Rhoda Scott • On the Road Again Live au Jazz Club Etoile

 

rhoda-scott.com ...

Baden Powell • Apresentando Baden Powell e Seu Violão

Baden Powell de Aquino (1937-2000) was born in Varre-e-Sai in the state of Rio de Janeiro, Brazil. His father, a scouting enthusiast, named him after Lord Robert Baden-Powell. When he was three, his family relocated to a suburb in the city of Rio de Janeiro. The new surroundings proved profoundly influential. His house was a stop for popular musicians during his formative years. He soon started guitar lessons with Jayme Florence (”Meira”), a famous choro guitarist, in the 1940s. He proved a young virtuoso, having won many talent competitions before he was a teenager. At age fifteen, he was already playing professionally, accompanying singers and bands in various styles. As a youngster, he was fascinated by swing and jazz, but his main influences were firmly rooted in the Brazilian guitar canon.

He first achieved notoriety in 1959 by convincing singer/composer Billy Blanco to put lyrics to one of his compositions. The result was “Samba Triste,” which has been covered by many artists, including Stan Getz and Charlie Byrd on their seminal LP Jazz Samba.

In 1962, he met the poet/diplomat Vincius de Moraes and began a collaboration that yielded some true classics of 1960s Brazilian music. Although bossa nova was the prevailing sound of the times, Baden and Vinicius wanted to transcend the then-fashionable sound by blending Afro-Brazilian sacred and secular music with Rio-style samba. The most enduring result are their “Afro-Sambas,” released on LP in 1966. During the 1960s, Baden studied advanced harmony with Moacir Santos, released recordings on the Brazilian labels Elenco and Forma, as well as in the French label Barclay and the German label MPS/Saba. His 1966 Tristeza on Guitar is considered by many to be a high point in his career. In addition, he was the house guitarist for Elenco, and Elis Regina's TV show “O Fino da Bossa”.

In 1968, he partnered with poet Paulo Cesar Pinheiro and produced another series of Afro-Brazilian inspired music released in 1970 as Os Cantores da Lapinha.

He visited and toured Europe frequently in the 1960s, relocating permanently to France in 1968. In the 1970s, he released many recordings with different labels in Europe and Brazil. His star dimmed somewhat owing to health problems and changing tastes. He spent the 1980s in semi-retirement in France and Germany. Finally, in the 1990s he and his family moved back to Brazil, where he continued to record and perform. Public recognition of his work came around that time in Brazil. By the end of the 1990s he converted to evangelical Christianity, to which he credits overcoming his long addictions to alcohol and tobacco. Nevertheless, his health had greatly deteriorated after many years of abuse, and he died of pneumonia on the 26th of September, 2000, in Rio de Janeiro.

He is the father of pianist Philippe Baden Powell de Aquino and guitarist Louis Marcel Powell de Aquino.

Playing style
At age 19, Baden Powell decided to stop playing the electric guitar, preferring to concentrate on the classical guitar for the rest of his career. He did record a series of albums with a borrowed steel-string acoustic, but that is as far as he strayed from his main instrument in his adulthood.

An analysis of his repertoire reveals a wide range of interests. It spanned all the idioms of Brazilian popular music of the 20th century: samba, bossa nova, Afro-Bahian ritual music, frevo, choro, folkloric music from northeastern Brazil; even European and Japanese lullabies. Like most musicians growing up in the 1940s and 1950s, he was deeply influenced by jazz, especially Bebop and Swing. He covered Thelonious Monk's “'Round Midnight” on two recordings, and Jerome Kern's “All the Things you Are” on three occasions (including his first solo album).

This upbringing is reflected in his playing style, which shows a fusion of jazz harmonies and classical guitar technique, with a very Brazilian right hand (i.e. the one carrying the rhythm on the guitar). On solo pieces, he could recall Tárrega or play Bach pieces with ease. When playing in a group, he was able to accompany singers with quiet mastery, or let loose and play street samba in sloppy “party” style as if the guitar was another percussion instrument. Like Monk, he was fond of the minor second interval as a way to “bend” the tonality. However, because of his jazz background, he would rarely physically bend the string, preferring instead to play the minor second using an adjacent open string. Students of his style should note this preference for chord voicings that feature extensions on the open strings as a way of punctuating passages. Other idioms to watch for are the endless variations in rhythm played by the right hand; always within the proper 2/4 samba meter, as well as his tendency to put his “signature” in a fast descending scale with a (slower) ascending arpeggio in the relative key. Another common device that he used in his recordings consisted of his use of vocalise and scat singing, often in unison with the melody line.

He stated that his influences included his first teacher “Meira” (Jayme Florence, 1909-1982), along with master guitarists Dilermando Reis (1916-1977), and Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). He also commented about being influenced by the work of Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) and Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell is featured as accompanist on a handful of big band and samba recordings from the 1950's. He recorded his first solo album in 1959, but it was not released until 1961. His first and second albums feature a selection of jazz standards along with Brazilian hits of the time, plus some original compositions. In 1962, Baden rose to international attention by recording with flatist Herbie Mann and drummer Jimmy Pratt. By 1963, he was flying solo and fronting small ensembles in Brazil and France. The French labels Barclay and Festival released many of his recordings. In Germany, MPS/Saba released his work with producer Joachim Berendt. In Brazil, he recorded for Elenco, Forma and the Brazilian subsidiary of Philips Records. After a relative drought of new releases in the 1980's, Baden Powell returned to recording studios in Brazil for his final years. These late recordings showcase him playing solo guitar and singing in a relaxed, intimate style, with occasional flurries of his former energetic playing thrown in for good measure.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

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Baden Powell de Aquino (1937-2000) nació en Varre-e-Sai, en el estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre, un entusiasta del escultismo, le puso el nombre de Lord Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio de la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno resultó ser profundamente influyente. Su casa fue una parada para músicos populares durante sus años de formación. Pronto empezó a tomar clases de guitarra con Jayme Florence ("Meira"), un famoso guitarrista de choro, en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, habiendo ganado muchos concursos de talentos antes de llegar a la adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas de diversos estilos. De joven, le fascinaban el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de la guitarra brasileña.

Alcanzó notoriedad por primera vez en 1959 al convencer al cantante y compositor Billy Blanco para que pusiera letra a una de sus composiciones. El resultado fue "Samba Triste", que ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd en su fundamental LP Jazz Samba.

En 1962, conoció al poeta y diplomático Vincius de Moraes y comenzó una colaboración que dio lugar a algunos verdaderos clásicos de la música brasileña de los años sesenta. Aunque la bossa nova era el sonido predominante de la época, Baden y Vinicius querían trascender el sonido de moda de entonces mezclando la música sacra y secular afrobrasileña con la samba de estilo carioca. El resultado más duradero son sus "Afro-Sambas", publicadas en LP en 1966. Durante la década de 1960, Baden estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y publicó grabaciones en los sellos brasileños Elenco y Forma, así como en el sello francés Barclay y el alemán MPS/Saba. Su disco "Tristeza en la guitarra", de 1966, es considerado por muchos como un punto álgido en su carrera. Además, fue el guitarrista de la casa de Elenco y del programa de televisión de Elis Regina "O Fino da Bossa".

En 1968, se asoció con el poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie de música de inspiración afrobrasileña, publicada en 1970 con el nombre de Os Cantores da Lapinha.

En la década de 1960 visitó y realizó frecuentes giras por Europa, y en 1968 se trasladó definitivamente a Francia. En la década de 1970, publicó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su estrella se debilitó un poco debido a problemas de salud y a la evolución de sus gustos. Pasó los años 80 semiretirado en Francia y Alemania. Finalmente, en la década de 1990 se trasladó con su familia a Brasil, donde siguió grabando y actuando. El reconocimiento público de su obra llegó en esa época en Brasil. A finales de los años 90 se convirtió al cristianismo evangélico, al que atribuye la superación de sus largas adicciones al alcohol y al tabaco. Sin embargo, su salud se había deteriorado mucho tras muchos años de abusos, y murió de neumonía el 26 de septiembre de 2000 en Río de Janeiro.

Es el padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Louis Marcel Powell de Aquino.

Estilo de interpretación
A los 19 años, Baden Powell decidió dejar de tocar la guitarra eléctrica, prefiriendo concentrarse en la guitarra clásica para el resto de su carrera. Grabó una serie de álbumes con una guitarra acústica de cuerdas de acero prestada, pero eso es lo máximo que se alejó de su instrumento principal en su edad adulta.

Un análisis de su repertorio revela una amplia gama de intereses. Abarcó todos los lenguajes de la música popular brasileña del siglo XX: samba, bossa nova, música ritual afrobahiana, frevo, choro, música folclórica del noreste de Brasil; incluso nanas europeas y japonesas. Como la mayoría de los músicos que crecieron en las décadas de 1940 y 1950, estuvo profundamente influenciado por el jazz, especialmente el Bebop y el Swing. Hizo una versión de "'Round Midnight" de Thelonious Monk en dos grabaciones, y de "All the Things you Are" de Jerome Kern en tres ocasiones (incluido su primer álbum en solitario).

