Marc Ribot y Los cubanos postizos • Marc Ribot y Los cubanos postizos (The Prosthetic Cubans)

 

 

Marc Ribot (pronounced REE-bow) was born in Newark, New Jersey in 1954. As a teen, he played guitar in various garage bands while studying with his mentor, Haitian classical guitarist and composer Frantz Casseus. In 1978, Ribot crossed the river to New York City, where he served as sideman for such musicians as jazz organist Jack McDuff and legendary soul shouter Wilson Pickett. Ribot began his five-year stint as a member of the Lounge Lizards (John Lurie's innovative and influential Downtown jazz ensemble) in 1984. At the time Marc's playing, which blended elements of classic Blues guitar with the ironic No Wave/Knitting Factory aesthetic, caught the ear of a number of artists who were also interested in amalgamating and disrupting disparate musical traditions. Ribot performed on some of these singer/songwriter's finest records, including Elvis Costello's SPIKE, MIGHTY LIKE A ROSE, and KOJAK VARIETY; Marianne Faithful's BLAZING AWAY; and Tom Waits' RAIN DOGS, BIG TIME, FRANK'S WILD YEARS, MULE VARIATIONS, and REAL GONE.

All the while, the increasingly in-demand guitarist continues to explore the ever-changing terrain of New York's New Music scene, working with musicians such as Arto Lindsay, Don Byron, Anthony Coleman, T-Bone Burnett, the Jazz Passengers, Evan Lurie, the Sun Ra Arkestra, Chocolate Genius, Bill Frisell, Medeski Martin & Wood, and John Zorn in any number of incarnations.

Ribot also composed and recorded his own brand of Downtown soul music with his bands, Rootless Cosmopolitans and Shrek. In 1996 he recorded DON'T BLAME ME, which found a solo Ribot reinventing a number of American standards, which was hailed by The Village Voice as “a record filled with savory and unlikely amusements.” In 1998 Atlantic Records released the critically acclaimed Marc Ribot Y Los Cubanos Postizos, featuring Ribot's beautifully slanted interpretations of material by the great Cuban songwriter Arsenio Rodriguez.

Recent musical scores by Marc Ribot include Yoshiko Chuma's ALTOGETHER DIFFERENT dance piece, a documentary film by Greg Feldman titled JOE SCHMOE, a feature film by director Joe Brewster titled THE KILLING ZONE, and IN AS MUCH AS LIFE IS BORROWED, a dance piece by famed Belgian choreographer, Wim Vanderkeybus.

Composer Stewart Wallace recently completed an electric guitar concerto with orchestra written for Marc. The piece was premiered by the National Symphony Orchestra in Washington DC in July of 2004.

Marc continues to write and perform and collaborate. He's currently working on a new, sonically dense, rock band called the Marc Ribot Mystery Trio. He's also producing a record of material by the great Haitian composer/guitar player, Frantz Casseus, and recording with a new project called Spiritual Unity based on the works of Albert Ayler, as well as recording with artists Elvis Costello, and T-Bone Burnett.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/marc-ribot

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Marc Ribot (pronunciado REE-bow) nació en Newark, Nueva Jersey, en 1954. De adolescente, tocó la guitarra en varias bandas de garaje mientras estudiaba con su mentor, el guitarrista y compositor clásico haitiano Frantz Casseus. En 1978, Ribot cruzó el río hasta la ciudad de Nueva York, donde trabajó como músico de acompañamiento para músicos como el organista de jazz Jack McDuff y el legendario cantante de soul Wilson Pickett. En 1984, Ribot comenzó su etapa de cinco años como miembro de los Lounge Lizards (el innovador e influyente conjunto de jazz del Downtown de John Lurie). Por aquel entonces, la forma de tocar de Marc, que mezclaba elementos de la guitarra clásica del blues con la estética irónica de la No Wave/Knitting Factory, llamó la atención de una serie de artistas que también estaban interesados en amalgamar y trastocar tradiciones musicales dispares. Ribot participó en algunos de los mejores discos de estos cantautores, como SPIKE, MIGHTY LIKE A ROSE y KOJAK VARIETY de Elvis Costello; BLAZING AWAY de Marianne Faithful; y RAIN DOGS, BIG TIME, FRANK'S WILD YEARS, MULE VARIATIONS y REAL GONE de Tom Waits.

