Warne Marsh Quartet • Ne Plus Ultra

 

The passing of time has done nothing to reduce the singularity of Warne Marsh's art, and this set, recorded at the end of the 1960s, is an excellent working definition. Marsh was always a musician for whom points of reference in terms of influences were never helpful. To say, for example, that he shared a certain afinity with Lester Young is to overlook the wholesale differences in their musical worlds.

The same can be said for any reliance Marsh might have had on licks or certain phrases. Sheer depth of invention usurped any such need quite early on in his career. Similarly, never has a saxophonist employed tonal nuance as an end in itself in the way that he did. This is apparent here on "317 E. 32nd," an example of how one of Lennie Tristano's lines always provided Marsh with maximum stimulation.

The Tristano ideal of the quietly ticking rhythm section is not present on Ne Plus Ultra, however, and the music is all the better for it. Drummer John Tirabasso is an interventionist when the time is right and a master of touch when that's required, and bassist Dave Parlato prompts as much as he accompanies. This makes for what might be called whole group music, despite the attention that the saxophones of Marsh and Gary Foster perhaps inevitably command.

This quality ensures that the listener's attention doesn't wander during the fifteen minutes of "Touch And Go," where the music is fashioned in the moment and the players pay close attention to the contributions of the others, fashioning their own accordingly.

There were countless things that Warne Marsh wasn't as a musician. He wasn't a bopper anymore than he was an adherent of any particular school once he'd reached maturity, and while there will always be those for whom his music is too cerebral, the point seems more than a little specious when he could put out music as endlessly fascinating as this.
By Nic Jones
June 22, 2006
https://www.allaboutjazz.com/ne-plus-ultra-warne-marsh-hatology-review-by-nic-jones

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El paso del tiempo no ha hecho nada para reducir la singularidad del arte de Warne Marsh, y este conjunto, grabado a finales de los años sesenta, es una excelente definición de trabajo. Marsh siempre fue un músico para el que los puntos de referencia en términos de influencias nunca fueron útiles. Decir, por ejemplo, que compartía cierta afinidad con Lester Young es pasar por alto las grandes diferencias de sus mundos musicales.

Lo mismo puede decirse de la dependencia que Marsh pudiera tener de los licks o de ciertas frases. La mera profundidad de la invención usurpó cualquier necesidad de este tipo bastante pronto en su carrera. Del mismo modo, nunca un saxofonista ha empleado el matiz tonal como un fin en sí mismo de la forma en que él lo hizo. Esto es evidente aquí en «317 E. 32nd», un ejemplo de cómo una de las líneas de Lennie Tristano siempre proporcionaba a Marsh el máximo estímulo.

Sin embargo, el ideal de Tristano de una sección rítmica silenciosa no está presente en Ne Plus Ultra, y la música es mucho mejor por ello. El batería John Tirabasso es un intervencionista cuando es el momento adecuado y un maestro del toque cuando es necesario, y el bajista Dave Parlato incita tanto como acompaña. Esto da lugar a lo que podría llamarse música de grupo, a pesar de la atención que los saxos de Marsh y Gary Foster acaparan inevitablemente.

Esta cualidad garantiza que la atención del oyente no se desvíe durante los quince minutos de «Touch And Go», donde la música se crea en el momento y los músicos prestan mucha atención a las contribuciones de los demás, creando las suyas propias en consecuencia.

Había innumerables cosas que Warne Marsh no era como músico. No era un «bopper» como tampoco era un seguidor de ninguna escuela en particular una vez que había alcanzado la madurez, y aunque siempre habrá aquellos para quienes su música es demasiado cerebral, el punto parece más que un poco engañoso cuando podía producir música tan infinitamente fascinante como ésta.
Por Nic Jones
22 de junio de 2006
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Beverly 'Guitar' Watkins • Don't Mess With Miss Watkins

Artist Biography by Richard Skelly

Georgia-based guitarist, singer, and songwriter Beverly "Guitar" Watkins is one part soul singer, one part rockin' roadhouse mama, and one part gifted songwriter. She's also been chronically under-recorded for a woman with her résumé: she spent the early '60s playing rhythm guitar with Piano Red & the Interns. She recorded with Piano Red from 1959 until the mid-'60s, and can be heard on his popular singles "Doctor Feelgood" and "Right String But the Wrong Yo Yo." Watkins learned guitar and got her earliest musical sensibilities from several of her aunts, who had a quartet named the Hayes Family. She also had a banjo playing grandfather, Luke Hayes. On holidays and at family get-togethers, these musicians would assemble and the blues and gospel were passed on in a true folk process to the young Watkins.