Esta formación se refleja en su estilo de tocar, que muestra una fusión de armonías de jazz y técnica de guitarra clásica, con una mano derecha muy brasileña (es decir, la que lleva el ritmo en la guitarra). En los solos, podía recordar a Tárrega o tocar piezas de Bach con facilidad. Cuando tocaba en grupo, era capaz de acompañar a los cantantes con tranquila maestría, o de soltarse y tocar samba callejera en estilo de "fiesta" descuidada, como si la guitarra fuera otro instrumento de percusión. Al igual que Monk, le gustaba el intervalo de segunda menor como forma de "doblar" la tonalidad. Sin embargo, debido a su formación jazzística, rara vez doblaba físicamente la cuerda, prefiriendo en su lugar tocar la segunda menor utilizando una cuerda abierta adyacente. Los estudiantes de su estilo deben tener en cuenta esta preferencia por voicings de acordes que presentan extensiones en las cuerdas abiertas como una forma de puntuar los pasajes. Otros modismos a tener en cuenta son las interminables variaciones rítmicas de la mano derecha, siempre dentro del compás de samba de 2/4, así como su tendencia a poner su "firma" en una escala descendente rápida con un arpegio ascendente (más lento) en la tonalidad relativa. Otro recurso común que utilizaba en sus grabaciones consistía en el uso de vocalización y canto scat, a menudo al unísono con la línea melódica.

Declaró que entre sus influencias se encontraba su primer maestro "Meira" (Jayme Florence, 1909-1982), junto con los maestros de la guitarra Dilermando Reis (1916-1977), y Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). También comentó que estaba influenciado por el trabajo de Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) y Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell aparece como acompañante en un puñado de grabaciones de big band y samba de los años 50. Grabó su primer álbum en solitario en 1959, pero no se publicó hasta 1961. Su primer y segundo álbumes incluyen una selección de estándares de jazz junto con éxitos brasileños de la época, además de algunas composiciones originales. En 1962, Baden saltó a la fama internacional al grabar con el flautista Herbie Mann y el baterista Jimmy Pratt. En 1963, ya actuaba en solitario y dirigía pequeños conjuntos en Brasil y Francia. Los sellos franceses Barclay y Festival publicaron muchas de sus grabaciones. En Alemania, MPS/Saba publicó sus trabajos con el productor Joachim Berendt. En Brasil, grabó para Elenco, Forma y la filial brasileña de Philips Records. Tras una relativa sequía de nuevos lanzamientos en la década de 1980, Baden Powell volvió a los estudios de grabación de Brasil para sus últimos años. Estas últimas grabaciones lo muestran tocando la guitarra solista y cantando en un estilo relajado e íntimo, con ocasionales ráfagas de su antiguo toque enérgico.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

Jaki Byard • Freedom Together!

Jaki Byard • Freedom Together!

Pianist Jaki Byard's best recordings were done for Prestige in the 1960s, and fortunately, they have been gradually seeing reissue on CD in the Original Jazz Classics series. This is a particularly unusual and colorful set, for Byard not only plays piano, but makes appearances on celeste, electric piano, vibes, drums and tenor sax. His tenor playing (best heard on "Just You, Just Me") is particularly excellent, while his piano solos show his usual diversity, hinting at 50 years of jazz styles. With the assistance of bassist Richard Davis (who doubles on cello) and drummer Alan Dawson (who also contributes some tympani on "Ode to Prez," plus some vibes), Byard is in excellent form. Only the two rather ponderous vocals of Junior Parker are a minus, but this should not discourage listeners from acquiring this largely successful set.

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Traducción Automática:

Jaki Byard • Freedom Together!

Las mejores grabaciones del pianista Jaki Byard se hicieron para Prestige en la década de 1960 y, afortunadamente, han ido viendo reediciones en CD en la serie Original Jazz Classics. Este es un conjunto particularmente inusual y colorido, ya que Byard no solo toca el piano, sino que también hace apariciones en celeste, piano eléctrico, vibraciones, batería y saxo tenor. Su interpretación del tenor (que se escucha mejor en "Just You, Just Me") es particularmente excelente, mientras que sus solos de piano muestran su diversidad habitual, aludiendo a 50 años de estilos de jazz. Byard está en excelente forma con la ayuda del bajista Richard Davis (que se dobla en el violonchelo) y el baterista Alan Dawson (que también contribuye con algunos tympani en "Ode to Prez" y algunas vibraciones). Solo las dos voces bastante pesadas de Junior Parker son un inconveniente, pero esto no debe desalentar a los oyentes de adquirir este conjunto en gran parte exitoso.

 

Milt Jackson • The Ballad Artistry of Milt Jackson

Tal vez la versión de Nuages sea la mejor que he escuchado con un instrumento que no sea guitarra o violín.

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Perhaps Nuages version is the best I've heard an instrument other than guitar or violin.
 

VA • Best of Pulp Fusion

Este es una selección de la serie de CDs "Pulp Fusion", precisamente del Vol. 1 al 9, de lo que me ha gustado, por tanto podría decirse que es "My Best".

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This is a selection from the series of CDs "Pulp Fusion", precisely from Vol. 1 to 9, of what I liked, so it could be said that it is "My Best".

The Jet Black's • Hully Gully

The Jet Black's was an instrumental rock band from São Paulo, Brazil. The band was formed in 1961 (as "The Vampires") by Jurandi (drums), Orestes (rhythm guitar), Ernestico (saxophone), and José Paulo (bass), and Cat/Gato (guitar-solo and organ) joined the following year. Their first single was "Apache"/"Kon-Tiki", followed by "Hully-Gully" (1962), and "Twist/The Jet Black's Again" (1963).

Cat (Gato) left the group in 1966, and the other members became purely a house band for Continental Records.

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Traducción Automática:

The Jet Black's era una banda de rock instrumental de São Paulo, Brasil. La banda se formó en 1961 (como "The Vampires") por Jurandi (batería), Orestes (guitarra rítmica), Ernestico (saxofón), y José Paulo (bajo) y Cat / Gato (guitarra-solo y órgano) se unieron a la año siguiente. Su primer sencillo fue "Apache" / "Kon-Tiki", seguido de "Hully-Gully" (1962) y "Twist / The Jet Black's Again" (1963).

Cat (Gato) dejó el grupo en 1966, y los otros miembros se convirtieron puramente en una banda de house para Continental Records.

Chuck Redd • Remembers Barney Kessel - Happy All The Time

 

Chuck Redd is an internationally well-known performer on both drums and vibraphone. He began his career when he joined the Charlie Byrd Trio at the age of 21. He also became a member of the Great Guitars (Barney Kessel, Byrd, and Herb Ellis.) To his credit are 25 European tours and six tours of Japan, with the Barney Kessel Trio, Ken Peplowski and the Benny Goodman Tribute Orchestra, Terry Gibbs and Conte Candoli.

Redd was featured vibraphonist with the Mel Torme All-Star Jazz Quintet from 1991 until 1996. While appearing in New York with Torme, Ira Gitler of Jazz Times said: “Redd's vibes were equally notable for vigor and melodiousness.”

He served as Artist-In-Residence at The Smithsonian Jazz Café in Washington, DC from 2004-2008. Redd frequently appears leading groups at The Oregon Coast Jazz Party and has been a featured musician at The Oregon Festival Of American Music every year since 2007. In 2007, Redd was featured with the prestigious “Milt Jackson Tribute Band.” Other engagements have included jazz cruises, stints with Bucky Pizzarelli and Ken Peplowski at Jazz at Lincoln Center, headlining at Smalls and at The Kitano in New York City and at jazz festivals around the US. He has toured and performed with Dizzy Gillespie, Mel Torme, Tommy Flanagan, Bill Mays, Ray Brown, Monty Alexander, Laurindo Almeida, Tal Farlow, Rebecca Kilgore, Scott Hamilton, Mickey Roker and Houston Person. Jazz Times has praised Redd's playing, describing his vibes work as, “Exquisite! “ The Washington Post admired his “melodic sparkle.” He was awarded “Best Vibist” in New York’s Hot House Jazz Magazine 2015 Fans Decision award.

Redd is featured on over 80 recordings. Releases include his Arbors CD, All This and Heaven Too, featuring Gene Bertoncini and George Mraz; Chopin Jazz with Rossano Sportiello; You’re My Everything with Dick Hyman and Jay Leonhart; and Nice N’ Easy with Houston Person. He can also be heard on the soundtrack to the popular television series, The Great Chefs, and the NPR broadcast Jazz Smithsonian.

Redd's career highlights include a concert with the Dizzy Gillespie Quintet in Africa for the Namibian Independence Celebration, a recital at the White House with the Barney Kessel Trio, two concerts at Carnegie Hall with the Mel Torme Quintet, and The Tonight Show. In 2008, he was a featured soloist in the finale concert at The Lionel Hampton International Jazz festival with The Lionel Hampton Big Band and the Clayton/Hamilton Jazz Orchestra. In February 2013, Chuck performed with the Dream Band co-leading with drummer Jeff Hamilton in a salute to vibes legend Terry Gibbs. Most recently, he was the 2014 honoree at The Roswell Jazz Festival. In addition to leading his own groups, Redd was a member of the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra for 15 years. He frequently performs in New York City and continues to tour nationally, performing at festivals and clubs. He is on the faculty at The University of Maryland School of Music and presents master classes, workshops and lectures around the country.

