Kenny Barron • Green Chimneys

 

kennybarron.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Wynton Kelly • New Faces–New Sounds

Tal Farlow • The Guitar Artistry Of Tal Farlow

Artist Biography by Scott Yanow

Nearly as famous for his reluctance to play as for his outstanding abilities, guitarist Tal Farlow did not take up the instrument until he was already 21, but within a year was playing professionally and in 1948 was with Marjorie Hyams' band. While with the Red Norvo Trio (which originally included Charles Mingus) from 1949-1953, Farlow became famous in the jazz world. His huge hands and ability to play rapid yet light lines made him one of the top guitarists of the era. After six months with Artie Shaw's Gramercy Five in 1953, Farlow put together his own group, which for a time included pianist Eddie Costa. Late in 1958, Farlow settled on the East Coast, became a sign painter, and just played locally. He only made one record as a leader during 1960-1975, but emerged a bit more often during 1976-1984, recording for Concord fairly regularly before largely disappearing again. Profiled in the definitive documentary Talmage Farlow, the guitarist can be heard on his own records for Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969), and Concord. He died of cancer July 25, 1998, at age 77.

https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography

///////

Biografía del artista por Scott Yanow

Casi tan famoso por su renuencia a tocar como por sus extraordinarias habilidades, el guitarrista Tal Farlow no tomó el instrumento hasta que ya tenía 21 años, pero al cabo de un año ya estaba tocando profesionalmente y en 1948 estaba con la banda de Marjorie Hyams. Mientras que con el Trío Red Norvo (que originalmente incluía a Charles Mingus) de 1949 a 1953, Farlow se hizo famoso en el mundo del jazz. Sus enormes manos y su habilidad para tocar líneas rápidas pero ligeras lo convirtieron en uno de los mejores guitarristas de la época. Después de seis meses con Gramercy Five de Artie Shaw en 1953, Farlow formó su propio grupo, que por un tiempo incluyó al pianista Eddie Costa. A finales de 1958, Farlow se estableció en la costa este, se convirtió en pintor de signos y sólo tocaba localmente. Sólo hizo un disco como líder durante 1960-1975, pero emergió un poco más a menudo durante 1976-1984, grabando para Concord con bastante regularidad antes de volver a desaparecer en gran medida. Perfilado en el documental definitivo Talmage Farlow, el guitarrista puede ser escuchado en sus propios discos para Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969) y Concord. Murió de cáncer el 25 de julio de 1998, a la edad de 77 años.

https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography

  

The Electric Organ Orchestra • Hong Kong Tokyo

Oscar Young, also known as Yang Road Fire, or Yang Daohuo, is a celebrated figure in the far East, who is as far as I know a Hong Kong based musician and producer from the 60s-80s who worked on a huge amount of albums (certainly over 30) with song and instrumental music and movie scores. His own band was the go-go band The Apollo. Singers that he produced include the famous Teresa Teng (from which I heard only mellow styles) or Frances Yip. Most instrumental albums were released under different variety of names like Oscar & Orchestra, or Oscar with the electric organ orchestra etc. While the go-go sounds took care for elements like fuzz and wah-wah guitars, funky bass lines and organ, incorporating elements of beat, surf, soul, rock, and disco, his own instrument, the synths, gave it his own touch of exotica for which people rank him in the realms of people like Martin Denny or Perry & Kingsley or the exotica of Dick Hyman, but as a figure/producer you can eventually also compare him with the cleverness of Illajaraaja or so.

https://geraldvanwaes.wixsite.com/rockontherice3/single-post/2016/06/25/Oscar-Young-Band

Album by The Electric Organ Orchestra, whose arrangements are attributed to Oscar Young who probably also played all parts of the organ and solos. Young was a key figure in the Hong Kong music scene in the late 1960s and early 1970s; with his arrangements he also had the merit of introducing and popularizing classical music among the younger generations.

http://stereocandies.blogspot.com/2012/04/oscar-young-electric-organ-orchestra.html

///////

Oscar Young, también conocido como Yang Road Fire, o Yang Daohuo, es una figura célebre en el lejano Oriente, que es, por lo que sé, un músico y productor de Hong Kong de los años 60 y 80 que trabajó en una gran cantidad de álbumes (ciertamente más de 30) con canciones y música instrumental y partituras de películas. Su propia banda era la banda de go-go The Apollo. Los cantantes que produjo incluyen a la famosa Teresa Teng (de la que sólo oí estilos suaves) o Frances Yip. La mayoría de los álbumes instrumentales fueron lanzados bajo diferentes nombres como Oscar & Orchestra, u Oscar con la orquesta del órgano eléctrico, etc. Mientras que los sonidos go-go se ocupaban de elementos como las guitarras fuzz y wah-wah, las líneas de bajo funky y el órgano, incorporando elementos de beat, surf, soul, rock y disco, su propio instrumento, los sintetizadores, le daban su propio toque de exótica por lo que la gente lo clasifica en los reinos de personas como Martin Denny o Perry & Kingsley o la exótica de Dick Hyman, pero como figura/productor también se puede eventualmente compararlo con la astucia de Illajaraaja o algo así.

https://geraldvanwaes.wixsite.com/rockontherice3/single-post/2016/06/25/Oscar-Young-Band

Álbum de The Electric Organ Orchestra, cuyos arreglos son atribuidos a Oscar Young quien probablemente también tocó todas las partes del órgano y los solos. Young fue una figura clave en la escena musical de Hong Kong a finales de los 60 y principios de los 70; con sus arreglos también tuvo el mérito de introducir y popularizar la música clásica entre las generaciones más jóvenes.

http://stereocandies.blogspot.com/2012/04/oscar-young-electric-organ-orchestra.html

The Swing Cats • Swing Cats

Review by Steve Huey

The retro-swing revival of the late '90s often owed a portion of its style to early rock & roll as well as swing and jump blues, and no one is better proof of that fact than ex-Stray Cat Brian Setzer. In light of his success, it seems only logical for his former bandmates to get in on the act, and both Lee Rocker and Slim Jim Phantom are present and accounted for in the Swing Cats, along with Honeydrippers guitarist Danny B. Harvey. On their self-titled debut, the band covers artists as diverse as Carl Perkins, Hank Williams, Sr. ("Mind Your Own Business"), and Benny Goodman, with vocals supplied by an array of guests (Tim Polecat, Claudia Cummings, Jamie James, etc.). The energy might flag here and there, and a permanent lead singer may be in order, but overall, the group's respect for the music makes this one of the better such projects around.

///////

Reseña de Steve Huey

El renacimiento del retro-swing de finales de los 90 a menudo debía una parte de su estilo al rock & roll temprano, así como al swing and jump blues, y nadie es mejor prueba de ello que el ex-Stray Cat Brian Setzer. A la luz de su éxito, parece lógico que sus antiguos compañeros de banda participen en el acto, y tanto Lee Rocker como Slim Jim Phantom están presentes en el Swing Cats, junto con el guitarrista de Honeydrippers Danny B. Harvey. En su autotitulado debut, la banda cubre a artistas tan diversos como Carl Perkins, Hank Williams, padre, y el resto de la banda. ("Mind Your Own Business"), y Benny Goodman, con voz proporcionada por una serie de invitados (Tim Polecat, Claudia Cummings, Jamie James, etc.). La energía puede flaquear aquí y allá, y un cantante líder permanente puede estar en orden, pero en general, el respeto del grupo por la música hace que éste sea uno de los mejores proyectos de este tipo que existen.

Al Di Meola • Di Meola Plays Piazzolla

Review by Alex Henderson
Latin music has been a strong influence on Al Di Meola since his early years, and in the '90s, he paid especially close attention to the music of Argentina. A welcome addition to his already impressive catalog, Di Meola Plays Piazzolla pays homage to the late Argentine tango master Astor Piazzolla (whose distinctive and very poetic brand of romanticism was considered quite daring and radical in Argentina). It would have been easy for an artist to allow his own personality to become obscured when saluting Piazzolla's legacy, but the charismatic Di Meola is too great an improviser to let that happen. Though his reverence for Piazzolla comes through loud and clear on these haunting classics, there's no mistaking the fact that this is very much an Al Di Meola project.
https://www.allmusic.com/album/di-meola-plays-piazzolla-mw0000080517


 Artist Biography by Greg Prato
Guitarist Al Di Meola first rose to prominence as a blazing jazz fusion artist before his playing matured and he began to conquer other styles, such as acoustic Latin music. Born on July 22, 1954 in Jersey City, New Jersey, Di Meola briefly studied at the Berklee College of Music in Boston during the early '70s before accepting a job replacing guitarist Bill Connors in fusion trailblazers Return to Forever (a group that also included monster instrumentalists keyboardist Chick Corea, bassist Stanley Clarke, and drummer Lenny White) in 1974. It was with Di Meola that Return to Forever enjoyed their greatest commercial success, as such releases as 1974's Where Have I Known Before, 1975's No Mystery, and 1976's Romantic Warrior cracked the U.S. Top 40 before Di Meola jumped ship to launch a solo career.
What followed remains some of the finest jazz fusion guitar-based recordings ever: 1976's Land of the Midnight Sun, 1977's Elegant Gypsy (which would eventually earn gold certification in the U.S.), and Casino, plus 1979's Splendido Hotel. Di Meola then united with fellow guitar greats John McLaughlin and Paco de Lucía for 1980's Friday Night in San Francisco. Throughout the '80s and '90s, he racked up numerous accolades (including earning yearly top honors in Guitar Player magazine polls), kept on issuing solo releases on a regular basis, and played with others, including releases by Stomu Yamashta, Paul Simon, Stanley Jordan, and David Matthews, as well as further work with such former bandmates as Corea, Clarke, de Lucía, and McLaughlin.
During the '90s, Di Meola turned his back almost entirely on fusion to concentrate more on acoustic-based world music, as evidenced by such releases as World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla, and Heart of the Immigrants, among others. During the 2000s, Di Meola continued this eclectic approach with releases like 2003's Revisited, 2006's Consequence of Chaos, 2007's Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla, and 2008's live album He and Carmen with flutist Eszter Horgas. In 2011, Di Meola delivered the Latin and world music-infused studio album Pursuit of Radical Rhapsody, featuring bassist Charlie Haden and Cuban pianist Gonzalo Rubalcaba.