Al mismo tiempo, el guitarrista, cada vez más solicitado, sigue explorando el terreno siempre cambiante de la escena de la nueva música de Nueva York, trabajando con músicos como Arto Lindsay, Don Byron, Anthony Coleman, T-Bone Burnett, los Jazz Passengers, Evan Lurie, la Sun Ra Arkestra, Chocolate Genius, Bill Frisell, Medeski Martin & Wood y John Zorn en un gran número de encarnaciones.

Ribot también compuso y grabó su propia marca de música soul del centro de la ciudad con sus bandas, Rootless Cosmopolitans y Shrek. En 1996 grabó DON'T BLAME, en el que un Ribot en solitario reinventaba una serie de estándares americanos, que fue aclamado por The Village Voice como "un disco lleno de sabrosas e improbables diversiones". En 1998, Atlantic Records publicó el aclamado Marc Ribot Y Los Cubanos Postizos, con interpretaciones de Ribot del material del gran cantautor cubano Arsenio Rodríguez.

Las partituras recientes de Marc Ribot incluyen la pieza de danza ALTOGETHER DIFFERENT de Yoshiko Chuma, un documental de Greg Feldman titulado JOE SCHMOE, un largometraje del director Joe Brewster titulado THE KILLING ZONE, y IN MUCH AS LIFE IS BORROWED, una pieza de danza del famoso coreógrafo belga Wim Vanderkeybus.

El compositor Stewart Wallace completó recientemente un concierto para guitarra eléctrica con orquesta escrito para Marc. La pieza fue estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington DC en julio de 2004.

Marc sigue escribiendo, actuando y colaborando. Actualmente está trabajando en una nueva banda de rock de gran densidad sonora llamada Marc Ribot Mystery Trio. También está produciendo un disco con material del gran compositor y guitarrista haitiano Frantz Casseus, y grabando con un nuevo proyecto llamado Spiritual Unity, basado en las obras de Albert Ayler, así como grabando con los artistas Elvis Costello y T-Bone Burnett.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/marc-ribot


www.marcribot.com ...

Jimmy Giuffre • Free Fall

 

Review by Thom Jurek
Jimmy Giuffre's 1962 recording for Columbia with his trio is one of the most revolutionary recordings to come out of the 1960s. While Coltrane and Coleman and Taylor were trying to tear music down from the inside out to discover what it really counted for, Giuffre was quietly creating his own microtonal revolution that was being overlooked by other avant-gardists in jazz. On Free Fall, Giuffre, pianist Paul Bley, and bassist Steve Swallow embarked on a voyage even farther-reaching than their previous two Verve albums, Fusion and Thesis (both recorded in 1961), in their search of pointillistic harmony, open-toned playing, and the power of the nuanced phrase to open new vistas for solo or group improvisation. The original album is comprised of five clarinet solos, two duets for clarinet and bass, and three trio pieces. The CD reissue adds five more clarinet solos to the bank and makes it a stunning view of Giuffre as a master of the idiom of not only jazz free improvisation but also a fine interpreter of the musical languages being discussed by classical composers Darius Milhaud, Stravinsky, Messiaen, and even Morton Feldman and Earle Brown. All of Giuffre's clarinet studies -- particularly "Man Alone," "Yggdrasill," and "Present Motion" -- are studies in tonal coloration, where phraseology opens onto second and third tonal ideas being layered atop one another to de-emphasize one or the other. Of the group interactions, "Threewe" and "Spasmodic" offer the view of intertwining chromatic pointillism as it shapes itself linguistically between one instrument and the next without concern for a dominant harmony, rhythm, or melody. Indeed, Free Fall was such radical music, no one, literally no one, was ready for it and the group disbanded shortly thereafter on a night when they made only 35 cents apiece for a set. Reissued in 1999, Free Fall predates all of the European microtonal studies and is indeed an inspiration to all who have embraced it.
https://www.allmusic.com/album/free-fall-mw0000042360

