egroj world: May 2024

Friday, May 31, 2024

Jimmy Smith • House Party

 



Review by Lindsay Planer
In 2000 when Blue Note upgraded 1958's House Party as part of the label's superior Rudy Van Gelder series, they augmented the title with a ten-plus minute driving blow of Charlie Parker's "Confirmation" as a well-chosen bonus track. Now the effort is bookended by some primal Bird, which was always a forte of the assembled coterie. In addition to sharing three of the five sides with the RVG edition of The Sermon! (1958), there are two selections from the August 25, 1957, confab of Lee Morgan (trumpet), George Coleman (alto sax), Curtis Fuller (trombone), Eddie McFadden (guitar), Kenny Burrell (guitar), and Donald Bailey (drums). The remaining three were recorded precisely six months later on February 25, 1958, with a slightly amended lineup featuring altoist Lou Donaldson (in for Coleman) alongside Tina Brooks (tenor sax) and the ubiquitous Art Blakey (drums) providing unique contributions of their own. "Au Privave" is a refined piece of indisputable bop mastery as Smith commands the combo through an incendiary and driving rendition that grooves unforced flair and organic charisma. Morgan bandies about with Smith and Brooks behind the flowing support of the amended rhythm section of Blakey and Burrell. Even at 16-plus minutes, the pace and timbre of the performance begs for more. "Lover Man" is splendid and sincere as Donaldson drives right to the heart, unreeling stunningly lyrical leads behind Smith's distinguished progressions."Just Friends" is a true gem and one of the two cuts not duplicated on The Sermon! Beginning with McFadden, each musician is given room to stretch and reveal his identity as both an ensemble player and soloist. "Blues After All" is a soulful outing that offers up arguably the most sublime and understated bop on the album. Concluding House Party is the aforementioned cover of Bird's "Confirmation," which is as stinging and incisive as its opening counterpart. It also questions why one should spend time reading about genius when the real pleasure lies in the experience of hearing it.
https://www.allmusic.com/album/house-party-mw0000100984

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Reseña de Lindsay Planer
En 2000, cuando Blue Note actualizó House Party de 1958 como parte de la serie superior Rudy Van Gelder del sello, aumentaron el título con un golpe de más de diez minutos de «Confirmation» de Charlie Parker como tema extra bien elegido. Ahora, el esfuerzo se completa con un primal Bird, que siempre fue uno de los puntos fuertes de la camarilla reunida. ¡Además de compartir tres de las cinco caras con la edición RVG de The Sermon! (1958), hay dos selecciones de la reunión del 25 de agosto de 1957 de Lee Morgan (trompeta), George Coleman (saxo alto), Curtis Fuller (trombón), Eddie McFadden (guitarra), Kenny Burrell (guitarra) y Donald Bailey (batería). Las tres restantes se grabaron precisamente seis meses más tarde, el 25 de febrero de 1958, con una formación ligeramente modificada en la que figuraban el contralto Lou Donaldson (en lugar de Coleman) junto a Tina Brooks (saxo tenor) y el omnipresente Art Blakey (batería), que aportaron contribuciones propias únicas. «Au Privave» es una refinada pieza de indiscutible maestría bop, en la que Smith comanda el combo a través de una incendiaria e impulsora interpretación que se desliza sin forzar y con carisma orgánico. Morgan corretea con Smith y Brooks tras el fluido apoyo de la enmendada sección rítmica de Blakey y Burrell. Incluso con más de 16 minutos, el ritmo y el timbre de la interpretación piden más. «Lover Man» es espléndida y sincera, ya que Donaldson va directo al corazón, desgranando pistas de un lirismo asombroso tras las distinguidas progresiones de Smith. Just Friends» es una auténtica joya y uno de los dos cortes que no se repiten en The Sermon. Empezando por McFadden, a cada músico se le da espacio para estirarse y revelar su identidad como intérprete de conjunto y como solista. «Blues After All» es una salida conmovedora que ofrece posiblemente el bop más sublime y discreto del álbum. Concluye House Party la mencionada versión de «Confirmation» de Bird, que es tan mordaz e incisiva como su homóloga inicial. También cuestiona por qué hay que dedicar tiempo a leer sobre el genio cuando el verdadero placer reside en la experiencia de escucharlo.
https://www.allmusic.com/album/house-party-mw0000100984


 





Elvin Jones • Time Capsule

 



A real standout in the 70s catalog of Elvin Jones – for a number of key reasons! First up, the set's got more of an electric vibe than usual – thanks to Fender Rhodes from Kenny Barron and guitar from Ryo Kawasaki, who really help shape the sound of the set!

Second, production is by Ed Bland – who does a masterful job of blending soul, spirit, and harder-edged jazz modes – on tunes that often have a nice modal vibe at the core! The group also features excellent alto work from Bunky Green – who really sparkles strongly throughout, and who also wrote more than half the material on the album.
https://www.jazzmessengers.com/en/88757/elvin-jones/time-capsule


Review by Scott Yanow
Drummer Elvin Jones' Vanguard recordings of 1975-77, of which this was the final one, generally found him playing with all-stars or augmenting his band with guests. The five obscurities on this LP (three by altoist Bunky Green, who emerges as the date's top soloist) matches Jones with Green, tenor saxophonist George Coleman, the electric piano of Kenny Barron, bassist Junie Booth, guitarist Ryo Kawasaki, and percussionist Angel Allende. Two of the songs ("Frost Bite" and "Digital Display") have bassist Milt Hinton and flutist Frank Wess; the latter piece also adds the soprano of Frank Foster. Overall, the music is worthwhile, although not quite adding up to the sum of its many parts; the set has very little unity despite some individual fireworks.
https://www.allmusic.com/album/time-capsule-mw0000659850

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Un disco realmente destacado en el catálogo de los años 70 de Elvin Jones, ¡por varias razones clave! En primer lugar, el disco tiene un aire más eléctrico de lo habitual, gracias al Fender Rhodes de Kenny Barron y a la guitarra de Ryo Kawasaki, que realmente ayudan a dar forma al sonido del disco.

En segundo lugar, la producción corre a cargo de Ed Bland, que hace un trabajo magistral mezclando el soul, el espíritu y los modos más duros del jazz, en temas que a menudo tienen una agradable vibración modal en su núcleo. El grupo también cuenta con el excelente trabajo como contralto de Bunky Green, que realmente brilla con fuerza en todo el disco y que también escribió más de la mitad del material del álbum.
https://www.jazzmessengers.com/en/88757/elvin-jones/time-capsule


Reseña de Scott Yanow
Las grabaciones de Vanguard del baterista Elvin Jones entre 1975 y 1977, de las cuales ésta fue la última, generalmente lo encontraron tocando con estrellas o aumentando su banda con invitados. Las cinco oscuridades de este LP (tres de ellas del contralto Bunky Green, que se convierte en el mejor solista de la fecha) emparejan a Jones con Green, el saxofonista tenor George Coleman, el piano eléctrico de Kenny Barron, el bajista Junie Booth, el guitarrista Ryo Kawasaki y el percusionista Angel Allende. Dos de las canciones («Frost Bite» y «Digital Display») cuentan con el bajista Milt Hinton y el flautista Frank Wess; esta última pieza añade además la soprano de Frank Foster. En general, la música merece la pena, aunque no llega a ser la suma de sus muchas partes; el conjunto tiene muy poca unidad a pesar de algunos fuegos artificiales individuales.
https://www.allmusic.com/album/time-capsule-mw0000659850