Her earliest influences included Rosetta Tharpe, Bessie Smith, Ma Rainey, and Memphis Minnie, and she was exposed to the music because of her grandmother, who would play their recordings on the family Gramophone. She began playing guitar as an eight-year-old, learning by listening to the records her mother would play for her. Later, she was exposed to the records of touring bands, including Louis Jordan's and Count Basie's. She began to model her playing after Charlie Byrd and Basie's rhythm guitarist, Freddie Green. Throughout high school, she participated in a variety of talent shows and played trumpet in the school band. Her high school band master helped broaden her knowledge of jazz and blues guitar, and piano. After a succession of bands in high school, she settled in with playing with Piano Red, who later changed their name and found their widest appeal, as Piano Red & the Houserockers, which led to bookings outside Atlanta and northern Florida in cities like Chicago, Detroit, and Washington, D.C.

In 1965, the band broke up, but not before going through several more name changes. Watkins then hooked up with Eddie Tigner and the Ink Spots and toured extensively with that group, playing for nearly a year with him before he was felled by a stroke. Watkins came off the road and took a break from the brutal touring she had done for much of the '60s. She worked a procession of day jobs as a domestic and in car washes before joining Leroy Redding & the Houserockers. Watkins worked on and off with Redding until the late '80s before striking out on her own and creating a residency for herself at Underground Atlanta, an Atlanta nightclub, often accompanied by a drummer and her son on bass. Here she developed her singing and harmonica-playing skills. Back in Business, her solo debut album, was released in 2001 as part of the Music Maker Series distributed by Sire Records Group/ Warner Bros. The album showcases Watkins' flexibility and prowess in a wide range of styles: roadhouse blues, jazz-inflected blues, and rockabilly-blues. Now in her sixties, Watkins continues to perform in Atlanta-area blues clubs and at major festivals around the U.S.. She put in a particularly compelling, energetic performance at the 2000 Chicago Blues Festival.

Watkins was playing internationally (for example, the Main Stage at the Ottawa Blues Fest in 2004) as well as in her hometown Atlanta until temporarily sidelined by surgery in 2005, but is recovered and taking bookings. She performed a set at the 2008 Cognac Blue Festival.

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Biografía del artista por Richard Skelly

La guitarrista, cantante y compositora Beverly "Guitarra" Watkins es en parte cantante de soul, en parte rockera y en parte compositora de talento. También ha sido crónicamente subgrabada por una mujer con su currículum: pasó los primeros años 60 tocando la guitarra rítmica con Piano Red & the Interns. Grabó con Piano Red desde 1959 hasta mediados de los 60, y se puede escuchar en sus populares singles "Doctor Feelgood" y "Right String But the Wrong Yo Yo". Watkins aprendió guitarra y obtuvo sus primeras sensibilidades musicales de varias de sus tías, que tenían un cuarteto llamado la Familia Hayes. También tenía un abuelo que tocaba el banjo, Luke Hayes. En las vacaciones y en las reuniones familiares, estos músicos se reunían y el blues y el gospel se transmitían en un verdadero proceso folclórico al joven Watkins.

Sus primeras influencias incluyeron a Rosetta Tharpe, Bessie Smith, Ma Rainey y Memphis Minnie, y estuvo expuesta a la música gracias a su abuela, que tocaba sus grabaciones en el gramófono familiar. Empezó a tocar la guitarra a los ocho años, aprendiendo escuchando los discos que su madre le tocaba. Más tarde, estuvo expuesta a los discos de bandas en gira, incluyendo los de Louis Jordan y Count Basie. Empezó a tocar como el guitarrista rítmico de Charlie Byrd y Basie, Freddie Green. Durante la secundaria, participó en varios espectáculos de talentos y tocó la trompeta en la banda de la escuela. Su maestro de la banda de la escuela secundaria le ayudó a ampliar su conocimiento de la guitarra de jazz y blues, y el piano. Después de una sucesión de bandas en la escuela secundaria, se instaló con la participación de Piano Red, que más tarde cambió su nombre y encontró su mayor atractivo, como Piano Red & the Houserockers, lo que llevó a reservas fuera de Atlanta y el norte de Florida en ciudades como Chicago, Detroit y Washington, D.C.

