Biography by Eugene Chadbourne This pianist was born in Memphis and died there as well, but is associated with the Detroit jazz scene. Despite the fact that his name sounds quite classy, it is possible most jazz listeners have not heard of Evans Bradshaw, who began his professional career as a child and died when he was only in his mid-fifties. He was a childhood pal of the superb pianist Phineas Newborn, and may have even been influential in Newborn's interest in the keyboards in the first place. Bradshaw's first move upon learning to crawl was to try and mount the piano bench; he learned to play at the age of nine and was in his father's band three years later.
The pianist headed to Flint, MI in 1953, picking up a day job in an auto factory. At night, he was out and about gigging with his own trio. At one of these live gigs, a talent scout connected with the group and arranged a contact with the Riverside label. In both 1958 and 1959 the label released albums by Bradshaw which have continued to represent his entire discography. There are no recordings available of Bradshaw as a sideman in anyone else's groups. His own trio played at the Village Vanguard and the Detroit Jazz Festival as a result of the Riverside buzz. https://www.allmusic.com/artist/evans-bradshaw-mn0000544525
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Biografía de Eugene Chadbourne Este pianista nació en Memphis y murió allí también, pero está asociado con la escena de jazz de Detroit. A pesar de que su nombre suena bastante elegante, es posible que la mayoría de los oyentes de jazz no hayan oído hablar de Evans Bradshaw, que comenzó su carrera profesional cuando era niño y murió cuando tenía sólo cincuenta años. Fue amigo de la infancia del magnífico pianista Phineas Newborn, e incluso puede haber influido en el interés de Newborn por los teclados en primer lugar. El primer movimiento de Bradshaw al aprender a gatear fue intentar montar el banco del piano; aprendió a tocar a la edad de nueve años y estuvo en la banda de su padre tres años después.
El pianista se dirigió a Flint, MI, en 1953, a buscar un trabajo de día en una fábrica de automóviles. Por la noche, salía a dar conciertos con su propio trío. En uno de estos conciertos, un cazatalentos se conectó con el grupo y arregló un contacto con el sello Riverside. Tanto en 1958 como en 1959, el sello editó álbumes de Bradshaw que han seguido representando toda su discografía. No hay grabaciones disponibles de Bradshaw como sideman en los grupos de nadie más. Su propio trío tocó en el Village Vanguard y en el Festival de Jazz de Detroit como resultado del zumbido de Riverside. https://www.allmusic.com/artist/evans-bradshaw-mn0000544525
One of the first comeback salvos that the veteran pianist fired after
suffering the slings and arrows of anonymity for much too long.
Typically delectable in a subtle, understated manner, Brown eases
through a very attractive program.
Una de las primeras salvas de regreso que el veterano pianista disparó
después de sufrir las hondas y flechas del anonimato durante demasiado
tiempo. Típicamente delicioso de una manera sutil y discreta, Brown se
alivia a través de un programa muy atractivo.
William Patton Black Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an
American musician and bandleader who is noted as one of the pioneers of
rock and roll. He was the bassist in Elvis Presley's early trio. Black
later formed Bill Black's Combo.
Black was born in Memphis, Tennessee, to a motorman for the Memphis
Street Railway Co. He was the oldest of nine children. His father played
popular songs on the banjo and fiddle to entertain the family. Black
learned to play music at the age of 14 on an instrument made by his
father—a cigar box with a board nailed to it and strings attached. At
the age of sixteen, Black was performing "honky-tonk" music on acoustic
guitar in local bars.
During World War II, Black was stationed with the U.S. Army at Fort Lee
in Virginia. While in the Army, he met Evelyn, who played guitar as a
member of a musical family. They married in 1946 and returned to
Memphis. Black worked at the Firestone plant.
He began playing the upright bass fiddle, modeling his "slap bass"
technique after one of his idols, Fred Maddox, of Maddox Brothers and
Rose. Black also developed a "stage clown" persona in the same way that
Maddox entertained audiences. Black performed as an exaggerated
hillbilly with blacked-out teeth, straw hat and overalls. According to
his son, Black said his goal was always to give his audience "a few
moments of entertainment and maybe a little bit of humor that'll tickle
'em for a while."
