Ahmad Jamal • Happy Moods

Review from AllMusic (by Dave Nathan):
Ahmad Jamal's 1960s trio, with Israel Crosby on bass and Vernell Fournier on drums, was, to some, one of the more influential small groups in jazz. To others, his work was just a mere cut above lounge playing. Recorded almost two years to the day after his most popular trio album At the Pershing, Happy Moods is a program of mostly standards, a flirtation with a classical piano piece and two Jamal originals. Playing with his patented sneaky left-hand voicings and his jingling right hand, interspersed with block chords all within a lean framework, the performances offered by this album are representative of Jamal's work of the period. He takes a piece of fluff like "Little Old Lady" and transforms it into a fugue replete with the counterpoint that personifies this classical form. An up-tempo "You'd Be So Easy to Love," highlighting Vernell Fournier's brushes, is tastefully garnished with runs and chords borrowed from fellow Pittsburgher Erroll Garner. Billy Strayhorn's "Raincheck" features heady arpeggios as well as quotes from "I'm Beginning to See the Light."
https://www.allmusic.com/album/happy-moods-argo-mw0000869725

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Reseña de AllMusic (por Dave Nathan):
El trio de Ahmad Jamal de los años 60, con Israel Crosby en bajo y Vernell Fournier en bateria, fue, para algunos, uno de los grupos pequeños mas influyentes del jazz. Para otros, su trabajo era apenas un poco mas que musica de lounge. Grabado casi dos años exactos despues de su album de trio mas popular At the Pershing, Happy Moods es un programa de principalmente estandares, un flirteo con una pieza de piano clasico y dos originales de Jamal. Tocando con sus patentadas voicings de mano izquierda sigilosos y su mano derecha tintineante, intercalados con block chords dentro de un marco austero, las interpretaciones ofrecidas por este album son representativas del trabajo de Jamal del periodo. Toma una pieza insignificante como "Little Old Lady" y la transforma en una fuga repleta del contrapunto que personifica esta forma clasica. Un "You'd Be So Easy to Love" a ritmo acelerado, destacando los cepillos de Vernell Fournier, esta sabiamente adornado con runs y acordes tomados prestados de su compatriota de Pittsburgh Erroll Garner. "Raincheck" de Billy Strayhorn presenta arpeggios embriagadores asi como citas de "I'm Beginning to See the Light."
https://www.allmusic.com/album/happy-moods-argo-mw0000869725

J.R. Monterose-Hugh Brodie • Bebop Loose & Live

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist J.R. Monterose final recording has some strong moments. He performs a very long (over 18½-minute) version of "Blue Bossa" with pianist Larry Ham, bassist Pat O'Leary, drummer Tom Melito and high-powered fellow tenor Hugh Brodie. While Brodie has his own "Kiamesha" as a feature, Monterose is the only horn on lengthy renditions of "Green Dolphin Street" and "What's New."  In better shape than he had been for his Uptown set of 1979, J.R. sounds fairly distinctive and pushes himself. Unfortunately, he never did emerge from obscurity.
https://www.allmusic.com/album/bebop-loose-live-mw0000915137


Biography by Scott Yanow
J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136#biography

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Reseña de Scott Yanow
La grabación final del saxofonista tenor J. R. Monterose tiene algunos momentos fuertes. Interpreta una versión muy larga (más de 18½ minutos) de "Blue Bossa" con el pianista Larry Ham, el bajista Pat O'Leary, el baterista Tom Melito y el tenor Hugh Brodie. Si bien Brodie tiene su propia "Kiamesha" como característica, Monterose es la única bocina en las largas interpretaciones de "Green Dolphin Street" y " What's New."En mejor forma de lo que había estado para su set Uptown de 1979, J. R. suena bastante distintivo y se esfuerza. Desafortunadamente, él nunca emergió de la oscuridad.
https://www.allmusic.com/album/bebop-loose-live-mw0000915137


Biografía de Scott Yanow
J. R. Monterose (que no debe confundirse con su compatriota tenor Jack Montrose) es más famoso por un concierto que personalmente no disfrutó, tocando con Charles Mingus en 1956 y grabando en el álbum revelación de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica, Nueva York, tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se mudó a la ciudad de Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un set fuerte para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando a soprano en años posteriores), Monterose nunca se hizo realmente famoso. Además de su fecha Blue Note, dirigió sets para Jaro (una sesión de 1959 reeditada más tarde por Xanadu), Studio 4( que fue reeditada por V. S. O. P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969) y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence y dos para Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136#biography

Eric Alexander • Revival Of The Fittest

 

 

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Kjeld Lauritsen • Learning to Smile

 

