Friday, November 6, 2026
Ken Clark Organ Trio • Dr. Organstein
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This is the 4th Ken Clark Organ Trio cd. They have been performing around New England and the eastern U.S. forthe past 15 years. "Organist Ken Clark, guitarist Mike Mele, and drummer Steve Chaggaris lean on the beat, (high stepping funk, shuffle boogaloo back beat ballad), build dynamic climaxes sprinkle in jazz solos and deliver the goods. Clark controls the B3 like a master: hip bass lines, sizzling chordal washes, feel-good riffs, funky blues lines and syncopated accents figure in the mix. The groove, the sonic power of the organ and a soulful message are a forceful combination for reaching the people, all the way from the church to the dance floor. Can't beat the feeling."---Owen Cordle, Jazz Times
"You might be skeptical about listening to the a CD without a bass player, but from the opening bars of the first track, school is in session! Organist Ken Clark has a punchy, thick bass tone that rivals Rocco's, and he grooves like a funky S.O.B. His right hand is pretty happening, too. A must hear for fans of jazzy, funky groove music."-----Bass Player Magazine
"You might be skeptical about listening to the a CD without a bass player, but from the opening bars of the first track, school is in session! Organist Ken Clark has a punchy, thick bass tone that rivals Rocco's, and he grooves like a funky S.O.B. His right hand is pretty happening, too. A must hear for fans of jazzy, funky groove music."-----Bass Player Magazine
Ken Clark has toured and recorded with Bernard Purdie, Melvin Sparks and David "Fathead" Newman among others
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Este es el 4to cd de Ken Clark Organ Trio. Han estado actuando alrededor de Nueva Inglaterra y el este de los Estados Unidos durante los últimos 15 años. "El organista Ken Clark, el guitarrista Mike Mele y el baterista Steve Chaggaris se apoyan en el ritmo, (funk de ritmo alto, balada al ritmo de bogalao al azar), construyen clímax dinámicos en los solos de jazz y entregan los bienes. Clark controla el B3 como un maestro: líneas de bajo de cadera, lavados de cuerdas que chisporrotean, riffs para sentirse bien, líneas de funky blues y acentos sincopados figuran en la mezcla. El ritmo, el poder sonoro del órgano y un mensaje conmovedor son una combinación poderosa para llegar a la gente, desde la iglesia a la pista de baile. No se puede superar el sentimiento ". --- Owen Cordle, Jazz Times
"Puede que seas escéptico acerca de escuchar un CD sin un bajista, pero desde los compases iniciales de la primera pista, ¡la escuela está en sesión! El organista Ken Clark tiene un tono de bajo fuerte y fuerte que compite con el de Rocco, y se quejó como un Funky SOB Su mano derecha también está sucediendo. Es algo que se debe escuchar para los fanáticos de la música de jazz ". ----- Bass Player Magazine
"Puede que seas escéptico acerca de escuchar un CD sin un bajista, pero desde los compases iniciales de la primera pista, ¡la escuela está en sesión! El organista Ken Clark tiene un tono de bajo fuerte y fuerte que compite con el de Rocco, y se quejó como un Funky SOB Su mano derecha también está sucediendo. Es algo que se debe escuchar para los fanáticos de la música de jazz ". ----- Bass Player Magazine
Ken Clark ha realizado giras y grabaciones con Bernard Purdie, Melvin Sparks y David "Fathead" Newman entre otros.
The Dave Pike Set • Noisy Silence – Gentle Noise
Artist Biography by Scott Yanow
Dave Pike has been a consistent vibraphonist through the years without
gaining much fame. He originally played drums and is self-taught on
vibes. Pike moved with his family to Los Angeles in 1954 and played with
Curtis Counce, Harold Land, Elmo Hope, Dexter Gordon, Carl Perkins, and
Paul Bley, among others. After moving to New York in 1960 he put an
amplifier on his vibes. Pike toured with Herbie Mann during 1961-1964,
spent 1968-1973 in Germany (recording with the Kenny Clarke-Francy
Boland big band), and then resettled in Los Angeles, playing locally and
recording for Timeless and Criss Cross.
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Biografía del artista por Scott Yanow
Dave Pike ha sido un vibrafonista constante a través de los años sin
ganar mucha fama. Originalmente tocaba la batería y es autodidacta en el
vibráfono. Pike se mudó con su familia a Los Ángeles en 1954 y tocó con
Curtis Counce, Harold Land, Elmo Hope, Dexter Gordon, Carl Perkins y
Paul Bley, entre otros. Después de mudarse a Nueva York en 1960 puso un
amplificador en sus vibraciones. Pike realizó una gira con Herbie Mann
durante 1961-1964, pasó de 1968 a 1973 en Alemania (grabando con la gran
banda de Kenny Clarke-Francy Boland), y luego se instaló en Los
Ángeles, tocando localmente y grabando para Timeless y Criss Cross.