En 1965, la banda se separó, pero no antes de pasar por varios cambios de nombre más. Watkins se unió a Eddie Tigner y a los Ink Spots y realizó una extensa gira con ese grupo, tocando durante casi un año con él antes de que le diera un ataque de apoplejía. Watkins se salió de la carretera y se tomó un descanso de la brutal gira que había hecho durante gran parte de los 60. Trabajó en una procesión de trabajos de día como doméstica y en lavaderos de coches antes de unirse a Leroy Redding & the Houserockers. Watkins trabajó de vez en cuando con Redding hasta finales de los 80, antes de independizarse y crear una residencia en el Underground Atlanta, un club nocturno de Atlanta, a menudo acompañada por un baterista y su hijo en el bajo. Aquí desarrolló sus habilidades para cantar y tocar la armónica. Back in Business, su álbum debut en solitario, fue lanzado en 2001 como parte de la serie Music Maker Series distribuida por Sire Records Group/ Warner Bros. El álbum muestra la flexibilidad y la destreza de Watkins en una amplia gama de estilos: blues de carretera, blues con influencia de jazz y rockabilly-blues. Ahora en sus sesenta años, Watkins continúa actuando en los clubes de blues del área de Atlanta y en los principales festivales de los Estados Unidos. Hizo una actuación particularmente convincente y enérgica en el Festival de Blues de Chicago del año 2000.

Watkins estuvo tocando internacionalmente (por ejemplo, en el escenario principal del Ottawa Blues Fest en 2004), así como en su ciudad natal Atlanta, hasta que quedó temporalmente fuera de servicio por una operación en 2005, pero se ha recuperado y está tomando reservas. Actuó en un conjunto en el Festival Azul de Coñac de 2008.

Terry Gibbs • Findin' The Groove

Recording prolifically in the first years of the 21st century, the octogenarian Terry Gibbs still delivers the fastest vibes in the West on this aptly named 2006 release Findin' the Groove. No tributes or concepts based on the past this time -- just straight-ahead, likeable, hard swinging workouts from a sextet that features the great flutist Hubert Laws on its front line. Gibbs and Laws had only played together once before -- when Laws sat in on piccolo unexpectedly on a Gibbs gig at Steamers in Fullerton, CA not long before this session. Yet they make a very graceful pair, their sound dancing with feather-light agility over the rhythm section, giving this ad hoc yet tight little band a special sound all its own. Laws isn't as visible on the recording scene these days as he once was -- and from hearing his sterling, swinging style and huge, golden tone on this date, you can't figure out why this should be so. Another big factor in this session's lightly shaded color scheme is Terry's drummer, son Gerry Gibbs, who propels the selections with the relentless yet never overbearing energy of his father. Terry wrote about half of the material, all of it appealing, including some journeys into samba "Samba Wazoo" and wistful bossa nova ("The House That Might Have Been, " with vocals by Joan Carroll). Amidst all of the up-tempo swingers, "Teach Me Tonight" is a relaxed breather in context, though these thoroughbreds seem reined in, just dying to gallop again. Alas, Jimmy Giuffre's irresistible "Four Brothers" doesn't really hit its stride until the solos kick in; the famous theme sounds uncharacteristically labored (yes, it's difficult). Mostly, though, a splendid session. ~ Richard S. Ginell 
http://www.allmusic.com/album/findin-the-groove-mw0000547204
  
 Published: October 2, 2006 Terry Gibbs: Findin' the Groove Terry Gibbs, who has been Findin' the Groove for more than sixty years and continues to home in on it at the post-retirement age of 81 (82 on October 13), shares the front line with master flutist Hubert Laws on his latest album, which, in typical Gibbs fashion, swings relentlessly in a bop-centered groove from first note to last.
The vibes/flute tandem proves remarkably successful, especially when supported by a savvy rhythm section anchored by Terry's son, Gerry, at the drum kit and including guitarist Dan Faehnle, pianist Tom Ranier and bassist Hamilton Price from Gerry's Thrasher Big Band. Faehnle and Ranier are resourceful improvisers who keep Terry and Hubert on their toes and wailing, while Gerry takes a star turn on Terry's "Dance with the Brushes, patterned after Neal Hefti's "Cute. Terry wrote half a dozen other tunes to complement the standards "But Not for Me and "Teach Me Tonight, Bernie Miller's "Bernie's Tune, Benny Golson's "Killer Joe, Jimmy Giuffre's "Four Brothers and Denzil Best's "Wee. Terry arranged everything, and there's not a turkey in the barnyard.

