Carl Mann • The Sun Records Sound of Carl Mann

 

Biography by Steve Huey
One of the last discoveries on Sam Phillips' legendary Sun label, piano player Carl Mann was best known for his rockabilly reworking of the Nat "King" Cole pop standard "Mona Lisa." That million-selling hit positioned him as something of a softer, smoother Jerry Lee Lewis, possessed of a crooner's instincts and a velvety vibrato. Unfortunately, Mann was never able to land another hit on the level of "Mona Lisa," despite waxing a fair amount of high-quality rock & roll. Like many early rock vets, he eventually moved into country music when the rockabilly market dried up, but never successfully established himself in that arena and gradually drifted out of music.

Carl Mann was born in Huntingdon, Tennessee, on August 22, 1942. He grew up in a strongly rural area, where his family ran a lumber business, and fell in love with country music as a child. Mann began singing in church at age nine and soon moved on to performing country songs at area talent contests. He learned guitar at age ten, and piano at 13, by which time he'd already become a regular on local radio. He also formed a band with several other young musicians, and soon took an interest in the R&B and rockabilly records that some of his DJ friends played on the radio, especially those of Elvis Presley. In 1957, Mann successfully auditioned for the Jaxon label and cut his debut single, "Gonna Rock and Roll Tonight" b/w "Rockin' Love." Those sides marked his first collaborations with guitarist Eddie Bush, who would become an important member of Mann's band and assisted him on his rearrangement of "Mona Lisa."

Mann cut several more unreleased sides for Jaxon over the next year, and caught a break when Carl Perkins' drummer Bill "Fluke" Holland offered to become his manager. Holland brought Mann to Sun Records in 1959, and Sam Phillips signed him to a three-year deal. Mann cut his take on "Mona Lisa" early that year, and while Phillips wasn't keen on releasing it as a single, Conway Twitty heard the demo tape and quickly cut his own version, which began climbing the charts. Phillips hurriedly issued Mann's, which battled Twitty's all the way up the pop charts. Both hit the Top 30, and while they tended to cancel each other out in terms of placement, Mann's wound up selling over a million copies -- and he wasn't even 17 years old.

Despite the newfound stardom and several TV appearances, "Mona Lisa" turned out to be the pinnacle of Mann's commercial success. At first, he tried to repeat the formula by rocking up other vintage pop standards, which failed to return him to the Top 40, and perhaps even obscured the virtues of original tunes like "I'm Coming Home." Mann also wasn't helped by the fact that he'd appeared at the tail end of rockabilly's prime, or that Charlie Rich had taken his place as Sun's rising new star. Mann's first album, Like Mann, was released in 1960, but sold disappointingly, and he began to develop a drinking problem that necessitated some time away from music. In 1964, he was drafted into the Army; upon returning to the U.S., he signed with the Monument label, but the single "Down to My Last 'I Forgive You'" failed to return him to prominence. Mann soon left music to return to his family's business, settling down with a wife and finally overcoming his problems with alcohol.

In 1974, Mann attempted a comeback singing straight country material; he issued several singles over the next few years on ABC and Dot, but they didn't fit in with the slick countrypolitan records then dominating the charts. In 1977, Mann got an offer from the Dutch label Rockhouse to record for European audiences; he issued a couple of albums on that label, 1978's half-live/half-studio Gonna Rock'n'Roll Tonight and 1981's In Rockabilly Country. Mann toured periodically during the '80s, returning to Europe every so often, and finally retired to concentrate on the family logging business. However, he intermittently returned to music, continuing to perform and record sporadically into the 2010s. Carl Mann died in Jackson, Tennessee, on December 16, 2020; he was 78 years old.
https://www.allmusic.com/artist/mn0000161182#biography

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Biografía de Steve Huey
El pianista Carl Mann, uno de los últimos descubrimientos del legendario sello Sun de Sam Phillips, era conocido sobre todo por su versión rockabilly de "Mona Lisa", el estándar pop de Nat "King" Cole. Ese éxito millonario le situó como una especie de Jerry Lee Lewis más suave, con instintos de crooner y un vibrato aterciopelado. Desgraciadamente, Mann nunca fue capaz de conseguir otro éxito del nivel de "Mona Lisa", a pesar de haber hecho una buena cantidad de rock & roll de alta calidad. Como muchos de los primeros veteranos del rock, acabó pasándose a la música country cuando el mercado del rockabilly se agotó, pero nunca logró establecerse con éxito en ese terreno y poco a poco se fue alejando de la música.

Carl Mann nació en Huntingdon, Tennessee, el 22 de agosto de 1942. Creció en una zona fuertemente rural, donde su familia regentaba un negocio maderero, y se enamoró de la música country de niño. Mann empezó a cantar en la iglesia a los nueve años y pronto pasó a interpretar canciones country en concursos de talentos de la zona. Aprendió a tocar la guitarra a los diez y el piano a los trece, cuando ya era un habitual de la radio local. También formó una banda con otros jóvenes músicos, y pronto se interesó por los discos de R&B y rockabilly que algunos de sus amigos DJ ponían en la radio, especialmente los de Elvis Presley. En 1957, Mann se presentó con éxito a una audición para el sello Jaxon y grabó su primer sencillo, "Gonna Rock and Roll Tonight" b/w "Rockin' Love". Estos temas supusieron sus primeras colaboraciones con el guitarrista Eddie Bush, que se convertiría en un miembro importante de la banda de Mann y le ayudó en la reorganización de "Mona Lisa".

Mann grabó varios temas inéditos más para Jaxon durante el año siguiente, y tuvo una oportunidad cuando el batería de Carl Perkins, Bill "Fluke" Holland, le ofreció convertirse en su representante. Holland llevó a Mann a Sun Records en 1959, y Sam Phillips firmó con él un contrato de tres años. Mann grabó su versión de "Mona Lisa" a principios de ese año y, aunque Phillips no estaba dispuesto a lanzarla como sencillo, Conway Twitty escuchó la maqueta y rápidamente grabó su propia versión, que empezó a escalar posiciones en las listas de éxitos. Phillips se apresuró a publicar la de Mann, que compitió con la de Twitty en las listas de éxitos. Ambas llegaron al Top 30 y, aunque tendieron a anularse mutuamente en términos de colocación, la de Mann acabó vendiendo más de un millón de copias, y ni siquiera tenía 17 años.

A pesar del nuevo estrellato y de varias apariciones en televisión, "Mona Lisa" resultó ser la cumbre del éxito comercial de Mann. Al principio, intentó repetir la fórmula versionando otros estándares pop vintage, lo que no le devolvió a los 40 Principales, y quizá incluso oscureció las virtudes de temas originales como "I'm Coming Home". A Mann tampoco le ayudó el hecho de que apareciera al final del apogeo del rockabilly, o que Charlie Rich ocupara su lugar como la nueva estrella emergente de Sun. El primer álbum de Mann, Like Mann, se publicó en 1960, pero se vendió de forma decepcionante, y empezó a tener problemas con la bebida que le obligaron a alejarse de la música. En 1964 fue alistado en el ejército y, a su regreso, firmó con la discográfica Monument, pero el sencillo "Down to My Last 'I Forgive You'" no le devolvió la fama. Mann abandonó pronto la música para volver al negocio familiar, establecerse con una esposa y superar por fin sus problemas con el alcohol.

En 1974, Mann intentó un regreso cantando material country directo; sacó varios singles en los años siguientes en ABC y Dot, pero no encajaban con los elegantes discos countrypolitan que dominaban entonces las listas. En 1977, Mann recibió una oferta del sello holandés Rockhouse para grabar para el público europeo; publicó un par de álbumes en ese sello, Gonna Rock'n'Roll Tonight, mitad en directo/mitad en estudio, de 1978, e In Rockabilly Country, de 1981. Mann realizó giras periódicas durante los años 80, regresando a Europa de vez en cuando, y finalmente se retiró para concentrarse en el negocio familiar de explotación forestal. Sin embargo, volvió a la música de forma intermitente, y continuó actuando y grabando esporádicamente hasta la década de 2010. Carl Mann falleció en Jackson, Tennessee, el 16 de diciembre de 2020; tenía 78 años.
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The Rockats • Start Over Again

 

Rockabilly pioneers, who influenced The Stray Cats’ Brian Setzer, return with their first new album in 8 years!
The Rockats set the standard for rockabilly revivalism in the ’80s, scoring an MTV hit in 1984 with “Make That Move,” and landing suport slots on tours by everyone from David Bowie to Thin Lizzy and Tina Turner!
In addition to original members Smutty Smiff, Dibbs Preston, Barry Ryan and Danny B. Harvey, this album also features Blondie drummer Clem Burke!
https://cleorecs.com/store/shop/the-rockats-start-over-again-cd-digipak/

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Los pioneros del rockabilly, que influyeron en Brian Setzer de The Stray Cats, vuelven con su primer álbum en 8 años.
Los Rockats marcaron la pauta del revival rockabilly en los 80, consiguiendo un éxito en la MTV en 1984 con "Make That Move" y participando en las giras de David Bowie, Thin Lizzy y Tina Turner.
Además de los miembros originales Smutty Smiff, Dibbs Preston, Barry Ryan y Danny B. Harvey, este álbum también incluye al batería de Blondie Clem Burke.
https://cleorecs.com/store/shop/the-rockats-start-over-again-cd-digipak/

www.therockats.com ...

Joel Paterson • Hi-Fi Christmas Guitar

 

Chicago-based roots guitarist/vocalist Joel Paterson plays jazz, blues, country, and swing music with his own group as well as such other Chi-town artists as the Four Charms, Nick Willet, and the Barclay 3. He released his debut acoustic country blues album, Down at the Depot, on Ventrella Records in 2002.