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Reseña de Thom Jurek
La grabación de Jimmy Giuffre en 1962 para Columbia con su trío es una de las grabaciones más revolucionarias de la década de 1960. Mientras Coltrane, Coleman y Taylor intentaban derribar la música de adentro hacia afuera para descubrir para qué valía realmente, Giuffre estaba creando silenciosamente su propia revolución microtonal que estaba siendo ignorada por otros vanguardistas del jazz. En Free Fall, Giuffre, el pianista Paul Bley y el bajista Steve Swallow se embarcaron en un viaje aún más lejano que sus dos álbumes anteriores de Verve, Fusion y Thesis (ambos grabados en 1961), en su búsqueda de armonía puntillista, interpretación de tonos abiertos y el poder de la frase matizada para abrir nuevas perspectivas para la improvisación en solitario o grupal. El álbum original está compuesto por cinco solos de clarinete, dos dúos para clarinete y bajo y tres piezas de trío. La reedición en CD agrega cinco solos de clarinete más al banco y ofrece una visión impresionante de Giuffre como un maestro del idioma no solo de la improvisación libre del jazz, sino también un excelente intérprete de los lenguajes musicales que discuten los compositores clásicos Darius Milhaud, Stravinsky, Messiaen, e incluso Morton Feldman y Earle Brown. Todos los estudios de clarinete de Giuffre, particularmente "Man Alone"," Yggdrasill " y "Present Motion", son estudios sobre coloración tonal, donde la fraseología se abre a ideas de segundo y tercer tono superpuestas entre sí para restar énfasis a una u otra. De las interacciones grupales, "Threewe" y "Spasmodic" ofrecen la visión de entrelazar el puntillismo cromático a medida que se forma lingüísticamente entre un instrumento y el siguiente sin preocuparse por una armonía, ritmo o melodía dominantes. De hecho, Free Fall era una música tan radical que nadie, literalmente nadie, estaba listo para ella y el grupo se disolvió poco después en una noche en la que ganaban solo 35 centavos por set. Reeditado en 1999, Free Fall es anterior a todos los estudios microtonales europeos y, de hecho, es una inspiración para todos los que lo han abrazado.
https://www.allmusic.com/album/free-fall-mw0000042360

Hailu Mergia • Lala Belu

 

Dozens of cherished recordings were made during the legendary “golden age” of Ethiopian music, an era stretching from the early 1960’s through the mid-1970’s. Less-discussed are the songs made in the aftermath of the 1974 revolution that toppled Emperor Hailu Selassie I. The acclaimed and highly sought-after LP by Hailu Mergia and the Walias, Tche Belew, an album of instrumentals released in 1977, is perhaps the most seminal of these recordings. The story of the Walias band is a critical chapter in Ethiopian popular music, taking place during a period of music industry flux and political complexity in the country.

Hailu Mergia, a keyboardist and arranger diligently working the nightclub scene in Addis Ababa, formed the Walias in the early 1970’s with a core group of musical colleagues assembled from the remnants of prior working bands attached to the Zula and Venus clubs. One of the first “private” bands, the Walias got a steady gig at the prestigious Hilton Addis Ababa and remained independent from the government-supported bands of the time as well as from the clubs who employed bands.

While the oppressive and often brutal, Socialism-inspired Derg government (1974-1987) had a firm grip on Ethiopians following the revolution, Walias organized their own contracts and eschewed government patronage. Unlike the celebrated bands of the run-up to Selassie’s removal—the Police Orchestra, Imperial Bodyguard Band, National Theater Band, Ethiopian Army Band, Hager Fikir Theater Band, City Hall Theatre Folkloric Group and so on—the Wailas developed fame on their own terms and maintained control of their instruments and performances. They played the blues-, funk- and soul-informed tunes Mergia was writing and arranging, while cutting 45rpm recordings released by Kaifa Records with popular vocalists, including Getachew Kassa and Alemayehu Borobor.

After several singles, Mergia decided to do something different: record a full-length album. The band—which at the time featured Moges Habte (saxophone and flute), Mahmmud Aman (guitar), Yohannes Tekola (trumpet), Melake Gabrie (bass guitar), Girma Beyene (piano), Temare Haregu (drums), Abebe Kassa (alto saxophone) and special guest Mulatu Astatke (vibes)—entered Radio Voice of the Gospel studios to record their first long-player. The director of the station knew Mergia personally and connected the band with a sound engineer there. (Incidentally, the Lutheran-owned station was taken over shortly thereafter by the Derg government and used for propaganda purposes.)

Influenced in large part by Jimmy Smith, Mergia and the Walias merged the popular international sounds available in Ethiopia at the time with the traditional tunes that formed the foundation of most musicians’ repertoires. But for this LP, instead of playing the role of backing band, Mergia wanted four of his bandmates to contribute arrangements, so that the album would capture a spectrum of sounds with the instruments and groove positioned out front.

