Tuesday, May 31, 2022
Larry Goldings & Bob Ward • Vоdoo Dogs
By GLENN ASTARITA
June 1, 2000
Larry Goldings & Bob Ward: Voodoo Dogs
Voodoo Dogs is the brainchild of keyboardist Larry Goldings, and established session guitarist, multi-instrumentalist Bob Ward as vibraphonist Joe Locke, saxophonist Tim Ries, drummer Billy Drummond and others lend their distinguished talents to this upbeat affair. And while some might be a bit aghast with this overtly ' radio friendly track mix consisting of 4-5 minute tunes that skirt the edges of jazz/funk, ambient-dub and trance groove genres, the band effectively and quite artfully conveys a party-hearty and altogether vivacious atmosphere. Not a bad thing mind you, however fans of Larry Goldings' might wonder if he has succumbed to commercialism or is just broadening his horizons here.....
Pieces such as 'Keep A Thing Happening' and 'People Unite' are brimming with trance groove rhythms, - voodoo samples ' (Indian Diva vocals, mystical flutes), cool, breezy guitar work by Ward and tasty piano/synth work by Goldings. Throughout, the band melds ' Bill Laswell-style ambient dub beats with subtle EFX and funk/jazz rhythms yet many of these pieces boast affable melodies and catchy hooks upheld by a sharp production and clever arrangements. Vibraphonist Joe Locke executes some soul drenched lines along with saxophonist Tim Ries on the electro-acoustic jazz funk number titled, 'You Dig' as Ward handles the keys, bass, guitars and samples. In some areas, the overall presentation might spark memories of Herbie Hancock's original 'Headhunters' yet the overall mix bespeaks a contemporary vibe. Needless to state these folks were having a blast during the process and it shows!
While not a glowing artistic achievement, Voodoo Dogs is a balanced set performed with tenacity and wit as Larry Goldings adds another well-versed chapter to his blossoming repertoire. And along with Bob Ward's studio savvy and multifaceted musical skills, this rather polished yet relatively ' happening ' set, should (in the proverbial sense) cast a spell over you or at the very least ' liven your spirits as blushing innocence counters forthright genre hopping!
https://www.allaboutjazz.com/voodoo-dogs-larry-goldings-palmetto-records-review-by-glenn-astarita.php
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Por GLENN ASTARITA
1 de junio de 2000
Larry Goldings y Bob Ward: Perros vudú
Voodoo Dogs es la creación del tecladista Larry Goldings, y el guitarrista de sesión establecido, el multi-instrumentista Bob Ward como el vibrafonista Joe Locke, el saxofonista Tim Ries, el baterista Billy Drummond y otros prestan sus distinguidos talentos a este alegre asunto. Y mientras algunos pueden estar un poco horrorizados con esta mezcla de temas abiertamente amigables con la radio que consiste en melodías de 4-5 minutos que bordean los bordes de los géneros de jazz/funk, ambient-dub y trance groove, la banda transmite efectiva y artísticamente una atmósfera festiva y totalmente vivaz. No es algo malo, pero los fans de Larry Goldings se preguntarán si ha sucumbido al comercialismo o si está ampliando sus horizontes aquí......
Piezas como'Keep A Thing Happening' y'People Unite' están repletas de ritmos de trance, - muestras de vudú (voces de la Diva india, flautas místicas), trabajos de guitarra frescos y frescos de Ward y sabrosos trabajos de piano y sintetizadores de Goldings. A lo largo de la banda se mezclan los ritmos ambient dub al estilo de Bill Laswell con sutiles ritmos EFX y funk/jazz, aunque muchas de estas piezas cuentan con melodías afables y ganchos pegadizos sostenidos por una producción nítida y arreglos ingeniosos. El vibrafonista Joe Locke ejecuta algunas líneas empapadas de soul junto con el saxofonista Tim Ries en el número de jazz funk electroacústico titulado,'You Dig' mientras Ward maneja las llaves, el bajo, las guitarras y las muestras. En algunas áreas, la presentación general podría provocar recuerdos de los'Headhunters' originales de Herbie Hancock, sin embargo, la mezcla general habla de una vibración contemporánea. No hace falta decir que esta gente se estaba divirtiendo mucho durante el proceso y se nota!