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El guitarrista/vocalista de raíces de Chicago Joel Paterson toca jazz, blues, country y swing con su propio grupo, así como con otros artistas de Chi-town como los Four Charms, Nick Willet y los Barclay 3. Lanzó su primer álbum de country blues acústico, Down at the Depot, en Ventrella Records en 2002. 

https://www.joelpaterson.com/
https://www.joelpaterson.com/hifi-christmas-guitar

 

Rabih Abou-Khalil • Blue Camel

 

Born and raised in the cosmopolitan climate of Beirut in the sixties and seventies, Rabih Abou- Khalil learned to play the oud, the Arabian short-necked lute, at the age of four. In the Arab world this instrument is as popular as the guitar or the piano in the West and is the composer’s instrument par excellence. The Lebanese civil war forced him to leave his country in 1978 to study classical flute in the German city of Munich, where he was tutored at the Munich Academy of Music by Walther Theurer. The analytical preoccupation with the European classical tradition enabled him to grasp Arabic music from a further, theoretical position, opening his eyes to the possibility of operating simultaneously within musically divergent systems.

Rabih Abou-Khalil has asserted himself as an original composer, not just because he is ahead of his time – but because he also questions what others might pursue without further reflection. With his original composing technique, his unconstrained, daring approach to classical Western and Arabic music, he has found a rhythmically and melodically complex musical language entirely his own, sounding simultaneously strange and yet familiar. It seems to break with almost every existing musical idiom.

As an instrumentalist, Abou-Khalil continuously explores new ways of playing his instrument. Using techniques acquired in his classical music studies and assimilating them into his Arabic musical upbringing, he reached a level of instrumental mastery hitherto unknown. His dazzling virtuosity has led music critics to recommend his playing as a “study for jazz guitarists”; his ballads, on the other hand, rekindle memories of the poetic dawn of Arabian culture, without ever sounding unadventurous or traditionalistic.

Unwilling to make artistic compromises, Rabih Abou-Khalil decided early in his career to produce and release his music himself. He has always given all aspects of his work his personal signature. Whether it was the cover design, the sound quality of the recording, or the often literary liner notes, Abou-Khalil was part of every stage of the production. This has not changed until today and has been a central element in his long lasting collaboration with his record company ENJA. In 1982 Abou-Khalil recorded and produced his first album “Compositions and Improvisations”, followed by “Bitter Harvest” and then “Between Dusk and Dawn”, which included an international cast of highly acclaimed musicians. The unexpected commercial success of these productions caught the interest of record companies. Abou-Khalil recorded “Nafas” for the German record label ECM, and soon after started his long time cooperation with ENJA.

The award winning “Al-Jadida”, with its elaborate cover and uncompromising musicality with was the first CD for this label. A number of ground breaking and award winning albums followed, like the adventurous album “Blue Camel”, the more traditional sounding album “Tarab”, and “Arabian Waltz” with the Balanescu String Quartet, totaling to date more than 20 CDs.

What superficially appears to be a chance encounter between opposing instruments and a seemingly antagonistic clash of talents from different musical worlds is in fact the result of a well pondered upon concept. Under Abou-Khalil‘s guidance these undeniable differences by no means descend into Babylonian confusion. On the contrary, the cosmopolitan musicians from different cultural backgrounds draw inspiration from their shared intuitive understanding of the serious challenge they face in interpreting Abou-Khalil’s music. The intellectual and emotional identification with these compositions unleashes charges of enthusiasm in each of the players, inciting new heights of musical mastery. Yet the temptation of individual one-upmanship never surpasses the collective innovative endeavor and exploration into uncharted terrain. Abou- Khalil’s highly varied works – all nonetheless derived from this very elixir – now stand in their own right, extending so far beyond convention that they somehow elude all categorization such as Orient or Occident, jazz, world music or classical. Abou-Khalil’s music thrives on creative encounters and not on exoticism. From a combination of diverse cultural elements something very personal and coherent emerges.

Commissioned by the Südwestfunk (Southwest German Radio), Abou-Khalil wrote two compositions for string quartet in his own rhythmically and melodically charged style and thus successfully integrated the string quartet – for centuries the domain of European classical music – into his musical language. The maiden performance with the Kronos String Quartet was the highlight at the Stuttgart Jazz Summit in 1992. For the BBC Concert Orchestra, Abou Khalil composed works that premiered with great success in London and Chichester. The rehearsals and performances were featured in “Bridging the Gap”, a film on Rabih Abou-Khalil, directed by Ciro Capellari. On another project for the German city of Duisburg he chose to collaborate with the Ensemble Modern, one of the most renowned chamber orchestras specializing in contemporary music. His enthusiasm for orchestral works continued; he composed for international orchestras from Osnabrück in Germany, to St. Pölten in Austria, to Skopje in Macedonia, to Yoyo Ma’s Silk Road Ensemble in the United States.

Abou-Khalil’s visually evocative music seems predestined for film. Among several other film scores he wrote the music for the award winning German-Turkish film “Yara”, directed by Yilmaz Arslan. In 2009 he was commissioned by the German television “ZDF” and “ARTE” to write orchestral music for the 1922 silent German film “Nathan the Wise”. The impressive screenings, with live performances by the German Youth Symphony Orchestra in Munich and Berlin, were met with standing ovations and rapturous reviews, and resulted in the production of the CD “Trouble in Jerusalem”.

Dietmar Wiesner, the flute player and co-founder of the Ensemble Modern, summed up his impressions from the rehearsals:
“While working with Rabih Abou-Khalil, I was starkly reminded of a saying by Herbert von Karajan: ‘Do not play the bars along with the music, play across the measures’.”

“Unbelievably fine, irregular rhythms, masterfully formed into melodic chains that remain in a floating condition, never seeming to land, and thus reaching a high level of charm that relentlessly pulls the listener into its magic.”
Jerry G. Bauer

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Nacido y criado en el clima cosmopolita de Beirut en los años sesenta y setenta, Rabih Abou-Khalil aprendió a tocar el laúd, el laúd árabe de cuello corto, a la edad de cuatro años. En el mundo árabe este instrumento es tan popular como la guitarra o el piano en Occidente y es el instrumento del compositor por excelencia. La guerra civil libanesa le obligó a abandonar su país en 1978 para estudiar flauta clásica en la ciudad alemana de Múnich, donde fue tutorizado en la Academia de Música de Múnich por Walther Theurer. La preocupación analítica por la tradición clásica europea le permitió comprender la música árabe desde una posición teórica adicional, abriendo los ojos a la posibilidad de operar simultáneamente dentro de sistemas musicalmente divergentes.

Rabih Abou-Khalil se ha afirmado a sí mismo como un compositor original, no solo porque está adelantado a su tiempo, sino porque también cuestiona lo que otros podrían perseguir sin más reflexión. Con su técnica de composición original, su enfoque atrevido y sin restricciones de la música clásica occidental y árabe, ha encontrado un lenguaje musical rítmica y melódicamente complejo completamente propio, que suena a la vez extraño y familiar. Parece romper con casi todos los modismos musicales existentes.

Como instrumentista, Abou-Khalil explora continuamente nuevas formas de tocar su instrumento. Utilizando técnicas adquiridas en sus estudios de música clásica y asimilándolas a su educación musical árabe, alcanzó un nivel de maestría instrumental hasta ahora desconocido. Su deslumbrante virtuosismo ha llevado a los críticos musicales a recomendar su interpretación como un "estudio para guitarristas de jazz"; sus baladas, por otro lado, reavivan los recuerdos del amanecer poético de la cultura árabe, sin sonar nunca poco aventureras o tradicionalistas.

Sin querer hacer compromisos artísticos, Rabih Abou-Khalil decidió al principio de su carrera producir y lanzar su música él mismo. Él siempre ha dado a todos los aspectos de su trabajo su firma personal. Ya fuera el diseño de la portada, la calidad de sonido de la grabación o las notas, a menudo literarias, Abou-Khalil formó parte de cada etapa de la producción. Esto no ha cambiado hasta hoy y ha sido un elemento central en su duradera colaboración con su compañía discográfica ENJA. En 1982 Abou-Khalil grabó y produjo su primer álbum "Compositions and Improvisations", seguido de "Bitter Harvest" y luego "Between Dusk and Dawn", que incluía un elenco internacional de músicos muy aclamados. El inesperado éxito comercial de estas producciones captó el interés de las discográficas. Abou-Khalil grabó "Nafas" para el sello discográfico alemán ECM, y poco después comenzó su larga cooperación con ENJA.

El galardonado "Al-Jadida", con su elaborada portada y musicalidad intransigente, fue el primer CD de este sello. Siguieron una serie de álbumes innovadores y galardonados, como el álbum aventurero "Blue Camel", el álbum de sonido más tradicional "Tarab" y "Arabian Waltz" con el Cuarteto de Cuerdas Balanescu, que suman hasta la fecha más de 20 CD.

Lo que superficialmente parece ser un encuentro casual entre instrumentos opuestos y un choque aparentemente antagónico de talentos de diferentes mundos musicales es, de hecho, el resultado de un concepto bien reflexionado. Bajo la guía de Abou-Khalil, estas innegables diferencias de ninguna manera descienden a la confusión babilónica. Por el contrario, los músicos cosmopolitas de diferentes orígenes culturales se inspiran en su comprensión intuitiva compartida del serio desafío que enfrentan al interpretar la música de Abou-Khalil. La identificación intelectual y emocional con estas composiciones desata cargas de entusiasmo en cada uno de los intérpretes, incitando a nuevas alturas de maestría musical. Sin embargo, la tentación de la superioridad individual nunca supera el esfuerzo innovador colectivo y la exploración en terrenos inexplorados. Las obras muy variadas de Abou - Khalil, todas derivadas, sin embargo, de este mismo elixir, ahora se mantienen por derecho propio, extendiéndose tanto más allá de lo convencional que de alguna manera eluden toda categorización como Oriente u Occidente, jazz, música del mundo o clásica. La música de Abou-Khalil se nutre de encuentros creativos y no de exotismo. De una combinación de diversos elementos culturales surge algo muy personal y coherente.

