James Cotton • Chicago Sessions

 

Biography by Bill Dahl
At his high-energy, 1970s peak as a bandleader, James Cotton was a bouncing, sweaty, whirling dervish of a bluesman, roaring his vocals and all but sucking the reeds right out of his defenseless little harmonicas with his prodigious lung power. Due to throat problems during his latter years, Cotton's vocals were no longer what they used to be, but he remained a masterful instrumentalist for decades. Cotton had some gargantuan shoes to fill when he stepped into Little Walter's slot as Muddy Waters' harp ace in 1954, but for the next dozen years, the young Mississippian filled the integral role beside Chicago's blues king with power and precision. Of course, Cotton had been preparing for such a career move for a long time, having learned how to wail on harp from none other than Sonny Boy Williamson himself.

Cotton was only a child when he first heard Williamson's fabled radio broadcasts for King Biscuit Time over KFFA out of Helena, Arkansas. So sure was Cotton of his future that he ended up moving into Williamson's home at age nine, soaking up the intricacies of blues harpdom from one of its reigning masters. Six years later, Cotton was ready to unleash a sound of his own.

Gigging with area notables Joe Willie Wilkins and Willie Nix, Cotton built a sterling reputation around West Memphis, following in his mentor's footsteps by landing his own radio show in 1952 over KWEM. Sam Phillips, whose Sun label was still a fledgling operation, invited Cotton to record for him, and two singles commenced: "Straighten Up Baby" in 1953 and "Cotton Crop Blues" the next year. Legend has it Cotton played drums instead of harp on the first platter.

When Waters rolled through Memphis minus his latest harpist (Junior Wells), Cotton hired on with the legend and went to Chicago. Unfortunately for the youngster, Chess Records insisted on using Little Walter on the great majority of Waters' waxings until 1958, when Cotton blew behind Waters on "She's Nineteen Years Old" and "Close to You." At Cotton's suggestion, Waters had added an Ann Cole tune called "Got My Mojo Working" to his repertoire. Walter played on Muddy Waters' first studio crack at it, but that's Cotton wailing on the definitive 1960 reading (cut live at the Newport Jazz Festival).

By 1966, Cotton was primed to make it on his own. Waxings for Vanguard, Prestige, and Loma preceded his official full-length album debut for Verve Records in 1967. His own unit then included fleet-fingered guitarist Luther Tucker and hard-hitting drummer Sam Lay. Throwing a touch of soul into his eponymous debut set, Cotton ventured into the burgeoning blues-rock field as he remained with Verve through the end of the decade.

100% Cotton
In 1974, Cotton signed with Buddah and released 100% Cotton, one of his most relentless LPs, with Matt "Guitar" Murphy sizzling on backup. A decade later, Alligator issued another standout Cotton LP, High Compression, which was split evenly between traditional-style Chicago blues and funkier, horn-driven material. Harp Attack!, a 1990 summit meeting on Alligator, paired Cotton with three exalted peers: Wells, Carey Bell, and comparative newcomer Billy Branch. Antone's Records was responsible for a pair of gems: a live 1988 set reuniting the harpist with Murphy and Tucker, and a stellar 1991 studio project, Mighty Long Time. Cotton moved into the 21st century as one of the last surviving originators of the Chicago blues sound, and didn't slow his pace, releasing a series of fine albums, including Fire Down Under the Hill (2000) and Baby, Don't You Tear My Clothes (2004), both for Telarc Records, and Giant (2010) and Cotton Mouth Man (2013), both on Alligator Records. A Best Blues Album nominee at the 2014 Grammy Awards, Cotton Mouth Man proved to be Cotton's last album released during his lifetime; the blues harp giant died of pneumonia in March 2017 at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/james-cotton-mn0000131841/biography