 




Esbjörn Svensson Trio • Leucocyte

 



Un disco muy bueno, que por momentos roza la excelencia. Así es el último disco de Esbjörn Svensson Trio. Después de este “Leucocyte” ya no habrá, por desgracia, más trabajos originales de este E.S.T.. Tal vez se recuperen viejas grabaciones para satisfacer a los aficionados que se han quedado huérfanos de esta banda, pero este es el último álbum del trío sueco, acaso el mejor trío de jazz europeo que ha habido en los últimos años. La razón es sabida: el fallecimiento a los 44 años, mientras practicaba submarinismo, del pianista Esbjörn Svensson.
Resulta increíble que este disco sea producto de una jam sesión realizada por el grupo durante dos días en Sydney, mientras realizaban su gira australiana. Es cierto que la banda funcionaba mucho de esta manera para, posteriormente, dar forma a los temas de sus discos, pero lo que aquí sucede no es normal, pues si desconoce este dato parece que todo está compuesto y escrito. Es decir, el grado de complicidad y conocimiento mutuo al que habían llegado los tres integrantes de la banda era tal que rozaba lo telepático. La música fluye. Así sin más. El añadido de efectos y paisajes sonoros electrónicos en el proceso de post-producción, sirve para dar unidad y continuidad a lo que se escucha.
El décimo segundo disco del trío -que se ha convertido a su pesar en su legado póstumo- muestra a la banda en la plenitud de sus facultades, abierta a nuevas perspectivas, capaz de explorar nuevos caminos y de no dormirse en los laureles. Hay momentos apoteósicos; como la primera parte de “Premonition” que lleva por título “Earth”, donde muestran uno de los caminos del jazz del futuro. No menos excelente es “Jazz”, el cuarto tema del disco y que puede entenderse como una declaración de cómo entienden ellos que debe ser el jazz un lugar donde el jazz y el pop-rock se unen no para hacer una fusión sino para crear un nuevo concepto sonoro; y con “Ab initio”, la primera de las cuatro partes en las que se divide la composición que da título al álbum, es que se sobran.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/e-s-t-leucocyte

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A very good album, bordering on excellence at times. Such is the latest album by Esbjörn Svensson Trio. After this ‘Leucocyte’ there will, unfortunately, be no more original works by this E.S.T.. Perhaps old recordings will be revived to satisfy the fans who have been orphaned by this band, but this is the last album by the Swedish trio, perhaps the best European jazz trio in recent years. The reason is well known: the death of pianist Esbjörn Svensson at the age of 44 while scuba diving.
Incredibly, this album is the product of a jam session held by the band over two days in Sydney, while they were on their Australian tour. It is true that the band used to work in this way a lot in order to subsequently shape the themes of their albums, but what happens here is not normal, because if you don't know this fact, it seems that everything is composed and written. That is to say, the degree of complicity and mutual knowledge that the three members of the band had reached was such that it bordered on the telepathic. The music flows. Just like that. The addition of electronic effects and soundscapes in the post-production process serves to give unity and continuity to what is heard.
The trio's twelfth album - which has become, to their regret, their posthumous legacy - shows the band at the peak of their powers, open to new perspectives, able to explore new paths and not rest on their laurels. There are moments of apotheosis, such as the first part of ‘Premonition’ entitled ‘Earth’, where they show one of the paths of the jazz of the future. No less excellent is ‘Jazz’, the fourth track on the album, which can be understood as a declaration of how they understand jazz to be a place where jazz and pop-rock come together not to make a fusion but to create a new sonic concept; and with ‘Ab initio’, the first of the four parts into which the composition that gives the album its title is divided, they are left over.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/e-s-t-leucocyte
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esbjornsvensson.se ...



Manu Katche • Unstatic

 



French drummer Manu Katche always seemed something of an odd man at ECM Records on his four solo discs—warm, groove-centric, gregarious sets competing with the Nordic cool of Tord Gustavsen, or the thoughtful melancholy of trumpeter Tomasz Stańko and pianist Marcin Wasilewski. And—like few artists in the ECM stable—he crossed successfully into the rock world via work with Peter Gabriel, Sting, Robbie Robertson and many more.

So it's not a surprise to find him on Unstatic (Anteprima Productions) crafting deep grooves and catchy melodies, and molding an outgoing, danceable atmospheric, and leading a versatile, killer band, with saxophonist Tore Brunborg slipping away from his ECM mode into Katche's less spare, less somber sonic world.

Luca Aquino joins Bruborg in the front line, along with—on five of the eleven tunes—trombonist Nils Landgren. Bassist Ellen Andrea Wang and keyboardist Jimmy Watson are rhythm masters, laying down wall of sound beats with Katche.

But it's not all party time music. "Trickle" has a weighty despair; "Daze Days" is pretty, pastoral, mournful.

But the title tune, with its metallic keyboard work juxtaposed with Katche's muscular drums wouldn't sound out of place in a disco club—until Aquino lays down a breathy, delicate trumpet solo; and "Ride Me Up" has an electro-acoustic orchestral vibe, Watson's piano popping like hammers on steel pipes, laid on with finesse; and "Out Of Sight" features another stellar Aquino Trumpet solo, followed by Brunborg on soprano sax, nestled deep (of course) in Manu Katche's characteristic world of grooves.
Dan McClenaghan By Dan McClenaghan
August 9, 2016
https://www.allaboutjazz.com/unstatic-manu-katche-anteprima-productions-review-by-dan-mcclenaghan

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El batería francés Manu Katche siempre ha parecido un hombre extraño en ECM Records en sus cuatro discos en solitario: conjuntos cálidos, centrados en el groove y gregarios que compiten con la frescura nórdica de Tord Gustavsen o la melancolía reflexiva del trompetista Tomasz Stańko y el pianista Marcin Wasilewski. Y, como pocos artistas de ECM, se adentró con éxito en el mundo del rock trabajando con Peter Gabriel, Sting, Robbie Robertson y muchos más.

Así que no es una sorpresa encontrarlo en Unstatic (Anteprima Productions) creando grooves profundos y melodías pegadizas, y moldeando un ambiente extrovertido y bailable, y liderando una banda versátil y asesina, con el saxofonista Tore Brunborg deslizándose desde su modo ECM al mundo sónico menos sobrio y menos sombrío de Katche.

Luca Aquino se une a Bruborg en la primera línea, junto con el trombonista Nils Landgren, en cinco de los once temas. La bajista Ellen Andrea Wang y el teclista Jimmy Watson son maestros rítmicos, creando un muro de sonido con Katche.

Pero no todo es música de fiesta. «Trickle» tiene una pesada desesperación; «Daze Days» es bonita, pastoral, lúgubre.

