempre logró superar los límites de la experimentación, pero con gran gusto y personalidad, sin renunciar nunca a las majestuosas orquestaciones que son. Característica de su arte.

“Angoscia” (lanzada en 1975, cuando el artista estaba en su propia cima creativa) presenta doce temas que giran en torno al tema central del álbum: un estado mental opresivo. Cada uno presenta una faceta de angustia ("angoscia", en italiano): al principio es angustia, luego se convierte en consternación, desesperación, incertidumbre, orgullo, resignación, frustración, desolación, agonía, postración, obsesión y, finalmente, miedo. Treinta minutos de angustia nunca parecieron tan atractivos y matizados antes ...

Gary Peacock • Voice From The Past - Paradigm

 

 

 

Bassist Gary Peacock played a major role in the development of avant-garde jazz. He has worked with the likes of Miles Davis, Bill Evans, Albert Ayler, Don Cherry}, {{Barney Kessel, Don Ellis, Terry Gibbs, Shorty Rogers, the Paul Bley Trio, Jimmy Giuffre, Roland Kirk and George Russell, among others. His recorded output is enormous — ECM Records alone lists fifty-one CDs on which he is featured. He has collaborated frequently with Ralph Towner in duet format, and since the late '70s has played and recorded in a world-renowned trio with Keith Jarrett and Jack DeJohnette.

Peacock was born in Burley, Idaho, on May 12, 1935; He grew up in Yakima, Washington, where he attended Yakima Senior High School. In school, he played piano, trumpet, and drums, When he was 15, he attended a Jazz at the Philharmonic concert featuring Oscar Peterson and Ray Brown.

After graduating high school in 1953, Peacock attended the Westlake School of Music in Los Angeles but was then drafted into the Army. While stationed in Germany, he played piano in a jazz trio, but self-taught himself the bass. According to Peacock, he “just sort of figured it out”.

After being discharged from the Army in 1956, Peacock remained in Europe, playing with Hans Koller, Tony Scott, Bud Shank, and others, before returning to Los Angeles. His bass playing at the time was influenced by Paul Chambers, Ray Brown, and Scott LaFaro. He soon established himself as a bass player, participating in sessions with Barney Kessel and Art Pepper, and Don Ellis. In that time frame, Peacock began a musical association with pianist Paul Bley, with whom he would go on to record nine albums.

In 1962, Peacock moved to New York,where he played with Bley and musicians such as Jimmy Giuffre, Roland Kirk, George Russell, and Archie Shepp. While in New York, he joined Bill Evans' trio, which included drummer Paul Motian, who would become a long-time associate, recording the album Trio 64 with the group in December 1963. In 1964, Peacock briefly joined the Miles Davis quintet, substituting for Ron Carter in April and May of that year. Reflecting on his time with Davis, he stated:

“Miles probably said one of the most brilliant, useful, and necessary comments I've ever heard. Somebody was recording with him, and Miles looked at him and said, “What I want to hear is what you don't know.” That is really the key: not playing what you know, playing what you don't know. To do that, you have to get very quiet inside, listen, and surrender to whatever that particular musical setting is. So it doesn't make any difference whether I'm playing standards or free stuff, because you're giving up any kind of fixed positions or attitudes you may have about what it should or shouldn't be. And to do that, you have to be vulnerable, to be in a place where you realize that what you're after, you cannot know. It's not conceivable. But it's there. It's the muse. So it's kind of a switch from the self playing the muse to the muse playing the self.”

Peacock continued to record with Bley, Williams (Spring, which also featured Herbie Hancock, Sam Rivers, and Wayne Shorter), and others until the late 1960s, when he began experiencing health problems. Later he reflected: “I was not in good shape. I was doing a lot of drugs and alcohol, and I was discontented with myself... I happened to meet with Timothy Leary and... took acid. The result of that was realizing, number one, that I didn’t know who the hell I was, whereas before, I’d always identified myself as a musician, a bass player. Then, of course, came “Who am I?” I also noticed that this desire to play music wasn't there anymore. So the question was, what to do. So what I did was nothing. I stopped playing.”

At this point, he decided to take a complete break from music. He recalled: “I got involved with macrobiotics and felt drawn to Eastern philosophies and medicine. I became a regular practitioner of macrobiotics and eventually moved to Japan for two and a half years, studying the language, history, and Oriental philosophy.” .