Recording in one large room, the band spent two days laying down the songs, completing several of them in single takes. It was the most professional technical set-up they had used thus far, with modern studio facilities and quality instruments (Mergia was using Farfisa and Godwin organs at the time). Being that this record was predominantly instrumental—extremely rare among Ethiopian LPs—it’s notable that Tche Belew features a backing chorus. Interjecting brief phrases on a few songs, the trio of accomplished vocalists Aster Aweke, Getachew Kassa, and Tegest Abate are the only voices heard on the recording. In the aftermath of the LP’s release, the public’s response was strong and the LP and cassettes sold better than expected.

While the band never travelled outside Addis Ababa, they performed at top hotels and played the presidential palace twice. The Walias’ relationship with the Derg regime was complex though, evidenced by the removal of one song from the record by government censors because it included mention of the previous government. The regime’s broad policy of violence and censorship—including a period called the Red Terror that featured genocide-level disappearances of students, activists and villagers and the indiscriminate imprisonment of journalists—ultimately resulted in half the band staying in the United States following their first tour outside Ethiopia in the early 1980s. Today the musicians remain scattered between Addis Ababa and Washington D.C.

Decades later, Hailu Mergia was surprised to see the album fetching more than $4,000 at online auctions. The Walias had recorded the most famous and wide-reaching of all Ethiopian tunes from that era, “Musicawi Silt,” which was composed by the band's pianist Girma Beyene.

 

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Traducción Automática:

Decenas de grabaciones queridas se hicieron durante la legendaria "edad de oro" de la música etíope, una época que se extiende desde principios de los años sesenta hasta mediados de los años setenta. Menos discutidas son las canciones hechas después de la revolución de 1974 que derrocó al emperador Hailu Selassie I. El aclamado y codiciado LP de Hailu Mergia y Walias, Tche Belew, un álbum de instrumentales estrenadas en 1977, es quizás el la más seminal de estas grabaciones. La historia de la banda de Walias es un capítulo crítico en la música popular de Etiopía, que tiene lugar durante un período de flujo de la industria de la música y la complejidad política en el país.Hailu Mergia, tecladista y arreglista que trabaja diligentemente en la escena de clubes nocturnos en Addis Ababa, formó el Walias a principios de la década de 1970 con un grupo central de colegas musicales reunidos de los restos de bandas anteriores vinculadas a los clubes Zula y Venus. Una de las primeras bandas "privadas", Walias consiguió un concierto estable en el prestigioso Hilton Addis Ababa y permaneció independiente de las bandas de la época apoyadas por el gobierno, así como de los clubes que empleaban bandas.Mientras que el opresivo ya menudo brutal, el gobierno Derg inspirado por el socialismo (1974-1987) tuvo un firme control sobre los etíopes después de la revolución, Walias organizó sus propios contratos y evitó el mecenazgo del gobierno. A diferencia de las célebres bandas del período previo a la destitución de Selassie: la Orquesta de la policía, la Banda de guardaespaldas imperial, la Banda del teatro nacional, la Banda del ejército etíope, la Banda de teatro Hager Fikir, el Grupo folclórico del teatro del ayuntamiento y demás, los Wailas desarrollaron la fama por su cuenta términos y control mantenido de sus instrumentos y actuaciones. Jugaron las melodías informadas por el blues, el funk y el soul que Mergia estaba escribiendo y arreglando, mientras cortaban grabaciones de 45rpm lanzadas por Kaifa Records con vocalistas populares, incluyendo Getachew Kassa y Alemayehu Borobor.Después de varios singles, Mergia decidió hacer algo diferente: grabar un álbum de larga duración. La banda, que en ese momento presentaba Moges Habte (saxofón y flauta), Mahmmud Aman (guitarra), Yohannes Tekola (trompeta), Melake Gabrie (bajo), Girma Beyene (piano), Temare Haregu (batería), Abebe Kassa ( saxofón alto) y invitado especial Mulatu Astatke (vibes) -entraron los estudios Radio Voice of the Gospel para grabar su primer jugador de larga duración. El director de la estación conocía personalmente a Mergia y conectó a la banda con un ingeniero de sonido. (Por cierto, la estación de propiedad luterana fue tomada poco después por el gobierno de Derg y utilizada con fines de propaganda).Influenciado en gran parte por Jimmy Smith, Mergia y Walias fusionaron los populares sonidos internacionales disponibles en Etiopía en ese momento con las melodías tradicionales que formaron la base de la mayoría de los repertorios de músicos. Pero para este LP, en lugar de interpretar el papel de la banda de acompañamiento, Mergia quería que cuatro de sus compañeros de banda contribuyeran con los arreglos, de modo que el álbum capturara un espectro de sonidos con los instrumentos y la ranura colocados al frente.Grabando en una sala grande, la banda pasó dos días colocando las canciones, completando varias de ellas en tomas individuales. Era la configuración técnica más profesional que habían utilizado hasta ahora, con modernas instalaciones de estudio e instrumentos de calidad (Mergia estaba utilizando los órganos de Farfisa y Godwin en ese momento). Siendo que este disco era predominantemente instrumental, extremadamente raro entre los LPs etíopes, es notable que Tche Belew presenta un coro de respaldo. Intercalando frases breves en algunas canciones, el trío de vocalistas consumados Aster Aweke, Getachew Kassa y Tegest Abate son las únicas voces escuchadas en la grabación. A raíz de la publicación del LP, la respuesta del público fue fuerte y el LP y los casetes se vendieron mejor de lo esperado.Si bien la banda nunca viajó fuera de Addis Abeba, actuaron en los mejores hoteles y tocaron dos veces en el palacio presidencial. Sin embargo, la relación de Walias con el régimen de Derg fue compleja, evidenciada por la eliminación de una canción del registro por parte de los censores del gobierno porque incluía la mención del gobierno anterior. La amplia política de violencia y censura del régimen -incluido un período llamado Red Terror que presentó desapariciones a nivel genocida de estudiantes, activistas y aldeanos y el encarcelamiento indiscriminado de periodistas- finalmente resultó en que la mitad de la banda se quedara en los Estados Unidos después de su primera gira. fuera de Etiopía a principios de los años ochenta. Hoy los músicos permanecen dispersos entre Addis Ababa y Washington D.C.Décadas más tarde, Hailu Mergia se sorprendió al ver el álbum obteniendo más de $ 4,000 en subastas en línea. The Walias había grabado el más famoso y de gran alcance de todas las melodías etíopes de esa época, "Musicawi Silt", que fue compuesto por el pianista de la banda, Girma Beyene.