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Biografía de Bill Dahl
En su gran energía, en el pico de los 70 como director de banda, James Cotton era un derviche saltarín, sudoroso y arremolinado de un bluesman, rugiendo sus voces y casi chupando las cañas de sus indefensas armónicas con su prodigioso poder pulmonar. Debido a problemas de garganta durante sus últimos años, la voz de Cotton ya no era lo que solía ser, pero siguió siendo un magistral instrumentista durante décadas. Cotton tenía unos zapatos gigantescos que llenar cuando entró en el puesto de Little Walter como el as del arpa de Muddy Waters en 1954, pero durante la siguiente docena de años, el joven Mississippi ocupó el papel integral al lado del rey del blues de Chicago con poder y precisión. Por supuesto, Cotton se había estado preparando para este cambio de carrera durante mucho tiempo, habiendo aprendido a tocar el arpa nada menos que con el propio Sonny Boy Williamson.

Cotton era sólo un niño cuando escuchó por primera vez las legendarias emisiones de radio de Williamson para King Biscuit Time en la KFFA desde Helena, Arkansas. Tan seguro estaba Cotton de su futuro que terminó mudándose a la casa de Williamson a los nueve años, absorbiendo las complejidades de la arpa azul de uno de sus maestros reinantes. Seis años más tarde, Cotton estaba listo para desatar un sonido propio.

Junto a los notables de la zona Joe Willie Wilkins y Willie Nix, Cotton se forjó una excelente reputación en West Memphis, siguiendo los pasos de su mentor al lanzar su propio programa de radio en 1952 en KWEM. Sam Phillips, cuyo sello Sun era todavía una operación incipiente, invitó a Cotton a grabar para él, y comenzaron dos sencillos: "Straighten Up Baby" en 1953 y "Cotton Crop Blues" al año siguiente. La leyenda dice que Cotton tocó la batería en lugar del arpa en la primera bandeja.

Cuando Waters pasó por Memphis sin su último arpista (Junior Wells), Cotton contrató a la leyenda y se fue a Chicago. Por desgracia para el joven, Chess Records insistió en usar a Little Walter en la gran mayoría de los encerados de Waters hasta 1958, cuando Cotton sopló detrás de Waters en "She's Nineteen Years Old" y "Close to You". Por sugerencia de Cotton, Waters había añadido a su repertorio una melodía de Ann Cole llamada "Got My Mojo Working". Walter tocó en el primer crack de estudio de Muddy Waters, pero ese es Cotton llorando en la lectura definitiva de 1960 (cortada en vivo en el Festival de Jazz de Newport).

En 1966, Cotton estaba preparado para hacerlo por su cuenta. Waxings for Vanguard, Prestige, and Loma precedió a su debut oficial en un álbum completo para Verve Records en 1967. Su propia unidad incluía al guitarrista de dedos rápidos Luther Tucker y al baterista de gran éxito Sam Lay. Dando un toque de alma a su homónimo set de debut, Cotton se aventuró en el floreciente campo del blues-rock mientras permanecía con Verve hasta el final de la década.

100% Cotton
En 1974, Cotton firmó con Buddah y lanzó 100% Cotton, uno de sus LPs más implacables, con Matt "Guitarra" Murphy como respaldo. Una década más tarde, Alligator publicó otro destacado LP de Cotton, High Compression, que se dividió por igual entre el estilo tradicional del Chicago blues y el material más funky, con trompetas. Harp Attack!, una reunión cumbre de 1990 sobre Alligator, emparejó a Cotton con tres pares exaltados: Wells, Carey Bell, y el recién llegado Billy Branch. Antone's Records fue responsable de un par de gemas: un set en vivo de 1988 que reunía al arpista con Murphy y Tucker, y un estelar proyecto de estudio de 1991, Mighty Long Time. Cotton se trasladó al siglo XXI como uno de los últimos creadores sobrevivientes del sonido del blues de Chicago, y no disminuyó su ritmo, lanzando una serie de excelentes álbumes, incluyendo Fire Down Under the Hill (2000) y Baby, Don't You Tear My Clothes (2004), ambos para Telarc Records, y Giant (2010) y Cotton Mouth Man (2013), ambos en Alligator Records. Nominado a Mejor Álbum de Blues en los Premios Grammy 2014, Cotton Mouth Man resultó ser el último álbum de Cotton lanzado en vida; el gigante del arpa de blues murió de neumonía en marzo de 2017 a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/james-cotton-mn0000131841/biography