Aunque no es un logro artístico brillante, Voodoo Dogs es un conjunto equilibrado interpretado con tenacidad e ingenio, ya que Larry Goldings añade otro capítulo bien versado a su floreciente repertorio. Y junto con las habilidades musicales de Bob Ward de estudio inteligente y multifacético, este más bien pulido pero relativamente ''sucediendo'', debería (en el sentido proverbial) lanzar un hechizo sobre ti o al menos ' animar tus espíritus mientras la inocencia ruborizada contesta el saltito de género directo!
https://www.allaboutjazz.com/voodoo-dogs-larry-goldings-palmetto-records-review-by-glenn-astarita.php
Monty Alexander • Echoes of Jilly's
Review by Scott Yanow
From 1963-1967, pianist Monty Alexander played regularly at Jilly's in New York City, a popular hangout where Frank Sinatra would occasionally drop in and, on very rare occasions, sing a song or two. This trio set with bassist John Patitucci and drummer Troy Davis gives Alexander an opportunity to pay tribute to both Jilly's and Sinatra. Performing 13 of the many hundreds of songs associated with the singer, Alexander plays melodic and swinging versions of such tunes as "I've Got You Under My Skin," "Just One of Those Things," "Fly Me to the Moon," "Come Fly with Me," and "Here's That Rainy Day," among others. The songs are mostly pretty familiar, and Alexander does not stretch himself all that much (the only real departure is his haunting unaccompanied melodica solo on "Strangers in the Night"), but his renditions are quite enjoyable and accessible.
Artist Biography by Matt Collar
Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.
In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.
In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.
The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.
In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography
Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.
In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.
In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.
The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.
In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography
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Reseña de Scott Yanow
De 1963 a 1967, el pianista Monty Alexander tocaba regularmente en Jilly's en la ciudad de Nueva York, un lugar popular donde Frank Sinatra ocasionalmente venía y, en muy raras ocasiones, cantaba una o dos canciones. Este trío con el bajista John Patitucci y el baterista Troy Davis le da a Alexander la oportunidad de rendir homenaje tanto a Jilly's como a Sinatra. Interpretando 13 de los cientos de canciones asociadas con el cantante, Alexander toca versiones melódicas y swingers de temas como "I've Got You Under My Skin", "Just One of Those Things", "Fly Me to the Moon", "Come Fly with Me" y "Here's That Rainy Day", entre otros. La mayoría de las canciones son bastante familiares, y Alexander no se estira mucho (la única salida real es su inquietante solo de melódica no acompañado en "Strangers in the Night"), pero sus interpretaciones son bastante agradables y accesibles.
De 1963 a 1967, el pianista Monty Alexander tocaba regularmente en Jilly's en la ciudad de Nueva York, un lugar popular donde Frank Sinatra ocasionalmente venía y, en muy raras ocasiones, cantaba una o dos canciones. Este trío con el bajista John Patitucci y el baterista Troy Davis le da a Alexander la oportunidad de rendir homenaje tanto a Jilly's como a Sinatra. Interpretando 13 de los cientos de canciones asociadas con el cantante, Alexander toca versiones melódicas y swingers de temas como "I've Got You Under My Skin", "Just One of Those Things", "Fly Me to the Moon", "Come Fly with Me" y "Here's That Rainy Day", entre otros. La mayoría de las canciones son bastante familiares, y Alexander no se estira mucho (la única salida real es su inquietante solo de melódica no acompañado en "Strangers in the Night"), pero sus interpretaciones son bastante agradables y accesibles.
Biografía del artista por Matt Collar
El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.
En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".
En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.
Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.
En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography
El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.
En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".
En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.
Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.
En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography
Monday, May 30, 2022
Jimmy Smith • In Hamburg Live! 65
Recorded in Hamburg, Germany. Jimmy Smith with a trio as part of a European tour in 1965. Latter-day sessions, Smith still plays torrid organ.