The lushly textured fusion effort Elysium followed in 2015. Two years later, Di Meola delivered the concert album Morocco Fantasia, recorded live at the Mawazine Festival in Rabat, Morocco. Along with Di Meola's band, the show featured guest appearances by Moroccan musicians oud player Said Chraibi, violinist Abdellah Meri, and percussionist Tarik Ben Ali. In 2018, he delivered Opus, which featured contributions from Cuban-born pianist Kemuel Roig.

///////

Reseña de Alex Henderson
La música latina ha sido una fuerte influencia en Al Di Meola desde sus primeros años, y en los años 90, prestó especial atención a la música de Argentina. Una adición bienvenida a su ya impresionante catálogo, Di Meola Plays Piazzolla rinde homenaje al difunto maestro de tango argentino Astor Piazzolla (cuya distintiva y muy poética marca de romanticismo fue considerada bastante atrevida y radical en Argentina). Habría sido fácil para un artista dejar que su propia personalidad se oscureciera al saludar el legado de Piazzolla, pero el carismático Di Meola es un improvisador demasiado grande para dejar que eso ocurra. Aunque su reverencia por Piazzolla se manifiesta claramente en estos clásicos, no hay duda de que se trata de un proyecto de Al Di Meola.
https://www.allmusic.com/album/di-meola-plays-piazzolla-mw0000080517


 Biografía del artista por Greg Prato
El guitarrista Al Di Meola se destacó por primera vez como un ardiente artista de jazz fusión antes de que su interpretación madurara y comenzó a conquistar otros estilos, como la música acústica latina. Nacido el 22 de julio de 1954 en Jersey City, Nueva Jersey, Di Meola estudió brevemente en el Berklee College of Music de Boston a principios de los años 70 antes de aceptar un trabajo sustituyendo al guitarrista Bill Connors en el grupo pionero de la fusión Return to Forever (un grupo que también incluía al monstruoso instrumentista Chick Corea, al bajista Stanley Clarke y al baterista Lenny White) en 1974. Fue con Di Meola que Return to Forever disfrutó de su mayor éxito comercial, ya que lanzamientos como Where Have I Known Before (1974), No Mystery (1975) y Romantic Warrior (1976) descifraron el Top 40 de los EE.UU. antes de que Di Meola saltara del barco para lanzar una carrera en solitario.
Lo que siguió sigue siendo algunas de las mejores grabaciones basadas en guitarras de fusión de jazz de todos los tiempos: 1976's Land of the Midnight Sun, 1977's Elegant Gypsy (que con el tiempo obtendría la certificación de oro en los EE.UU.), y Casino, además de 1979's Splendido Hotel. Di Meola luego se unió con sus compañeros grandes de la guitarra John McLaughlin y Paco de Lucía para la Friday Night de 1980 en San Francisco. A lo largo de los años 80 y 90, acumuló numerosos elogios (incluyendo la obtención de los máximos honores anuales en las encuestas de la revista Guitar Player), siguió publicando en solitario regularmente, y tocó con otros, incluyendo los lanzamientos de Stomu Yamashta, Paul Simon, Stanley Jordan y David Matthews, así como otros trabajos con ex-compañeros de banda como Corea, Clarke, de Lucía, y McLaughlin.
Durante los años 90, Di Meola dio la espalda casi por completo a la fusión para concentrarse más en la música del mundo basada en la acústica, como lo evidencian ediciones como World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla y Heart of the Immigrants, entre otras. Durante la década del 2000, Di Meola continuó este enfoque ecléctico con lanzamientos como Revisited de 2003, Consecuencia del Caos de 2006, Invenciones Diabólicas y Seducción para Guitarra Solista de 2007, Vol. 1: Música de Astor Piazzolla, y el álbum en vivo He and Carmen de 2008 con el flautista Eszter Horgas. En 2011, Di Meola presentó el álbum de estudio de música latina y mundial Pursuit of Radical Rhapsody, con el bajista Charlie Haden y el pianista cubano Gonzalo Rubalcaba.

El esfuerzo de fusión de exuberante textura de Elysium le siguió en 2015. Dos años más tarde, Di Meola entregó el álbum de concierto Morocco Fantasia, grabado en directo en el Mawazine Festival de Rabat, Marruecos. Junto con la banda de Di Meola, el espectáculo contó con la participación de músicos marroquíes, entre los que se encontraban el músico Said Chraibi, el violinista Abdellah Meri y el percusionista Tarik Ben Ali. En 2018, entregó Opus, que contó con la colaboración del pianista cubano Kemuel Roig.

aldimeola.com ...

Pete Jolly • Serenata

Review by Richard S. Ginell

Herb Alpert, then at the crest of his fabulously successful roll with theTijuana Brass, tried to give unsung L.A. hero Pete Jolly -- then toiling in the studios -- some high-profile exposure-by-association on a trio of albums for his own label, A&M. On their first try, Alpert and Jolly serve up an appealing mix of swinging quartet jazz and period instrumental pop tastefully orchestrated by Marty Paich, very much within the parameters of A&M's enlightened middle-of-the-road direction in its early years. Some soft rock-accented tracks are clearly aimed at airplay (Leroy Anderson's "Serenata," Dori Caymmi's "Like a Lover"), while other Paich orchestrations are a bit tougher and more challenging ("For Carl"), and Neal Hefti's "Lonely Girl" gets an especially lively and erudite workout. Yet whether embroidering the melody or taking off with drummer Earl Palmer, bassist Chuck Berghofer and guitarist John Pisano (on loan from the TJB), Jolly is marvelously inventive and a hard-swinging pianist at all times. This LP is a most attractive marriage between art and commerce -- something Alpert was, and remains, very good at.

https://www.allmusic.com/album/herb-alpert-presents-pete-jolly-mw0000912831

Artist Biography

Pete Jolly lived a double life as studio ace by day and jazz cat by night for over 40 years. A member of the musicians union since his teens, he settled in Los Angeles in his early 20s and became a member of Shorty Rogers' Giants, one of the leading West Coast jazz groups. He also began working as a studio musician in the mid-1950s and decided to divide his energy between the security of studio work and the artistic satisfaction of playing jazz in local clubs in Los Angeles.

Jolly's father, also named Peter, was a superb accordion player, and he started the boy on the instrument not long after weaning. By the time Jolly was seven, his father was taking him by train to New York City once a week to take lessons from the great Joe Biviano, and when he was eight, he made his first broadcast appearance, billed as “The Boy Wonder Accordionist” on CBS Radio's “Hobby Lobby.” The show's emcee messed up his name, announcing him as “Pete Jolly,” but the boy liked the sound of it and used it ever after.

Jolly moved with his family to Phoenix, Arizona, where he became friends with another future studio ace, guitarist Howard Roberts. While still in high school, Jolly managed to get a regular job leading the house trio at a local club, the Jazz Mill, where he played behind such touring jazz starts as Chet Baker and Benny Carter.

After graduating, he kept working at the Jazz Mill, but after a few years, Roberts, who'd moved to Los Angeles, convinced Jolly to move west. In 1954, he arrived, and within days, was hired to play with one of the hottest stars of West Coast Jazz, Shorty Rogers. In a town with no shortage of good piano players, Jolly's exceptional technical skills, rock-solid rhythm, and somewhat self-effacing style made him a hot commodity among jazz stars looking to round out a combo. Over the next ten years, he recorded with most of the best talents passing through L.A.: Gerry Mulligan, Mel Torme, Red Norvo, Buddy De Franco, Terry Gibbs, Art Pepper, Anita O'Day, and Marty Paich.

He also began his own long recording career, with a 1955 album, Jolly Jumps In for RCA. Over the next forty-five years, Jolly would record over twenty albums, but rarely more than twice with the same label. The highlight of his career came in 1963, when his bossa-nova flavored composition, “Little Bird,” recorded for Ava Records, earned him a Grammy nomination.

Ironically, the peak of his recording career also marked the beginning of nearly three decades of steady, well-paying, but often anonymous, work as a studio musician. Among studio players, Jolly wasn't far behind Carol Kaye, Roberts, Tommy Tedesco, and Hal Blaine when it came to quantity and quality. He was a favorite of artists ranging from Neal Hefti and Don Costa to Herb Alpert and the Tijuana Brass and Anita Kerr. Ray Conniff used Jolly for piano and organ on virtually all his recordings from the early 1960s on, and their association continues today with Conniff's latest CDs.