 

 

 

Kurt Rosenwinkel • Undercover Live At The Village Vanguard

 

 

Kurt Rosenwinkel records in a variety of situations, either from inclination or to keep himself and his audience fresh or both. In 2022 alone, he released three unusually diverse albums: Plays Piano, a solo outing on which he plays piano only; The Chopin Project, a co-led disc with pianist Jean-Paul Brodbeck exploring the work of Frederic Chopin; and Berlin Baritone, another solo album, this time playing a baritone guitar.

Undercover: Live At The Village Vanguard is back in more conventional jazz territory. Rosenwinkle leads a quartet completed by pianist and keyboardist Aaron Parks, bassist Eric Revis and drummer Gregory Hutchinson on a programme of originals.

With a pleasingly liquid sound and sure melodic touch, Rosenwinkel's connections with jazz heritage are strong. Two foundational influences suggest themselves. One is Pat Metheny, sixteen years Rosenwinkle's senior, primarily for Metheny's embrace of effects technology. Rosenwinkel, too, employs a multiplicity of gadgets, and like Metheny does so with originality and taste. The second figure is pianist Bill Evans, with whom Rosenwinkel shares a talent for harmonic invention, his approach including, but not being limited to, some of Evans' particular fingerprints.

Undercover kicks off with two exhilarating, medium-up-tempo tunes, "Cycle Five" and "The Past Intact." So thoroughly manipulated is Rosenwinkel's guitar tone that one could be excused for thinking it is a guitar synth (Rosenwinkel has been known to play a guitar synth, but the sleeve credits here simply list him as playing "guitar"). Combined with Parks' use of what sounds like a Wurlitzer organ (again, the sleeve credits do not go into details) on "Cycle Five," the overall effect at times puts one in mind of the Pat Metheny Group's chugger "Are You Going With Me?" Another muscular piece is "Our Secret World," with a rougher edge than the PMG favoured.

There are two ballads, "Solé" (check the YouTube below) and "Music," with the former's topline and guitar harmonies evoking Bill Evans. Interestingly, there is less of an Evans connection on Rosenwinkel's performance of the tune on the limited edition 2022 album Piano Solo on the audiophile-vinyl label LP345. And while we are thinking Evans, the use of triple-time on "Music" rings the bell again. On the closing title track, Rosenwinkel and Parks uncharacteristically go borderline chromatic.