Pero la canción que da título al disco, con sus teclados metálicos yuxtapuestos a la musculosa batería de Katche, no sonaría fuera de lugar en una discoteca, hasta que Aquino hace un solo de trompeta suave y delicado; Ride Me Up» tiene un aire de orquesta electroacústica, con el piano de Watson sonando como martillos sobre tubos de acero, y “Out Of Sight” presenta otro estelar solo de trompeta de Aquino, seguido de Brunborg al saxo soprano, en el fondo (por supuesto) del característico mundo de ritmos de Manu Katche.
Dan McClenaghan Por Dan McClenaghan
9 de agosto de 2016
https://www.allaboutjazz.com/unstatic-manu-katche-anteprima-productions-review-by-dan-mcclenaghan


 




www.manu-katche.com ...


Bill Doggett • Lionel Hampton Presents Bill Doggett

 


William Ballard Doggett (February 16, 1916 – November 13, 1996) was an American jazz and rhythm and blues pianist and organist.

He is best known for his compositions "Honky Tonk" and "Hippy Dippy", and variously working with the Ink Spots, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald, and Louis Jordan.   

 




Al Caiola • Guitar, Italian Style

 



Biography by Stephen Thomas Erlewine
Guitarist Al Caiola initially made his reputation as a session musician, playing on records made by Percy Faith and Andre Kostelanetz, among others. Caiola was the conductor and arranger for United Artists Records in the late '40s and early '50s. After leaving UA, he signed with RCA, where he released a number of singles in the '50s. In the early '60s, he went back to United Artists, which is where he scored his first hit with the theme to the film The Magnificent Seven. The single peaked at 35 in early 1961 and it was quickly followed by the theme to the television series Bonanza, which climbed to number 19. For the rest of the '60s, Caiola released a number of easy listening instrumental albums and also hosted a television show, which was only aired for a short while. Caiola continued to record throughout subsequent decades; he died in Allendale, New Jersey in 2016 at the age of 96.

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
El guitarrista Al Caiola inicialmente hizo su reputación como músico de sesión, tocando en discos hechos por Percy Faith y Andre Kostelanetz, entre otros. Caiola fue la directora y arreglista de United Artists Records a finales de los años 40 y principios de los 50. Después de dejar UA, firmó con RCA, donde lanzó una serie de singles en los años 50. A principios de los años 60, regresó a United Artists, que es donde anotó su primer éxito con el tema de la película The Magnificent Seven. El single alcanzó su punto máximo en 35 a principios de 1961 y fue seguido rápidamente por el tema de la serie de televisión Bonanza, que llegó al número 19. Durante el resto de los años 60, Caiola lanzó una serie de álbumes instrumentales fáciles de escuchar y también presentó una televisión. Espectáculo, que solo se emitió por un corto tiempo. Caiola continuó grabando a lo largo de décadas posteriores; murió en Allendale, Nueva Jersey en 2016 a la edad de 96 años.


Erroll Garner • The Complete Savoy & Dial Master Takes

 


www.errollgarner.com ...


Bill Frisell • Four

 


Bill Frisell’s career as a guitarist and composer has spanned more than 40 years and many celebrated recordings, whose catalog has been cited by Downbeat as "the best recorded output of the decade."

In recent years, Frisell has forged a distinctive and fruitful collaboration with the Blue Note label, releasing HARMONY, Valentine and FOUR to great acclaim.

"Frisell has had a lot of practice putting high concept into a humble package. Long hailed as one of the most distinctive and original improvising guitarists of our time, he has also earned a reputation for teasing out thematic connections with his music... There’s a reason that Jazz at Lincoln Center had him program a series called Roots of Americana."  - New York Times

Recognized as one of America’s 21 most vital and productive performing artists, Frisell was named an inaugural Doris Duke Artist in 2012.  He is also a recipient of grants from United States Artists, Meet the Composer among others.  In 2016, he was a beneficiary of the first FreshGrass Composition commission to preserve and support innovative grassroots music.  Upon San Francisco Jazz opening their doors in 2013, he served as one of their Resident Artistic Directors.  Bill is the subject of a documentary film by director Emma Franz, entitled Bill Frisell: A Portrait, which examines his creative process in depth, as well as an extensive biography by Philip Watson, Beautiful Dreamer: The Guitarist Who Changed The Sound of American Music.
https://www.billfrisell.com/biography

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La carrera de Bill Frisell como guitarrista y compositor ha abarcado más de 40 años y muchas grabaciones celebradas, cuyo catálogo ha sido citado por Downbeat como "la mejor producción grabada de la década."

En los últimos años, Frisell ha forjado una colaboración distintiva y fructífera con el sello Blue Note, lanzando HARMONY, Valentine y FOUR con gran éxito.

"Frisell ha tenido mucha práctica poniendo un alto concepto en un paquete humilde. Aclamado durante mucho tiempo como uno de los guitarristas improvisadores más distintivos y originales de nuestro tiempo, también se ha ganado la reputación de desentrañar las conexiones temáticas con su música... Hay una razón por la que Jazz at Lincoln Center lo hizo programar una serie llamada Roots of Americana."- New York Times

Reconocida como una de las 21 artistas escénicas más vitales y productivas de Estados Unidos, Frisell fue nombrada Artista inaugural de Doris Duke en 2012.  También es beneficiario de becas de Artistas de Estados Unidos, Conoce al Compositor entre otros.  En 2016, fue beneficiario de la primera comisión de Composición de FreshGrass para preservar y apoyar la música innovadora de base.  Cuando San Francisco Jazz abrió sus puertas en 2013, se desempeñó como uno de sus Directores Artísticos Residentes.  Bill es el tema de un documental de la directora Emma Franz, titulado Bill Frisell: A Portrait, que examina en profundidad su proceso creativo, así como una extensa biografía de Philip Watson, Beautiful Dreamer: The Guitarist Who Changed The Sound of American Music.
https://www.billfrisell.com/biography

Art Pepper • Intensity

 


Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography


Enrico Pieranunzi Trio • Special Encounter

 



Enrico Pieranunzi was born in Rome in 1949 and has for many years been among the most significant and well-known protagonists of the international jazz scene. A pianist, composer, and arranger, he has recorded more than 70 albums under his own name, ranging from piano solo to trio, from duo to quintet. He has collaborated, either live or in the studio, with Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, Marc Johnson, and Joey Baron. Pieranunzi has been named Artist of the Year three times by the Musica Jazz magazine critics’ poll (in 1989, 2003, 2008). He also won the French Django d’Or prize as “Best European Musician” in 1997 and the German Echo Jazz Award in 2014 as “Best International Keyboard Artist”. Pieranunzi has performed his music all over the world in the most prestigious international festivals, from Montréal to Copenhagen and Buenos Aires, from Berlin and Madrid to Tokyo, Rio de Janeiro and Beijing. For the past ten years, he has been playing more and more in the USA, and has taken part in the San Francisco and Spoleto (Charleston, South Carolina) festivals. He has also been regularly featured in the most important New York clubs, especially the Village Vanguard, where in July 2010 he recorded the album Live at the Village Vanguard with Marc Johnson and Paul Motian. This is the first album ever recorded by an Italian musician (and one of the very few by European musicians) in the legendary diamond shaped 7th Avenue venue. A second Live at the Village Vanguard, recorded in 2015 with Donny McCaslin, Scott Colley and Clarence Penn, will be released at the end of 2016. Enrico Pieranunzi has composed over 300 pieces, many of which have become standards performed and recorded by musicians all over the world.
https://www.enricopieranunzi.it/biography

