Friday, April 30, 2021
Jimmy McGriff • Countdown
Review by Scott Yanow
Jimmy McGriff's Milestone debut, which has been reissued on CD, features the soulful organist heading a group of lesser-known players -- including three horns and the fine guitarist Melvin Sparks -- and doing his best to emulate the sound of a big band. The material ("I'm Walkin'," a couple of Frank Foster numbers including "Shiny Stockings," Benny Green's "Blow Your Horn," "Since I Fell for You" and a McGriff original) is strong and inspires the musicians to play funky, grease-filled solos. Few surprises occur, but the music is quite enjoyable and easily recommended to fans of this genre.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700
Jimmy McGriff's Milestone debut, which has been reissued on CD, features the soulful organist heading a group of lesser-known players -- including three horns and the fine guitarist Melvin Sparks -- and doing his best to emulate the sound of a big band. The material ("I'm Walkin'," a couple of Frank Foster numbers including "Shiny Stockings," Benny Green's "Blow Your Horn," "Since I Fell for You" and a McGriff original) is strong and inspires the musicians to play funky, grease-filled solos. Few surprises occur, but the music is quite enjoyable and easily recommended to fans of this genre.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700
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Reseña de Scott Yanow
El debut de Jimmy McGriff en Milestone, que ha sido reeditado en CD, presenta al conmovedor organista al frente de un grupo de músicos menos conocidos -incluyendo tres trompas y el excelente guitarrista Melvin Sparks- y haciendo todo lo posible por emular el sonido de una gran banda. El material ("I'm Walkin'", un par de números de Frank Foster incluyendo "Shiny Stockings", "Blow Your Horn" de Benny Green, "Since I Fell for You" y un original de McGriff) es fuerte e inspira a los músicos a tocar solos funky y llenos de grasa. Hay pocas sorpresas, pero la música es bastante agradable y fácilmente recomendable para los aficionados a este género.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700
El debut de Jimmy McGriff en Milestone, que ha sido reeditado en CD, presenta al conmovedor organista al frente de un grupo de músicos menos conocidos -incluyendo tres trompas y el excelente guitarrista Melvin Sparks- y haciendo todo lo posible por emular el sonido de una gran banda. El material ("I'm Walkin'", un par de números de Frank Foster incluyendo "Shiny Stockings", "Blow Your Horn" de Benny Green, "Since I Fell for You" y un original de McGriff) es fuerte e inspira a los músicos a tocar solos funky y llenos de grasa. Hay pocas sorpresas, pero la música es bastante agradable y fácilmente recomendable para los aficionados a este género.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700
In Search of the Blues
Leadbelly, Robert Johnson, Charley Patton-we are all familiar with the
story of the Delta blues. Fierce, raw voices; tormented drifters; deals
with the devil at the crossroads at midnight.
In this
extraordinary reconstruction of the origins of the Delta blues,
historian Marybeth Hamilton demonstrates that the story as we know it is
largely a myth. The idea of something called Delta blues only emerged
in the mid-twentieth century, the culmination of a longstanding white
fascination with the exotic mysteries of black music.
Hamilton
shows that the Delta blues was effectively invented by white pilgrims,
seekers, and propagandists who headed deep into America's south in
search of an authentic black voice of rage and redemption. In their
quest, and in the immense popularity of the music they championed, we
confront America's ongoing love affair with racial difference.
Thursday, April 29, 2021
Little Walter • The Best of
Review
If there's a blues harmonica player alive today who doesn't have a copy of this landmark album in their collection, they're either lying or had their copy of it stolen by another harmonica player. This 12-song collection is the one that every harmonica player across the board cut their teeth on. All the hits are here: "My Babe," "Blues with a Feeling," "You Better Watch Yourself," "Off the Wall," "Mean Old World" and the instrumental that catapulted him from the sideman chair in Muddy Waters' band to the top of the R&B charts in 1952, "Juke." Walter's influence to this very day is so pervasive over the landscape of the instrument that this collection of singles is truly: 1) one of the all-time greatest blues harmonica albums, 2) one of the all-time greatest Chicago blues albums, and 3) one of the first ten albums you should purchase if you're building your blues collection from the ground floor up. ~ Cub Koda, All Music Guide
Traducción Automática:
Si hay un jugador de armónica de blues vivo hoy que no tiene una copia de este álbum emblemático en su colección, están mintiendo o han robado su copia de otro jugador de armónica. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo aprenden. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Yourself Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que lo catapultó desde la silla sideman en Muddy Waters ' banda a la cima de las listas de R & B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan omnipresente en el panorama del instrumento que esta colección de singles es verdaderamente: 1) uno de los mejores álbumes de blues de armónica de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago, y 3) uno de los primeros diez álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde la planta baja. ~ Cub Koda, guía de toda la música
If there's a blues harmonica player alive today who doesn't have a copy of this landmark album in their collection, they're either lying or had their copy of it stolen by another harmonica player. This 12-song collection is the one that every harmonica player across the board cut their teeth on. All the hits are here: "My Babe," "Blues with a Feeling," "You Better Watch Yourself," "Off the Wall," "Mean Old World" and the instrumental that catapulted him from the sideman chair in Muddy Waters' band to the top of the R&B charts in 1952, "Juke." Walter's influence to this very day is so pervasive over the landscape of the instrument that this collection of singles is truly: 1) one of the all-time greatest blues harmonica albums, 2) one of the all-time greatest Chicago blues albums, and 3) one of the first ten albums you should purchase if you're building your blues collection from the ground floor up. ~ Cub Koda, All Music Guide
Traducción Automática:
Si hay un jugador de armónica de blues vivo hoy que no tiene una copia de este álbum emblemático en su colección, están mintiendo o han robado su copia de otro jugador de armónica. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo aprenden. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Yourself Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que lo catapultó desde la silla sideman en Muddy Waters ' banda a la cima de las listas de R & B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan omnipresente en el panorama del instrumento que esta colección de singles es verdaderamente: 1) uno de los mejores álbumes de blues de armónica de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago, y 3) uno de los primeros diez álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde la planta baja. ~ Cub Koda, guía de toda la música
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Reseña
Si hay un armonicista de blues vivo hoy en día que no tenga una copia de este álbum de referencia en su colección, o bien está mintiendo o su copia ha sido robada por otro armonicista. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo han utilizado. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Watch Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que le catapultó desde la silla de sideman en la banda de Muddy Waters a la cima de las listas de R&B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan penetrante en el paisaje del instrumento que esta colección de singles es realmente 1) uno de los mejores álbumes de armónica de blues de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago de todos los tiempos, y 3) uno de los diez primeros álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde cero. ~ Cub Koda, All Music Guide
Traducción automática:
Si hay un jugador de armónica de blues vivo hoy que no tiene una copia de este álbum emblemático en su colección, están mintiendo o han robado su copia de otro jugador de armónica. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo aprenden. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que lo catapultó desde la silla sideman en la banda de Muddy Waters a la cima de las listas de R & B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan omnipresente en el panorama del instrumento que esta colección de singles es verdaderamente: 1) uno de los mejores álbumes de blues de armónica de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago, y 3) uno de los primeros diez álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde la planta baja. ~ Cub Koda, guía de toda la música
Si hay un armonicista de blues vivo hoy en día que no tenga una copia de este álbum de referencia en su colección, o bien está mintiendo o su copia ha sido robada por otro armonicista. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo han utilizado. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Watch Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que le catapultó desde la silla de sideman en la banda de Muddy Waters a la cima de las listas de R&B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan penetrante en el paisaje del instrumento que esta colección de singles es realmente 1) uno de los mejores álbumes de armónica de blues de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago de todos los tiempos, y 3) uno de los diez primeros álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde cero. ~ Cub Koda, All Music Guide
Traducción automática:
Si hay un jugador de armónica de blues vivo hoy que no tiene una copia de este álbum emblemático en su colección, están mintiendo o han robado su copia de otro jugador de armónica. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo aprenden. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que lo catapultó desde la silla sideman en la banda de Muddy Waters a la cima de las listas de R & B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan omnipresente en el panorama del instrumento que esta colección de singles es verdaderamente: 1) uno de los mejores álbumes de blues de armónica de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago, y 3) uno de los primeros diez álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde la planta baja. ~ Cub Koda, guía de toda la música
Charlie Earland Trio feat. George Coleman • Soul Crib
Review:
This album has never seen the light of day on CD. Some tracks were later released on a few of Charles' Muse albums; namely Smokin' and Mama Roots, but careful checking of track timings reveals slightly different versions. In this regard they may have not been from the same session. George Coleman's addition to Charles Earland’s Trio truly makes this LP magnificent. He plays beautifully right throughout the whole session. In addition the listener cannot disregard the intuitive playing of Jimmy Ponder whereby he at times gets some marvelous opportunities to really stretch out. Of course as always Charles Earland beyond any doubt greatly entertains with his vivacious mastery of the B-3. Similarly without Walter Perkins’ driving the beat on drums and the inclusion of some very innovative percussive effects the tunes wouldn't be as dynamic. "Soul Crib" leans more toward the jazz side of things, featuring no fewer than five standards, one swinging original ‘The Dozens’ and a psychedelic free improvisation piece called ‘Mus’ Be LSD’ that seems completely out of place. Taken together the album truly entertains and clearly showcases George Coleman’s tenor blending seamlessly with Charles' big organ sounds. A masterful gem for its time and is highly recommended.