Joan Carroll, definitely someone to keep an eye on, sings marvelously on the Gershwins' "But Not for Me and Terry's bossa "The House That Might Have Been (lyric by Arthur Hamilton), even though "But Not for Me, written as a lament to love that can never be, is cast as an up-tempo romp whose inherent sadness has been supplanted by pure elation. Even so, Carroll manages to make the change of pace seem convincing.

Laws, who has strayed in recent years from the straight-ahead path, sounds as though he'd never been away, matching Terry stride for stride in a series of electrifying ad-libs that reaches its zenith on the mercurial "Wee. To be honest, these old pros are untroubled at any tempo, as one recognizes throughout this relaxed yet cohesive studio date. Above all, they are having fun together, a vibe (pardon the pun) that the listener can instantly sense and appreciate.

Terry Gibbs and his mates have clearly found a groove, one that should please almost anyone who enjoys swinging, straight-from-the-hip jazz. Excellent sound and generous playing time help make the session even more enticing. Warmly recommended. ~ Jack Bowers, All About Jazz
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=23200#.UpURtk0we1s

 

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Grabando prolíficamente en los primeros años del siglo XXI, el octogenario Terry Gibbs sigue ofreciendo las vibraciones más rápidas de Occidente en esta publicación de 2006, acertadamente llamada Findin' the Groove. Esta vez no hay homenajes ni conceptos basados en el pasado, sino que se trata de un trabajo directo, simpático y con mucho swing de un sexteto que cuenta con el gran flautista Hubert Laws en primera línea. Gibbs y Laws sólo habían tocado juntos una vez antes - cuando Laws se sentó en el piccolo inesperadamente en un concierto de Gibbs en Steamers en Fullerton, CA no mucho antes de esta sesión. Sin embargo, forman una pareja muy elegante, su sonido baila con una agilidad de pluma sobre la sección rítmica, dando a esta pequeña banda ad hoc pero ajustada un sonido especial propio. Laws ya no es tan visible en la escena discográfica como lo fue en su día, y al escuchar su excelente estilo de swing y su enorme tono dorado en esta sesión, no se puede entender por qué. Otro factor importante en el esquema de color ligeramente matizado de esta sesión es el baterista de Terry, su hijo Gerry Gibbs, que impulsa las selecciones con la energía implacable pero nunca dominante de su padre. Terry escribió aproximadamente la mitad del material, todo él atractivo, incluyendo algunos viajes a la samba "Samba Wazoo" y a la melancólica bossa nova ("The House That Might Have Been", con voces de Joan Carroll). En medio de todos los ritmos de swing, "Teach Me Tonight" es un respiro relajado en el contexto, aunque estos purasangres parecen estar frenados, muriéndose de ganas de galopar de nuevo. Por desgracia, el irresistible "Four Brothers" de Jimmy Giuffre no llega a su punto álgido hasta que los solos entran en acción; el famoso tema suena inusualmente trabajado (sí, es difícil). Sin embargo, en general, es una sesión espléndida. ~ Richard S. Ginell
http://www.allmusic.com/album/findin-the-groove-mw0000547204
 
 Publicado: 2 de octubre de 2006 Terry Gibbs: Findin' the Groove Terry Gibbs, que lleva más de sesenta años encontrando el Groove y que sigue en ello a la edad de 81 años (82 el 13 de octubre), comparte la primera línea con el maestro de la flauta Hubert Laws en su último álbum, que, al estilo típico de Gibbs, se balancea implacablemente en un ritmo centrado en el bop desde la primera hasta la última nota.
El tándem de vibráfono y flauta resulta notablemente exitoso, especialmente cuando está apoyado por una inteligente sección rítmica anclada por el hijo de Terry, Gerry, en la batería y que incluye al guitarrista Dan Faehnle, al pianista Tom Ranier y al bajista Hamilton Price de la Thrasher Big Band de Gerry. Faehnle y Ranier son improvisadores ingeniosos que mantienen a Terry y Hubert en vilo, mientras que Gerry se convierte en la estrella de "Dance with the Brushes" de Terry, inspirada en "Cute" de Neal Hefti. Terry escribió otra media docena de temas para complementar los estándares "But Not for Me" y "Teach Me Tonight", "Bernie's Tune" de Bernie Miller, "Killer Joe" de Benny Golson, "Four Brothers" de Jimmy Giuffre y "Wee" de Denzil Best. Terry lo arregló todo, y no hay un pavo en el corral.

