Lou Pomanti • Welcome To The Boogaloo Lounge

 

In a lengthy career as a composer, producer, musician, Gemini Award winner and five time nominee, Lou Pomanti has amassed credits in scoring, song writing, producing and performing on hundreds of musical projects for film, television and albums.

Lou toured the world with Blood, Sweat and Tears and recorded with Anne Murray, Gordon Lightfoot, Platinum Blonde, Triumph, Jeff Healy and Kim Mitchell and a host of others. As well, Lou has worked with internationally renowned producers Phil Ramone and Bob Rock and produced “Soul Ballads” the latest David Clayton-Thomas album for Universal. He also orchestrated strings and horns on Michael Buble’s biggest selling album, Crazy Love, including the hit single, “Haven’t Met You Yet”. Lou performed and arranged on both of Michael’s Grammy winning albums.

Lou has been the musical director of the Gemini Awards, the Juno Awards and the Genie Awards. He was an award winning musical director for the Canadian Songwriters’ Hall of Fame which inducted Leonard Cohen, Joni Mitchell and Paul Anka and which featured Lou’s arrangements being performed by Herbie Hancock, James Taylor and Michael Bublé. Lou also composed and produced the music for the closing ceremony of the 2011 Pan Am Games in Guadalajara, Mexico.

Lou is a busy producer of film and television scores for animation, episodic drama, feature film and comedy series. He produces many of these scores in his own recording studio in downtown Toronto.

En una larga carrera como compositor, productor, músico, ganador del Premio Géminis y cinco veces nominado, Lou Pomanti ha acumulado créditos en la partitura, composición de canciones, producción e interpretación en cientos de proyectos musicales para cine, televisión y álbumes.

Lou recorrió el mundo con Blood, Sweat and Tears y grabó con Anne Murray, Gordon Lightfoot, Platinum Blonde, Triumph, Jeff Healy y Kim Mitchell y muchos otros. Además, Lou ha trabajado con productores de renombre internacional como Phil Ramone y Bob Rock y ha producido "Soul Ballads", el último álbum de David Clayton-Thomas para Universal. También orquestó cuerdas y trompetas en el álbum más vendido de Michael Buble, Crazy Love, incluyendo el exitoso sencillo "Haven't Met You Yet". Lou tocó y arregló en los dos álbumes ganadores del Grammy de Michael.

Lou ha sido el director musical de los Gemini Awards, los Juno Awards y los Genie Awards. Fue un galardonado director musical del Salón de la Fama de los Compositores Canadienses, en el que participaron Leonard Cohen, Joni Mitchell y Paul Anka, y en el que los arreglos de Lou fueron interpretados por Herbie Hancock, James Taylor y Michael Bublé. Lou también compuso y produjo la música para la ceremonia de clausura de los Juegos Panamericanos 2011 en Guadalajara, México.

Lou es un ocupado productor de partituras de cine y televisión para animación, drama episódico, largometraje y series de comedia. Produce muchas de estas partituras en su propio estudio de grabación en el centro de Toronto.

loupomanti.com ...

Jimmy Ponder • Ain't Misbehavin

 

Artist Biography by Scott Yanow

An excellent guitarist with a soulful sound and the ability to uplift any funky jazz date, Jimmy Ponder has appeared on many recordings during his long career, over 80 as a sideman and 15 as a leader. Ponder began playing guitar when he was 14 and considers Wes Montgomery and Kenny Burrell to be his two main early influences and Wes Montgomery later on. Offered a job with Charles Earland after having only played guitar three years, Ponder waited until he graduated from high school and then spent three years with the organist's group, recording several dates with Earland. He worked and recording with Lou Donaldson, Houston Person, Donald Byrd, Stanley Turrentine, and Jimmy McGriff and in the early '70s moved to New York (from Philadelphia), leading his own groups. Ponder has since recorded as a leader in the 1970s for Cadet, ABC/Impulse, TK, CBS, and Toshiba, in the '80s for Milestone, and in the '90s for Muse and HighNote. In the 21st century his albums included Ain't Misbehavin' (2000), Thumbs Up (2001), Alone (2003), What's New (2005), and Somebody's Child and Solo: Live at the Other Side, both released in 2007.