Por encargo de la Südwestfunk (Radio del Suroeste de Alemania), Abou-Khalil escribió dos composiciones para cuarteto de cuerda con su propio estilo de carga rítmica y melódica y, por lo tanto, integró con éxito el cuarteto de cuerda, durante siglos el dominio de la música clásica europea, en su lenguaje musical. La actuación inaugural con el Kronos String Quartet fue lo más destacado en la Cumbre de Jazz de Stuttgart en 1992. Para la BBC Concert Orchestra, Abou Khalil compuso obras que se estrenaron con gran éxito en Londres y Chichester. Los ensayos y actuaciones aparecieron en "Bridging the Gap", una película sobre Rabih Abou-Khalil, dirigida por Ciro Capellari. En otro proyecto para la ciudad alemana de Duisburgo eligió colaborar con el Ensemble Modern, una de las orquestas de cámara más reconocidas especializadas en música contemporánea. Su entusiasmo por las obras orquestales continuó; compuso para orquestas internacionales desde Osnabrück en Alemania, St. Pölten en Austria, Skopje en Macedonia, hasta el Silk Road Ensemble de Yoyo Ma en los Estados Unidos.

La música visualmente evocadora de Abou-Khalil parece predestinada para el cine. Entre otras partituras cinematográficas, escribió la música para la galardonada película germano-turca "Yara", dirigida por Yilmaz Arslan. En 2009, la televisión alemana "ZDF" y "ARTE" le encargaron escribir música orquestal para la película muda alemana de 1922 "Nathan el sabio". Las impresionantes proyecciones, con actuaciones en vivo de la Orquesta Sinfónica Juvenil Alemana en Munich y Berlín, fueron recibidas con ovaciones de pie y críticas entusiastas, y dieron como resultado la producción del CD "Trouble in Jerusalem".

Dietmar Wiesner, flautista y cofundador del Ensemble Modern, resumió sus impresiones de los ensayos:
"Mientras trabajaba con Rabih Abou-Khalil, me acordé rotundamente de un dicho de Herbert von Karajan: 'No toques los compases junto con la música, toca a través de los compases'.”

"Ritmos increíblemente finos e irregulares, formados magistralmente en cadenas melódicas que permanecen en una condición flotante, sin parecer aterrizar nunca, y alcanzando así un alto nivel de encanto que atrae implacablemente al oyente a su magia.”
Jerry G. Bauer

www.rabihaboukhalil.com ...

 

Baden Powell • Guitar Poet

 

Biography by Alvaro Neder
Baden Powell is a Brazilian musician with a solid international reputation. A gifted instrumentalist and composer, he bridges the gap between classical artistry and popular warmth and was a key figure in the bossa nova movement.

Born in Varre-Sai in the state of Rio de Janeiro, he was baptized after his grandfather, a musician and conductor himself, whose father was an admirer of the Boy Scouts founder. When he was four months old, his family moved to the hill of São Cristóvão in the city of Rio. His father, the violonista Lino de Aquino, promoted regular get-togethers (rodas) of chorões at his home, at which famous names of Rio's music used to play, such as Pixinguinha, his brother China, the sambista Donga, and so many others. At eight, his father took him to Rádio Nacional where Powell met Meira (Jaime Florence), a famous violonista at the time a member of Benedicto Lacerda's regional. Powell would study violão with him for five years. Through Meira, a broad-minded musician, he discovered classics such as Segovia and Tarrega, along with Brazilian masters such as Garoto and Dilermando Reis. At nine, he presented himself at Renato Murce's show Papel Carbono on Rádio Nacional, winning first place as a guitar soloist. At 13, he used to run from school, earning his first cachets at the neighborhood parties. After finishing high school, he joined the cast of Rádio Nacional as an accompanist. In that time, he traveled through Brazil with the radio's singers. In 1955, he joined Ed Lincoln's trio, playing jazz at the Plaza nightclub. The place was a focal point for musicians, journalists, and aficionados interested in jazz. It should be regarded as the second place where bossa nova was being generated (the first being Cantina do César, after Johnny Alf's first appearances), contrary to the common notion of bossa being born at Zona Sul (South side's) apartments.

At that time, Powell began to compose "Deve Ser Amor," "Encontro Com a Saudade," "Não é Bem Assim," and his first big hit, 1956's "Samba Triste," with lyrics by Billy Blanco and which would be recorded by Lúcio Alves in 1960. In 1962, he met his future partner, Vinícius de Moraes, a composer, poet, singer, and diplomat. Their first song was "Canção de Ninar Meu Bem," a great success from the beginning. Following that, they came up with "Samba em Prelúdio" (recorded still in 1962 by Geraldo Vandré/Ana Lúcia), "Consolação" (recorded by Nara Leão), "Samba da Bênção," "Tem Dó," "Só por Amor," "Bom Dia, Amigo," "Labareda," and "Samba do Astronauta" (recorded by Powell in 1964). At this point, Powell was already a renowned musician and composer, with good connections on the artistic scene and wide exposure in the media. In that year, he accompanied Sílvia Telles at her famous show at the Jirau nightclub. In 1963, he recorded his first LP, Um Violão na Madrugada (Philips). In that year, he traveled to Paris where he presented himself at the Olympia theater with great success, using a repertoire of classical music and his own compositions. He also played regularly in a season at the Bilboquet nightclub and composed the soundtrack to the movie Le Grabuje. In 1964, he returned to Brazil and recorded the LP À Vontade, which included a composition by Tom Jobim and Vinícius, "Samba do Avião." He also wrote, in that year, the samba "Berimbau" with lyrics by Vinícius. Other duo's compositions that year were "Além do Amor," "Valsa sem Nome," "Deve ser Amor," "Canção do Amor Ausente," "Consolação," "Deixa," "Amei Tanto," "Tempo Feliz," and "Samba da Bênção." The latter was included in Claude Lelouch's movie Un Homme et une Femme, under the title "Samba Saravah."

Traveling to Bahia, Powell stayed there for six months and researched the Afro traditions developed on Brazilian soil, especially the musical tradition emanating from the ancient sorcery rituals of candomblé and umbanda. The next phase of his compositional association with Vinícius would be called by Powell as the Afro-sambas, mirroring the findings of that period: 1965's "Tristeza e Solidão" and "Bocoché" and 1966's "Canto do Xangô" and "Canto de Ossanha," the latter recorded by Elis Regina in 1966 with great success. Taking Bahia folklore, Powell added his Carioca touch, bringing the Afro tradition a more Brazilian feeling. In 1999, Powell, recently converted, regretted and deplored the Afro-samba phase as "devil's music" in a controverted and disappointing interview.

In 1965, fundamental singer Elizeth Cardoso presented Powell/Vinícius' "Valsa do Amor que Não Vem" at the first Festival of Brazilian Popular Music (TV Excelsior), São Paulo, winning second place. The next year, Aluísio de Oliveira produced another album by Powell, this time for his own landmark label Elenco, that deeply engaged in the use of the best musicians, leaving the commercial side in the background; unfortunately, it caused the excellent label's demise some years later. Taking advantage of the Brazilian tour of Caterina Valente, who was being accompanied by drummer Jimmy Pratt, de Oliveira took him and recorded Baden Powell Swings With Jimmy Pratt. Also in that year, TV Excelsior promoted the National Festival of Popular Music, at which novice Milton Nascimento won fourth place with "Cidade Vazia" (Powell/Lula Freire) and Powell with Vinícius recorded their Afro-sambas "Canto de Xangô," "Canto de Iemanjá," and "Canto de Ossanha" for Forma, along with "Berimbau" and "Samba da Bênção." He also took a season with Elis Regina at Rio's nightclub Zum-Zum. The LPs O Mundo Musical de Baden Powell (Barclay/RGE), recorded in France; Baden Powell ao Vivo no Teatro Santa Rosa (Elenco); and Tempo Feliz

(Forma/Philips) were all recorded in 1966. In that period, he played in the U.S. with Stan Getz. In 1967, he recorded in Paris, France, the album O Mundo Musical No. 2, accompanied by the Paris Symphonic Orchestra. In that year, his O Mundo Musical de Baden Powell was awarded with the Golden Record in Paris and he presented himself at the Jazz Festival in Berlin, Germany, with American jazz guitarists Jim Hall and Barney Kessel. In 1968, a novice Paulo César Pinheiro (now a renowned samba composer) composed with Powell the samba "Lapinha," which was presented by Elis Regina at the TV Record's first Samba Biennial, winning first place. The duo would also compose, among others, "Cancioneiro," "Samba do Perdão," "Meu Réquiem," "É de Lei," "Refém da Solidão," "Aviso aos Navegantes," and "Carta de Poeta." Also from 1968 is the LP Baden Powell (Elenco) with the famous "Manhã de Carnaval" or "Carnival," by Luís Bonfá and Antônio Maria, and the show O Mundo Musical de Baden Powell. In 1969, he recorded Vinte e Sete Horas de Estúdio (Elenco). Next year in Paris, he recorded for Barklay the three-album box set Baden Powell Quartet and the LP Baden Powell, which had Pixinguinha's songs. For Elenco, he recorded the LP Estudos. In 1972, he recorded for Philips the LP É de Lei. Solitude on Guitar was recorded the next year in Germany and in 1974, he recorded in Paris the live LP Baden Powell (Barklay/RGE), and in 1975 recorded the LP Baden Powell Trio & Ópera de Frankfurt. He then moved to Baden-Baden (Germany), staying there for four years. In 1994, already living in Brazil again, he released the record Baden Powell de Rio à Paris. In that same year, he performed together with his sons, Louis Marcel (violão) and Phillipe (piano), at the Cecília Meireles Hall in Rio, with the concert recorded and released on a CD, titled Baden Powell & Filhos, through CID. In 1995, his concert at the Montreux Festival was recorded on CD under the title Baden Powell Live in Montreux. Also in that year, he was awarded with the Prêmio Shell for his complete works. In 1996, he toured in France with Brazilian accordionist Sivuca and recorded the CD Baden Powell Live at the Rio Jazz Club. After spending several weeks in the hospital, Baden Powell died on September 26, 2000, at the age of 63.
https://www.allmusic.com/artist/baden-powell-mn0000765585#biography

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Biografía de Álvaro Neder
Baden Powell es un músico brasileño con una sólida reputación internacional. Un talentoso instrumentista y compositor, cierra la brecha entre el arte clásico y la calidez popular y fue una figura clave en el movimiento bossa nova.

