egroj world: October 2023

Tuesday, October 31, 2023

Ed Blackwell • Shades of Edward Blackwell

 



Biography by Chris Kelsey
Ed Blackwell made his reputation as a member of Ornette Coleman's band in the early '60s; without that association, one wonders whether he would be considered one of the great jazz percussionists. That's to take nothing away from his considerable ability, but Blackwell's unfashionably arcane and somewhat unpolished approach to playing time was perhaps too melodic, too subtle to attract attention independently, especially amidst the heavy-handed Art Blakey/Elvin Jones Zeitgeist that prevailed throughout much of his career. The multiplicity of musics to be heard in Blackwell's hometown of New Orleans played an unmistakable role in his peculiar evolution, yet what separated Blackwell from other modern jazz drummers was his personal interpretation of swing.

Like every other post-Kenny Clarke jazz percussionist, Blackwell kept time on his ride cymbal. However, far more than most jazz drummers, Blackwell initiated his accents on the one and three of a four-beat measure. Consequently, Blackwell's style was more martial in character, his rhythmic counterpoint to the soloist more overtly songlike. Additionally, he infused his music with a multiplicity of non-Western elements, and incorporated mannerisms of pre-modern jazz. There was a certain rather endearing quaintness to Blackwell's playing, though he swung as hard and as imaginatively as anybody.

Blackwell's incongruous "squareness" was come by honestly, for one of his earliest influences was the traditional New Orleans percussion style of Paul Barbarin. As a young player, Blackwell spent time in the rhythm & blues band of Plas and Raymond Johnson. He moved to Los Angeles in 1951, where he met his future employer, Ornette Coleman, though it would be some time before their collaboration would capture the attention of the jazz public. In 1953 he moved to Texas, then in 1956 returned to New Orleans. In 1960 he moved to New York, where he replaced Billy Higgins in the by-now-famous Coleman quartet. With Coleman over the next several years, Blackwell made a series of important records for Atlantic (This Is Our Music, Free Jazz, Ornette on Tenor). He also worked and recorded with Eric Dolphy's great quintet with Booker Little, recording At the Five Spot in 1961.

In 1965, he began playing with Randy Weston (with whom he toured Africa two years later) and Archie Shepp. Blackwell was named an Artist in Residence at Connecticut's Wesleyan University in 1975. The next year he joined with ex-Coleman mates Don Cherry, Dewey Redman, and Charlie Haden to form the collective Old and New Dreams, a band dedicated in the main to playing tunes from Ornette's book. Old and New Dreams served as Blackwell's best showcase throughout the '80s. For a variety of reasons -- ill health significant among them -- Blackwell had often been unable to record and publicly perform with Coleman's early bands, even as he contributed so greatly to their development. Hence, Old and New Dreams' well-distributed albums and intermittent tours exposed him to an audience that might have been otherwise unfamiliar with his work. The band recorded a tribute to Blackwell in 1987, "One for Blackwell," which features the drummer, giving him a bit more solo space than usual.

Until his death from kidney disease in 1992, Blackwell would continue to perform with colleagues from his Ornette days, as well as New Orleans contemporaries like Ellis Marsalis, Alvin Batiste, and Harold Battiste. Blackwell recorded very infrequently as a leader, though just before his death he made Walls-Bridges, a posthumously released trio recording with Dewey Redman and bassist Cameron Brown that showed -- especially given his deteriorating physical condition -- he was still a voice to reckon with.
https://www.allmusic.com/artist/ed-blackwell-mn0000143961#biography

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Biografía de Chris Kelsey
Ed Blackwell se ganó su reputación como miembro de la banda de Ornette Coleman a principios de los años 60; sin esa asociación, uno se pregunta si sería considerado uno de los grandes percusionistas de jazz. Eso no quita nada de su considerable habilidad, pero el enfoque arcano y poco pulido de Blackwell para el tiempo de juego era quizás demasiado melódico, demasiado sutil para atraer la atención de forma independiente, especialmente en medio del espíritu de la época artística de Blakey/Elvin Jones que prevaleció durante gran parte de su carrera. La multiplicidad de músicas que se escucharon en la ciudad natal de Blackwell, Nueva Orleans, jugó un papel inconfundible en su peculiar evolución, sin embargo, lo que separó a Blackwell de otros bateristas de jazz moderno fue su interpretación personal del swing.

Como cualquier otro percusionista de jazz post-Kenny Clarke, Blackwell mantuvo el tiempo en su platillo ride. Sin embargo, mucho más que la mayoría de los bateristas de jazz, Blackwell inició sus acentos en el compás de uno y tres de cuatro tiempos. En consecuencia, el estilo de Blackwell era de carácter más marcial, su contrapunto rítmico al solista más abiertamente cancionero. Además, infundió en su música una multiplicidad de elementos no occidentales e incorporó gestos del jazz premoderno. Había una cierta extrañeza bastante entrañable en la forma de tocar de Blackwell, aunque se balanceaba tan fuerte e imaginativamente como cualquiera.

La incongruente "cuadratura" de Blackwell surgió honestamente, ya que una de sus primeras influencias fue el estilo tradicional de percusión de Paul Barbarin en Nueva Orleans. Cuando era joven, Blackwell pasó un tiempo en la banda de rhythm & blues de Plas y Raymond Johnson. Se mudó a Los Ángeles en 1951, donde conoció a su futuro empleador, Ornette Coleman, aunque pasaría algún tiempo antes de que su colaboración captara la atención del público del jazz. En 1953 se mudó a Texas, luego en 1956 regresó a Nueva Orleans. En 1960 se mudó a Nueva York, donde reemplazó a Billy Higgins en el ahora famoso cuarteto Coleman. Con Coleman durante los siguientes años, Blackwell hizo una serie de discos importantes para Atlantic (This Is Our Music, Free Jazz, Ornette en tenor). También trabajó y grabó con el gran quinteto de Eric Dolphy con Booker Little, grabando en el Five Spot en 1961.

En 1965, comenzó a tocar con Randy Weston (con quien realizó una gira por África dos años después) y Archie Shepp. Blackwell fue nombrado Artista Residente en la Universidad Wesleyan de Connecticut en 1975. Al año siguiente se unió a los ex compañeros de Coleman Don Cherry, Dewey Redman y Charlie Haden para formar el colectivo Old and New Dreams, una banda dedicada principalmente a tocar canciones del libro de Ornette. Viejos y Nuevos Sueños sirvieron como el mejor escaparate de Blackwell a lo largo de los años 80. Por una variedad de razones, entre ellas la mala salud, Blackwell a menudo no había podido grabar y tocar públicamente con las primeras bandas de Coleman, incluso cuando contribuyó en gran medida a su desarrollo. Por lo tanto, los álbumes bien distribuidos de Old and New Dreams y las giras intermitentes lo expusieron a un público que de otro modo no estaría familiarizado con su trabajo. La banda grabó un tributo a Blackwell en 1987, "One for Blackwell", que presenta al baterista, dándole un poco más de espacio en solitario de lo habitual.

Hasta su muerte por enfermedad renal en 1992, Blackwell continuaría actuando con colegas de sus días en Ornette, así como con contemporáneos de Nueva Orleans como Ellis Marsalis, Alvin Batiste y Harold Battiste. Blackwell grabó con muy poca frecuencia como líder, aunque justo antes de su muerte hizo Walls-Bridges, una grabación de trío lanzada póstumamente con Dewey Redman y el bajista Cameron Brown que demostró, especialmente dado su deterioro de la condición física, que todavía era una voz a tener en cuenta.
https://www.allmusic.com/artist/ed-blackwell-mn0000143961#biography


Ulf Wakenius • Dig In

 


Biography by Rovi Staff
An adept Swedish guitarist with a lithe, supple style, Ulf Wakenius can play a broad range of music, but is best known for his straight-ahead and post-bop jazz work. Born in April 1958 in Halmstad, Sweden and raised in Gothenburg, Wakenius played guitar from early childhood. At first self-taught, he later studied at the Gothenburg Conservatoire. Initially interested in contemporary blues, he later moved into jazz. By his late teens he was already known as a session musician, and in the mid- to late '70s he was a member of the Swedish bands Sundance and Mwendo Dawa. He later toured Europe, and in the early '80s he and fellow guitarist Peter Almqvist formed Guitars Unlimited, recording Introducing Guitars Unlimited Duo (1983) and Acoustic Shokk (1985). Wakenius also recorded with Svend Asmussen and visited South America, playing concerts and recording.