Etta James • The Very Best Of Etta James
Etta James began her long career as a singer early, singing doo-wop as a teenager in the 1950s. She has enjoyed equal success crooning blues ballads, belting out rhythm and blues and rock and roll, or interpreting jazz. While the ease with which she can navigate these various styles demonstrates her impressive skill, it has also served to confound the music industry as to how to categorize her. In the late 20th century and into the next, James has finally been widely acknowledged as one of the most talented singers of her era. James was born Jamesetta Hawkins in Los Angeles, California, on January 25, 1938. Dorothy, her mother, was just fourteen years old when she gave birth to James, and she never overtly named the father. James's care was left largely to relatives and friends, including a middle-aged couple by the name of Rogers. James and her foster mother, Lula "Mama Lu" Rogers, became particularly close. By the age of five, James was living with her grandparents in Los Angeles. It was at this time, while singing solos with the St. Paul Baptist Church's Echoes of Eden choir under the direction of musical director James Earle Hines that she began to get attention for her powerful voice. Soon she began performing gospel on a local radio broadcast. James turned to music, and when she was fourteen she formed the Creolettes with two other girls. They tracked down Johnny Otis, a bandleader and promoter, when he was playing at the Fillmore. On the strength of the Creolettes' audition for him, Otis arranged for the girls to tour. Otis renamed the group the Peaches and reversed Jamesetta's name, creating the stage name that has endured to this day. The girls started off earning ten dollars per night for their work with Otis's revue. James first recorded with the Peaches in 1955 on the Modern Records label. The song was her own composition and was called "Roll with Me Henry," a coarse response to a song by Hank Ballard and the Midnighters called "Work with Me Annie." The song was rechristened a less-racy "The Wallflower" and became a top-ten hit on the rhythm and blues charts. In 1955 James had another hit on the Modern label, "Good Rockin' Daddy." It became apparent that her talent overshadowed that of her friends, and she separated from the Peaches. Over the ensuing few years James, who was also known as Miss Peaches, toured the country on bills with stars such as Bo Diddley, Little Richard, Marvin Gaye, zydeco accordionist Clifton Chenier, Johnny "Guitar" Watson, Minnie Riperton, and Chuck Berry.
While on the road, she encountered a wide range of responses, from admiration to racism and intimidation, She found herself performing before large, eager crowds, even though her fame had dimmed somewhat since her 1955 hits. One of the highlights of this time was when James shared the stage with Billie Holiday and Count Basie as part of an National Broadcasting Company radio show in New York called Jazz Plus Blues Equals Soul. The performance occurred in the late 1950s, near the end of Holiday's life. As the 1950s ended, James was often on the road and broke. But her fortunes began to turn after she arrived in Chicago, where she drew the attention of Leonard Chess and signed on with his label, Chess Records. Chess was just starting to earn recognition with artists like Berry and Diddley. In the early 1960s, James began a prolific period and became one of R&B's most successful singers. With producer Jerry Wexler, she recorded jazz tunes and soul ballads and ran up a string of hits for Chess's subsidiary label, Argo, such as "At Last" - which peaked at number two on the R&B chart in 1961 - "My Dearest Darling," "Trust Me," and "All I Could Do Was Cry." In 1962 her "Something's Got a Hold on Me" was the most successful of her three hits that year, charting at number four. While Chess helped revitalize James's career, the company also exploited her, as it did many other artists. Royalties were withheld and the company was known to seize the publishing rights to artists' original material. She felt there was too much tinkering and direction. Despite favorable critical reviews for the recordings she produced, James felt on edge in the studio. By the time she was 21, James was addicted to heroin. Her addiction was so disruptive that she stopped recording almost completely between 1964 and 1966, but then pulled herself together enough to record “Call My Name,” an acclaimed blues album. She also recorded some duets with a childhood friend, Sugar Pie DeSanto, which resulted in the hit song "In the Basement." In 1967 James went to work for Alabama's Fame Studios, where she recorded a classic album that was well received; “Tell Mama” contains the standout ballad "I'd Rather Go Blind." Despite her hits, however, James was generally unknown outside the black population. Although life for James was out of control by the early 1970s, she was able to arrive at live performances and recording sessions when necessary. In 1974, James finally entered a drug rehabilitation program as a resident at Tarzana Psychiatric Hospital, just outside of Los Angeles, California. Struggling to pull her career together, James hopped from record label to record label. At Fantasy in 1986 she teamed with tenor sax legend Eddie "Cleanhead" Vinson and recorded two outstanding jazz albums, “Blues in the Night,” and “The Late Show.” She was also affiliated with the Island and Elektra labels. James then toured with the Rolling Stones and performed at blues and jazz festivals, with the result that white listeners finally began to buy her albums. She sang during the Olympic opening ceremony in 