Jolly played on the soundtracks of hundreds of films and television series, including “Butch Cassidy and the Sundance Kid,” “M*A*S*H,” “Dallas,” “I Spy,” “Mannix,” “The Love Boat,” and “Get Smart.” He was also Herb Alpert's favorite pianist, and can be heard on the opening bars of Alpert's 1968 #1 hit, “This Guy's in Love.”

While keeping up a heavy schedule of studio sessions, Jolly never lost the need to exercise his jazz chops on a regular basis. He, bassist Chuck Berghofer, and drummer Nick Martinis, who were also busy on the studio scene, kept the trio they'd begun around the time of “Little Bird” going.

They played their first club session at the Red Chimney in 1964, and in 1965, they opened the famed Los Angeles jazz club Donte's, where they remained a club staple for over 20 years. VSOP Records released several CDs in the mid-1990s that featured live recordings by the trio made at Donte's. As one club folded, the group just moved along to another one. In the end, they managed to appear at least once a month for forty years, right up to the time of Jolly's hospitalization for bone marrow cancer in August 2004.

Alpert paid his compliments to Jolly's jazz talents by releasing three albums on his A&M record label, the sole mainstream jazz albums on the label until Alpert lured in producer Creed Taylor and his stable of artists from Verve. On the last of these, Seasons, Jolly displays his prowess with an array of keyboards, including the Wurlitzer electric piano, the Hammond Organ, the Musette, the Sonovox, and the accordion.

Despite his early mastery of the accordion, Jolly's recordings with the instrument are few or anonymous. He squeezes a mea squeebox on Continental Jazz by “Les Cinqs Moderne,” a Gallic version of Somerset's Hawaiian super group, The Surfmen. Among musicians in the L.A. area, though, Jolly was considered one of the best accordion players around.

It's a shame that Jolly never got the popular recognition as a soloist he deserved. His style is so sure yet so light and flowing, it belies the depth of skill behind it. There are pianists—most notoriously, Oscar Peterson—who build their style around an ability to play exceptionally fast and well. Jolly could play every bit as fast as Peterson, but always let the tune take the showcase.

The same is true of Berghofer and Martinis—they never used a solo to show off, which may be why the three worked together so well. That means, however, that their work tended to get overlooked by audiences who preferred flashier acts. But take a listen to Jolly's wonderful version of Bacharach's “Windows of the World” elsewhere on this site, and you'll have to agree that it fits Mickey McGowan's definition of a great record: it can be played in the background without disturbing you, and played in the foreground without boring you.

It will be a long time before another pianist like Pete Jolly comes around.

https://musicians.allaboutjazz.com/petejolly

///////

Reseña de Richard S. Ginell

Herb Alpert, entonces en la cresta de su fabuloso éxito con los Tijuana Brass, trató de dar al héroe no reconocido de Los Ángeles Pete Jolly -- que trabajaba en los estudios -- una exposición de alto perfil por asociación en un trío de álbumes para su propio sello, A&M. En su primer intento, Alpert y Jolly ofrecen una atractiva mezcla de jazz de cuarteto swinging y pop instrumental de época orquestado con buen gusto por Marty Paich, muy dentro de los parámetros de la dirección media iluminada de A&M en sus primeros años. Algunos de los temas con un suave acento rockero están claramente orientados a los juegos al aire libre (Serenata de Leroy Anderson, Like a Lover de Dori Caymmi), mientras que otras orquestaciones de Paich son un poco más duras y desafiantes ("For Carl"), y la "Lonely Girl" de Neal Hefti tiene un entrenamiento especialmente animado y erudito. Sin embargo, ya sea bordando la melodía o despegando con el baterista Earl Palmer, el bajista Chuck Berghofer y el guitarrista John Pisano (cedido por el TJB), Jolly es un pianista maravillosamente inventivo y duro en todo momento. Este LP es un matrimonio muy atractivo entre el arte y el comercio, algo en lo que Alpert era, y sigue siendo, muy bueno.

https://www.allmusic.com/album/herb-alpert-presents-pete-jolly-mw0000912831

Biografía del artista

Pete Jolly vivió una doble vida como as del estudio de día y como gato de jazz de noche durante más de 40 años. Miembro del sindicato de músicos desde su adolescencia, se estableció en Los Ángeles a principios de sus 20 años y se convirtió en miembro de Shorty Rogers' Giants, uno de los principales grupos de jazz de la Costa Oeste. También comenzó a trabajar como músico de estudio a mediados de la década de 1950 y decidió dividir su energía entre la seguridad del trabajo de estudio y la satisfacción artística de tocar jazz en clubes locales de Los Ángeles.

El padre de Jolly, también llamado Peter, era un excelente acordeonista, y comenzó a tocar el instrumento poco después del destete. Cuando Jolly tenía siete años, su padre lo llevaba en tren a la ciudad de Nueva York una vez a la semana para tomar lecciones del gran Joe Biviano, y cuando tenía ocho años, hizo su primera aparición en televisión, con el título de "El Chico Maravilloso Acordeonista" en el programa "Hobby Lobby" de CBS Radio. El presentador del programa le cambió el nombre, anunciándolo como "Pete Jolly", pero al chico le gustó cómo sonaba y lo usó para siempre.

Jolly se mudó con su familia a Phoenix, Arizona, donde se hizo amigo de otro futuro as del estudio, el guitarrista Howard Roberts. Mientras aún estaba en la escuela secundaria, Jolly consiguió un trabajo regular dirigiendo el trío de la casa en un club local, el Jazz Mill, donde tocó detrás de estrellas de jazz en gira como Chet Baker y Benny Carter.

Después de graduarse, siguió trabajando en el Jazz Mill, pero después de unos años, Roberts, que se había mudado a Los Ángeles, convenció a Jolly de que se mudara al oeste. En 1954, llegó, y en pocos días, fue contratado para tocar con una de las estrellas más calientes del West Coast Jazz, Shorty Rogers. En una ciudad que no carece de buenos pianistas, las excepcionales habilidades técnicas de Jolly, su ritmo sólido como un rockero y su estilo un tanto autorreflexivo lo convirtieron en una mercancía de moda entre las estrellas del jazz que buscaban completar un combo. Durante los siguientes diez años, grabó con la mayoría de los mejores talentos que pasaron por Los Ángeles: Gerry Mulligan, Mel Torme, Red Norvo, Buddy De Franco, Terry Gibbs, Art Pepper, Anita O'Day y Marty Paich.

También comenzó su propia y larga carrera discográfica, con un álbum de 1955, Jolly Jumps In para RCA. Durante los próximos cuarenta y cinco años, Jolly grabaría más de veinte álbumes, pero rara vez más de dos veces con el mismo sello. El punto culminante de su carrera llegó en 1963, cuando su composición de sabor bossa-nova, "Little Bird", grabada para Ava Records, le valió una nominación a los Grammy.

Irónicamente, la cima de su carrera discográfica también marcó el comienzo de casi tres décadas de trabajo estable, bien pagado, pero a menudo anónimo, como músico de estudio. Entre los músicos de estudio, Jolly no estaba muy por detrás de Carol Kaye, Roberts, Tommy Tedesco y Hal Blaine en cuanto a cantidad y calidad. Fue uno de los favoritos de artistas como Neal Hefti y Don Costa, Herb Alpert, Tijuana Brass y Anita Kerr. Ray Conniff utilizó Jolly para piano y órgano en prácticamente todas sus grabaciones desde principios de la década de 1960, y su asociación continúa hoy en día con los últimos CDs de Conniff.

Jolly tocó en las bandas sonoras de cientos de películas y series de televisión, incluyendo "Butch Cassidy and the Sundance Kid", "M*A*S*H", "Dallas", "I Spy", "Mannix", "The Love Boat" y "Get Smart". También era el pianista favorito de Herb Alpert, y puede ser escuchado en los primeros compases del éxito #1 de Alpert en 1968, "This Guy's in Love".

Mientras mantenía un apretado calendario de sesiones de estudio, Jolly nunca perdió la necesidad de ejercitar sus habilidades de jazz de forma regular. Él, el bajista Chuck Berghofer y el baterista Nick Martinis, que también estaban ocupados en la escena del estudio, mantuvieron el trío que habían comenzado en la época de "Little Bird".

Tocaron su primera sesión de club en el Red Chimney en 1964, y en 1965, abrieron el famoso club de jazz Donte's de Los Ángeles, donde permanecieron como un elemento básico del club durante más de 20 años. VSOP Records lanzó varios CDs a mediados de los 90 que contenían grabaciones en vivo del trío hechas en Donte's. Cuando un club se retiró, el grupo se trasladó a otro. Al final, lograron aparecer al menos una vez al mes durante cuarenta años, hasta el momento de la hospitalización de Jolly por cáncer de médula ósea en agosto de 2004.

Alpert felicitó a los talentos del jazz de Jolly con la publicación de tres álbumes en su sello discográfico A&M, los únicos álbumes de jazz en el sello hasta que Alpert atrajo al productor Creed Taylor y a su grupo de artistas de Verve. En la última de ellas, Seasons, Jolly muestra su destreza con una serie de teclados, incluyendo el piano eléctrico Wurlitzer, el órgano Hammond, el Musette, la Sonovox y el acordeón.