His Arbors CD, Happy All The Time, is a critically acclaimed tribute to his mentor, Barney Kessel, and features Monty Alexander and Jeff Hamilton, and his Noteworthy CD, When Redd is Blue, is a collaboration with his brother, pianist Robert Redd, and features saxophonist Harry Allen. Another Arbors release, The Common Thread, features Mickey Roker, Bob Cranshaw,Houston Person and Rossano Sportiello. Redd produced and is featured on For George, Cole and Duke, lead by Harry Allen for Blue Heron Records.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/chuck-redd

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Chuck Redd es un intérprete internacionalmente conocido tanto en la batería como en el vibráfono. Comenzó su carrera cuando se unió al Charlie Byrd Trio a la edad de 21 años. También fue miembro de los Great Guitars (Barney Kessel, Byrd y Herb Ellis). En su haber hay 25 giras europeas y seis giras por Japón, con el Barney Kessel Trio, Ken Peplowski y la Benny Goodman Tribute Orchestra, Terry Gibbs y Conte Candoli.

Redd fue vibrafonista principal del Mel Torme All-Star Jazz Quintet desde 1991 hasta 1996. Mientras aparecía en Nueva York con Torme, Ira Gitler de Jazz Times dijo: "Los vibráfonos de Redd eran igualmente notables por su vigor y melodía".

Fue artista residente en el Smithsonian Jazz Café de Washington, DC, entre 2004 y 2008. Redd aparece con frecuencia dirigiendo grupos en la Fiesta del Jazz de la Costa de Oregón y ha sido un músico destacado en el Festival de Música Americana de Oregón todos los años desde 2007. En 2007, Redd se presentó con la prestigiosa "Milt Jackson Tribute Band". Otros compromisos han sido los cruceros de jazz, las actuaciones con Bucky Pizzarelli y Ken Peplowski en el Jazz at Lincoln Center, la actuación como cabeza de cartel en Smalls y en The Kitano en la ciudad de Nueva York y en festivales de jazz de todo Estados Unidos. Ha realizado giras y actuaciones con Dizzy Gillespie, Mel Torme, Tommy Flanagan, Bill Mays, Ray Brown, Monty Alexander, Laurindo Almeida, Tal Farlow, Rebecca Kilgore, Scott Hamilton, Mickey Roker y Houston Person. El Jazz Times ha elogiado la forma de tocar de Redd, describiendo su trabajo con el vibráfono como "¡Exquisito! " El Washington Post admiró su "chispa melódica". Fue galardonado como "Mejor Vibista" en el premio Fans Decision 2015 de la revista Hot House Jazz de Nueva York.

Redd aparece en más de 80 grabaciones. Los lanzamientos incluyen su CD Arbors, All This and Heaven Too, con Gene Bertoncini y George Mraz; Chopin Jazz con Rossano Sportiello; You're My Everything con Dick Hyman y Jay Leonhart; y Nice N' Easy con Houston Person. También se le puede escuchar en la banda sonora de la popular serie de televisión The Great Chefs y en la emisión de NPR Jazz Smithsonian.

Los momentos más destacados de la carrera de Redd incluyen un concierto con el Dizzy Gillespie Quintet en África para la celebración de la independencia de Namibia, un recital en la Casa Blanca con el Barney Kessel Trio, dos conciertos en el Carnegie Hall con el Mel Torme Quintet, y The Tonight Show. En 2008, fue un solista destacado en el concierto final de The Lionel Hampton International Jazz festival con The Lionel Hampton Big Band y la Clayton/Hamilton Jazz Orchestra. En febrero de 2013, Chuck actuó con la Dream Band codirigiendo con el baterista Jeff Hamilton en un saludo a la leyenda del vibráfono Terry Gibbs. Más recientemente, fue el homenajeado de 2014 en The Roswell Jazz Festival. Además de liderar sus propios grupos, Redd fue miembro de la Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra durante 15 años. Actúa con frecuencia en la ciudad de Nueva York y sigue de gira por todo el país, actuando en festivales y clubes. Forma parte del profesorado de la Escuela de Música de la Universidad de Maryland y da clases magistrales, talleres y conferencias por todo el país.

Su CD Arbors, Happy All The Time, es un homenaje aclamado por la crítica a su mentor, Barney Kessel, y cuenta con Monty Alexander y Jeff Hamilton, y su CD Noteworthy, When Redd is Blue, es una colaboración con su hermano, el pianista Robert Redd, y cuenta con el saxofonista Harry Allen. Otro lanzamiento de Arbors, The Common Thread, cuenta con Mickey Roker, Bob Cranshaw, Houston Person y Rossano Sportiello. Redd produjo y aparece en For George, Cole and Duke, dirigido por Harry Allen para Blue Heron Records.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/chuck-redd


chuckredd.com ...

The Jonah Jones Quartet • Sweet With A Beat

 

Georgie Auld With Don Costa And His Orchestra • Manhattan With Strings

 

Biography
by Scott Yanow
Georgie Auld had a long and varied career, changing his tenor sound gradually with the times and adapting to many different musical situations. He moved from Canada to the U.S. in the late '20s and, although originally an altoist, he switched to tenor after hearing Coleman Hawkins. While with Bunny Berigan during 1937-1938, Auld sounded like a dead ringer for Charlie Barnet. After spending a year with Artie Shaw in 1939 (including leading the band briefly after Shaw ran away to Mexico), Auld sounded much closer to Lester Young when he joined Benny Goodman. With B.G., Auld was a major asset, jamming with a version of Goodman's Sextet that also included Cootie Williams and Charlie Christian. He was back with Shaw in 1942, and then led his own big band (1943-1946), an excellent transitional unit between swing and bop that at various times included such young modernists as Dizzy Gillespie, Erroll Garner, and Freddie Webster; Sarah Vaughan also guested on a couple of his recordings. After the band's breakup, Auld led some smaller groups that tended to be bop-oriented. He was with Count Basie's octet in 1950 and then freelanced for the remainder of his career, maintaining a lower profile but traveling frequently overseas and not losing his enthusiasm for jazz. Some may remember that, in 1977, he had a small acting role as a bandleader and played Robert De Niro's tenor solos in the otherwise forgettable Liza Minelli movie New York, New York.
https://www.allmusic.com/artist/georgie-auld-mn0000651193/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Georgie Auld tuvo una carrera larga y variada, cambiando su sonido de tenor gradualmente con los tiempos y adaptándose a muchas situaciones musicales diferentes. Se trasladó de Canadá a EE.UU. a finales de los años 20 y, aunque originalmente era contralto, cambió a tenor después de escuchar a Coleman Hawkins. Durante su estancia con Bunny Berigan en 1937-1938, Auld sonaba como un imitador de Charlie Barnet. Después de pasar un año con Artie Shaw en 1939 (incluso dirigiendo la banda brevemente después de que Shaw huyera a México), Auld sonaba mucho más cerca de Lester Young cuando se unió a Benny Goodman. Con B.G., Auld fue un activo importante, improvisando con una versión del Sexteto de Goodman que también incluía a Cootie Williams y Charlie Christian. Volvió con Shaw en 1942, y luego dirigió su propia big band (1943-1946), una excelente unidad de transición entre el swing y el bop que en varias ocasiones incluyó a jóvenes modernistas como Dizzy Gillespie, Erroll Garner y Freddie Webster; Sarah Vaughan también participó como invitada en un par de sus grabaciones. Tras la disolución de la banda, Auld dirigió algunos grupos más pequeños que solían estar orientados al bop. Estuvo con el octeto de Count Basie en 1950 y luego trabajó por libre durante el resto de su carrera, manteniendo un perfil más bajo pero viajando frecuentemente al extranjero y sin perder su entusiasmo por el jazz. Algunos recordarán que, en 1977, tuvo un pequeño papel como director de orquesta e interpretó los solos de tenor de Robert De Niro en la, por otra parte, olvidable película de Liza Minelli New York, New York.
https://www.allmusic.com/artist/georgie-auld-mn0000651193/biography

Tal Farlow • All Strings Attached

 

Paul Mitchell Trio • Live At The Atlanta Playboy Club

 

Boris Draper • Happy Harmonica

 

Danny Welton:
Harmonica player and actor, whose releases were issued under several titles and aliases, such as Boris Draper, Larry Faber, Johnny Cadente, The Yamma Yamma Man, and The Harmonica Hotshots.
https://secondhandsongs.com/artist/114965

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Danny Welton:
Armonista y actor, cuyos lanzamientos se publicaron bajo varios títulos y alias, como Boris Draper, Larry Faber, Johnny Cadente, The Yamma Yamma Man y The Harmonica Hotshots.
https://secondhandsongs.com/artist/114965

Morty Craft And His Orchestra • Jazz In Black Tie

 

Morty Craft was born in Brockton, Mass on August 19, 1920; he became an arranger and played sax and clarinet during the big band era.  He moved to New York in the 1950s and built a reputation as a hitmaker through the many record labels in which he played a critical role.

He established and/or ran numerous record companies over the years and released R&B, doo-wop, rock ‘n’ roll and rockabilly hits over the course of five decades. In the 1940 and 50s he worked for MGM, Mercury and ABC-Paramount Records as both A&R and promotion realms.

It was with indie labels, most notably Bruce. Melba and Warwick that he built his reputation as a savvy record name.  Bruce Records was the home of the Harptones’ legendary “A Sunday Kind Of Love,” released in 1953, and Melba Records released “Church Bells May Ring” by The Willows in 1956, a song Craft co-wrote.

He started Lance Records in 1957 and soon hit with “Alone” by the Shepherd Sisters, a top 20 charter that he co-wrote and was later covered by Petula Clark. More recently Saint Motel’s “Sisters” was built around the song’s refrain, and its title seen as a tribute to the original. He leapt to the majors that same year when he joined MGM Records as Recording Chief and Director of Single Record Sales.  On his watch, the career of Connie Francis blossomed with her initial smash hit “Who’s Sorry Now.” Sheb Wooley’s “Purple People Eater” and “It’s All In the Game” by Tommy Edwards were other notable MGM hits under Craft as well as “It’s Only Make Believe” by Conway Twitty.