In these years, he also began working with bass player Niels-Henning Ørsted Pedersen, establishing a strong working relationship that lasted until Ørsted Pedersen's death in 2005. In the early '90s, Wakenius was a member of Grafitti with drummer Dennis Chambers, bass player Gary Grainger, and keyboard player Haakon Graf, recording 1992's Good Groove. Among many other jazz musicians with whom Wakenius has worked and sometimes recorded are Art Farmer, Herbie Hancock, Joe Henderson, and Clark Terry, to name a few.

Wakenius has also led his own bands, notably a strong group featuring Chris Minh Doky and his brother Niels Lan Doky, Randy Brecker, Lars Danielsson, Bob Berg, saxophonist Bill Evans, and Jack DeJohnette that released the album Venture on L+R Records in 1992. He also led the Stellar Quintet, which included Michael Brecker and Ray Brown, and began working with Brown on recordings such as Seven Steps to Heaven (1995) and Summertime (1997).

In 1997, Wakenius joined Oscar Peterson's quartet, touring internationally with the pianist and appearing on the following year's A Summer Night in Munich. This particular edition of the pianist's group also included Ørsted Pedersen and drummer Martin Drew. That same year, he also delivered his own Dig In, featuring pianist Gösta Rundqvist, bassist Yasuhito Mori, and drummer Jukkis Uotila.

Following the turn of the millennium, Wakenius has stayed active delivering a number of efforts for the ACT label, including the 2005 Keith Jarrett tribute Notes from the Heart, 2008's Love Is Real, and 2010's Signature Edition 2. He then paired with bassist Lars Danielsson and accordionist Vincent Peirani for 2012's Vagabond, followed two years later by Momento Magico. In 2017, he joined his son, guitarist Eric Wakenius, for the duo album Father & Son.
https://www.allmusic.com/artist/ulf-wakenius-mn0000213004#biography

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Biografía por Rovi Staff
Ulf Wakenius es un hábil guitarrista sueco con un estilo ágil y flexible, capaz de tocar una amplia gama de estilos musicales, aunque es más conocido por su trabajo en el jazz directo y post-bop. Nacido en abril de 1958 en Halmstad (Suecia) y criado en Gotemburgo, Wakenius tocó la guitarra desde su infancia. Primero fue autodidacta y más tarde estudió en el Conservatorio de Gotemburgo. Al principio se interesó por el blues contemporáneo, pero más tarde se inclinó por el jazz. Al final de su adolescencia ya era conocido como músico de sesión, y a mediados y finales de los 70 formó parte de los grupos suecos Sundance y Mwendo Dawa. Más tarde realizó giras por Europa, y a principios de los 80 formó con su compañero guitarrista Peter Almqvist Guitars Unlimited, con el que grabó Introducing Guitars Unlimited Duo (1983) y Acoustic Shokk (1985). Wakenius también grabó con Svend Asmussen y visitó Sudamérica, dando conciertos y grabando.

En estos años, también empezó a trabajar con el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen, estableciendo una sólida relación laboral que duró hasta la muerte de Ørsted Pedersen en 2005. A principios de los 90, Wakenius formó parte de Grafitti con el batería Dennis Chambers, el bajista Gary Grainger y el teclista Haakon Graf, y grabaron Good Groove en 1992. Entre otros muchos músicos de jazz con los que Wakenius ha trabajado y a veces grabado se encuentran Art Farmer, Herbie Hancock, Joe Henderson y Clark Terry, por nombrar algunos.

Wakenius también ha dirigido sus propias bandas, en particular un sólido grupo en el que participaban Chris Minh Doky y su hermano Niels Lan Doky, Randy Brecker, Lars Danielsson, Bob Berg, el saxofonista Bill Evans y Jack DeJohnette, que publicó el álbum Venture en L+R Records en 1992. También dirigió el Stellar Quintet, que incluía a Michael Brecker y Ray Brown, y empezó a trabajar con Brown en grabaciones como Seven Steps to Heaven (1995) y Summertime (1997).

En 1997, Wakenius se unió al cuarteto de Oscar Peterson, con el que realizó una gira internacional y participó en el álbum del año siguiente A Summer Night in Munich. Esta edición concreta del grupo del pianista incluía también a Ørsted Pedersen y al batería Martin Drew. Ese mismo año, también presentó su propio Dig In, con el pianista Gösta Rundqvist, el bajista Yasuhito Mori y el batería Jukkis Uotila.

Tras el cambio de milenio, Wakenius se ha mantenido activo publicando una serie de trabajos para el sello ACT, como el tributo a Keith Jarrett Notes from the Heart de 2005, Love Is Real de 2008 y Signature Edition 2 de 2010. Luego se asoció con el bajista Lars Danielsson y el acordeonista Vincent Peirani para Vagabond de 2012, seguido dos años más tarde por Momento Magico. En 2017, se unió a su hijo, el guitarrista Eric Wakenius, para el álbum a dúo Father & Son.
https://www.allmusic.com/artist/ulf-wakenius-mn0000213004#biography


https://www.ulfwakenius.net/


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The Stephane Wrembel Trio • Gypsy Rumble

 



Review by Anthony Tognazzini
French guitarist Stephane Wrembel clearly emulates fellow countryman and musician Django Reinhardt. Yet Wrembel’s Reinhardt-influenced playing doesn’t lose charm for its easy-to-spot inspiration. Instead, GYPSY RUMBLE, recorded with Wrembel’s trio and special guest David Grisman on mandolin, fuses the gypsy jazz of Reinhardt with various world music influences and postmodern flourishes in fresh and exciting ways. The album comes highly recommended to fans of Reinhardt, gypsy music, or acoustic classical guitar.
https://www.allmusic.com/album/gypsy-rumble-mw0000801646#review

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Reseña de Anthony Tognazzini
El guitarrista francés Stephane Wrembel emula claramente a su compatriota y músico Django Reinhardt. Sin embargo, la interpretación de Wrembel influenciada por Reinhardt no pierde encanto por su inspiración fácil de detectar. En cambio, GYPSY RUMBLE, grabado con el trío de Wrembel y el invitado especial David Grisman en la mandolina, fusiona el jazz gitano de Reinhardt con diversas influencias de la música mundial y florece posmoderno de maneras frescas y emocionantes. El álbum es muy recomendable para los fanáticos de Reinhardt, la música gitana o la guitarra acústica clásica.
https://www.allmusic.com/album/gypsy-rumble-mw0000801646#review



www.stephanewrembel.com ...