In 1952, Black began playing in clubs and on radio shows with the
guitarist Scotty Moore. Along with two other guitarists and a fiddler,
they performed country music tunes by Hank Williams and Red Foley in
Doug Poindexter's band, the Starlight Wranglers. Black and Moore also
played in a band with Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette on
steel guitar, and a drummer.
In 1959 Black joined a group of musicians which became Bill Black's
Combo. The lineup was Black (bass), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young
(guitar), Martin Willis (saxophone), and Jerry Arnold (drums). There
were several personnel changes. While Young was in the army, his
position was filled by Hank Hankins, Chips Moman and Tommy Cogbill. On
sax, Ace Cannon took over touring duties from Willis who remained in
Memphis for the studio work and movie appearances. Carl McVoy replaced
Hall in the studio, while Bobby Emmons replaced him on tour.
The band released blues instrumental "Smokie" for Hi Records in December
1959. "Smokie, Part 2" became a No. 17 U.S. pop hit, and made number
one on the "black" music charts. It sold over one million copies, and
was awarded a gold disc by the RIAA. A follow-up release, "White Silver
Sands" (Hi 2021), was a Top 10 hit (#9) and, like its predecessor,
topped the R&B charts for four weeks.
Eight of the recordings by Bill Black's Combo placed in the Top 40
between 1959 and 1962. Advertised as "Terrific for Dancing" their Saxy
Jazz album spent a record whole year in the top 100.
The Combo appeared in the 1961 film Teenage Millionaire and on The Ed
Sullivan Show, where they performed a medley of "Don't Be Cruel," "Cherry Pink," and "Hearts of Stone", and were voted Billboard's number one instrumental group of 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)
Albums with themes included Bill Black's Combo Plays Tunes by Chuck
Berry, Bill Black's Combo Goes Big Band, Bill Black's Combo Goes West,
and Bill Black's Combo Plays the Blues. The Combo's sound of danceable
blues became a popular accompaniment for striptease dancers. Another
characteristic of the Combo was Reggie Young thwacking on the guitar
with a pencil.
In 1962, Bill Black opened a recording studio called "Lyn-Lou Studios"
(a shortened nickname "Linda-Lou" he had for his daughter Nancy), and a
record label named "Louis" after his son, on Chelsea Street in Memphis,
Tennessee, with Larry Rogers (Studio 19, Nashville) as his engineer and
producer. Johnny Black, Bill's brother and also upright bass player, who
knew Elvis at Lauderdale Courts before Bill, recalls visiting Bill at
the studio and reported that Bill would be totally absorbed mixing and
playing back tracks.[citation needed]
Bob Tucker and Larry Rogers purchased Lyn-Lou Studios after Bill Black's
death in 1965. The studio recorded many Bill Black Combo albums (with
billings such as "The Best Honky Tonk Band in America" and "The band who
opened for the Beatles")[citation needed] and produced number-one
country hits for Charly McClain, T.G. Shepard, Billy Swan and others.
The house band for these sessions was the Shylo Band, featuring
guitarist/songwriter Ronnie Scaife, nephew of Cecil Scaife, famed Sun
Studio engineer.
Early in 1963, Black sent from two to five different versions of the
Combo to different regions of the country at the same time, while
staying off the road himself, wanting to concentrate on his business,
family and his health.
In 1963, Bob Tucker joined the Bill Black Combo as a road manager and guitar/bass player.
Black himself had been ill for the past year and a half and unable to
travel. Nonetheless, he insisted that the band continue without him. The
Bill Black Combo created musical history in 1964 when they became the
opening act for the Beatles (at their request) on their historic 13-city
tour of America after their appearance on The Ed Sullivan Show. Black
himself was not well enough to make the tour.
After two surgeries and lengthy hospital stays, Black died of a brain
tumor on October 21, 1965, at age 39. His death occurred during his
third operation that doctors had hoped would eradicate the tumor
permanently. Black's body was buried at Forest Hill Cemetery in Memphis,
Tennessee. Presley was criticized for not attending the funeral, but he
believed that his presence would turn it into a media frenzy. He
decided instead to visit the family privately after the service to
express his condolences. According to Louis Black, Presley said, "If
there's anything that y'all need, you just let me know and it's yours."