When his tenure at MGM ended in 1959, he segued to Warwick Records. At Warwick, he picked up “Crossfire” by Johnny and The Hurricanes from Harry Balk and Irving Micahnik’s Twirl label.  The group’s second instrumental single for Warwick, “Red River Rock” was a smash hit, going Top 5 in the US.  He went on to sign and record many top R&B acts including Louis Jordan, Roy Milton, Little Esther, Faye Adams, Percy Mayfield as well as Shirley and Lee. In keeping with the instrumental vein of Johnny and the Hurricanes, Warwick released “Wheels” by the String-A-Longs, produced by Norman Petty. It went to #3 on Billboard’s singles chart while Warwick’s subsidiary label 7 Arts scored with “Nag” by The Halos which went on to be covered by Joan Jett & The Blackhearts.

Warwick also released a series of instrumental albums by Morty Craft and The Singing Strings.  As a producer, promoter, arranger, musician and deal maker, Morty Craft stands as one of the music industry’s most notable “record men.”
https://www.abkco.com/news-feed/100th-birthday-of-music-industry-pioneer-morty-craft/

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Morty Craft nació en Brockton, Massachusetts, el 19 de agosto de 1920; se convirtió en arreglista y tocó el saxo y el clarinete durante la época de las grandes bandas.  Se trasladó a Nueva York en la década de 1950 y se labró una reputación como creador de éxitos gracias a los numerosos sellos discográficos en los que desempeñó un papel fundamental.

Estableció y/o dirigió numerosas compañías discográficas a lo largo de los años y lanzó éxitos de R&B, doo-wop, rock 'n' roll y rockabilly en el transcurso de cinco décadas. En los años 40 y 50 trabajó para MGM, Mercury y ABC-Paramount Records, tanto en el área de A&R como en la de promoción.

Fue con sellos independientes, sobre todo con Bruce Melba y Warwick que construyó su reputación como un nombre discográfico inteligente.  Bruce Records fue el hogar de la legendaria "A Sunday Kind Of Love" de los Harptones, publicada en 1953, y Melba Records publicó "Church Bells May Ring" de The Willows en 1956, una canción que Craft coescribió.

Fundó Lance Records en 1957 y pronto alcanzó el éxito con "Alone" de las Shepherd Sisters, una carta de presentación en el top 20 que coescribió y que posteriormente fue versionada por Petula Clark. Más recientemente, "Sisters" de Saint Motel se construyó en torno al estribillo de la canción, y su título se consideró un homenaje a la original. Ese mismo año dio el salto a las grandes discográficas al incorporarse a MGM Records como jefe de grabación y director de ventas de discos sencillos.  Bajo su supervisión, la carrera de Connie Francis floreció con su éxito inicial "Who's Sorry Now". Purple People Eater" de Sheb Wooley y "It's All In the Game" de Tommy Edwards fueron otros éxitos notables de MGM bajo el mando de Craft, así como "It's Only Make Believe" de Conway Twitty.

Cuando terminó su mandato en MGM en 1959, pasó a Warwick Records. En Warwick, recogió "Crossfire" de Johnny and The Hurricanes del sello Twirl de Harry Balk e Irving Micahnik.  El segundo sencillo instrumental del grupo para Warwick, "Red River Rock", fue un éxito rotundo, llegando al Top 5 en Estados Unidos.  A continuación, Warwick firmó y grabó muchas canciones de R&B, como Louis Jordan, Roy Milton, Little Esther, Faye Adams, Percy Mayfield y Shirley y Lee. Siguiendo la línea instrumental de Johnny and the Hurricanes, Warwick lanzó "Wheels" de los String-A-Longs, producido por Norman Petty. Llegó al número 3 de la lista de singles de Billboard, mientras que el sello subsidiario de Warwick, 7 Arts, lanzó "Nag" de The Halos, que fue versionado por Joan Jett & The Blackhearts.

Warwick también publicó una serie de álbumes instrumentales de Morty Craft y The Singing Strings.  Como productor, promotor, arreglista, músico y negociador, Morty Craft es uno de los más notables "hombres disco" de la industria musical.
https://www.abkco.com/news-feed/100th-birthday-of-music-industry-pioneer-morty-craft/

The Three Suns • Fun in the Sun!

 

 

The Three Suns was an American pop group, most popular during the 1940s and 1950s.

The group was formed in 1939 by brothers Al Nevins (guitar) and Morty Nevins (accordion) and their cousin, radio and vaudeville veteran Artie Dunn (vocals, electronic organ). They became a popular nightclub attraction; during a New York engagement in 1944, they were signed to appear in short musical films for the Soundies movie jukeboxes. They performed nine songs for the cameras.

A review in Billboard in 1942 addressed the group's potential. Referring to a December 13, 1941, remote broadcast from New York's Hotel Piccadilly on NBC Red, Dick Carter wrote: "Here was something out of the ordinary, and very welcome, too. The Three Suns are an electric organ, an accordion and guitar, and they produce some sensational musical effects."

In 1944, The Three Suns scored their first hit record, "Twilight Time"; their version was strictly instrumental and did not feature the lyrics written later by Buck Ram.[2] "Twilight Time" sold over four million copies and was awarded a gold record.

This was followed by "Peg o' My Heart", which was one of the best-selling records of 1947 in the United States. The group was featured in Alfred Hitchcock's Rope (1948) performing an off-screen "radio sequence", and in Two Gals and a Guy (1951). The band is also notable in that they were reputed to have been the favorite musical group of former First Lady Mamie Eisenhower.

During the 1950s the group continued to play "live" dates with the same personnel, but their recording sessions would often have studio musicians substituting for one or another, because keyboardist Artie Dunn did not read music and guitarist Al Nevins became more interested in the production end of the recording business. The group's popularity waned as rock and roll became popular, but the group reinvented itself by using its RCA Victor recording sessions as an audio laboratory, employing additional instruments and novel stereophonic effects. These new arrangements became popular among fans of lounge music and exotica. Al Nevins remained with RCA Victor as a producer and arranger until his death in 1965; Morty Nevins then hired studio musicians Fred Mendelssohn and Vinnie Bell and recorded a new stereo album for Musicor in 1966, using the Three Suns name.

Founding member Al Nevins was also co-founder of Aldon Music, a Brill Building songwriting company.

Founding members:

    Artie Dunn — vocals, organ (died January 15, 1996, age 73)[5]

    Al Nevins — guitar (died January 25, 1965, age 49)[5]

    Morty Nevins — accordion (died July 23, 1990, age 73)[5]

Later members:

    George Barnes - guitar

    Johnny Buck (Bucky Pizzarelli) — guitar

    Joe Negri — guitar

    Joe Vento — accordion, piano

    Johnny Romano — guitar

    Tony Lovello — accordion

    Del Casher (Del Kacher) — guitar

    Vincent Bell - guitar

    Fred Mendelsohn - organ

    Eddie Layton – organ

Years active  1939–1966

Source: https://en.wikipedia.org/wiki/The_Three_Suns

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The Three Suns fue un grupo pop estadounidense, más popular durante las décadas de 1940 y 1950.
El grupo fue formado en 1939 por los hermanos Al Nevins (guitarra) y Morty Nevins (acordeón) y su primo, el veterano de la radio y el vodevil Artie Dunn(voz, órgano electrónico). Se convirtieron en una atracción popular de clubes nocturnos; durante un compromiso en Nueva York en 1944, firmaron para aparecer en cortometrajes musicales para las máquinas de discos Soundies movie. Interpretaron nueve canciones para las cámaras.
Una reseña en Billboard en 1942 abordó el potencial del grupo. Refiriéndose a una transmisión remota del 13 de diciembre de 1941 desde el Hotel Piccadilly de Nueva York en NBC Red, Dick Carter escribió: "Aquí hubo algo fuera de lo común, y muy bienvenido también. Los Tres Soles son un órgano eléctrico, un acordeón y una guitarra, y producen algunos efectos musicales sensacionales."
En 1944, los Tres Soles compusieron su primer disco de éxito, "Twilight Time"; su versión era estrictamente instrumental y no incluía la letra escrita más tarde por Buck Ram.[2] "Twilight Time" vendió más de cuatro millones de copias y fue galardonado con un disco de oro.
A esto le siguió" Peg o' My Heart", que fue uno de los discos más vendidos de 1947 en los Estados Unidos. El grupo apareció en Rope (1948) de Alfred Hitchcock interpretando una "secuencia de radio" fuera de la pantalla, y en Two Gals and a Guy (1951). La banda también es notable porque tenían fama de haber sido el grupo musical favorito de la ex Primera Dama Mamie Eisenhower.
Durante la década de 1950, el grupo continuó tocando en fechas "en vivo" con el mismo personal, pero sus sesiones de grabación a menudo tenían músicos de estudio sustituyendo a uno u otro, porque el tecladista Artie Dunn no leía música y el guitarrista Al Nevins se interesó más en la producción. La popularidad del grupo disminuyó a medida que el rock and roll se hizo popular, pero el grupo se reinventó a sí mismo utilizando sus sesiones de grabación RCA Victor como laboratorio de audio, empleando instrumentos adicionales y nuevos efectos estereofónicos. Estos nuevos arreglos se hicieron populares entre los fanáticos de la música lounge y exótica. Al Nevins permaneció con RCA Victor como productor y arreglista hasta su muerte en 1965; Morty Nevins luego contrató a los músicos de estudio Fred Mendelssohn y Vinnie Bell y grabó un nuevo álbum estéreo para Musicor en 1966, usando el nombre de Three Suns.
El miembro fundador Al Nevins también fue cofundador de Aldon Music, una compañía de composición de Brill Building.

