A native of Hiroshima, Japan, Takeshi Ohbayashi began playing piano at the age of two.
Ohbayashi studied film scoring and composition at Tokyo College of Music, but it was not until he attended a jazz piano clinic during his freshman year, that he found his calling to jazz. He was awarded a scholarship to the renowned Berklee College of Music in Boston, where he began his studies in 2007. Following this, Ohbayashi was awarded the Best Player Award and the Audience’s Favorite Award in the 2009 Yokohama Jazz Competition. In Fall 2009, Ohbayashi was selected to be a part of the opening class of the honorable Berklee Global Jazz Institute, led by Danilo Perez. During his time in the Berklee Global Jazz Institute, Ohbayashi performed and taught alongside world class musicians in music clinics around the world.
Ohbayashi graduated from Berklee in 2011 and currently resides in New York City where he leads his own trio and co-leads the New Century Jazz Quintet, with Grammy award winning drummer Ulysses Owens Jr. Ohbayashi quickly garnered reputation as an in demand pianist/keyboardist between world class jazz musicians in New York City. Some of the notables that Ohbayashi has played with internationally include Takuya Kuroda, Jose James, Terri Lyne Carrington, Hailey Niswanger, Charles Turner III, Felix Peikli.
Ohbayashi performs both as a sideman and leader regularly at New York jazz staples such as: Blue Note, Jazz at Lincoln Center, Small's and Smoke, to name a few. Frequently on tour, Ohbayashi has traveled domestically and internationally to over 30 different countries with a myriad of NYC based artists.
In 2016, Ohbayashi received 1st place at the Jacksonville Piano Competition, being the first Japanese pianist in history to do so. That same year, New Century Jazz Quintet won the DCJazzPrix at the DC Jazz Festival.
In addition to his illustrious performing career, Ohbayashi is also an accomplished and reputable educator. He travels abroad to perform and teach with the tour organized by Jazz at Lincoln Center, JazzReach.
Ohbayashi has released 5 records as a leader. His most recent release, “Manhattan”, has received “Jazz Japan 2016 Album of the Year” https://takeshi.online/about#bio
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Nacido en Hiroshima (Japón), Takeshi Ohbayashi empezó a tocar el piano a los dos años.
Ohbayashi estudió composición y composición cinematográfica en la Escuela Superior de Música de Tokio, pero no fue hasta que asistió a un curso de piano jazz durante su primer año de carrera cuando encontró su vocación por el jazz. Obtuvo una beca para el prestigioso Berklee College of Music de Boston, donde comenzó sus estudios en 2007. Posteriormente, Ohbayashi fue galardonado con el Premio al Mejor Intérprete y el Premio Favorito del Público en el Concurso de Jazz de Yokohama de 2009. En otoño de 2009, Ohbayashi fue seleccionado para formar parte de la clase inaugural del honorable Berklee Global Jazz Institute, dirigido por Danilo Pérez. Durante su estancia en el Berklee Global Jazz Institute, Ohbayashi actuó y enseñó junto a músicos de talla mundial en clínicas musicales de todo el mundo.
Ohbayashi se graduó en Berklee en 2011 y actualmente reside en Nueva York, donde dirige su propio trío y codirige el New Century Jazz Quintet, con el baterista ganador de un Grammy Ulysses Owens Jr. Ohbayashi se labró rápidamente una reputación como pianista/teclista muy solicitado entre músicos de jazz de talla mundial en la ciudad de Nueva York. Algunos de los notables con los que Ohbayashi ha tocado internacionalmente son Takuya Kuroda, Jose James, Terri Lyne Carrington, Hailey Niswanger, Charles Turner III, Felix Peikli.
Ohbayashi actúa regularmente como músico de acompañamiento y como líder en locales de jazz de Nueva York como: Blue Note, Jazz at Lincoln Center, Small's y Smoke, entre otros. Con frecuencia de gira, Ohbayashi ha viajado nacional e internacionalmente a más de 30 países diferentes con una miríada de artistas con sede en Nueva York.
En 2016, Ohbayashi recibió el 1er puesto en el Concurso de Piano de Jacksonville, siendo el primer pianista japonés de la historia en conseguirlo. Ese mismo año, New Century Jazz Quintet ganó el DCJazzPrix en el DC Jazz Festival.
Además de su ilustre carrera como intérprete, Ohbayashi es también un consumado y reputado educador. Viaja al extranjero para actuar y enseñar con la gira organizada por Jazz at Lincoln Center, JazzReach.