Quotes about Jimmy Ponder

“When you count up the years and numbers, few if any authentic jazz guitarists have sustained as long, consistent, fruitful or interesting a recording career as Ponder. His many efforts for the Muse and High Note labels have set high standards for musicality with integrity" —Michael G. Nastos, All Music Guide

“Pittsburgh is a blessed with so many great musicians. Jimmy Ponder continues this great tradition by being one of the finest jazz guitarists in the country." —Tony Mowod producer/jazz host

“One of the great pioneers of the guitar coming out of Pittsburgh — he and George Benson." —Roger Humphries

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 Biografía del artista por Scott Yanow

Un excelente guitarrista con un sonido conmovedor y la capacidad de elevar cualquier fecha de jazz funky, Jimmy Ponder ha aparecido en muchas grabaciones durante su larga carrera, más de 80 como sideman y 15 como líder. Ponder comenzó a tocar la guitarra a los 14 años y considera que Wes Montgomery y Kenny Burrell son sus dos principales influencias tempranas y Wes Montgomery más tarde. Ofreció un trabajo con Charles Earland después de haber tocado la guitarra sólo tres años, Ponder esperó hasta que se graduó de la escuela secundaria y luego pasó tres años con el grupo del organista, grabando varias fechas con Earland. Trabajó y grabó con Lou Donaldson, Houston Person, Donald Byrd, Stanley Turrentine y Jimmy McGriff y a principios de los 70 se mudó a Nueva York (desde Filadelfia), liderando sus propios grupos. Desde entonces, Ponder ha grabado como líder en los 70 para Cadet, ABC/Impulse, TK, CBS y Toshiba, en los 80 para Milestone y en los 90 para Muse y HighNote. En el siglo XXI sus álbumes incluyeron Ain't Misbehavin' (2000), Thumbs Up (2001), Alone (2003), What's New (2005), y Somebody's Child and Solo: Live at the Other Side, ambos lanzados en 2007.

Citas sobre Jimmy Ponder

"Cuando cuentas los años y los números, pocos, si es que hay algún guitarrista de jazz auténtico, han sostenido una carrera discográfica tan larga, consistente, fructífera o interesante como Ponder. Sus muchos esfuerzos para los sellos Muse y High Note han establecido altos estándares de musicalidad con integridad" -Michael G. Nastos, All Music Guide

"Pittsburgh es una ciudad bendecida por tantos grandes músicos. Jimmy Ponder continúa esta gran tradición siendo uno de los mejores guitarristas de jazz del país." -Tony Mowod productor/presentador de jazz

"Uno de los grandes pioneros de la guitarra de Pittsburgh, él y George Benson." -Roger Humphries

Colaborador / Contributor:  Michel

Champion Jack Dupree • Blues From the Gutter

 Born William Thomas Dupree, 4 July 1910, New Orleans, (Dupree's birth date is the matter of some conjecture and is sometimes listed as 23 July 1909). Orphaned in infancy, Dupree was raised in the Colored Waifs Home for Boys until the age of 14. After leaving, he led a marginal existence, singing for tips, and learning piano from musicians such as Willie “Drive-'em-down” Hall. Dupree also became a professional boxer, and blended fighting with hoboing throughout the 30s, before retiring from the ring in 1940, and heading for New York. Initially, he traveled only as far as Indianapolis, where he joined with musicians who had been associates of Leroy Carr. Dupree rapidly became a star of the local black entertainment scene, as a comedian and dancer as well as a musician. He acquired a residency at the local Cotton Club, and partnered comedienne Ophelia Hoy.

In 1940, Dupree made his recording debut, with music that blended the forceful, barrelhouse playing and rich, Creole- accented singing of New Orleans with the more suave style of Leroy Carr. Not surprisingly, a number of titles were piano/guitar duets, although on some, Jesse Ellery's use of amplification pointed the way forward. A few songs covered unusual topics, such as the distribution of grapefruit juice by relief agencies, or the effects of drugs.

Dupree's musical career was interrupted when he was drafted into the US Navy as a cook; even so he managed to become one of the first blues singers to record for the folk revival market while on leave in New York in 1943. Dupree's first wife died while he was in the navy, and he took his discharge in New York, where he worked as a club pianist, and formed a close musical association with Sonny Terry and Brownie McGhee.