This album has never seen the light of day on CD. Some tracks were later released on a few of Charles' Muse albums; namely Smokin' and Mama Roots, but careful checking of track timings reveals slightly different versions. In this regard they may have not been from the same session. George Coleman's addition to Charles Earland’s Trio truly makes this LP magnificent. He plays beautifully right throughout the whole session. In addition the listener cannot disregard the intuitive playing of Jimmy Ponder whereby he at times gets some marvelous opportunities to really stretch out. Of course as always Charles Earland beyond any doubt greatly entertains with his vivacious mastery of the B-3. Similarly without Walter Perkins’ driving the beat on drums and the inclusion of some very innovative percussive effects the tunes wouldn't be as dynamic. "Soul Crib" leans more toward the jazz side of things, featuring no fewer than five standards, one swinging original ‘The Dozens’ and a psychedelic free improvisation piece called ‘Mus’ Be LSD’ that seems completely out of place. Taken together the album truly entertains and clearly showcases George Coleman’s tenor blending seamlessly with Charles' big organ sounds. A masterful gem for its time and is highly recommended.
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Reseña:
Este álbum nunca ha visto la luz en CD. Algunos temas se publicaron posteriormente en algunos de los álbumes Muse de Charles, concretamente en Smokin' y Mama Roots, pero una cuidadosa comprobación de los tiempos de los temas revela versiones ligeramente diferentes. En este sentido, es posible que no procedan de la misma sesión. La incorporación de George Coleman al trío de Charles Earland hace que este LP sea realmente magnífico. Toca maravillosamente durante toda la sesión. Además, el oyente no puede pasar por alto la interpretación intuitiva de Jimmy Ponder, que a veces tiene maravillosas oportunidades para estirarse. Por supuesto, como siempre, Charles Earland entretiene enormemente con su vivaz dominio de la B-3. Igualmente, sin el impulso de Walter Perkins en la batería y la inclusión de algunos efectos de percusión muy innovadores, las melodías no serían tan dinámicas. "Soul Crib" se inclina más hacia el lado del jazz, presentando no menos de cinco estándares, un original de swing 'The Dozens' y una pieza de improvisación libre psicodélica llamada 'Mus' Be LSD' que parece completamente fuera de lugar. En conjunto, el álbum es realmente entretenido y muestra claramente que el tenor de George Coleman se combina a la perfección con los grandes sonidos del órgano de Charles. Una joya magistral para su época y muy recomendable.
Elaine Delmar • A Swingin' Chick [EP]
She was born as Elaine Hutchinson in Harpenden, Hertfordshire. Her father was the jazz trumpeter Leslie "Jiver" Hutchinson.
She was educated at Rhodes Avenue and Trinity Grammar schools in Wood Green. She studied piano between the ages of six and eleven, reaching Grade VII of the Associated Board examinations.
She made her first broadcast playing the piano on Children's Hour, aged 13, and she later sang with her father's band at American bases. In 1952/1953, she appeared in Finian's Rainbow in Liverpool. She sang with Coleridge Goode's group 'The Dominoes' for a month in Germany in the mid-1950s, before going solo. She performed in clubs and on overseas tours. She appeared in the Ken Russell film Mahler (1974).
During 2010 she featured in concert with Wynton Marsalis's Lincoln Center Jazz Orchestra.
During 2012 Delmar appeared on P & O Cruise liners where her performances featured songs by Cole Porter and others. - wiki -
She was educated at Rhodes Avenue and Trinity Grammar schools in Wood Green. She studied piano between the ages of six and eleven, reaching Grade VII of the Associated Board examinations.
She made her first broadcast playing the piano on Children's Hour, aged 13, and she later sang with her father's band at American bases. In 1952/1953, she appeared in Finian's Rainbow in Liverpool. She sang with Coleridge Goode's group 'The Dominoes' for a month in Germany in the mid-1950s, before going solo. She performed in clubs and on overseas tours. She appeared in the Ken Russell film Mahler (1974).
During 2010 she featured in concert with Wynton Marsalis's Lincoln Center Jazz Orchestra.
During 2012 Delmar appeared on P & O Cruise liners where her performances featured songs by Cole Porter and others. - wiki -
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Nació como Elaine Hutchinson en Harpenden, Hertfordshire. Su padre era el trompetista de jazz Leslie "Jiver" Hutchinson.
Fue educada en las escuelas Rhodes Avenue y Trinity Grammar de Wood Green. Estudió piano entre los seis y los once años, y alcanzó el grado VII de los exámenes del Associated Board.
Hizo su primera emisión tocando el piano en Children's Hour, a los 13 años, y más tarde cantó con la banda de su padre en las bases americanas. En 1952/1953, actuó en Finian's Rainbow en Liverpool. A mediados de la década de 1950, cantó con el grupo de Coleridge Goode, "The Dominoes", durante un mes en Alemania, antes de seguir en solitario. Actuó en clubes y en giras por el extranjero. Apareció en la película de Ken Russell Mahler (1974).
En 2010 actuó con la Lincoln Center Jazz Orchestra de Wynton Marsalis.
En 2012, Delmar apareció en los cruceros P & O, donde sus actuaciones incluyeron canciones de Cole Porter y otras. - wiki -
Fue educada en las escuelas Rhodes Avenue y Trinity Grammar de Wood Green. Estudió piano entre los seis y los once años, y alcanzó el grado VII de los exámenes del Associated Board.
Hizo su primera emisión tocando el piano en Children's Hour, a los 13 años, y más tarde cantó con la banda de su padre en las bases americanas. En 1952/1953, actuó en Finian's Rainbow en Liverpool. A mediados de la década de 1950, cantó con el grupo de Coleridge Goode, "The Dominoes", durante un mes en Alemania, antes de seguir en solitario. Actuó en clubes y en giras por el extranjero. Apareció en la película de Ken Russell Mahler (1974).