A pesar de su dominio temprano del acordeón, las grabaciones de Jolly con el instrumento son pocas o anónimas. Exprime una caja de sorpresas en Continental Jazz de "Les Cinqs Moderne", una versión gala del supergrupo hawaiano de Somerset, The Surfmen. Sin embargo, entre los músicos de la zona de Los Ángeles, Jolly era considerado uno de los mejores músicos de acordeón de la zona.

Es una pena que Jolly nunca haya recibido el reconocimiento popular como solista que se merecía. Su estilo es tan seguro y a la vez tan ligero y fluido, que desmiente la profundidad de la habilidad que hay detrás de él. Hay pianistas, sobre todo Oscar Peterson, que construyen su estilo en torno a la capacidad de tocar excepcionalmente rápido y bien. Jolly podía tocar cada pedacito tan rápido como Peterson, pero siempre dejaba que la melodía fuera el centro de atención.

Lo mismo ocurre con Berghofer y Martinis, que nunca usaron un solo para presumir, lo que puede ser la razón por la que los tres trabajaron tan bien juntos. Eso significa, sin embargo, que su trabajo tendía a ser pasado por alto por el público que prefería actos más llamativos. Pero si escuchas la maravillosa versión de Jolly de "Ventanas del Mundo" de Bacharach en otra parte de este sitio, tendrás que estar de acuerdo en que se ajusta a la definición de Mickey McGowan de un gran disco: puede ser reproducido en segundo plano sin molestarte, y en primer plano sin aburrirte.

Pasará mucho tiempo antes de que otro pianista como Pete Jolly vuelva en sí.

https://musicians.allaboutjazz.com/petejolly

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Georges Arvanitas Trio • Best of Georges Arvanitas Trio

Artist Biography by Jason Ankeny

A longtime giant of the European jazz landscape, pianist Georges Arvanitas' graceful technique and effortless versatility made him a sought-after accompanist among American musicians touring France. Born June 13, 1931 in Marseilles, Arvanitas was the son of Greek immigrants hailing from Istanbul. He began classical piano studies at age four, but as a teen gravitated to jazz. At 18 he was called for military duty and stationed in Versailles. His proximity to Paris exposed Arvanitas to the city's thriving postwar jazz culture, and he moonlighted at clubs like Le Tabou and Les Trois Mailletz alongside American masters including Don Byas and Mezz Mezzrow. After completing his service, Arvanitas relocated permanently to Paris where he led the house band at the Club St. Germain before he graduated to the city's premier jazz venue, the legendary Blue Note. There he supported American stars like Dexter Gordon and Chet Baker, and as his profile grew, he also gained notoriety as a leader. He assembled bassist Doug Watkins and drummer Art Taylor to record 1963's 3 A.M., winner of the Prix Django Reinhardt and the Prix Jazz Hot.

Arvanitas spent half of 1965 in New York City collaborating with saxophonist Yusef Lateef and trumpeter Ted Curzon on the Blue Note label LP The Blue Thing and the New Thing. He returned stateside a year later, this time on a tour with trombonist Slide Hampton's big band. Arvanitas was also a respected session contributor; he earned the nickname "Georges Une Prise" ("One-take George") for his reliable efficiency and mastery. He was a particular favorite of the composer Michel Legrand and appeared on many of his soundtrack recordings. Arvanitas also played the memorable Hammond organ fills on Serge Gainsbourg's infamous 1969 pop hit "Je T'aime, Moi Non Plus." Arvanitas nevertheless remains best remembered for a series of LPs he cut with bassist Jacky Samson and drummer Charles Saudrais, a trio that endured from 1965 to 1993 (the 1968 album Space Ballad and 1976's Anniversary are particularly noteworthy). He was also the recipient of the Chevalier des Arts et des Lettres award in 1985. Failing health forced Arvanitas to retire from music in 2003. He died in Paris on September 25, 2005.

///////

Biografía del artista por Jason Ankeny

El pianista Georges Arvanitas, un gigante del panorama del jazz europeo durante mucho tiempo, la técnica elegante y la versatilidad sin esfuerzo lo convirtieron en un codiciado acompañante entre los músicos estadounidenses que viajan por Francia. Nacido el 13 de junio de 1931 en Marsella, Arvanitas era hijo de inmigrantes griegos provenientes de Estambul. Comenzó los estudios de piano clásico a los cuatro años, pero de adolescente se inclinó por el jazz. A los 18 años fue llamado al servicio militar y estacionado en Versalles. Su proximidad a París expuso a Arvanitas a la próspera cultura de jazz de la posguerra de la ciudad, y estuvo a la luz de la luna en clubes como Le Tabou y Les Trois Mailletz junto a maestros estadounidenses como Don Byas y Mezz Mezzrow. Después de completar su servicio, Arvanitas se mudó permanentemente a París, donde dirigió la banda de house en el Club St. Germain antes de graduarse en el principal local de jazz de la ciudad, el legendario Blue Note. Allí apoyó a estrellas estadounidenses como Dexter Gordon y Chet Baker, y a medida que su perfil creció, también ganó notoriedad como líder. Reunió al bajista Doug Watkins y al baterista Art Taylor para grabar 3 A.M. de 1963, ganador del Prix Django Reinhardt y el Prix Jazz Hot.

Arvanitas pasó la mitad de 1965 en la ciudad de Nueva York colaborando con el saxofonista Yusef Lateef y el trompetista Ted Curzon en la etiqueta Blue Note LP The Blue Thing and the New Thing. Regresó a Estados Unidos un año después, esta vez en una gira con la gran banda del trombonista Slide Hampton. Arvanitas también fue un respetado colaborador de sesión; se ganó el apodo de "Premio Georges Une" ("One-take George") por su eficiencia y dominio confiable. Fue uno de los favoritos del compositor Michel Legrand y apareció en muchas de sus grabaciones de la banda sonora. Arvanitas también tocó los memorables rellenos de órgano de Hammond en el famoso éxito pop de Serge Gainsbourg de 1969 "Je T'aime, Moi Non Plus". Sin embargo, Arvanitas sigue siendo el más recordado por una serie de discos que grabó con el bajista Jacky Samson y el baterista Charles Saudrais, un trío que duró de 1965 a 1993 (el álbum de 1968 Space Ballad y el Aniversario de 1976 son particularmente notables). También recibió el premio Chevalier des Arts et des Lettres en 1985. La salud fallida obligó a Arvanitas a retirarse de la música en 2003. Murió en París el 25 de septiembre de 2005.

John Jenkins • John Jenkins With Kenny Burrell

Review by Scott Yanow

The second (and best) of John Jenkins' two sessions as a leader features the altoist in a quintet with guitarist Kenny Burrell, pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, and drummer Dannie Richmond. Sounding at times like Charlie Parker (with touches of Phil Woods and Jackie McLean), Jenkins easily keeps up with his better-known sidemen and plays the boppish music with plenty of creativity, emotion, and excitement. After listening to the high-quality set, one wonders why Jenkins did not make it.

///////

Reseña de Scott Yanow

La segunda (y mejor) de las dos sesiones de John Jenkins como líder presenta al contralto en un quinteto con el guitarrista Kenny Burrell, el pianista Sonny Clark, el bajista Paul Chambers y el baterista Dannie Richmond. Sonando a veces como Charlie Parker (con toques de Phil Woods y Jackie McLean), Jenkins se mantiene fácilmente al día con sus compañeros más conocidos y toca la música boppish con mucha creatividad, emoción y emoción. Después de escuchar el set de alta calidad, uno se pregunta por qué Jenkins no lo logró.

Barney Kessel • Guitar Hero

Legendary musician, guitarist, influential jazz artist, composer, arranger, session player, record producer, one of the leading figures in West Coast jazz, later delving into hard bop, Barney Kessel is now generally considered by fans, critics and fellow musicians around the world to be arguably one of the greatest guitarists of all time.

Barney Kessel was truly everywhere as a musician. People, who had never heard of him, heard him play. If you listened to the popular radio shows in the 1950's you heard his guitar. When you saw a movie in the 1950's or 1960's you probably heard his guitar. In fact, he may have been one of the most recorded musicians in the history of recorded music.

Born Oct. 17, 1923, in Muskogee, Okla., Barney Kessel first came across the guitar while passing a music store on his paper route. He liked its look and the fact that it came with a booklet, “How to Play the Guitar in Five Minutes,” which he believed. Although it took a good deal more than five minutes, Kessel learned to pick guitar by copying western- swing musicians he heard on the radio. He left school at 14 to begin his professional career and soon began working professionally in Ellis Ezell's band as a teenager - a standout in 1937 not only because of his youth but also because he was the only white musician in an all-black band playing black clubs throughout Oklahoma.

Kessel soon began to refine his playing, dropping the emphasis on vibrato for a hard-swinging but cleaner sound, which was emanating from the black music scene in Kansas City, Mo. Within a year he had his first electric guitar - the only person, he once said, with the newfangled amplified instrument within a radius of 400 miles. His style became modeled closely on that of fellow Oklahoman Charlie Christian, the black guitarist who played to great acclaim with the racially integrated Benny Goodman Sextet. Christian first heard of Barney Kessel on a visit home. The pair soon met but when Kessel had the opportunity to play with Christian at a jazz jam session, he told The New York Times in 1991, the experience inspired him to develop a style of his own. “I realized that I had been methodically lifting his ideas from records,” Kessel said. “What was I going to play? All I knew was his stuff. There were two guys playing like Charlie Christian. I knew I had to find myself.”