Nacido en Varre-Sai, en el estado de Río de Janeiro, fue bautizado en honor a su abuelo, músico y director de orquesta, cuyo padre era admirador del fundador de los Boy Scouts. Cuando tenía cuatro meses, su familia se mudó al cerro de São Cristóvão en la ciudad de Río. Su padre, el violinista Lino de Aquino, promovía reuniones regulares (rodas) de chorões en su casa, en las que solían tocar nombres famosos de la música carioca, como Pixinguinha, su hermano China, el sambista Donga y muchos otros. A los ocho años, su padre lo llevó a la Radio Nacional, donde Powell conoció a Meira (Jaime Florence), un famoso violinista en ese momento miembro de la regional de Benedicto Lacerda. Powell estudiaría violão con él durante cinco años. A través de Meira, músico de mente abierta, descubrió clásicos como Segovia y Tarrega, junto a maestros brasileños como Garoto y Dilermando Reis. A los nueve años se presentó en el programa Papel Carbono de Renato Murce en Radio Nacional, ganando el primer lugar como solista de guitarra. A los 13 años, solía huir de la escuela, ganando sus primeros cachets en las fiestas del vecindario. Después de terminar la secundaria, se unió al elenco de Rádio Nacional como acompañante. En ese tiempo, viajó por Brasil con los cantantes de la radio. En 1955, se unió al trío de Ed Lincoln, tocando jazz en el club nocturno Plaza. El lugar fue un punto focal para músicos, periodistas y aficionados interesados en el jazz. Debería considerarse como el segundo lugar donde se estaba generando bossa nova( el primero fue Cantina do César, después de las primeras apariciones de Johnny Alf), contrariamente a la noción común de que la bossa nació en los apartamentos de la Zona Sur (South side).

En ese momento, Powell comenzó a componer "Deve Ser Amor", "Encontro Com a Saudade", "Não é Bem Assim" y su primer gran éxito, "Samba Triste" de 1956, con letra de Billy Blanco y que sería grabado por Lúcio Alves en 1960. En 1962 conoció a su futuro socio, Vinícius de Moraes, compositor, poeta, cantante y diplomático. Su primera canción fue "Canção de Ninar Meu Bem", un gran éxito desde el principio. A continuación, se les ocurrió "Samba em Prelúdio" (grabada todavía en 1962 por Geraldo Vandré/Ana Lúcia), "Consolação" (grabada por Nara Leão), "Samba da Bênção", "Tem Dó", "Só por Amor", "Bom Dia, Amigo", "Labareda" y "Samba do Astronauta" (grabada por Powell en 1964). En este punto, Powell ya era un músico y compositor de renombre, con buenas conexiones en la escena artística y amplia exposición en los medios. En ese año, acompañó a Sílvia Telles en su famoso espectáculo en la discoteca Jirau. En 1963 grabó su primer LP, Um Violão na Madrugada (Philips). En ese año, viajó a París donde se presentó en el teatro Olympia con gran éxito, utilizando un repertorio de música clásica y composiciones propias. También tocó regularmente en una temporada en la discoteca Bilboquet y compuso la banda sonora de la película Le Grabuje. En 1964, regresó a Brasil y grabó el LP À Vontade, que incluía una composición de Tom Jobim y Vinícius, "Samba do Avião."También escribió, en ese año, la samba "Berimbau" con letra de Vinícius. Otras composiciones del dúo ese año fueron "Além do Amor", "Valsa sem Nome"," Deve ser Amor"," Canção do Amor Ausente"," Consolação"," Deixa"," Amei Tanto"," Tempo Feliz "y" Samba da Bênção."Este último fue incluido en la película Un Homme et une Femme de Claude Lelouch, bajo el título "Samba Saravah."

Viajando a Bahía, Powell permaneció allí durante seis meses e investigó las tradiciones afro desarrolladas en suelo brasileño, especialmente la tradición musical que emana de los antiguos rituales de brujería del candomblé y la umbanda. La siguiente fase de su asociación compositiva con Vinícius sería denominada por Powell como las Afro-sambas, reflejando los hallazgos de ese período: "Tristeza e Solidão" y "Bocoché" de 1965 y "Canto do Xangô" y "Canto de Ossanha" de 1966, este último grabado por Elis Regina en 1966 con gran éxito. Tomando el folclore bahiano, Powell agregó su toque carioca, trayendo a la tradición afro un sentimiento más brasileño. En 1999, Powell, recientemente convertido, lamentó y deploró la fase afro-samba como "música del diablo" en una entrevista controvertida y decepcionante.

En 1965, la cantante fundamental Elizeth Cardoso presentó "Valsa do Amor que Não Vem" de Powell/Vinícius en el primer Festival de Música Popular Brasileña (TV Excelsior), São Paulo, ganando el segundo lugar. Al año siguiente, Aluísio de Oliveira produjo otro álbum de Powell, esta vez para su propio sello de referencia, Elenco, que se involucró profundamente en el uso de los mejores músicos, dejando el lado comercial en un segundo plano; desafortunadamente, provocó la desaparición del excelente sello algunos años después. Aprovechando la gira brasileña de Caterina Valente, quien estaba acompañada por el baterista Jimmy Pratt, de Oliveira lo llevó y grabó Baden Powell Swings Con Jimmy Pratt. También en ese año, TV Excelsior promovió el Festival Nacional de Música Popular, en el que el novato Milton Nascimento ganó el cuarto lugar con "Cidade Vazia" (Powell/Lula Freire) y Powell con Vinícius grabaron sus Afro-sambas "Canto de Xangô", "Canto de Iemanjá" y "Canto de Ossanha" para Forma, junto con "Berimbau" y "Samba da Bênção."También se tomó una temporada con Elis Regina en el club nocturno Zum-Zum de Río. Los LP O Mundo Musical de Baden Powell (Barclay/RGE), grabados en Francia; Baden Powell ao Vivo no Teatro Santa Rosa( Elenco); y Tempo Feliz

(Forma/Philips) fueron grabadas en 1966. En ese período, jugó en los EE. UU. con Stan Getz. En 1967 grabó en París, Francia, el álbum O Mundo Musical No. 2, acompañado por la Orquesta Sinfónica de París. En ese año, su O Mundo Musical de Baden Powell fue galardonado con el Disco de Oro en París y se presentó en el Festival de Jazz de Berlín, Alemania, con los guitarristas de jazz estadounidenses Jim Hall y Barney Kessel. En 1968, un novato Paulo César Pinheiro (ahora un reconocido compositor de samba) compuso con Powell la samba "Lapinha", que fue presentada por Elis Regina en la primera Bienal de Samba de TV Record, ganando el primer lugar. El dúo también compondría ,entre otros, "Cancioneiro", "Samba do Perdão", "Meu Réquiem", "É de Lei", "Refém da Solidão", "Aviso aos Navegantes" y " Carta de Poeta."También de 1968 es el LP Baden Powell (Elenco) con el famoso" Manhã de Carnaval "o" Carnaval", de Luís Bonfá y Antônio Maria, y el espectáculo O Mundo Musical de Baden Powell. En 1969 grabó Vinte e Sete Horas de Estúdio (Elenco). Al año siguiente, en París, grabó para Barklay el box set de tres álbumes Baden Powell Quartet y el LP Baden Powell, que tenía canciones de Pixinguinha. Para Elenco grabó el LP Estudos. En 1972, grabó para Philips el LP É de Lei. Solitude on Guitar se grabó al año siguiente en Alemania y en 1974 grabó en París el LP en directo Baden Powell (Barklay/RGE), y en 1975 grabó el LP Baden Powell Trio & Ópera de Frankfurt. Luego se mudó a Baden-Baden( Alemania), permaneciendo allí durante cuatro años. En 1994, ya viviendo nuevamente en Brasil, lanzó el disco Baden Powell de Rio à Paris. En ese mismo año, actuó junto a sus hijos, Louis Marcel (violão) y Phillipe( piano), en la Sala Cecília Meireles de Río, con el concierto grabado y editado en un CD, titulado Baden Powell & Filhos, a través del CID. En 1995, su concierto en el Festival de Montreux fue grabado en CD con el título Baden Powell Live in Montreux. También en ese año, fue galardonado con el Prêmio Shell por sus obras completas. En 1996, realizó una gira por Francia con el acordeonista brasileño Sivuca y grabó el CD Baden Powell en vivo en el Rio Jazz Club. Después de pasar varias semanas en el hospital, Baden Powell murió el 26 de septiembre de 2000, a la edad de 63 años.
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Charlie Gracie • The Best Of Charlie Gracie - Cameo Parkway [1956-1958]

 

Biography by Mark Deming
With his emphatic, hiccuping vocal style, strong and elemental guitar work, and engaging personality, Charlie Gracie was one of the first truly international rock & roll stars, rising to fame in the United States as well as Great Britain. Embracing a style that mixed pop, rockabilly, and R&B, Gracie was also Philadelphia's first rock & roll star, the first successful artist on that city's famed Cameo Records, as well as an early regular on American Bandstand. Gracie was still in high school when he began performing at local talent shows, parties, and social events, and he released his first single in 1953. He was a seasoned performer when he recorded "Butterfly" in 1957, which became a number one hit in America and the U.K. Months later, he scored another major hit with "Fabulous," and became only the second American rock & roller to do a British tour. While Gracie would continue to record through the '60s, digging deeper into his R&B influences, he would never have another major hit in America, but he continued to perform regularly in the United States as well as England, Europe, and the Netherlands. Gracie was cited as a major influence by George Harrison, Graham Nash, Van Morrison, and Paul McCartney. Beginning in 2001, Gracie began recording again with the album I'm All Right, and in 2011, he teamed with studio legend Al Kooper to cut the LP For the Love of Charlie.