By 1970, while still in Japan, Peacock began to play again, recording Eastward in Tokyo with pianist Masabumi Kikuchi and drummer Hiroshi Murakami, followed by Voices the next year. During this time he also recorded with Mal Waldron (First Encounter). In 1972, he returned to the United States and enrolled as a student at the University of Washington, where he studied biology, graduating in 1976. He resumed his musical relationship with Bley, touring Japan and recording “Japan Suite”. In 1977, he recorded “Tales of Another” with Keith Jarrett and Jack DeJohnette; together, they would later become known as the Standards Trio due to their focus on jazz standards. They recorded twenty-two albums over the next thirty years. From 1979 to 1983, Peacock also taught at the Cornish School of the Arts.

Through the 1980s and '90s, Peacock released a number of albums under his own name, and also played and toured extensively with Jarrett and DeJohnette. He also performed and recorded with a trio known as Tethered Moon, with Masabumi Kikuchi and Motian, as well as recording with many ECM artists, including Bley, Garbarek, Ralph Towner, and Marc Copland. Regarding the trio format, Peacock stated:

“If three people share a common history in a particular area of music and they all found something in that music that freed them, when they get together to play a piece everyone is 100% in that composition... The question is, how much are you willing to give up to play this music? I don't think it can work if you still have an agenda, if you feel you still need to prove something musically. That's not the point – it's just about the music. So you're going to serve that, not yourself or somebody in the audience, not the critics or the reviewers. It's just the music. What does the music want?”

The following decades saw Peacock continuing to play and record in the existing trio contexts, as well as with Marilyn Crispell, Lee Konitz, and Bill Frisell, and with a new trio featuring Marc Copland and Joey Baron. Copland would play on Peacock’s final two recordings, 2015’s “Now This” and 2017’s “Tangents”, both with drummer Joey Baron.

“Gary was quite well-known and sought after because of his unique improvising concepts,” said drummer Jack DeJohnette, a longtime collaborator. “His tone was incredible—rich, deep and even all over. His feel was amazing. He could really swing, and his free playing was like a rocket taking off, like a spring exploding.Gary will be missed but remembered as one of the giants of the double bass,” DeJohnette said. “He’s a legend, and he will remain that.”

Gary Peacock passed September 4, 2020 at age 85 following an unspecified illness.
Source: Michael Wieskamp
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gary-peacock

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El bajista Gary Peacock desempeñó un papel importante en el desarrollo del jazz de vanguardia. Ha trabajado con músicos de la talla de Miles Davis, Bill Evans, Albert Ayler, Don Cherry}, {{Barney Kessel, Don Ellis, Terry Gibbs, Shorty Rogers, el Paul Bley Trio, Jimmy Giuffre, Roland Kirk y George Russell, entre otros. Su producción discográfica es enorme: sólo ECM Records cuenta con cincuenta y un CD en los que aparece. Ha colaborado frecuentemente con Ralph Towner en formato de dúo, y desde finales de los años 70 ha tocado y grabado en un trío de renombre mundial con Keith Jarrett y Jack DeJohnette.

Peacock nació en Burley, Idaho, el 12 de mayo de 1935; creció en Yakima, Washington, donde asistió al Yakima Senior High School. En la escuela, tocaba el piano, la trompeta y la batería. A los 15 años, asistió a un concierto de Jazz at the Philharmonic en el que actuaban Oscar Peterson y Ray Brown.

Tras graduarse en el instituto en 1953, Peacock asistió a la Westlake School of Music de Los Ángeles, pero luego fue reclutado por el ejército. Mientras estaba destinado en Alemania, tocó el piano en un trío de jazz, pero aprendió por sí mismo a tocar el bajo. Según Peacock, "simplemente lo descubrió".

Tras ser licenciado del Ejército en 1956, Peacock permaneció en Europa, tocando con Hans Koller, Tony Scott, Bud Shank y otros, antes de regresar a Los Ángeles. Su forma de tocar el bajo en aquella época estaba influenciada por Paul Chambers, Ray Brown y Scott LaFaro. Pronto se estableció como bajista, participando en sesiones con Barney Kessel y Art Pepper, y Don Ellis. En esa época, Peacock inició una asociación musical con el pianista Paul Bley, con quien llegaría a grabar nueve álbumes.