Miembros fundadores:
    Artie Dunn-voz, órgano (fallecido el 15 de enero de 1996, 73 años) [5]
    Al Nevins — guitarra (fallecido el 25 de enero de 1965, 49 años) [5]
    Morty Nevins-acordeón (fallecido el 23 de julio de 1990, 73 años) [5]

Miembros posteriores:
    George Barnes-guitarra
    Johnny Buck (Bucky Pizzarelli) - guitarra
    Joe Negri-guitarra
    Joe Vento-acordeón, piano
    Johnny Romano-guitarra
    Tony Lovello-acordeón
    Del Kosher (Del Kacher) — guitarra
    Vincent Bell-guitarra
    Fred Mendelsohn-órgano
    Eddie Layton-órgano

Años activo 1939-1966

Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/The_Three_Suns

Rhythm Boys • She Rocks Bops Boogies

Shirley Scott • For Members Only

Review by Scott Yanow

During the 1960's, Shirley Scott's Impulse albums were often split between big band selections (with orchestras arranged by Oliver Nelson) and trio features. This CD reissue from 1989 includes all of the contents from two of Scott's better Impulse albums, Great Scott and For Members Only. In general the eight trio numbers are the most rewarding performances on the disc since the material is fairly superior while the big band tracks emphasize then-current show and movie tunes. Overall this generous CD gives one a good overview of Shirley Scott's playing talents.

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Traducción Automática:

Revisión por Scott Yanow

Durante la década de 1960, los álbumes de Shirley Scott's Impulse a menudo se dividían entre selecciones de grandes bandas (con orquestas organizadas por Oliver Nelson) y trío. Esta reedición de CD de 1989 incluye todos los contenidos de dos de los mejores álbumes de Scott Impulse, Great Scott y For Members Only. En general, los ocho números de trío son las interpretaciones más gratificantes del disco, ya que el material es bastante superior, mientras que las pistas de big band enfatizan las melodías de películas y espectáculos actuales. En general, este generoso CD ofrece una buena descripción de los talentos de Shirley Scott.

 

Memphis Slim • Chicago Boogie Woogie and Blues

 

Biography:
Memphis Slim would take the Blues to places it never imagined. He was a prolific author of many enduring classics of the Blues lexicon, including “Mother Earth,” “Everyday I Have the Blues,” and countless others. But as a performer, his everlasting significance was in opening unexpected doors, and letting the music take wing in places where it had never extended. Blues artists had often attained modest levels of popularity, but the bulk of the audience base was essentially derived from the black lower classes. Blues clubs, where common folk let loose at the end of the day, offered music that was ribald and highly suggestive. He was a fabulous keyboard player, an accomplished composer and a soulful vocalist. Like most adept blues pianists, his range goes beyond basic Chicago blues to boogie, jump blues and R&B flavors.

Whether it was the 30’s, 40’s, even the 50’s, Blues tended to be isolated from larger society, Memphis Slim changed all that, especially in the aftermath of settling in Europe in 1963, living in France until his 1988 death. He proceeded to bring a brisk air of sophistication and polish to a rough-hewn art form, developing a presentation that was conducive to concert hall environs. He was a pioneer in this regard, realizing that Blues could only capture the imagination of a mass audience if it was presented with stylishness and refinement. Yet he never compromised the integrity of the music, its core grittiness and honesty was fully maintained. Peter 'Memphis Slim' Chatman went on to become the toast of the Continent.

Memphis Slim's fascinating story begins in Memphis in 1915, and sometime in the 1930’s he settled in Chicago and began displaying his considerable piano skills, landing his first record deal with Okeh in 1939. The first of many labels he recorded for over the next 50 years. Roosevelt Sykes was Slim’s mentor, but Slim never imitated him. He took Bill Broonzy’s advice and developed his own style, characterized by a forceful delivery from burnished vocals while his keyboard work was equally dominating. In 1947, he recorded for the Miracle label backed by his band The House Rockers. Some of the classics included “Lend Me Your Love,” “ Rockin’ The House,” Messin’ Around,” “Blue and Lonesome,” and “Nobody Loves Me” (better known by subsequent covers by Lowell Fulson, BB King, and Joe Williams as Everyday I Have The Blues).

The first of several versions of “Mother Earth,” was heard circa 1950 on the Premium label. He had a very fertile stay on the United label from 1952-54, while also acquiring guitarist in Matt 'Guitar' Murphy. He did “At the Gate of Horn,” a superb date for Vee Jay in 1959. This session had everything: super piano solos, a strong lineup of horn players, clever, well-written and sung lyrics, and a seamless pace that kept things moving briskly from beginning to end.

Recording prolifically during every period of his career, he had a very strong relation with Folkways, which has been reissued as “The Folkways Years 1959-1973. Then he found time to record five albums for Bluesville and Battle during 1960-1962 that have been reissued in the Original Blues Classics series. “Raining the Blues,” has an extended trio session with guitarist Lafayette Thomas and bassist Wendell Marshall plus a solo set that includes four guest appearances by Buster “Harpie” Brown on harmonica. “All Kinds of Blues,” “Alone with the Blues,” and “Steady Rolling Blues” are each solo outings with Slim showing off his expertise on blues at various tempos, boogie-woogie, and blues ballads. He also makes four rare appearances on organ during “Steady Rollin’ Blues.” In Paris: “Baby Please Come Home,” is a spirited trio outing from 1962 with bassist Willie Dixon and drummer Philippe Combelle. When the combo toured Europe that year, Slim decided to take up permanent residency in Paris.

He was able to capitalize on the Blues Revival of the late ‘60’s and became a superstar in Europe, and that transcended back to the states where he was acknowledged as a master by hordes of aspiring rockers and record buying fans. Among his many European recording sessions, in 1970, Memphis Slim hooked up with fellow Chicago blues great Buddy Guy while the guitarist was touring Europe with the Rolling Stones, and recorded the tracks for “South Side Reunion,” originally released on Warner Bros. in 1972.. He did a lot of solo sessions with just a drummer Michel Denis, for most of the ‘70’s and 80’s. He lived very well in his exile, and would go on touring and recording throughout the rest of his distinguished career

Memphis Slim took his blues piano from Beale Street in Memphis to the Boulevards of Paris, where he died in 1988.

Before his death in 1988, the U.S. Senate honored Memphis Slim with the title of Ambassador-at-Large of Good Will, while the French government bestowed him with the title of Commander of Arts and Letters. Memphis Slim was inducted into the Blues Foundation's Hall of Fame in 1989.

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Biografía:
Memphis Slim llevaría el Blues a lugares nunca imaginados. Fue un prolífico autor de muchos clásicos perdurables del léxico del Blues, como "Mother Earth", "Everyday I Have the Blues" e innumerables otros. Pero como intérprete, su importancia eterna fue la de abrir puertas inesperadas y dejar que la música alzara el vuelo en lugares donde nunca se había extendido. Los artistas de blues habían alcanzado a menudo niveles modestos de popularidad, pero el grueso del público procedía esencialmente de las clases bajas negras. Los clubes de blues, en los que la gente común se desahoga al final del día, ofrecían una música ribera y muy sugerente. Era un teclista fabuloso, un compositor consumado y un vocalista conmovedor. Como la mayoría de los pianistas de blues adeptos, su gama va más allá del blues básico de Chicago y llega a los sabores del boogie, el jump blues y el R&B.

En los años 30, 40 e incluso 50, el blues tendía a estar aislado de la sociedad en general, pero Memphis Slim cambió todo eso, sobre todo después de establecerse en Europa en 1963, viviendo en Francia hasta su muerte en 1988. Aportó un aire de sofisticación y pulido a una forma de arte áspera, desarrollando una presentación que se adaptaba a los entornos de las salas de conciertos. Fue un pionero en este sentido, pues se dio cuenta de que el blues sólo podía captar la imaginación de un público masivo si se presentaba con estilo y refinamiento. Sin embargo, nunca puso en peligro la integridad de la música, y su esencia, la crudeza y la honestidad, se mantuvieron plenamente. Peter "Memphis Slim" Chatman se convirtió en la estrella del continente.

La fascinante historia de Memphis Slim comienza en Memphis en 1915, y en algún momento de la década de 1930 se estableció en Chicago y comenzó a mostrar sus considerables habilidades al piano, consiguiendo su primer contrato discográfico con Okeh en 1939. El primero de los muchos sellos para los que grabó durante los siguientes 50 años. Roosevelt Sykes fue el mentor de Slim, pero éste nunca le imitó. Siguió los consejos de Bill Broonzy y desarrolló su propio estilo, caracterizado por una entrega contundente de voces bruñidas, mientras que su trabajo de teclado era igualmente dominante. En 1947, grabó para el sello Miracle respaldado por su banda The House Rockers. Algunos de los clásicos eran "Lend Me Your Love", "Rockin' The House", "Messin' Around", "Blue and Lonesome" y "Nobody Loves Me" (más conocida por las versiones posteriores de Lowell Fulson, BB King y Joe Williams como Everyday I Have The Blues).