His own post-war recording career commenced with a splendid series of solo recordings for Joe Davis, on some of which the influence of Peetie Wheatstraw is very evident. More typical were the many tracks with small groups recorded thereafter for a number of labels from 1946-53, and for King Records between April 1953 and late 1955. As ever, these recordings blend the serious with the comic, the latter somewhat tastelessly on songs such as “Tongue Tied Blues” and “Harelip Blues”. “Walking The Blues”, a comic dialogue with Teddy “Mr Bear” McRae, was a hit on King, and the format was repeated on a number of titles recorded for RCA Records' Vik and Groove.

In 1958, Dupree made his last American recordings until 1990; “Blues From The Gutter,” this a magnificent testament to Dupree's barrelhouse background, boasting marvelous readings of “Stack-O-Lee,” “Junker's Blues,” “Frankie & Johnny” and the “Nasty Boogie.” This is considered to be his finest effort and he was able to cruise off its laurels to launch a successful career overseas.

In 1959, he moved to Europe, and lived in Switzerland, England, Sweden and Germany, touring extensively and recording prolifically. There are many reissues and compilations available on a variety of labels to cover this European period. Among these are “Walking the Blues,” for King,(’70) and the outstanding live recording, “Blues at Montreaux”(’73) on Atco that also featured sax great, King Curtis.

Dupree returned to New Orleans in 1990 for his first visit in 36 years. While there, he played the Jazz & Heritage Festival and laid down an album for Bullseye Blues, “Back Home in New Orleans.”

The tracks on the 1993 release “One Last Time” were drawn from Dupree's final recording session before his death the previous year. Champion Jack died from complications of cancer on January 21, 1992.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com › championjackdupree

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Nacido William Thomas Dupree, 4 de julio de 1910, Nueva Orleans, (la fecha de nacimiento de Dupree es el asunto de algunas conjeturas y a veces se menciona como 23 de julio de 1909). Huérfano en la infancia, Dupree se crió en el Hogar de Niños de Color Waifs hasta la edad de 14 años. Después de irse, llevó una existencia marginal, cantando a cambio de propinas y aprendiendo a tocar el piano con músicos como Willie "Drive-'em-down" Hall. Dupree también se convirtió en boxeador profesional, y mezcló la lucha con el vagabundeo a lo largo de los años 30, antes de retirarse del ring en 1940, y se dirigió a Nueva York. Inicialmente, viajó sólo hasta Indianápolis, donde se unió a músicos que habían sido asociados de Leroy Carr. Dupree se convirtió rápidamente en una estrella de la escena local de entretenimiento negro, como comediante y bailarín, así como músico. Adquirió una residencia en el Cotton Club local y fue socio de la comediante Ophelia Hoy.

En 1940, Dupree hizo su debut discográfico, con una música que mezclaba el poderoso toque de barrelhouse y el rico y acentuado canto criollo de Nueva Orleans con el estilo más suave de Leroy Carr. No es de extrañar que varios títulos fueran dúos de piano/guitarra, aunque en algunos casos, el uso de la amplificación por parte de Jesse Ellery señaló el camino a seguir. Algunas canciones cubrían temas inusuales, como la distribución de jugo de toronja por parte de las agencias de ayuda humanitaria, o los efectos de las drogas.

La carrera musical de Dupree se interrumpió cuando fue reclutado en la Marina de los Estados Unidos como cocinero; aún así, logró convertirse en uno de los primeros cantantes de blues en grabar para el mercado de renacimiento folklórico mientras estaba de permiso en Nueva York en 1943. La primera esposa de Dupree murió mientras él estaba en la marina, y él fue dado de baja en Nueva York, donde trabajó como pianista de club, y formó una estrecha asociación musical con Sonny Terry y Brownie McGhee.