En 1962, Peacock se trasladó a Nueva York, donde tocó con Bley y con músicos como Jimmy Giuffre, Roland Kirk, George Russell y Archie Shepp. Durante su estancia en Nueva York, se unió al trío de Bill Evans, que incluía al baterista Paul Motian, quien se convertiría en un asociado de larga data, grabando el álbum Trio 64 con el grupo en diciembre de 1963. En 1964, Peacock se unió brevemente al quinteto de Miles Davis, sustituyendo a Ron Carter en abril y mayo de ese año. Reflexionando sobre su tiempo con Davis, declaró:

"Miles probablemente dijo uno de los comentarios más brillantes, útiles y necesarios que he oído nunca. Alguien estaba grabando con él, y Miles le miró y dijo: "Lo que quiero escuchar es lo que no sabes". Esa es realmente la clave: no tocar lo que sabes, tocar lo que no sabes. Para hacer eso, tienes que quedarte muy tranquilo por dentro, escuchar y rendirte a lo que sea ese escenario musical en particular. Así que no importa si estoy tocando estándares o cosas libres, porque estás renunciando a cualquier tipo de posiciones fijas o actitudes que puedas tener sobre lo que debería o no debería ser. Y para hacer eso, tienes que ser vulnerable, estar en un lugar en el que te das cuenta de que lo que buscas, no puedes saberlo. No es concebible. Pero está ahí. Es la musa. Así que es una especie de cambio del yo interpretando a la musa a la musa interpretando al yo".

Peacock siguió grabando con Bley, Williams (Spring, en el que también participaron Herbie Hancock, Sam Rivers y Wayne Shorter) y otros hasta finales de los años 60, cuando empezó a tener problemas de salud. Más tarde reflexionó: "No estaba en buena forma. Tomaba muchas drogas y alcohol, y estaba descontento conmigo mismo... Me encontré con Timothy Leary y... tomé ácido. El resultado de eso fue darme cuenta, número uno, que no sabía quién diablos era yo, mientras que antes, siempre me había identificado como un músico, un bajista. Entonces, por supuesto, vino "¿Quién soy yo?" También me di cuenta de que ese deseo de tocar música ya no estaba ahí. Así que la pregunta fue: ¿qué hacer? Así que lo que hice fue nada. Dejé de tocar".

En ese momento, decidió tomarse un descanso completo de la música. Recordó: "Me involucré con la macrobiótica y me sentí atraído por las filosofías y la medicina orientales. Me convertí en un practicante habitual de macrobiótica y finalmente me trasladé a Japón durante dos años y medio, estudiando el idioma, la historia y la filosofía oriental". .

En 1970, estando todavía en Japón, Peacock comenzó a tocar de nuevo, grabando Eastward en Tokio con el pianista Masabumi Kikuchi y el baterista Hiroshi Murakami, seguido de Voices al año siguiente. Durante esta época también grabó con Mal Waldron (First Encounter). En 1972, regresó a Estados Unidos y se matriculó como estudiante en la Universidad de Washington, donde estudió biología, graduándose en 1976. Reanudó su relación musical con Bley, realizando una gira por Japón y grabando "Japan Suite". En 1977, grabó "Tales of Another" con Keith Jarrett y Jack DeJohnette; juntos, se conocerían más tarde como el Standards Trio debido a su enfoque en los estándares de jazz. Grabaron veintidós álbumes en los siguientes treinta años. De 1979 a 1983, Peacock también dio clases en la Cornish School of the Arts.
A lo largo de los años 80 y 90, Peacock publicó varios álbumes con su propio nombre, y también tocó y realizó numerosas giras con Jarrett y DeJohnette. También tocó y grabó con un trío conocido como Tethered Moon, con Masabumi Kikuchi y Motian, además de grabar con muchos artistas de ECM, como Bley, Garbarek, Ralph Towner y Marc Copland. En cuanto al formato de trío, Peacock declaró:

"Si tres personas comparten una historia común en un área particular de la música y todos encuentran algo en esa música que les libera, cuando se juntan para tocar una pieza todos están al 100% en esa composición... La pregunta es: ¿a cuánto estás dispuesto a renunciar para tocar esa música? No creo que pueda funcionar si todavía tienes una agenda, si sientes que todavía tienes que demostrar algo musicalmente. No se trata de eso, sino de la música. Así que vas a servir a eso, no a ti mismo o a alguien del público, no a los críticos o a los reseñadores. Sólo se trata de la música. ¿Qué quiere la música?".