La primera de varias versiones de "Mother Earth", se escuchó hacia 1950 en el sello Premium. Tuvo una estancia muy fértil en el sello United entre 1952 y 1954, al mismo tiempo que adquiría un guitarrista en Matt 'Guitar' Murphy. Hizo "At the Gate of Horn", una magnífica cita para Vee Jay en 1959. Esta sesión lo tenía todo: magníficos solos de piano, una sólida formación de trompistas, letras inteligentes, bien escritas y cantadas, y un ritmo fluido que mantenía las cosas en movimiento de principio a fin.

Grabando prolíficamente durante todos los periodos de su carrera, tuvo una relación muy fuerte con Folkways, que se ha reeditado como "The Folkways Years 1959-1973". Luego encontró tiempo para grabar cinco álbumes para Bluesville y Battle durante 1960-1962 que han sido reeditados en la serie Original Blues Classics. "Raining the Blues", tiene una extensa sesión de trío con el guitarrista Lafayette Thomas y el bajista Wendell Marshall, además de un set en solitario que incluye cuatro apariciones como invitado de Buster "Harpie" Brown a la armónica. "All Kinds of Blues", "Alone with the Blues" y "Steady Rolling Blues" son temas en solitario en los que Slim muestra su experiencia en el blues a varios tempos, el boogie-woogie y las baladas de blues. También hace cuatro raras apariciones en el órgano durante "Steady Rollin' Blues". En París: "Baby Please Come Home", es un animado trío de 1962 con el bajista Willie Dixon y el baterista Philippe Combelle. Cuando el combo realizó una gira por Europa ese año, Slim decidió fijar su residencia permanente en París.

Supo aprovechar el renacimiento del blues de finales de los 60 y se convirtió en una superestrella en Europa, lo que trascendió a los Estados Unidos, donde fue reconocido como un maestro por hordas de aspirantes a rockeros y aficionados a la compra de discos. Entre sus muchas sesiones de grabación en Europa, en 1970, Memphis Slim se unió a su colega Buddy Guy, mientras el guitarrista estaba de gira por Europa con los Rolling Stones, y grabó los temas de "South Side Reunion", publicado originalmente por Warner Bros. en 1972. Hizo muchas sesiones en solitario con sólo un batería, Michel Denis, durante la mayor parte de los años 70 y 80. Vivió muy bien en su exilio, y seguiría haciendo giras y grabando durante el resto de su distinguida carrera

Memphis Slim llevó su piano de blues de Beale Street, en Memphis, a los bulevares de París, donde murió en 1988.

Antes de su muerte en 1988, el Senado de Estados Unidos honró a Memphis Slim con el título de Embajador de Buena Voluntad, mientras que el gobierno francés le otorgó el título de Comendador de las Artes y las Letras. Memphis Slim fue incluido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation en 1989.

Herbie Mann • Sunbelt

Herbie Mann played a wide variety of music throughout his career. He became quite popular in the 1960s, but in the '70s became so immersed in pop and various types of world music that he seemed lost to jazz. However, Mann never lost his ability to improvise creatively as his later recordings attest.

Herbie Mann began on clarinet when he was nine but was soon also playing flute and tenor. After serving in the Army, he was with Mat Mathews' Quintet (1953-1954) and then started working and recording as a leader. During 1954-1958 Mann stuck mostly to playing bop, sometimes collaborating with such players as Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar, and Charlie Rouse. He doubled on cool-toned tenor and was one of the few jazz musicians in the '50s who recorded on bass clarinet; he also recorded a full album in 1957 (for Savoy) of unaccompanied flute.

After spending time playing and writing music for television, Mann formed his Afro-Jazz Sextet, in 1959, a group using several percussionists, vibes (either Johnny Rae, Hagood Hardy, or Dave Pike) and the leader's flute. He toured Africa (1960) and Brazil (1961), had a hit with "Comin' Home Baby," and recorded with Bill Evans. The most popular jazz flutist during the era, Mann explored bossa nova (even recording in Brazil in 1962), incorporated music from many cultures (plus current pop tunes) into his repertoire, and had among his sidemen such top young musicians as Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller, and Roy Ayers; at the 1972 Newport Festival his sextet included David Newman and Sonny Sharrock. By then Mann had been a producer at Embroyo (a subsidiary of Atlantic) for three years and was frequently stretching his music outside of jazz. As the '70s advanced, Mann became much more involved in rock, pop, reggae, and even disco. After leaving Atlantic at the end of the '70s, Mann had his own label for awhile and gradually came back to jazz. He recorded for Chesky, made a record with Dave Valentin, and in the '90s founded the Kokopelli label on which before breaking away in 1996, he was free to pursue his wide range of musical interests. Through the years, he recorded as a leader for Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli, and most significantly Atlantic. He passed away on July 1, 2003, following an extended battle with prostate cancer. His last record was 2004's posthumously released Beyond Brooklyn for Telarc. ~ Scott Yanow

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Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Llegó a ser muy popular en los años 60, pero en los 70 se sumergió tanto en el pop y en varios tipos de música del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisación creativa, como atestiguan sus últimas grabaciones.

Herbie Mann empezó a tocar el clarinete a los nueve años, pero pronto tocó también la flauta y el tenor. Tras servir en el ejército, formó parte del Quinteto de Mat Mathews (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Entre 1954 y 1958 Mann se dedicó principalmente a tocar bop, colaborando a veces con músicos como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Hizo doblete con el tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz de los años 50 que grabó con clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta sin acompañamiento.

Después de pasar un tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Afro-Jazz Sextet, en 1959, un grupo que utilizaba varios percusionistas, vibras (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin' Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular de la época, Mann exploró la bossa nova (incluso grabó en Brasil en 1962), incorporó a su repertorio música de muchas culturas (además de melodías pop actuales) y tuvo entre sus acompañantes a jóvenes músicos de primera fila como Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972 su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann llevaba tres años como productor en Embroyo (una filial de Atlantic) y ampliaba con frecuencia su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la música disco. Tras dejar Atlantic a finales de los 70, Mann tuvo su propio sello durante un tiempo y volvió gradualmente al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin y, en los años 90, fundó el sello Kokopelli, en el que, antes de desvincularse en 1996, tuvo libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A lo largo de los años, grabó como líder para Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, sobre todo, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, tras una larga batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue el póstumo Beyond Brooklyn, publicado en 2004 para Telarc. ~ Scott Yanow

B3 Organ Trio • B3 Organ Trio

Primeiro álbum do trio formado por Willie Daniel e Giba Estebez, que dividem suas composições neste comemorado registro, Uma formação clássica de Organ Trio, relembrando uma sonoridade muito rara de se escutar nos dias de hoje.

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Primer álbum del trío formado por Willie Daniel y Giba Estebez, que se dividió en sus composiciones en el registro de Estados Unidos, la Organización Clásica de Organo Trío, el relevo de la historia de la música de la vida cotidiana.

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First album of the trio formed by Willie Daniel and Giba Estebez, which was divided into its compositions in the United States record, the Organo Trio Classical Organization, the relay of the history of the music of everyday life.

Harold Smart • Love Sensations

Britsh organist (born December 7, 1921, died November 6, 1980).

Sonny Criss • I'll Catch The Sun!

Altoist Sonny Criss made some of his finest recordings for Prestige during the mid- to late '60s; I'll Catch the Sun was the seventh and final. Since this CD reissue is only 35 minutes long, it is overly brief, but the straight-ahead music (featuring Criss with pianist Hampton Hawes, bassist Monty Budwig, and drummer Shelly Manne) is often excellent as the altoist performs two blues, two standards (including a passionate "Cry Me a River"), and two forgotten pop tunes from the era.

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El saxo alto Sonny Criss hizo algunas de sus mejores grabaciones para Prestige entre mediados y finales de los 60; Voy a Atrapar el Sol fue el séptimo y último. Dado que la reedición de este CD dura solo 35 minutos, es demasiado breve, pero la música directa (con Criss con el pianista Hampton Hawes, el bajista Monty Budwig y la baterista Shelly Manne) es a menudo excelente, ya que el altoista interpreta dos blues, dos estándares (incluyendo un apasionado "Cry Me a River"), y dos melodías pop olvidadas de la época. 

Vincent van Gogh - The Drawings • MET

Vincent van Gogh (1853-1890) believed that drawing was “the root of everything.” A self-taught artist, he succeeded, between 1881 and 1890, in developing an inimitable graphic style. This book traces the artist’s successive triumphs as a draftsman, first in the Netherlands and later in France, highlighting the diversity of his technical invention and the striking continuity of his vision. Given the pivotal role drawings played in Van Gogh’s artistic conception and the rich dialectic they enjoyed with his oil paintings, a small selection of related canvases by the artist is also featured.

This beautiful book presents approximately 120 works in charcoal, ink, graphite, watercolor, and diluted oils. The authors explore enduring questions that surround Van Gogh’s drawings, including their manufacture, artistic precedents, and contribution to Modernism. In addition, the text discusses the significance of the artist’s drawing practice to his development as a painter. The essays and entries feature the most current research on Van Gogh’s drawings and provide fresh interpretations of the motivating influences that shaped the artist’s contributions to the history of drawing.