 
 

Bryan Ferry • Avonmore

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
On the album art of Avonmore, the record he released when he was a year shy of 70, Bryan Ferry showcases himself as a dashing young man -- a portrait of an artist not as a glam trailblazer or distinguished elder statesman, but rather caught in an indeterminate time between the gorgeous heartbreak of Roxy Music's Avalon and the meticulous solo work that came immediately in its wake. This is Ferry's prime, a moment when his legacy was intact but yet to be preserved in amber. Avonmore consciously evokes this distinct period, sometimes sighing into the exquisite ennui of Avalon but usually favoring the fine tailoring of Boys & Girls, a record where every sequenced rhythm, keyboard, and guitar line blended into an alluring urbane pulse. Ferry isn't so much racing to revive a younger edition of himself as much as laying claim to this particular strand of sophisticated pop, one that happens to feel a shade richer now when it's delivered by an artist whose world-weariness has settled into his marrow but is yet to sadden him. This much is apparent on Avonmore's closing covers, an oddly appropriate pairing of Stephen Sondheim's "Send in the Clowns" and Robert Palmer's "Johnny & Mary" that are both given gently meditative electronic makeovers, but much of the record explores the other end of the Ferry spectrum, where he's making music to dance away the heartache. He's no longer on the floor himself, preferring to watch with a bit of a bemusement, but this reserved romanticism suits him perfectly, particularly because Ferry and his co-producer Rhett Davies -- a steady collaborator since 1999's standards record As Time Goes By -- place an emphasis on mood but not at the expense of the songs. Naturally, what is first alluring about Avonmore is its feel -- it's meant to be seductive -- but the songs are what makes this record something more than a fling.
https://www.allmusic.com/album/avonmore-mw0002757654

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
En la carátula del álbum de Avonmore, el disco que lanzó cuando le faltaba un año para cumplir 70 años, Bryan Ferry se muestra como un joven apuesto - un retrato de un artista no como un pionero del glamour o un distinguido estadista mayor, sino más bien atrapado en un tiempo indeterminado entre el hermoso desengaño de Avalon de Roxy Music y el meticuloso trabajo en solitario que vino inmediatamente después. Este es el momento cumbre de Ferry, un momento en el que su legado estaba intacto pero aún no se ha conservado en el ámbar. Avonmore evoca conscientemente este período, a veces suspirando por el exquisito enojo de Avalon, pero generalmente favoreciendo la fina confección de Boys & Girls, un disco donde cada ritmo secuenciado, teclado y línea de guitarra se mezclan en un atractivo pulso urbano. Ferry no está corriendo tanto para revivir una edición más joven de sí mismo como para reclamar esta particular línea de pop sofisticado, que resulta ser más rico ahora cuando lo hace un artista cuyo cansancio del mundo se ha asentado en su médula pero que aún no lo entristece. Esto es evidente en las últimas portadas de Avonmore, una extraña pareja de "Send in the Clowns" de Stephen Sondheim y "Johnny & Mary" de Robert Palmer, que son maquilladas electrónicamente con suavidad, pero gran parte del disco explora el otro extremo del espectro de Ferry, donde está haciendo música para bailar y aliviar el dolor. Ya no está en el suelo, prefiriendo mirar con un poco de desconcierto, pero este romanticismo reservado le sienta perfectamente, sobre todo porque Ferry y su coproductor Rhett Davies -- un colaborador constante desde el disco estándar de 1999 "As Time Goes By" -- ponen énfasis en el estado de ánimo pero no a expensas de las canciones. Naturalmente, lo primero que atrae de Avonmore es su sentimiento, que está pensado para ser seductor, pero las canciones son lo que hace que este disco sea algo más que una aventura.

https://www.allmusic.com/album/avonmore-mw0002757654

 

 

bryanferry.com ...