Joan Carroll, sin duda alguien a quien hay que seguir de cerca, canta maravillosamente en "But Not for Me" de los Gershwin y en la bossa "The House That Might Have Been" de Terry (letra de Arthur Hamilton), aunque "But Not for Me", escrita como un lamento al amor que nunca podrá ser, se convierte en un retozo a ritmo acelerado cuya tristeza inherente ha sido suplantada por pura euforia. Aun así, Carroll consigue que el cambio de ritmo resulte convincente.

Laws, que se ha desviado en los últimos años del camino recto, suena como si nunca se hubiera alejado, igualando a Terry zancada a zancada en una serie de electrizantes balbuceos que alcanzan su cenit en la mercurial "Wee". Para ser sinceros, estos viejos profesionales no tienen problemas con ningún tempo, como se reconoce a lo largo de esta relajada pero cohesionada cita de estudio. Por encima de todo, se divierten juntos, un ambiente (perdón por el juego de palabras) que el oyente puede percibir y apreciar al instante.

Terry Gibbs y sus compañeros han encontrado claramente un ritmo, que debería gustar a casi todos los que disfrutan del jazz con swing y directo a la cadera. El excelente sonido y el generoso tiempo de reproducción contribuyen a que la sesión sea aún más atractiva. Muy recomendable. ~ Jack Bowers, All About Jazz
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=23200#.UpURtk0we1s

Barbara Carroll • Live - Her Piano And Trio

 

The elegant jazz pianist, composer and vocalist Barbara Carroll is regarded as one of today’s most fascinating purveyors of swinging jazz piano and expressive vocals. Equally at home in a concert hall or intimate music room, she connects with her audience through the passion, joy and emotional power of her performances. Her inventive piano playing and unique vocal sound transforms composition by Harold Arlen, Cole Porter, Billy Strayhorn or Thelonious Monk into her own art with emotional directness and respect for the tunes and their possibilities.

Noted jazz critic Leonard Feather declared that she was “the first girl to play bop piano,” and People Magazine recently wrote: “Barbara Carroll’s jazz pianism is the subtlest and most intricate that New York has to offer.”

Ms. Carroll’s diverse musical career began at the age of five with piano lessons in her native Worcester, Massachusetts. Her classical training began at age eight and continued through her years at the New England Conservatory of Music. Along the way, she developed a fervent interest in jazz and was influenced by the work of Nat “King” Cole, Bud Powell, Charlie Parker and other important musicians of the era.

After making her New York debut at the celebrated Downbeat Club on legendary 52nd Street, she went on to perform in major music rooms across the country to audiences that regularly included luminaries such as Frank Sinatra, Lena Horne, Tony Bennett, and Dinah Washington. Her work over the past 50 years has spanned everything from appearances on Broadway with her trio in Rodgers and Hammerstein's Me and Juliet to performances in concert halls, jazz clubs, on major TV shows and festival stages throughout the world. She has performed for President and Mrs. Clinton at the White House and has made more than thirty major label recordings with an array of jazz legends including Art Farmer, Claudio Roditi, Bucky Pizzarelli and John Pizzarelli.

Ms. Carroll, whom many regard as New York’s “first lady of jazz piano,” recently completed a record-breaking run at the famed Bemelmans Bar in the Carlyle Hotel, where she appeared annually for two extended engagements for 24 consecutive years. Now performing nearly every Wednesday at Birdland (with bassist Jay Leonhart and Joe Cocuzzo on drums), Ms. Carroll has returned to the kind of jazz clubs that made her famous in the 1950s.

Her 2005 release of “Live At Birdland,” showcases her extensive repertoire coupled with her intimate knowledge and presentation of jazz piano at its best.

https://musicians.allaboutjazz.com/barbaracarroll

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La elegante pianista de jazz, compositora y vocalista Barbara Carroll está considerada como una de las proveedoras más fascinantes de hoy en día de piano de jazz y de voces expresivas. Tanto en su casa, en una sala de conciertos o en una sala de música íntima, conecta con su público a través de la pasión, la alegría y el poder emocional de sus actuaciones. Su inventiva en el piano y su sonido vocal único transforma la composición de Harold Arlen, Cole Porter, Billy Strayhorn o Thelonious Monk en su propio arte con una franqueza emocional y un respeto por las melodías y sus posibilidades.

El célebre crítico de jazz Leonard Feather declaró que era "la primera chica que tocaba el piano bop", y la revista People escribió recientemente: "El pianismo de jazz de Barbara Carroll es el más sutil e intrincado que Nueva York tiene para ofrecer".