Ohbayashi ha publicado 5 discos como líder. Su lanzamiento más reciente, «Manhattan», ha recibido el premio «Jazz Japan 2016 Album of the Year» https://takeshi.online/about#bio
With Live at Yoshi's, his 20th recording as a leader and third release for the Blue Note label, the legendary Pat Martino has come full circle. Accompanied by Joey DeFrancesco on Hammond B-3 and Billy Hart on drums, the hard bop and funky soul-jazz of this trio are sure to please enthusiasts of the guitar, organ, and drum trio. Martino, heir to Wes Montgomery's warm, bluesy guitar style, plays eight great compositions, including two great extended versions of the classic Miles Davis compositions "All Blues" and "Blue in Green." On "All Blues," creative guitar voice plays the melody with soulful interpretations and subtle musical resonance. Martino's version of "Blue in Green" creates a world of melancholy and the guitarist plays his guitar with the same sweet sadness as Miles did with the support of DeFrancesco's organ solo adding additional shades of emotion. The songs selected for this "live" performance recording also appear on previously recorded Martino projects, including his 1970 Desperado album and his 1998 Stone Blue CD. However, listeners now receive the benefit of having the set performance available in real time. From the sound of the audience on Live at Yoshi's, the guitar sage's head-spinning dexterity and cool tones on "Catch" are more spirited than ever, and after listening to this CD, you'll be inclined to agree.
When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors and tried to piece together any memory of his life.
One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed... naked.”
In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.
Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang
. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”
He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.
Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.
Martino became actively involved with the early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.
Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz's first successful ventures into psychedelia.
In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.
Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
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Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100
Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.
Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".
En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.
Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang
. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."
Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.
Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.
Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.
Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.
En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.
Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
Review by arwulf arwulf A powerful vocalist and a wickedly expressive alto saxophonist, Eddie "Cleanhead" Vinson is celebrated with this JSP reissue compilation containing 15 choice cuts recorded in London, England, in May 1980 and March 1982. The earlier of the two dates yielded an album with the title Fun in London; unfortunately, an eight-minute jam called "The Theme" was excluded from this reissue. Vinson never ever fit into anybody's pigeon holes; a formidable improvising instrumentalist who excelled both as a balladeer ("Roxanne," "That's All") and as a straight-ahead hard bopper ("Travelin'," "Somebody Else Has Taken My Place," "Cleanhead's Thing," "Fun in London," "Straight Away"), Vinson's worldly command of the sax and his hormonally charged astringency as a blues shouter constitute two of the great dependable forces in all of blues and jazz. The words he puts across on "Meat's Too High" touch upon inflation, taxes, groceries, and human sexuality. https://www.allmusic.com/album/blues-boogie-bebop-meats-too-high-mw0000056307
Artist Biography by Bill Dahl An advanced stylist on alto saxophone who vacillated throughout his career between jump blues and jazz, bald-pated Eddie "Cleanhead" Vinson (he lost his hair early on after a botched bout with a lye-based hair-straightener) also possessed a playfully distinctive vocal delivery that stood him in good stead with blues fans.
Vinson first picked up a horn while attending high school in Houston. During the late '30s, he was a member of an incredible horn section in Milton Larkins's orchestra, sitting next to Arnett Cobb and Illinois Jacquet. After exiting Larkins' employ in 1941, Vinson picked up a few vocal tricks while on tour with bluesman Big Bill Broonzy. Vinson joined the Cootie Williams Orchestra from 1942 to 1945. His vocals on trumpeter Williams' renditions of "Cherry Red" and "Somebody's Got to Go" were in large part responsible for their wartime hit status.
Vinson struck out on his own in 1945, forming his own large band, signing with Mercury, and enjoying a double-sided smash in 1947 with his romping R&B chart-topper "Old Maid Boogie" and the song that would prove his signature number, "Kidney Stew Blues" (both songs featured Vinson's instantly identifiable vocals). A 1949-1952 stint at King Records produced only one hit, the amusing sequel "Somebody Done Stole My Cherry Red," along with the classic blues "Person to Person" (later revived by another King artist, Little Willie John).