 

 

Nigel Kennedy • Blue Note Sessions

 

Review by Ken Dryden
Nigel Kennedy made quite a reputation for himself as a classical violin virtuoso, though he long expressed an interest in jazz prior to the making of this CD. A number of jazz veterans, including bassist Ron Carter, drummer Jack DeJohnette, pianist Kenny Werner, and tenor saxophonist Joe Lovano (along with several others) are present and provide a stimulating group for Kennedy, who early on in the disc is comparable to Jean-Luc Ponty during the early stages of his career as a leader. But Kennedy seems a bit too conservative throughout much of the date, not taking the kind of chances one would expect of a jazz violinist during his improvisations. Another part of the problem is due to the presence of some rather pedestrian material like Butch Cornell's bland funk vehicle "Sunshine Alley" (which adds organist Lucky Peterson) and the forgettable treatment of "Expansions," featuring Raul Midón's vocal and Kennedy's bizarre use of digital delay on his instrument. Even Horace Silver's hard bop masterpiece "Song for My Father" doesn't reach his potential. Nigel Kennedy demonstrates clearly how hard it is to play jazz convincingly when it is not a major part of his regular playing schedule.

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Reseña de Ken Dryden
Nigel Kennedy se hizo una gran reputación como virtuoso del violín clásico, aunque ya había expresado su interés por el jazz antes de la realización de este CD. Varios veteranos del jazz, entre ellos el bajista Ron Carter, el baterista Jack DeJohnette, el pianista Kenny Werner y el saxofonista tenor Joe Lovano (junto con varios otros) están presentes y constituyen un grupo estimulante para Kennedy, que al principio del disco es comparable a Jean-Luc Ponty durante las primeras etapas de su carrera como líder. Pero Kennedy parece un poco demasiado conservador durante gran parte de la fecha, no corriendo el tipo de riesgos que uno esperaría de un violinista de jazz durante sus improvisaciones. Otra parte del problema se debe a la presencia de algún material más bien peatonal como el vehículo funk soso de Butch Cornell "Sunshine Alley" (que añade el organista Lucky Peterson) y el olvidable tratamiento de "Expansiones", que presenta la voz de Raúl Midón y el extraño uso que Kennedy hace del retardo digital en su instrumento. Incluso la obra maestra del hard bop de Horace Silver "Song for My Father" no alcanza su potencial. Nigel Kennedy demuestra claramente lo difícil que es tocar jazz de forma convincente cuando no es una parte importante de su agenda habitual.

 

www.nigelkennedy.co.uk ...

 

Cyrus Chestnut • The Cyrus Chestnut Quartet

 

Cyrus Chestnut, one of the world's most celebrated jazz pianists, unveils new original compositions on his new release Cyrus Chestnut Quartet, on WJ3 Records. This is the first time for Chestnut, who's released over a dozen albums since his recording debut in 1992, to lead his own quartet on CD. Produced by Todd Barkan, Cyrus Chestnut Quartet features Stacy Dillard on sax, Dezron Douglas on bass and Willie Jones III on drums. The collection is comprised of seven new original straight-ahead swinging tunes by Chestnut and What's Happening by Douglas.

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Cyrus Chestnut, uno de los pianistas de jazz más célebres del mundo, revela nuevas composiciones originales en su nuevo lanzamiento Cyrus Chestnut Quartet, en WJ3 Records. Esta es la primera vez que Chestnut, que ha publicado más de una docena de álbumes desde su debut discográfico en 1992, dirige su propio cuarteto en CD. Producido por Todd Barkan, el Cyrus Chestnut Quartet cuenta con Stacy Dillard en el saxo, Dezron Douglas en el bajo y Willie Jones III en la batería. La colección está compuesta por siete nuevas melodías originales de Chestnut y What's Happening de Douglas.

Joon Smith Trio • Hand Carved Swing

Guitarrista de Corea del Sur.

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South Korean guitarist.