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Enrico Pieranunzi nació en Roma en 1949 y durante muchos años ha sido uno de los protagonistas más significativos y conocidos de la escena del jazz internacional. Pianista, compositor y arreglista, ha grabado más de 70 álbumes con su propio nombre, que van desde el solo de piano al trío, del dúo al quinteto. Ha colaborado, en directo o en estudio, con Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, Marc Johnson y Joey Baron. Pieranunzi ha sido nombrado Artista del Año en tres ocasiones por la encuesta de los críticos de la revista Musica Jazz (en 1989, 2003, 2008). También ganó el premio francés Django d'Or como "Mejor Músico Europeo" en 1997 y el premio alemán Echo Jazz en 2014 como "Mejor Artista Internacional de Teclados". Pieranunzi ha interpretado su música en todo el mundo en los festivales internacionales más prestigiosos, desde Montreal a Copenhague y Buenos Aires, desde Berlín y Madrid a Tokio, Río de Janeiro y Beijing. Desde hace diez años, toca cada vez más en los Estados Unidos y ha participado en los festivales de San Francisco y Spoleto (Charleston, Carolina del Sur). También se ha presentado regularmente en los clubes más importantes de Nueva York, especialmente en el Village Vanguard, donde en julio de 2010 grabó el álbum Live at the Village Vanguard con Marc Johnson y Paul Motian. Se trata del primer disco grabado por un músico italiano (y uno de los pocos de músicos europeos) en el legendario local en forma de diamante de la 7ª Avenida. Un segundo Live at the Village Vanguard, grabado en 2015 con Donny McCaslin, Scott Colley y Clarence Penn, será lanzado a finales de 2016. Enrico Pieranunzi ha compuesto más de 300 piezas, muchas de las cuales se han convertido en estándares interpretadas y grabadas por músicos de todo el mundo.
https://www.enricopieranunzi.it/biography


www.enricopieranunzi.it ...

 

Jim Hall • Unissued 1982-1992

 



Biography:
A harmonically advanced cool-toned and subtle guitarist, Jim Hall was an inspiration to many guitarists, including some (such as Bill Frisell) who sound nothing like him. Hall attended the Cleveland Institute of Music and studied classical guitar in Los Angeles with Vicente Gómez. He was an original member of the Chico Hamilton Quintet (1955-1956), and during 1956-1959 was with the Jimmy Giuffre Three. After touring with Ella Fitzgerald (1960-1961) and sometimes forming duos with Lee Konitz, Hall was with Sonny Rollins' dynamic quartet in 1961-1962, recording The Bridge. He co-led a quartet with Art Farmer (1962-1964), recorded on an occasional basis with Paul Desmond during 1959-1965 (all of their quartet performances are collected on a Mosaic box set), and then became a New York studio musician. He was mostly a leader during the following years and, in addition to his own projects for World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters, and Telarc, Jim Hall recorded two classic duet albums with Bill Evans. A self-titled collaboration with Pat Metheny followed in 1999. A flurry of studio albums, reissues, and compilations followed throughout the next few years, with the exceptional Jim Hall & Basses standing out for its bass/guitar duet format. Jim Hall died at his apartment in Manhattan on December 10, 2013; he was 83 years old.

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Biografía:
Un guitarrista armónicamente avanzado de tono frío y sutil, Jim Hall fue una inspiración para muchos guitarristas, incluyendo algunos (como Bill Frisell) que no se parecen en nada a él. Hall asistió al Instituto de Música de Cleveland y estudió guitarra clásica en Los Ángeles con Vicente Gómez. Fue miembro original del Quinteto Chico Hamilton (1955-1956), y durante 1956-1959 estuvo con los Tres de Jimmy Giuffre. Después de ir de gira con Ella Fitzgerald (1960-1961) y a veces formando dúos con Lee Konitz, Hall estuvo con el dinámico cuarteto de Sonny Rollins en 1961-1962, grabando The Bridge. Dirigió un cuarteto con Art Farmer (1962-1964), grabó ocasionalmente con Paul Desmond durante 1959-1965 (todas sus actuaciones en cuarteto se recogen en una caja de Mosaico), y luego se convirtió en un músico de estudio de Nueva York. Fue principalmente un líder durante los años siguientes y, además de sus propios proyectos para World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters y Telarc, Jim Hall grabó dos álbumes clásicos a dúo con Bill Evans. En 1999 se produjo una colaboración autotitulada con Pat Metheny. Una ráfaga de álbumes de estudio, reediciones y compilaciones siguieron a lo largo de los siguientes años, con el excepcional Jim Hall & Basses destacándose por su formato de dúo bajo/guitarra. Jim Hall murió en su apartamento de Manhattan el 10 de diciembre de 2013; tenía 83 años. 
 


Louisiana Red • Sweet Dreams Sir Minter

 









Mimi Allen • There Goes My Harp

 



Harpist and arranger from Missouri. In addition to her classical performances she was a pioneer in the realm of jazz harp.


James Moody • Wave

 



For over six decades, saxophone master James Moody has serenaded lovers with his signature song Moody's Mood for Love an improvisation on the chord progressions of I'm in the Mood for Love.

Born in Savannah, Georgia on March 26, 1925, and raised in Newark, New Jersey, James Moody took up the alto sax, a gift from his uncle, at the age of 16. Within a few years he fell under the spell of the deeper more full- bodied tenor saxophone after hearing Buddy Tate and Don Byas perform with the Count Basie Band at the Adams Theater in Newark, New Jersey.

In 1946, following service in the United States Air Force, Moody joined the seminal bebop big band of Dizzy Gillespie, beginning an association that - on stage and record, in orchestras and small combos - afforded a young Moody worldwide exposure and ample opportunity to shape his improvisational genius. Upon joining Gillespie, Moody was at first awed, he now admits, by the orchestra's incredible array of talent, which included Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown, Thelonius Monk. The encouragement of the legendary trumpeter-leader, made his mark on the young saxophonist. His now legendary 16-bar solo on Gillespie's Emanon alerted jazz fans to an emerging world-class soloist.

During his initial stay with Gillespie, Moody also recorded with Milt Jackson for Dial Records in 1947. One year later he made his recording debut as a leader James Moody and His Bop Men for (Blue Note).

In 1949 Moody moved to Europe where in Sweden he recorded the masterpiece of improvisation for which he is renowned, Moody's Mood for Love.

Returning to the States in 1952 with a huge "hit" on his hands, Moody employed vocalist Eddie Jefferson. Also, working with him during that period were Dinah Washington and Brook Benton.

In 1963 he rejoined Gillespie and performed off and on in the trumpeter's quintet for the remainder of the decade.

Moody moved to Las Vegas in 1973 and had a seven year stint in the Las Vegas Hilton Orchestra, doing shows for Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich, and Lou Rawls to name a few.

Moody returned to the East Coast and put together his own band again - much to the delight of his dedicated fans. In 1985, Moody received a Grammy Award Nomination for Best Jazz Instrumental Performance for his playing on Manhattan Transfer's Vocalese album thus setting the stage for his re-emergence as a major recording artist.