Postscript: In case you missed it, earlier in 2023 Elemental Records released an audiophile-vinyl edition of Rosenwinkel's second album as leader, the 2-LP Intuit (originally released as a Criss Cross CD in 1998). All but one of the ten tracks are covers and include Irving Berlin's "How Deep Is The Ocean?," Jimmy Van Heusen's "Darn That Dream," George Gershwin's "Summertime" and two versions of George Shearing's "Conception." There are also three up-tempo pieces by Charlie Parker: "Dewey Square," "Sippin' At Bells" and "Segment."
By Chris May
July 18, 2023
https://www.allaboutjazz.com/undercover-live-at-the-village-vanguard-kurt-rosenwinkel-heartcore-records

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El guitarrista norteamericano Kurt Rosenwinkel es uno de los músicos más destacados de su generación, esa nacida en la década de los años setenta del siglo pasado.

Rosenwinkel se ha ganado a pulso la situación de la que goza hoy en día; tanto por sus propios proyectos, sólo en el año 2022 editó tres discos, ‘Plays piano’, una salida en solitario en la que solo toca el piano; ‘The Chopin Project’, un disco codirigido con el pianista Jean-Paul Brodbeck en el que explora la obra del compositor polaco Frédéric Chopin; y ‘Berlin Baritone’, otro álbum en solitario pero esta vez tocando una guitarra barítono; como sus múltiples colaboraciones con los más diversos artistas.

‘Undercover (Live at the Village Vanguard)’ es su nuevo disco, y en él se recoge una selección de siete piezas interpretadas durante tres noches del mes de octubre de 2022 durante las actuaciones que realizó en el histórico Village Vanguard de Nueva York.

Todos los temas que suenan en el disco son composiciones del propio guitarrista y en ellas se aprecian las dos grandes influencias de este músico. Por un lado, la de Pat Metheny, dieciséis años mayor que Rosenwinkel, en lo referente al uso que hace de la tecnología de efectos. Al respecto baste con citar unos pocos de sus múltiples aparatos: Neunaber WET Reverb, Strymon Timeline, Strymon Mobius, Strymon Blue Sky Reverb, Strymon El Capistan dTape Echo, Digitech Vocalist, Thegigrig HumDinger, Rockett Allan Holdsworth, Empress ParaEQ, Pro Co RAT distortion, TC Electronic Nova Reverb, Lehle D. Loop Effect-loop/Switcher, Malekko Echo 600 Dark.

Por otro, el pianista Bill Evans, con quien Rosenwinkel comparte el talento para la invención armónica.

En esta aventura el guitarrista residente en Berlín (Alemania) está acompañado por el joven y talentoso pianista Aaron Parks, el veterano y sólido bajista Eric Revis y por el baterista Greg Hutchinson, con el que lleva colaborando mucho tiempo.

Con todo ellos y su atrayentes composiciones del ‘Undercover (Live at the Village Vanguard)’ de Kurt Rosenwinkel sólo se puede decir que es un disco que merece mucho la pena disfrutar.

Y ya.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/kurt-rosenwinkel-undercover-live-at-the-village-vanguard

kurtrosenwinkel.com ...

Billy Larkin & The Delegates • Aint That A Groove

Organist Billy Larkin and The Delegates immediately came to the attention of the Los Angeles jazz audience when their first record was released, but they also picked up a larger audience when the teenagers discovered they could dance to it. Just as Ramsey Lewis, they had an appeal that far exceeded just the jazz listener.

Basically a jazz trio with heavy emphasis on the blues, Billy Larkin and The Delegates was a versatile and dynamic group that reached into all corners of music to come up with a style and an approach that is both fresh and distinctive.

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El organista Billy Larkin y The Delegates llamaron inmediatamente la atención del público de jazz de Los Ángeles cuando salió su primer disco, pero también captaron un público más numeroso cuando los adolescentes descubrieron que podían bailarlo. Al igual que Ramsey Lewis, tenían un atractivo que superaba con creces al oyente de jazz.

Básicamente un trío de jazz con gran énfasis en el blues, Billy Larkin y The Delegates fue un grupo versátil y dinámico que llegó a todos los rincones de la música para crear un estilo y un enfoque que es a la vez fresco y distintivo.