Su propia carrera discográfica de posguerra comenzó con una espléndida serie de grabaciones en solitario para Joe Davis, en algunas de las cuales la influencia de Peetie Wheatstraw es muy evidente. Más típicos fueron los muchos temas con pequeños grupos grabados después para varios sellos entre 1946 y 1953, y para King Records entre abril de 1953 y finales de 1955. Como siempre, estas grabaciones mezclan lo serio con lo cómico, este último un tanto insípido en canciones como "Tongue Tied Blues" y "Harelip Blues". "Walking The Blues", un diálogo cómico con Teddy "Mr Bear" McRae, fue un éxito en King, y el formato se repitió en varios títulos grabados para Vik and Groove de RCA Records.

En 1958, Dupree hizo sus últimas grabaciones en Estados Unidos hasta 1990; "Blues From The Gutter", un magnífico testimonio de los antecedentes de Dupree en el barrelhouse, con maravillosas lecturas de "Stack-O-Lee", "Junker's Blues", "Frankie & Johnny" y el "Nasty Boogie". Este es considerado como su mejor esfuerzo y fue capaz de cruzar los laureles para lanzar una exitosa carrera en el extranjero.

En 1959, se trasladó a Europa y vivió en Suiza, Inglaterra, Suecia y Alemania, donde realizó numerosas giras y grabaciones. Hay muchas reediciones y recopilaciones disponibles en una variedad de etiquetas para cubrir este período europeo. Entre ellos están "Walking the Blues", para King, ('70) y la destacada grabación en vivo, "Blues at Montreaux" ('73) en Atco que también incluía al gran saxofonista King Curtis.

Dupree regresó a Nueva Orleans en 1990 para su primera visita en 36 años. Mientras estaba allí, tocó en el Jazz & Heritage Festival y grabó un álbum para Bullseye Blues, "Back Home in New Orleans".

Los temas del disco "One Last Time" de 1993 fueron extraídos de la última sesión de grabación de Dupree antes de su muerte el año anterior. El campeón Jack murió de complicaciones del cáncer el 21 de enero de 1992.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com ' championjackdupree

Joey DeFrancesco • The Champ

 

 Artist Biography by Steve Huey
The music of Joey DeFrancesco -- an important force in the revival of the Hammond B-3 organ as a jazz instrument in the 1970s and '80s, as well as a trumpeter and vocalist -- runs the gamut from soul-jazz and bluesy grooves à la Jimmy Smith to hard bop and the advanced modal style of Coltrane disciple Larry Young. A Grammy-nominated artist for such albums as 2014's Enjoy the View and 2017's Project Freedom, he has worked with Miles Davis, Larry Coryell, Benny Golson, George Benson, and dozens more. In addition to issuing over 30 albums under his own name, DeFrancesco is a much sought-after sideman and soloist.

Born on April 10, 1971, in the Philadelphia suburb of Springfield, Pennsylvania, DeFrancesco was the son of another Philly-area jazz organist, Papa John DeFrancesco, and the grandson of multi-instrumentalist Joe DeFrancesco, who worked with the Dorsey Brothers. He began playing piano at age four and quickly switched to his father's instrument, preferring the sound of the Hammond B-3 over the modern synthesizers that had become the dominant alternative to piano. He began sitting in at his father's club gigs around age six; by age ten, he was performing paying gigs on the weekends and sitting in with artists like Jack McDuff and Groove Holmes.

DeFrancesco continued to study through high school, drawing from Philadelphia's rich jazz organ heritage and the numerous veteran players who still found work on the city's club scene. At 16, he was the first recipient of the Philadelphia Jazz Society's McCoy Tyner Scholarship, and was also a finalist in the Thelonious Monk International Jazz Piano Competition. He met Miles Davis on a local television show and impressed the trumpeter enough that DeFrancesco was invited on tour following his high school graduation in 1988.

After appearing on the well-received Live Around the World and Amandla albums, DeFrancesco scored a solo deal with Columbia and released his debut as a leader, All of Me, in 1989. Four more Columbia albums followed (Where Were You?, Part III, Reboppin', Live at the Five Spot), one per year, and DeFrancesco's reputation grew steadily, helped by the fact that as a virtuosic yet vintage-style organist, he was something of an anomaly on the early-'90s jazz scene. His arrival presaged -- and, in fact, helped kick-start -- a renewal of interest in organ jazz of all stripes, and he remained one of the most versatile and advanced of the new breed of players. Inspired by Davis, he even picked up the trumpet as a second instrument.