1984, and her debut hit "The Wallflower" became part of the soundtrack to the hugely popular movie Back to the Future. The singer even made some guest appearances on television programs. James went for seven years without a recording contract, and then in 1988 she released “Seven-Year Itch” with Island. The next year she received the W. C. Handy Award and the Rhythm and Blues Foundation's Pioneer of the Year Award, and in 1990 the National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) honored her with two awards: an Image Award and an award for best blues artist for her album “Stickin' to My Guns.” James continued recording at a furious pace and by the 1990s was considered an R&B legend. Her vaulted status was confirmed with her 1991 induction into the Bay Area Blues Society Hall of Fame and her 1993 induction into the Rock and Roll Hall of Fame. In 1994 she began to work with producer John Snyder at Private Music and released the critically acclaimed “Mystery Lady: Songs of Billie Holiday,” winning a Grammy Award for best jazz vocal in 1995. By mid ‘90’s she entered one of her career's most prolific phases. “Mystery Lady” followed on the heels of both “Etta James Live from San Francisco” and her autobiography, which was followed by “Time after Time,” in 1995. James's star kept rising into the next century. In 2001 she was inducted into the Blues Foundation's Hall of Fame, and on April 18, 2003, James was honored with a star on the Hollywood Walk of Fame. Later that same year she won the Grammy Lifetime Achievement Award, then returned for another Grammy in February 2004 for her self-produced album “Let's Roll.” Her 2004 recording, “Blues to the Bone,” is a compilation of her favorite blues classics. James has also benefited from being able to turn her career into a family affair; she often works with her sons, who back her and produce her recordings. At nearly 70 years old, James—who had long related her love of music and continued to wow audiences with her raucous and enthusiastic concerts—showed no interest retiring any time soon. With a new slimmed-down look, a rejuvenated stage show and celebrating an incredible five decades as a recording artist, music legend Etta James showcases her enduring artistry on an amazing diversity of the eleven songs featured on her 2006 BMG album, “All The Way.” Etta James is currently on tour with B.B.King, and Al Green.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/etta-james/
While on the road, she encountered a wide range of responses, from admiration to racism and intimidation, She found herself performing before large, eager crowds, even though her fame had dimmed somewhat since her 1955 hits. One of the highlights of this time was when James shared the stage with Billie Holiday and Count Basie as part of an National Broadcasting Company radio show in New York called Jazz Plus Blues Equals Soul. The performance occurred in the late 1950s, near the end of Holiday's life. As the 1950s ended, James was often on the road and broke. But her fortunes began to turn after she arrived in Chicago, where she drew the attention of Leonard Chess and signed on with his label, Chess Records. Chess was just starting to earn recognition with artists like Berry and Diddley. In the early 1960s, James began a prolific period and became one of R&B's most successful singers. With producer Jerry Wexler, she recorded jazz tunes and soul ballads and ran up a string of hits for Chess's subsidiary label, Argo, such as "At Last" - which peaked at number two on the R&B chart in 1961 - "My Dearest Darling," "Trust Me," and "All I Could Do Was Cry." In 1962 her "Something's Got a Hold on Me" was the most successful of her three hits that year, charting at number four. While Chess helped revitalize James's career, the company also exploited her, as it did many other artists. Royalties were withheld and the company was known to seize the publishing rights to artists' original material. She felt there was too much tinkering and direction. Despite favorable critical reviews for the recordings she produced, James felt on edge in the studio. By the time she was 21, James was addicted to heroin. Her addiction was so disruptive that she stopped recording almost completely between 1964 and 1966, but then pulled herself together enough to record “Call My Name,” an acclaimed blues album. She also recorded some duets with a childhood friend, Sugar Pie DeSanto, which resulted in the hit song "In the Basement." In 1967 James went to work for Alabama's Fame Studios, where she recorded a classic album that was well received; “Tell Mama” contains the standout ballad "I'd Rather Go Blind." Despite her hits, however, James was generally unknown outside the black population. Although life for James was out of control by the early 1970s, she was able to arrive at live performances and recording sessions when necessary. In 1974, James finally entered a drug rehabilitation program as a resident at Tarzana Psychiatric Hospital, just outside of Los Angeles, California. Struggling to pull her career together, James hopped from record label to record label. At Fantasy in 1986 she teamed with tenor sax legend Eddie "Cleanhead" Vinson and recorded two outstanding jazz albums, “Blues in the Night,” and “The Late Show.” She was also affiliated with the Island and Elektra labels. James then toured with the Rolling Stones and performed at blues and jazz festivals, with the result that white listeners finally began to buy her albums. She sang during the Olympic opening ceremony in 1984, and her debut hit "The Wallflower" became part of the soundtrack to the hugely popular movie Back to the