Black's widow sold Bob Tucker and Larry Rogers the rights to use the
name Bill Black's Combo. The band changed to country when it joined
Columbia Records, and won Billboard's Country Instrumental Group of the
Year award in 1976.
On April 4, 2009, Bill Black was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.
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William Patton Black Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de
1965) fue un músico y director de orquesta estadounidense conocido como
uno de los pioneros del rock and roll. Fue el bajista en el trío
temprano de Elvis Presley. Black formó más tarde el combo de Bill Black.
Black nació en Memphis, Tennessee, hijo de un motero de la Memphis
Street Railway Co. Era el mayor de nueve hijos. Su padre tocó canciones
populares en el banjo y violín para entretener a la familia. Black
aprendió a tocar música a la edad de 14 años con un instrumento hecho
por su padre: una caja de cigarros con una tabla clavada y cuerdas
atadas. A la edad de dieciséis años, Black tocaba música "honky-tonk" en
guitarra acústica en bares locales.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Black estuvo estacionado con el
Ejército de los Estados Unidos en Fort Lee en Virginia. Mientras estaba
en el ejército, conoció a Evelyn, quien tocaba la guitarra como miembro
de una familia musical. Se casaron en 1946 y regresaron a Memphis. Black
trabajó en la planta de Firestone.
Comenzó a tocar el violín del bajo vertical, modelando su técnica de
"bofetada" según uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers y
Rose. Black también desarrolló un personaje de "payaso de escenario" de
la misma manera que Maddox entretuvo al público. El negro se desempeñó
como una exagerada colina con los dientes oscurecidos, un sombrero de
paja y un mono. Según su hijo, Black dijo que su objetivo era siempre
darle a su público "unos momentos de entretenimiento y quizás un poco de
humor que les haga cosquillas por un tiempo".
En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el
guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un
violinista, interpretaron canciones de música country de Hank Williams y
Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers.
Black y Moore también tocaron en una banda con Paul Burlison, Johnny
Burnette, Dorsey Burnette en guitarra de acero y un baterista.
En 1959, Black se unió a un grupo de músicos que se convirtió en el
Combo de Bill Black. La alineación fue Black (bajo), Joe Lewis Hall
(piano), Reggie Young (guitarra), Martin Willis (saxofón) y Jerry Arnold
(batería). Hubo varios cambios de personal. Mientras Young estaba en el
ejército, su posición fue ocupada por Hank Hankins, Chips Moman y Tommy
Cogbill. En el saxofón, Ace Cannon se hizo cargo de Willis, quien
permaneció en Memphis para el trabajo de estudio y las apariciones en
películas. Carl McVoy reemplazó a Hall en el estudio, mientras que Bobby
Emmons lo reemplazó en la gira.
La banda lanzó el blues instrumental "Smokie" para Hi Records en
diciembre de 1959. "Smokie, Parte 2" se convirtió en el hit número 17
de los Estados Unidos, y se convirtió en el número uno en las listas
musicales "negras". Vendió más de un millón de copias y recibió un
disco de oro de la RIAA. Un lanzamiento de seguimiento, "White Silver
Sands" (Hola 2021), fue un éxito Top 10 (# 9) y, al igual que su
predecesor, encabezó las listas de R&B durante cuatro semanas.
Ocho de las grabaciones de Bill Black's Combo se ubicaron en el Top 40
entre 1959 y 1962. Anunciado como "Terrific for Dancing", su álbum Saxy
Jazz pasó un año entero en el top 100.
The Combo apareció en la película Teenage Millionaire de 1961 y en The
Ed Sullivan Show, donde interpretaron una mezcla de "Don't Be Cruel",
"Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron elegidos como el grupo
instrumental número uno de Billboard. de 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)
Álbumes con temas incluidos Combo Plays Tunes de Bill Black, Chuck
Berry, Combo Goes Big Band de Bill Black, Combo Goes West de Bill Black y
Combo Plays the Blues de Bill Black. El sonido de blues bailable de The
Combo se convirtió en un acompañamiento popular para los bailarines de
striptease. Otra característica del Combo era Reggie Young, que golpeaba
la guitarra con un lápiz.