With Christian's encouragement, Barney Kessel moved to Los Angeles in 1942 and was soon on the road with a band fronted by the comedian Chico Marx. Kessel cut his first sides with the Chico Marx Orchestra in 1943, which at the time was being directed by former bandleader Ben Pollack. He was also busy in 1943 as guitarist for Les Brown; cutting a V-disc in March of that year.

In the summer of 1944 Barney Kessel joined the Charlie Barnet big band appearing on the August smash hit recording of “Skyliner.” Later the same month jazz impresario Norman Granz cast Kessel in the innovative Jammin' the Blues, a classic 1944 short feature that was nominated for an Academy Award. A music video before the genre existed, the artistic black-and-white film required Kessel, as the only white musician in the all-black cast, to dye his hands black and perform in the shadows.

In the fall of the same year he cut his first sides with the Artie Shaw Orchestra. Kessel recorded more than 70 sides with Shaw throughout 1945 and part of 1946. His lyrical guitar can be heard to best advantage in the confines of the 1945 Shaw small band called the Gramercy Five. On sides like “Scuttlebut,” “The Grabtown Apple,” “The Gentle Grifter,” and “Hop Skip and Jump,” Kessel’s jazz guitar swings melodically, reminiscent of the guitar of his early idol Charlie Christian who had died of tuberculosis in March of 1942.

In December of 1945 there were more recordings and live dates with the Charlie Barnet big band and for much of the following year a good portion of his recorded output was split between the big bands of Barnet, Shaw, and Benny Goodman. It was in the fall and winter of 1946 that Kessel worked for Goodman; his first performances on record with the bandleader coming from an Armed Forces Radio Services Magic Carpet broadcast from Culver City, California in early October. Barney Kessel completed his last Benny Goodman Show performance, to be issued on a record, in January of 1947. The following month, in what may well be the biggest 180-degree turn in jazz history, he recorded four tunes with the Charlie Parker All Stars that included “Carvin’ The Bird,” and “Relaxin’ at Camarillo.”

California jazz impresario Gene Norman started his successful concert series, Just Jazz, in 1947, becoming the key presenter of jazz in Southern California. Barney Kessel participated in the California concerts numerous times during the year. cr Other Barney Kessel highlights of 1947 include an exercise called “From Dixieland To Bop,” recorded with a group fronted by reedman Lucky Thompson and housing Benny Carter as sideman. Waxed the same year was an obscure Capitol Jazz session led by Swedish clarinetist Stan Hasselgard that included Red Norvo on vibes and Arnold Ross on piano.

From 1948 to early in 1951 Kessel’s guitar can be heard mainly in a studio musician’s capacity while playing on a number of Mel Torme and Billy May records for Capitol Records. In November of 1951 however Kessel became the first guitarist in a new trio fronted by a young Canadian pianist named Oscar Peterson. Together, with Ray Brown on bass, this trio began recording some memorable sides for Norman Granz’s newly formed Clef record label that have subsequently been released in CD form on Verve. In 1952 Kessel toured the world with the Oscar Peterson trio and as part of Granz’s traveling jazz show called Jazz at the Philharmonic. Through 1953 this incarnation of the Oscar Peterson trio, often augmented by other musicians, were recorded often both by themselves and as a swinging backdrop to star vocalists and soloists like Billie Holiday, Ben Webster, Lester Young and others.

In 1953 Barney Kessel began his recording career as a leader with the first of a series of small-group albums for the Los Angeles-based Contemporary label. Between the years 1947 and 1960, Kessel was rated the No. 1 jazz guitarist in many of the music polls in Esquire, Down Beat, Metronome and Playboy magazines but he was still having a hard time paying the bills. To make ends meet he became a fixture in Hollywood's recording studios. In this parallel career he was heard on movie and television soundtracks, in television and radio commercials, as well as on records by Elvis Presley, The Beach Boys, Liberace, Frank Sinatra, Dean Martin, Sam Cooke and others.

In addition to being one of the first guitarists to go electric, Kessel told The Los Angeles Times in 1990 that he also was the first to record without a piano - truly propelling the guitar from background rhythm duties into the limelight. As arranger and guitarist on a Julie London album “Julie Is Her Name,” recorded between October of 1955 and January of 1956, Kessel said, “We used guitar and bass only, and it was the first time anyone had played guitar accompaniment for a vocalist to sound like an orchestra.” Of the 13 songs recorded for the album on the Liberty record label by Kessel, bass man Ray Leatherwood, and Julie London, “Cry Me A River,” became a huge success.

For the remainder of the 1950s Kessel did studio work, which included performing in various Verve studio orchestras led by Buddy Bregman. These Bregman led bands provided a solid kick as a backdrop for vocalists like Anita O’ Day, Ella Fitzgerald and even Bing Crosby. During the later 1950s he recorded often with other West Coast jazz musicians and session leaders like Shorty Rogers and Benny Carter on a variety of labels.

In the early 1960s Mr. Kessel can be heard playing in studio orchestras that backed the likes of Sarah Vaughan, Dinah Washington, Errol Garner, Lou Rawls and Mel Torme. His talents were also realized in somewhat cozier confines backing Billie Holiday, Bobby Troup, and on a number of fantastic small group sessions on the aforementioned Contemporary label as leader himself.

Over the years, as either a leader or sideman, Kessel recorded more than 60 albums, primarily with the Verve or Contemporary labels, ranging from “Barney Kessel Volumes I and II” in the early ‘50s through “Red Hot and Blues,” and “Kessel Plays Standards,” in the late ‘80s. Behind the scenes Barney Kessel was musical director of Bob Crosby's television variety show; wrote songs for and produced records as a Verve executive; and played on the soundtracks of motion pictures.

He owned Barney Kessel's Music World in Hollywood from 1967 to 1970, employing some of the first guitar technicians and attracting John Lennon, George Harrison and Eric Clapton as customers.

In addition to writing music, Kessel wrote columns for Guitar Player magazine and instruction manuals including the 1967 “The Guitar: A Tutor.”

In the 1970s and 1980s, Kessel, Charlie Byrd and Herb Ellis formed the touring group the Great Guitars and performed jazz standards — at high standards. “We want to present the guitars in as many ways as possible, to dazzle you,” Mr. Kessel told an audience at Charlie's in 1980.

His performing career ended after he had a stroke in 1992. He died at his home in San Diego in 2004.

Kay Guitars, released three different Barney Kessel models from '57 through '60, starting with the BK Pro and BK Artist up to the BK Jazz Special. Gibson Guitars introduced the Barney Kessel guitar (Regular and Custom models) in 1961 and continued in production through 1974. It was the guitar of choice for many top recording artists.

Barney's favorite personal guitars that he played extensively, on his own records and world tours, are a 1946/47 Gibson ES 350 modified with a 1939 ES 150 Charlie Christian pickup. Another modification was the replacement of the factory rosewood fingerboard with an ebony board, with dot markers. And he replaced the original Kluson tuning pegs with open-backed Grovers. Kessel's other professional mainstay was an original custom made Ibanez prototype for a proposed Barney Kessel signature model, from the early '70s. His personal guitar collection includes a Roger guitar, made in Germany in the '50s; an Epiphone Broadway from the '30s; along with many others that he played on tons of hit records.

Barney Kessel was inducted into the Oklahoma, and the Big Band and Jazz Hall of Fame.

In October of 2003, to commemorate Kessel's 80th birthday, Contemporary Records released the compilation “Barney Kessel Plays For Lovers.” Many of his records are available under a variety of labels.

///////

Músico legendario, guitarrista, influyente artista de jazz, compositor, arreglista, sesionista, productor de discos, una de las principales figuras del jazz de la Costa Oeste, que más tarde se sumergió en el hard bop, Barney Kessel es considerado hoy en día, en general, como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos por los aficionados, críticos y colegas de todo el mundo.

Barney Kessel estaba realmente en todas partes como músico. La gente, que nunca había oído hablar de él, lo escuchó tocar. Si escuchabas los populares programas de radio en los años 50, escuchabas su guitarra. Cuando usted vio una película en los años 50 o 60 probablemente escuchó su guitarra. De hecho, puede haber sido uno de los músicos más grabados en la historia de la música grabada.

Nacido el 17 de octubre de 1923 en Muskogee, Oklahoma, Barney Kessel se encontró por primera vez con la guitarra al pasar por una tienda de música en su ruta de periódicos. Le gustó su aspecto y el hecho de que vino con un folleto, "Cómo tocar la guitarra en cinco minutos", que él creía. Aunque le tomó mucho más de cinco minutos, Kessel aprendió a escoger la guitarra copiando a los músicos de swing occidentales que escuchaba en la radio. Dejó la escuela a los 14 años para comenzar su carrera profesional y pronto comenzó a trabajar profesionalmente en la banda de Ellis Ezell cuando era adolescente - un destacado en 1937 no sólo por su juventud sino también porque era el único músico blanco en una banda de negros que tocaba en clubes negros en todo Oklahoma.