En 2010 actuó con la Lincoln Center Jazz Orchestra de Wynton Marsalis.
En 2012, Delmar apareció en los cruceros P & O, donde sus actuaciones incluyeron canciones de Cole Porter y otras. - wiki -
Being Prez The Life and Music of Lester Young
Lester Young was one of the great jazz masters, and his impact on the
course of the art form was profound. He fundamentally changed the way
the saxophone was played--his long, flowing lines brought new levels of
expressiveness and subtlety to the jazz language, setting the standard
for all
modern players.
In Being Prez, renowned British
critic Dave Gelly follows Lester Young through his life in a rapidly
changing world, showing how the music of this exceptionally sensitive
man was shaped by his experiences. The reader meets a complicated,
vulnerable, gentle individual who was brought up in his
father's
traveling carnival band. His early career was spent in the nightclubs
and dancehalls of Kansas City and the Southwest, and he made his
landmark recording debut at the peak of the Swing Era. But at the height
of his powers, he was drafted into the US Army, where racism and his
own
unworldliness landed him in military prison. Following these
events, Young grew increasingly withdrawn and suspicious, changes in his
character reflected in the darkening mood of his music. Gelly, himself a
jazz saxophonist, examines many of Young's classic recordings in
illuminating detail. He
reveals how as a saxophonist--and as major
contributor to the Count Basie band--Young created a strong personal
voice, a cool modernism, and a new rhythmic flexibility in the freely
dancing rhythms of 4-beat swing.
With his sax jutting oddly to one
side, his bizarre oblique use of language, and his unique musical
rapport with Billie Holiday (who famously nicknamed him "Prez"), Lester
Young has become an icon and a cult figure. This marvelous biography
illuminates the life and work of this giant of jazz.
Being Prez: The Life and Music of Lester Young
Accordion Dreams A Journey into Cajun and Creole Music
By age thirty-nine, Blair Kilpatrick had settled into life as a practicing psychologist, wife, and mother. Then a chance encounter in New Orleans turned her world upside down. She returned home to Chicago with unlikely new passions for Cajun music and its defining instrument, the accordion. Captivated by recurring dreams of playing the Cajun accordion, she set out to master it. Yet she was not a musician, was too self-conscious to dance, and didn't even sing in the shower.
Kilpatrick's obsession took her from Chicago's Cajun dance scene to a folk music camp in West Virginia, back and forth to south Louisiana, and even to a Cajun festival in France. An unexpected family move brought her to the San Francisco Bay Area, home to the largest Cajun-zydeco music scene outside the Gulf Coast. There she became a protégé of renowned accordionist Danny Poullard, a Louisiana-born Creole and the guiding spirit of the local Louisiana French music community.
Engaging, uplifting, and illuminating a unique patch of the American cultural landscape, Accordion Dreams is Kilpatrick's account of the possibility of passion, risk-taking, and change--at any age.
Blair Kilpatrick has an independent practice in psychotherapy in the San Francisco Bay Area. She also performs and records with Sauce Piquante, a traditional Cajun-Creole band she founded in the late 1990s. Learn more at www.blairkilpatrick.com
Botticelli (Basic Art Series 2.0)
With the patronage of the powerful Medici family, a canon of secular and religious work, and contributions to the celebrated Sistine Chapel, Sandro Botticelli (1444/45–1510) was well placed for fame. After his death, however, his work was eclipsed for some four hundred years. It wasn’t until the 19th century that the painter began to gain major art-historical recognition.
Today, Botticelli is hailed as a towering figure of the Florentine Early Renaissance. His secular works The Birth of Venus and Primavera, mostly read as an allegory of Spring, are among the most recognized paintings in the world, resplendent in their delicate details, graceful lines, and compositional balance. His arrangements are fluid yet poised, his figures serene yet sensual. Venus, in particular, is held up as art-historical icon of beauty: pale-skinned, delicately featured, soft with fecund promise.
This essential introduction presents key works from Botticelli’s oeuvre to understand the making of a Renaissance legend. Through the painter’s most famous mythological and allegorical scenes, as well as his radiant religious works, we explore a mastery of figuration, movement, and line, which has gone on to inspire artists from Edgar Degas to Andy Warhol, René Magritte to Cindy Sherman.
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Con el mecenazgo de la poderosa familia Médicis, un canon de obras seculares y religiosas, y contribuciones a la célebre Capilla Sixtina, Sandro Botticelli (1444/45-1510) estaba bien situado para la fama. Sin embargo, tras su muerte, su obra quedó eclipsada durante unos cuatrocientos años. No fue hasta el siglo XIX cuando el pintor comenzó a obtener un mayor reconocimiento histórico-artístico.
Hoy en día, Botticelli es aclamado como una figura destacada del primer Renacimiento florentino. Sus obras seculares El nacimiento de Venus y La Primavera, interpretadas en su mayoría como una alegoría de la primavera, se encuentran entre las pinturas más reconocidas del mundo, resplandecientes por sus delicados detalles, sus elegantes líneas y su equilibrio compositivo. Sus arreglos son fluidos y a la vez equilibrados, y sus figuras, serenas y sensuales. Venus, en particular, se considera un icono de la belleza en la historia del arte: de piel pálida, con delicados rasgos, suave y fecunda.
Esta introducción esencial presenta obras clave de la obra de Botticelli para entender la creación de una leyenda del Renacimiento. A través de las escenas mitológicas y alegóricas más famosas del pintor, así como de sus radiantes obras religiosas, exploramos un dominio de la figuración, el movimiento y la línea, que ha pasado a inspirar a artistas desde Edgar Degas a Andy Warhol, René Magritte a Cindy Sherman.
Wednesday, April 28, 2021
Suggested video: Richard Galliano Trio feat. Gary Burton - Leverkusener Jazztage 2007
● Tracklist:
1. Heavy Tango
2. Milonga Is Coming
3. Laurita
4. Bach Symphonia
5. Waltz for Debby
6. L'Hymne à l'Amour
7. Waltz for Nicky
8. Il Postino
● Personnel:
Richard Galliano - accordion, accordina
Gary Burton - vibraphone
Philippe Aerts - bass
Clarence Penn - drums
● Richard Galliano Trio feat. Gary Burton:
Filmed live by WDR JAZZline at 28. Leverkusener Jazztage, Germany, 2007
YT: Jazz³+
Joe Henderson • Mode For Joe
Review by Eric Starr
Given the recording date of Mode for Joe and the band lineup, it's easy to assume this is a straight-up hard bop album. However, this 1966 Joe Henderson record -- featuring trumpeter Lee Morgan, trombonist Curtis Fuller, vibraphonist Bobby Hutcherson, pianist Cedar Walton, bassist Ron Carter, and drummer Joe Chambers -- is a great example of modern jazz at its best. It was recorded during a time of sweeping musical changes due to developments in free jazz, soul-jazz, and even early experiments with fusion. It was a time when the bluesy and funky leanings of hard boppers were giving way to more individualized contemporary approaches. One of the best examples of this shift, Mode for Joe sounds more like the experimental work of Branford Marsalis than the groovy musings of Art Blakey & the Jazz Messengers. The last track here, "Free Wheelin'," is the only dyed-in-the-wool hard bop tune heard here. Other than that, this outing's mostly uptempo songs serve as vehicles for solos. Henderson himself proves that the template for players such as Marsalis, Joe Lovano, and Joshua Redman was invented a generation earlier, as evidenced on "A Shade of Jade," "Black," and others, making this one of the sax legend's most intriguing albums.