 

VA • 41 Years Collector Records

 

Hank Jones • Upon Reflection

 

Out of print in the U.S. 1994 release from the Jazz piano great finds Hank, alongside George Mraz and brother Elvin, paying tribute to his younger brother, the late trumpeter Thad Jones. 10 tracks including 'Thad's Pad', 'Lady Luck' and 'Mean What You Say'.
Get your hands on this CD Jazz lovers. It is a monstrously magical moment with three great masters of this art form. The eldest of the 3 brothers from Pontiac, brother Hank is at the piano, with baby brother Elvin (he who changed the way all modern drummers approach the instrument) on drums playing brushes as only Elvin can, playing the compositions of their dearly departed brother Thad, with George Mraz, the bassist from Thad's legendary Big Band. The brotherly love is palpable, and the playing par excellence!

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Agotado en los Estados Unidos, el lanzamiento de 1994 del gran pianista de jazz encuentra a Hank, junto con George Mraz y su hermano Elvin, rindiendo homenaje a su hermano menor, el difunto trompetista Thad Jones. 10 temas que incluyen 'Thad's Pad', 'Lady Luck' y 'Mean What You Say'.
Hazte con este CD para los amantes del jazz. Es un momento monstruosamente mágico con tres grandes maestros de este arte. El mayor de los 3 hermanos de Pontiac, el hermano Hank, está al piano, con el hermano pequeño Elvin (el que cambió la forma en que todos los bateristas modernos se acercan al instrumento) a la batería tocando las escobillas como sólo Elvin puede hacerlo, tocando las composiciones de su querido hermano fallecido Thad, con George Mraz, el bajista de la legendaria Big Band de Thad. El amor fraternal es palpable, ¡y la interpretación por excelencia!


Colaborador / Contributor: peer57

Stanley Turrentine • A Bluish Bag

Carioca and His Orchestra • Bossa Nova on Fire

Biografía en portugués ...

Biography in Portuguese ...

Ornette Coleman • Tomorrow Is the Question!

 

www.ornettecoleman.com ...

Astor Piazzolla & His Quintet • Take Me Dancing!

 

Biography
by Steve Huey
It's not hyperbole to say that Astor Piazzolla is the single most important figure in the history of tango, a towering giant whose shadow looms large over everything that preceded and followed him. Piazzolla's place in Argentina's greatest cultural export is roughly equivalent to that of Duke Ellington in jazz -- the genius composer who took an earthy, sensual, even disreputable folk music and elevated it into a sophisticated form of high art. But even more than Ellington, Piazzolla was also a virtuosic performer with a near-unparalleled mastery of his chosen instrument, the bandoneon, a large button accordion noted for its unwieldy size and difficult fingering system. In Piazzolla's hands, tango was no longer strictly a dance music; his compositions borrowed from jazz and classical forms, creating a whole new harmonic and rhythmic vocabulary made for the concert hall more than the ballroom (which was dubbed "nuevo tango"). Some of his devices could be downright experimental -- he wasn't afraid of dissonance or abrupt shifts in tempo and meter, and he often composed segmented pieces with hugely contrasting moods that interrupted the normal flow and demanded the audience's concentration. The complexity and ambition of Piazzolla's oeuvre brought him enormous international acclaim, particularly in Europe and Latin America, but it also earned him the lasting enmity of many tango purists, who attacked him mercilessly for his supposed abandonment of tradition (and even helped drive him out of the country for several years). But Piazzolla always stuck to his guns, and remained tango's foremost emissary to the world at large up until his death in 1992.

Piazzolla was born in Mar del Plata, Argentina, on March 11, 1921. His parents were poor Italian immigrants who moved to New York City in 1924, affording the young Piazzolla extensive exposure to jazz artists like Duke Ellington and Cab Calloway. His father also played tango records by the early masters, especially the legendary vocalist/composer Carlos Gardel, and gave Astor a bandoneon for his ninth birthday. In addition to lessons on that instrument (which encompassed American music, like Gershwin, as well as tango), Piazzolla also studied with classical pianist Bela Wilda in 1933, becoming an ardent fan of Bach and Rachmaninoff. Around the same time, the budding prodigy met and played with Carlos Gardel, appearing as a newspaper boy in Gardel's watershed tango film El Dia que Me Quieras. The teenaged Piazzolla turned down an offer to tour South America with Gardel in 1935, a fortuitous decision that kept him out of the tragic plane crash that claimed Gardel's life.

In 1936, Piazzolla's family returned to Mar del Plata, and his passion for tango music was fired anew by violinist Elvino Vardaro's sextet. The still-teenaged Piazzolla moved to Buenos Aires in 1938, seeking work as a musician. After about a year of dues-paying, he caught on with the widely renowned Anibal Troilo orchestra, where he spent several high-profile years. In the meantime, he continued his study of piano and music theory, counting future classical composer Alberto Ginastera (1941) and pianist Raul Spivak (1943) as his teachers. He began composing for Troilo during this period, although his more ambitious, classically influenced pieces were often edited for accessibility's sake. In 1944, Piazzolla left Troilo's group to become the orchestra leader behind singer Francisco Fiorentino; two years later, he formed his own group, playing mostly traditional tangos, yet already with hints of modernism. This group broke up in 1949, and Piazzolla, unsure of his musical direction, sought a way to leave tango behind for more refined pursuits. He studied Ravel, Bartók, and Stravinsky, also immersing himself in American jazz, and worked mostly on his compositional skills for a few years. His 1953 piece "Buenos Aires" caused a stir for its use of bandoneon in a classical orchestral setting.

In 1954, Piazzolla won a scholarship to study in Paris with the hugely influential Nadia Boulanger, who also taught Aaron Copland, Philip Glass, and Quincy Jones, among many others. Boulanger encouraged Piazzolla not to ignore tango, but to reinvigorate the form with his jazz and classical training. Piazzolla returned home in 1955 and immediately set the tango world on its ear, forming an octet that played tango as self-contained chamber music, rather than accompaniment for vocalists or dancers. The howls of protest from traditionalists continued unabated until 1958, when Piazzolla disbanded the group and went to New York City; there he worked as an arranger and experimented with a fusion of jazz and tango, also composing the famed "Adios Nonino," a lovely ode to his recently departed father.

Returning to Buenos Aires in 1960, Piazzolla formed his first quintet, the Quinteto Tango Nuevo, which would become the primary vehicle for his forward-looking vision. Over the course of the '60s, Piazzolla would refine and experiment heavily, pushing the formal structure of tango to its breaking point. In 1965, he made a record of his concert at New York's Philharmonic Hall, and also cut an album of poems by Jorge Luis Borges set to music. In 1967, Piazzolla struck a deal with poet Horacio Ferrer to collaborate exclusively with each other, resulting in the groundbreaking so-called "operita" Maria de Buenos Aires, which was premiered by singer Amelita Baltar in 1968 (she would later become Piazzolla's second wife). Piazzolla and Ferrer next collaborated on a series of "tango-canciones" (tango songs) which produced his first genuine commercial hit, "Balada Para un Loco" ("Ballad of a Madman"). In addition to composing songs and more elaborate pieces for orchestra (such as 1970's El Pueblo Joven), Piazzolla also flexed his muscles scoring numerous films of the period.

The '70s started out well for Piazzolla, as an acclaimed European tour brought the opportunity to form a nine-piece group to play his music in especially lush fashion. However, all was not well. Argentina's government was taken over by a conservative military faction, and everything that Piazzolla symbolized -- modern refinement, an ostensible lack of respect for tradition -- suddenly became politically unwelcome. In 1973, Piazzolla suffered a heart attack, and after recovering, he decided that, with sentiments running high against him, it would be wiser for him to live in Italy. There he formed a group called the Conjunto Electronico, which placed bandoneon at the forefront of what was essentially, instrumentation-wise, an electric jazz ensemble; this period also produced one of his most celebrated compositions, "Libertango." In 1974, Piazzolla cut an album with jazz baritone saxophonist Gerry Mulligan called Summit, with backing by Italian musicians; the following year, he found a new favorite vocal interpreter in Jose Angel Trelles. 1976 brought a major concert back in Buenos Aires, with the Conjunto Electronico premiering the piece "500 Motivaciones."

Tiring of electric music, Piazzolla formed a new quintet in 1978 and toured extensively all over the world, also composing new chamber and symphonic works in the meantime. His reputation grew steadily, making him a prime candidate for exposure in the U.S. during the world-music craze of the latter half of the '80s. In 1986, Piazzolla entered the studio with his quintet and American producer Kip Hanrahan and recorded what he considered the finest album of his career, Tango: Zero Hour. The same year, he played the Montreux Jazz Festival with vibraphonist Gary Burton, resulting in the live set Suite for Vibraphone and New Tango Quintet. The official follow-up to Tango: Zero Hour, The Rough Dancer and the Cyclical Night, won equally glowing reviews, and Piazzolla staged a major homecoming concert in New York's Central Park in 1987.