Born May 14, 1936 (the same day as Bobby Darin), with his surname originally spelled "Graci", Charlie Gracie grew up in South Philadelphia, listening to country music and big-band jazz. At age ten, he obtained his first guitar, and by 15 he was a prodigy, performing regularly and winning contests on the simulcast radio and television show of early jazz great Paul Whiteman. Signed first to Cadillac Records, Gracie's first single, "Boogie-Woogie Blues," recorded in 1951, was not a hit, nor were a couple of follow-ups for other labels. In 1956, he was signed to the fledgling Cameo label. Gracie's first recording for the label consisted of two songs written by the label's co-owners, Bernie Lowe and Kal Mann, "Butterfly" and "Ninety-Nine Ways." With repeated appearances on American Bandstand, as well as The Ed Sullivan Show and other TV programs of the day, Gracie's popularity soared, and by April 1957, "Butterfly" had reached number one in the States. ("Butterfly" also became a chart-topper for crooner Andy Williams the same year.) Gracie's style was not as raucous as fellow early rockers such as Gene Vincent or Eddie Cochran, but he made up for any loss of grit with an undeniable professionalism and easy likability. likability guitar style has been described as a mix of rockabilly, jump blues, swing, and country boogie, while his vocals incorporate pop, blues, R&B, and rock & roll influences.

Another Mann-Lowe composition, "Fabulous," followed "Butterfly" in the spring of 1957, reaching number 16 in the U.S. and number eight in the U.K. Gracie subsequently toured the U.K. -- only the second American rock & roll act to tour there, following Bill Haley & the Comets -- headlining at the Hippodrome Theater. He scored only one further hit in America, "I Love You So Much It Hurts," written by country singer Floyd Tillman, which only reached number 71 (although it reached number 14 in the U.K.). His biggest hit in England was yet to come, "Wanderin' Eyes," which reached number six there, and he logged his final U.K. hit with 1957's "Cool Baby." Gracie continued to record for Cameo into 1958, when he had a falling out with Lowe; Gracie would later file suit against Cameo for unpaid royalties. Dick Clark, who had a business relationship with Cameo, didn't book him on American Bandstand after that, and Gracie faded from the charts.

He recorded for several other labels into the '60s, including Coral and Roulette, and he continued to perform regularly both near Philadelphia, in the U.K., and in Europe, where the rockabilly revival kept his popularity high for decades. In 2001, Gracie struck up a friendship with Quentin Jones, a guitarist and rockabilly enthusiast who ran the independent Lanark Record label. Jones and Gracie began working together, with Jones anchoring the band when Gracie played a string of dates opening for Van Morrison, as well as producing his 2001 studio effort I'm All Right. In 2006, after many years out of print, Gracie's Cameo Records material was finally released on the CD compilation The Best of Charlie Gracie 1956-1958, and the following year, a documentary film chronicling his life story, Fabulous, was aired on PBS stations. In 2011, Gracie and Jones teamed with legendary producer and sideman Al Kooper to cut a new album. For the Love of Charlie included guest appearances from longtime fans Graham Nash, Peter Noone (of Herman's Hermits), Jimmy Vivino (from Conan O'Brien's band), and Dennis Diken (of the Smithereens).
https://www.allmusic.com/artist/charlie-gracie-mn0000174725#biography

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Biografía de Mark Deming
Con su estilo vocal enfático y que quitaba el hipo, su potente y elemental trabajo a la guitarra y su atractiva personalidad, Charlie Gracie fue una de las primeras estrellas de rock & roll verdaderamente internacionales, alcanzando la fama tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña. Con un estilo que mezclaba el pop, el rockabilly y el R&B, Gracie fue también la primera estrella del rock & roll de Filadelfia, el primer artista de éxito de la famosa Cameo Records de esa ciudad y uno de los primeros habituales de American Bandstand. Gracie aún estaba en el instituto cuando empezó a actuar en concursos de talentos locales, fiestas y eventos sociales, y lanzó su primer sencillo en 1953. Ya era un artista experimentado cuando grabó "Butterfly" en 1957, que se convirtió en un éxito número uno en Estados Unidos y el Reino Unido. Meses más tarde, consiguió otro gran éxito con "Fabulous" y se convirtió en el segundo rock & roller estadounidense en hacer una gira británica. Aunque Gracie seguiría grabando durante los años 60, profundizando en sus influencias del R&B, nunca volvería a tener otro gran éxito en América, pero continuó actuando regularmente en Estados Unidos, así como en Inglaterra, Europa y los Países Bajos. George Harrison, Graham Nash, Van Morrison y Paul McCartney citaron a Gracie como una de sus principales influencias. A partir de 2001, Gracie comenzó a grabar de nuevo con el álbum I'm All Right, y en 2011, se asoció con la leyenda del estudio Al Kooper para grabar el LP For the Love of Charlie.

Nacido el 14 de mayo de 1936 (el mismo día que Bobby Darin), con su apellido originalmente escrito "Graci", Charlie Gracie creció en el sur de Filadelfia, escuchando música country y big-band jazz. A los diez años consiguió su primera guitarra y a los 15 ya era un prodigio, tocaba con regularidad y ganaba concursos en el programa de radio y televisión de Paul Whiteman. El primer sencillo de Gracie, "Boogie-Woogie Blues", grabado en 1951 para Cadillac Records, no fue un éxito, como tampoco lo fueron un par de discos posteriores para otros sellos. En 1956 fichó por el incipiente sello Cameo. La primera grabación de Gracie para el sello consistió en dos canciones escritas por los copropietarios del sello, Bernie Lowe y Kal Mann, "Butterfly" y "Ninety-Nine Ways". Con repetidas apariciones en American Bandstand, así como en The Ed Sullivan Show y otros programas de televisión de la época, la popularidad de Gracie se disparó y, en abril de 1957, "Butterfly" había alcanzado el número uno en Estados Unidos. ("Butterfly" también se convirtió en un éxito para el cantante Andy Williams ese mismo año). El estilo de Gracie no era tan estridente como el de otros primeros rockeros como Gene Vincent o Eddie Cochran, pero compensaba la pérdida de garra con una innegable profesionalidad y una gran simpatía. El estilo de su guitarra se ha descrito como una mezcla de rockabilly, jump blues, swing y country boogie, mientras que su voz incorpora influencias del pop, el blues, el R&B y el rock & roll.

Otra composición de Mann-Lowe, "Fabulous", siguió a "Butterfly" en la primavera de 1957, alcanzando el número 16 en EE.UU. y el número ocho en el Reino Unido. Gracie realizó posteriormente una gira por el Reino Unido -sólo el segundo grupo de rock & roll estadounidense en hacerla, después de Bill Haley & the Comets- como cabeza de cartel en el Hippodrome Theater. Sólo consiguió un éxito más en América, "I Love You So Much It Hurts", escrito por el cantante country Floyd Tillman, que sólo alcanzó el número 71 (aunque llegó al número 14 en el Reino Unido). Su mayor éxito en Inglaterra aún estaba por llegar, "Wanderin' Eyes", que alcanzó el número seis allí, y registró su último éxito en el Reino Unido con "Cool Baby" de 1957. Gracie continuó grabando para Cameo hasta 1958, cuando tuvo una ruptura con Lowe; Gracie más tarde presentaría una demanda contra Cameo por el impago de derechos de autor. Dick Clark, que tenía una relación comercial con Cameo, no lo contrató para American Bandstand después de eso, y Gracie desapareció de las listas de éxitos.

Gracie grabó para otros sellos en los años 60, como Coral y Roulette, y siguió actuando con regularidad cerca de Filadelfia, en el Reino Unido y en Europa, donde el renacimiento del rockabilly mantuvo su popularidad durante décadas. En 2001, Gracie entabló amistad con Quentin Jones, guitarrista y entusiasta del rockabilly que dirigía el sello independiente Lanark Record. Jones y Gracie empezaron a trabajar juntos, y Jones se hizo cargo de la banda cuando Gracie actuó como telonero de Van Morrison, además de producir su álbum de estudio de 2001 I'm All Right. En 2006, tras muchos años descatalogado, el material de Gracie para Cameo Records se publicó finalmente en el CD recopilatorio The Best of Charlie Gracie 1956-1958, y al año siguiente se emitió en las emisoras de PBS un documental que narraba la historia de su vida, Fabulous. En 2011, Gracie y Jones se asociaron con el legendario productor y músico Al Kooper para grabar un nuevo álbum. For the Love of Charlie contó con la participación de Graham Nash, Peter Noone (de Herman's Hermits), Jimmy Vivino (de la banda de Conan O'Brien) y Dennis Diken (de Smithereens).
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Herbie Mann • Yardbird Suite

Review by Michael G. Nastos
Recorded in the great year of music and especially jazz -- 1957 -- Herbie Mann at the time was gaining momentum as a premier flute player, but was a very competent tenor saxophonist. Teamed here with the great alto saxophonist Phil Woods and criminally underrated vibraphonist Eddie Costa, Mann has found partners whose immense abilities and urbane mannerisms heighten his flights of fancy by leaps and bounds. Add to the mix the quite literate and intuitive guitarist Joe Puma, and you have the makings of an emotive, thoroughly professional ensemble. The legendary bass player Wilbur Ware, who in 1957 was shaking things up with the piano-less trio of Sonny Rollins and the group of Thelonious Monk, further enhances this grouping of virtuosos on the first two selections. Ware spins thick, sinuous cables of galvanized steel during the Mann penned swinger "Green Stamp Monsta!" with the front liners trading alert phrases, and into his down-home Chicago persona, strokes sly, sneaky blues outlines surrounding Mann's tenor and the alto of Woods in a lengthy jam "World Wide Boots." Bassist Wendell Marshall and drummer Bobby Donaldson step in for the other six selections, with three originals by Puma set aside from the rest. "One for Tubby" (for Brit Tubby Hayes) has Mann's flute in a gentle tone as Woods and Costa chirp away while keeping the melody going. The midtempo bopper "Who Knew?" (P.S.; the phrase was coined long ago before its contemporary hipness) is shaded by Costa and deepened by the colorful saxes, and the excellent "Opicana," is a complex and dicey chart, showing the most inventive side of this group and Puma's fertile imagination. You also get the quintessential bop vehicle "Yardbird Suite" with the classic flute and vibes lead spurred on by the alto talkback of Woods. An early version of the enduring, neat and clean bop original "Squire's Parlor" from the book of Woods in inserted. Costa's "Here's That Mann," brims with swing and soul from the perfectly paired, harmonically balanced saxes, demonstrably delightful as the horns, especially the celebrated altoist, step up and out.