Moody's 1986 (RCA/NOVUS) debut Something Special ended a decade-long major label recording hiatus for the versatile reedman. His follow-up recording, Moving Forward showcased his hearty vocals on What Do You Do and his interpretive woodwind wizardry on such tunes as Giant Steps and Autumn Leaves.

Music is more than a livelihood to Moody, so much so that portions of Sweet and Lovely, dedicated to his wife, Linda, figured prominently in the saxophonist's wedding ceremony on April 3, 1989. As well as being on the album, Gillespie was best man at the wedding for his longtime friend. The bride and groom walked down the aisle to Gillespie's solo on Con Alma then everyone exited the church to the vamp on Melancholy Baby. As their first act of marriage Linda and James Moody took communion accompanied by the groom's recording of Sweet and Lovely. In 1990, Moody and Gillespie received a Grammy Award Nomination for their rendition of Gillespie's Get the Booty, which showcases scatting at its best. Moody returns the soprano sax to his woodwind arsenal on Honey, his nickname for his wife, Linda, and Moody's last recording for (RCA/NOVUS).

On March 26th, 1995 Moody got the surprise of his life with a birthday party in New York. It was an evening of historical significance for Jazz with many guest stars and Bill Cosby as the emcee. It can be heard on Telarc's recording, Moody's Party— James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

In 1995 Moody's (Warner Bros.) release of Young at Heart, was a tribute to songs that are associated with Frank Sinatra. With an orchestra and strings many people feel this is among the most beautiful of all James Moody recordings.

Moody's last recording for Warner Bros. is Moody Plays Mancini which showcases Moody on all of his horns and flute. A tribute to the American icon Henry Mancini.

Moody's 2004 release of Homage on the Savoy Label has been a great cause for celebration. His first new studio album in 6 years, the aptly named Homage is a tribute to Moody featuring new tunes specially written for him by the likes of Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine and Marc Copland. Bob Belden produced the project.

Whether Moody is playing the soprano, alto, tenor, or flute, he does so with deep resonance and wit. Moody has a healthy respect for tradition, but takes great delight in discovering new musical paths, which makes him one of the most consistently expressive and enduring figures in modern jazz today. To quote Peter Watrous of the New York Times, "As a musical explorer, performer, collaborator and composer he has made an indelible contribution to the rise of American music as the dominant musical force of the twentieth century."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/

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Durante más de seis décadas, el maestro del saxofón James Moody ha dado serenatas a los enamorados con su emblemática canción Moody's Mood for Love, una improvisación sobre la progresión de acordes de I'm in the Mood for Love.

Nacido en Savannah (Georgia) el 26 de marzo de 1925 y criado en Newark (Nueva Jersey), James Moody cogió el saxo alto, regalo de su tío, a los 16 años. A los pocos años cayó bajo el hechizo del saxo tenor, más grave y con más cuerpo, tras escuchar a Buddy Tate y Don Byas tocar con la Count Basie Band en el Adams Theater de Newark, Nueva Jersey.

En 1946, tras prestar servicio en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Moody se unió a la seminal big band de bebop de Dizzy Gillespie, iniciando una asociación que -en el escenario y en el disco, en orquestas y pequeños combos- proporcionó al joven Moody una exposición mundial y amplias oportunidades para dar forma a su genio improvisador. Al incorporarse a Gillespie, Moody se sintió impresionado al principio, según admite ahora, por el increíble talento de la orquesta, que incluía a Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown y Thelonius Monk. El estímulo del legendario líder trompetista dejó huella en el joven saxofonista. Su ya legendario solo de 16 compases en el Emanon de Gillespie alertó a los aficionados al jazz sobre un solista emergente de talla mundial.

Durante su estancia inicial con Gillespie, Moody también grabó con Milt Jackson para Dial Records en 1947. Un año más tarde hizo su debut discográfico como líder James Moody and His Bop Men para (Blue Note).

En 1949 Moody se trasladó a Europa, donde grabó en Suecia la obra maestra de improvisación por la que es conocido, Moody's Mood for Love.

De vuelta a Estados Unidos en 1952 con un gran "éxito" entre manos, Moody contrató al vocalista Eddie Jefferson. También trabajaron con él durante ese periodo Dinah Washington y Brook Benton.

En 1963 volvió a unirse a Gillespie y actuó de forma intermitente en el quinteto del trompetista durante el resto de la década.

Moody se trasladó a Las Vegas en 1973 y durante siete años formó parte de la orquesta del Hilton de Las Vegas, donde actuó para Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich y Lou Rawls, entre otros.

Moody regresó a la Costa Este y volvió a formar su propia banda, para deleite de sus entregados fans. En 1985, Moody recibió una nominación a los premios Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz por su participación en el álbum Vocalese de Manhattan Transfer, sentando así las bases para su resurgimiento como gran artista discográfico.

El debut de Moody en 1986 (RCA/NOVUS), Something Special, puso fin a una década de parón discográfico en los grandes sellos. Su siguiente disco, Moving Forward, mostró su potente voz en What Do You Do y su habilidad interpretativa con el viento en temas como Giant Steps y Autumn Leaves.

La música es más que un medio de vida para Moody, hasta el punto de que partes de Sweet and Lovely, dedicada a su esposa Linda, ocuparon un lugar destacado en la ceremonia de boda del saxofonista el 3 de abril de 1989. Además de participar en el álbum, Gillespie fue el padrino de boda de su viejo amigo. Los novios caminaron hacia el altar al son del solo de Gillespie en Con Alma, y todos salieron de la iglesia al ritmo de Melancholy Baby. Como primer acto de matrimonio, Linda y James Moody tomaron la comunión acompañados por la grabación del novio de Sweet and Lovely. En 1990, Moody y Gillespie recibieron una nominación a los premios Grammy por su interpretación de Get the Booty, de Gillespie, que muestra lo mejor del scatting. Moody devuelve el saxo soprano a su arsenal de viento-madera en Honey, su apodo para su mujer, Linda, y la última grabación de Moody para (RCA/NOVUS).

El 26 de marzo de 1995, Moody recibió la sorpresa de su vida con una fiesta de cumpleaños en Nueva York. Fue una velada de importancia histórica para el jazz, con muchas estrellas invitadas y Bill Cosby como maestro de ceremonias. Puede escucharse en la grabación de Telarc, Moody's Party- James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

En 1995, Moody (Warner Bros.) publicó Young at Heart, un homenaje a las canciones asociadas a Frank Sinatra. Con orquesta y cuerdas, muchos opinan que es una de las grabaciones más bellas de James Moody.

La última grabación de Moody para Warner Bros. es Moody Plays Mancini, que muestra a Moody con todos sus instrumentos de viento y flauta. Un homenaje al icono americano Henry Mancini.

El lanzamiento en 2004 de Homage por parte de Moody en el sello Savoy ha sido un gran motivo de celebración. Su primer álbum de estudio en 6 años, Homage, es un tributo a Moody con nuevas melodías escritas especialmente para él por Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine y Marc Copland. Bob Belden ha producido el proyecto.