After parting ways with Columbia, DeFrancesco recorded sets for Muse and Big Mo, and began working extensively with guitarist John McLaughlin. His appearance on 1994's After the Rain and his subsequent international tour with McLaughlin brought him to a whole new audience. He spent the next few years working mostly as a sideman, however, and returned to the studio under his own name in 1998, recording All or Nothing at All for Big Mo; he also appeared with his father on All in the Family for High Note. The following year brought The Champ, a tribute to Jimmy Smith (also on High Note), and a new record deal with Concord Jazz, which kicked off with the Mafia movie soundtrack tribute Goodfellas.

DeFrancesco finally teamed up with longtime hero Jimmy Smith for 2000's Incredible!, and issued the Concord follow-up Singin' and Swingin' in 2001, which spotlighted his easygoing vocals. In the meantime, he also continued to record sessions for High Note, including the sequel The Champ: Round 2 (2000) and another tribute to one of his influences, The Philadelphia Connection: A Tribute to Don Patterson (2002).

Always a busy and prolific artist, DeFrancesco released five albums over the next five years, including 2003's Falling in Love Again, which featured jazz singer Joe Doggs; 2004's Plays Sinatra His Way; 2005's Legacy, again with Jimmy Smith; and 2006's Organic Vibes. Live: The Authorized Bootleg followed in 2007 from Concord Records, while Joey D! appeared in 2008. DeFrancesco paid tribute to one of his idols with 2009's Finger Poppin: Celebrating the Music of Horace Silver. In 2010, DeFrancesco returned with the similarly minded tribute album Never Can Say Goodbye: The Music of Michael Jackson. The following year, DeFrancesco celebrated his 40th birthday with the release of the studio album 40.

In 2012, he was joined by guitarist Larry Coryell and drummer Jimmy Cobb for the album Wonderful! Wonderful!, followed by One for Rudy in 2013. DeFrancesco then collaborated with vibraphonist Bobby Hutcherson and saxophonist David Sanborn on the 2014 trio album Enjoy the View. In 2015, he delivered the soulful quartet effort Trip Mode. Project Freedom followed in 2017 on Mack Avenue. The album featured DeFrancesco alongside drummer Jason Brown, guitarist Dan Wilson, and saxophonist Troy Roberts.

In the spring of 2018, the organist collaborated with Van Morrison for the Irish singer/songwriter's 39th album, You're Driving Me Crazy; the set was co-billed. Cut over a few days in a San Francisco studio with DeFrancesco's quartet and new drummer Michael Ode, the set offered the pair's reworking of jazz and blues standards alongside re-envisioned tracks from Morrison's catalog. In the Key of the Universe arrived in 2019, and featured drummer Billy Hart, saxophonist Troy Roberts, and percussionist Sammy Figueroa, along with a guest appearance by saxophonist Pharoah Sanders.

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 Biografía del artista por Steve Huey
La música de Joey DeFrancesco - una fuerza importante en el renacimiento del órgano Hammond B-3 como instrumento de jazz en los años 70 y 80, así como trompetista y vocalista - abarca desde el soul-jazz y el bluesy grooves à la Jimmy Smith hasta el hard bop y el estilo modal avanzado del discípulo de Coltrane Larry Young. Artista nominado al Grammy para álbumes como Enjoy the View en 2014 y Project Freedom en 2017, ha trabajado con Miles Davis, Larry Coryell, Benny Golson, George Benson y docenas más. Además de publicar más de 30 álbumes bajo su propio nombre, DeFrancesco es un sideman y solista muy solicitado.

Nacido el 10 de abril de 1971 en Springfield, Pensilvania, un suburbio de Filadelfia, DeFrancesco era hijo de otro organista de jazz del área de Filadelfia, Papa John DeFrancesco, y nieto del multi-instrumentista Joe DeFrancesco, quien trabajó con los Dorsey Brothers. Comenzó a tocar el piano a la edad de cuatro años y rápidamente cambió al instrumento de su padre, prefiriendo el sonido del Hammond B-3 sobre los sintetizadores modernos que se habían convertido en la alternativa dominante al piano. Comenzó a asistir a los conciertos del club de su padre alrededor de los seis años de edad; a la edad de diez años, ya estaba tocando en conciertos de pago los fines de semana y junto a artistas como Jack McDuff y Groove Holmes.