https://www.allmusic.com/album/mode-for-joe-mw0000196145
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Reseña de Eric Starr
Dada la fecha de grabación de Mode para Joe y la formación de la banda, es fácil asumir que se trata de un álbum de hard bop directo. Sin embargo, este disco de 1966 de Joe Henderson - con el trompetista Lee Morgan, el trombonista Curtis Fuller, el vibrafonista Bobby Hutcherson, el pianista Cedar Walton, el bajista Ron Carter y el baterista Joe Chambers - es un gran ejemplo de jazz moderno en su mejor momento. Se grabó en una época de cambios musicales radicales debido al desarrollo del free jazz, el soul-jazz e incluso los primeros experimentos con la fusión. Era una época en la que las inclinaciones blueseras y funky de los hard boppers estaban dando paso a enfoques contemporáneos más individualizados. Uno de los mejores ejemplos de este cambio, Mode for Joe, suena más a la obra experimental de Branford Marsalis que a las reflexiones groovy de Art Blakey & the Jazz Messengers. El último tema, "Free Wheelin'", es el único tema de hard bop que se escucha aquí. Aparte de eso, la mayoría de las canciones de ritmo rápido sirven como vehículos para los solos. El propio Henderson demuestra que la plantilla de músicos como Marsalis, Joe Lovano y Joshua Redman se inventó una generación antes, como se evidencia en "A Shade of Jade", "Black" y otros, lo que hace que este sea uno de los álbumes más intrigantes de la leyenda del saxo.
https://www.allmusic.com/album/mode-for-joe-mw0000196145
www.bluenote.com/joe-henderson ...
Gene Ammons • Gene Ammons' All Stars. Complete Recordings
These three albums are from a series of Gene Ammons-led sessions recorded for Prestige starting in 1955, when the tenor headed what amounted to the labels house group in after-hours collaborations that, despite their take-no-prisoners approach, yielded much swinging and imaginative excitement. Amid the fierce blowing Ammons displays power and intensity, and Jackie McLean reveals his concern for linear development, exhibiting a warm tone and phrasing firmly based on Bird. Three great trumpet players are featured in these albums.
On Jammin with Gene, Donald Byrd is in incisive and in arresting form, and Art Farmer is his usual elegant, fluent self, both on this album and Funky, while Idrees Sulieman is lyrical and forceful on Jammin in Hi-Fi. Guitarist Kenny Burrell offers some typically fleet choruses on two of the sessions. On piano, Mal Waldrons spare solos offer some piquant moments and leanly provocative statements, supported splendidly by Doug Watkins blues-rooted drive (he is replaced by the powerful Paul Chambers in the last date) and Art Taylors intelligent rhythmic patterns.
The last three bonus tracks on the second CD come from Ammons album The Happy Blues, again with Farmer, McLean and Taylor, but with pianist Duke Jordan instead of Waldron, and bassist Addison Farmer and Candido Camero on conga.
https://www.freshsoundrecords.com/gene-ammons-albums/5962-complete-recordings-with-jackie-mclean-mal-waldron-3-lps-on-2-cds-bonus-tracks.html?search_query=Gene+Ammons%27+All+Stars.+Complete+Recordings&results=1
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Estos tres álbumes proceden de una serie de sesiones dirigidas por Gene Ammons y grabadas para Prestige a partir de 1955, cuando el tenor encabezaba lo que era el grupo de la casa discográfica en colaboraciones a deshoras que, a pesar de su enfoque de no tomar prisioneros, producían mucho swing y emoción imaginativa. En medio del feroz soplido, Ammons muestra potencia e intensidad, y Jackie McLean revela su preocupación por el desarrollo lineal, exhibiendo un tono cálido y un fraseo firmemente basado en Bird. Tres grandes trompetistas aparecen en estos álbumes.
En Jammin with Gene, Donald Byrd es incisivo y está en forma, y Art Farmer es su habitual elegancia y fluidez, tanto en este álbum como en Funky, mientras que Idrees Sulieman es lírico y contundente en Jammin in Hi-Fi. El guitarrista Kenny Burrell ofrece algunos coros típicos en dos de las sesiones. En el piano, Mal Waldron ofrece algunos momentos picantes y declaraciones ligeramente provocativas, apoyado espléndidamente por el empuje de Doug Watkins con raíces de blues (es reemplazado por el poderoso Paul Chambers en la última fecha) y los inteligentes patrones rítmicos de Art Taylors.
Los tres últimos temas extra del segundo CD proceden del álbum de Ammons The Happy Blues, de nuevo con Farmer, McLean y Taylor, pero con el pianista Duke Jordan en lugar de Waldron, y el bajista Addison Farmer y Cándido Camero en la conga.
https://www.freshsoundrecords.com/gene-ammons-albums/5962-complete-recordings-with-jackie-mclean-mal-waldron-3-lps-on-2-cds-bonus-tracks.html?search_query=Gene+Ammons%27+All+Stars.+Complete+Recordings&results=1
www.freshsoundrecords.com ...
Les doigts de l'homme • 1910
Les Doigts De L'Homme: 1910
The French quartet Les Doigts de L'Homme plays gypsy jazz, inspired very directly by the work of Django Reinhardt, and like much of Reinhardt's own music 1910 swings. In fact, it swings like the clappers. Acoustic guitars, double-bass, and an occasional clarinet create a wave of musical energy, of sheer danceable fun, that would do justice to almost any electrically powered-up group or full-scale big band around.
1910 was the year of Django Reinhardt's birth. The title of the album (released in Europe in 2010) thus pays tribute to a man whose impact on the guitar, and on jazz, continues over 100 years later. The music is an even greater tribute: a mix of Reinhardt's own tunes; American Songbook classics; and a handful of numbers by Les Doigts de L'Homme's lead guitarist, Olivier Kikteff, all played with panache and breathtaking precision, even when the tempos are blindingly swift.
Much of the music's energy comes from Les Doigts de L'Homme's rhythm section: guitarists Yannick Alcocer and Benoit Convert, and bassist Tanguy Blum. Convert also takes on a share of lead playing and solos, matching Kikteff's precision and swing with a fluid style that contrasts with Kikteff's more muscular approach.
The musicians perform every number with the same high level of energy and enthusiasm. The faster tunes, such as Reinhardt's "Appel Indirect" and Kikteef's "Niglo 1 Waltz" and "1910" seem impossibly quick at times, but the players never lose their ability to swing however fast their fingers may be flying. The slower tunes show Les Doigts de L'Homme's more considered and reflective side—"St James Infirmary Blues" as arranged by Kikteff is lightened by brief phrases from "Hernando's Hideaway" but does a fine job of capturing the song's melancholy and desperation; Kikteff's lovely "Improsture No.1," which he performs solo, is recorded to sound like a scratchy old 78. The addition of Stéphane Chausse's clarinet on "Boléro" and "Russian Melody" broadens the tonal range to good effect. Blum's inventive arrangement of Reinhardt's famous "Swing 48" features fine solos from Convert and Kikteff as well as Blum's own punchy double bass solo.
https://www.allaboutjazz.com/1910-alma-records-review-by-bruce-lindsay.php
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Les Doigts De L'Homme: 1910
El cuarteto francés Les Doigts de L'Homme interpreta jazz gitano, inspirado directamente en la obra de Django Reinhardt, y al igual que gran parte de la música de Reinhardt, 1910 se balancea. De hecho, se balancea como un rayo. Las guitarras acústicas, los contrabajos y algún clarinete ocasional crean una ola de energía musical, de pura diversión bailable, que haría justicia a casi cualquier grupo eléctrico o big band de la zona.