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Grabado en Hamburgo, Alemania. Jimmy Smith con un trío como parte de una gira europea en 1965. En las sesiones de los últimos días, Smith todavía toca un órgano tórrido.
Django Reinhardt • Die andere Saite
by Joseph Dinkins
Django Reinhardt has astounded and thrilled numerous generations of guitar players and jazz lovers with his amazing command of the guitar. January 24th, 1910 at Liberchies Belgium, Django was born into the open air, rambling lifestyle of his gypsy parents. At the age of eight, his mother's tribe settled near the belt of fortifications that surrounded the old Paris, near the Choisy gate. He never wore a suit or lived in a real house until he was twenty years old. These French Gypsies or Manouches were a world unto themselves, medieval in their beliefs, and distrustful of modern science. Django grew up in this world of contradictions, one foot in the bustling big city of Paris and the other in the age-old life of the nomadic gypsy. Though born into poverty Django had the soul of a nobleman and this natural elegance of bearing and attitude expressed itself in his music.
It was at an early age Django became attracted to music. When twelve years old he received his first instrument, a banjo/guitar that was given to him by a neighbor who had noticed his keen interest in music. He quickly learned to play, mimicking the fingerings of musicians he watched. He was soon astounding adults with his ability on the guitar, and before he was thirteen he began his musical career playing with popular accordionist Guerino at a dance hall on the Rue Monge. He went on to play with numerous other bands and musicians and made his first recordings with accordionist Jean Vaissade for the Ideal Company. Since Django could not read or write at the time "Jiango Renard" was how his name appeared on these records.
On November 2nd, 1928 an event took place that would forever change Django's life. At one o'clock in the morning the 18 year old Django returned from a night of playing music at a new club "La Java" to the caravan that was now the home of himself and his new wife. The caravan was filled with celluloid flowers his wife had made to sell at the market on the following day. Django upon hearing what he thought was a mouse among the flowers bent down with a candle to look. The wick from the candle fell into the highly flammable celluloid flowers and the caravan was almost instantly transformed into a raging inferno. Django wrapped himself in a blanket to shield him from the flames. Somehow he and his wife made it across the blazing room to safety outside, but his left hand, and his right side from knee to waist were badly burned.
Initially doctors wanted to amputate his leg but Django refused. He was moved to a nursing home where the care was so good his leg was saved. Django was bedridden for eighteen months. During this time he was given a guitar, and with great determination Django created a whole new fingering system built around the two fingers on his left hand that had full mobility. His fourth and fifth digits of the left hand were permanently curled towards the palm due to the tendons shrinking from the heat of the fire. He could use them on the first two strings of the guitar for chords and octaves but complete extension of these fingers was impossible. His soloing was all done with the index and middle fingers! Film clips of Django show his technique to be graceful and precise, almost defying belief.
Django was influenced by jazz recordings of Eddie Lang and Joe Venuti, Louis Armstrong and Duke Ellington. This new music found a place deep in Django's heart. It provided the perfect vehicle for his prodigious talent for improvisation. Django rarely if ever played a solo the same way twice. Numerous recordings prove this to be true. His creative genius was not only that of the master improviser, but also that of the composer, and he can be credited with numerous pieces with beautiful melodies and sophisticated, subtle harmonic structures. However, Django could not read or write musical notation and he was at the mercy of others that could to get his ideas down on paper.
1934 proved to be the most important year of his life. The Quintet of the Hot Club of France was born! As the fates would have it, the Quintet was formed by a chance meeting of Django and Stéphane Grappelli. A band of fourteen musicians including Django, Stéphane, Roger Chaput, and Louis Vola were commissioned to play at the Hotel Cambridge at teatime. During intermission Django would find a corner backstage and play his guitar. One day Stéphane joined in and both were so pleased with the exchange they went on to play together more and more frequently joined by Roger Chaput (guitar), Louis Vola (bass), and eventually Django's brother Joseph (guitar). A small record company Ultraphone recorded their first sides Dinah, Tiger Rag, Oh Lady be Good, and I Saw Stars. These first records caused a sensation! The Quintet went on to record hundreds of sides and had a following on both sides of the ocean.