Roy Eldridge • Roy's Got Rhythm

 



Review by Scott Yanow
Between his Paris sessions of 1950 and 1951 for Vogue, trumpeter Roy Eldridge traveled to Sweden and recorded nine spirited selections for Metronome which were reissued on this EmArcy LP. None of Eldridge's sidemen (except for clarinetist Ove Lind who is just on two songs) gained much of a reputation outside of Sweden, but they fare well during these fairly basic performances which are based in swing but also influenced a little by early rhythm & blues. Highlights include "The Heat's On," the two-part "Saturday Nite Fish Fry," "School Days," "Echoes of Harlem" and a pair of numbers that feature Charles Norman on harpsichord. A bit of a collector's item, this LP will be difficult to find.
https://www.allmusic.com/album/roys-got-rhythm-mw0000870385

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Reseña de Scott Yanow
Entre sus sesiones de París de 1950 y 1951 para Vogue, el trompetista Roy Eldridge viajó a Suecia y grabó nueve selecciones animadas para Metronome que fueron reeditadas en este LP de EmArcy. Ninguno de los acompañantes de Eldridge (excepto el clarinetista Ove Lind, que solo está en dos canciones) ganó mucha reputación fuera de Suecia, pero les va bien durante estas actuaciones bastante básicas que se basan en el swing pero también están influenciadas un poco por el rhythm & blues temprano. Los aspectos más destacados incluyen "The Heat's On", las dos partes "Saturday Nite Fish Fry", "School Days", "Echoes of Harlem" y un par de números que presentan a Charles Norman en el clavicordio. Un poco de un artículo de coleccionista, este LP será difícil de encontrar.
https://www.allmusic.com/album/roys-got-rhythm-mw0000870385


Stephane Grappelli • Live In San Francisco

 



Review by Scott Yanow
Although it does not say it anywhere, 11 of the 16 selections on this 1998 Storyville CD were originally on an LP put out 15 years earlier by the now defunct Black-Hawk label. For this fairly typical concert which does not have many surprises but is filled with plenty of joyful swing, Grappelli is teamed with guitarists Martin Taylor and Diz Disley plus bassist Jack Sewing. Most of the songs are swing standards, including "I Got Rhythm," "Fascinating Rhythm," "Honeysuckle Rose" and "Them There Eyes." Grappelli switches to piano for brief versions of "Tea for Two" and "Danny Boy" and there are a couple departures ("You are the Sunshine of My Life" and the Beatles' "Here, There and Everywhere"). The closing "Sweet Georgia Brown" finds four guests (David Grisman and Mike Marshall on mandolins, violinist Darol Anger and bassist Rob Wasserman) joining the group for some rollicking swing.
https://www.allmusic.com/album/live-in-san-francisco-mw0000195103

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Reseña de Scott Yanow
Aunque no lo dice en ninguna parte, 11 de las 16 selecciones de este CD de Storyville de 1998 estaban originalmente en un LP lanzado 15 años antes por el ahora desaparecido sello Black-Hawk. Para este concierto bastante típico que no tiene muchas sorpresas pero está lleno de swing alegre, Grappelli se une a los guitarristas Martin Taylor y Diz Disley más el bajista Jack Sewing. La mayoría de las canciones son estándares de swing, incluyendo "I Got Rhythm", "Fascinating Rhythm", "Honeysuckle Rose" y "Them There Eyes". Grappelli cambia al piano para versiones breves de "Tea for Two" y "Danny Boy" y hay un par de salidas ("You are the Sunshine of My Life" y "Here, There and Everywhere" de los Beatles). El cierre de "Sweet Georgia Brown" encuentra a cuatro invitados (David Grisman y Mike Marshall en mandolinas, el violinista Darol Anger y el bajista Rob Wasserman) uniéndose al grupo para un swing alegre.
https://www.allmusic.com/album/live-in-san-francisco-mw0000195103


J.R. Monterose • In Action

 



Brilliant work by JR Monterose -- an obscure album cut after his Blue Note date, with backing by a small Iowa combo! The sound is very hip -- as sharp-edged and stand out as any of JR's other few albums -- and the regional setting of the album doesn't dim the fire a bit! The core trio here is led by drummer Joe Abodeely -- who most likely set up the whole date -- but given the structure of the tunes, it's also clear that JR's tenor is one of the main attractions -- and gets plenty of room to stretch out on the album's mid-length tracks. Most tunes are nice and fresh -- and titles include "I Should Care", "Waltz For Claire", "That You Are", "Herky Hawks", and "Red Devil".
https://www.dustygroove.com/item/538724/JR-Monterose:JR-Monterose-In-Action-Plus-The-Joe-Abodeely-Trio

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Brillante trabajo de JR Monterose an un álbum oscuro cortado después de su fecha de Blue Note, con el respaldo de un pequeño combo de Iowa! El sonido es muy moderno, tan afilado y destacado como cualquiera de los otros pocos álbumes de JR, y la configuración regional del álbum no atenúa un poco el fuego. El trío principal aquí está liderado por el baterista Joe Abodeely, quien probablemente organizó toda la fecha , pero dada la estructura de las canciones, también está claro que el tenor de JR es una de las principales atracciones, y tiene mucho espacio para estirarse en las pistas medias del álbum. La mayoría de las canciones son agradables y frescas, y los títulos incluyen "I Should Care", "Waltz For Claire", "That You Are", "Herky Hawks "y"Red Devil".
https://www.dustygroove.com/item/538724/JR-Monterose:JR-Monterose-In-Action-Plus-The-Joe-Abodeely-Trio


The Rodríguez Brothers • Impromptu

 



US jazz ensemble, led by Michael and Robert Rodriguez


rodbrosmusic.com ...


David Hazeltine Trio-Quartet • A World For Her

 


David Hazeltine is one of a handful of contemporary pianists who has mastered all of the major musical skills, from improvisation and technique, to accompaniment, arranging, and composition. Even more impressive, David is the rare artist able to innovate in each category. Thus it’s no surprise that he’s the most recorded contemporary jazz pianist of our time, having recorded thirty five cd’s as a leader and hundreds more as a sideman, on various major labels globally. A Milwaukee native, David was playing the clubs as a preteen, and before he’d even come of age he was already grabbing the attention and respect of jazz legends like Sonny Stitt, and Chet Baker. They urged him to make the move to New York City, which he did in 1992.
Beautifully complex and memorable

The mark of a true artist, David’s style appeals to a wide range of musical tastes and levels of sophistication. His melodies and harmonies are beautifully complex and memorable. As a composer and instrumentalist, he has developed a signature style that is readily recognizable. His cooperative group “One For All” featuring tenor great Eric Alexander, has attained critical acclaim with their impressive 16 cd discography, and live concerts worldwide including appearances at the North Sea Jazz Festival and the Newport Jazz Festival.

Hazeltine is one of the most sought after pianists today. He has worked with some of the world’s most respected jazz legends including James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks, and Marlena Shaw. David is known for taking a familiar or unexpected song and making it new, making it his own. He effortlessly transfers this skill from song to stage. Whether he’s composing or interpreting, accompanying or leading, you are certain to end the set remembering the sounds of David Hazeltine.
Carrying the art forward

A brilliant teacher, David is also determined to carry the art forward to the next generation. Formerly an Associate Professor at Berklee, he currently teaches at SUNY-Purchase in New York. David is also a highly skilled clinician, and has served on the Jamey Aebersold Summer Jazz Camp faculty for the past 15 years. His teaching has had a major impact on many of today’s young professional pianists including Ben Markley, who published his doctorate “The David Hazeltine Method” based on his lessons with Mr. Hazeltine. Hal Leonard has published the new “Real Book - Enhanced Edition”, featuring David’s own re-harmonizations of 200 well known standards. Lessons from David are also available on his online workshops; check out his sessions on harmony at www.jazzpianomastery.com, and on the essentials of bebop at www.mymusicmasterclass.com.

Check the itinerary for upcoming dates; don’t miss your chance to hear one of the most talented and accomplished jazz pianists of our time.
https://www.davidhazeltine.com/biography

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David Hazeltine es uno de los pocos pianistas contemporáneos que domina las principales habilidades musicales, desde la improvisación y la técnica hasta el acompañamiento, los arreglos y la composición. Aún más impresionante, David es el raro artista capaz de innovar en cada categoría. Por eso no es de extrañar que sea el pianista de jazz contemporáneo más grabado de nuestro tiempo, con treinta y cinco discos como líder y cientos más como acompañante, en varios de los principales sellos del mundo. Nacido en Milwaukee, David ya tocaba en los clubes cuando era un preadolescente, y antes de cumplir la mayoría de edad ya había captado la atención y el respeto de leyendas del jazz como Sonny Stitt y Chet Baker. Ellos le animaron a trasladarse a Nueva York, lo que hizo en 1992.
Bellamente complejo y memorable

La marca de un verdadero artista, el estilo de David atrae a una amplia gama de gustos musicales y niveles de sofisticación. Sus melodías y armonías son hermosamente complejas y memorables. Como compositor e instrumentista, ha desarrollado un estilo propio fácilmente reconocible. Su grupo cooperativo "One For All", en el que participa el gran tenor Eric Alexander, ha sido aclamado por la crítica gracias a su impresionante discografía de 16 CD y a sus conciertos en directo en todo el mundo, incluidas sus apariciones en el Festival de Jazz del Mar del Norte y en el Festival de Jazz de Newport.