La diversa carrera musical de la Sra. Carroll comenzó a la edad de cinco años con clases de piano en su Worcester natal, Massachusetts. Su formación clásica comenzó a los ocho años y continuó durante sus años en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra. En el camino, desarrolló un ferviente interés por el jazz y se vio influenciada por la obra de Nat "King" Cole, Bud Powell, Charlie Parker y otros importantes músicos de la época.

Después de hacer su debut en Nueva York en el célebre Downbeat Club de la legendaria calle 52, se presentó en las principales salas de música de todo el país ante un público que incluía regularmente a luminarias como Frank Sinatra, Lena Horne, Tony Bennett y Dinah Washington. Su trabajo en los últimos 50 años ha abarcado desde apariciones en Broadway con su trío en Me and Juliet (Yo y Julieta) de Rodgers y Hammerstein hasta actuaciones en salas de conciertos, clubes de jazz, en los principales programas de televisión y en escenarios de festivales de todo el mundo. Ha actuado para el Presidente y la Sra. Clinton en la Casa Blanca y ha hecho más de treinta grabaciones de grandes sellos discográficos con una serie de leyendas del jazz como Art Farmer, Claudio Roditi, Bucky Pizzarelli y John Pizzarelli.

La Sra. Carroll, a quien muchos consideran la "primera dama del piano de jazz" de Nueva York, recientemente completó una carrera que rompió récords en el famoso Bar Bemelmans en el Hotel Carlyle, donde se presentó anualmente para dos compromisos extendidos durante 24 años consecutivos. Ahora, al actuar casi todos los miércoles en Birdland (con el bajista Jay Leonhart y Joe Cocuzzo a la batería), la Sra. Carroll ha regresado al tipo de clubes de jazz que la hizo famosa en el decenio de 1950.

Su lanzamiento en 2005 de "Live At Birdland", muestra su extenso repertorio junto con su íntimo conocimiento y presentación del piano de jazz en su mejor momento.

https://musicians.allaboutjazz.com/barbaracarroll

 

 

 

Thelonious Monk With John Coltrane • The Complete 1957 Riverside Recordings

 

Review by Thom Jurek
Hardcore jazzheads with no doubt be delighted with this double-disc set that includes all the recordings Thelonious Monk and John Coltrane did together in 1957 for Riverside. Never mind that the vast majority of this material has been issued several times. There are two cuts that have never appeared before: an alternate of "Crepuscule with Nellie" from the septet sessions for Monk's Music on June 25 and 26 ( with Gigi Gryce, Coleman Hawkins, bassist Wilbur Ware, and drummer Shadow Wilson), and an alternate of "Abide with Me" with just Trane, Hawkins, and Gryce. There are also two tracks -- one of them a false start with Ware and Coltrane -- of "Monk's Mood," recorded on April 12 for inclusion on the otherwise solo Thelonious Himself album. The remaining three cuts with Ware, Wilson, and Coltrane were taken form the At the Five Spot live recording. Orrin Keepnews compiled this collection and wrote a wonderful and insightful essay about recording this music. It was all arranged chronologically, meaning there are no less than five takes in total of "Crepuscule with Nellie" taking up the vast majority of disc one. For those who have to have absolutely everything.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-1957-riverside-recordings-mw0000401974

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Reseña de Thom Jurek
Los amantes del jazz estarán encantados con este doble disco que incluye todas las grabaciones que Thelonious Monk y John Coltrane hicieron juntos en 1957 para Riverside. No importa que la gran mayoría de este material se haya publicado varias veces. Hay dos cortes que nunca antes habían aparecido: una alternativa de "Crepuscule with Nellie" de las sesiones del septeto para Monk's Music del 25 y 26 de junio (con Gigi Gryce, Coleman Hawkins, el bajista Wilbur Ware y el batería Shadow Wilson), y una alternativa de "Abide with Me" con sólo Trane, Hawkins y Gryce. También hay dos pistas -- una de ellas una falsa salida con Ware y Coltrane -- de "Monk's Mood", grabada el 12 de abril para su inclusión en el álbum Thelonious Himself, que por lo demás es en solitario. Los tres cortes restantes con Ware, Wilson y Coltrane se tomaron de la grabación en directo At the Five Spot. Orrin Keepnews recopiló esta colección y escribió un maravilloso y perspicaz ensayo sobre la grabación de esta música. Todo se ordenó cronológicamente, lo que significa que hay nada menos que cinco tomas en total de "Crepuscule with Nellie", que ocupan la mayor parte del primer disco. Para los que tienen que tenerlo absolutamente todo.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-1957-riverside-recordings-mw0000401974