1939 found the Quintet touring in England when the war broke out. Django returned to Paris while Stéphane remained in England. Django played and recorded throughout the war years substituting Hubert Rostaing's clarinet for Stephen's violin. He somehow avoided the fate of many of his kinfolk who went to their deaths in the Nazi concentration camps. After the war he was rejoined by Stéphane and they again played and recorded. He toured briefly with Duke Ellington in America and returned to Paris where he continued his career until 1951 when he retired to the small village of Samois sur Seine.
On May 16th 1953 Django suffered a massive brain hemorrhage and died, leaving behind his wife Sophie and son Babik. His music remains as vital and exciting today as it was when he lived, a legacy of joy to all future generations that rediscover the genius of the Belgian gypsy Django Reinhardt.
http://www.redhotjazz.com/django.html
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por Joseph Dinkins
Django Reinhardt ha asombrado y emocionado a numerosas generaciones de guitarristas y amantes del jazz con su increíble dominio de la guitarra. El 24 de enero de 1910 en Liberchies Belgium, Django nació al aire libre, en el estilo de vida de sus padres gitanos. A la edad de ocho años, la tribu de su madre se estableció cerca del cinturón de fortificaciones que rodeaba el viejo París, cerca de la puerta de Choisy. Nunca usó un traje ni vivió en una casa de verdad hasta que cumplió veinte años. Estos gitanos o manuches franceses eran un mundo en sí mismos, de creencias medievales y desconfiados de la ciencia moderna. Django creció en este mundo de contradicciones, un pie en la bulliciosa gran ciudad de París y el otro en la vida milenaria de los gitanos nómadas. Aunque nació en la pobreza, Django tenía el alma de un noble y esta elegancia natural de porte y actitud se expresaba en su música.
Fue a una edad temprana cuando Django se sintió atraído por la música. A los doce años recibió su primer instrumento, un banjo/guitarra que le regaló un vecino que había notado su gran interés por la música. Rápidamente aprendió a tocar, imitando las digitaciones de los músicos que veía. Pronto se convirtió en un adulto asombroso por su habilidad con la guitarra, y antes de cumplir los trece años comenzó su carrera musical tocando con el popular acordeonista Guerino en un salón de baile de la Rue Monge. A continuación, tocó con muchos otros grupos y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Compañía Ideal. Como Django no sabía leer ni escribir en ese momento, "Jiango Renard" era la forma en que su nombre aparecía en estos registros.
El 2 de noviembre de 1928 tuvo lugar un evento que cambiaría para siempre la vida de Django. A la una de la mañana, Django, de 18 años, regresó de una noche de música en un nuevo club "La Java" a la caravana que ahora era su casa y la de su nueva esposa. La caravana estaba llena de flores de celuloide que su esposa había hecho para vender en el mercado al día siguiente. Django al escuchar lo que él pensaba que era un ratón entre las flores se inclinó con una vela para mirar. La mecha de la vela cayó en las flores de celuloide altamente inflamables y la caravana se transformó casi instantáneamente en un furioso infierno. Django se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. De alguna manera, él y su esposa lograron cruzar la habitación ardiente para estar a salvo afuera, pero su mano izquierda y su lado derecho desde la rodilla hasta la cintura estaban gravemente quemados.
Inicialmente los médicos querían amputarle la pierna, pero Django se negó. Fue trasladado a un hogar de ancianos donde los cuidados fueron tan buenos que su pierna se salvó. Django estuvo en cama durante dieciocho meses. Durante este tiempo se le dio una guitarra, y con gran determinación Django creó todo un nuevo sistema de digitación construido alrededor de los dos dedos de su mano izquierda que tenían total movilidad. Su cuarto y quinto dígitos de la mano izquierda estaban permanentemente curvados hacia la palma debido a que los tendones se encogían por el calor del fuego. Podía usarlos en las dos primeras cuerdas de la guitarra para acordes y octavas, pero la extensión completa de estos dedos era imposible. Su solo fue todo hecho con los dedos índice y medio! Películas de Django muestran su técnica para ser grácil y preciso, casi increíble.