Kidney Stew Is Fine Vinson's jazz leanings were probably heightened during 1952-1953, when his band included a young John Coltrane. Somewhere along about here, Vinson wrote two Miles Davis classics, "Tune Up" and "Four." Vinson steadfastly kept one foot in the blues camp and the other in jazz, waxing jumping R&B for Mercury (in 1954) and Bethlehem (1957), jazz for Riverside in 1961 (with Cannonball Adderley), and blues for Blues Time and ABC-BluesWay. A 1969 set for Black & Blue, cut in France with pianist Jay McShann and tenor saxophonist Hal Singer, beautifully recounted Vinson's blues shouting heyday (it's available on Delmark as Old Kidney Stew Is Fine). A much later set for Muse teamed him with the sympathetic little big-band approach of Rhode Island-based Roomful of Blues. Vinson toured the States and Europe frequently prior to his 1988 death of a heart attack. https://www.allmusic.com/artist/eddie-cleanhead-vinson-mn0000137137/biography
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Revisión por arwulf arwulf Un vocalista poderoso y un saxofonista alto malvadamente expresivo, Eddie "Cabeza Limpia" Vinson es celebrado con esta compilación de reedición de JSP que contiene 15 cortes selectos grabados en Londres, Inglaterra, en mayo de 1980 y marzo de 1982. La primera de las dos fechas dio lugar a un álbum con el título Fun in London; desafortunadamente, una improvisación de ocho minutos llamada "The Theme" fue excluida de esta reedición. Vinson nunca jamás encajó en los casilleros de nadie; un formidable instrumentista improvisador que sobresalió tanto como baladista ("Roxanne", "That's All") como en el hard bopper ("Travelin'", "Somebody Else Has Taken My Place", "Cleanhead's Thing", "Fun in London", "Straight Away"), el dominio mundano del saxo por parte de Vinson y su astringencia cargada de hormonas como gritador de blues constituyen dos de las grandes fuerzas fiables en todo el blues y el jazz. Las palabras que pone en "Meat's Too High" se refieren a la inflación, los impuestos, los alimentos y la sexualidad humana. https://www.allmusic.com/album/blues-boogie-bebop-meats-too-high-mw0000056307
Biografía del artista por Bill Dahl Un estilista avanzado del saxofón alto que vaciló a lo largo de su carrera entre el jump blues y el jazz, el calvo Eddie "Cleanhead" Vinson (perdió el pelo desde el principio después de una pelea chapucera con un alisador de pelo a base de lejía) también poseía una entrega vocal juguetonamente distintiva que le situaba en un buen lugar entre los aficionados al blues.
Vinson empezó a tocar la trompeta cuando asistía a la escuela secundaria en Houston. A finales de los años 30, fue miembro de una increíble sección de trompas en la orquesta de Milton Larkins, sentado junto a Arnett Cobb e Illinois Jacquet. Después de dejar el empleo de Larkins en 1941, Vinson aprendió algunos trucos vocales mientras estaba de gira con el bluesman Big Bill Broonzy. Vinson se unió a la orquesta de Cootie Williams de 1942 a 1945. Su voz en las interpretaciones del trompetista Williams de "Cherry Red" y "Somebody's Got to Go" fue en gran parte responsable de su estatus de éxito en tiempos de guerra.
Vinson se puso en marcha por su cuenta en 1945, formando su propia gran banda, firmando con Mercury, y disfrutando de un éxito de doble cara en 1947 con su retozante R&B "Old Maid Boogie" y la canción que probaría su número de firma, "Kidney Stew Blues" (ambas canciones presentaban las voces instantáneas de Vinson). Una temporada 1949-1952 en King Records produjo un solo éxito, la divertida secuela "Somebody Done Stole My Cherry Red", junto con el clásico blues "Person to Person" (más tarde revivido por otro artista de King, Little Willie John).
El guiso de riñón está bien Las tendencias de Vinson en el jazz se acentuaron probablemente durante 1952-1953, cuando su banda incluía a un joven John Coltrane. En algún lugar de por aquí, Vinson escribió dos clásicos de Miles Davis, "Tune Up" y "Four". Vinson mantuvo firmemente un pie en el campo del blues y el otro en el del jazz, dando saltos de R&B para Mercury (en 1954) y Bethlehem (1957), jazz para Riverside en 1961 (con Cannonball Adderley), y blues para Blues Time y ABC-BluesWay. Un set de 1969 para Black & Blue, cortado en Francia con el pianista Jay McShann y el saxofonista tenor Hal Singer, relató bellamente el blues de Vinson gritando en su apogeo (está disponible en Delmark como Old Kidney Stew Is Fine). Mucho más tarde, Muse se unió a la simpática banda de Roomful of Blues de Rhode Island. Vinson recorrió Estados Unidos y Europa con frecuencia antes de su muerte en 1988 por un ataque al corazón. https://www.allmusic.com/artist/eddie-cleanhead-vinson-mn0000137137/biography
Pete Rugolo was a jazz composer and arranger. He was born in San Piero Patti, Sicily. His family emigrated to the United States in 1920 and settled in Santa Rosa, California. He started his musical career playing the baritone, like his father, but he quickly branched out into other instruments, notably the French horn and the piano. He received a bachelor's degree from San Francisco State College, and then studied composition with Darius Milhaud at Mills College in Oakland, California.