Hazeltine es uno de los pianistas más solicitados de la actualidad. Ha trabajado con algunas de las leyendas del jazz más respetadas del mundo, como James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks y Marlena Shaw. David es conocido por tomar una canción conocida o inesperada y convertirla en algo nuevo, haciéndola suya. Transfiere sin esfuerzo esta habilidad de la canción al escenario. Ya sea componiendo o interpretando, acompañando o dirigiendo, seguro que acabas el concierto recordando los sonidos de David Hazeltine.
Llevar el arte adelante

David, un brillante profesor, también está decidido a transmitir el arte a la próxima generación. Fue profesor asociado en Berklee y actualmente enseña en SUNY-Purchase, en Nueva York. David es también un clínico altamente cualificado, y ha formado parte del profesorado del Campamento de Jazz de Verano Jamey Aebersold durante los últimos 15 años. Su enseñanza ha tenido un gran impacto en muchos de los jóvenes pianistas profesionales de hoy en día, incluyendo a Ben Markley, quien publicó su doctorado "The David Hazeltine Method" basado en sus lecciones con el Sr. Hazeltine. Hal Leonard ha publicado el nuevo "Real Book - Enhanced Edition", que incluye las rearmonizaciones del propio David de 200 estándares muy conocidos. Las lecciones de David también están disponibles en sus talleres en línea; echa un vistazo a sus sesiones sobre armonía en www.jazzpianomastery.com, y sobre los fundamentos del bebop en www.mymusicmasterclass.com.

Consulte el itinerario para conocer las próximas fechas; no pierda la oportunidad de escuchar a uno de los pianistas de jazz con más talento y talento de nuestro tiempo.
https://www.davidhazeltine.com/biography 



www.davidhazeltine.com ...

 

 

Frank Vignola • Blues For A Gypsy

 



Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
While Django Reinhardt offered a distinct way to approach the acoustic guitar and has been recognized as a genius, his style has often had to stand in the shadow of electric players in the Charlie Christian tradition. Fortunately, recent trends toward older forms of jazz have led labels like Concord and Acoustic Disc to record exciting, Reinhardt-flavored guitarists like Frank Vignola. Blues for a Gypsy offers a rich collection of 16 originals and classics played on solo acoustic guitar. From the opening cut, "Donna Lee," this album is a feast of bluesy jazz, both fresh and invigorating. This album follows in the tradition of Joe Pass' Virtuoso series, presenting Vignola with the challenge of creating a full, engaging sound all by himself. The lazy blues-injected title cut begins with a long, playful introduction before falling into an intimate, late-night groove. The guitarist pulls out an array of techniques on the gypsy-flavored "Tears," stringing together individual notes and tastefully placed chords. He approaches "Limehouse Blues" as though determined to render it as no one ever has, setting forth an exciting, uncanny take on this classic. Self-penned originals like "By the Fire" and "Fishing With Django" fit snugly beside classic selections. The music never meanders, with most of the material on Blues for a Gypsy hovering around the three minute mark. These solo recordings, with the warmth of the acoustic guitar, give the impression of overhearing a musician quietly playing at home. The intimacy and passion of Vignola's performance guarantees that Blues for a Gypsy will be warmly received by guitar aficionados.
https://www.allmusic.com/album/blues-for-a-gypsy-mw0000005261

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Reseña de Ronnie D. Lankford, Jr.
Aunque Django Reinhardt ofreció una forma distinta de acercarse a la guitarra acústica y ha sido reconocido como un genio, su estilo a menudo ha tenido que permanecer a la sombra de los intérpretes eléctricos de la tradición de Charlie Christian. Afortunadamente, las recientes tendencias hacia formas más antiguas de jazz han llevado a sellos como Concord y Acoustic Disc a grabar a guitarristas apasionantes, con sabor a Reinhardt, como Frank Vignola. Blues for a Gypsy ofrece una rica colección de 16 originales y clásicos tocados con guitarra acústica solista. Desde el primer corte, "Donna Lee", este álbum es un festín de jazz bluesy, a la vez fresco y vigorizante. Este álbum sigue la tradición de la serie Virtuoso de Joe Pass, presentando a Vignola el reto de crear un sonido completo y atractivo él solo. El perezoso corte que da título al disco, con una inyección de blues, comienza con una introducción larga y juguetona antes de caer en un groove íntimo y nocturno. El guitarrista despliega un arsenal de técnicas en "Tears", con sabor gitano, encadenando notas individuales y acordes colocados con gusto. Se acerca a "Limehouse Blues" como si estuviera decidido a interpretarlo como nadie lo ha hecho nunca, creando una emocionante y extraña versión de este clásico. Temas originales de su autoría como "By the Fire" y "Fishing With Django" encajan perfectamente junto a selecciones clásicas. La música nunca decae, y la mayor parte del material de Blues for a Gypsy ronda los tres minutos. Estas grabaciones en solitario, con la calidez de la guitarra acústica, dan la impresión de estar escuchando a un músico tocando tranquilamente en casa. La intimidad y la pasión de la interpretación de Vignola garantizan que Blues for a Gypsy será muy bien recibido por los aficionados a la guitarra.
https://www.allmusic.com/album/blues-for-a-gypsy-mw0000005261


www.frankvignola.com ...


Monday, October 30, 2023

Maynard Ferguson • Dimensions


 

Insect Surfers • Reverb Sun

 



Review by Adam Bregman
Part of the early '90s brief surf revival, L.A.'s Insect Surfers were a traditional surf outfit, playing mostly reverb-heavy instrumentals. Unlike other bands from this period, such as the Bomboras, who set fire to their instruments, added organ to their sound, and featured a go-go dancer, or Alabama's Man or Astro-Man?, who added a spaced-out rock theme to their take on surf music, the Insect Surfers played it completely straight. They wore shorts and looked like guys who probably really surfed. Almost every song on Reverb Sun is an original, and these guys know their way around the genre. Some of these tunes sound like classic surf covers, an example of the band's superb songwriting prowess. It's not heavy rock stuff, nor is it a particularly thrilling take on surf music, but for modern Ventures-style traditional surf music, Reverb Sun cannot be beat.
https://www.allmusic.com/album/reverb-sun-mw0000098343

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Reseña de Adam Bregman
Los Insect Surfers de Los Ángeles, que formaron parte del breve renacimiento del surf de principios de los 90, eran un grupo de surf tradicional que tocaba sobre todo temas instrumentales con mucha reverberación. A diferencia de otras bandas de este período, como los Bomboras, que prendieron fuego a sus instrumentos, añadieron órgano a su sonido y contaron con una bailarina go-go, o Alabama's Man o Astro-Man?, que añadieron un tema de rock espaciado a su visión de la música surf, los Insect Surfers jugaron completamente recto. Vestían pantalones cortos y parecían tipos que probablemente hacían surf de verdad. Casi todas las canciones de Reverb Sun son originales, y estos chicos conocen bien el género. Algunos de estos temas suenan como versiones de clásicos del surf, un ejemplo de la soberbia habilidad compositiva de la banda. No es un disco de rock pesado, ni una versión especialmente emocionante de la música surf, pero si lo que buscas es música surf tradicional al estilo de Ventures, Reverb Sun es insuperable.
https://www.allmusic.com/album/reverb-sun-mw0000098343


https://www.insectsurfers.com/


Saturday, October 28, 2023

Johnny Griffin • The Congregation

 


 

Biography
by Michael G. Nastos
One of the all-time great tenor saxophonists, Johnny Griffin will go down in the annals of jazz as a performer easily able to negotiate the tricky harmonic changes and swift tempos of modern music. He'll also be remembered as a player who could masterfully interpret tender ballads, rivaling Ben Webster in that regard.