Future. The singer even made some guest appearances on television programs. James went for seven years without a recording contract, and then in 1988 she released “Seven-Year Itch” with Island. The next year she received the W. C. Handy Award and the Rhythm and Blues Foundation's Pioneer of the Year Award, and in 1990 the National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) honored her with two awards: an Image Award and an award for best blues artist for her album “Stickin' to My Guns.” James continued recording at a furious pace and by the 1990s was considered an R&B legend. Her vaulted status was confirmed with her 1991 induction into the Bay Area Blues Society Hall of Fame and her 1993 induction into the Rock and Roll Hall of Fame. In 1994 she began to work with producer John Snyder at Private Music and released the critically acclaimed “Mystery Lady: Songs of Billie Holiday,” winning a Grammy Award for best jazz vocal in 1995. By mid ‘90’s she entered one of her career's most prolific phases. “Mystery Lady” followed on the heels of both “Etta James Live from San Francisco” and her autobiography, which was followed by “Time after Time,” in 1995. James's star kept rising into the next century. In 2001 she was inducted into the Blues Foundation's Hall of Fame, and on April 18, 2003, James was honored with a star on the Hollywood Walk of Fame. Later that same year she won the Grammy Lifetime Achievement Award, then returned for another Grammy in February 2004 for her self-produced album “Let's Roll.” Her 2004 recording, “Blues to the Bone,” is a compilation of her favorite blues classics. James has also benefited from being able to turn her career into a family affair; she often works with her sons, who back her and produce her recordings. At nearly 70 years old, James—who had long related her love of music and continued to wow audiences with her raucous and enthusiastic concerts—showed no interest retiring any time soon. With a new slimmed-down look, a rejuvenated stage show and celebrating an incredible five decades as a recording artist, music legend Etta James showcases her enduring artistry on an amazing diversity of the eleven songs featured on her 2006 BMG album, “All The Way.” Etta James is currently on tour with B.B.King, and Al Green.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/etta-james/
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Etta James comenzó su larga carrera como cantante temprano, cantando doo-wop cuando era adolescente en la década de 1950. Ha disfrutado del mismo éxito cantando baladas de blues, cantando rhythm and blues y rock and roll, o interpretando jazz. Si bien la facilidad con la que puede navegar por estos diversos estilos demuestra su impresionante habilidad, también ha servido para confundir a la industria de la música sobre cómo clasificarla. A finales del siglo XX y principios del siguiente, James finalmente ha sido ampliamente reconocida como una de las cantantes más talentosas de su época. James nació Jamesetta Hawkins en Los Ángeles, California, el 25 de enero de 1938. Dorothy, su madre, tenía solo catorce años cuando dio a luz a James, y nunca nombró abiertamente al padre. El cuidado de James quedó en gran parte en manos de familiares y amigos, incluida una pareja de mediana edad llamada Rogers. James y su madre adoptiva, Lula "Mama Lu" Rogers, se hicieron particularmente cercanas. A la edad de cinco años, James vivía con sus abuelos en Los Ángeles. Fue en este momento, mientras cantaba solos con el St. El coro Echoes of Eden de Paul Baptist Church, bajo la dirección del director musical James Earle Hines, comenzó a llamar la atención por su poderosa voz. Pronto comenzó a interpretar gospel en una transmisión de radio local. James se dedicó a la música y cuando tenía catorce años formó The Creolettes con otras dos chicas. Localizaron a Johnny Otis, líder de una banda y promotor, cuando tocaba en el Fillmore. Gracias a la audición de las criollas para él, Otis hizo arreglos para que las chicas salieran de gira. Otis cambió el nombre del grupo a The Peaches e invirtió el nombre de Jamesetta, creando el nombre artístico que ha perdurado hasta el día de hoy. Las chicas comenzaron ganando diez dólares por noche por su trabajo con la revista de Otis. James grabó por primera vez con The Peaches en 1955 en el sello Modern Records. La canción era su propia composición y se llamaba "Roll with Me Henry", una respuesta burda a una canción de Hank Ballard y los Midnighters llamada " Work with Me Annie. La canción fue rebautizada como "The Wallflower" menos atrevida y se convirtió en un éxito entre los diez primeros en las listas de rhythm and blues . En 1955 James tuvo otro éxito en el sello Modern, "Good Rockin' Daddy."Se hizo evidente que su talento eclipsaba al de sus amigos, y se separó de los Peaches. Durante los años siguientes, James, también conocida como Miss Peaches, recorrió el país en bills con estrellas como Bo Diddley, Little Richard, Marvin Gaye, el acordeonista de zydeco Clifton Chenier, Johnny "Guitar" Watson, Minnie Riperton y Chuck Berry.