Ya toque la soprano, el alto, el tenor o la flauta, Moody lo hace con profunda resonancia e ingenio. Moody siente un gran respeto por la tradición, pero le encanta descubrir nuevos caminos musicales, lo que le convierte en una de las figuras más expresivas y duraderas del jazz moderno actual. En palabras de Peter Watrous, del New York Times: "Como explorador musical, intérprete, colaborador y compositor, ha hecho una contribución indeleble al auge de la música estadounidense como fuerza musical dominante del siglo XX".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody/



John Lee Hooker • The Very Best Of John Lee Hooker

 


Biography
Born near Clarksdale, Mississippi to a sharecropping family, John Lee Hooker's earliest musical influence came from his stepfather, Will Moore. By the early 1940's Hooker had moved north to Detroit by way of Memphis and Cincinnati. Hooker found work as a janitor in the auto factories, and at night, like many other transplants from the rural Delta, he entertained friends and neighbors by playing at “house parties”. He was “discovered” by record storeowner Elmer Barbee who took him to Bernard Besman, who was a producer, record distributor and owner of Sensation Records, Besman leased some of his early Hooker recordings to Modern Records. Among Hooker's first recordings in 1948, “Boogie Chillen” became a number one jukebox hit for Modern and his first million seller. This was soon followed by an even bigger hit with “I'm In The Mood” and other classic recordings including “Crawling Kingsnake” and “Hobo Blues.” Another surge in his career took place with the release of more than 100 songs on Vee Jay Records during the 1950's and 1960's.

When the young bohemian audiences of the 1960's “discovered” Hooker along with other blues originators, he and various he and others made a brief return to folk blues. Young British artist such as the Animals, John Mayall, and the Yardbirds introduced Hooker's sound to the new and eager audiences whose admiration and influence helped build Hooker to superstar status in the mid - 60's England. By 1970 he had moved to California and worked on several projects with rock musicians, notably Van Morrison and Canned Heat. Canned Heat modeled their sound after Hooker's boggie and collaborated with him on several albums and tours.

During the late 1970's and much of the 1980's, Hooker toured the U.S. and Europe steadily but grew disenchanted with recording, through his appearance in the Blues Brothers movie resulted in a heightened profile. Then, in 1989, The Healer was released to critical acclaim and sales in excess of a million copies. Today the “The King Of The Boggie” is enjoying the most successful period of his extensive career. In the past ten years Hooker's influence has contributed to a booming interest in the blues and, notably, its acceptance by the music industry as a commercially viable entity.

Hooker's career has been a series a highlights and special events since the release of The Healer. In addition to recording his on albums Mr. Lucky, Boom Boom, Chill Out, and Don't Look Back for Pointblank / Virgin, he contributed to recordings by B.B. King, Branford Marsalis, Van Morrison, and Big Head Todd and the Monsters and portrayed the title role in Pete Townshend's 1989 epic, The Iron Man.

His influence on younger generations has been documented on television with features on Showtime and a special edition of the BBC's 'Late Show' as well as appearances on “The Tonight Show” and “Late Night With David Letterman” among many others. John Lee was invited to perform The Rolling Stones and guest Eric Clapton for their national television broadcast during The Stones' 1989 Steel Wheels tour. In 1990, many musical greats paid tribute to John Lee Hooker with a performance at Madison Square Garden. Joining him on some or all of these special occasions were artists such as Bonnie Raitt, Ry Cooder, Joe Cocker, Huey Newton, Carlos Santana, Robert Clay, Mick Fleetwood, Al Cooper, Johnny Winter, John Hammond, and the late Albert Collins and Willie Dixon.

Hooker's 1991 induction into the Rock n' Roll Hall Of Fame was fitting for the man who has influenced countless fans and musicians who have in turn influenced many more. Honors continued, with inductions into Los Angeles' Rock Walk, The Bammies Walk Of Fame in San Francisco, and, in 1997, a star in the Hollywood Walk Of Fame.

John Lee's style was always unique, even among other performers of the real deep blues, few of whom remain with us today. At the age of 80, John Lee Hooker received his third and fourth Grammy Awards, for Best Traditional Blues Recording “Don't Look Back” and for Best Pop Collaboration for the song “Don't Look Back” which Hooker recorded with his long time friend Van Morrison. This friendship and others are celebrated on Hooker's Pointblank / Virgin album, “The Best Of Friends.” The album also celebrated a return, exactly 50 years later, to Hooker's first hit, Boogie Chillen and served as a perfect bookend for Hooker's fifty years in the business.

The Boogie Man passed on June 21, 2001.
https://musicians.allaboutjazz.com/johnleehooker

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Biografía
Nacido cerca de Clarksdale, Mississippi, en el seno de una familia de aparceros, la primera influencia musical de John Lee Hooker vino de su padrastro, Will Moore. A principios de los años 40, Hooker se había trasladado al norte, a Detroit, pasando por Memphis y Cincinnati. Hooker encontró trabajo como conserje en las fábricas de automóviles, y por la noche, como muchos otros transplantes del Delta rural, entretenía a amigos y vecinos tocando en "fiestas en casa". Fue "descubierto" por el dueño de la tienda de discos Elmer Barbee, quien lo llevó a Bernard Besman, quien era productor, distribuidor de discos y dueño de Sensation Records, Besman alquiló algunas de sus primeras grabaciones de Hooker a Modern Records. Entre las primeras grabaciones de Hooker en 1948, "Boogie Chillen" se convirtió en el éxito número uno de la rocola de Modern y en su primer millón de ventas. A esto le siguió un éxito aún mayor con "I'm In The Mood" y otras grabaciones clásicas como "Crawling Kingsnake" y "Hobo Blues". Otra oleada en su carrera tuvo lugar con el lanzamiento de más de 100 canciones en Vee Jay Records durante los años 50 y 60.

Cuando el joven público bohemio de los 60 "descubrió" a Hooker junto con otros creadores de blues, él y varios otros hicieron un breve retorno al blues folk. Jóvenes artistas británicos como los Animals, John Mayall y los Yardbirds introdujeron el sonido de Hooker a las nuevas y ansiosas audiencias cuya admiración e influencia ayudaron a llevar a Hooker al estatus de superestrella a mediados de los 60 en Inglaterra. Para 1970 se había mudado a California y trabajó en varios proyectos con músicos de rock, especialmente Van Morrison y Canned Heat. Canned Heat modeló su sonido a partir del boggie de Hooker y colaboró con él en varios álbumes y giras.

A finales de los 70 y gran parte de los 80, Hooker realizó giras por los Estados Unidos y Europa de forma constante, pero se desilusionó con la grabación, ya que su aparición en la película de los Blues Brothers le dio un gran protagonismo. Luego, en 1989, The Healer se estrenó con gran éxito de crítica y ventas superiores al millón de copias. Hoy en día el "Rey del Boggie" está disfrutando del período más exitoso de su extensa carrera. En los últimos diez años, la influencia de Hooker ha contribuido a un creciente interés por el blues y, en particular, a su aceptación por la industria musical como una entidad comercialmente viable.

La carrera de Hooker ha sido una serie de acontecimientos destacados y especiales desde el lanzamiento de The Healer. Además de grabar sus álbumes Mr. Lucky, Boom Boom, Chill Out, y Don't Look Back for Pointblank / Virgin, contribuyó a las grabaciones de B.B. King, Branford Marsalis, Van Morrison, y Big Head Todd and the Monsters y representó el papel principal en la epopeya de 1989 de Pete Townshend, The Iron Man.