DeFrancesco continuó estudiando durante la secundaria, aprovechando la rica herencia de los órganos de jazz de Filadelfia y los numerosos músicos veteranos que todavía encontraban trabajo en la escena de clubes de la ciudad. A los 16 años, fue el primer receptor de la Beca McCoy Tyner de la Sociedad de Jazz de Filadelfia, y también fue finalista en el Concurso Internacional de Piano de Jazz Thelonious Monk. Conoció a Miles Davis en un programa de televisión local e impresionó al trompetista lo suficiente como para que DeFrancesco fuera invitado a una gira después de su graduación de la escuela secundaria en 1988.

Después de aparecer en los bien recibidos discos Live Around the World y Amandla, DeFrancesco consiguió un contrato en solitario con Columbia y lanzó su debut como líder, All of Me, en 1989. Le siguieron otros cuatro álbumes de Columbia (Where Were You? parte III, Reboppin', Live at the Five Spot), uno al año, y la reputación de DeFrancesco creció constantemente, ayudado por el hecho de que, como organista virtuoso pero de estilo vintage, era algo así como una anomalía en la escena jazzística de principios de los 90. Su llegada presagiaba - y, de hecho, ayudaba a reactivar - un renovado interés por el jazz de órgano de todas las tendencias, y seguía siendo uno de los más versátiles y avanzados de la nueva generación de músicos. Inspirado por Davis, incluso recogió la trompeta como segundo instrumento.

Después de separarse de Columbia, DeFrancesco grabó sets para Muse y Big Mo, y comenzó a trabajar extensivamente con el guitarrista John McLaughlin. Su aparición en After the Rain en 1994 y su posterior gira internacional con McLaughlin lo llevaron a un público completamente nuevo. Sin embargo, pasó los años siguientes trabajando principalmente como sideman, y regresó al estudio con su propio nombre en 1998, grabando All or Nothing at All for Big Mo; también apareció con su padre en All in the Family for High Note. Al año siguiente, The Champ, un tributo a Jimmy Smith (también en High Note), y un nuevo contrato discográfico con Concord Jazz, que comenzó con el tributo a Goodfellas en la banda sonora de la película de la Mafia.

DeFrancesco finalmente se asoció con el héroe de muchos años Jimmy Smith en 2000's Incredible! y publicó la continuación de Concord Singin' and Swingin' en 2001, que puso de relieve su facilidad de voz. Mientras tanto, también continuó grabando sesiones para High Note, incluyendo la secuela de The Champ: Round 2 (2000) y otro homenaje a una de sus influencias, The Philadelphia Connection: Homenaje a Don Patterson (2002).

Siempre un artista ocupado y prolífico, DeFrancesco lanzó cinco álbumes en los próximos cinco años, incluyendo el 2003's Falling in Love Again, que incluyó al cantante de jazz Joe Doggs; el 2004's Plays Sinatra His Way; el 2005's Legacy, otra vez con Jimmy Smith; y el 2006's Organic Vibes. Vive: El Bootleg Autorizado siguió en 2007 a Concord Records, mientras que Joey D! apareció en 2008. DeFrancesco rindió homenaje a uno de sus ídolos con el Finger Poppin 2009: Celebrando la música de Horace Silver. En 2010, DeFrancesco regresó con el álbum tributo Never Can Say Goodbye: La música de Michael Jackson. Al año siguiente, DeFrancesco celebró su 40 cumpleaños con el lanzamiento del álbum de estudio 40.

En 2012, se le unió el guitarrista Larry Coryell y el baterista Jimmy Cobb para el álbum Wonderful! Maravilloso, seguido de Uno para Rudy en 2013. DeFrancesco colaboró con el vibrafonista Bobby Hutcherson y el saxofonista David Sanborn en el álbum de trío Enjoy the View de 2014. En 2015, presentó el conmovedor trabajo del cuarteto Trip Mode. El Proyecto Libertad siguió en 2017 en la Avenida Mack. El álbum presentaba a DeFrancesco junto al baterista Jason Brown, al guitarrista Dan Wilson y al saxofonista Troy Roberts.