1910 fue el año de nacimiento de Django Reinhardt. El título del álbum (publicado en Europa en 2010) rinde así homenaje a un hombre cuyo impacto en la guitarra, y en el jazz, continúa más de 100 años después. La música es un tributo aún mayor: una mezcla de temas propios de Reinhardt; clásicos del American Songbook; y un puñado de números del guitarrista principal de Les Doigts de L'Homme, Olivier Kikteff, todos ellos interpretados con garbo y una precisión impresionante, incluso cuando los tempos son cegadores.
Gran parte de la energía de la música proviene de la sección rítmica de Les Doigts de L'Homme: los guitarristas Yannick Alcocer y Benoit Convert, y el bajista Tanguy Blum. Convert también asume una parte de la dirección y los solos, igualando la precisión y el swing de Kikteff con un estilo fluido que contrasta con el enfoque más muscular de Kikteff.
Los músicos interpretan cada número con el mismo nivel de energía y entusiasmo. Las melodías más rápidas, como "Appel Indirect" de Reinhardt y "Niglo 1 Waltz" y "1910" de Kikteef, parecen a veces imposiblemente rápidas, pero los músicos nunca pierden su capacidad de swing por mucho que sus dedos vuelen. Las melodías más lentas muestran el lado más considerado y reflexivo de Les Doigts de L'Homme: "St James Infirmary Blues", arreglado por Kikteff, se aligera con breves frases de "Hernando's Hideaway", pero hace un buen trabajo al capturar la melancolía y la desesperación de la canción; la encantadora "Improsture No.1" de Kikteff, que interpreta en solitario, está grabada para que suene como un viejo 78 rayado. La adición del clarinete de Stéphane Chausse en "Boléro" y "Russian Melody" amplía la gama tonal con buenos resultados. El ingenioso arreglo de Blum de la famosa "Swing 48" de Reinhardt cuenta con excelentes solos de Convert y Kikteff, así como con el contundente solo de contrabajo del propio Blum.
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Chicago Skinny • Keg O' Dynamite
Editorial Reviews
Keg O' Dynamite, the debut release by Chicago Skinny, demonstrates the up-and-coming band's taste, energy and distinctive sound. The all-original disc contains a dozen hard-drivin' blues tunes, played with gusto. Here's what Real Blues Magazine had to say about the effort:
Its hard to believe that this is a debut disc. The level of professionalism, talent and the song-writing especially is top-notch. they mustve played a heck of a lot of gigs to get this polished. loads of talent and a fresh sound.
About the Artist
Chicago Skinny is a four-piece blues band that takes traditional rhythms and gritty expressiveness and blends it with a diverse combination of instruments and voices.
So much for our dictionary definition.
Chicago Skinny is about original Big Fat Blues: two guitars (that don't fight each other), two voices (that harmonize), all flavors of harmonica (big 'n' crunchy, clean & pretty, honkin' like a train whistle), a rhythm section that chugs like a '59 Coupe de Ville, and occasionally some squeezebox to indulge your taste for Cajun spice.
With this kind of firepower, Chicago Skinny is able to produce a variety of blues sounds: grinding Chicago-style shuffles, West Coast swing and jump tunes, urban funk blues, Texas twang, and New Orleans second-line and zydeco. Chicago Skinny does smokin' versions of classic blues tunes, and the band has created its own "vintemporary" sound with original songs. The band uses fine vintage equipment and tones to drive songs with more contemporary subjects and grooves. BAND_MEMBERS: Steve Chapek: Guitar, Vocals Leo LaDell: Vocals, Harmonica, Guitar, Accordion Scott Johnson: Bass Paul Hildebrandt: Drums, Percussion
https://www.amazon.com/Keg-Dynamite-Chicago-Skinny/dp/B00000IAL1
Keg O' Dynamite, the debut release by Chicago Skinny, demonstrates the up-and-coming band's taste, energy and distinctive sound. The all-original disc contains a dozen hard-drivin' blues tunes, played with gusto. Here's what Real Blues Magazine had to say about the effort:
Its hard to believe that this is a debut disc. The level of professionalism, talent and the song-writing especially is top-notch. they mustve played a heck of a lot of gigs to get this polished. loads of talent and a fresh sound.
About the Artist
Chicago Skinny is a four-piece blues band that takes traditional rhythms and gritty expressiveness and blends it with a diverse combination of instruments and voices.
So much for our dictionary definition.
Chicago Skinny is about original Big Fat Blues: two guitars (that don't fight each other), two voices (that harmonize), all flavors of harmonica (big 'n' crunchy, clean & pretty, honkin' like a train whistle), a rhythm section that chugs like a '59 Coupe de Ville, and occasionally some squeezebox to indulge your taste for Cajun spice.
With this kind of firepower, Chicago Skinny is able to produce a variety of blues sounds: grinding Chicago-style shuffles, West Coast swing and jump tunes, urban funk blues, Texas twang, and New Orleans second-line and zydeco. Chicago Skinny does smokin' versions of classic blues tunes, and the band has created its own "vintemporary" sound with original songs. The band uses fine vintage equipment and tones to drive songs with more contemporary subjects and grooves. BAND_MEMBERS: Steve Chapek: Guitar, Vocals Leo LaDell: Vocals, Harmonica, Guitar, Accordion Scott Johnson: Bass Paul Hildebrandt: Drums, Percussion
https://www.amazon.com/Keg-Dynamite-Chicago-Skinny/dp/B00000IAL1
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Reseñas editoriales
Keg O' Dynamite, el álbum de debut de Chicago Skinny, demuestra el gusto, la energía y el sonido distintivo de esta prometedora banda. El disco, totalmente original, contiene una docena de temas de blues de gran intensidad, interpretados con gusto. Esto es lo que la revista Real Blues Magazine ha dicho sobre este trabajo:
Es difícil creer que este es un disco de debut. El nivel de profesionalidad, el talento y la composición de las canciones es de primera categoría. Deben haber tocado en un montón de conciertos para llegar a este nivel.
Sobre el artista
Chicago Skinny es una banda de blues de cuatro piezas que toma los ritmos tradicionales y la expresividad descarnada y los mezcla con una combinación diversa de instrumentos y voces.
Hasta aquí la definición del diccionario.
Chicago Skinny es el Big Fat Blues original: dos guitarras (que no se pelean entre sí), dos voces (que armonizan), armónicas de todos los sabores (grandes y crujientes, limpias y bonitas, que suenan como el silbato de un tren), una sección rítmica que funciona como un Coupe de Ville del 59 y, de vez en cuando, algún squeezebox para satisfacer tu gusto por el sabor cajún.
Con este tipo de potencia de fuego, Chicago Skinny es capaz de producir una variedad de sonidos de blues: shuffles al estilo de Chicago, swing de la Costa Oeste y melodías de salto, funk blues urbano, twang de Texas, y second-line y zydeco de Nueva Orleans. Chicago Skinny hace versiones de temas clásicos de blues, y la banda ha creado su propio sonido "vintemporal" con canciones originales. La banda utiliza equipos y tonos finos de época para impulsar canciones con temas y grooves más contemporáneos. BAND_MEMBERS: Steve Chapek Guitarra, Voz Leo LaDell: Voz, Armónica, Guitarra, Acordeón Scott Johnson: Bajo Paul Hildebrandt: Batería, Percusión
https://www.amazon.com/Keg-Dynamite-Chicago-Skinny/dp/B00000IAL1
Tuesday, April 27, 2021
Houston Person • Very Personal
Review by Ron Wynn
A departure for tenor saxophonist Houston Person, normally a soul jazz, blues, funk, and ballads player. This is more mainstream jazz and hard bop, with Person working alongside pianist Cedar Walton, trombonist Curtis Fuller, bassist Buster Williams, and drumer Vernell Fournier. All those who felt that Person couldn't play bop changes were left looking silly when this came out in 1980.