Django fue influenciado por las grabaciones de jazz de Eddie Lang y Joe Venuti, Louis Armstrong y Duke Ellington. Esta nueva música encontró un lugar en el corazón de Django. Proporcionó el vehículo perfecto para su prodigioso talento para la improvisación. Django rara vez o nunca tocó un solo de la misma manera dos veces. Numerosas grabaciones demuestran que esto es cierto. Su genio creativo no era sólo el del maestro improvisador, sino también el del compositor, y se le pueden atribuir numerosas piezas con bellas melodías y estructuras armónicas sofisticadas y sutiles. Sin embargo, Django no sabía leer ni escribir notación musical y estaba a merced de otros que podían poner sus ideas por escrito.
1934 fue el año más importante de su vida. El Quinteto del Club Caliente de Francia ha nacido! El Quinteto fue formado por un encuentro casual de Django y Stéphane Grappelli. Una banda de catorce músicos, entre ellos Django, Stéphane, Roger Chaput y Louis Vola, fueron comisionados para tocar en el Hotel Cambridge a la hora del té. Durante el intermedio, Django encontraba un rincón entre bastidores y tocaba la guitarra. Un día Stéphane se unió y ambos estaban tan contentos con el intercambio que tocaron juntos cada vez más a menudo con Roger Chaput (guitarra), Louis Vola (bajo), y finalmente el hermano de Django, Joseph (guitarra). Una pequeña compañía discográfica Ultraphone grabó sus primeros equipos Dinah, Tiger Rag, Oh Lady Be Good, y I Saw Stars. Estos primeros discos causaron sensación! El Quinteto grabó cientos de caras y tuvo seguidores a ambos lados del océano.
En 1939 encontró el Quinteto de gira por Inglaterra cuando estalló la guerra. Django regresó a París mientras que Stéphane permaneció en Inglaterra. Django tocó y grabó durante los años de la guerra sustituyendo el clarinete de Hubert Rostaing por el violín de Stephen. De alguna manera evitó el destino de muchos de sus parientes que murieron en los campos de concentración nazis. Después de la guerra, Stéphane se unió a él y volvieron a tocar y grabar. Viajó brevemente con Duke Ellington en América y regresó a París, donde continuó su carrera hasta 1951, cuando se retiró a la pequeña aldea de Samois sur Seine.
El 16 de mayo de 1953 Django sufrió una hemorragia cerebral masiva y murió, dejando atrás a su esposa Sophie y a su hijo Babik. Su música sigue siendo tan vital y emocionante hoy como lo fue cuando vivió, un legado de alegría para todas las generaciones futuras que redescubren el genio del gitano belga Django Reinhardt.
http://www.redhotjazz.com/django.html
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Dexter Gordon • True Blue
Review
by Michael G. Nastos
True Blue is led in title under the auspices of Dexter Gordon as a welcome home party conducted by Don Schlitten for the expatriate tenor saxophonist in 1976. Essentially a jam session, this very talented septet features a two tenor-two trumpet front line, utilized to emphasize the soloing strength of the horns, not necessarily in joyous shouts or big-band like unison outbursts. The real star here is Barry Harris, and if you listen closely to his comping behind the soloist or his many colorful chords and single-line runs, you realize how brilliant he continued to be in his prime during this beyond-bebop time frame. The distinctly different, legato flavored sound of Al Cohn contrasts nicely to the broader range and richer tones of Gordon, while Blue Mitchell's warm West Coast trumpet phrasings also run aside but a little behind the animated and clipped brassy sounds of Sam Noto, a player deserving much wider recognition, and playing to the hilt on this recording. The session kicks off with the classic superimposed melodies of "Lady Bird" and "Half Nelson," with melodies split between the trumpet and tenor tandems. In a larger context this is democracy at its finest, with a finish of eight-bar exchanges, Noto's wiry voicings and Gordon's distinctive, throaty sound, but once again Harris is the glue, with his inventive chord shadings constantly adding depth and substance. The ballad "How Deep Is the Ocean?" is led out by Harris ad extensia, while Cohn's solo features held notes that sets him apart from Gordon in shorter partnerships including Noto. Then Mitchell gets his due on the seventeen-and-a-half minute title track, his basic blues swinger where the four horns all play joyously together with little harmonic variation. Mitchell's solo is the first of all, but his is the tone setter in a lighter context, a sky blue sound where air is more important than heft. Gordon's solo, on the other hand, is memorable, sporting his signature swagger, with Harris and drummer Louis Hayes triggering a trading of fours to end the set. There is a companion CD, Silver Blue, that contains the remainder of these famous sessions, a remembrance of the golden years for several of these players, after which Gordon (1990,) Cohn (1988,) and Mitchell (1979) would pass away, but left large legacies.