After he graduated, he was hired as an arranger and composer by guitarist and bandleader Johnny Richards. He spent World War II playing with Paul Desmond in an army band. After WWII Rugolo went to work for Stan Kenton who headed one of the most progressive big bands of the time. Rugolo provided arrangements and original compositions that drew on his knowledge of 20th century music, sometimes blurring the boundaries between the ballroom and the concert hall.
While Rugolo continued to work occasionally with Kenton in the 1950s, he spent more time creating arrangements for pop vocalists, including June Christy, Peggy Lee and the Four Freshmen. During this period he also worked for a while on musicals at MGM, and served as an A&R director for Mercury Records in the late 1950s. Among his many albums were Adventures In Rhythm, Introducing Pete Rugolo, Rugolomania, Reeds In Hi-Fi and Music For Hi-Fi Bugs.
In the 1960s and 1970s Rugolo did a great deal of work in television, contributing music to a number of popular shows including Leave It to Beaver, Thriller, The Fugitive, The Challengers, and Family. He also provided scores for a number of TV movies and a few theatrical features. Rugolo's small combo jazz music featured in a couple of numbers in the popular movie Where The Boys Are, under the guise of Frank Gorshin's "Dialectic Jazz Band." While his work in Hollywood has often demanded that he suppress his highly original style, there are some striking examples of Rugolo's work in both TV and film. The soundtrack for the last movie on which he worked, This World, Then the Fireworks (1997), demonstrates his gift for writing music that is both sophisticated and expressive https://www.allaboutjazz.com/musicians/pete-rugolo/
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Pete Rugolo fue un compositor y arreglista de jazz. Nació en San Piero Patti, Sicilia. Su familia emigró a los Estados Unidos en 1920 y se estableció en Santa Rosa, California. Comenzó su carrera musical tocando el barítono, como su padre, pero rápidamente se diversificó hacia otros instrumentos, en particular el corno francés y el piano. Recibió una licenciatura en San Francisco State College y luego estudió composición con Darius Milhaud en Mills College en Oakland, California.
Después de graduarse, fue contratado como arreglista y compositor por el guitarrista y líder de banda Johnny Richards. Pasó la Segunda Guerra Mundial tocando con Paul Desmond en una banda del ejército. Después de la Segunda Guerra Mundial, Rugolo se fue a trabajar para Stan Kenton, quien dirigió una de las big bands más progresivas de la época. Rugolo proporcionó arreglos y composiciones originales que se basaron en su conocimiento de la música del siglo XX, a veces difuminando los límites entre el salón de baile y la sala de conciertos.
Aunque Rugolo continuó trabajando ocasionalmente con Kenton en la década de 1950, dedicó más tiempo a crear arreglos para vocalistas pop, incluidos June Christy, Peggy Lee y The Four Freshmen. Durante este período también trabajó durante un tiempo en musicales en MGM y se desempeñó como director de A & R para Mercury Records a fines de la década de 1950. Entre sus muchos álbumes se encontraban Adventures In Rhythm, Introducing Pete Rugolo, Rugolomania, Reeds In Hi-Fi y Music For Hi-Fi Bugs.
En las décadas de 1960 y 1970, Rugolo hizo un gran trabajo en televisión, contribuyendo con música a una serie de programas populares, incluidos Leave It to Beaver, Thriller, The Fugitive, The Challengers y Family. También proporcionó partituras para varias películas para televisión y algunas funciones teatrales. El pequeño combo de jazz de Rugolo apareció en un par de números en la popular película Where The Boys Are, bajo la apariencia de la "Dialectic Jazz Band" de Frank Gorshin."Si bien su trabajo en Hollywood a menudo le ha exigido que suprima su estilo altamente original, hay algunos ejemplos sorprendentes del trabajo de Rugolo tanto en televisión como en cine. La banda sonora de la última película en la que trabajó, This World, Then the Fireworks (1997), demuestra su don para escribir música sofisticada y expresiva https://www.allaboutjazz.com/musicians/pete-rugolo/
A collection of the early works of The Link Quartet, including the first two singles (released in 1997 and 1999), tracks released on compilations between 1997 and 2006, unreleased tracks and demos. https://www.linkquartet.com/the-lost-tapes/
The legendary kings of hammondbeat, LINK QUARTET from Italy, have
released six records, several singles, digital releases and appeared on
numerous compilations and guest appearances since 1993 already. Now the
jazzy, funky instrumental quartet around the virtuosic Paolo 'Apollo'
Negri release yetanother fantastic record, this time on Sound Flat
Records, that has a Mod/soul/jazz-feeling to it.