https://www.allmusic.com/album/very-personal-mw0000870509
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Reseña de Ron Wynn
Un cambio para el saxofonista tenor Houston Person, normalmente un intérprete de soul jazz, blues, funk y baladas. Esto es más jazz convencional y hard bop, con Person trabajando junto al pianista Cedar Walton, el trombonista Curtis Fuller, el bajista Buster Williams y el batería Vernell Fournier. Todos los que pensaban que Person no podía tocar cambios de bop se quedaron con cara de tontos cuando esto salió en 1980.
https://www.allmusic.com/album/very-personal-mw0000870509
Earl Grant • Stand By Me
Biography by Ron Wynn
Earl Grant was a triple-threat entertainer as a pianist, organist, and vocalist. While much of his material fell into the arenas of either light pop or jazz-schmaltz, Grant scored two R&B hits in the late '50s and early '60s, the most memorable being "Sweet Sixteen Bars" in 1962. It reached number nine on the R&B charts. His prior smash "The End" was his lone pop hit, reaching number seven in 1958. Grant was also in the films Tender Is the Night, Imitation of Life, and Tokyo Night. He was killed in 1970 in a car wreck at age 37.
https://www.allmusic.com/artist/earl-grant-mn0000788678
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Biografía de Ron Wynn
Earl Grant fue un artista de triple faceta como pianista, organista y vocalista. Aunque la mayor parte de su material se encuadraba en el ámbito del pop ligero o del jazz-schmaltz, Grant consiguió dos éxitos de R&B a finales de los 50 y principios de los 60, siendo el más memorable "Sweet Sixteen Bars" en 1962. Llegó al número nueve de las listas de R&B. Su anterior éxito, "The End", fue su único éxito pop, llegando al número siete en 1958. Grant también participó en las películas Tender Is the Night, Imitation of Life y Tokyo Night. Murió en 1970 en un accidente de coche a los 37 años.
https://www.allmusic.com/artist/earl-grant-mn0000788678
Artie Butler • Have You Met Miss Jones
The series of albums that Creed Taylor produced during his tenure with A&M Records have always been something of great enjoyment for me, from the cool Brazilian strains of Walter Wanderley and Tamba 4 to the guitar wizardry of Wes Montgomery. Sounding great thanks to engineer Rudy Van Gelder and looking groovy with photos from the legendary Pete Turner and art direction by Sam Antupit, these releases would set the stage for what would soon be another whole set of classics under the CTI imprimatur. But when it comes to the rarest of the rare, three albums in this series are only known to the most astute of listeners, namely sets from Richard Barbary, Tamiko Jones, and Artie Butler.
Butler's 1968 set Have You Met Miss Jones? is an unusual LP that boasts the talents of Herbie Hancock, who was somewhat of a studio regular at the Van Gelder studios, chameleon-like in his ability to make the best of the most commercial projects as he was inclined to do for a straight ahead jazz date. Best known as an arranger for singers, television, and films, Butler made his debut as a leader here on an album that was quickly forgotten, but which holds its own share of rewards.
Most of the tunes boast a bossa nova beat of some kind with layers of percussion and various keyboards to boot. "The Loop is aptly named in that the main motif repeats over and over and the melody is not unlike Sonny Rollins' "Don't Stop the Carnival. Unusual instrument combinations are used to voice most of the melodies, like flute and vibes coming together for "The Whiffenpoof Song and tuned cowbells for "A Trumpeter's Lullaby. For "Max's Brazilian What, Butler plays the antiquated and very dated electric keyboard called the Ondioline. Thankfully he uses the instrument sparingly and even its odd strains can't sink the tune's sunny disposition. The best place to check out Hancock is on the title track where he voices the lead melody and adds a few add lib choruses, although solos are scarce on an album that goes mainly for an ensemble sound.
In the end, Butler's peculiar choice of instrumentation and the hypnotic Brazilian beats are what make this one worth a spin or two. Again, nothing groundbreaking in the least happens here, but there's a '60s charm to this music that can't help but put a smile on your face. And if you're a Hancock fan, you at least owe it to yourself to hear one of the most unusual sessions he was a part of. Plus, check out the wacky cover! How can you not be intrigued?
Tracks: The Loop; The Whiffenpoof Song; A Trumpeter's Lullabye; April Showers; Max's Brazilian What; Have You Met Miss Jones?; Music For Night People; When I'm 64; Camelot; In The Heat Of The Night; Something Stupid.
Personnel: Artie Butle: piano, ondioline, arranger, conductor; Morton Bullman: trombone; Thomas Mitchell: trombone; Benny Powell: trombone; Jerome Richardson; flute, piccolo; Herbie Hancock: piano; Vinnie Bell: guitar; Charles Macey: guitar; Sal Di Troia: guitar; Ron Carter: bass; Gary Chester: drums; George Devens: percussion; Richie Ritz: percussion; Arthus Bogin: violin; Peter Dimitriades: violin; Joseph Haber: violin; Louis Haber: violin; Harry Lookofsky: violin; Matthew Raimondi: violin; David Sackson: violin; Irving Spice: violin; Louis Stone: violin: Murray Sandry: viola; Bernard Zaslav: viola; Seymour Barab: cello; Corky Hale: harp; Burt Collins: trumpet, flugelhorn; Eddie Bert: trombone; Mickey Gravine: trombone; Chauncey Welsch: trombone; Romeo Penque: soprano saxophone, flute; Julius Brand: violin; Harold Kohon: violin; Leo Kruczek: violin; Archie Levin: violin; Archie Levin: violin; Paul Winter: violin; Mac Ceppos: violin; Marvin Morganstern: violin; David Carey: vibraphone.
By C. ANDREW HOVAN
November 29, 2005
https://www.allaboutjazz.com/artie-butler-have-you-met-miss-jones-by-c-andrew-hovan.php
Artie Butler has been involved in every phase of the music industry: composing, arranging, conducting, producing, supervising and playing. He has been awarded over 60 gold and platinum albums. His arrangement and featured piano work on “Feelin’ Alright” by Joe Cocker remains a true classic in American pop music and rock & roll.
https://www.discogs.com/artist/301589-Artie-Butler
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La serie de álbumes que Creed Taylor produjo durante su etapa en A&M Records siempre me ha hecho disfrutar mucho, desde los frescos acordes brasileños de Walter Wanderley y Tamba 4 hasta la magia de la guitarra de Wes Montgomery. Con un sonido estupendo gracias al ingeniero Rudy Van Gelder y un aspecto estupendo con las fotos del legendario Pete Turner y la dirección artística de Sam Antupit, estos lanzamientos prepararían el terreno para lo que pronto sería otra serie de clásicos bajo el sello de CTI. Pero cuando se trata de lo más raro de lo raro, tres álbumes de esta serie sólo son conocidos por los oyentes más astutos, concretamente los conjuntos de Richard Barbary, Tamiko Jones y Artie Butler.
El conjunto de Butler de 1968 Have You Met Miss Jones? es un LP inusual que cuenta con el talento de Herbie Hancock, que era una especie de asiduo de los estudios Van Gelder, camaleónico en su capacidad para sacar lo mejor de los proyectos más comerciales, como se inclinaba por una cita directa con el jazz. Más conocido como arreglista para cantantes, televisión y películas, Butler debutó aquí como líder en un álbum que cayó rápidamente en el olvido, pero que tiene su propia recompensa.