Born John Arnold Griffin III in Chicago, Illinois, on April 24, 1928, he resided on the South Side of the Second City with his mother, who was a singer, and father, who played cornet. An adolescent Griffin heard Gene Ammons play in the big band of King Kolax. Two years later he picked up an alto saxophone, and soon thereafter was working with bluesman T-Bone Walker. A student at DuSable High School, he was tutored by the legendary band director Captain Walter Dyett. Upon graduation, he toured with Lionel Hampton's big band, switched to the tenor sax, and moved to New York City. The late '40s saw Griffin honking his share of R&B with Joe Morris up to 1950, alongside the band of Jo Jones in 1950, and with Arnett Cobb in 1951. He enlisted in the armed services stationed in Hawaii, and played in an Army band.

After his military commitment, he returned to Chicago and was in the company of Thelonious Monk's various ensembles up to the mid-'60s. Griffin cut his Blue Note album Introducing Johnny Griffin in 1958, and that year formed a sextet with Detroiters Pepper Adams and Donald Byrd. He collaborated with pianists Bud Powell and Elmo Hope, was enlisted by Art Blakey briefly as a member of the Jazz Messengers, energized his solo recording career for the Riverside label, and obtained his nickname, The Little Giant, with that eponymously titled LP in 1959. His most famous and popular teaming was with fellow saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis. Griffin also recorded the legendary A Blowin' Session for the Blue Note label with John Coltrane and Hank Mobley.

But Griffin grew weary of the U.S. and its apathy regarding jazz, so he became an expatriate. He was living in Paris, France, by 1963, and did many albums with European rhythm sections for the Storyville, Black Lion, and Steeplechase labels. He was also a charter member and chief soloist for many years in the Kenny Clarke-Francy Boland Big Band alongside American and Continental standouts. The year 1975 was an important one for Griffin, who was featured with the bands of Dizzy Gillespie and Count Basie as documented in recordings of their sets at the Montreux Jazz Festival. He also collaborated with German saxophonist Klaus Doldinger and his fusion band Passport. In the late '70s, Griffin returned to the States to record for the Galaxy label, and toured with fellow expatriate tenor saxophonist Dexter Gordon.

He left Paris for the countryside of the Netherlands to live on a farm, then headed to the Côte d'Azur in 1980, and in 1984 to rural Availles-Limouzine. In 1986 he was a member of the Paris Reunion Band with Woody Shaw, Dizzy Reece, Slide Hampton, and Kenny Drew, making one album for the Sonet label. During his time in France, Griffin recorded for the Antilles and Verve labels, including The Cat in 1991 and Chicago, New York, Paris in 1994. On the weeks of his birthday, Griffin made regular appearances at the Jazz Showcase back home in Chicago. In his later years he collaborated with pianist Martial Solal and saxophonist Steve Grossman. Griffin passed away at age 80 on July 25, 2008.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-griffin-mn0000213510/biography

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Biografía
por Michael G. Nastos
Johnny Griffin, uno de los mejores saxofonistas tenores de todos los tiempos, pasará a los anales del jazz como un intérprete capaz de negociar con facilidad los complicados cambios armónicos y los rápidos tempos de la música moderna. También será recordado como un músico que podía interpretar magistralmente tiernas baladas, rivalizando con Ben Webster en ese aspecto.

Nacido como John Arnold Griffin III en Chicago, Illinois, el 24 de abril de 1928, residía en el lado sur de la Segunda Ciudad con su madre, que era cantante, y su padre, que tocaba la corneta. Un Griffin adolescente escuchó a Gene Ammons tocar en la gran banda de King Kolax. Dos años más tarde cogió un saxofón alto, y poco después estaba trabajando con el bluesman T-Bone Walker. Como estudiante de la DuSable High School, fue tutelado por el legendario director de banda Captain Walter Dyett. Tras su graduación, realizó una gira con la big band de Lionel Hampton, se cambió al saxo tenor y se trasladó a Nueva York. A finales de los años 40, Griffin tocó su parte de R&B con Joe Morris hasta 1950, junto a la banda de Jo Jones en 1950, y con Arnett Cobb en 1951. Se alistó en las fuerzas armadas con destino en Hawai, y tocó en una banda del ejército.

Tras su compromiso militar, regresó a Chicago y estuvo en compañía de los distintos conjuntos de Thelonious Monk hasta mediados de los años 60. Griffin grabó su álbum de Blue Note Introducing Johnny Griffin en 1958, y ese año formó un sexteto con los de Detroit Pepper Adams y Donald Byrd. Colaboró con los pianistas Bud Powell y Elmo Hope, fue reclutado brevemente por Art Blakey como miembro de los Jazz Messengers, impulsó su carrera de grabación en solitario para el sello Riverside y obtuvo su apodo, The Little Giant, con ese LP de título epónimo en 1959. Su colaboración más famosa y popular fue con su compañero saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis. Griffin también grabó la legendaria A Blowin' Session para el sello Blue Note con John Coltrane y Hank Mobley.

Pero Griffin se cansó de Estados Unidos y de su apatía hacia el jazz, así que se convirtió en un expatriado. En 1963 vivía en París, Francia, y grabó muchos discos con secciones rítmicas europeas para los sellos Storyville, Black Lion y Steeplechase. También fue miembro fundador y principal solista durante muchos años de la Kenny Clarke-Francy Boland Big Band, junto a figuras americanas y continentales. El año 1975 fue importante para Griffin, que participó en las bandas de Dizzy Gillespie y Count Basie, como se documenta en las grabaciones de sus actuaciones en el Festival de Jazz de Montreux. También colaboró con el saxofonista alemán Klaus Doldinger y su grupo de fusión Passport. A finales de los años 70, Griffin regresó a Estados Unidos para grabar para el sello Galaxy, y realizó una gira con el también saxofonista tenor expatriado Dexter Gordon.

Abandonó París para irse a vivir a una granja en Holanda, luego se fue a la Costa Azul en 1980, y en 1984 a la zona rural de Availles-Limouzine. En 1986 formó parte de la Paris Reunion Band con Woody Shaw, Dizzy Reece, Slide Hampton y Kenny Drew, y grabó un álbum para el sello Sonet. Durante su estancia en Francia, Griffin grabó para los sellos Antilles y Verve, incluyendo The Cat en 1991 y Chicago, New York, Paris en 1994. En las semanas de su cumpleaños, Griffin hacía apariciones regulares en el Jazz Showcase de su ciudad natal, Chicago. En sus últimos años colaboró con el pianista Martial Solal y el saxofonista Steve Grossman. Griffin falleció a los 80 años el 25 de julio de 2008.
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Duke Pearson • The Right Touch

 



Review by Scott Yanow
Duke Pearson rises to the challenge of writing for an all-star octet (with trumpeter Freddie Hubbard, trombonist Garnett Brown, altoist James Spaulding, Jerry Dodgion on alto and flute, Stanley Turrentine on tenor, bassist Gene Taylor, drummer Grady Tate, and the leader/pianist), contributing colorful frameworks and consistently challenging compositions. The set is full of diverse melodies (the CD reissue has a previously unissued take of "Los Malos Hombres") played by a variety of distinctive soloists; many of these songs deserve to be revived. This is one of the finest recordings of Duke Pearson's career.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524

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Crítica de Scott Yanow
Duke Pearson se enfrenta al reto de escribir para un octeto de estrellas (con el trompetista Freddie Hubbard, el trombonista Garnett Brown, el contralto James Spaulding, Jerry Dodgion en el contralto y la flauta, Stanley Turrentine en el tenor, el bajista Gene Taylor, el baterista Grady Tate, y el líder/pianista), aportando coloridos marcos y composiciones consistentemente desafiantes. El conjunto está lleno de melodías diversas (la reedición en CD contiene una toma inédita de "Los Malos Hombres") interpretadas por una variedad de solistas distintivos; muchas de estas canciones merecen ser revividas. Se trata de una de las mejores grabaciones de la carrera de Duke Pearson.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524


Oliver Nelson • 3-2-1-0

 

 
Biography by Scott Yanow
The Blues and the Abstract Truth
Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

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Biografía de Scott Yanow
El blues y la verdad abstracta
Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography


Clifford Lamb • Blues & Hues New Orleans

 



Clifford Lamb was born in New York City and began playing classical piano at the age of 5. He discovered Jazz at age 16 and was fortunate to beg<uck” Bailey, John Handy and Darrell Green.