 

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Reseña de Michael G. Nastos
Grabado en el gran año de la música y especialmente del jazz - 1957 - Herbie Mann en ese momento estaba ganando impulso como flautista de primera, pero era un saxofonista tenor muy competente. Junto con el gran saxofonista alto Phil Woods y el criminalmente subestimado vibrafonista Eddie Costa, Mann ha encontrado socios cuyas inmensas habilidades y manierismos urbanos aumentan sus vuelos de fantasía a pasos agigantados. Añade a la mezcla el muy alfabetizado e intuitivo guitarrista Joe Puma, y tienes los ingredientes de un emotivo y completo conjunto profesional. El legendario bajista Wilbur Ware, que en 1957 estaba sacudiendo las cosas con el trío sin piano de Sonny Rollins y el grupo de Thelonious Monk, mejora aún más esta agrupación de virtuosos en las dos primeras selecciones. Ware hace girar gruesos y sinuosos cables de acero galvanizado durante el "Monstaño del Sello Verde" de Mann, con los músicos de primera línea intercambiando frases de alerta, y en su personaje de Chicago, traza astutos y furtivos contornos azules que rodean al tenor de Mann y al alto de Woods en un largo "World Wide Boots". El bajista Wendell Marshall y el baterista Bobby Donaldson intervienen en las otras seis selecciones, con tres originales de Puma separados del resto. "One for Tubby" (para el británico Tubby Hayes) tiene la flauta de Mann en un tono suave mientras Woods y Costa gorjean mientras mantienen la melodía. El bopper de medio tiempo "¿Quién lo sabía?" (P.D.; la frase fue acuñada hace mucho tiempo antes de su contemporánea cadencia) está sombreada por Costa y profundizada por los coloridos saxos, y la excelente "Opicana", es un gráfico complejo y arriesgado, que muestra el lado más inventivo de este grupo y la fértil imaginación de Puma. También se obtiene el vehículo bop por excelencia "Yardbird Suite" con la flauta clásica y las vibraciones impulsadas por el alto talkback de Woods. Se ha insertado una versión temprana del duradero, ordenado y limpio bop original "Squire's Parlor" del libro de Woods. "Here's That Mann" de Costa, rebosa de swing y alma de los saxos perfectamente emparejados y armónicamente equilibrados, demostrablemente deliciosos cuando los cuernos, especialmente el célebre altoísta, dan un paso al frente.

 

 

Herb Alpert & The Tijuana Brass • Christmas Album

 

Biography by Matt Collar
Known for his mariachi-inspired easy listening sound, trumpeter Herb Alpert is one of the most successful instrumental performers in pop history. He is also one of the entertainment industry's canniest businessmen, having co-founded A&M Records -- a label that ranks among the most prosperous artist-owned companies ever established -- with partner Jerry Moss. Emerging in the early '60s alongside his group the Tijuana Brass, Alpert quickly established himself on the charts with Top Ten hits like the title track to 1962's The Lonely Bull and the Grammy-winning "A Taste of Honey" off 1965's Whipped Cream & Other Delights. Prior to landing his own hits, Alpert had already teamed with fellow future industry titan Lou Adler to co-write several of singer Sam Cooke's most enduring hits, including "Wonderful World" and "Only Sixteen." They also produced tracks for the surf duo Jan & Dean. However, it was with the founding of A&M in 1962 that Alpert's career took off. Launched out of Alpert's garage, A&M grew to become the world's biggest independent label, showcasing artists like the Carpenters, Cat Stevens, Joe Cocker, and Sergio Mendes & Brasil '66. Nevertheless, Herb Alpert & the Tijuana Brass remained the label's flagship act, popularizing his Latin-influenced "Ameriachi" sound and scoring hits like "Spanish Flea" (off 1965's Going Places) as well as Alpert's classic 1968 vocal version of Burt Bacharach's "This Guy's in Love with You," which became his first number one hit single. Multiple Grammy Awards also followed, including two for 1967's "What Now My Love." As the sound of pop music evolved, so did Alpert's approach, as he embraced soft rock, disco, and R&B on 1979's Rise. From the '80s onwards, albums like 1983's Blow Your Own Horn, 1992's Midnight Sun (his last for A&M after selling the company), and 1997's Passion Dance showcased his continued love of jazz, adult contemporary pop, and Latin traditions. He also branched out into other avenues, earning respect as an abstract painter and founding his own philanthropic Herb Alpert Foundation in support of youth arts and education. Although he has periodically taken time off from performing, Alpert remains a vital studio and live performer, often duetting with his wife, vocalist Lani Hall, for albums like 2011's I Feel You and 2016's Grammy-nominated Human Nature. In 2020, he was the subject of the career-spanning documentary film, Herb Alpert Is....

Born March 31, 1935 in the Boyle Heights neighborhood of Los Angeles, California, Alpert grew up in a family of Jewish heritage with parents who had immigrated to the United States from Ukraine and Romania. Although his father worked as a tailor, he was also a gifted mandolin player. Alpert's mother also taught violin lessons, and both Herb and his brother David (a drummer) were introduced to music at a young age. Alpert first started out taking trumpet lessons at age eight, and by his teens was playing in dance bands and experimenting with recording equipment. Graduating high school in 1952, he did a two-year stint with the Sixth Army Band, after which he enrolled at the University of Southern California. While there, he spent two years as a member of the USC Trojan Marching Band. It was during this period that he befriended Lou Adler, teaming up with the budding lyricist and music impresario for a series of songs on Keen Records. Together, they scored several Top 20 hits, including Jan & Dean's "Baby Talk" and Sam Cooke's "Wonderful World." Working under the name Dore Alpert, the trumpeter also recorded his first album as a singer, issuing "Tell It to the Birds" on his and partner Jerry Moss' Carnival Records in 1960. Realizing the Carnival name was already in use, Alpert and Moss renamed their label A&M.

Herb Alpert's Tijuana Brass, Vol. 2
In 1962, Alpert released The Lonely Bull, his first album billed under the Tijuana Brass. Recorded cheaply in Alpert's garage as well as at Conway Recording Studio in Hollywood with members of the Wrecking Crew, the album found him experimenting with overdubbing his trumpet lines to create a full brass-band sound. The album's title track, a song written by collaborator Sol Lake and purportedly inspired by Alpert's experience seeing a bullfight in Mexico, became a number six U.S. hit. Following 1963's Volume 2, Alpert scored his first Top Ten hit album with 1964's South of the Border, a further collection of mariachi-influenced arrangements and pop covers by the Beatles, Antonio Carlos Jobim, and others.

Released in 1965, Whipped Cream & Other Delights found Alpert and the Tijuana Brass moving away from their early Mexican-themed sound and more fully embracing an easy listening vibe, and included the singles "A Taste of Honey," "Whipped Cream," and "Lollipops and Roses." Largely considered the group's most popular and recognizable album, it sold over six million copies in the U.S., and hit number one on the Billboard Pop Albums chart. Arriving the following year, What Now My Love also fared well, remaining at number one for nine weeks. More number one albums followed, including 1966's S.R.O., 1967's Sounds Like, and 1967's Herb Alpert's Ninth.

In 1968, Alpert scored his first number one single (and the first number one for A&M) with a rare vocal turn on a rendition of Burt Bacharach's romantically laid-back anthem "This Guy's in Love with You." Included on the album Beat of the Brass, the song remained on top of the Billboard Hot 100 pop singles chart for four weeks. The album also hit number one on the Billboard Top Pop Albums chart, becoming Alpert's fifth and final number one LP. Warm followed a year later, and featured an even more languid, Brazilian-influenced sound. It would be the Tijuana Brass' last album to crack the Top 40.

As A&M continued to thrive throughout the early '70s, Alpert shifted his focus somewhat from making his own music to his label duties. In 1973, he also wed former Sergio Mendes & Brasil '66 singer Lani Hall. Nonetheless, he regularly recorded, issuing albums like 1974's Quincy Jones-arranged You Smile, The Song Begins, 1975's Coney Island, and 1976's Just You and Me. He also paired with famed South African trumpeter Hugh Masakela on 1978's Main Event Live. In 1979, Alpert issued Rise, which found him embracing a sophisticated jazz-, funk-, and disco-influenced sound. One of his earliest albums co-produced with nephew Randy "Badazz" Alpert, it reached the Top Ten, largely buoyed by the hit title track.

Alpert's 1980 album, Beyond, was also a Top 40 success. It was followed by 1982's Fandango and 1985's Wild Romance, both of which found him further embracing a smooth crossover sound. Released in 1987, Keep Your Eye on Me included the Top Five single "Diamonds," which featured a guest vocal from Janet Jackson, one of A&M's major successes of the decade. In 1986, Alpert also established the Herb Alpert Foundation, a philanthropic organization dedicated to establishing educational, arts, and environmental programs for children.