La mayoría de los temas tienen un ritmo de bossa nova de algún tipo, con capas de percusión y varios teclados. "The Loop" tiene un nombre acertado, ya que el motivo principal se repite una y otra vez y la melodía no es muy diferente a la de "Don't Stop the Carnival" de Sonny Rollins. Para la mayoría de las melodías se utilizan combinaciones inusuales de instrumentos, como la flauta y el vibráfono en "The Whiffenpoof Song" y los cencerros afinados en "A Trumpeter's Lullaby". Para "Max's Brazilian What", Butler toca el anticuado y muy anticuado teclado eléctrico llamado Ondioline. Afortunadamente, utiliza el instrumento con moderación y ni siquiera sus extrañas tensiones consiguen hundir la soleada disposición de la melodía. El mejor lugar para ver a Hancock es el tema principal, donde pone la voz a la melodía principal y añade algunos coros adicionales, aunque los solos son escasos en un álbum que apuesta principalmente por un sonido de conjunto.
Al final, la peculiar elección de instrumentación de Butler y los hipnóticos ritmos brasileños son lo que hacen que merezca la pena darle una o dos vueltas. De nuevo, no hay nada innovador en absoluto, pero hay un encanto de los 60 en esta música que no puede evitar poner una sonrisa en tu cara. Y si eres un fan de Hancock, al menos te debes a ti mismo escuchar una de las sesiones más inusuales en las que participó. Además, ¡fíjate en la estrafalaria portada! ¿Cómo no vas a estar intrigado?
Pistas: The Loop; The Whiffenpoof Song; A Trumpeter's Lullabye; April Showers; Max's Brazilian What; Have You Met Miss Jones?; Music For Night People; When I'm 64; Camelot; In The Heat Of The Night; Something Stupid.
Personal: Artie Butle: piano, ondioline, arreglista, director de orquesta; Morton Bullman: trombón; Thomas Mitchell: trombón; Benny Powell: trombón; Jerome Richardson; flauta, piccolo; Herbie Hancock: piano; Vinnie Bell: guitarra; Charles Macey: guitarra; Sal Di Troia: guitarra; Ron Carter: bajo; Gary Chester: batería; George Devens: percusión; Richie Ritz: percusión; Arthus Bogin: violín; Peter Dimitriades: violín; Joseph Haber: violín; Louis Haber: violín; Harry Lookofsky: violín; Matthew Raimondi: violín; David Sackson violín; Irving Spice: violín; Louis Stone: violín: Murray Sandry: viola; Bernard Zaslav: viola; Seymour Barab: violonchelo; Corky Hale: arpa; Burt Collins: trompeta, flugelhorn; Eddie Bert: trombón; Mickey Gravine: trombón; Chauncey Welsch: trombón; Romeo Penque: saxofón soprano, flauta; Julius Brand: violín; Harold Kohon: violín; Leo Kruczek: violín; Archie Levin: violín; Paul Winter: violín; Mac Ceppos: violín; Marvin Morganstern: violín; David Carey: vibráfono.
Por C. ANDREW HOVAN
29 de noviembre de 2005
https://www.allaboutjazz.com/artie-butler-have-you-met-miss-jones-by-c-andrew-hovan.php
Artie Butler ha participado en todas las fases de la industria musical: componer, arreglar, dirigir, producir, supervisar y tocar. Ha recibido más de 60 discos de oro y platino. Su arreglo y trabajo de piano en "Feelin' Alright" de Joe Cocker sigue siendo un verdadero clásico de la música pop y el rock & roll estadounidenses.
https://www.discogs.com/artist/301589-Artie-Butler
artiebutler.com ...
VA • A History Of Blues Harmonica - 1926-2002
Memphis Minnie, Sonny Boy Williamson, Sonny Terry, Muddy Waters, Howling Wolf, Little Walter, Junior Wells, Snooky Pryor, Charlie Musselwhite, Carey Bell ...
Herbie Mann • Evolution Of Mann
This 2-LP set by flautist Herbie Mann was released in 1972 on Atlantic Records and contains material he recorded during the 60ies for this label with various sidemen, some in the studio, some live. This is a great overview of his work of that time.
Bob DeVos • DeVos' Groove Guitar
Bob
DeVos is an American jazz guitarist whose playing style is similar to
that of Kenny Burrell and Wes Montgomery. He is most noted for his work
with organist Richard Holmes.
Although no one in the family played a musical instrument, deVos spent much of his youth listening to the big band and blues records that his parents owned. He picked up the guitar at age twelve and within weeks he was memorizing guitar solos from these albums and performing professionally at age thirteen. As a teenager, he toured nationwide with a famous rock group, but chose jazz over rock in his twenties saying, "I needed more chord changes..."
DeVos started in jazz as a student of Harry Leahy and Dennis Sandole. In 1970, when Sandole sent his leading students out to audition for the organist Trudy Pitts, deVos was chosen to step in for Pat Martino. DeVos went on to be the guitarist for groups led by Richard "Groove" Holmes, featuring saxophone legend Sonny Stitt, and Jimmy McGriff and Hank Crawford. He later toured and recorded extensively with organist Charles Earland's group that included Eric Alexander and Jim Rotondi. He further developed his compositional and harmonic skills playing with many jazz greats outside the organ trio genre.
Currently deVos plays with an organ trio with whom he has released the CD, Shifting Sands. This album spent 28 weeks in the top twenty on Jazz Week's Top 50 Nationwide Jazz Airplay Chart.
Although no one in the family played a musical instrument, deVos spent much of his youth listening to the big band and blues records that his parents owned. He picked up the guitar at age twelve and within weeks he was memorizing guitar solos from these albums and performing professionally at age thirteen. As a teenager, he toured nationwide with a famous rock group, but chose jazz over rock in his twenties saying, "I needed more chord changes..."
DeVos started in jazz as a student of Harry Leahy and Dennis Sandole. In 1970, when Sandole sent his leading students out to audition for the organist Trudy Pitts, deVos was chosen to step in for Pat Martino. DeVos went on to be the guitarist for groups led by Richard "Groove" Holmes, featuring saxophone legend Sonny Stitt, and Jimmy McGriff and Hank Crawford. He later toured and recorded extensively with organist Charles Earland's group that included Eric Alexander and Jim Rotondi. He further developed his compositional and harmonic skills playing with many jazz greats outside the organ trio genre.
Currently deVos plays with an organ trio with whom he has released the CD, Shifting Sands. This album spent 28 weeks in the top twenty on Jazz Week's Top 50 Nationwide Jazz Airplay Chart.
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Bob
DeVos es un guitarrista de jazz estadounidense cuyo estilo de tocar es
similar al de Kenny Burrell y Wes Montgomery. Es conocido por su trabajo
con el organista Richard Holmes.
Aunque nadie en la familia tocaba un instrumento musical, deVos pasó gran parte de su juventud escuchando los discos de big band y blues que tenían sus padres. Cogió la guitarra a los doce años y en pocas semanas ya memorizaba los solos de guitarra de estos discos y actuaba profesionalmente a los trece años. De adolescente, realizó giras por todo el país con un famoso grupo de rock, pero a los veinte años eligió el jazz en lugar del rock diciendo: "Necesitaba más cambios de acordes..."
DeVos se inició en el jazz como alumno de Harry Leahy y Dennis Sandole. En 1970, cuando Sandole envió a sus principales alumnos a una audición para la organista Trudy Pitts, DeVos fue elegido para sustituir a Pat Martino. DeVos pasó a ser el guitarrista de los grupos liderados por Richard "Groove" Holmes, con la leyenda del saxofón Sonny Stitt, y Jimmy McGriff y Hank Crawford. Posteriormente, realizó numerosas giras y grabaciones con el grupo del organista Charles Earland, que incluía a Eric Alexander y Jim Rotondi. Desarrolló aún más sus habilidades compositivas y armónicas tocando con muchos grandes del jazz fuera del género de los tríos de órgano.