En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado "Lyn-Lou
Studios" (un apodo abreviado "Linda-Lou" que tenía para su hija Nancy), y
un sello discográfico llamado "Louis" por su hijo, en Chelsea Street en
Memphis. , Tennessee, con Larry Rogers (Studio 19, Nashville) como su
ingeniero y productor. Johnny Black, el hermano de Bill y también
bajista, que conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que Bill,
recuerda haber visitado a Bill en el estudio e informó que Bill estaría
totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas. [Cita requerida]
Bob Tucker y Larry Rogers compraron Lyn-Lou Studios después de la muerte
de Bill Black en 1965. El estudio grabó muchos álbumes de Bill Black
Combo (con facturas como "The Best Honky Tonk Band en América" y "La
banda que abrió para los Beatles") [cita requerida] y produjo el número
uno de éxitos de país para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y
otros. La banda de la casa para estas sesiones fue Shylo Band, con el
guitarrista y cantante Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, famoso
ingeniero de Sun Studio.
A principios de 1963, Black envió de dos a cinco versiones diferentes
del Combo a diferentes regiones del país al mismo tiempo, mientras se
mantenía alejado de la carretera, deseando concentrarse en su negocio,
su familia y su salud.
En 1963, Bob Tucker se unió a Bill Black Combo como administrador de caminos y guitarra / bajo.
El mismo Black había estado enfermo durante el último año y medio y no
había podido viajar. No obstante, insistió en que la banda continuara
sin él. El Bill Black Combo creó la historia musical en 1964 cuando se
convirtieron en el acto de apertura de los Beatles (a petición de ellos)
en su histórica gira por 13 ciudades de América después de su aparición
en The Ed Sullivan Show. El mismo Black no estaba lo suficientemente
bien como para hacer la gira.
Después de dos cirugías y largas estadías en el hospital, Black murió de
un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a la edad de 39 años. Su
muerte ocurrió durante su tercera operación que los médicos habían
esperado para erradicar el tumor de forma permanente. El cuerpo de Black
fue enterrado en el cementerio Forest Hill en Memphis, Tennessee.
Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero creía que su
presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En su lugar, decidió
visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus
condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: "Si hay algo que
necesiten, hágamelo saber y será suyo".
La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para
usar el nombre Combo de Bill Black. La banda cambió a país cuando se
unió a Columbia Records y ganó el premio al Grupo Instrumental del Año
de Billboard en 1976.
El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
We find Igor Butman on tenor, Marco Tamburini on trumpet and Marco Pacassoni on vibraphone in the credits of "A Private Voyage", the album signed by drummer Michele Iaia and guitarist Bob Dusi. It is a work structured in seven tracks, each of which contains a peculiar formal and stylistic world, where Latin jazz, soul, ballad and hard bop features come together. Dusi's guitar, with its confidential and swinging timbre, holds everything together, while the soloists of the other performers, such as Butman's torrential solo in Jazz All Night or Tamburini's elegant solo in Winter Waltz, for the occasion at the flugelhorn, are to be emphasized, in addition to a group work always compact.
The artist's main prerogative is not to conform to conventions. The energy, the spirit of melodic research, compositional experimentation, are therefore the distinctive components for the musician who wants to shape Art in Music. In light of these premises it is possible to understand how A Private Voyage is born free, forged from an original expressive form, free from any scheme. The work comes to life from the collaboration of two artists and the stylistic convergence of their musical essences, in a perfect sound synthesis, with intimate and sincere connotations and strong evocative power. The result is a work full of great compositional cues and refined structures in the arrangements. Impossible the cataloguing of genre for this strong musical language, even if intrinsically characterized by the paths and artistic influences of both interpreters. Their common denominator is 'the voice' of a contaminated, contemporary and constantly evolving jazz, supported, at the same time, by tradition and the old avant-garde of electric jazz. The overall harmony of the individual tracks, although different from each other, characterizes the project of this album, enhanced by the presence of guests who have given the songs a rare elegance.