Su influencia en las generaciones más jóvenes ha sido documentada en la televisión con reportajes en Showtime y una edición especial del "Late Show" de la BBC, así como apariciones en "The Tonight Show" y "Late Night With David Letterman" entre muchos otros. John Lee fue invitado a interpretar a los Rolling Stones e invitado a Eric Clapton para su emisión en la televisión nacional durante la gira de los Steel Wheels de los Stones en 1989. En 1990, muchos grandes de la música rindieron homenaje a John Lee Hooker con una actuación en el Madison Square Garden. Junto a él en algunas o todas estas ocasiones especiales se encontraban artistas como Bonnie Raitt, Ry Cooder, Joe Cocker, Huey Newton, Carlos Santana, Robert Clay, Mick Fleetwood, Al Cooper, Johnny Winter, John Hammond, y los ya fallecidos Albert Collins y Willie Dixon.

La entrada de Hooker en el Salón de la Fama del Rock n' Roll en 1991 fue adecuada para el hombre que ha influido en innumerables fans y músicos que a su vez han influido en muchos más. Los honores continuaron, con las inducciones en el Rock Walk de Los Ángeles, el Walk Of Fame de los Bammies en San Francisco y, en 1997, una estrella en el Walk Of Fame de Hollywood.

El estilo de John Lee siempre fue único, incluso entre otros intérpretes del verdadero blues profundo, pocos de los cuales permanecen con nosotros hoy en día. A la edad de 80 años, John Lee Hooker recibió su tercer y cuarto premio Grammy, por la mejor grabación de blues tradicional "Don't Look Back" y por la mejor colaboración pop por la canción "Don't Look Back" que Hooker grabó con su viejo amigo Van Morrison. Esta amistad y otras se celebran en el álbum Pointblank / Virgin de Hooker, "The Best Of Friends". El álbum también celebraba el regreso, exactamente 50 años después, del primer éxito de Hooker, Boogie Chillen, y sirvió como un perfecto reposalibros para los 50 años de Hooker en el negocio.

The Boogie Man falleció el 21 de junio de 2001.
https://musicians.allaboutjazz.com/johnleehooker 



Insect Surfers • Death Valley Coastline

 



Insect Surfers were originally formed in the summer of 1979 in Washington, D.C. Touring the U.S. extensively, they also released several independent lp's and singles that placed as high as #25 on the national college radio charts.

Founding member David Arnson regrouped the band after moving to Los Angeles in 1985 with guitarist/sax player Dan "Dano" Sullivan. They have since been featured on bills with such artists as Chris Isaak, B-52's, Jonathan Richman, Pylon, The Ventures, Dick Dale, Surfaris, etc. Before 1986, the INSECT SURFERS also played on the same stages as Iggy Pop, The Stranglers, Psychedelic Furs, Joan Jett, Echo and the Bunnymen, Revillos, etc.
https://www.discogs.com/artist/500581-Insect-Surfers

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Insect Surfers se formó originalmente en el verano de 1979 en Washington, D.C. Realizaron numerosas giras por Estados Unidos y publicaron varios LP independientes y singles que alcanzaron el puesto 25 en las listas de radio universitarias nacionales.

El miembro fundador David Arnson reagrupó la banda tras mudarse a Los Ángeles en 1985 con el guitarrista y saxofonista Dan "Dano" Sullivan. Desde entonces han actuado con artistas como Chris Isaak, B-52's, Jonathan Richman, Pylon, The Ventures, Dick Dale, Surfaris, etc. Antes de 1986, los INSECT SURFERS también tocaron en los mismos escenarios que Iggy Pop, The Stranglers, Psychedelic Furs, Joan Jett, Echo and the Bunnymen, Revillos, etc.
https://www.discogs.com/artist/500581-Insect-Surfers

 



https://www.insectsurfers.com/


Gene Ammons • In Sweden

 



Artist Biography
Gene Ammons, who had a huge and immediately recognizable tone on tenor, was a very flexible player who could play bebop with the best (always battling his friend Sonny Stitt to a tie) yet was an influence on the R&B world. Some of his ballad renditions became hits and, despite two unfortunate interruptions in his career, Ammons remained a popular attraction for 25 years.
Son of the great boogie-woogie pianist Albert Ammons, Gene Ammons (who was nicknamed "Jug") left Chicago at age 18 to work with King Kolax's band. He originally came to fame as a key soloist with Billy Eckstine's orchestra during 1944-1947, trading off with Dexter Gordon on the famous Eckstine record Blowing the Blues Away. Other than a notable stint with Woody Herman's Third Herd in 1949 and an attempt at co-leading a two tenor group in the early '50s with Sonny Stitt, Ammons worked as a single throughout his career, recording frequently (most notably for Prestige) in settings ranging from quartets and organ combos to all-star jam sessions. Drug problems kept him in prison during much of 1958-1960 and, due to a particularly stiff sentence, 1962-1969. When Ammons returned to the scene in 1969, he opened up his style a bit, including some of the emotional cries of the avant-garde while utilizing funky rhythm sections, but he was still able to battle Sonny Stitt on his own terms. Ironically the last song that he ever recorded (just a short time before he was diagnosed with terminal cancer) was "Goodbye."

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Biografía del artista
Gene Ammons, que tenía un tono enorme e inmediatamente reconocible en el tenor, era un jugador muy flexible que podía tocar el bebop con los mejores (siempre luchando contra su amigo Sonny Stitt con un empate) y, sin embargo, era una influencia en el mundo del R&B. Algunas de sus interpretaciones de baladas se convirtieron en éxitos y, a pesar de dos desafortunadas interrupciones en su carrera, Ammons siguió siendo una atracción popular durante 25 años.
Hijo del gran pianista de boogie-woogie Albert Ammons, Gene Ammons (apodado "Jug") dejó Chicago a los 18 años para trabajar con la banda de King Kolax. Originalmente llegó a la fama como solista clave con la orquesta de Billy Eckstine durante 1944-1947, intercambiando con Dexter Gordon en el famoso disco de Eckstine Blowing the Blues Away. Aparte de una notable temporada con Woody Herman's Third Herd en 1949 y un intento de co-liderar un grupo de dos tenor a principios de los'50 con Sonny Stitt, Ammons trabajó como single a lo largo de su carrera, grabando frecuentemente (más notablemente para Prestige) en escenarios que iban desde cuartetos y combos de órgano hasta jam sessions de estrellas. Los problemas de drogas lo mantuvieron en prisión durante gran parte de 1958-1960 y, debido a una sentencia particularmente dura, de 1962-1969. Cuando Ammons regresó a la escena en 1969, abrió un poco su estilo, incluyendo algunos de los gritos emocionales de la vanguardia mientras utilizaba secciones rítmicas funky, pero aún así fue capaz de luchar contra Sonny Stitt en sus propios términos. Irónicamente, la última canción que grabó (poco antes de que le diagnosticaran un cáncer terminal) fue "Goodbye".
 