Kessel pronto comenzó a refinar su forma de tocar, dejando de lado el énfasis en el vibrato para obtener un sonido más limpio pero de balanceo duro, que emanaba de la escena musical negra de Kansas City, Mo. En un año tuvo su primera guitarra eléctrica - la única persona, dijo una vez, con el nuevo instrumento amplificado en un radio de 400 millas. Su estilo se inspiró en el de su compatriota Charlie Christian, el guitarrista negro que tocó con gran éxito con el Sexteto de Benny Goodman racialmente integrado. Christian oyó hablar por primera vez de Barney Kessel en una visita a su casa. Los dos se conocieron pronto, pero cuando Kessel tuvo la oportunidad de tocar con Christian en una jam session de jazz, le dijo a The New York Times en 1991, la experiencia lo inspiró a desarrollar un estilo propio. "Me di cuenta de que había estado sacando metódicamente sus ideas de los archivos", dijo Kessel. "¿Qué iba a tocar? Todo lo que sabía eran sus cosas. Había dos tipos jugando como Charlie Christian. Sabía que tenía que encontrarme a mí mismo."

Con el aliento de Christian, Barney Kessel se mudó a Los Ángeles en 1942 y pronto estuvo de gira con una banda encabezada por el comediante Chico Marx. En 1943, Kessel tomó sus primeros pasos con la Chico Marx Orchestra, que en ese momento estaba dirigida por el ex director de orquesta Ben Pollack. También estuvo ocupado en 1943 como guitarrista de Les Brown; grabando un disco en V en marzo de ese año.

En el verano de 1944 Barney Kessel se unió a la big band de Charlie Barnet apareciendo en la exitosa grabación de agosto de "Skyliner". Más tarde, ese mismo mes, el empresario de jazz Norman Granz contrató a Kessel para el innovador Jammin' the Blues, un cortometraje clásico de 1944 que fue nominado para un Oscar. Un video musical antes de que existiera el género, la película artística en blanco y negro requería que Kessel, como único músico blanco en el elenco de negros, se tiñera las manos de negro y actuara en las sombras.

En el otoño del mismo año cortó sus primeros lados con la Artie Shaw Orchestra. Kessel grabó más de 70 caras con Shaw a lo largo de 1945 y parte de 1946. Su guitarra lírica puede ser escuchada en los confines de la pequeña banda Shaw de 1945 llamada Gramercy Five. En lados como "Scuttlebut", "The Grabtown Apple", "The Gentle Grifter" y "Hop Skip and Jump", la guitarra de jazz de Kessel se balancea melódicamente, recordando a la guitarra de su ídolo Charlie Christian, que había muerto de tuberculosis en marzo de 1942.

En diciembre de 1945 hubo más grabaciones y fechas en vivo con la big band de Charlie Barnet y durante gran parte del año siguiente una buena parte de su producción grabada se dividió entre las big bands de Barnet, Shaw y Benny Goodman. Fue en el otoño y el invierno de 1946 cuando Kessel trabajó para Goodman; sus primeras actuaciones en el registro con el líder de la banda proveniente de una alfombra mágica de las Fuerzas Armadas emitida desde Culver City, California, a principios de octubre. Barney Kessel completó su última actuación en el Benny Goodman Show, que se publicó en un disco, en enero de 1947. Al mes siguiente, en lo que bien podría ser el giro de 180 grados más grande en la historia del jazz, grabó cuatro temas con Charlie Parker All Stars que incluían "Carvin' The Bird" y "Relaxin' at Camarillo".

El empresario de jazz de California Gene Norman comenzó su exitosa serie de conciertos, Just Jazz, en 1947, convirtiéndose en el presentador clave del jazz en el sur de California. Barney Kessel participó en los conciertos de California en numerosas ocasiones durante el año. Otros aspectos destacados de Barney Kessel de 1947 incluyen un ejercicio llamado "From Dixieland To Bop", grabado con un grupo liderado por el carrilero Lucky Thompson y que alberga a Benny Carter como sideman. El mismo año se enceró una oscura sesión de Capitol Jazz dirigida por el clarinetista sueco Stan Hasselgard que incluyó a Red Norvo en las vibraciones y a Arnold Ross en el piano.

Desde 1948 hasta principios de 1951, la guitarra de Kessel se puede escuchar principalmente en calidad de músico de estudio mientras toca en varios discos de Mel Torme y Billy May para Capitol Records. En noviembre de 1951, sin embargo, Kessel se convirtió en el primer guitarrista de un nuevo trío liderado por un joven pianista canadiense llamado Oscar Peterson. Juntos, con Ray Brown al bajo, este trío comenzó a grabar algunos lados memorables para el recién formado sello discográfico Clef de Norman Granz, que posteriormente han sido editados en forma de CD en Verve. En 1952 Kessel recorrió el mundo con el trío de Oscar Peterson y como parte del espectáculo de jazz itinerante de Granz llamado Jazz at the Philharmonic. A lo largo de 1953 esta encarnación del trío de Oscar Peterson, a menudo aumentada por otros músicos, fue grabada a menudo por ellos mismos y como telón de fondo para cantantes y solistas estrella como Billie Holiday, Ben Webster, Lester Young y otros.

En 1953 Barney Kessel comenzó su carrera discográfica como líder con el primero de una serie de álbumes de grupos pequeños para el sello Contemporary de Los Ángeles. Entre los años 1947 y 1960, Kessel fue calificado como el guitarrista de jazz No. 1 en muchas de las encuestas musicales de las revistas Esquire, Down Beat, Metronome y Playboy, pero todavía le costaba mucho pagar las cuentas. Para llegar a fin de mes se convirtió en un elemento fijo en los estudios de grabación de Hollywood. En esta carrera paralela fue escuchado en bandas sonoras de películas y televisión, en comerciales de televisión y radio, así como en discos de Elvis Presley, The Beach Boys, Liberace, Frank Sinatra, Dean Martin, Sam Cooke y otros.

Además de ser uno de los primeros guitarristas en ser eléctrico, Kessel le dijo a The Los Angeles Times en 1990 que él también fue el primero en grabar sin piano - realmente impulsando a la guitarra de sus deberes rítmicos de fondo hacia el centro de atención. Como arreglista y guitarrista en un álbum de Julie London "Julie Is Her Name", grabado entre octubre de 1955 y enero de 1956, Kessel dijo: "Sólo usábamos la guitarra y el bajo, y era la primera vez que alguien tocaba acompañamiento de guitarra para que un vocalista sonara como una orquesta". De las 13 canciones grabadas para el álbum en el sello Liberty de Kessel, el bajista Ray Leatherwood y Julie London, "Cry Me A River", tuvieron un gran éxito.

Durante el resto de la década de 1950, Kessel trabajó en el estudio, lo que incluyó la actuación en varias orquestas de estudio de Verve dirigidas por Buddy Bregman. Estas bandas lideradas por Bregman proporcionaron un sólido impulso como telón de fondo para vocalistas como Anita O' Day, Ella Fitzgerald e incluso Bing Crosby. A finales de la década de 1950 grabó a menudo con otros músicos de jazz de la Costa Oeste y líderes de sesión como Shorty Rogers y Benny Carter en una variedad de sellos discográficos.

A principios de la década de 1960, el Sr. Kessel puede ser escuchado tocando en orquestas de estudio que apoyaban a Sarah Vaughan, Dinah Washington, Errol Garner, Lou Rawls y Mel Torme. Sus talentos también fueron realizados en confines más acogedores apoyando a Billie Holiday, Bobby Troup, y en un número de fantásticas sesiones de grupos pequeños en el mencionado sello Contemporáneo como líder él mismo.

A lo largo de los años, como líder o sideman, Kessel grabó más de 60 álbumes, principalmente con los sellos Verve o Contemporary, desde "Barney Kessel Volumes I y II" a principios de los años 50 hasta "Red Hot and Blues" y "Kessel Plays Standards" a finales de los años 80. Entre bastidores, Barney Kessel fue director musical del programa de variedades de televisión de Bob Crosby; escribió canciones y produjo discos como ejecutivo de Verve; y tocó en las bandas sonoras de películas.

Fue dueño de Barney Kessel's Music World en Hollywood de 1967 a 1970, empleando a algunos de los primeros técnicos de guitarra y atrayendo a John Lennon, George Harrison y Eric Clapton como clientes.

Además de escribir música, Kessel escribió columnas para la revista Guitar Player y manuales de instrucciones, incluyendo el libro "The Guitar: Un tutor".

En las décadas de 1970 y 1980, Kessel, Charlie Byrd y Herb Ellis formaron el grupo de gira Great Guitars y tocaron jazz a un alto nivel. "Queremos presentar las guitarras de tantas maneras como sea posible, para deslumbrarles", dijo el Sr. Kessel a una audiencia en Charlie's en 1980.

Su carrera interpretativa terminó después de sufrir un derrame cerebral en 1992. Murió en su casa de San Diego en 2004.

Kay Guitars, lanzó tres modelos diferentes de Barney Kessel desde'57 hasta'60, comenzando con el BK Pro y BK Artist hasta el BK Jazz Special. Gibson Guitars introdujo la guitarra Barney Kessel (modelos Regular y Custom) en 1961 y continuó en producción hasta 1974. Era la guitarra elegida por muchos de los mejores artistas de grabación.

Las guitarras personales favoritas de Barney que tocó extensivamente, en sus propios discos y giras mundiales, son una Gibson ES 350 de 1946/47 modificada con una pastilla ES 150 Charlie Christian de 1939. Otra modificación fue la sustitución del diapasón de palisandro de fábrica por un diapasón de ébano, con marcadores de puntos. Y reemplazó las clavijas de afinación originales de Kluson por Grovers de respaldo abierto. El otro pilar profesional de Kessel fue un prototipo original de Ibanez hecho a medida para un modelo de firma propuesto por Barney Kessel, de principios de los años 70. Su colección personal de guitarras incluye una guitarra Roger, hecha en Alemania en los años'50; un Epiphone Broadway de los'30; junto con muchas otras que tocó en toneladas de discos de éxito.