Mientras estaba de gira, se encontró con una amplia gama de respuestas, desde admiración hasta racismo e intimidación, se encontró actuando ante grandes multitudes ansiosas, a pesar de que su fama se había atenuado un poco desde sus éxitos de 1955. Uno de los momentos más destacados de esta época fue cuando James compartió escenario con Billie Holiday y Count Basie como parte de un programa de radio de National Broadcasting Company en Nueva York llamado Jazz Plus Blues Equals Soul. La actuación ocurrió a fines de la década de 1950, cerca del final de la vida de Holiday. A medida que terminaba la década de 1950, James a menudo viajaba y se arruinaba. Pero su suerte comenzó a cambiar después de llegar a Chicago, donde llamó la atención de Leonard Chess y firmó con su sello, Chess Records. El ajedrez apenas comenzaba a ganar reconocimiento con artistas como Berry y Diddley. A principios de la década de 1960, James inició un período prolífico y se convirtió en uno de los cantantes de R&B más exitosos. Con el productor Jerry Wexler, grabó melodías de jazz y baladas soul y publicó una serie de éxitos para el sello subsidiario de Chess, Argo , como "At Last", que alcanzó el puesto número dos en la lista de R&B en 1961, "My Dearest Darling", "Trust Me" y " All I Could Do Was Cry."En 1962, su" Something's Got a Hold on Me " fue el más exitoso de sus tres éxitos ese año, llegando al número cuatro. Si bien el ajedrez ayudó a revitalizar la carrera de James, la compañía también la explotó, como lo hizo con muchos otros artistas. Se retuvieron las regalías y se sabía que la compañía se apoderaba de los derechos de publicación del material original de los artistas. Ella sintió que había demasiados retoques y dirección. A pesar de las críticas favorables de las grabaciones que produjo, James se sintió nervioso en el estudio. Cuando tenía 21 años, James era adicta a la heroína. Su adicción fue tan disruptiva que dejó de grabar casi por completo entre 1964 y 1966, pero luego se recompuso lo suficiente como para grabar "Call My Name", un aclamado álbum de blues. También grabó algunos duetos con un amigo de la infancia, Sugar Pie DeSanto, que dieron como resultado la exitosa canción " In the Basement. En 1967, James se fue a trabajar a los Fame Studios de Alabama, donde grabó un álbum clásico que fue bien recibido; "Tell Mama" contiene la balada destacada " Prefiero quedarme ciega."Sin embargo, a pesar de sus éxitos, James era generalmente desconocida fuera de la población negra. Aunque la vida de James estaba fuera de control a principios de la década de 1970, pudo asistir a presentaciones en vivo y sesiones de grabación cuando era necesario. En 1974, James finalmente ingresó a un programa de rehabilitación de drogas como residente en el Hospital Psiquiátrico Tarzana, a las afueras de Los Ángeles, California. Luchando por recomponer su carrera, James saltó de sello discográfico a sello discográfico. En Fantasy, en 1986, se asoció con la leyenda del saxo tenor Eddie "Cleanhead" Vinson y grabó dos destacados álbumes de jazz, "Blues in the Night" y "The Late Show"."Ella también estaba afiliada a los sellos Island y Elektra. James luego realizó una gira con los Rolling Stones y actuó en festivales de blues y jazz, con el resultado de que los oyentes blancos finalmente comenzaron a comprar sus álbumes. Cantó durante la ceremonia de apertura olímpica en 1984, y su éxito debut "The Wallflower" se convirtió en parte de la banda sonora de la popular película Regreso al futuro. La cantante incluso hizo algunas apariciones especiales en programas de televisión. James pasó siete años sin contrato discográfico, y luego, en 1988, lanzó "Seven-Year Itch" con Island. Al año siguiente recibió el W. C. Handy Award y el Premio Pionero del Año de la Fundación Rhythm and Blues, y en 1990 la Asociación Nacional para el Avance de las Personas de Color (NAACP) la honraron con dos premios: un Premio Image y un premio a la mejor artista de blues por su álbum "Stickin' to My Guns."James continuó grabando a un ritmo vertiginoso y en la década de 1990 era considerado una leyenda del R&B. Su estatus abovedado se confirmó con su inducción en 1991 al Salón de la Fama de la Bay Area Blues Society y su inducción en 1993 al Salón de la Fama del Rock and Roll. En 1994 comenzó a trabajar con el productor John Snyder en Private Music y lanzó la aclamada "Mystery Lady: Songs of Billie Holiday", ganadora de un Premio Grammy a la mejor voz de jazz en 1995. A mediados de los 90 entró en una de las fases más prolíficas de su carrera. "Mystery Lady" siguió los pasos de "Etta James Live from San Francisco" y su autobiografía, a la que siguió "Time after Time", en 1995. La estrella de James siguió ascendiendo hasta el siglo siguiente. En 2001 fue incluida en el Salón de la Fama de la Blues Foundation, y el 18 de abril de 2003, James fue honrada con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Más tarde, ese mismo año, ganó el Premio Grammy a la Trayectoria, luego regresó para otro Grammy en febrero de 2004 por su álbum autoproducido "Let's Roll."Su grabación de 2004, "Blues to the Bone", es una compilación de sus clásicos favoritos del blues. James también se ha beneficiado de poder convertir su carrera en un asunto familiar; a menudo trabaja con sus hijos, quienes la respaldan y producen sus grabaciones. A sus casi 70 años, James, quien durante mucho tiempo había relacionado su amor por la música y continuó sorprendiendo al público con sus conciertos estridentes y entusiastas, no mostró interés en retirarse pronto. Con una nueva apariencia adelgazada, un espectáculo teatral rejuvenecido y celebrando las increíbles cinco décadas como artista discográfica, la leyenda de la música Etta James muestra su arte perdurable en una increíble diversidad de las once canciones que aparecen en su álbum de BMG de 2006, "All The Way."Etta James se encuentra actualmente de gira con BB King y Al Green.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/etta-james/