His piano style has been shaped by such influential past masters as Oscar Peterson, Chick Corea, and Herbie Hancock. But he has also delved into the music of such younger musicians as pianists Robert Glasper, and Danilo Perez and trumpeters Nicholas Payton and Ambrose Akinmusire.

Clifford’s first Recording, released in 1999, featured Victoria Ryan (Cat Stevens, Herbie Hancock) and was followed by his nationally recognized 2008 release “One” featuring his own compositions and arrangements.

In 2016, Clifford’s recording, “Bridges” was recorded live to two tracks and released nationally and internationally on Weberworks. Featuring Cindy Blackman Santana and Buster Williams, the recording was produced by highly lauded producer, Jeffrey Weber, and enjoyed significant airplay on over 300 stations world-wide.

His follow up effort, “Brothers & Sisters, also recorded live to two tracks and produced by Jeffrey Weber, was released in 2017, again for Weberworks. The album again features his trio, Cindy Blackman Santana and Buster Williams along with special guest, Nicholas Payton. “Brothers & Sisters” reached the top 50 on the jazz charts and was overwhelmingly accepted by over 400 radio stations.

Clifford teamed up again with producer Jeffrey Weber for his next live two track recording, “Blues & Hues,” released in 2019 on Weberworks. For this exceptionally unique offering, Clifford gathered his quartet, Cindy Blackman Santana, Buster Williams and Nicholas Payton for this album of “mashups” but also added a host of special guests on woodwinds, guitars, vocals and even a rapper. This project features a series of Clifford’s original compositions intertwined with songs that have had an impact on Clifford or were sources of inspiration.

Clifford’s library of recordings all feature his deeply passionate themes of oppression, dissension, retribution and redemption. The live two track recording methodology literally captures his performances and offers Clifford at his most searing emotional, in the moment, expression of vulnerability and determination.
https://cliffordlambmusic.com/bio

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Clifford Lamb nació en la ciudad de Nueva York y comenzó a tocar el piano clásico a la edad de 5 años. Descubrió el Jazz a los 16 años y tuvo la suerte de comenzar sus estudios de jazz con el pianista de Wes Montgomery, Richard Crabtree.

Estudió piano y arreglos en el famoso Berklee College of Music de Boston. Mientras completaba sus estudios en Berklee, Clifford tocó con músicos estelares como Kevin Eubanks( The Tonight Show with Jay Leno), Tommy Campbell (Mahavishnu, Dizzy Gillespie) entre muchos otros.

Poco después, actuó como pianista oficial, incluida una temporada con la Orquesta Tommy Dorsey antes de establecerse en Los Ángeles, donde acredita a héroes locales como los bajistas Larry Gales y Henry Franklin como influencias clave. Actuó allí con Carl Burnett, John Pattitucci (Chick Corea, Herbie Hancock), Henry" Skipper " Franklin, George Adams y muchos otros.

Finalmente se mudó al Área de la Bahía, donde, y después de un ligero respiro de la escena, se volvió a dedicar a la música. Sus actuaciones en San Francisco incluyeron colaboraciones con Herbie Lewis (McCoy Tyner, Jackie Maclean), Donald" Duck " Bailey, John Handy y Darrell Green.

Su estilo de piano ha sido moldeado por maestros pasados tan influyentes como Oscar Peterson, Chick Corea y Herbie Hancock. Pero también ha profundizado en la música de músicos más jóvenes como los pianistas Robert Glasper y Danilo Pérez y los trompetistas Nicholas Payton y Ambrose Akinmusire.

La primera grabación de Clifford, lanzada en 1999, contó con Victoria Ryan (Cat Stevens, Herbie Hancock) y fue seguida por su lanzamiento de 2008, reconocido a nivel nacional, "One", con sus propias composiciones y arreglos.

En 2016, la grabación de Clifford, "Bridges", se grabó en vivo en dos pistas y se lanzó a nivel nacional e internacional en Weberworks. Con Cindy Blackman Santana y Buster Williams, la grabación fue producida por el aclamado productor Jeffrey Weber, y disfrutó de una gran cobertura en más de 300 estaciones en todo el mundo.

Su siguiente esfuerzo, "Brothers & Sisters, también grabado en vivo a dos pistas y producido por Jeffrey Weber, fue lanzado en 2017, nuevamente para Weberworks. El álbum nuevamente presenta a su trío, Cindy Blackman Santana y Buster Williams junto con el invitado especial, Nicholas Payton. "Brothers & Sisters" alcanzó el top 50 en las listas de jazz y fue abrumadoramente aceptado por más de 400 estaciones de radio.

Clifford se asoció nuevamente con el productor Jeffrey Weber para su próxima grabación en vivo de dos pistas, "Blues & Hues", lanzada en 2019 en Weberworks. Para esta oferta excepcionalmente única, Clifford reunió a su cuarteto, Cindy Blackman Santana, Buster Williams y Nicholas Payton para este álbum de "mashups", pero también agregó una gran cantidad de invitados especiales en instrumentos de viento, guitarras, voces e incluso un rapero. Este proyecto presenta una serie de composiciones originales de Clifford entrelazadas con canciones que han tenido un impacto en Clifford o que fueron fuentes de inspiración.

La biblioteca de grabaciones de Clifford presenta sus temas profundamente apasionados de opresión, disensión, retribución y redención. La metodología de grabación en vivo de dos pistas captura literalmente sus actuaciones y ofrece a Clifford en su expresión emocional más ardiente, en el momento, de vulnerabilidad y determinación.
https://cliffordlambmusic.com/bio



cliffordlambmusic.com ...


Joe Howard • Something Smooth

 



Real Name: Francis L - Howard

American trombone player, born November, 3 1919, Batesville, Indiana, died 1995.

Played trombone with such bands as Stan Kenton, Ben Pollack, Will Osborne, Woody Herman, and Gene Krupa.
https://www.discogs.com/artist/334574-Joe-Howard

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Nombre real: Francis L - Howard

Trombonista estadounidense, nacido el 3 de noviembre de 1919, Batesville, Indiana, fallecido en 1995.

Tocó el trombón con bandas como Stan Kenton, Ben Pollack, Will Osborne, Woody Herman y Gene Krupa.
https://www.discogs.com/artist/334574-Joe-Howard


www.trombone-usa.com/howard_joe_bio ...


Dave Liebman • John Coltrane's Meditations

 



When it comes seeing how adventurous a person is, John Coltrane's late period is one of the things that separates the men from the boys and the women from the girls. From 1965 until his death in 1967, Trane offered the most atonal of free jazz-and his music became so blistering that even some of his most ardent admirers shy away from his late period. But what frightens others is a challenge that Dave Liebman accepts with this CD, which finds the underexposed soprano saxman interpreting the music from Trane's 1965 experiment Meditations.

Very much a risk-taker, Liebman is someone who has often been willing to jump into a variety of challenging situations. By refusing to play it safe and crawl into a comfort zone, he's fallen flat on his face on occasion. But this time, he came out on top. The pieces fall into place nicely for Liebman, who remains faithful to the spirit of this "outside" music but lets his own charm work its magic. Dense, amelodic and abrasive, this isn't easy music to get into. But for those brave enough to make the journey, this spiritual effort reveals more and more of its power and richness with each listen.
By AAJ Staff
June 1, 1998
https://www.allaboutjazz.com/john-coltranes-meditations-dave-liebman-arkadia-jazz-review-by-aaj-staff

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Cuando se trata de ver cuán aventurera es una persona, el período tardío de John Coltrane es una de las cosas que separa a los hombres de los niños y a las mujeres de las niñas. Desde 1965 hasta su muerte en 1967, Trane ofreció el free jazz más atonal,y su música se volvió tan abrasadora que incluso algunos de sus admiradores más ardientes se alejan de su último período. Pero lo que asusta a los demás es un desafío que Dave Liebman acepta con este CD, que encuentra al saxofonista soprano subexpuesto interpretando la música del experimento Meditations de Trane de 1965.