Barney Kessel fue admitido en el Oklahoma, la Big Band y el Jazz Hall of Fame.

En octubre de 2003, para conmemorar el 80 cumpleaños de Kessel, Contemporary Records lanzó el recopilatorio "Barney Kessel Plays For Lovers". Muchos de sus discos están disponibles bajo una variedad de etiquetas.

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator  

Tubby Hayes Orchestra • Tubbs' Tours

Artist Biography by Thom Jurek

Nicknamed "The Little Giant", English saxophonist Tubby Hayes was an excellent hard bop and modal stylist whose solos were dynamic, expertly articulated, and intricately constructed, as well as expressive and imaginative. In addition to saxes and woodwinds, he was also an highly skilled arranger, composer, and an accomplished vibraphonist. He was a dazzling, highly acrobatic player who drew as much criticism for his virtuosic flurries of notes as praise. A ubiquitous presence on the 1960s and early-'70s British jazz scene, he died at age 38 in 1973. His influence, now undisputed, has made him the standard bearer for British jazz during the 20th century. His traveling forays into America may not have registered in the jazz press as much, but he was revered by virtually every jazzman on the other side of the Atlantic who heard or played with him: Among them Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus, and Duke Ellington. He was deeply admired by Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper, and Sonny Rollins. Hayes, along with saxophonist Ronnie Scott, co-led the Jazz Couriers during the late '50s. The saxists and trumpeter Jimmy Deuchar singlehandedly changed the face of England's jazz landscape which, at that time, had consisted primarily of dance bands from the '30s on. After the split, Scott started his legendary club -- opening night featured Hayes' new band -- and Tubbs established himself as a prolific musician; he led quartets, quintets, and sextets, as well as big bands. He had his own television series and amassed a vast canon of albums from 1955 onward for a slew of labels including Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash, and Mole.

Hayes was born Edward Brian Hayes in London. His father was a BBC studio violinist and traveling dance band leader. Wishing to instill his love for music in his son, he gave him violin lessons from an early age. By the age of ten, Hayes was playing the piano, and he started on the tenor sax at 11. The youngster fell in love with jazz thanks to his dad's record collection and European radio that was playing recordings by bebop pioneers such as Dizzy Gillespie and Charlie Parker. After playing with various semi-professional bands around London for a time, Hayes left school and started playing professionally at age 15. In 1951, at the of 16, Hayes joined Kenny Baker's sextet, and subsequently worked with bandleaders such as Vic Lewis and Jack Parnell. He was already a sophisticated arranger, and penned charts for the bands he played in as a teen. In 1955, Hayes formed his own octet, with which he toured the U.K. for 18 months. He took up vibraphone in 1957, having tried Victor Feldman's instrument during a gig. Although the vibes were a key instrument in his arsenal, he eventually tired of playing them. From 1957 to 1959, he joined Ronnie Scott in co-leading the Jazz Couriers quintet. They became the hottest property on the British jazz scene at the time and recorded for the Tempo label. Despite their relatively short tenure, their influence is still felt in the 21st century.

After the Jazz Couriers split, Hayes formed his own quartet, and toured Germany. In 1961 he received an invitation to America to play the Half Note Club in New York City as part of a Musician's Union exchange that brought American saxophonist Zoot Sims to England to play Scott's club. In America, Hayes recorded Tubbs in NY with Clark Terry, Eddie Costa, and Horace Parlan. He returned in 1962 and cut Return Visit with James Moody, (pre-Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr., Sam Jones, and Louis Hayes. He played at the Half Note again in 1964, and at the Boston Jazz Workshop the same year. He traveled to the West Coast for the first time in 1965, playing a multi-night gig at drummer Shelly Manne's Manne-Hole in Los Angeles.

When at home in London, Hayes was a hotly debated commodity among critics, but was beloved by the record-buying public. Given his ubiquity in concert halls on tour and on television -- he hosted three different television programs between 1961 and 1963 -- his biographer Simon Spillet wrote: "Tubby faced almost as much criticism within the press as he did praise, most of it centered upon his technical ability…both a yardstick against which to measure others and, all too often, simply a club with which to beat him….He also suffered from something we appear to have somewhat of a gift for in this country: taking someone apart for doing nothing more than being superbly accomplished at what they do."

In addition to television, Hayes also worked in film and on radio, penning and arranging scores, commercials, and songs. In 1964, he subbed for Paul Gonsalves in Duke Ellington's orchestra and in 1965 recorded with the saxophonist on Just Friends, and later Change of Setting.

Hayes appeared in films too, including All Night Long with Charles Mingus and Dave Brubeck, with his own group in A King in New York starring Charlie Chaplin (1957), and The Beauty Jungle (1964). He also a regular at European jazz festivals form the U.K. to Spain to Italy, Vienna, and Berlin. He appeared on a number of soundtracks at in 1965, notably on Lalo Schifrin's score for The Liquidator, and appeared with his quintet in the anthology film Dr. Terror's House of Horrors. His section, "Voodoo," found his band performing behind actor Roy Castle, who played a jazz musician. A three-track EP from the soundtrack titled Voodoo Session was released by Trunk Records in 2009.

Though he was already a prolific recording artist under his own name, Hayes also found time to guest on recordings by other British jazz musicians, including the Harry South Big Band, the Ian Hamer Sextet, and Ted Heath’s Orchestra. Among his many studio credits, Hayes led the brass section on the sessions for Music in a Doll's House -- the 1967 debut album by Family -- that also featured string and brass charts by a young Mike Batt, who lionized Hayes. Batt credited Hayes with saving his brass arrangement on the track "Old Songs for New Songs." When the arranger realized he had inadvertently notated parts in the wrong key, Hayes and his colleagues, realizing his mistake, discreetly transposed their parts by ear so that they would match the backing track. That same year, Hayes' quartet released what is arguably (yet widely) regarded as his finest offering, the album Mexican Green for Fontana, which was issued in 1968. Hayes was lucky in continuing to record and tour, but times were tough. Given the rise of commercial rock & roll, jazz became marginalized in Great Britain and, a little later, in the U.S. as well. What was thought to be his final recording session for the year was with his big-band's The Orchestra project -- a more commercial outing aimed at pop and easy listening audiences; it featured sophisticated charts for covers of hit songs by the Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, and others. Released by Fontana as catalog number 6309 002 in 1970, it fared poorly. Hayes, a longtime drug addict and alcoholic, began to experience severe health issues. He underwent open-heart surgery and a long period of recuperation. He started performing again in 1971, and in 1972 toured Norway and Sweden. In 1973, after suffering faltering health again, he underwent another heart surgery but expired on the operating table.

In all, Hayes' discography as a leader and/or sideman encompasses more than 400 albums. Unfortunately, many of those recordings -- up to 100 -- didn't appear until long after his passing. In 2017, Spillett's acclaimed The Long Shadow of the Little Giant: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes was published by Equinox in the U.K. and received good reviews on both sides of the Atlantic. In 2019, two major events took place that further expanded the reach and influence of Hayes' legend. The first was the appearance of the documentary feature film A Man in a Hurry directed by Lee Cogswell and written by Mark Baxter. The second was the release of a holy grail of jazz, Hayes' album Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. The rediscovery came about when late jazz writer and Polygram catalog manager Richard Cook spotted entries in Hayes' diary that detailed several recording sessions. He found the 1969 tapes in the archive. Cook left the company in 1997, and it was only in 2018 that their existence resurfaced. Decca/Universal hired high-end vinyl specialists Gearbox Studios to master the sessions for the first time. In July 2019, before the film's commercial appearance, Gearbox issued the set in various configurations: As a 180-gram vinyl edition created by using a '60s-era Studer C37 tape machine and a Scully Lathe (the very same model used by jazz engineer legend Rudy Van Gelder), and as single- and double-compact disc editions. In an interview Spillett said "It really is a lost masterpiece, make no mistake....It's hard to believe that this music has lain unheard for 50 years, it's so fresh. There's no doubt in my mind that had they been issued at the time, these recordings would have been seen as Tubby's last great album." [In September 2019, Decca issued the 12-disc box set The Complete Fontana Albums 1960-1969. The LP version contained 11 LPs. The recordings were remastered at Gearbox Records' studios, directly from the original tapes, using a Studer C37 ¼-inch stereo tape machine, equalized through an all-valve mastering deck built for Decca studios during the late 1950s.]