Mientras estaba de gira, se encontró con una amplia gama de respuestas, desde admiración hasta racismo e intimidación, se encontró actuando ante grandes multitudes ansiosas, a pesar de que su fama se había atenuado un poco desde sus éxitos de 1955. Uno de los momentos más destacados de esta época fue cuando James compartió escenario con Billie Holiday y Count Basie como parte de un programa de radio de National Broadcasting Company en Nueva York llamado Jazz Plus Blues Equals Soul. La actuación ocurrió a fines de la década de 1950, cerca del final de la vida de Holiday. A medida que terminaba la década de 1950, James a menudo viajaba y se arruinaba. Pero su suerte comenzó a cambiar después de llegar a Chicago, donde llamó la atención de Leonard Chess y firmó con su sello, Chess Records. El ajedrez apenas comenzaba a ganar reconocimiento con artistas como Berry y Diddley. A principios de la década de 1960, James inició un período prolífico y se convirtió en uno de los cantantes de R&B más exitosos. Con el productor Jerry Wexler, grabó melodías de jazz y baladas soul y publicó una serie de éxitos para el sello subsidiario de Chess, Argo , como "At Last", que alcanzó el puesto número dos en la lista de R&B en 1961, "My Dearest Darling", "Trust Me" y " All I Could Do Was Cry."En 1962, su" Something's Got a Hold on Me " fue el más exitoso de sus tres éxitos ese año, llegando al número cuatro. Si bien el ajedrez ayudó a revitalizar la carrera de James, la compañía también la explotó, como lo hizo con muchos otros artistas. Se retuvieron las regalías y se sabía que la compañía se apoderaba de los derechos de publicación del material original de los artistas. Ella sintió que había demasiados retoques y dirección. A pesar de las críticas favorables de las grabaciones que produjo, James se sintió nervioso en el estudio. Cuando tenía 21 años, James era adicta a la heroína. Su adicción fue tan disruptiva que dejó de grabar casi por completo entre 1964 y 1966, pero luego se recompuso lo suficiente como para grabar "Call My Name", un aclamado álbum de blues. También grabó algunos duetos con un amigo de la infancia, Sugar Pie DeSanto, que dieron como resultado la exitosa canción " In the Basement. En 1967, James se fue a trabajar a los Fame Studios de Alabama, donde grabó un álbum clásico que fue bien recibido; "Tell Mama" contiene la balada destacada " Prefiero quedarme ciega."Sin embargo, a pesar de sus éxitos, James era generalmente desconocida fuera de la población negra. Aunque la vida de James estaba fuera de control a principios de la década de 1970, pudo asistir a presentaciones en vivo y sesiones de grabación cuando era necesario. En 1974, James finalmente ingresó a un programa de rehabilitación de drogas como residente en el Hospital Psiquiátrico Tarzana, a las afueras de Los Ángeles, California. Luchando por recomponer su carrera, James saltó de sello discográfico a sello discográfico. En Fantasy, en 1986, se asoció con la leyenda del saxo tenor Eddie "Cleanhead" Vinson y grabó dos destacados álbumes de jazz, "Blues in the Night" y "The Late Show"."Ella también estaba afiliada a los sellos Island y Elektra. James luego realizó una gira con los Rolling Stones y actuó en festivales de blues y jazz, con el resultado de que los oyentes blancos finalmente comenzaron a comprar sus álbumes. Cantó durante la ceremonia de apertura olímpica en 1984, y su éxito debut "The Wallflower" se convirtió en parte de la banda sonora de la popular película Regreso al futuro. La cantante incluso hizo algunas apariciones especiales en programas de televisión. James pasó siete años sin contrato discográfico, y luego, en 1988, lanzó "Seven-Year Itch" con Island. Al año siguiente recibió el W. C. Handy Award y el Premio Pionero del Año de la Fundación Rhythm and Blues, y en 1990 la Asociación Nacional para el Avance de las Personas de Color (NAACP) la honraron con dos premios: un Premio Image y un premio a la mejor artista de blues por su álbum "Stickin' to My Guns."James continuó grabando a un ritmo vertiginoso y en la década de 1990 era considerado una leyenda del R&B. Su estatus abovedado se confirmó con su inducción en 1991 al Salón de la Fama de la Bay Area Blues Society y su inducción en 1993 al Salón de la Fama del Rock and Roll. En 1994 comenzó a trabajar con el productor John Snyder en Private Music y lanzó la aclamada "Mystery Lady: Songs of Billie Holiday", ganadora de un Premio Grammy a la mejor voz de jazz en 1995. A mediados de los 90 entró en una de las fases más prolíficas de su carrera. "Mystery Lady" siguió los pasos de "Etta James Live from San Francisco" y su autobiografía, a la que siguió "Time after Time", en 1995. La estrella de James siguió ascendiendo hasta el siglo siguiente. En 2001 fue incluida en el Salón de la Fama de la Blues Foundation, y el 18 de abril de 2003, James fue honrada con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Más tarde, ese mismo año, ganó el Premio Grammy a la Trayectoria, luego regresó para otro Grammy en febrero de 2004 por su álbum autoproducido "Let's Roll."Su grabación de 2004, "Blues to the Bone", es una compilación de sus clásicos favoritos del blues. James también se ha beneficiado de poder convertir su carrera en un asunto familiar; a menudo trabaja con sus hijos, quienes la respaldan y producen sus grabaciones. A sus casi 70 años, James, quien durante mucho tiempo había relacionado su amor por la música y continuó sorprendiendo al público con sus conciertos estridentes y entusiastas, no mostró interés en retirarse pronto. Con una nueva apariencia adelgazada, un espectáculo teatral rejuvenecido y celebrando las increíbles cinco décadas como artista discográfica, la leyenda de la música Etta James muestra su arte perdurable en una increíble diversidad de las once canciones que aparecen en su álbum de BMG de 2006, "All The Way."Etta James se encuentra actualmente de gira con BB King y Al Green.
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Walt Weiskopf • The Way You Say It
Biography
Saxophonist, composer and author Walt Weiskopf began his New York career performing with the Buddy Rich Big Band in 1981 at the age of 21. Since then, he has made an impressive mark as both a leader and sideman with 20 critically-acclaimed CDs and countless sideman credits, including performing and recording with Buddy Rich, Frank Sinatra, Steely Dan, Donald Fagen, Boz Scaggs and Michael McDonald.
A dynamic player with enormous technical prowess, Walt is equally well regarded as a composer. His recordings as leader contain predominantly original work with unique interpretations of standards always in the mix. Walt’s seven books on jazz improvisation are among the most respected in the field.
Whether for quartet, nonet, or any configuration in between, Walt’s compositions and arrangements have attracted fans and critical notice.
Simplicity (Criss Cross Jazz-1993), met with immediate success. It was number one on Eurojazz radio for four straight weeks and inspired Mel Martin of Saxophone Journal to write: “Walt Weiskopf’s prime influence as a player appears to be John Coltrane, but he is no slavish imitator. He gets to musical matters in a powerful and positive way, asserting a definite viewpoint… He displays much technical accomplishment, yet makes it sound basic and accessible.”
Walt’s Song for My Mother (Criss Cross Jazz-1996), was awarded four stars in Downbeat Magazine. Bret Primack of Jazz Central Station listed Song for My Mother as one of the ten best jazz albums of 1997 and Crusader Magazine chose this recording as its number one Jazz Pick of the Year.
Walt’s subsequent recordings, from A World Away in 1994 (Criss Cross Jazz) to the most recent Fountain Of Youth (Posi-tone-2017), have also caused a critical stir.
In the September 1997 issue of JazzTimes, Bill Milkowski counted Walt among his “five most underrated players;” by 2000, Milkowski found that Walt had fulfilled his early promise, and is “…a major talent…a monster tenor saxophonist as well as a prolific composer and accomplished arranger.” Blaine Fallis’ review of Open Road (Posi-tone 2015) in All About Jazz said “Weiskopf is freed up to take off on an improvisatory spectacle that paints the story of his great talent.” About his most recent offering, a 2017 review in the New York City Jazz Record stated “…Fountain of Youth (Posi-tone 2017) could only have come from someone with broad experience in music and life…Weiskopf understands it all.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/walt-weiskopf
Saxophonist, composer and author Walt Weiskopf began his New York career performing with the Buddy Rich Big Band in 1981 at the age of 21. Since then, he has made an impressive mark as both a leader and sideman with 20 critically-acclaimed CDs and countless sideman credits, including performing and recording with Buddy Rich, Frank Sinatra, Steely Dan, Donald Fagen, Boz Scaggs and Michael McDonald.
A dynamic player with enormous technical prowess, Walt is equally well regarded as a composer. His recordings as leader contain predominantly original work with unique interpretations of standards always in the mix. Walt’s seven books on jazz improvisation are among the most respected in the field.
Whether for quartet, nonet, or any configuration in between, Walt’s compositions and arrangements have attracted fans and critical notice.
Simplicity (Criss Cross Jazz-1993), met with immediate success. It was number one on Eurojazz radio for four straight weeks and inspired Mel Martin of Saxophone Journal to write: “Walt Weiskopf’s prime influence as a player appears to be John Coltrane, but he is no slavish imitator. He gets to musical matters in a powerful and positive way, asserting a definite viewpoint… He displays much technical accomplishment, yet makes it sound basic and accessible.”
Walt’s Song for My Mother (Criss Cross Jazz-1996), was awarded four stars in Downbeat Magazine. Bret Primack of Jazz Central Station listed Song for My Mother as one of the ten best jazz albums of 1997 and Crusader Magazine chose this recording as its number one Jazz Pick of the Year.
Walt’s subsequent recordings, from A World Away in 1994 (Criss Cross Jazz) to the most recent Fountain Of Youth (Posi-tone-2017), have also caused a critical stir.
In the September 1997 issue of JazzTimes, Bill Milkowski counted Walt among his “five most underrated players;” by 2000, Milkowski found that Walt had fulfilled his early promise, and is “…a major talent…a monster tenor saxophonist as well as a prolific composer and accomplished arranger.” Blaine Fallis’ review of Open Road (Posi-tone 2015) in All About Jazz said “Weiskopf is freed up to take off on an improvisatory spectacle that paints the story of his great talent.” About his most recent offering, a 2017 review in the New York City Jazz Record stated “…Fountain of Youth (Posi-tone 2017) could only have come from someone with broad experience in music and life…Weiskopf understands it all.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/walt-weiskopf
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Biografía
El saxofonista, compositor y autor Walt Weiskopf comenzó su carrera en Nueva York actuando con la Buddy Rich Big Band en 1981, a la edad de 21 años. Desde entonces, ha dejado una huella impresionante como líder y acompañante con 20 CD aclamados por la crítica e innumerables créditos como acompañante, incluyendo actuaciones y grabaciones con Buddy Rich, Frank Sinatra, Steely Dan, Donald Fagen, Boz Scaggs y Michael McDonald.