Muy arriesgado, Liebman es alguien que a menudo ha estado dispuesto a saltar a una variedad de situaciones desafiantes. Al negarse a ir a lo seguro y arrastrarse a una zona de confort, en ocasiones se ha caído de bruces. Pero esta vez, llegó a la cima. Las piezas encajan muy bien para Liebman, que permanece fiel al espíritu de esta música "externa" pero deja que su propio encanto haga su magia. Densa, amelódica y abrasiva, esta no es una música fácil de entender. Pero para aquellos lo suficientemente valientes como para hacer el viaje, este esfuerzo espiritual revela más y más de su poder y riqueza con cada escucha.
Por AAJ Staff
1 de junio de 1998
https://www.allaboutjazz.com/john-coltranes-meditations-dave-liebman-arkadia-jazz-review-by-aaj-staff


davidliebman.com ...


Friday, October 27, 2023

Stan Getz • Live at The Hi-Hat - 1953

 




Stan Getz is heard here leading what he called his best group to date. He felt he had found a perfect partnerhip with Bob Brookmeyer. Duke Jordan is on piano, Bill Crow on bass, and Al Levitt is on drums. The material consits in beautiful classic standards, except "Sweetie Pie", which was a Getz favourite. Thouroughly enjoyable.

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Aquí se escucha a Stan Getz liderando lo que él llamaba su mejor grupo hasta la fecha. Sentía que había encontrado la pareja perfecta con Bob Brookmeyer. Duke Jordan está al piano, Bill Crow al bajo y Al Levitt a la batería. El material consiste en bellos estándares clásicos, excepto "Sweetie Pie", que era una de las favoritas de Getz. Muy disfrutable.


Harold Vick • Straight Up

 



Review by Jason Ankeny
The superb Straight Up captures Harold Vick's shift away from the lithe tenor/organ sessions of his previous work toward the bold soul-jazz of his finest recordings. Supported by an unusual but effective lineup featuring guitarist Everett Barksdale, vibist Warren Chiasson, bassist Walter Booker, and drummer Hugh Walker, Vick alternates between tenor, soprano, and flute, greatly expanding the parameters of his sound while maintaining the simplicity that is his hallmark. Above all, he remains a remarkably expressive player, communicating more in one or two notes than most reedists say over the span of an entire song.
https://www.allmusic.com/album/straight-up-mw0000669985

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Reseña de Jason Ankeny
El magnífico Straight Up captura el cambio de Harold Vick de las ágiles sesiones de tenor / órgano de su trabajo anterior hacia el atrevido soul-jazz de sus mejores grabaciones. Apoyado por una formación inusual pero efectiva con el guitarrista Everett Barksdale, el vibista Warren Chiasson, el bajista Walter Booker y el baterista Hugh Walker, Vick alterna entre tenor, soprano y flauta, ampliando enormemente los parámetros de su sonido y manteniendo la simplicidad que es su sello distintivo. Por encima de todo, sigue siendo un intérprete notablemente expresivo, que se comunica más en una o dos notas de lo que la mayoría de los reedistas dicen en el lapso de una canción completa.
https://www.allmusic.com/album/straight-up-mw0000669985


Billy Cobham • Crosswinds

 


www.billycobham.com ...



Jeremy Pelt and Wired • Shock Value, Live at Smoke

 


Jeremy Pelt has become one of the preeminent young trumpeters within the world of jazz. Forging a bond with the Mingus Big Band very early on, as his career progressed, Pelt built upon these relationships and many others which eventually lead to collaborations with some of the genre's greatest masters. These projects include performances and recordings with Cliff Barbaro, Keter Betts,
Pelt...maintains a consistent forward momentum.. while he transmits a modern-day sense of urgency with his songs. more »
Bobby "Blue" Bland, Ravi Coltrane, Frank Foster, Winard Harper, Jimmy Heath, Vincent Herring, John Hicks, Charli Persip, Ralph Peterson, Lonnie Plaxico, Bobby Short, Cedar Walton, Frank Wess, Nancy Wilson and The Skatalites, to name a few.

Pelt frequently performs alongside such notable ensembles as the Roy Hargrove Big Band, The Village Vanguard Orchestra and the Duke Ellington Big Band, and is a member of the Lewis Nash Septet and The Cannonball Adderley Legacy Band featuring Louis Hayes. As a leader, Pelt has recorded ten albums and has toured globally with his various ensembles, appearing at many major jazz festivals and concert venues.

Pelt's recordings and performances have earned him critical acclaim, both nationally and internationally. He has been featured in the Wall Street Journal by legendary jazz writer and producer, Nat Hentoff, and was voted Rising Star on the trumpet, five years in a row by Downbeat Magazine and the Jazz Journalist Association. Pelt is currently touring throughout the United States and Europe in support of his latest release, "Soundtrack".
http://jeremypelt.net/biography.html

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Jeremy Pelt se ha convertido en uno de los jóvenes trompetistas más destacados del mundo del jazz. Forjó un vínculo con la Mingus Big Band muy pronto y, a medida que avanzaba su carrera, Pelt fue consolidando estas relaciones y muchas otras que le llevaron a colaborar con algunos de los más grandes maestros del género. Estos proyectos incluyen actuaciones y grabaciones con Cliff Barbaro y Keter Betts,
Pelt... mantiene un constante impulso hacia adelante... al tiempo que transmite un sentido de urgencia actual con sus canciones. más "
Bobby "Blue" Bland, Ravi Coltrane, Frank Foster, Winard Harper, Jimmy Heath, Vincent Herring, John Hicks, Charli Persip, Ralph Peterson, Lonnie Plaxico, Bobby Short, Cedar Walton, Frank Wess, Nancy Wilson y The Skatalites, por nombrar algunos.

Pelt actúa con frecuencia junto a formaciones tan notables como la Roy Hargrove Big Band, The Village Vanguard Orchestra y la Duke Ellington Big Band, y es miembro del Lewis Nash Septet y The Cannonball Adderley Legacy Band con Louis Hayes. Como líder, Pelt ha grabado diez álbumes y ha realizado giras por todo el mundo con sus diversas formaciones, apareciendo en muchos de los principales festivales de jazz y salas de conciertos.

Las grabaciones y actuaciones de Pelt han sido aclamadas por la crítica nacional e internacional. Ha aparecido en el Wall Street Journal de la mano del legendario escritor y productor de jazz Nat Hentoff, y ha sido elegido Rising Star de la trompeta durante cinco años consecutivos por la revista Downbeat y la Jazz Journalist Association. Actualmente, Pelt está de gira por Estados Unidos y Europa en apoyo de su último disco, "Soundtrack".
http://jeremypelt.net/biography.html


http://jeremypelt.net/


Beegie Adair • The Good Lifeː A Jazz Piano Tribute To Tony Bennett.txt

 



A jazz piano tribute to Tony Bennett featuring the Beegie Adair Trio with The Jeff Steinberg Orchestra

For Once In My Life, Because Of You, The Best Is Yet To Come, Smile, Maybe September, The Good Life, I Wanna Be Around, Young And Foolish, Rags To Riches, The Pawnbroker, Steppin’ Out With My Baby, Cold, Cold Heart, I Left My Heart In San

A jazz piano tribute to Tony Bennett featuring the Beegie Adair Trio with The Jeff Steinberg Orchestra

For Once In My Life, Because Of You, The Best Is Yet To Come, Smile, Maybe September, The Good Life, I Wanna Be Around, Young And Foolish, Rags To Riches, The Pawnbroker, Steppin’ Out With My Baby, Cold, Cold Heart, I Left My Heart In San Francisco
https://beegieadair.com/album/336473/the-good-life

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Un homenaje a Tony Bennett con el Beegie Adair Trio y la Jeff Steinberg Orchestra.

For Once In My Life, Because Of You, The Best Is Yet To Come, Smile, Maybe September, The Good Life, I Wanna Be Around, Young And Foolish, Rags To Riches, The Pawnbroker, Steppin' Out With My Baby, Cold, Cold Heart, I Left My Heart In San

Un homenaje a Tony Bennett con el Beegie Adair Trio y la Jeff Steinberg Orchestra.