En la primavera de 2018, el organista colaboró con Van Morrison para el 39º álbum del cantautor irlandés, You're Driving Me Crazy; el set fue co-facturado. Cortada durante unos días en un estudio de San Francisco con el cuarteto de DeFrancesco y el nuevo baterista Michael Ode, el set ofreció a la pareja una revisión de los estándares del jazz y el blues junto con temas reimaginados del catálogo de Morrison. En la Llave del Universo llegó en 2019, y contó con la participación del baterista Billy Hart, el saxofonista Troy Roberts y el percusionista Sammy Figueroa, además de la participación como invitado de la saxofonista Pharoah Sanders.

www.joeydefrancesco.com ...

 

Ferrante And Teicher • Blast Off!

 

 Artist Biography

Piano duo Ferrante & Teicher were one of the best-selling easy listening acts of the '60s, offering light arrangements of easily recognizable classical pieces, movie soundtrack themes, show tunes, and similarly compatible fare. Arthur Ferrante (born September 7, 1921, New York City) and Louis Teicher (born August 24, 1924, Wilkes-Barre, PA.) met while attending the prestigious Juilliard School of Music; both were child prodigies, and they struck up a fast friendship, performing together as a duo even while they were still in school. After graduating as piano majors, they both joined the Juilliard faculty, while developing a distinctive style of their own during their free time. In 1947, they became a full-time concert act, at first playing nightclubs, then quickly moving up to classical music with orchestral backing. A switch to popular songs and standards by the likes of Kern, Porter, Gershwin, and Rodgers made them mainstays in the pops-orchestra field.

While they were enjoying success on the concert circuit, Ferrante & Teicher had been experimenting with treated pianos, influenced -- oddly enough -- by the ideas of avant-garde composer John Cage. By adding paper, sticks, rubber, wood blocks, metal bars, chains, glass, mallets, and other found objects to the string beds (among other techniques), the duo was able to produce a variety of bizarre sound effects that sometimes resembled percussion instruments, and other times produced a spacy, almost electronic sound (before such a tone even existed). In the latter half of the '50s, they recorded several albums in this vein for Westminster (most notably 1956's Soundproof and Soundblast) and ABC-Paramount (including 1958's Blast Off!). The results were highly unique and quite different from their later work, appealing more to hi-fi enthusiasts and space-age pop fans.

In 1960, Ferrante & Teicher signed with United Artists, where they quickly began to tailor their sound to a more mainstream audience. Many of their subsequent albums featured orchestras conducted by Nick Perito, and their brand of instrumental pop caught on very quickly. They landed a Top Ten pop hit later in 1960 with "Theme From 'The Apartment'," and followed it with their biggest hit, an arrangement of Ernest Gold's epic movie theme "Exodus," which climbed to number two and inspired a popular jazz version by saxophonist Eddie Harris. 1961 brought another pop Top Ten with the West Side Story song "Tonight," which was featured on their highest-charting LP, the number ten West Side Story and Other Motion Picture & Broadway Favorites. A flood of Ferrante & Teicher albums followed over the course of the '60s, with around 30 of them reaching the pop charts up through 1972. They maintained a heavy touring schedule, playing over 100 concerts a year at the height of their popularity. They also managed one final Top Ten single in 1970 with their movie-theme cover "Midnight Cowboy"; the accompanying album of the same name found them experimenting a bit with strange guitar effects.

Ferrante & Teicher's voluminous recording pace tailed off during the '70s, although they did continue to put out albums on a regular basis. In 1979, they left United Artists to form their own label, and in 1989, they left the concert circuit for good, retiring to Sarasota, FL. The lounge/exotica revival of the '90s helped renew interest in their experimental early recordings, and in 2001 led to the first-ever issue of Denizens of the Deep, a set of treated-piano instrumentals meant to evoke sea creatures that constituted their first recorded work. Dating from 1950, it had been scrapped in favor of an extensive concert tour; for the release, Ferrante & Teicher added a few simple embellishments to the archival recordings that completed their original concept for the pieces.