Unfortunately, at the height of his international fame (and belated celebration at home), Piazzolla's health began to fail him. He underwent quadruple bypass surgery in 1988, but recovered well enough to mount an international tour in 1989, including what would be his final concert in Argentina. La Camorra, another excellent recording, was released in 1989, the same year Piazzolla formed a new sextet with an unheard-of two bandoneons. In 1990, he recorded a short album with modern-classical iconoclasts the Kronos Quartet, titled Five Tango Sensations. Sadly, not long afterward, Piazzolla suffered a stroke that left him unable to perform or compose. Almost two years later, on July 5, 1992, he died in his beloved Buenos Aires due to the lingering after-effects, leaving behind a monumental legacy as one of South America's greatest musical figures ever, and a major composer of the 20th century.
https://www.allmusic.com/artist/astor-piazzolla-mn0000607967/biography

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Biografía
por Steve Huey
No es una hipérbole decir que Astor Piazzolla es la figura más importante de la historia del tango, un gigante cuya sombra se cierne sobre todo lo que le ha precedido y seguido. El lugar de Piazzolla en la mayor exportación cultural de Argentina equivale aproximadamente al de Duke Ellington en el jazz: el genio compositor que tomó una música folclórica terrenal, sensual e incluso de mala reputación y la elevó a una forma sofisticada de alto arte. Pero incluso más que Ellington, Piazzolla fue también un intérprete virtuoso con un dominio casi inigualable del instrumento que eligió, el bandoneón, un gran acordeón de botones conocido por su tamaño inmanejable y su difícil sistema de digitación. En manos de Piazzolla, el tango dejó de ser estrictamente una música de baile; sus composiciones tomaron prestadas formas clásicas y de jazz, creando todo un nuevo vocabulario armónico y rítmico hecho para la sala de conciertos más que para el salón de baile (lo que se denominó "nuevo tango"). Algunos de sus recursos podían ser francamente experimentales: no temía la disonancia ni los cambios bruscos de tempo y métrica, y a menudo componía piezas segmentadas con estados de ánimo enormemente contrastados que interrumpían el flujo normal y exigían la concentración del público. La complejidad y la ambición de la obra de Piazzolla le valieron un enorme reconocimiento internacional, sobre todo en Europa y América Latina, pero también le granjearon la enemistad duradera de muchos puristas del tango, que lo atacaron sin piedad por su supuesto abandono de la tradición (e incluso contribuyeron a expulsarlo del país durante varios años). Pero Piazzolla siempre se mantuvo firme y fue el principal emisario del tango en el mundo hasta su muerte en 1992.

Piazzolla nació en Mar del Plata, Argentina, el 11 de marzo de 1921. Sus padres eran inmigrantes italianos pobres que se trasladaron a Nueva York en 1924, lo que permitió al joven Piazzolla conocer a artistas de jazz como Duke Ellington y Cab Calloway. Su padre también ponía discos de tango de los primeros maestros, especialmente del legendario vocalista y compositor Carlos Gardel, y regaló a Astor un bandoneón por su noveno cumpleaños. Además de las lecciones de ese instrumento (que abarcaba la música americana, como Gershwin, además del tango), Piazzolla también estudió con el pianista clásico Bela Wilda en 1933, convirtiéndose en un ferviente admirador de Bach y Rachmaninoff. Alrededor de la misma época, el prodigio en ciernes conoció y tocó con Carlos Gardel, apareciendo como repartidor de periódicos en la película de tango El Día que Me Quieras de Gardel. El adolescente Piazzolla rechazó una oferta para hacer una gira por Sudamérica con Gardel en 1935, una decisión fortuita que lo mantuvo alejado del trágico accidente aéreo que se cobró la vida de Gardel.

En 1936, la familia de Piazzolla regresó a Mar del Plata, y su pasión por la música de tango se encendió de nuevo con el sexteto del violinista Elvino Vardaro. El todavía adolescente Piazzolla se trasladó a Buenos Aires en 1938, buscando trabajo como músico. Después de un año de pagar las cuotas, se incorporó a la renombrada orquesta de Aníbal Troilo, en la que pasó varios años de alto nivel. Mientras tanto, continuó sus estudios de piano y teoría musical, contando como profesores al futuro compositor clásico Alberto Ginastera (1941) y al pianista Raúl Spivak (1943). Comenzó a componer para Troilo durante este período, aunque sus piezas más ambiciosas, de influencia clásica, fueron a menudo editadas por razones de accesibilidad. En 1944, Piazzolla dejó el grupo de Troilo para convertirse en director de orquesta detrás del cantante Francisco Fiorentino; dos años más tarde, formó su propio grupo, tocando principalmente tangos tradicionales, aunque ya con toques de modernismo. Este grupo se disolvió en 1949, y Piazzolla, inseguro de su dirección musical, buscó la manera de dejar el tango para dedicarse a actividades más refinadas. Estudió a Ravel, Bartók y Stravinsky, y también se sumergió en el jazz americano. Su obra "Buenos Aires", de 1953, causó sensación por el uso del bandoneón en un entorno orquestal clásico.

En 1954, Piazzolla obtuvo una beca para estudiar en París con la influyente Nadia Boulanger, que también fue profesora de Aaron Copland, Philip Glass y Quincy Jones, entre muchos otros. Boulanger animó a Piazzolla a no ignorar el tango, sino a revitalizarlo con su formación clásica y de jazz. Piazzolla regresó a casa en 1955 e inmediatamente puso al mundo del tango de cabeza, formando un octeto que tocaba el tango como música de cámara autónoma, en lugar de como acompañamiento para vocalistas o bailarines. Los aullidos de protesta de los tradicionalistas no cesaron hasta 1958, cuando Piazzolla disolvió el grupo y se fue a Nueva York; allí trabajó como arreglista y experimentó con una fusión de jazz y tango, componiendo también el famoso "Adiós Nonino", una hermosa oda a su padre recientemente fallecido.

De regreso a Buenos Aires en 1960, Piazzolla formó su primer quinteto, el Quinteto Tango Nuevo, que se convertiría en el principal vehículo de su visión de futuro. A lo largo de los años 60, Piazzolla perfeccionaría y experimentaría mucho, llevando la estructura formal del tango a su punto de ruptura. En 1965, grabó su concierto en el Philharmonic Hall de Nueva York, y también grabó un álbum de poemas de Jorge Luis Borges musicados. En 1967, Piazzolla llegó a un acuerdo con el poeta Horacio Ferrer para colaborar exclusivamente entre ellos, lo que dio como resultado la innovadora "operita" María de Buenos Aires, que fue estrenada por la cantante Amelita Baltar en 1968 (que más tarde se convertiría en la segunda esposa de Piazzolla). A continuación, Piazzolla y Ferrer colaboraron en una serie de "tango-canciones" que produjeron su primer éxito comercial genuino, "Balada Para un Loco". Además de componer canciones y piezas más elaboradas para orquesta (como El Pueblo Joven, de 1970), Piazzolla también hizo gala de su talento para componer numerosas películas de la época.

Los años 70 empezaron bien para Piazzolla, ya que una aclamada gira europea le brindó la oportunidad de formar un grupo de nueve músicos para tocar su música de forma especialmente exuberante. Sin embargo, no todo iba bien. El gobierno argentino fue tomado por una facción militar conservadora, y todo lo que Piazzolla simbolizaba -el refinamiento moderno, una ostensible falta de respeto por la tradición- se convirtió de repente en algo políticamente inoportuno. En 1973, Piazzolla sufrió un ataque al corazón y, tras recuperarse, decidió que, con los sentimientos en contra, sería más prudente que viviera en Italia. Allí formó un grupo llamado Conjunto Electrónico, que colocó el bandoneón al frente de lo que era esencialmente, en cuanto a la instrumentación, un conjunto de jazz eléctrico; este período también produjo una de sus composiciones más celebradas, "Libertango". En 1974, Piazzolla grabó un álbum con el saxofonista barítono de jazz Gerry Mulligan llamado Summit, con el respaldo de músicos italianos; al año siguiente, encontró un nuevo intérprete vocal favorito en José Ángel Trelles. 1976 trajo consigo un gran concierto en Buenos Aires, con el Conjunto Electrónico estrenando la pieza "500 Motivaciones".

Cansado de la música eléctrica, Piazzolla formó un nuevo quinteto en 1978 y realizó numerosas giras por todo el mundo, componiendo también nuevas obras de cámara y sinfónicas. Su reputación creció de forma constante, lo que le convirtió en un candidato privilegiado para ser expuesto en Estados Unidos durante la moda de la música del mundo de la segunda mitad de los años 80. En 1986, Piazzolla entró en el estudio con su quinteto y el productor estadounidense Kip Hanrahan y grabó lo que él consideraba el mejor álbum de su carrera, Tango: Zero Hour. Ese mismo año, tocó en el Festival de Jazz de Montreux con el vibrafonista Gary Burton, lo que dio como resultado el conjunto en vivo Suite for Vibraphone y New Tango Quintet. La continuación oficial de Tango: Zero Hour, The Rough Dancer and the Cyclical Night, obtuvo críticas igualmente elogiosas, y Piazzolla organizó un gran concierto de regreso a casa en el Central Park de Nueva York en 1987.

Desgraciadamente, en la cúspide de su fama internacional (y de su tardía celebración en casa), la salud de Piazzolla empezó a fallar. Se sometió a una cirugía de bypass cuádruple en 1988, pero se recuperó lo suficiente como para montar una gira internacional en 1989, incluyendo el que sería su último concierto en Argentina. La Camorra, otra excelente grabación, se editó en 1989, el mismo año en que Piazzolla formó un nuevo sexteto con dos bandoneones inéditos. En 1990, grabó un breve álbum con los iconoclastas modernos Kronos Quartet, titulado Five Tango Sensations. Lamentablemente, poco después, Piazzolla sufrió un derrame cerebral que le dejó incapacitado para actuar y componer. Casi dos años después, el 5 de julio de 1992, falleció en su querida Buenos Aires a causa de las persistentes secuelas, dejando tras de sí un legado monumental como una de las mayores figuras musicales de Sudamérica de todos los tiempos, y un importante compositor del siglo XX.
https://www.allmusic.com/artist/astor-piazzolla-mn0000607967/biography

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