Ferrante & Teicher • Dynamic Twin Pianos

 


Artist Biography

Piano duo Ferrante & Teicher were one of the best-selling easy listening acts of the '60s, offering light arrangements of easily recognizable classical pieces, movie soundtrack themes, show tunes, and similarly compatible fare. Arthur Ferrante (born September 7, 1921, New York City) and Louis Teicher (born August 24, 1924, Wilkes-Barre, PA.) met while attending the prestigious Juilliard School of Music; both were child prodigies, and they struck up a fast friendship, performing together as a duo even while they were still in school. After graduating as piano majors, they both joined the Juilliard faculty, while developing a distinctive style of their own during their free time. In 1947, they became a full-time concert act, at first playing nightclubs, then quickly moving up to classical music with orchestral backing. A switch to popular songs and standards by the likes of Kern, Porter, Gershwin, and Rodgers made them mainstays in the pops-orchestra field.

While they were enjoying success on the concert circuit, Ferrante & Teicher had been experimenting with treated pianos, influenced -- oddly enough -- by the ideas of avant-garde composer John Cage. By adding paper, sticks, rubber, wood blocks, metal bars, chains, glass, mallets, and other found objects to the string beds (among other techniques), the duo was able to produce a variety of bizarre sound effects that sometimes resembled percussion instruments, and other times produced a spacy, almost electronic sound (before such a tone even existed). In the latter half of the '50s, they recorded several albums in this vein for Westminster (most notably 1956's Soundproof and Soundblast) and ABC-Paramount (including 1958's Blast Off!). The results were highly unique and quite different from their later work, appealing more to hi-fi enthusiasts and space-age pop fans.

In 1960, Ferrante & Teicher signed with United Artists, where they quickly began to tailor their sound to a more mainstream audience. Many of their subsequent albums featured orchestras conducted by Nick Perito, and their brand of instrumental pop caught on very quickly. They landed a Top Ten pop hit later in 1960 with "Theme From 'The Apartment'," and followed it with their biggest hit, an arrangement of Ernest Gold's epic movie theme "Exodus," which climbed to number two and inspired a popular jazz version by saxophonist Eddie Harris. 1961 brought another pop Top Ten with the West Side Story song "Tonight," which was featured on their highest-charting LP, the number ten West Side Story and Other Motion Picture & Broadway Favorites. A flood of Ferrante & Teicher albums followed over the course of the '60s, with around 30 of them reaching the pop charts up through 1972. They maintained a heavy touring schedule, playing over 100 concerts a year at the height of their popularity. They also managed one final Top Ten single in 1970 with their movie-theme cover "Midnight Cowboy"; the accompanying album of the same name found them experimenting a bit with strange guitar effects.

Ferrante & Teicher's voluminous recording pace tailed off during the '70s, although they did continue to put out albums on a regular basis. In 1979, they left United Artists to form their own label, and in 1989, they left the concert circuit for good, retiring to Sarasota, FL. The lounge/exotica revival of the '90s helped renew interest in their experimental early recordings, and in 2001 led to the first-ever issue of Denizens of the Deep, a set of treated-piano instrumentals meant to evoke sea creatures that constituted their first recorded work. Dating from 1950, it had been scrapped in favor of an extensive concert tour; for the release, Ferrante & Teicher added a few simple embellishments to the archival recordings that completed their original concept for the pieces.

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 Biografía del artista
El dúo de pianos Ferrante & Teicher fue uno de los más vendidos en los años 60, ofreciendo arreglos ligeros de piezas clásicas fácilmente reconocibles, temas de bandas sonoras de películas, melodías de espectáculos y tarifas igualmente compatibles. Arthur Ferrante (nacido el 7 de septiembre de 1921, en la ciudad de Nueva York) y Louis Teicher (nacido el 24 de agosto de 1924, en Wilkes-Barre, PA.) se conocieron mientras asistían a la prestigiosa Juilliard School of Music; ambos eran niños prodigio, y entablaron una rápida amistad, actuando juntos como dúo incluso cuando todavía estaban en la escuela. Después de graduarse como pianistas, ambos se unieron a la facultad de Juilliard, mientras desarrollaban un estilo propio distintivo en su tiempo libre. En 1947, se convirtieron en un acto de concierto a tiempo completo, al principio tocando en clubes nocturnos, y luego pasando rápidamente a la música clásica con respaldo orquestal. El cambio a canciones populares y estándares de Kern, Porter, Gershwin y Rodgers los convirtió en pilares de la orquesta pop.

Mientras disfrutaban del éxito en el circuito de conciertos, Ferrante & Teicher habían estado experimentando con pianos tratados, influenciados -- curiosamente -- por las ideas del compositor de vanguardia John Cage. Añadiendo papel, palos, goma, bloques de madera, barras de metal, cadenas, vidrio, mazos y otros objetos encontrados a las camas de cuerdas (entre otras técnicas), el dúo fue capaz de producir una variedad de extraños efectos de sonido que a veces se asemejaban a los instrumentos de percusión, y otras veces producían un sonido espaciado, casi electrónico (antes de que tal tono siquiera existiera). En la segunda mitad de los años 50, grabaron varios álbumes en esta línea para Westminster (entre los que destacan Soundproof y Soundblast de 1956) y ABC-Paramount (incluyendo Blast Off! de 1958). Los resultados fueron muy singulares y bastante diferentes de sus trabajos posteriores, atrayendo más a los entusiastas de la alta fidelidad y a los fans del pop de la era espacial.

En 1960, Ferrante & Teicher firmaron con United Artists, donde rápidamente comenzaron a adaptar su sonido a un público más amplio. Muchos de sus álbumes posteriores contaron con orquestas dirigidas por Nick Perito, y su marca de pop instrumental se impuso muy rápidamente. Consiguieron un éxito pop en el Top Ten a finales de 1960 con "The Theme From 'The Apartment'", y lo siguieron con su mayor éxito, un arreglo del tema de la película épica de Ernest Gold "Exodus", que subió al número dos e inspiró una versión popular de jazz del saxofonista Eddie Harris. 1961 trajo otro Top Ten pop con el tema de West Side Story "Tonight", que fue presentado en su LP más importante, el número diez de West Side Story y Other Motion Picture & Broadway Favorites. Una avalancha de álbumes de Ferrante & Teicher siguieron en el curso de los años 60, con alrededor de 30 de ellos alcanzando las listas de pop hasta 1972. Mantuvieron una intensa agenda de giras, tocando más de 100 conciertos al año en la cima de su popularidad. También lograron un último single en el Top Ten en 1970 con su portada temática de película "Midnight Cowboy"; el álbum de acompañamiento del mismo nombre los encontró experimentando un poco con extraños efectos de guitarra.

El voluminoso ritmo de grabación de Ferrante & Teicher se redujo durante los años 70, aunque siguieron publicando discos con regularidad. En 1979, dejaron United Artists para formar su propio sello, y en 1989, dejaron el circuito de conciertos para siempre, retirándose a Sarasota, FL. El resurgimiento de la música lounge/exótica de los años 90 ayudó a renovar el interés por sus primeras grabaciones experimentales, y en el 2001 dio lugar a la primera edición de Denizens of the Deep, un conjunto de instrumentos de piano tratados para evocar criaturas marinas que constituyeron su primer trabajo discográfico. Fechada en 1950, había sido desechada en favor de una extensa gira de conciertos; para el lanzamiento, Ferrante & Teicher añadieron algunos adornos sencillos a las grabaciones de archivo que completaron su concepto original para las piezas.