For Once In My Life, Because Of You, The Best Is Yet To Come, Smile, Maybe September, The Good Life, I Wanna Be Around, Young And Foolish, Rags To Riches, The Pawnbroker, Steppin' Out With My Baby, Cold, Cold Heart, I Left My Heart In San Francisco
https://beegieadair.com/album/336473/the-good-life





Dizzy Gillespie • Perceptions

 

 

Review by Scott Yanow

This unusual session consists of a complex six-movement suite by J.J. Johnson featuring Dizzy Gillespie's trumpet over a brass choir (six trumpets, two trombones, two bass trombones, four French horns and two tubas), bass, drums, percussion and two harps. Often reminiscent of classical music, Johnson's writing allows plenty of room for Gillespie to improvise. The result is a rather unique set of music that is well worth searching for.

https://www.allmusic.com/album/perceptions-mw0000027434


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Reseña de Scott Yanow

Esta sesión inusual consiste en una compleja suite de seis movimientos de J. J. Johnson con la trompeta de Dizzy Gillespie sobre un coro de metales (seis trompetas, dos trombones, dos trombones bajos, cuatro trompas y dos tubas), bajo, batería, percusión y dos arpas. A menudo con reminiscencias de la música clásica, la escritura de Johnson deja mucho espacio para que Gillespie improvise. El resultado es un conjunto de música bastante único que vale la pena buscar.

https://www.allmusic.com/album/perceptions-mw0000027434


Sonny Rollins • The Sound Of Sonny

 



Review by Lindsay Planer
A new phase in Sonny Rollins' career began in 1957. He started what was at the time an almost blasphemous trend of recording for a number of different labels. His pioneering spirit yielded a few genre-defining albums, including this disc. His performances were also at a peak during 1957 as Down Beat magazine proclaimed him the Critics' Poll winner under the category of "New Star" of the tenor saxophone. This newfound freedom can be heard throughout the innovations on The Sound of Sonny. Not only are Rollins' fluid solos reaching newly obtained zeniths of melodic brilliance, but he has also begun experimenting with alterations in the personnel from tune to tune. Most evident on this platter is "The Last Time I Saw Paris" -- which is piano-less -- and most stunning of all is Rollins' unaccompanied tenor solo performance on "It Could Happen to You." Indeed, this rendering of the Jimmy Van Heusen standard is the highlight of the disc. That isn't to say that the interaction between Sonny Clark (piano), Roy Haynes (drums), and bassists Percy Heath and Paul Chambers -- who is featured on "The Last Time I Saw Paris" and "What Is There to Say" -- is not top-shelf. Arguably, it is Rollins and Heath -- the latter, incidentally, makes his East Coast debut on this album -- who set the ambience for The Sound of Sonny. There is an instinctually pervasive nature as they weave into and back out of each others' melody lines, only to emerge with a solo that liberates the structure of the mostly pop standards. This is a key component in understanding the multiplicities beginning to surface in Rollins' highly underappreciated smooth bop style.
https://www.allmusic.com/album/the-sound-of-sonny-mw0000188598

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Reseña de Lindsay Planer
Una nueva etapa en la carrera de Sonny Rollins comenzó en 1957. Comenzó lo que en ese momento era una tendencia casi blasfema de grabar para varios sellos diferentes. Su espíritu pionero produjo algunos álbumes que definieron el género, incluido este disco. Sus actuaciones también alcanzaron su punto máximo durante 1957 cuando la revista Down Beat lo proclamó ganador de la Encuesta de la Crítica en la categoría de "Nueva estrella" del saxofón tenor. Esta nueva libertad se puede escuchar a lo largo de las innovaciones en el Sonido de Sonny. Los solos fluidos de Rollins no solo alcanzan cénitos de brillantez melódica recién obtenidos, sino que también ha comenzado a experimentar con alteraciones en el personal de una melodía a otra. Lo más evidente en este plato es "The Last Time I Saw Paris", que no tiene piano , y lo más sorprendente de todo es la interpretación solista de tenor sin acompañamiento de Rollins en " It Could Happen to You."De hecho, esta interpretación del estándar de Jimmy Van Heusen es lo más destacado del disco. Eso no quiere decir que la interacción entre Sonny Clark (piano), Roy Haynes (batería) y los bajistas Percy Heath y Paul Chambers, que aparece en "The Last Time I Saw Paris" y "What Is There to Say", no sea de primera categoría. Podría decirse que fueron Rollins y Heath, este último, por cierto, hace su debut en la Costa Este en este álbum, quienes crearon el ambiente para El Sonido de Sonny. Hay una naturaleza instintivamente penetrante a medida que se entrelazan dentro y fuera de las líneas melódicas de los demás, solo para emerger con un solo que libera la estructura de los estándares en su mayoría pop. Este es un componente clave para comprender las multiplicidades que comienzan a surgir en el estilo smooth bop altamente subestimado de Rollins.
https://www.allmusic.com/album/the-sound-of-sonny-mw0000188598


sonnyrollins.com ...

 

Royce Campbell • Cocktail Hour

 

 


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Dusko Goykovich • Swinging Macedonia

 


 

Mulgrew Miller • Solo In Barcelona

 


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New York Jazz Lounge • Bar Jazz Ballads

 

 


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The Reverend Horton Heat • Roots Of The Rev [Volume One]

 



“Roots of the Rev. (Volume One)” is an album of cover songs that have a connection to the band. Many of the songs are by artists who we knew personally – like Willie Nelson and Ronnie Dawson. Some songs are just a part of the history of Reverend Horton Heat. Each song’s relationship to the band is explained in detail in the liner notes.

The decidedly lo-fi album was recorded with a very live feel and mixed in monophonic – a few overdubs, but mainly us live in the room together. The use of ancient microphones and mixers, the use of old tape (yes, some digital too – hard to completely avoid these days), tape delay and the use of musicians who understand the rockabilly and early rock and roll styles.

The bulk of the album was recorded by Jim Heath at Fun-Guy Studios in Dallas. Four songs were recorded at Dale Watson’s Wat-Sun studio in Memphis. On all of the songs, Jim Heath and Jimbo Wallace were in the same room playing live together. Fun.

This was truly a labor of love and it took a while to get together but we think that our fans will find it a fun and rollicking musical adventure. A little look into the history of Reverend Horton Heat and a time gone-by. Or now, present times? Lo-fi but high energy!
http://www.reverendhortonheat.com/roots-of-the-rev-volume-one/

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"Roots of the Rev. (Volume One)" es un álbum de versiones de canciones relacionadas con el grupo. Muchas de las canciones son de artistas que conocíamos personalmente, como Willie Nelson y Ronnie Dawson. Algunas canciones forman parte de la historia de Reverend Horton Heat. La relación de cada canción con el grupo se explica detalladamente en las notas de presentación.

El álbum, decididamente lo-fi, se grabó en directo y se mezcló en monofónico: unos pocos overdubs, pero principalmente nosotros juntos en directo en la sala. El uso de micrófonos y mezcladores antiguos, el uso de cinta antigua (sí, también algo de digital, algo difícil de evitar hoy en día), delay de cinta y el uso de músicos que entienden el rockabilly y los primeros estilos de rock and roll.

La mayor parte del álbum fue grabada por Jim Heath en los Fun-Guy Studios de Dallas. Cuatro canciones se grabaron en el estudio Wat-Sun de Dale Watson en Memphis. En todas las canciones, Jim Heath y Jimbo Wallace estaban en la misma habitación tocando juntos en directo. Fue divertido.

Ha sido un verdadero trabajo de amor y nos ha llevado un tiempo conseguirlo, pero creemos que nuestros fans lo encontrarán una aventura musical divertida y divertida. Un pequeño vistazo a la historia de Reverend Horton Heat y a tiempos pasados. ¿O en la actualidad? Lo-fi pero con mucha energía.
http://www.reverendhortonheat.com/roots-of-the-rev-volume-one/



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