Review from Jazznyt (by Niels Overgård) [original text in Danish]:
Han er efterhånden ved at have samlet et ret omfattende bagkatalog, siden han medvirkede på den første Organizers-plade i 1992. Hammondorganisten Kjeld Lauritsen har vendt jazznæsen mod det sydlige USA og Louisiana på det nyeste album Learning to smile. Det er sumpet, blueset, soulet og selvfølgelig pænt jazzet. Han er igen sammen med Per Gade på guitar og Søren Frost på trommer som på den forrige plade Time Zone. Styrken ved den nye plade er at den er mere stringent og fokuseret end den forrige. Kjeld Lauritsen kan mange ting og holder sig fra at vise det hele på en gang. Det er en glad og udadvendt plade, der smitter med sin gode stemning. Stemningen er henad souljazzen. På Blackfoot's Delight - der er trommeslageren Søren Blackfoot Frosts glansnummer med en fed shufflerytme - spiller Per Gade en guitarsolo som man skal tilbage til 60'ernes George Benson for at finde i samme lækre stil. Per Gade spiller den fedeste guitar på pladen, hvor Grant Greens sjæl også kommer forbi flere gange.

Kjeld Lauritsen har med sit nye album begået en lille perle. Det er en af den slags plader, der i den velformede lyd og udtryk vil blive trukket frem når man trænger til noget hammond. Dem har jeg flere af. Jimmy Smith, Jack McDuff eller Jimmy McGriff er gode vennner med min pladespiller. Det er Kjeld Lauritsens plade også blevet. Der er både swing, bossa, blues, rock og soul på pladen - men alt sammen præsenteres med det særlige Kjeld Lauritsen-filter henover. Det er derfor at jeg ikke vil tøve med at anbefale denne plade til de mange Hammond-connoisseurs, der godt kan lide vinyl. Den findes selvfølgelig på vinyl. Den er i sit udstyr med et mat farvestrålende cover og 180 grams vinyl en sand lækkerbisken. Swing med, hvis du ikke er en tør kiks.
http://jazznyt.blogspot.com/2015/09/kjeld-lauritsen-learning-to-smile-music.html

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Reseña de Jazznyt (por Niels Overgård):
Ya tiene un catálogo bastante extenso desde que participó en el primer disco de los Organizers en 1992. El organista Hammond Kjeld Lauritsen ha dirigido su olfato jazzístico hacia el sur de Estados Unidos y Louisiana en su último álbum Learning to Smile. Es pantanoso, blues, lleno de alma y, por supuesto, bien jazzístico. Está nuevamente con Per Gade en guitarra y Søren Frost en batería, como en el disco anterior Time Zone. La fuerza del nuevo disco es que es más conciso y enfocado que el anterior. Kjeld Lauritsen puede hacer muchas cosas y se abstiene de mostrarlo todo de una vez. Es un disco alegre y extrovertido que contagia su buen estado de ánimo. El ambiente es muy cercano al soul jazz. En Blackfoot's Delight — que es el número destacado del baterista Søren 'Blackfoot' Frost con un pesado ritmo shuffle — Per Gade toca un solo de guitarra al que hay que remontarse al George Benson de los años 60 para encontrar un estilo tan delicioso. Per Gade toca la guitarra más funky del disco, donde el alma de Grant Green también aparece varias veces.

Kjeld Lauritsen ha creado una pequeña joya con su nuevo álbum. Es uno de esos discos que, por su sonido bien formado y su expresión, se sacará cuando se necesite algo de Hammond. Tengo varios así. Jimmy Smith, Jack McDuff o Jimmy McGriff son buenos amigos de mi tocadiscos. El disco de Kjeld Lauritsen también lo ha sido. Hay swing, bossa, blues, rock y soul en el disco — pero todo se presenta con el particular filtro Kjeld Lauritsen encima. Por eso no dudaré en recomendar este disco a los muchos conocedores del Hammond a los que les gusta el vinilo. Existe en vinilo, por supuesto. Con su mate y colorida portada y vinilo de 180 gramos, es una verdadera delicia. ¡Únete al swing si no eres un soso!
http://jazznyt.blogspot.com/2015/09/kjeld-lauritsen-learning-to-smile-music.html


www.kjeldlauritsen ...

Music, Sound, and Technology in America A Documentary History of Early Phonograph, Cinema, and Radio

 

This unique anthology assembles primary documents chronicling the development of the phonograph, film sound, and the radio. These three sound technologies shaped Americans' relation to music from the late nineteenth century until the end of the Second World War, by which time the technologies were thoroughly integrated into everyday life. There are more than 120 selections between the collection's first piece, an article on the phonograph written by Thomas Edison in 1878, and its last, a column advising listeners "desirous of gaining more from music as presented by the radio." Among the selections are articles from popular and trade publications, advertisements, fan letters, corporate records, fiction, and sheet music. Taken together, the selections capture how the new sound technologies were shaped by developments such as urbanization, the increasing value placed on leisure time, and the rise of the advertising industry. Most importantly, they depict the ways that the new sound technologies were received by real people in particular places and moments in time.

 

 

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