The listening experience begins with Wes Song, track - fil rouge with the previous album The Growl: The warmth and immediacy of the first bars, focus and capture the imagination. It is a journey back to a familiar place, during which experiences and emotions are collected in the substratum of consciousness, while they increase the construct of personality on their roots. The dialogue between the past and the present is represented by the exchange between tenor sax and guitar, through phrases in typical Soul-Jazz style, wrapped by a rhythmic and melodic fervor. Rio Negro takes off hovering over a pressing Latin background, finding his 'aerial' dimension in a lyrical, cinematographic theme, driven by the enveloping lines of bass, drums and percussion. The track is a great flight over the majestic Amazonian forest, a syllogism that reveals the vivid and intoxicating colors of the equatorial show. It is therefore a Winter Waltz; a photograph, a painting in progress of external reality, as perceived by the subject's interiority: a warm and melancholic contemplation of the slow alternation of time, between the seasons of the mind. Melodic hues color the harmonic fabric with delicate nuances, while the flugelhorn, on the theme of Winter Waltz, touches the image, wrapping it with memories, at first as an intimate introspection, then, during the engraving, showing itself with fervor, cloaked by the elegance of its tones. Approaching Notturna is to discover an essential piece of the propulsive melodic research of the album: born as a ballad, it is then rearranged for quintet, resulting in a fervent expansion of the sound range, where the vibraphone indelibly marks the theme in unison with the guitar, in the sweetness of its evolutions. The ascending climax of this writing, outlines ample space for the improvisations of clear funk matrix. The descent into the ecstatic whirlwind of improvisational rhythm is that of Jazz All Night, capable of imprisoning the soul of the musician in the archetype of the incessant performance, in the smoky darkness of a nightclub. The theme runs fast, when Igor Butman's tenor sax releases a muscular and visceral impact, subtracting any possibility of encoding the moment, overwhelming the listener. Then, suddenly, here is a dream: D.R.eam, a plunge into the dreamlike dimension of identity, suspended in the rarefied absence of time. A piece that explores the inner worlds in the contrasted twilight and twilight chiaroscuro. In an unconscious, indeterminate spatiality, the double bass, trumpet and guitar solos alternate, telling a distant story, made of 'absences', touching and intimate. The adventure continues, traveling the oceanic distances of Hot Wind: the 'Hot Wind' brings with it the revealing essences of the timbre dimension. Rhythm is the guide through the mysteries of unexpected places, while a panorama opens out onto deep, intense, sonorous colors. A metaphorical-representative scenario, where the numerous musical experiences of the various interpreters, in Latin and funk, are symbols for images. The poetic candour is released, in this exotic sky, by the notes of Fender Rhodes and a guitar with a mystical sound, unique, dialoguing interlocutor between the different instruments.
At the end of this multifaceted musical journey, we can say that we are fully reflected in the performances and arrangements. As rarely happens, we have collaborated with a particularly stimulating and productive team that, by supporting us, has allowed us to arrive at a final result in full accordance with our expectations. http://www.ijm.it/albums/display/526
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Encontramos a Igor Butman en el tenor, Marco Tamburini en la trompeta y Marco Pacassoni en el vibráfono en los créditos de "A Private Voyage", el álbum firmado por el baterista Michele Iaia y el guitarrista Bob Dusi. Es una obra estructurada en siete temas, cada uno de los cuales contiene un peculiar mundo formal y estilístico, en el que confluyen características del jazz latino, el soul, la balada y el hard bop. La guitarra de Dusi, con su timbre confidencial y oscilante, lo mantiene todo unido, mientras que los solistas de los demás intérpretes, como el torrencial solo de Butman en Jazz All Night o el elegante solo de Tamburini en Winter Waltz, para la ocasión en el fliscorno, son de destacar, además de un trabajo de grupo siempre compacto.
La principal prerrogativa del artista es no conformarse con las convenciones. La energía, el espíritu de la investigación melódica, la experimentación compositiva, son por lo tanto los componentes distintivos para el músico que quiere dar forma al Arte en la Música. A la luz de estas premisas es posible comprender cómo nace Un viaje privado libre, forjado a partir de una forma expresiva original, libre de cualquier esquema. La obra cobra vida gracias a la colaboración de dos artistas y a la convergencia estilística de sus esencias musicales, en una síntesis sonora perfecta, con connotaciones íntimas y sinceras y un fuerte poder de evocación. El resultado es una obra llena de grandes claves compositivas y estructuras refinadas en los arreglos. Es imposible catalogar el género para este fuerte lenguaje musical, aunque se caracterice intrínsecamente por los caminos e influencias artísticas de ambos intérpretes. Su común denominador es "la voz" de un jazz contaminado, contemporáneo y en constante evolución, apoyado, al mismo tiempo, por la tradición y la vieja vanguardia del jazz eléctrico. La armonía general de los temas individuales, aunque diferentes entre sí, caracteriza el proyecto de este álbum, realzado por la presencia de invitados que han dado a las canciones una rara elegancia.