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

///////

Biografía del artista por Thom Jurek

Apodado "The Little Giant", el saxofonista inglés Tubby Hayes era un excelente hard bop y estilista modal cuyos solos eran dinámicos, expertamente articulados y construidos de manera intrincada, así como expresivos e imaginativos. Además de saxos y vientos de madera, también fue un arreglador, compositor y vibrafonista muy hábil. Era un jugador deslumbrante y muy acrobático que atrajo tanto críticas por sus virtuosas ráfagas de notas como elogios. Una presencia ubicua en la escena del jazz británico de los años sesenta y principios de los setenta, murió a los 38 años en 1973. Su influencia, ahora indiscutible, lo ha convertido en el abanderado del jazz británico durante el siglo XX. Sus incursiones en Estados Unidos tal vez no se hayan registrado en la prensa de jazz, pero fue venerado por prácticamente todos los jazzistas del otro lado del Atlántico que lo escucharon o tocaron con él: Entre ellos Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus y Duke Ellington. Fue profundamente admirado por Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper y Sonny Rollins. Hayes, junto con el saxofonista Ronnie Scott, co-lideró los Jazz Couriers a finales de los años 50. Los saxistas y el trompetista Jimmy Deuchar cambiaron por sí solos la faz del paisaje del jazz inglés que, en aquel entonces, estaba formado principalmente por bandas de baile de los años 30 en adelante. Después de la separación, Scott comenzó su legendario club -- la noche del estreno presentó la nueva banda de Hayes -- y Tubbs se estableció como un músico prolífico; dirigió cuartetos, quintetos y sextetos, así como grandes bandas. Tenía su propia serie de televisión y acumuló un vasto canon de álbumes desde 1955 en adelante para una gran cantidad de sellos discográficos, incluyendo Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash y Mole.

Hayes nació como Edward Brian Hayes en Londres. Su padre era un violinista de estudio de la BBC y líder de una banda de baile ambulante. Deseoso de inculcar en su hijo el amor por la música, le dio clases de violín desde muy temprana edad. A la edad de diez años, Hayes tocaba el piano y comenzó a tocar el saxo tenor a los 11 años. El joven se enamoró del jazz gracias a la colección de discos de su padre y a la radio europea que tocaba grabaciones de pioneros del bebop como Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Después de tocar con varias bandas semiprofesionales en Londres durante un tiempo, Hayes dejó la escuela y comenzó a tocar profesionalmente a los 15 años. En 1951, a los 16 años, Hayes se unió al sexteto de Kenny Baker, y posteriormente trabajó con directores de orquesta como Vic Lewis y Jack Parnell. Ya era un sofisticado arreglista, y componía las listas de éxitos de las bandas en las que tocaba en su adolescencia. En 1955, Hayes formó su propio octeto, con el que recorrió el Reino Unido durante 18 meses. Empezó a trabajar con el vibráfono en 1957, después de haber probado el instrumento de Victor Feldman durante un concierto. Aunque las vibraciones eran un instrumento clave en su arsenal, finalmente se cansó de tocarlas. De 1957 a 1959, se unió a Ronnie Scott en la co-liderazgo del quinteto Jazz Couriers. Se convirtieron en la propiedad más caliente de la escena jazzística británica de la época y grabaron para el sello Tempo. A pesar de su relativamente corta permanencia en el cargo, su influencia todavía se siente en el siglo XXI.

Después de la separación de Jazz Couriers, Hayes formó su propio cuarteto y realizó una gira por Alemania. En 1961 recibió una invitación a Estados Unidos para tocar en el Half Note Club de la ciudad de Nueva York como parte de un intercambio de la Unión de Músicos que llevó a la saxofonista americana Zoot Sims a Inglaterra para tocar en el club de Scott. En América, Hayes grabó Tubbs en Nueva York con Clark Terry, Eddie Costa y Horace Parlan. Regresó en 1962 y cortó "Return Visit" con James Moody, (antes de Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr, Sam Jones y Louis Hayes. Tocó de nuevo en el Half Note en 1964, y en el Boston Jazz Workshop ese mismo año. Viajó a la Costa Oeste por primera vez en 1965, tocando en un concierto de varias noches en el Manne-Hole del baterista Shelly Manne en Los Ángeles.

Cuando estaba en su casa en Londres, Hayes era una mercancía muy debatida entre los críticos, pero era muy querida por el público que compraba discos. Dada su ubicuidad en las salas de conciertos durante las giras y en la televisión -organizó tres programas de televisión diferentes entre 1961 y 1963-, su biógrafo Simon Spillet escribió: "Tubby enfrentó casi tantas críticas en la prensa como elogios, la mayoría de ellas centradas en su habilidad técnica... tanto un criterio con el que medir a los demás como, con demasiada frecuencia, un simple palo con el que derrotarlo....".También sufrió de algo para lo que parece que tenemos un don en este país: desarmar a alguien por no hacer nada más que ser magníficamente realizado en lo que hace".

Además de la televisión, Hayes también trabajó en cine y radio, escribiendo y arreglando partituras, comerciales y canciones. En 1964, sustituyó a Paul Gonsalves en la orquesta de Duke Ellington y en 1965 grabó con el saxofonista en Just Friends, y más tarde en Change of Setting.

Hayes también apareció en películas, incluyendo All Night Long con Charles Mingus y Dave Brubeck, con su propio grupo en A King in New York protagonizado por Charlie Chaplin (1957), y The Beauty Jungle (1964). También es habitual en festivales de jazz europeos desde el Reino Unido hasta España, pasando por Italia, Viena y Berlín. Apareció en varias bandas sonoras en 1965, especialmente en la partitura de Lalo Schifrin para The Liquidator, y apareció con su quinteto en la antología de la película Dr. Terror's House of Horrors. Su sección, "Voodoo", encontró a su banda actuando detrás del actor Roy Castle, que interpretó a un músico de jazz. Un EP de tres bandas sonoras titulado Voodoo Session fue lanzado por Trunk Records en 2009.

Aunque ya era un artista prolífico bajo su propio nombre, Hayes también encontró tiempo para ser invitado a grabaciones de otros músicos de jazz británicos, incluyendo la Harry South Big Band, el Ian Hamer Sextet y la Orquesta de Ted Heath. Entre sus muchos créditos de estudio, Hayes dirigió la sección de metales de las sesiones de Music in a Doll's House, el álbum debut de 1967 de Family, que también incluía cartas de cuerdas y metales de un joven Mike Batt, que leonó a Hayes. Batt le dio crédito a Hayes por guardar su arreglo de latón en el tema "Old Songs for New Songs". Cuando el arreglista se dio cuenta de que había anotado sin querer las partes en la clave equivocada, Hayes y sus colegas, al darse cuenta de su error, transpusieron discretamente sus partes por la oreja para que coincidieran con la pista de acompañamiento. Ese mismo año, el cuarteto de Hayes lanzó lo que se puede decir (aunque ampliamente) considera su mejor oferta, el álbum Mexican Green for Fontana, que se publicó en 1968. Hayes tuvo la suerte de seguir grabando y haciendo giras, pero los tiempos eran difíciles. Dado el auge del rock & roll comercial, el jazz quedó marginado en Gran Bretaña y, un poco más tarde, también en Estados Unidos. Lo que se pensó que sería su última sesión de grabación del año fue con el proyecto The Orchestra de su big-band -- una salida más comercial dirigida a audiencias pop y de fácil escucha; incluía sofisticadas listas de éxitos de los Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, y otros. Lanzado por Fontana con el número de catálogo 6309 002 en 1970, le fue mal. Hayes, una antigua drogadicta y alcohólica, comenzó a experimentar graves problemas de salud. Se sometió a una cirugía a corazón abierto y a un largo período de recuperación. Comenzó a actuar de nuevo en 1971, y en 1972 realizó giras por Noruega y Suecia. En 1973, después de sufrir de nuevo una mala salud, se sometió a otra cirugía cardíaca pero expiró en la mesa de operaciones.

En total, la discografía de Hayes como líder y/o sideman abarca más de 400 álbumes. Desafortunadamente, muchas de esas grabaciones, hasta 100, no aparecieron hasta mucho después de su muerte. En 2017, Spillett aclamó La larga sombra del pequeño gigante: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes fue publicado por Equinox en el Reino Unido y recibió buenas críticas a ambos lados del Atlántico. En 2019, se produjeron dos acontecimientos importantes que ampliaron aún más el alcance y la influencia de la leyenda de Hayes. La primera fue la aparición del documental A Man in a Hurry, dirigido por Lee Cogswell y escrito por Mark Baxter. El segundo fue el lanzamiento de un santo grial del jazz, el álbum de Hayes Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. El redescubrimiento se produjo cuando el difunto escritor de jazz y director del catálogo de Polygram, Richard Cook, descubrió en el diario de Hayes una serie de entradas que detallaban varias sesiones de grabación. Encontró las cintas de 1969 en el archivo. Cook dejó la empresa en 1997, y sólo en 2018 resurgió su existencia. Decca/Universal contrató a los especialistas en vinilos de alta calidad de Gearbox Studios para dominar las sesiones por primera vez. En julio de 2019, antes de la aparición comercial de la película, Gearbox emitió el set en varias configuraciones: Como una edición de vinilo de 180 gramos creada utilizando una máquina de cinta Studer C37 de los años 60 y un Torno Scully (el mismo modelo utilizado por la leyenda del ingeniero de jazz Rudy Van Gelder), y como ediciones de discos compactos simples y dobles. En una entrevista Spillett dijo "Es realmente una obra maestra perdida, no se equivoque....Es difícil creer que esta música ha permanecido sin escuchar durante 50 años, es tan fresca. No tengo ninguna duda de que si se hubieran publicado en ese momento, estas grabaciones habrían sido vistas como el último gran álbum de Tubby". En septiembre de 2019, Decca publicó la caja de 12 discos The Complete Fontana Albums 1960-1969. La versión LP contenía 11 LPs. Las grabaciones fueron remasterizadas en los estudios de Gearbox Records, directamente de las cintas originales, usando una máquina de cinta estéreo Studer C37 ¼ pulgadas, ecualizadas a través de una plataforma de masterización de válvulas construida para los estudios Decca a finales de la década de 1950].

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator