About of Album: Through the course of over 50 years Karsten Vogel has had an immense impact on the Danish music scene. His personal and recognizable Saxophone style has been at the front of more than 70 jazz- and jazz-related releases.
In the last couple of years Vogel has released two albums, one with focus on Vogel’s great inspiration Charlie Parker, and one in cooperation with Per Aage Brandt, exploring their avantgarde roots. Now, Karsten Vogel is ready to release a new album with focus on his compositions and especially on his Saxophone playing. The album, entitled This Is It, should be seen as the completion of Vogels journey within music, as it is the final expression of what his great storytelling can amount to. Consequently, the are no plans for future recording sessions.
This Is It contains 9 songs, each with their own settings, but with a crew of experienced musicians present throughout the album. Kenneth Knudsen contributes and emphasizes why he enjoys a reputation as a keyboard-guru. Swedish pianist Daniel Fridell also contributes with both piano and keyboards, and Klaus Menzer and Thomas Ovesen make up the inspirational and varied rhythm section. Also present on the album is Ole Streenberg who contributes with drums on “Montmartre” and Louise Nipper who does vocals on “Second of May”. Nipper, Menzer and Knudsen are also credited with the co-producer role. https://www.storyvillerecords.com/products/this-is-it-1014321
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Acerca del álbum: A lo largo de más de 50 años, Karsten Vogel ha tenido un inmenso impacto en la escena musical danesa. Su personal y reconocible estilo de saxofón ha estado al frente de más de 70 publicaciones relacionadas con el jazz.
En los últimos dos años, Vogel ha publicado dos álbumes, uno centrado en Charlie Parker, la gran inspiración de Vogel, y otro en colaboración con Per Aage Brandt, en el que exploran sus raíces vanguardistas. Ahora, Karsten Vogel está listo para lanzar un nuevo álbum centrado en sus composiciones y especialmente en su forma de tocar el saxofón. El álbum, titulado This Is It, debe verse como la culminación del viaje de Vogel dentro de la música, ya que es la expresión final de lo que puede llegar a ser su gran narrativa. En consecuencia, no hay planes para futuras sesiones de grabación.
This Is It contiene 9 canciones, cada una con su propia configuración, pero con un equipo de músicos experimentados presentes en todo el álbum. Kenneth Knudsen contribuye y subraya por qué goza de la reputación de ser un gurú del teclado. El pianista sueco Daniel Fridell también contribuye tanto con el piano como con los teclados, y Klaus Menzer y Thomas Ovesen componen la inspiradora y variada sección rítmica. También están presentes en el álbum Ole Streenberg, que contribuye con la batería en "Montmartre", y Louise Nipper, que pone la voz en "Second of May". Nipper, Menzer y Knudsen también están acreditados como coproductores. https://www.storyvillerecords.com/products/this-is-it-1014321
Review by Stephen Thomas Erlewine The material that comprises It Just Got to Be was recorded during the same sessions as Here We Come, and like that album, this record has its share of romantic standards, including "Stella By Starlight" and "The Nearness of You." It Just Got to Be also captures the Three Sounds in the mood to stretch out and improvise a little (ironically, two of the three original compositions are the shortest songs on the album). The performances throughout the record are predictably swinging and enjoyable, even if they find the trio taking no stylistic chances. That lack of adventure doesn't matter, though -- the Three Sounds excel at making unpretentious, unabashedly enjoyable mainstream jazz, and there's something endearing about their ability to produce a body of work of consistently high quality.https://www.allmusic.com/album/it-just-got-to-be-mw0000761359
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Reseña de Stephen Thomas Erlewine El material que compone It Just Got to Be fue grabado durante las mismas sesiones que Here We Come, y al igual que aquel álbum, este disco tiene su cuota de estándares románticos, incluyendo "Stella By Starlight" y "The Nearness of You". It Just Got to Be también capta a los Three Sounds con ganas de estirarse e improvisar un poco (irónicamente, dos de las tres composiciones originales son las canciones más cortas del álbum). Las interpretaciones a lo largo del disco son predecibles y agradables, incluso si el trío no se arriesga estilísticamente. Esa falta de aventura no importa, sin embargo, los Three Sounds sobresalen en la elaboración de un jazz mainstream sin pretensiones y descaradamente agradable, y hay algo entrañable en su capacidad para producir un cuerpo de trabajo de alta calidad constante.https://www.allmusic.com/album/it-just-got-to-be-mw0000761359
Born May 24 1938, Kingston, Jamaica. Died September 8, 2016, Miami,
Florida, USA. After following original selecter The Great Sebastian he
was hired by Clement "Coxsone" Dodd to help on his Down Beat sound
system, eventually helping Dodd identify the singles that Duke Reid was
importing for his rival system and assisting production of his
recordings. His very first recording session in 1960 produced "Oh
Carolina", one of the all-time classics of Jamaican music, with vocals
by the Folkes Brothers and added musical accompaniment from Count Ossie.
Inventive and innovative for the times, the record still sounds every
bit as exciting. Soon went on to establish his own own Voice Of The
People sound system, record label and shop.
Buster produced countless records featuring either himself or virtually
every top act of the time backed by the Prince Buster's All Stars,
initially Buster's Group, defining from blues/shuffle origins a huge
contribution to the ska era with classic after rousing classic, first on
his Wildbells and Buster Wild Bells labels, followed by Voice Of The
People, Soulsville Center, Islam, Olive Blossom Records, Prince Buster
and Prince Buster Records Shack labels, which were concurrently released
in the UK on Blue Beat, Fab and his own name UK label, moving gradually
into rocksteady and reggae. Prince Buster also enjoyed repeated success
thanks to the undying respect bestowed by generations of ska
revivalists that saw him make a comeback virtually every decade,
starting with the ska revival craze of 1979-80 when UK groups Madness,
The Specials, The Beat, The Selecter and Bad Manners all paid tribute.
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Nacido el 24 de mayo de 1938 en Kingston, Jamaica. Murió el 8 de
septiembre de, 2016, Miami, Florida, EE.UU.. Después de seguir al
seleccionador original The Great Sebastian, fue contratado por Clement
"Coxsone" Dodd para que lo ayudara con su sistema de sonido Down Beat, y
finalmente ayudó a Dodd a identificar los singles que Duke Reid
importaba para su sistema rival y ayudaba a la producción de sus
grabaciones. Su primera sesión de grabación en 1960 produjo "Oh
Carolina", uno de los clásicos de todos los tiempos de la música
jamaicana, con voces de los hermanos Folkes y acompañamiento musical del
conde Ossie. Inventivo e innovador para los tiempos, el disco todavía
suena igual de emocionante. Luego pasó a establecer su propio sistema de
sonido, sello discográfico y tienda Voice of The People.
Buster produjo innumerables discos con él mismo o virtualmente cada uno
de los mejores actos de la época respaldados por All Stars de Prince
Buster, inicialmente Buster's Group, definiendo desde los orígenes de
blues / shuffle una gran contribución a la era ska con clásico después
de despertar clásico, primero en su Wildbells y los sellos Buster Wild
Bells, seguidos de Voice Of The People, Soulsville Centre, Islam, Olive
Blossom Records, Prince Buster y Prince Buster Records Shack Records,
que se lanzaron simultáneamente en el Reino Unido en Blue Beat, Fab y su
propio nombre en el Reino Unido. moviéndose gradualmente en rocksteady y
reggae. Prince Buster también disfrutó de un éxito repetido gracias al
respeto eterno otorgado por generaciones de revivalistas de ska que lo
vieron reaparecer virtualmente cada década, comenzando con la moda de
ska revival de 1979-80 cuando los grupos del Reino Unido Madness, The
Specials, The Beat, The Selecter y Bad Manners todos rinden homenaje.
Custódio Castelo is one of the greatest performers of the Portuguese guitar. He selected some of Portugal’s most famous fados, arranged for and performed on Portuguese guitar.
Bob
DeVos is an American jazz guitarist whose playing style is similar to
that of Kenny Burrell and Wes Montgomery. He is most noted for his work
with organist Richard Holmes. Although no one in the family played a
musical instrument, deVos spent much of his youth listening to the big
band and blues records that his parents owned. He picked up the guitar
at age twelve and within weeks he was memorizing guitar solos from these
albums and performing professionally at age thirteen. As a teenager, he
toured nationwide with a famous rock group, but chose jazz over rock in
his twenties saying, "I needed more chord changes..." DeVos started
in jazz as a student of Harry Leahy and Dennis Sandole. In 1970, when
Sandole sent his leading students out to audition for the organist Trudy
Pitts, deVos was chosen to step in for Pat Martino. DeVos went on to be
the guitarist for groups led by Richard "Groove" Holmes, featuring
saxophone legend Sonny Stitt, and Jimmy McGriff and Hank Crawford. He
later toured and recorded extensively with organist Charles Earland's
group that included Eric Alexander and Jim Rotondi. He further developed
his compositional and harmonic skills playing with many jazz greats
outside the organ trio genre. Currently deVos plays with an organ
trio with whom he has released the CD, Shifting Sands. This album spent
28 weeks in the top twenty on Jazz Week's Top 50 Nationwide Jazz Airplay
Chart.
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Bob
DeVos es un guitarrista de jazz estadounidense cuyo estilo de tocar es
similar al de Kenny Burrell y Wes Montgomery. Es conocido por su trabajo
con el organista Richard Holmes. Aunque nadie en la familia tocaba
un instrumento musical, deVos pasó gran parte de su juventud escuchando
los discos de big band y blues que tenían sus padres. Cogió la guitarra a
los doce años y en pocas semanas ya memorizaba los solos de guitarra de
estos discos y actuaba profesionalmente a los trece años. De
adolescente, realizó giras por todo el país con un famoso grupo de rock,
pero a los veinte años eligió el jazz en lugar del rock diciendo:
"Necesitaba más cambios de acordes..." DeVos se inició en el jazz
como alumno de Harry Leahy y Dennis Sandole. En 1970, cuando Sandole
envió a sus principales alumnos a una audición para la organista Trudy
Pitts, DeVos fue elegido para sustituir a Pat Martino. DeVos pasó a ser
el guitarrista de los grupos liderados por Richard "Groove" Holmes, con
la leyenda del saxofón Sonny Stitt, y Jimmy McGriff y Hank Crawford.
Posteriormente, realizó numerosas giras y grabaciones con el grupo del
organista Charles Earland, que incluía a Eric Alexander y Jim Rotondi.
Desarrolló aún más sus habilidades compositivas y armónicas tocando con
muchos grandes del jazz fuera del género de los tríos de órgano. Actualmente,
deVos toca con un trío de órganos con el que ha publicado el CD
Shifting Sands. Este álbum estuvo 28 semanas entre los veinte primeros
puestos de la lista de los 50 mejores discos de jazz del país de Jazz
Week.
During the years Danish guitarist/composer Karsten Houmark has played with a.o. Dave Liebman, Adam Nussbaum, Palle Mikkelborg, Bo Stief and The Danish Radio Big Band. The titles on this disc are all Houmark originals superbly performed by the leader in the company of famed countrymen Thomas Clausen, Lennart Ginman and Jonas Johansen. The opening track "Four" holds a threat and a cheerfulness with demonic undercurrents that let the music go on the loose in a disciplined way. Life is a challenge, the music wants it all, including lovely solos and a beautiful ending ... https://www.storyvillerecords.com/products/four-stcd4197
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A lo largo de los años, el guitarrista y compositor danés Karsten Houmark ha tocado con, entre otros, Dave Liebman, Adam Nussbaum, Palle Mikkelborg, Bo Stief y la Danish Radio Big Band. Los títulos de este disco son todos originales de Houmark, magníficamente interpretados por el líder en compañía de sus afamados compatriotas Thomas Clausen, Lennart Ginman y Jonas Johansen. El tema que abre el disco, "Four", encierra una amenaza y una alegría con trasfondos demoníacos que dejan que la música vaya por libre de forma disciplinada. La vida es un reto, la música lo quiere todo, incluyendo encantadores solos y un hermoso final ... https://www.storyvillerecords.com/products/four-stcd4197
Pete Oxley and Nicolas Meier have already stretched the confines of the jazz-guitar duet by their broad world-musical interests and exotic range of instruments – as they memorably revealed on last year’s Chasing Tales album. Half of this typically melodious two-album set revisits that duo format, with bass and drums added on the second disc. The pair’s favourite sources – Pat Methenyesque songs, Hot Club swing, Latin cool, Turkish music – are prominent again, with Indian influences also present in the sitar-like swerves of fretless instruments, alongside synth guitars mimicking brass, and rugged rockers with mediterranean melodies that spawn clamorous improv on Meier’s oud-like glissentar guitar. One of the few unequivocally jazzy tracks, the hip and slinky Purple Panther, lets Oxley and Meier play fewer notes and let the swing groove do the work, opening spaces that this genially busy set could have used a shade more of. John Fordham https://www.theguardian.com/music/2016/dec/22/pete-oxleynicolas-meier-the-colours-of-time-review
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Pete Oxley y Nicolas Meier ya han ampliado los límites del dúo de jazz-guitarra gracias a sus amplios intereses musicales y a su exótica gama de instrumentos, como revelaron de forma memorable en el álbum Chasing Tales del año pasado. La mitad de este conjunto de dos álbumes, típicamente melodioso, retoma ese formato de dúo, con el bajo y la batería añadidos en el segundo disco. Las fuentes favoritas de la pareja - canciones de Pat Methenyesque, el swing del Hot Club, el cool latino, la música turca - son prominentes de nuevo, con influencias indias también presentes en los giros de los instrumentos sin trastes como el sitar, junto con las guitarras de sintetizador que imitan el latón, y los rockeros robustos con melodías mediterráneas que engendran una improvisación clamorosa en la guitarra glissentar de Meier. Uno de los pocos temas inequívocamente jazzísticos, el hip y slinky Purple Panther, permite a Oxley y Meier tocar menos notas y dejar que el groove del swing haga el trabajo, abriendo espacios que este conjunto genialmente ocupado podría haber utilizado un poco más. John Fordham https://www.theguardian.com/music/2016/dec/22/pete-oxleynicolas-meier-the-colours-of-time-review
Review by Scott Yanow Recorded shortly before Al di Meola decided to de-emphasize his electric guitar in favor of his acoustic counterpart, this live set does a fine job of summing up his first six years of recordings. Four of the six numbers (all but "Nena" and "Advantage") were previously recorded by the pacesetting fusion guitarist. With strong and stimulating contributions made by keyboardist Jan Hammer, electric bassist Anthony Jackson, drummer Steve Gadd, percussionist Mingo Lewis, and second keyboardist Victor Godsey (some additional keyboards and percussion were overdubbed later in the studio), di Meola is typically stunning on such originals as "Elegant Gypsy Suite" and "Race with Devil on Spanish Highway." https://www.allmusic.com/album/tour-de-force-live-mw0000187929
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Reseña de Scott Yanow Grabado poco antes de que Al di Meola decidiera dejar de lado su guitarra eléctrica en favor de la acústica, este disco en directo resume muy bien sus primeros seis años de grabaciones. Cuatro de los seis números (todos menos "Nena" y "Advantage") fueron grabados previamente por el guitarrista de fusión. Con las sólidas y estimulantes contribuciones del teclista Jan Hammer, el bajista eléctrico Anthony Jackson, el baterista Steve Gadd, el percusionista Mingo Lewis y el segundo teclista Victor Godsey (algunos teclados y percusión adicionales fueron sobregrabados más tarde en el estudio), di Meola es típicamente impresionante en temas originales como "Elegant Gypsy Suite" y "Race with Devil on Spanish Highway". https://www.allmusic.com/album/tour-de-force-live-mw0000187929
Born in Florida and based in New York, Michael Thomas is a versatile alto saxophonist/bass clarinetist who studied with Jerry Bergonzi, George Garzone and Miguel Zenón. He takes all those influences and more into his new album, Natural Habitat, whose lineup includes pianist/keyboardist Julian Shore, bassist Hans Glawischnig, and drummer Johnathan Blake.
The true-to-name album reveals deep connections to the cities of Boston and New York, a point that also transpires on “Two Cities”, a grounded and yet deliciously far-reaching piece that flows with an additive meter signature (5+5+5+6). Triumphant tenor melodies slide through the tapestry formed by Shore’s chord structure and the compelling rhythmic drive of Glawischnig and Blake. This is the most powerful piece on the record.
If the ballad “Fourth” and the lengthened “Harbor” didn’t really impress me with their acoustic warmth, then the true simmer and boil of Thomas’ composing come to the fore with titles such as “Demise”, another challenging preparation highlighted by nifty improvisations from Rhodes and bass clarinet; and “Float”, an intricate post-bop excursion where dancing bass lines and responsive drumming help shaping passages in 7/4 and 5/4. On the latter piece, the theme is revived halfway, sandwiched between the piano and alto statements.
With the bass clarinet at the helm of the melody, “Different Times” relies on rich harmonic movements to create a diaphanous waltz propelled by scrupulous bass lines and sensitive brushwork. What we have here diverges from the longitudinal perspective offered in the title cut, a straight 4/4 swinging blowout carried out with dynamic interplay. The richly contoured soloing from Thomas and Blake becomes the main attraction on this one.
Buyers of the CD have access to a downloadable bonus track called “For Now”. Pity that Thomas’ outspoken solo is cut short exactly when reaching a climax. Creative spark can be found in an album that gets better and better as it progresses. https://jazztrail.net/blog/michael-thomas-natural-habitat-album-review
Impressive and fresh post bop sounds are delivered by Michael Thomas, playing both alto sax and bass clarinet with his ensemble of Julian Shore/p-key, Hans Glawishnig/b and Johnathan Blake/dr on an album of originals. His tone is warm and calming, working well on the upbeat “Float” and gliding over Blake’s cadence on “First” while gentle and delicate over Glawishnig’s bass on “Fourth.” On bass clarinet, the dreamy “Different Time” has a palpable texture, while there’s a fusiony feel with Shore’s keyboards on the moody “Demise”. Classical ivories give sparkling support for Thomas’ alto on “No Words” and the team simmers on the swinging “Two Cities”. Impressive modernity. https://www.jazzweekly.com/2021/04/michael-thomas-natural-habitat/
Developing as an artist requires an incredible amount of study and hard work honing skills. During this process, the burgeoning artist will naturally begin to find areas in which he or she feels more comfortable, their comfort zone. This concept reaches beyond a physical location. It can also apply to material and communal elements in the creation of art.
Saxophonist/bass clarinetist/composer Michael Thomas seems to have found his musical domain once he settled in New York City. His new recording, Natural Habitat, illustrates how his path to the City has placed him in a perfect spot, both physically and mentally, to create the best art that he can.
Originally from Florida, Thomas grew up playing classical saxophone and picking up clarinet and flute as doubling instruments in high school. He pursued music as an undergrad at the University of Miami and then went to Boston to get his masters at the New England Conservatory. His three years in Boston would be the most important years in the young reedist’s development. The inspiring tutorship of saxophone legends George Garzone and Jerry Bergonzi and the sweeping breadth of Miguel Zenón’s lessons... more credits released March 26, 2021 bandcamp.com
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Nacido en Florida y afincado en Nueva York, Michael Thomas es un versátil saxofonista alto y clarinetista bajo que estudió con Jerry Bergonzi, George Garzone y Miguel Zenón. Lleva todas esas influencias y más en su nuevo álbum, Natural Habitat, cuya formación incluye al pianista/tecladista Julian Shore, al bajista Hans Glawischnig y al baterista Johnathan Blake.
El álbum, fiel a su nombre, revela profundas conexiones con las ciudades de Boston y Nueva York, algo que también se trasluce en "Two Cities", una pieza aterrizada y a la vez deliciosamente lejana que fluye con una firma métrica aditiva (5+5+5+6). Triunfantes melodías de tenor se deslizan por el tapiz formado por la estructura de acordes de Shore y el convincente impulso rítmico de Glawischnig y Blake. Esta es la pieza más potente del disco.
Si la balada "Fourth" y la alargada "Harbor" no me impresionaron realmente por su calidez acústica, entonces el verdadero hervor de la composición de Thomas sale a relucir con títulos como "Demise", otra desafiante preparación resaltada por ingeniosas improvisaciones de Rhodes y clarinete bajo; y "Float", una intrincada excursión post-bop en la que las líneas de bajo danzantes y la sensible batería ayudan a dar forma a pasajes en 7/4 y 5/4. En esta última pieza, el tema reaparece a mitad de camino, entre las declaraciones del piano y del alto.
Con el clarinete bajo a la cabeza de la melodía, "Different Times" se basa en ricos movimientos armónicos para crear un vals diáfano impulsado por escrupulosas líneas de bajo y sensibles pinceladas. Lo que tenemos aquí diverge de la perspectiva longitudinal ofrecida en el corte que da título al disco, una explosión de balanceo en 4/4 llevada a cabo con un juego dinámico. Los solos de Thomas y Blake, ricamente perfilados, se convierten en la principal atracción de este tema.
Los compradores del CD tienen acceso a un tema extra descargable llamado "For Now". Es una lástima que el solo de Thomas se interrumpa justo cuando alcanza el clímax. La chispa creativa se encuentra en un álbum que mejora a medida que avanza. https://jazztrail.net/blog/michael-thomas-natural-habitat-album-review
Michael Thomas, que toca el saxo alto y el clarinete bajo con su conjunto formado por Julian Shore/p-key, Hans Glawishnig/b y Johnathan Blake/dr en un álbum de originales, ofrece unos sonidos post-bop impresionantes y frescos. Su tono es cálido y calmado, funcionando bien en la alegre "Float" y deslizándose sobre la cadencia de Blake en "First", mientras que es suave y delicado sobre el bajo de Glawishnig en "Fourth". En el clarinete bajo, la ensoñadora "Different Time" tiene una textura palpable, mientras que hay una sensación de fusión con los teclados de Shore en la temperamental "Demise". Los marfiles clásicos dan un apoyo chispeante al contralto de Thomas en "No Words" y el equipo se pone a fuego lento en la oscilante "Two Cities". Una modernidad impresionante. https://www.jazzweekly.com/2021/04/michael-thomas-natural-habitat/
Desarrollarse como artista requiere una increíble cantidad de estudio y trabajo duro para perfeccionar las habilidades. Durante este proceso, el artista en ciernes empezará a encontrar de forma natural las áreas en las que se siente más cómodo, su zona de confort. Este concepto va más allá de un lugar físico. También puede aplicarse a los elementos materiales y comunitarios de la creación artística.
El saxofonista, clarinetista y compositor Michael Thomas parece haber encontrado su dominio musical cuando se instaló en Nueva York. Su nueva grabación, Natural Habitat, ilustra cómo su camino hacia la ciudad le ha colocado en un lugar perfecto, tanto física como mentalmente, para crear el mejor arte que pueda.
Originario de Florida, Thomas creció tocando el saxofón clásico y aprendiendo a tocar el clarinete y la flauta como instrumentos dobles en el instituto. Se dedicó a la música en la Universidad de Miami y luego se fue a Boston para hacer un máster en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. Sus tres años en Boston serían los más importantes en el desarrollo del joven reedista. La inspiradora tutoría de las leyendas del saxofón George Garzone y Jerry Bergonzi y la amplitud de las lecciones de Miguel Zenón... más créditos publicado el 26 de marzo de 2021 bandcamp.com
Review by Scott Yanow This somewhat obscure recording by the bop-oriented altoist Herb Geller features him in a 1958 quintet with vibraphonist Victor Feldman, pianist Walter Norris, bassist Leroy Vinnegar and drummer Anthony Vazley. Other than a session for Atco, this was Geller's last American album until 1993; it would be 1975 before he recorded as a leader again. Geller is in fine form on three of his originals and two standards ("Change Partners" and "It Might as Well Be Spring"). Originally cut for Jubilee, this Fresh Sound CD is part of an extensive series that has brought back many forgotten dates from the 1950s. Bop collectors will enjoy this one. https://www.allmusic.com/album/stax-of-sax-mw0000869130
Biography by Scott Yanow Herb Geller was a veteran of the Los Angeles jazz scene of the 1950s who played better than ever by the turn of the millennium. Geller played in 1946 with Joe Venuti's Orchestra, and in 1949 he traveled to New York to play with Claude Thornhill. In 1951 he moved back to L.A. and married the excellent bop pianist Lorraine Walsh. Geller was a fixture in L.A., playing with Billy May (1952), Maynard Ferguson, Shorty Rogers, Bill Holman, and Chet Baker, among others; jamming with Clifford Brown and Max Roach (1954); and leading a quartet that included his wife (1954-1955). Lorraine Geller's sudden death in 1958 eventually resulted in the altoist deciding to leave the country to escape his grief. He played with Benny Goodman off and on between 1958-1961, spent time in Brazil, and in 1962 moved to Berlin. Geller worked in German radio orchestras for 30 years, played in European big bands, and continued to grow as a musician, although he was pretty much forgotten in the U.S. From the early '90s into the 2000s, Herb Geller returned to the States on a more regular basis, and he recorded tributes to Al Cohn and Arthur Schwartz for Hep. Geller also recorded as a leader in the 1950s for EmArcy, Jubilee, and Atco, and in his later years for Enja, Fresh Sound, and VSOP. Herb Geller died in Hamburg, Germany on December 19, 2013; he was 85 years old. https://www.allmusic.com/artist/herb-geller-mn0000677067/biography
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Reseña de Scott Yanow Esta grabación algo oscura del contralto orientado al bop Herb Geller le presenta en un quinteto de 1958 con el vibrafonista Victor Feldman, el pianista Walter Norris, el bajista Leroy Vinnegar y el baterista Anthony Vazley. Aparte de una sesión para Atco, este fue el último álbum americano de Geller hasta 1993; pasaría a 1975 antes de volver a grabar como líder. Geller está en buena forma en tres de sus originales y dos estándares ("Change Partners" y "It Might as Well Be Spring"). Originalmente grabado para Jubilee, este CD de Fresh Sound forma parte de una extensa serie que ha recuperado muchas fechas olvidadas de los años 50. Los coleccionistas de bop disfrutarán con éste. https://www.allmusic.com/album/stax-of-sax-mw0000869130
Biografía por Scott Yanow Herb Geller era un veterano de la escena jazzística de Los Ángeles de los años 50 que tocaba mejor que nunca en el cambio de milenio. Geller tocó en 1946 con la Orquesta de Joe Venuti, y en 1949 viajó a Nueva York para tocar con Claude Thornhill. En 1951 regresó a Los Ángeles y se casó con la excelente pianista de bop Lorraine Walsh. Geller fue un fijo en Los Ángeles, tocando con Billy May (1952), Maynard Ferguson, Shorty Rogers, Bill Holman y Chet Baker, entre otros; tocando con Clifford Brown y Max Roach (1954); y dirigiendo un cuarteto que incluía a su esposa (1954-1955). La repentina muerte de Lorraine Geller en 1958 hizo que el contralto decidiera abandonar el país para escapar de su dolor. Tocó con Benny Goodman de forma intermitente entre 1958 y 1961, pasó una temporada en Brasil y en 1962 se trasladó a Berlín. Geller trabajó en orquestas de radio alemanas durante 30 años, tocó en grandes bandas europeas y siguió creciendo como músico, aunque fue prácticamente olvidado en EE.UU. Desde principios de los 90 hasta la década de 2000, Herb Geller volvió a Estados Unidos con más regularidad y grabó homenajes a Al Cohn y Arthur Schwartz para Hep. Geller también grabó como líder en los años 50 para EmArcy, Jubilee y Atco, y en sus últimos años para Enja, Fresh Sound y VSOP. Herb Geller murió en Hamburgo, Alemania, el 19 de diciembre de 2013; tenía 85 años. https://www.allmusic.com/artist/herb-geller-mn0000677067/biography
About The Album The title of What Comes Next, the latest album by guitarist Peter Bernstein, certainly echoes a question that we’ve all been asking ourselves in recent months. Locked away, wary of leaving the house during a global pandemic, divided by politics and protests, all during a most vital U.S. Presidential election year – any one of those issues would spell an uncertain future.
But look again at that title: Bernstein very deliberately left off the question mark. While the interrogative continues to apply, especially for musicians in a world without gigs, Bernstein set out to make a statement as well. His What Comes Next not only arrives in the midst of quarantine but was recorded during the lockdown as well. With what once was the simple act of gathering four stellar musicians in a room to play music together, this album points a musical way forward in the way that only the most incisive jazz can.
“Without the question mark, What Comes Next implies that you have some idea, some intention,” Bernstein explains. “That seems like such a huge concept now, but it’s inherent to the very idea of playing jazz. It’s the basic question that we deal with all the time when we’re given the freedom to improvise: now what do I play? What note should come next? Where are we in the conversation? With everybody’s lives being put on hold, that idea can be extended beyond the fact of just playing music.”
The timing was especially fortuitous as three months of isolation had given Bernstein plenty of opportunity to compose some new music. With tour schedules and conflicting dates hardly being an issue, Bernstein assembled a dream quartet for the date. He’s joined by Grammy-winning pianist Sullivan Fortner (Cécile McLorin Salvant, Roy Hargrove), drummer and frequent collaborator Joe Farnsworth (McCoy Tyner, Pharoah Sanders) and for the first time on one of the guitarist’s own sessions by the always exquisite bassist Peter Washington (Bill Charlap, Art Blakey and the Jazz Messengers).
“We all kept our masks on,” Bernstein recalls, “It felt a little strange at first, but I’m just thankful for the chance to try and create something with musicians I love. It was such a beautiful day.”
What Comes Next is available on deluxe CD album (8-panel gatefold digipak) and in audiophile 96khz/24bit digital download format. All formats feature original photography by Jimmy and Dena Katz and liner notes by Steve Futterman. https://smokesessionsrecords.com/shop/albums/what-comes-next/
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Sobre el álbum El título de What Comes Next, el último álbum del guitarrista Peter Bernstein, se hace eco de una pregunta que todos nos hemos hecho en los últimos meses. Encerrados, recelosos de salir de casa durante una pandemia mundial, divididos por la política y las protestas, todo ello durante un año de elecciones presidenciales en Estados Unidos de lo más vital: cualquiera de esas cuestiones supondría un futuro incierto.
Pero mira de nuevo el título: Bernstein ha omitido deliberadamente el signo de interrogación. Aunque el interrogativo sigue siendo válido, especialmente para los músicos en un mundo sin conciertos, Bernstein también se propuso hacer una declaración. Su What Comes Next no sólo llega en medio de la cuarentena, sino que también fue grabado durante el cierre. Con lo que una vez fue el simple acto de reunir a cuatro músicos estelares en una habitación para tocar música juntos, este álbum señala un camino musical hacia adelante de la manera en que sólo el jazz más incisivo puede hacerlo.
"Sin el signo de interrogación, What Comes Next implica que tienes alguna idea, alguna intención", explica Bernstein. "Eso parece un concepto tan grande ahora, pero es inherente a la idea misma de tocar jazz. Es la pregunta básica con la que lidiamos todo el tiempo cuando se nos da la libertad de improvisar: ¿ahora qué toco? ¿Qué nota debe venir después? ¿En qué punto de la conversación estamos? Con la vida de todo el mundo en suspenso, esa idea puede extenderse más allá del hecho de tocar música".
El momento era especialmente fortuito, ya que los tres meses de aislamiento habían dado a Bernstein muchas oportunidades para componer nueva música. Como los horarios de las giras y los conflictos de fechas apenas son un problema, Bernstein reunió un cuarteto de ensueño para la cita. Le acompañan el pianista ganador del Grammy Sullivan Fortner (Cécile McLorin Salvant, Roy Hargrove), el batería y colaborador habitual Joe Farnsworth (McCoy Tyner, Pharoah Sanders) y, por primera vez en una sesión del propio guitarrista, el siempre exquisito bajista Peter Washington (Bill Charlap, Art Blakey and the Jazz Messengers).
"Todos llevábamos las máscaras puestas", recuerda Bernstein. "Al principio me sentí un poco extraño, pero estoy agradecido por la oportunidad de intentar crear algo con los músicos que amo. Fue un día tan hermoso".
What Comes Next está disponible en un álbum de lujo en CD (digipak de 8 paneles) y en formato de descarga digital audiófilo de 96khz/24bit. Todos los formatos cuentan con fotografías originales de Jimmy y Dena Katz y notas de presentación de Steve Futterman. https://smokesessionsrecords.com/shop/albums/what-comes-next/
Önder Focan started music by playing
mandolin at the age of 8. He switched to guitar at 15 and concentrated
on jazz in 1975. Being mainly self- taught, he has become a jazz
musician most sought after as a guitarist, player, composer arranger and
lyrics writer. In 1986, he got married to Zuhal Focan withn whom
founded Nardis Jazz Club in 2002.
Focan improved his skills in
music and teaching by attending seminars by IAJE (International
Association for Jazz Musicians). From 1996 to 1999, he conducted Jazz
Ensemble courses at the Istanbul Academy. In 1997, he performed in the
Guitar Night that was organized by MIDEM (Marché International du Disque
et de l’Edition Musicale) with 11 international guitarists representing
Istanbul Culture and Arts Fund (IKSV).
Between the years of 2001
and 2005, he taught harmony classes at Mujdat Gezen Art Centre where he
was elected as the best artist in Western Music in 2000. At Yildiz
Technical University, he lectured “Jazz Styles in Analysis” in 2003-2004
and also “Jazz Guitar” in 2006-2007.
Since 2002, he has been the
art director of Nardis Jazz Club, where he organizes concerts for more
than 315 musicians and accompanies them on stage every year. Some of
these musicians are Benny Golson, Kurt Elling, Dianne Reeves, Al Foster,
Dee Dee Bridgewater, Roy Haynes, Tierney Sutton, Kenny Drew Jr,
Roseanne Vitro, Christian Mc Bride, Roy Hargrove, Ron Carter and
majority of top local musicians.
Always valuing and recognizing
social responsibility projects, Focan has directed and the coordinated
IPMN (Istanbul – Pori Music Networking). This project supported jazz
education, enabling young musicians to have experience on stage in both
cities, Istanbul and Pori.
He has released 13 CD’s. In 1998, featuring the great drummer Bill Stewart and Hammond B3 player Sam Yahel, his album
“Beneath The Stars” honored him as the first Turkish Jazz musician to have released an album on Blue Note label. He
has participated in 94 Festivals, while 43 have taken place in various
cities in Turkey, the other 51 have been in other countries such as the
USA (Los Angeles), France, Germany, China, Malta, Italy, Brazil,
Senegal, Indiana, Finland, Australia, Jordan, Hungary, Switzerland,
Croatia and Estonia. http://focanjazz.com/bio/
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Önder
Focan se inició en la música tocando la mandolina a los 8 años, se pasó
a la guitarra a los 15 y se concentró en el jazz en 1975. Siendo
principalmente autodidacta, se ha convertido en un músico de jazz muy
solicitado como guitarrista, intérprete, compositor, arreglista y
escritor de letras. En 1986 se casó con Zuhal Focan, con quien fundó el
Nardis Jazz Club en 2002.
Focan se perfeccionó en la música y la
enseñanza asistiendo a seminarios de la IAJE (Asociación Internacional
de Músicos de Jazz). De 1996 a 1999, dirigió cursos de conjuntos de jazz
en la Academia de Estambul. En 1997, actuó en la Noche de la Guitarra
que organizó el MIDEM (Marché International du Disque et de l'Edition
Musicale) con 11 guitarristas internacionales en representación del
Fondo de Cultura y Arte de Estambul (IKSV).
Entre los años 2001 y
2005, impartió clases de armonía en el Centro de Arte Mujdat Gezen,
donde fue elegido mejor artista de música occidental en 2000. En la
Universidad Técnica de Yildiz, impartió clases de "Estilos de Jazz en
Análisis" en 2003-2004 y también de "Guitarra de Jazz" en 2006-2007.
Desde
2002, es el director artístico del Club de Jazz Nardis, donde organiza
conciertos para más de 315 músicos y los acompaña en el escenario cada
año. Algunos de estos músicos son Benny Golson, Kurt Elling, Dianne
Reeves, Al Foster, Dee Dee Bridgewater, Roy Haynes, Tierney Sutton,
Kenny Drew Jr, Roseanne Vitro, Christian Mc Bride, Roy Hargrove, Ron
Carter y la mayoría de los mejores músicos locales.
Siempre
valorando y reconociendo los proyectos de responsabilidad social, Focan
ha dirigido y coordinado el IPMN (Istanbul - Pori Music Networking).
Este proyecto apoyó la educación del jazz, permitiendo a los jóvenes
músicos tener experiencia en el escenario en ambas ciudades, Estambul y
Pori.
Ha publicado 13 CD. En 1998, con el gran baterista Bill Stewart y el intérprete de Hammond B3 Sam Yahel, su álbum
"Beneath The Stars" le honró como el primer músico de jazz turco que publicó un álbum en el sello Blue Note. Ha
participado en 94 festivales, mientras que 43 han tenido lugar en
diversas ciudades de Turquía, los otros 51 han sido en otros países como
Estados Unidos (Los Ángeles), Francia, Alemania, China, Malta, Italia,
Brasil, Senegal, Indiana, Finlandia, Australia, Jordania, Hungría,
Suiza, Croacia y Estonia.
Dutch violinist Tim Kliphuis is best known as a highly skilled exponent of the Hot Club swing style associated with Grappelli and Reinhardt, but this album attempts to focus instead on world acoustic music, including the unusual amalgamation of a Scottish jig with African Soukous on ‘Couscous and Butter’.
His collaborators here are all Scottish (or based here), guitarist Nigel Clark, pianist David Newton, bassist Roy Percy and percussionist Sandro Ciancio. The global tour takes in shades of Latin, Cuban, South American and African music, as well as material from closer to home, including compositions by both Grappelli and Reinhardt, a version of the 60s pop hit ‘Don’t Sleep In The Subway’ and the folk tune ‘The Cuckoo’s Nest’, all dispatched in engagingly light-fingered, virtuoso fashion. https://www.list.co.uk/article/29832-tim-kliphuis-acoustic-voyage/
Award-winning
Dutch violinist Tim Kliphuis has created a brand new style that
embraces classical, gypsy jazz and folk. Hailed as a ‘current-day
improvising Paganini’, his inclusive approach to music has united
audiences and is influencing a new generation of string players.
After
his master’s degree in classical violin at the Amsterdam Conservatoire,
Kliphuis studied with the European Sinti gypsies. He recorded and
toured with gypsy guitar legends Fapy Lafertin, The Rosenberg Trio and
Angelo Debarre.
An invitation to the Richard Strauss Festival in
Germany kick-started Kliphuis’ crossover career, celebrating a ‘total
music’ without stylistic barriers. He performed for the Dutch King at
the Amsterdam Concertgebouw, for Celtic Connections Glasgow, at the
Django Reinhardt Festival in Samois-sur-Seine and toured America, South
Africa and Russia extensively.
In 2015, The Tim Kliphuis Trio
(Nigel Clark, guitar and Roy Percy, double bass) premiered Vivaldi-based
‘Reflecting the Seasons’ which was recorded on Sony Classical in 2016;
‘Brandenburg’, based on Bach, and the Kliphuis Violin Concerto followed
in 2018.
In between Trio tours and orchestral projects, the Tim
Kliphuis Sextet with Dutch string players Janneke van Prooijen, Frank
Brakkee and Charles Watt continues to wow audiences across Europe: a
colourful crossover approach to classical and jazz music.
Tim
Kliphuis and his Trio have shared the stage with Les Paul, Richard
Galliano, Frankie Gavin and Martin Hayes, as well as the Netherlands and
Tallinn Chamber Orchestras, The Hague and Cape Town Philharmonic and
Sinfonietta Amsterdam.
Kliphuis is an in-demand educator at
festivals, competitions and conservatoires. He wrote the best-selling
book “Gypsy Jazz Violin” and teaches improvisation at the Amsterdam
Conservatoire, at his own Academy for Improvising Strings, and the gypsy
jazz summer school Grappelli-Django Camp. He is a DPA Microphones and
Pirastro Strings artist.
https://www.timkliphuis.com/about-gallery
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El violinista holandés Tim Kliphuis es más conocido como un hábil exponente del estilo de swing del Hot Club, asociado con Grappelli y Reinhardt, pero este álbum intenta centrarse en la música acústica del mundo, incluyendo la inusual amalgama de una giga escocesa con el soukous africano en "Couscous and Butter".
Sus colaboradores aquí son todos escoceses (o afincados aquí), el guitarrista Nigel Clark, el pianista David Newton, el bajista Roy Percy y el percusionista Sandro Ciancio. La gira global incluye matices de la música latina, cubana, sudamericana y africana, así como material más cercano, incluyendo composiciones de Grappelli y Reinhardt, una versión del éxito pop de los años 60 "Don't Sleep In The Subway" y la melodía folclórica "The Cuckoo's Nest", todo ello despachado de forma atractiva y virtuosa. https://www.list.co.uk/article/29832-tim-kliphuis-acoustic-voyage/
El
galardonado violinista holandés Tim Kliphuis ha creado un nuevo estilo
que abarca la música clásica, el jazz gitano y el folk. Aclamado como un
"Paganini de la improvisación actual", su enfoque inclusivo de la
música ha unido a las audiencias e influye en una nueva generación de
músicos de cuerda.
Después de su maestría en violín clásico en el
Conservatorio de Ámsterdam, Kliphuis estudió con los gitanos sinti
europeos. Grabó y realizó giras con las leyendas de la guitarra gitana
Fapy Lafertin, The Rosenberg Trio y Angelo Debarre.
Una
invitación al Festival Richard Strauss en Alemania dio inicio a la
carrera de Kliphuis, celebrando una "música total" sin barreras
estilísticas. Actuó para el Rey de Holanda en el Concertgebouw de
Amsterdam, para Celtic Connections Glasgow, en el Festival Django
Reinhardt en Samois-sur-Seine y realizó una extensa gira por América,
Sudáfrica y Rusia.
En 2015, el Tim Kliphuis Trio (Nigel Clark,
guitarra y Roy Percy, contrabajo) estrenó 'Reflecting the Seasons',
basado en Vivaldi, que se grabó en Sony Classical en 2016;
'Brandenburg', basado en Bach, y el Concierto para violín de Kliphuis le
siguió en 2018.
Entre las giras del Trío y los proyectos de
orquesta, el Sexteto Tim Kliphuis con los músicos de cuerda holandeses
Janneke van Prooijen, Frank Brakkee y Charles Watt continúa cautivando
al público de toda Europa: un colorido enfoque cruzado de la música
clásica y el jazz.
Tim Kliphuis y su Trío han compartido el
escenario con Les Paul, Richard Galliano, Frankie Gavin y Martin Hayes,
así como con las Orquestas de Cámara de los Países Bajos y Tallin, la
Filarmónica de La Haya y Ciudad del Cabo y la Sinfonietta de Ámsterdam.
Kliphuis
es un educador muy solicitado en festivales, concursos y
conservatorios. Escribió el libro más vendido "Gypsy Jazz Violin" y
enseña improvisación en el Conservatorio de Ámsterdam, en su propia
Academia para Improvisar Cuerdas y en la escuela de verano de jazz
gitano Grappelli-Django Camp. Es un artista de Micrófonos DPA y Cuerdas
Pirastro.
Rightly called the saddest story in rock 'n' roll history, this
Creedence biography—newly updated with stories from band members,
producers, business associates, close friends, and families—recounts the
tragic and triumphant tale of one of America’s most beloved bands.
Hailed as the great American rock band from 1968 to 1971, Creedence
Clearwater Revival captured the imaginations of a generation with
classic hits like “Proud Mary,” “Down on the Corner,” “Green River,”
“Born on the Bayou,” and “Who’ll Stop the Rain.” Mounting tensions among
bandmates over vibrant guitarist and lead vocalist John Fogerty’s
creative control led to the band's demise. Tracing the lives of four
musicians who redefined an American roots-rock sound with unequaled
passion and power, this music biography exposes the bitter end and
abandoned talent of a band left crippled by debt and dissension.
Throughout his life, renowned and prolific composer Johann Sebastian
Bach articulated his views as a composer in purely musical terms; he was
notoriously reluctant to write about his life and work. Instead, he
methodically organized certain pieces into carefully designed
collections. These benchmark works, all of them without parallel or
equivalent, produced a steady stream of transformative ideas that stand
as paradigms of Bach’s musical art.
In this companion volume to his Pulitzer Prize–finalist biography, Johann Sebastian Bach: The Learned Musician,
leading Bach scholar Christoph Wolff takes his cue from his famous
subject. Wolff delves deeply into the composer’s own rich selection of
collected music, cutting across conventional boundaries of era, genre,
and instrument. Emerging from a complex and massive oeuvre, Bach’s Musical Universe is a focused discussion of a meaningful selection of compositions―from the famous Well-Tempered Clavier, violin and cello solos, and Brandenburg Concertos to the St. Matthew Passion, Art of Fugue, and B-minor Mass.
Unlike
any study undertaken before, this book details Bach’s creative process
across the various instrumental and vocal genres. This array of
compositions illustrates the depth and variety at the essence of the
composer’s musical art, as well as his unique approach to composition as
a process of imaginative research into the innate potential of his
chosen material. Tracing Bach’s evolution as a composer, Wolff
compellingly illuminates the ideals and legacy of this giant of
classical music in a new, refreshing light for everyone, from the
amateur to the virtuoso.
The myriad ways in which colour and light have been adapted and applied
in the art, architecture, and material culture of past societies is the
focus of this interdisciplinary volume. Light and colour’s iconographic,
economic, and socio-cultural implications are considered by established
and emerging scholars including art historians, archaeologists, and
conservators, who address the variety of human experience of these
sensory phenomena. In today’s world it is the norm for humans to be
surrounded by strong, artificial colours, and even to see colour as
perhaps an inessential or surface property of the objects around us.
Similarly, electric lighting has provided the power and ability to
illuminate and manipulate environments in increasingly unprecedented
ways. In the context of such a saturated experience, it becomes
difficult to identify what is universal, and what is culturally specific
about the human experience of light and colour. Failing to do so,
however, hinders the capacity to approach how they were experienced by
people of centuries past. By means of case studies spanning a broad
historical and geographical context and covering such diverse themes as
architecture, cave art, the invention of metallurgy, and medieval
manuscript illumination, the contributors to this volume provide an
up-to-date discussion of these themes from a uniquely interdisciplinary
perspective. The papers range in scope from the meaning of colour in
European prehistoric art to the technical art of the glazed tiles of the
Shah mosque in Isfahan. Their aim is to explore a multifarious range of
evidence and to evaluate and illuminate what is a truly enigmatic topic
in the history of art and visual culture.
French-German painter Count Balthasar
Klossowski de Rola (1908-2001), known as Balthus, shocked the Parisian
art world in 1934 with his dreamy, sensual, Neo-Classical portraits of
nymphets at a time when Surrealism and abstraction were de rigueur. As a
provocateur, Balthus was often scorned; as an artist, he was widely
embraced as a prodigy. In response to critics of his realist style,
Balthus said: "The real isn’t what you think you see. One can be a
realist of the unreal and a figurative painter of the invisible." His
erotic, poetic paintings live on as examples of the best figurative work
of the modern era.
Review by Ken Dryden The Mitchell-Ruff Duo, with pianist Dwike Mitchell and bassist/French horn player Willie Ruff, had only been together for two years by the time this LP was made. Their piano/bass improvisations of several standards, including "Angel Eyes," "Thou Swell," and "Gone With the Wind," are masterpieces. But even more intriguing are the piano/French horn duets, especially the captivating take of Duke Jordan's "Jordu" and classical works by Ravel (Pavanne) and Debussy (My Reverie). They collaborated in the composition of "Fugue for Lulu," an intricate Bach-like fugue for piano and bass. Although the amusing cartoon front cover may give the impression that this is a live date at the original Birdland club, these are studio recordings. This LP on the long-defunct Forum label will be rather difficult to acquire. https://www.allmusic.com/album/appearing-nightly-mw0000871491
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Reseña de Ken Dryden El dúo Mitchell-Ruff, formado por el pianista Dwike Mitchell y el bajista y trompa Willie Ruff, sólo llevaba dos años juntos cuando se grabó este LP. Sus improvisaciones al piano/bajo de varios estándares, como "Angel Eyes", "Thou Swell" y "Gone With the Wind", son obras maestras. Pero aún más intrigantes son los dúos de piano y trompa, especialmente la cautivadora toma de "Jordu" de Duke Jordan y las obras clásicas de Ravel (Pavanne) y Debussy (My Reverie). Colaboraron en la composición de "Fugue for Lulu", una intrincada fuga al estilo de Bach para piano y bajo. Aunque la divertida portada de dibujos animados puede dar la impresión de que se trata de una cita en directo en el club Birdland original, se trata de grabaciones de estudio. Este LP del desaparecido sello Forum será bastante difícil de conseguir. https://www.allmusic.com/album/appearing-nightly-mw0000871491
For most of the second half of the '60s, Sergio Mendes was the
top-selling Brazilian artist in the United States, charting huge hit
singles and LPs that regularly made the Top Five. His records with his
group, Brasil '66, regularly straddled the domestic pop and
international markets in America, getting played heavily on AM radio
stations, both rock and easy listening, and he gave his label, A&M,
something to offer light jazz listeners beyond the work of the company's
co-founder, Herb Alpert. During this period, he also became an
international music star and one of the most popular musicians in South
America.
Born the son of a physician in Niteroi, Brazil, Mendes began studying
music at the local conservatory while still a boy, with the intention of
becoming a classical pianist. He was living in Rio de Janeiro as the
bossa nova craze hit in the mid- to late '50s, and at age 15, he
abandoned classical music in favor of bossa nova. Mendes began spending
time with other young Brazilian musicians in Rio de Janeiro, absorbing
the musical ferment around him in the company of such figures as Antonio
Carlos Jobim and João Gilberto. Their company was augmented by the
periodic visits of American jazz giants such as Stan Getz, Dizzy
Gillespie, Charlie Byrd, Paul Winter, Roy Eldridge, and Herbie Mann.
Mendes became the leader of his own group, the Sexteto Bossa Rio, and
was heard with them by many visiting musicians. He made his first
recording, Dance Moderno, in 1961 on the Philips Records label. By 1962,
Mendes and his band were playing at Birdland in New York in an
impromptu performance with Cannonball Adderley (who was officially on
the bill). Mendes and Adderley cut an album together for Capitol Records
that was released later that year.
His early music, represented on albums like Bossa Nova York and Girl
from Ipanema, was heavily influenced by Antonio Carlos Jobim, on whose
recording Mendes worked. Mendes liked what he had found on his visit to
New York, and in 1964 he moved to the United States, initially to play
on albums with Jobim and Art Farmer, and formed Brasil '65 the following
year. The group recorded for Capitol without attracting too much notice
at first. In 1966, however, Mendes and his band -- renamed Brasil '66
-- were signed to A&M Records and something seemed to click between
the group and its audience.
The group, consisting in its first A&M incarnation of Mendes on
keyboards, Bob Matthews on bass, João Palma on drums, Jose Soares as
percussionist, Lani Hall (aka Mrs. Herb Alpert and A&M's co-founder)
on vocals, and Janis Hansen on vocals, was successful upon the release
of its first album for the label, with its mix of light jazz, a bossa
nova beat, and contemporary soft pop melodies. Their self-titled debut
LP rose to number six nationally, propelled by the presence of the
single "Mas Que Nada." Their second album, Equinox, yielded a trio of
minor hits, "Night and Day," "Constant Rain (Chove Chuva)," and "For
Me," but their third, Look Around, rose to number five behind a number
three single of the group's cover of the Beatles' "Fool on the Hill" and
an accompanying hit with "Scarborough Fair," based on the Simon &
Garfunkel version of the folk song. Crystal Illusions, from 1969,
featured a version of Otis Redding's "(Sittin' On) The Dock of the Bay"
and the hit single "Pretty World." Depending upon one's sensibilities,
these covers -- especially "Fool on the Hill" and "Scarborough Fair" --
were either legitimate, internationalized pop versions of the originals,
or they were "elevator music."
During this period, Mendes also made several recordings for Atlantic
Records separate from his A&M deal, principally aimed at a light
jazz audience, and several of them in association with Jobim. Art
Farmer, Phil Woods, Hubert Laws, and Claire Fisher were among the jazz
figures who appeared on these records, which never remotely attracted
the same level of interest or sales as his records with Brasil '66.
Mendes successfully walked a fine line between international and
domestic audiences for most of the late '60s until the end of the
decade. Ye-Me-Le was notably less successful than its predecessors, and
its single, "Wichita Lineman," was only a minor hit. Mendes seemed to
lose his commercial edge with the turn of the decade, and his next two
A&M albums: Stillness, a folk-based collection that contained covers
of Joni Mitchell's "Chelsea Morning" and Stephen Stills' "For What It's
Worth," and Primal Roots, an album of traditional Brazilian music,
failed to make any impression on the charts whatsoever.
The group moved to the much smaller Bell Records label in 1973, and
then Mendes jumped to Elektra for his first official solo album, Sergio
Mendes. He relaunched his recording career two years later with Sergio
Mendes & Brasil '77 to little avail, and then, after a five-year
layoff from the public eye, Mendes returned to A&M in 1982. His 1983
comeback album, Sergio Mendes, was his first Top 40 album in nearly a
decade and a half, and was accompanied by his biggest chart single ever,
"Never Gonna Let You Go," which hit number four. Since then, Mendes has
had limited chart success with the single "Alibis" and the LP Confetti.
He remained a popular figure internationally, even when his record
sales slumped in America, as evidenced by the fact that his entire
A&M catalog (and much of his Atlantic work) from the '60s has been
reissued on CD in Japan. Indeed, his popularity in the rest of the
world, versus America, was even the basis for a comic vignette in one
episode of the television series Seinfeld.
During the '90s, Mendes performed with a new group, Brasil '99, and more
recently, Brasil 2000, and has been integrating the sounds of Bahian
hip-hop into his music. In 1997, A&M's British division released a
remastered double-CD set of the best of Mendes' music from his first
seven years on the label. Most of Mendes' back catalog was reissued as
the 21st century dawned, and in 2006, Concord Records released Timeless,
his first album of newly recorded material in eight years. A mere two
years later, Encanto appeared, including co-productions from will.i.am
of Black Eyed Peas. A third album on Concord, Bom Tempo, was released in
2010. After appearances at numerous festivals and a global tour, Mendes
took a short break before beginning to record again. He signed to
Sony's revived OKeh imprint and cut a completely new set of songs in Los
Angeles, Salvador, and Bahia, with a host of special guests and old
friends, including John Legend, will.i.am., and Brazilian artists such
as Carlinhos Brown, with whom he cut the first single, "One Nation,"
issued on One Love, One Rhythm: The 2014 FIFA World Cup Official Album.
Mendes' album Magic was released in September.
by Bruce Eder
///////
Biografía del artista
Durante la mayor parte de la segunda mitad de los 60, Sergio Mendes fue
el artista brasileño más vendido en los Estados Unidos, registrando
grandes éxitos de singles y LPs que regularmente entraban en el Top
Five. Sus discos con su grupo, Brasil '66, se situaron regularmente a
horcajadas entre el pop nacional y los mercados internacionales en
América, siendo tocados fuertemente en las emisoras de radio AM, tanto
de rock como de easy listening, y le dio a su sello, A&M, algo que
ofrecer a los oyentes de light jazz más allá del trabajo del cofundador
de la compañía, Herb Alpert. Durante este período, también se convirtió
en una estrella de la música internacional y uno de los músicos más
populares de América del Sur.
Nacido como hijo de un médico en Niteroi, Brasil, Mendes comenzó a
estudiar música en el conservatorio local cuando todavía era un niño,
con la intención de convertirse en un pianista clásico. Vivía en Río de
Janeiro como el éxito de la locura de la bossa nova a mediados y finales
de los 50, y a los 15 años abandonó la música clásica en favor de la
bossa nova. Mendes comenzó a pasar tiempo con otros jóvenes músicos
brasileños en Río de Janeiro, absorbiendo el fermento musical a su
alrededor en compañía de figuras como Antonio Carlos Jobim y João
Gilberto. Su compañía se incrementó con las visitas periódicas de
gigantes del jazz americano como Stan Getz, Dizzy Gillespie, Charlie
Byrd, Paul Winter, Roy Eldridge y Herbie Mann. Mendes se convirtió en el
líder de su propio grupo, el Sexteto Bossa Rio, y fue escuchado con
ellos por muchos músicos visitantes. Hizo su primera grabación, Dance
Moderno, en 1961 con el sello Philips Records. Para 1962, Mendes y su
banda estaban tocando en Birdland en Nueva York en una actuación
improvisada con Cannonball Adderley (que estaba oficialmente en el
cartel). Mendes y Adderley grabaron juntos un álbum para Capitol Records
que fue lanzado más tarde ese año.
Su música antigua, representada en álbumes como Bossa Nova York y Girl
from Ipanema, estaba fuertemente influenciada por Antonio Carlos Jobim,
en cuya grabación trabajó Mendes. A Mendes le gustó lo que encontró en
su visita a Nueva York, y en 1964 se mudó a los Estados Unidos,
inicialmente para tocar en álbumes con Jobim y Art Farmer, y formó
Brasil '65 al año siguiente. El grupo grabó para el Capitolio sin llamar
demasiado la atención al principio. En 1966, sin embargo, Mendes y su
banda - rebautizada como Brasil '66 - firmaron con A&M Records y
algo pareció encajar entre el grupo y su público.
El grupo, que consistía en su primera encarnación de A&M de Mendes
en los teclados, Bob Matthews en el bajo, João Palma en la batería, José
Soares como percusionista, Lani Hall (alias Sra. Herb Alpert y
cofundadora de A&M) en las voces, y Janis Hansen en las voces, tuvo
éxito con el lanzamiento de su primer álbum para el sello, con su mezcla
de jazz ligero, un ritmo de bossa nova, y melodías contemporáneas de
soft pop. Su autotitulado LP de debut subió al número seis a nivel
nacional, impulsado por la presencia del single "Mas Que Nada". Su
segundo álbum, Equinox, produjo un trío de éxitos menores, "Night and
Day", "Constant Rain (Chove Chuva)" y "For Me", pero su tercero, Look
Around, subió al número cinco detrás de un sencillo número tres de la
versión de los Beatles de "Fool on the Hill" y un éxito que lo acompañó
con "Scarborough Fair", basado en la versión de la canción folclórica de
Simon & Garfunkel. Crystal Illusions, de 1969, presentó una versión
de "(Sittin' On) The Dock of the Bay" de Otis Redding y el exitoso
sencillo "Pretty World". Dependiendo de la sensibilidad de cada uno,
estas portadas - especialmente "Fool on the Hill" y "Scarborough Fair" -
eran versiones pop legítimas e internacionalizadas de los originales, o
eran "música de ascensor".
Durante este período, Mendes también hizo varias grabaciones para
Atlantic Records separadas de su acuerdo A&M, principalmente
dirigidas a un público de jazz ligero, y varias de ellas en asociación
con Jobim. Art Farmer, Phil Woods, Hubert Laws y Claire Fisher estaban
entre las figuras del jazz que aparecieron en estos discos, que nunca
atrajeron ni remotamente el mismo nivel de interés o ventas que sus
discos con Brasil '66. Mendes caminó con éxito una fina línea entre las
audiencias internacionales y nacionales durante la mayor parte de los
finales de los 60 hasta el final de la década. Ye-Me-Le fue notablemente
menos exitoso que sus predecesores, y su single, "Wichita Lineman", fue
sólo un éxito menor. Mendes pareció perder su ventaja comercial con el
cambio de década, y sus siguientes dos álbumes A&M: Stillness, una
colección basada en el folclore que contenía portadas de "Chelsea
Morning" de Joni Mitchell y "For What It's Worth" de Stephen Stills, y
Primal Roots, un álbum de música tradicional brasileña, no causó ninguna
impresión en las listas de éxitos.
El grupo se trasladó a la mucho más pequeña discográfica Bell Records
en 1973, y luego Mendes saltó a Elektra para su primer álbum oficial en
solitario, Sergio Mendes. Dos años después relanzó su carrera
discográfica con Sergio Mendes & Brasil '77, pero no sirvió de
mucho, y luego, después de cinco años de despido, Mendes volvió a
A&M en 1982. Su álbum de regreso de 1983, Sergio Mendes, fue su
primer álbum en el Top 40 en casi una década y media, y fue acompañado
por su mayor sencillo en las listas de éxitos, "Never Gonna Let You Go",
que llegó al número cuatro. Desde entonces, Mendes ha tenido un éxito
limitado en las listas de éxitos con el single "Alibis" y el LP
Confetti. Siguió siendo una figura popular a nivel internacional,
incluso cuando las ventas de sus discos cayeron en América, como lo
demuestra el hecho de que todo su catálogo de A&M (y gran parte de
su obra atlántica) de los años 60 ha sido reeditado en CD en Japón. De
hecho, su popularidad en el resto del mundo, frente a América, fue
incluso la base de una viñeta cómica en un episodio de la serie de
televisión Seinfeld.
Durante los 90, Mendes actuó con un nuevo grupo, Brasil 99, y más
recientemente, Brasil 2000, y ha estado integrando los sonidos del
hip-hop bahiano en su música. En 1997, la división británica de A&M
lanzó un conjunto de doble CD remasterizado con lo mejor de la música de
Mendes de sus primeros siete años en el sello. La mayor parte del
catálogo posterior de Mendes fue reeditado en los albores del siglo XXI,
y en 2006, Concord Records publicó Timeless, su primer álbum de
material recién grabado en ocho años. Apenas dos años después, apareció
Encanto, incluyendo coproducciones de will.i.am de Black Eyed Peas. Un
tercer álbum en Concord, Bom Tempo, fue lanzado en 2010. Después de
apariciones en numerosos festivales y una gira mundial, Mendes se tomó
un pequeño descanso antes de empezar a grabar de nuevo. Firmó con el
reavivado sello OKeh de Sony y grabó un conjunto de canciones
completamente nuevo en Los Ángeles, Salvador y Bahía, con una gran
cantidad de invitados especiales y viejos amigos, entre ellos John
Legend, will.i.am, y artistas brasileños como Carlinhos Brown, con quien
grabó el primer sencillo, "One Nation", publicado en One Love, One
Rhythm: el álbum oficial de la Copa Mundial de la FIFA 2014. El álbum
Magic de Mendes fue lanzado en septiembre.