'Minimal Animal' is all LINK QUARTET-originals and all instrumentals
with absolutely divine, mindblowing hammond-organ-soli, a jazzy beat,
groovy guitars and catchy melodies. Incredibly cool, funky, danceable
sounds (such as 'Black Bug') mixed with one or the other calmer song
with laid-back jazzy wah-wah sounds and finally even groovy,
ska/rocksteady-offbeat, hammond-driven songs like 'Peacock Steady'
altogether combine into a well-rounded album from beginning to end.
With this record, Soundflat Records enters a slightly different/new
spectrum of sixties-sound and adopts one of Europe's, if not worldwide,
best hammondbeat-acid jazz-bands to the Soundflat- Records-family.This
band combines hammonddriven beat and jazz so well, that not only Modand
Funk-lovers will love this album, but due to its variety of different
influences it will appeal to a much broader crowd from all different
kinds of musical backgrounds and leave them more than impressed.
"Minimal Animal" is a welcome back home album for The Link Quartet, 11
original instrumental tracks (the CD includes two additional bonus
tracks) of pure raw funk, minimal and aggressive, where the screaming
Hammond organ of Paolo Apollo Negri duets with the acid wah wah guitar
of Marco Murtas over the rocky rhythm lines of Renzo Bassi (bass) and
Alberto Pato Maffi (drums). The quartet is back on the track of the long
and prolific tradition of bands like The Meters, Alan Hawkshaw, Jackie
Mittoo and many others but don't forget to keep an eye on the future to
serve a unique cocktail of retro futuristic tunes. With this album The
Link Quartet is making a new start, building a new future starting from
its own roots.
Los
legendarios reyes del hammondbeat, LINK QUARTET de Italia, han
publicado seis discos, varios singles, ediciones digitales y han
aparecido en numerosas compilaciones y apariciones como invitados desde
1993. Ahora, el cuarteto instrumental de jazz y funky, en torno al
virtuoso Paolo 'Apollo' Negri, lanza otro fantástico disco, esta vez en
Sound Flat Records, que tiene un aire mod/soul/jazz.
Minimal
Animal' es todo original de LINK QUARTET y todos los instrumentales con
un divino y alucinante órgano-hammond-soli, un ritmo jazzístico,
guitarras groovy y melodías pegadizas. Sonidos increíblemente frescos,
funky y bailables (como 'Black Bug') mezclados con alguna que otra
canción más tranquila con sonidos jazzy wah-wah y, finalmente, incluso
canciones groovy, ska/rockteady-offbeat, impulsadas por el hammond, como
'Peacock Steady', se combinan en un álbum bien redondeado de principio a
fin.
Con este disco, Soundflat Records entra en un espectro
ligeramente diferente/nuevo del sonido de los años sesenta y adopta una
de las mejores bandas de hammondbeat-acid jazz de Europa, si no de todo
el mundo, a la familia de Soundflat Records. Esta banda combina tan bien
el hammonddriven beat y el jazz, que no sólo los amantes del Modand
Funk amarán este álbum, sino que debido a su variedad de influencias
diferentes atraerá a un público mucho más amplio de todos los tipos de
antecedentes musicales y los dejará más que impresionados.
"Minimal
Animal" es un álbum de bienvenida a casa para The Link Quartet, 11
temas instrumentales originales (el CD incluye dos temas adicionales) de
puro funk crudo, minimalista y agresivo, donde el órgano Hammond
chillón de Paolo Apollo Negri hace dúo con la ácida guitarra wah wah de
Marco Murtas sobre las rocosas líneas rítmicas de Renzo Bassi (bajo) y
Alberto Pato Maffi (batería). El cuarteto vuelve a la senda de la larga y
prolífica tradición de bandas como The Meters, Alan Hawkshaw, Jackie
Mittoo y muchos otros, pero sin olvidar un ojo en el futuro para servir
un cóctel único de melodías retro futuristas. Con este álbum, The Link
Quartet comienza de nuevo, construyendo un nuevo futuro a partir de sus
propias raíces.