En las décadas siguientes, Peacock siguió tocando y grabando en los contextos de trío existentes, así como con Marilyn Crispell, Lee Konitz y Bill Frisell, y con un nuevo trío con Marc Copland y Joey Baron. Copland tocaría en las dos últimas grabaciones de Peacock, "Now This" de 2015 y "Tangents" de 2017, ambas con el baterista Joey Baron.

"Gary era bastante conocido y buscado por sus conceptos de improvisación únicos", dijo el baterista Jack DeJohnette, un colaborador de larga data. "Su tono era increíble: rico, profundo y uniforme en todas partes. Su sensación era asombrosa. Podía hacer swing de verdad, y su forma de tocar libre era como un cohete que despega, como un resorte que explota.Gary será echado de menos pero recordado como uno de los gigantes del contrabajo", dijo DeJohnette. "Es una leyenda, y lo seguirá siendo".

Gary Peacock falleció el 4 de septiembre de 2020 a los 85 años tras una enfermedad no especificada.
Fuente: Michael Wieskamp
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gary-peacock

Buddy Cole • Backgrounds To Love

  

Edwin LeMar "Buddy" Cole (December 15, 1916 – November 5, 1964), was a jazz pianist and orchestra leader. He played behind a number of pop singers, including Rosemary Clooney, Jill Corey, Johnnie Ray and The Four Lads, who recorded for Columbia Records. As "Buddy Cole and his Trio" he recorded the albums Some Fine Old Chestnuts and New Tricks with Bing Crosby.
Buddy Cole was born in Irving, Illinois, and started his musical career in the theater playing between movies. He moved to Hollywood and played with a couple of bands, most notably the Alvino Rey big band, before becoming a studio musician. Joining the John Scott Trotter orchestra as a pianist in 1947, he worked closely with Bing Crosby for a number of years and in 1954 he began a daily radio show with Crosby supported by a trio comprising Vince Terri on guitar, banjo etc., Don Whittaker on bass and Nick Fatool on drums. Cole played piano and electric organ. He and Crosby built up a large library of songs which could then be inserted into the show. Cole also recorded a similar library of songs with Rosemary Clooney (with whom he had previously toured) and these songs together with those of Crosby's were employed in The Bing Crosby – Rosemary Clooney Show (1960-1962). Albums with his combo were recorded on piano and Hammond organ. 

 

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 Edwin LeMar "Buddy" Cole (15 de diciembre de 1916 - 5 de noviembre de 1964), fue pianista de jazz y director de orquesta. Tocó detrás de varios cantantes pop, incluyendo Rosemary Clooney, Jill Corey, Johnnie Ray y The Four Lads, que grabó para Columbia Records. Como "Buddy Cole y su Trío" grabó los álbumes Some Fine Old Chestnuts y New Tricks con Bing Crosby.
Buddy Cole nació en Irving, Illinois, y comenzó su carrera musical en el teatro tocando entre películas. Se mudó a Hollywood y tocó con un par de bandas, sobre todo con la big band de Alvino Rey, antes de convertirse en músico de estudio. Se unió a la orquesta de John Scott Trotter como pianista en 1947, trabajó estrechamente con Bing Crosby durante varios años y en 1954 comenzó un programa de radio diario con Crosby apoyado por un trío compuesto por Vince Terri en la guitarra, el banjo, etc., Don Whittaker en el bajo y Nick Fatool en la batería. Cole tocaba el piano y el órgano eléctrico. Él y Crosby construyeron una gran biblioteca de canciones que luego se podían insertar en el programa. Cole también grabó una biblioteca similar de canciones con Rosemary Clooney (con quien había hecho una gira anteriormente) y estas canciones junto con las de Crosby fueron empleadas en The Bing Crosby - Rosemary Clooney Show (1960-1962). Los álbumes con su combinación se grabaron en el piano y el órgano Hammond.