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 Biografía del artista

El dúo de pianos Ferrante & Teicher fue uno de los más vendidos en los años 60, ofreciendo arreglos ligeros de piezas clásicas fácilmente reconocibles, temas de bandas sonoras de películas, melodías de espectáculos y tarifas igualmente compatibles. Arthur Ferrante (nacido el 7 de septiembre de 1921, en la ciudad de Nueva York) y Louis Teicher (nacido el 24 de agosto de 1924, en Wilkes-Barre, PA.) se conocieron mientras asistían a la prestigiosa Juilliard School of Music; ambos eran niños prodigio, y entablaron una rápida amistad, actuando juntos como dúo incluso cuando todavía estaban en la escuela. Después de graduarse como pianistas, ambos se unieron a la facultad de Juilliard, mientras desarrollaban un estilo propio distintivo en su tiempo libre. En 1947, se convirtieron en un acto de concierto a tiempo completo, al principio tocando en clubes nocturnos, y luego pasando rápidamente a la música clásica con respaldo orquestal. El cambio a canciones populares y estándares de Kern, Porter, Gershwin y Rodgers los convirtió en pilares de la orquesta pop.

Mientras disfrutaban del éxito en el circuito de conciertos, Ferrante & Teicher habían estado experimentando con pianos tratados, influenciados -- curiosamente -- por las ideas del compositor de vanguardia John Cage. Añadiendo papel, palos, goma, bloques de madera, barras de metal, cadenas, vidrio, mazos y otros objetos encontrados a las camas de cuerdas (entre otras técnicas), el dúo fue capaz de producir una variedad de extraños efectos de sonido que a veces se asemejaban a los instrumentos de percusión, y otras veces producían un sonido espaciado, casi electrónico (antes de que tal tono siquiera existiera). En la segunda mitad de los años 50, grabaron varios álbumes en esta línea para Westminster (entre los que destacan Soundproof y Soundblast de 1956) y ABC-Paramount (incluyendo Blast Off! de 1958). Los resultados fueron muy singulares y bastante diferentes de sus trabajos posteriores, atrayendo más a los entusiastas de la alta fidelidad y a los fans del pop de la era espacial.

En 1960, Ferrante & Teicher firmaron con United Artists, donde rápidamente comenzaron a adaptar su sonido a un público más amplio. Muchos de sus álbumes posteriores contaron con orquestas dirigidas por Nick Perito, y su marca de pop instrumental se impuso muy rápidamente. Consiguieron un éxito pop en el Top Ten a finales de 1960 con "The Theme From 'The Apartment'", y lo siguieron con su mayor éxito, un arreglo del tema de la película épica de Ernest Gold "Exodus", que subió al número dos e inspiró una versión popular de jazz del saxofonista Eddie Harris. 1961 trajo otro Top Ten pop con el tema de West Side Story "Tonight", que fue presentado en su LP más importante, el número diez de West Side Story y Other Motion Picture & Broadway Favorites. Una avalancha de álbumes de Ferrante & Teicher siguieron en el curso de los años 60, con alrededor de 30 de ellos alcanzando las listas de pop hasta 1972. Mantuvieron una intensa agenda de giras, tocando más de 100 conciertos al año en la cima de su popularidad. También lograron un último single en el Top Ten en 1970 con su portada temática de película "Midnight Cowboy"; el álbum de acompañamiento del mismo nombre los encontró experimentando un poco con extraños efectos de guitarra.

El voluminoso ritmo de grabación de Ferrante & Teicher se redujo durante los años 70, aunque siguieron publicando discos con regularidad. En 1979, dejaron United Artists para formar su propio sello, y en 1989, dejaron el circuito de conciertos para siempre, retirándose a Sarasota, FL. El resurgimiento de la música lounge/exótica de los años 90 ayudó a renovar el interés por sus primeras grabaciones experimentales, y en el 2001 dio lugar a la primera edición de Denizens of the Deep, un conjunto de instrumentos de piano tratados para evocar criaturas marinas que constituyeron su primer trabajo discográfico. Fechada en 1950, había sido desechada en favor de una extensa gira de conciertos; para el lanzamiento, Ferrante & Teicher añadieron algunos adornos sencillos a las grabaciones de archivo que completaron su concepto original para las piezas.