Following the sale of A&M to PolyGram in 1990 for a sum in excess of $500 million, Alpert and Moss founded Almo Sounds in 1994. Among the artists they signed were luminaries including Garbage, Gillian Welch, and Imogen Heap. Alpert issued 1991's North on South Street and 1992's Midnight Sun as his final A&M albums before moving to Almo Sounds. There, he released 1997's Passion Dance and 1999's Colors. Also during this period, he branched out into artistic venues, exhibiting his abstract expressionist paintings and co-producing a number of Broadway successes, including Angels in America and Jelly's Last Jam.

In 2007, Alpert and Lani Hall began touring regularly and recording together, releasing 2009's Anything Goes and 2011's I Feel You. The albums found the duo touching upon various aspects of their careers, including jazz standards, Brazilian and Latin music, pop songs, and reworkings of classic hits. He was awarded the National Medal of Arts by President Barack Obama and First Lady Michelle Obama in 2012.

In 2013, Alpert and Hall released the third of their albums together, Steppin' Out, which also featured keyboardist Jeff Lorber; the album won a Grammy for Best Pop Instrumental Album in January of 2014. Also that year, Alpert released the electronic dance-infused project In the Mood. The following year, he returned with yet another stylistically varied collection of originals and cover songs, Come Fly with Me. In 2016, Alpert delivered his third album of electronic-tinged tracks, Human Nature, which garnered him yet another Grammy nomination. He quickly returned with 2017's Music, Vol. 1, recorded with producer Jochem van der Saag (Andrea Bocelli, Barbra Streisand, Michael Bublé). Along with originals, the album featured reworkings of the Beatles' "Michelle" and John Lennon's "Imagine." The holiday-themed The Christmas Wish also arrived in 2017, followed a year later by Music, Vol. 3: Herb Alpert Reimagines the Tijuana Brass. Alpert again paired with van der Saag for 2019's Over the Rainbow, which included the original single "Skinny Dip," as well as covers of songs by Bill Withers, Earth, Wind & Fire, Barry Manilow, and others. In 2020, Alpert was the focus of the career-spanning documentary film, Herb Alpert Is..., which was accompanied by a three-disc box set.
https://www.allmusic.com/artist/herb-alpert-mn0000674332/biography

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Biografía de Matt Collar
Conocido por su sonido fácil de escuchar inspirado en los mariachis, el trompetista Herb Alpert es uno de los intérpretes instrumentales más exitosos de la historia del pop. También es uno de los hombres de negocios más astutos de la industria del entretenimiento, habiendo cofundado A&M Records - un sello que se encuentra entre las compañías propiedad de artistas más prósperas jamás establecidas - con su socio Jerry Moss. Surgido a principios de los 60 junto con su grupo Tijuana Brass, Alpert se estableció rápidamente en las listas de éxitos con éxitos como el título de la canción de 1962 "The Lonely Bull" y el ganador del Grammy "A Taste of Honey" de 1965 "Whipped Cream & Other Delights". Antes de conseguir sus propios éxitos, Alpert ya se había asociado con Lou Adler, el futuro titán de la industria, para co-escribir varios de los éxitos más duraderos del cantante Sam Cooke, incluyendo "Wonderful World" y "Only Sixteen". También produjeron temas para el dúo de surfistas Jan & Dean. Sin embargo, fue con la fundación de A&M en 1962 que la carrera de Alpert despegó. Lanzado desde el garaje de Alpert, A&M creció hasta convertirse en el sello independiente más grande del mundo, presentando a artistas como los Carpenters, Cat Stevens, Joe Cocker, y Sergio Mendes & Brasil '66. Sin embargo, Herb Alpert & the Tijuana Brass siguió siendo el acto insignia del sello, popularizando su sonido de influencia latina "Ameriachi" y anotando éxitos como "Spanish Flea" (de 1965 Going Places), así como la versión vocal clásica de Alpert de 1968 de "This Guy's in Love with You" de Burt Bacharach, que se convirtió en su primer sencillo de éxito número uno. También le siguieron múltiples premios Grammy, incluyendo dos por "What Now My Love" de 1967. A medida que el sonido de la música pop evolucionó, también lo hizo el enfoque de Alpert, al abrazar el rock suave, la música disco y el R&B en Rise de 1979. A partir de los años 80, álbumes como Blow Your Own Horn de 1983, Midnight Sun de 1992 (el último para A&M después de vender la compañía) y Passion Dance de 1997 mostraron su continuo amor por el jazz, el pop contemporáneo para adultos y las tradiciones latinas. También se ramificó en otras vías, ganándose el respeto como pintor abstracto y fundando su propia fundación filantrópica Herb Alpert Foundation en apoyo de las artes juveniles y la educación. Aunque periódicamente se ha tomado tiempo libre para actuar, Alpert sigue siendo un estudio vital e intérprete en vivo, a menudo haciendo dúos con su esposa, la vocalista Lani Hall, para álbumes como I Feel You de 2011 y Human Nature de 2016, nominado al Grammy. En 2020, fue el tema de la película documental que abarca toda su carrera, Herb Alpert es....

Nacido el 31 de marzo de 1935 en el barrio de Boyle Heights de Los Ángeles, California, Alpert creció en una familia de herencia judía con padres que habían inmigrado a los Estados Unidos desde Ucrania y Rumania. Aunque su padre trabajaba como sastre, también era un talentoso intérprete de mandolina. La madre de Alpert también daba clases de violín, y tanto Herb como su hermano David (un baterista) se iniciaron en la música a una edad temprana. Alpert empezó a tomar lecciones de trompeta a los ocho años, y en su adolescencia tocaba en bandas de baile y experimentaba con equipos de grabación. Al graduarse de la escuela secundaria en 1952, hizo un período de dos años con la Sexta Banda del Ejército, después del cual se inscribió en la Universidad del Sur de California. Mientras estaba allí, pasó dos años como miembro de la Banda de Marcha de Troya de la USC. Fue durante este período que se hizo amigo de Lou Adler, asociándose con el incipiente letrista y empresario musical para una serie de canciones en Keen Records. Juntos, consiguieron varios éxitos en el Top 20, incluyendo "Baby Talk" de Jan & Dean y "Wonderful World" de Sam Cooke. Trabajando bajo el nombre de Dore Alpert, el trompetista también grabó su primer álbum como cantante, publicando "Tell It to the Birds" en el sello Carnival Records de su compañero Jerry Moss en 1960. Al darse cuenta de que el nombre de Carnival ya estaba en uso, Alpert y Moss renombraron su sello A&M.

Herb Alpert's Tijuana Brass, Vol. 2
En 1962, Alpert lanzó The Lonely Bull, su primer álbum facturado bajo los Tijuana Brass. Grabado a bajo precio en el garaje de Alpert y en el estudio de grabación Conway en Hollywood con miembros del Wrecking Crew, el álbum lo encontró experimentando con la sobregrabación de sus líneas de trompeta para crear un sonido de banda de metal completo. El tema que da título al álbum, una canción escrita por su colaboradora Sol Lake y supuestamente inspirada por la experiencia de Alpert al ver una corrida de toros en México, se convirtió en un éxito número seis en los Estados Unidos. Después del volumen 2 de 1963, Alpert consiguió su primer álbum de éxito en el Top Ten con South of the Border de 1964, otra colección de arreglos con influencia de mariachi y portadas pop de los Beatles, Antonio Carlos Jobim y otros.

Lanzado en 1965, Whipped Cream & Other Delights encontró que Alpert y Tijuana Brass se alejaban de su temprano sonido de temática mexicana y abrazaban más plenamente una vibración de fácil escucha, e incluía los sencillos "A Taste of Honey", "Whipped Cream" y "Lollipops and Roses". Considerado en gran medida el álbum más popular y reconocible del grupo, vendió más de seis millones de copias en los EE.UU., y alcanzó el número uno en la lista de Billboard Pop Albums. Al año siguiente, What Now My Love también se desempeñó bien, permaneciendo en el número uno durante nueve semanas. Siguieron más álbumes número uno, incluyendo S.R.O. de 1966, Sounds Like de 1967 y Ninth de Herb Alpert de 1967.

En 1968, Alpert marcó su primer sencillo número uno (y el primero número uno para A&M) con un raro giro vocal en una interpretación del himno romántico de Burt Bacharach "This Guy's in Love with You". Incluido en el álbum Beat of the Brass, la canción permaneció en la cima de la lista de Billboard Hot 100 singles pop durante cuatro semanas. El álbum también alcanzó el número uno en la lista de Billboard Top Pop Albums, convirtiéndose en el quinto y último LP número uno de Alpert. Un año más tarde le siguió Warm, con un sonido aún más lánguido, de influencia brasileña. Sería el último álbum de los Tijuana Brass en llegar a los Top 40.

Mientras A&M continuaba prosperando a principios de los 70, Alpert cambió su enfoque de hacer su propia música a sus deberes de discográfica. En 1973, también se casó con la ex cantante de Sergio Mendes & Brasil '66, Lani Hall. Sin embargo, grabó con regularidad, emitiendo álbumes como You Smile de 1974, The Song Begins de 1975, Coney Island de 1975 y Just You and Me de 1976. También se unió al famoso trompetista sudafricano Hugh Masakela en el Main Event Live de 1978. En 1979, Alpert publicó Rise, que lo encontró abrazando un sofisticado sonido influenciado por el jazz, el funk y la música disco. Uno de sus primeros álbumes coproducido con su sobrino Randy "Badazz" Alpert, llegó al Top Ten, impulsado en gran medida por el exitoso tema del título.

El álbum de Alpert de 1980, Beyond, también fue un éxito en el Top 40. Le siguieron Fandango en 1982 y Wild Romance en 1985, que lo llevaron a adoptar un sonido suave y cruzado. Lanzado en 1987, Keep Your Eye on Me incluyó el sencillo "Diamonds", que contó con una voz invitada de Janet Jackson, uno de los mayores éxitos de A&M de la década. En 1986, Alpert también estableció la Fundación Herb Alpert, una organización filantrópica dedicada a establecer programas educativos, artísticos y ambientales para niños.