La experiencia auditiva comienza con Wes Song, una pista - un fil rouge con el álbum anterior The Growl: La calidez e inmediatez de los primeros compases, enfocan y capturan la imaginación. Es un viaje de vuelta a un lugar familiar, durante el cual las experiencias y emociones se reúnen en el sustrato de la conciencia, mientras se aumenta la construcción de la personalidad en las raíces de uno. El diálogo entre el pasado y el presente está representado por el intercambio entre el saxo tenor y la guitarra, a través de frases en el típico estilo Soul-Jazz, envueltas por un fervor rítmico y melódico. Río Negro se desplaza sobre un fondo latino apremiante, encontrando su dimensión "aérea" en un tema lírico y cinematográfico, impulsado por las envolventes líneas de bajo, batería y percusión. La pista es un gran vuelo sobre la majestuosa selva amazónica, un silogismo que revela los vivos y embriagadores colores del espectáculo ecuatorial. Pasamos entonces a un Vals de Invierno; una fotografía, un cuadro en progreso de la realidad externa, tal como se percibe por la interioridad del sujeto: una cálida y melancólica contemplación de la lenta alternancia del tiempo, entre las estaciones de la mente. Los tonos melódicos colorean el tejido armónico con delicados matices, mientras que el fliscorno, en el tema de Vals de Invierno, toca la imagen, envolviéndola con recuerdos, al principio como una introspección íntima, luego, durante el grabado, mostrándose con fervor, envuelto por la elegancia de sus tonos. Acercarse a Notturna es descubrir una pieza esencial de la investigación melódica propulsora del álbum: nacida como balada, se reordena luego para quinteto, lo que da lugar a una expansión ferviente de la gama sonora, donde el vibráfono marca indeleblemente el tema al unísono con la guitarra, en la dulzura de sus evoluciones. El clímax ascendente de este escrito, esboza un amplio espacio para las improvisaciones de la matriz de funk claro. El descenso en el torbellino extático del ritmo de improvisación es el del Jazz All Night, capaz de aprisionar el alma del músico en el arquetipo de la actuación incesante, en la oscuridad ahumada de un club nocturno. El tema fluye rápido, cuando el saxo tenor de Igor Butman libera un impacto muscular y visceral, restando cualquier posibilidad de codificar el momento, abrumando al oyente. Entonces, de repente, aquí hay un sueño: D.R.eam, una inmersión en la dimensión onírica de la identidad, suspendida en la enrarecida ausencia de tiempo. Una canción que explora los mundos internos en el contrastado crepúsculo y el claroscuro crepuscular. En una espacialidad inconsciente e indeterminada, los solos de contrabajo, trompeta y guitarra se alternan, contando una historia lejana, hecha de "ausencias", conmovedora e íntima. La aventura continúa, viajando las distancias oceánicas de Viento Caliente: el "Viento Caliente" trae consigo las reveladoras esencias de la dimensión tímbrica. El ritmo es la guía a través de los misterios de lugares inesperados, mientras que el panorama se abre a colores profundos, intensos y sonoros. Un escenario metafórico-representativo, donde las numerosas experiencias musicales de los distintos intérpretes, en las esferas del latín y el funk, son símbolos en imágenes. El candor poético es liberado, en este cielo exótico, por las notas de Fender Rhodes y una guitarra con un sonido místico, único, interlocutor dialogante entre los diferentes instrumentos.
Al final de este multifacético viaje musical, podemos decir que estamos plenamente reflejados en las actuaciones y arreglos. Como pocas veces ocurre, colaboramos con un equipo particularmente estimulante y productivo que, al apoyarnos, nos permitió llegar a un resultado final plenamente acorde con nuestras expectativas. http://www.ijm.it/albums/display/526