Walt es un intérprete dinámico con una enorme destreza técnica, y está igualmente bien considerado como compositor. Sus grabaciones como líder contienen predominantemente obras originales con interpretaciones únicas de estándares siempre en la mezcla. Los siete libros de Walt sobre improvisación jazzística se encuentran entre los más respetados del sector.
Ya sea para cuarteto, noneto o cualquier configuración intermedia, las composiciones y arreglos de Walt han atraído a los aficionados y a la crítica.
Simplicity (Criss Cross Jazz-1993) tuvo un éxito inmediato. Fue número uno en la radio Eurojazz durante cuatro semanas seguidas e inspiró a Mel Martin de Saxophone Journal a escribir: "La principal influencia de Walt Weiskopf como intérprete parece ser John Coltrane, pero no es un imitador servil. Llega a los asuntos musicales de una manera poderosa y positiva, afirmando un punto de vista definido... Despliega muchos logros técnicos, pero los hace sonar básicos y accesibles".
Walt's Song for My Mother (Criss Cross Jazz-1996), fue galardonado con cuatro estrellas en la revista Downbeat. Bret Primack, de Jazz Central Station, incluyó Song for My Mother entre los diez mejores álbumes de jazz de 1997 y Crusader Magazine eligió esta grabación como su Jazz Pick número uno del año.
Las grabaciones posteriores de Walt, desde A World Away en 1994 (Criss Cross Jazz) hasta la más reciente Fountain Of Youth (Posi-tone-2017), también han causado revuelo entre la crítica.
En el número de septiembre de 1997 de JazzTimes, Bill Milkowski contaba a Walt entre sus "cinco músicos más infravalorados"; en 2000, Milkowski consideraba que Walt había cumplido sus primeras promesas, y es "...un gran talento...un saxofonista tenor monstruoso, así como un compositor prolífico y un arreglista consumado". La crítica de Blaine Fallis de Open Road (Posi-tone 2015) en All About Jazz dijo que "Weiskopf se libera para despegar en un espectáculo improvisatorio que pinta la historia de su gran talento." Sobre su oferta más reciente, una reseña de 2017 en New York City Jazz Record afirmaba "...Fountain of Youth (Posi-tone 2017) solo podría haber venido de alguien con amplia experiencia en la música y en la vida... Weiskopf lo entiende todo."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/walt-weiskopf
waltweiskopf.com ...
El saxofonista, compositor y autor Walt Weiskopf comenzó su carrera en Nueva York actuando con la Buddy Rich Big Band en 1981, a la edad de 21 años. Desde entonces, ha dejado una huella impresionante como líder y acompañante con 20 CD aclamados por la crítica e innumerables créditos como acompañante, incluyendo actuaciones y grabaciones con Buddy Rich, Frank Sinatra, Steely Dan, Donald Fagen, Boz Scaggs y Michael McDonald.
Walt es un intérprete dinámico con una enorme destreza técnica, y está igualmente bien considerado como compositor. Sus grabaciones como líder contienen predominantemente obras originales con interpretaciones únicas de estándares siempre en la mezcla. Los siete libros de Walt sobre improvisación jazzística se encuentran entre los más respetados del sector.
Ya sea para cuarteto, noneto o cualquier configuración intermedia, las composiciones y arreglos de Walt han atraído a los aficionados y a la crítica.
Simplicity (Criss Cross Jazz-1993) tuvo un éxito inmediato. Fue número uno en la radio Eurojazz durante cuatro semanas seguidas e inspiró a Mel Martin de Saxophone Journal a escribir: "La principal influencia de Walt Weiskopf como intérprete parece ser John Coltrane, pero no es un imitador servil. Llega a los asuntos musicales de una manera poderosa y positiva, afirmando un punto de vista definido... Despliega muchos logros técnicos, pero los hace sonar básicos y accesibles".
Walt's Song for My Mother (Criss Cross Jazz-1996), fue galardonado con cuatro estrellas en la revista Downbeat. Bret Primack, de Jazz Central Station, incluyó Song for My Mother entre los diez mejores álbumes de jazz de 1997 y Crusader Magazine eligió esta grabación como su Jazz Pick número uno del año.
Las grabaciones posteriores de Walt, desde A World Away en 1994 (Criss Cross Jazz) hasta la más reciente Fountain Of Youth (Posi-tone-2017), también han causado revuelo entre la crítica.
En el número de septiembre de 1997 de JazzTimes, Bill Milkowski contaba a Walt entre sus "cinco músicos más infravalorados"; en 2000, Milkowski consideraba que Walt había cumplido sus primeras promesas, y es "...un gran talento...un saxofonista tenor monstruoso, así como un compositor prolífico y un arreglista consumado". La crítica de Blaine Fallis de Open Road (Posi-tone 2015) en All About Jazz dijo que "Weiskopf se libera para despegar en un espectáculo improvisatorio que pinta la historia de su gran talento." Sobre su oferta más reciente, una reseña de 2017 en New York City Jazz Record afirmaba "...Fountain of Youth (Posi-tone 2017) solo podría haber venido de alguien con amplia experiencia en la música y en la vida... Weiskopf lo entiende todo."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/walt-weiskopf
waltweiskopf.com ...
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