Tras la venta de A&M a PolyGram en 1990 por una suma superior a los 500 millones de dólares, Alpert y Moss fundaron Almo Sounds en 1994. Entre los artistas que firmaron estaban luminarias como Garbage, Gillian Welch e Imogen Heap. Alpert publicó North on South Street en 1991 y Midnight Sun en 1992 como sus últimos álbumes A&M antes de pasar a Almo Sounds. Allí, publicó 1997 Passion Dance y 1999 Colors. También durante este período, se diversificó en lugares artísticos, exhibiendo sus pinturas expresionistas abstractas y coproduciendo varios éxitos de Broadway, incluyendo Angels in America y Jelly's Last Jam.

En 2007, Alpert y Lani Hall comenzaron a hacer giras regularmente y a grabar juntos, estrenando Anything Goes de 2009 y I Feel You de 2011. Los álbumes encontraron al dúo tocando varios aspectos de sus carreras, incluyendo estándares de jazz, música brasileña y latina, canciones pop y reelaboraciones de éxitos clásicos. El presidente Barack Obama y la primera dama Michelle Obama le concedieron la Medalla Nacional de las Artes en 2012.

En 2013, Alpert y Hall publicaron el tercero de sus álbumes juntos, Steppin' Out, en el que también participó el teclista Jeff Lorber; el álbum ganó un Grammy al Mejor Álbum Instrumental Pop en enero de 2014. También ese año, Alpert lanzó el proyecto electrónico de baile In the Mood. Al año siguiente, regresó con otra colección de originales y canciones de portada, Come Fly with Me. En 2016, Alpert entregó su tercer álbum de canciones electrónicas, Human Nature, que le valió otra nominación al Grammy. Regresó rápidamente con 2017's Music, Vol. 1, grabado con el productor Jochem van der Saag (Andrea Bocelli, Barbra Streisand, Michael Bublé). Junto con los originales, el álbum incluía reelaboraciones de "Michelle" de los Beatles y "Imagine" de John Lennon. El tema navideño The Christmas Wish también llegó en 2017, seguido un año después por Music, Vol. 3: Herb Alpert Reimagines the Tijuana Brass. Alpert se emparejó nuevamente con van der Saag para Over the Rainbow de 2019, que incluía el sencillo original "Skinny Dip", así como versiones de canciones de Bill Withers, Earth, Wind & Fire, Barry Manilow, y otros. En 2020, Alpert fue el centro de la película documental que abarca toda la carrera, Herb Alpert Is..., que se acompañó de una caja de tres discos.
https://www.allmusic.com/artist/herb-alpert-mn0000674332/biography


https://herbalpert.com/
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George Benson • Giblet Gravy

Review

No, you're not in Creed Taylor country yet, but you might as well be, for many of the ingredients that would garnish Benson's albums with Taylor are already present in this often enjoyable prototype. The immediate goal was to groom Benson as the next Wes Montgomery (who was about to leave Verve) -- and so he covers hit tunes of the day ("Sunny," "Along Comes Mary," "Groovin'"), playing either with a big band plus voices or a neat quintet anchored by Herbie Hancock, and the sound is contoured to give his guitar a warm mellow ambience. But the eclectic Benson is his own man, as his infectious repeated-interval rhythm trademark tells us on his self-composed title track, and despite Tom McIntosh's mostly lame arrangements, George's work is always tasty and irresistibly melodic.

by Richard S. Ginell

https://www.allmusic.com/album/giblet-gravy-mw0000068801

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Reseña

No, aún no estás en el país de Creed Taylor, pero bien podrías estarlo, ya que muchos de los ingredientes que adornarían los álbumes de Benson con Taylor ya están presentes en este prototipo a menudo agradable. El objetivo inmediato era preparar a Benson como el próximo Wes Montgomery (que estaba a punto de dejar Verve) - y así cubre los éxitos del día ("Sunny", "Along Comes Mary", "Groovin'"), tocando o bien con una gran banda más voces o con un ordenado quinteto anclado por Herbie Hancock, y el sonido se contornea para dar a su guitarra un cálido ambiente meloso. Pero el ecléctico Benson es su propio hombre, como su contagiosa marca rítmica de intervalos repetidos nos dice en su autocompuesta pista de título, y a pesar de los arreglos de Tom McIntosh, la obra de George es siempre sabrosa e irresistiblemente melódica.

por Richard S. Ginell

https://www.allmusic.com/album/giblet-gravy-mw0000068801

 

 

http://www.georgebenson.com/

 

Colaborador / Contribuitor:  Michel

Valeriy Stepanov • Fusion Project - Live

 

 

Born in Siberia multi instrumentalist Valeriy Stepanov raised as musician and artiast at first mentored by his father and then self taught. This YouTube sensation who, to date, can boast more than three million and a half Internet views, enjoys such an online profile that musicians around the world are clamoring to both cover and rework his music.  Indeed Stepanov has been identified as having the ability to traverse the entire spectrum of jazz, from his smooth jazz sensibilities through to his own brand of fusion that can accurately be described as Chick Corea meets Jeff Lorber. Above all, what makes Valeriy stand out from the crowd is the superb formula he has for rhythm and melody, his unbounded energy and a technique that is solidly grounded in music theory.  In fact, although being initially taught by his father, Valeriy is a protégé of world-renowned cellist Mstislav Rostropovich and it was through his influence that he gained a scholarship to study at the prestigious Central Music School of Moscow State Conservatory. Not only that, with six years of recording and performing with his band VSAK, Valeriy has polished these skills yet further so that now, at age 27, he is perfectly positioned to join the ever increasing band of Eastern European artists to have found musical fame in the west.

Nevertheless, his journey has been more challenging than most.  His father, who not only went on to become a drummer and singer but also taught the then six-year-old Valeriy, to play piano, was born in the Siberian city of Yermakovo, located in the far eastern reaches of Russia.  It was the site of the infamous 503th Gulag building where prisoners were kept and made to work on Stalin’s ill-fated railway that was meant to run across the extreme north of the country. Shortly after Stalin’s death in 1953 Valeriy’s father moved further south to the city of Irkutsk, close to the Mongolian border and Lake Baikal, the largest body of freshwater in the world.  It was here that Valeriy grew up, surrounded by music and destined to become the artist he is today.

The story of Valeriy Stepanov is very much a story of today, a story where the Internet combined with an abundance of talent can propel a performer from the most unlikely of locations into the global spotlight.

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Nacido en Siberia, el multi instrumentista Valeriy Stepanov se crió como músico y artista, primero con la tutela de su padre y luego de forma autodidacta. Esta sensación de YouTube que, hasta la fecha, puede presumir de tener más de tres millones y medio de visitas en Internet, disfruta de un perfil en línea tal que los músicos de todo el mundo claman por cubrir y reelaborar su música.  De hecho, Stepanov ha sido identificado con la capacidad de atravesar todo el espectro del jazz, desde su sensibilidad de smooth jazz hasta su propia marca de fusión que puede describirse con precisión como Chick Corea se encuentra con Jeff Lorber. Por encima de todo, lo que hace que Valeriy se destaque entre la multitud es la magnífica fórmula que tiene para el ritmo y la melodía, su energía sin límites y una técnica que está sólidamente basada en la teoría musical.  De hecho, aunque inicialmente fue enseñado por su padre, Valeriy es un protegido del mundialmente conocido violonchelista Mstislav Rostropovich y fue por su influencia que obtuvo una beca para estudiar en la prestigiosa Escuela Central de Música del Conservatorio Estatal de Moscú. No sólo eso, con seis años de grabación y actuación con su banda VSAK, Valeriy ha pulido estas habilidades aún más, de modo que ahora, a la edad de 27 años, está perfectamente posicionado para unirse a la cada vez más numerosa banda de artistas de Europa oriental que han encontrado fama musical en el oeste.

Sin embargo, su viaje ha sido más desafiante que la mayoría.  Su padre, que no sólo se convirtió en batería y cantante, sino que también enseñó a tocar el piano al entonces niño de seis años Valeriy, nació en la ciudad siberiana de Yermakovo, situada en el extremo oriental de Rusia.  Allí se encontraba el infame edificio del Gulag 503, donde se mantenía a los prisioneros y se les hacía trabajar en el desafortunado ferrocarril de Stalin que debía atravesar el extremo norte del país. Poco después de la muerte de Stalin en 1953, el padre de Valeriy se trasladó más al sur, a la ciudad de Irkutsk, cerca de la frontera con Mongolia y del lago Baikal, la mayor masa de agua dulce del mundo.  Fue aquí donde Valeriy creció, rodeado de música y destinado a convertirse en el artista que es hoy.

La historia de Valeriy Stepanov es una historia muy actual, una historia en la que Internet, combinada con una abundancia de talento, puede impulsar a un artista desde los lugares más insólitos hasta el centro de atención mundial.

 

 

Eric Alexander • Song of No Regrets

 

Blessed with a rounded tone and impressive technical chops, Alexander has long carried on the swinging, acoustic jazz tradition with his saxophone sound informed by such icons as John Coltrane. With his superb 2017 effort, the Latin-infused Song of No Regrets, he reveals this inventive side, offering up a set of groove-based anthems, inspired in part by the buoyant '60s pop of Sergio Mendes.
https://www.jazzmessengers.com/en/75062/eric-alexander/song-of-no-regrets-w-jon-faddis-d-hazeltine

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Bendecido con un tono redondeado e impresionantes habilidades técnicas, Alexander ha continuado durante mucho tiempo la tradición del jazz acústico oscilante con su sonido de saxofón inspirado en íconos como John Coltrane. Con su magnífico esfuerzo de 2017, la canción con infusión latina of No Regrets, revela este lado inventivo, ofreciendo un conjunto de himnos basados en el groove, inspirados en parte por el boyante pop de los años 60 de Sergio Mendes.
https://www.jazzmessengers.com/en/75062/eric-alexander/song-of-no-regrets-w-jon-faddis-d-hazeltine