Actualmente, deVos toca con un trío de órganos con el que ha publicado el CD Shifting Sands. Este álbum estuvo 28 semanas entre los veinte primeros puestos de la lista de los 50 mejores discos de jazz del país de Jazz Week.
Aunque nadie en la familia tocaba un instrumento musical, deVos pasó gran parte de su juventud escuchando los discos de big band y blues que tenían sus padres. Cogió la guitarra a los doce años y en pocas semanas ya memorizaba los solos de guitarra de estos discos y actuaba profesionalmente a los trece años. De adolescente, realizó giras por todo el país con un famoso grupo de rock, pero a los veinte años eligió el jazz en lugar del rock diciendo: "Necesitaba más cambios de acordes..."
DeVos se inició en el jazz como alumno de Harry Leahy y Dennis Sandole. En 1970, cuando Sandole envió a sus principales alumnos a una audición para la organista Trudy Pitts, DeVos fue elegido para sustituir a Pat Martino. DeVos pasó a ser el guitarrista de los grupos liderados por Richard "Groove" Holmes, con la leyenda del saxofón Sonny Stitt, y Jimmy McGriff y Hank Crawford. Posteriormente, realizó numerosas giras y grabaciones con el grupo del organista Charles Earland, que incluía a Eric Alexander y Jim Rotondi. Desarrolló aún más sus habilidades compositivas y armónicas tocando con muchos grandes del jazz fuera del género de los tríos de órgano.
Actualmente, deVos toca con un trío de órganos con el que ha publicado el CD Shifting Sands. Este álbum estuvo 28 semanas entre los veinte primeros puestos de la lista de los 50 mejores discos de jazz del país de Jazz Week.
www.bobdevosjazzguitar.com ...
Colaborador / Contributor: Pere
Monday, April 26, 2021
Eddie Daniels • First Prize
Review by Scott Yanow
When one hears this early Eddie Daniels set, it is surprising to realize that he would remain in relative obscurity for almost another 20 years. As shown on the three of the eight selections on which he plays clarinet, Daniels even at this early stage ranked near the top, while his tenor playing on the remaining numbers was already personal and virtuosic. With the assistance of the Thad Jones/Mel Lewis rhythm section of the time (pianist Roland Hanna, bassist Richard Davis and drummer Mel Lewis), Daniels is in top form on three standards, four originals and the pop tune "Spanish Flea."
https://www.allmusic.com/album/first-prize%21-mw0000619547
Biography:
Eddie Daniels is that rarest of rare musicians who is not only equally at home in both jazz and classical music, but excels at both with breathtaking virtuosity.
Expert testimony from the jazz world comes from the eminent jazz critic Leonard Feather, who said of Eddie, “It is a rare event in jazz where one man can all but reinvent an instrument bringing it to a new stage of revolution.”
From the classical side, Leonard Bernstein said “Eddie Daniels combines elegance and virtuosity in a way that makes me remember Arthur Rubenstein. He is a thoroughly well-bred demon.”
Eddie first came to the attention of the jazz audience as a tenor saxophonist with the Thad Jones-Mel Lewis Orchestra. When Thad and Mel first organized their band in 1966 to play Monday nights at the Village Vanguard in New York (where it still plays), Eddie was one of the first musicians they called. Later that year, he sank $400 in a round-trip flight to Vienna to enter the International Competition for Modern Jazz, a contest organized by the pianist Fredrich Gulda and sponsored by the city of Vienna, and won first prize on saxophone. He continued working with Thad and Mel over the next several years and toured Europe extensively with them.
A single clarinet solo recorded with the Thad Jones-Mel Lewis orchestra, “Live at the Village Vanguard” garnered sufficient attention for him to win Downbeat Magazine's International Critics New Star on Clarinet Award. This conversion to clarinet was not new, for Eddie began clarinet at age 13 and received his Masters in Clarinet from Juilliard. Winning numerous Grammy awards and nominations, Eddie Daniels revolutionized the blend of jazz and classical.
Eddie Daniels is clearly a renaissance musician, a virtuoso in both jazz and classical music, recipient of unreserved accolades from his peers, from critics, and from the public. Eddie's overriding ambition is to reach as many people as possible with his music, to enlarge the audience for both jazz and classical music and at the same time to tear down the walls separating them. In Eddie's hands, the music of Mozart can be as engaging as that of Charlie Parker and a concert featuring both can be a uniquely rewarding experience for the audience.
https://musicians.allaboutjazz.com/eddiedaniels
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Reseña de Scott Yanow
Cuando uno escucha este primer conjunto de Eddie Daniels, es sorprendente darse cuenta de que permanecería en una relativa oscuridad durante casi otros 20 años. Como se muestra en las tres de las ocho selecciones en las que toca el clarinete, Daniels incluso en esta etapa temprana se situaba cerca de la cima, mientras que su forma de tocar el tenor en los números restantes ya era personal y virtuosa. Con la ayuda de la sección rítmica de Thad Jones/Mel Lewis de la época (el pianista Roland Hanna, el bajista Richard Davis y el batería Mel Lewis), Daniels está en plena forma en tres estándares, cuatro originales y el tema pop "Spanish Flea".
https://www.allmusic.com/album/first-prize%21-mw0000619547
Biografía:
Eddie Daniels es uno de esos raros músicos que no sólo se siente igual de cómodo en el jazz y en la música clásica, sino que sobresale en ambos con un virtuosismo impresionante.
El eminente crítico de jazz Leonard Feather, que dijo de Eddie: "Es un acontecimiento raro en el jazz en el que un hombre puede casi reinventar un instrumento llevándolo a una nueva etapa de revolución."
Del lado clásico, Leonard Bernstein dijo "Eddie Daniels combina la elegancia y el virtuosismo de una manera que me hace recordar a Arthur Rubenstein. Es un demonio bien criado".
Eddie llamó la atención del público de jazz por primera vez como saxofonista tenor de la Orquesta de Thad Jones y Mel Lewis. Cuando Thad y Mel organizaron por primera vez su banda en 1966 para tocar los lunes por la noche en el Village Vanguard de Nueva York (donde todavía toca), Eddie fue uno de los primeros músicos a los que llamaron. Ese mismo año, gastó 400 dólares en un vuelo de ida y vuelta a Viena para participar en el Concurso Internacional de Jazz Moderno, un certamen organizado por el pianista Fredrich Gulda y patrocinado por la ciudad de Viena, y ganó el primer premio de saxofón. Siguió trabajando con Thad y Mel durante los años siguientes y realizó numerosas giras por Europa con ellos.
Un solo de clarinete grabado con la orquesta de Thad Jones y Mel Lewis, "Live at the Village Vanguard", le valió para ganar el premio a la nueva estrella del clarinete de la revista Downbeat. Esta conversión al clarinete no era nueva, ya que Eddie empezó a tocar el clarinete a los 13 años y recibió su maestría en clarinete en Juilliard. Ganador de numerosos premios y nominaciones al Grammy, Eddie Daniels revolucionó la mezcla de jazz y clásica.
Eddie Daniels es claramente un músico renacentista, un virtuoso tanto del jazz como de la música clásica, que ha recibido elogios sin reservas de sus compañeros, de la crítica y del público. La ambición primordial de Eddie es llegar con su música al mayor número de personas posible, ampliar el público de la música clásica y del jazz y, al mismo tiempo, derribar los muros que los separan. En manos de Eddie, la música de Mozart puede ser tan atractiva como la de Charlie Parker, y un concierto en el que participen ambos puede ser una experiencia singularmente gratificante para el público.
https://musicians.allaboutjazz.com/eddiedaniels
eddiedanielsclarinet.net ...
Colaborador / Contributor: peer57
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