https://www.allmusic.com/album/true-blue-mw0000262927
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Reseña
por Michael G. Nastos
True Blue se titula bajo los auspicios de Dexter Gordon como una fiesta de bienvenida a casa dirigida por Don Schlitten para el saxofonista tenor expatriado en 1976. Esencialmente una jam session, este septeto de gran talento cuenta con una primera línea de dos tenores y dos trompetas, utilizada para enfatizar la fuerza solista de los vientos, no necesariamente en gritos alegres o arrebatos al unísono tipo big-band. La verdadera estrella aquí es Barry Harris, y si escuchas atentamente sus compases detrás del solista o sus muchos acordes coloridos y ejecuciones de una sola línea, te das cuenta de lo brillante que seguía siendo en su mejor momento durante esta época más allá del bbop. El sonido claramente diferente y con sabor a legato de Al Cohn contrasta muy bien con el rango más amplio y los tonos más ricos de Gordon, mientras que los cálidos fraseos de trompeta de la Costa Oeste de Blue Mitchell también se sitúan a un lado, pero un poco por detrás de los animados y recortados sonidos descarados de Sam Noto, un jugador que merece un reconocimiento mucho mayor, y que toca a tope en esta grabación. La sesión arranca con las clásicas melodías superpuestas de "Lady Bird" y "Half Nelson", con melodías repartidas entre los tándems de trompeta y tenor. En un contexto más amplio, esta es la democracia en su máxima expresión, con un final de intercambios de ocho compases, los enérgicos voicings de Noto y el distintivo sonido gutural de Gordon, pero una vez más Harris es el pegamento, con sus inventivos matices de acordes añadiendo constantemente profundidad y sustancia. La balada "How Deep Is the Ocean?" está dirigida por Harris ad extensia, mientras que el solo de Cohn presenta notas sostenidas que lo distinguen de Gordon en asociaciones más cortas, incluyendo a Noto. A continuación, Mitchell recibe su merecido en el tema que da título al disco, de diecisiete minutos y medio de duración, su blues swinger básico en el que las cuatro trompas tocan alegremente juntas con poca variación armónica. El solo de Mitchell es el primero de todos, pero el suyo es el que marca el tono en un contexto más ligero, un sonido azul cielo donde el aire es más importante que el peso. El solo de Gordon, por otro lado, es memorable, luciendo su característico pavoneo, con Harris y el baterista Louis Hayes desencadenando un intercambio de cuatros para terminar el set. Existe un CD complementario, Silver Blue, que contiene el resto de estas famosas sesiones, un recuerdo de los años dorados de varios de estos músicos, después de los cuales Gordon (1990,) Cohn (1988,) y Mitchell (1979) fallecerían, pero dejaron grandes legados.
https://www.allmusic.com/album/true-blue-mw0000262927
Joe Pass • The Complete Catch Me! Sessions
Artist Biography by Scott Yanow
Joe Pass did the near-impossible. He was able to play up-tempo versions of bop tunes such as "Cherokee" and "How High the Moon" unaccompanied on the guitar. Unlike Stanley Jordan, Pass used conventional (but superb) technique, and his Virtuoso series on Pablo still sounds remarkable decades later.
Joe Pass had a false start in his career. He played in a few swing bands (including Tony Pastor's) before graduating from high school, and was with Charlie Barnet for a time in 1947. But after serving in the military, Pass became a drug addict, serving time in prison and essentially wasting a decade. He emerged in 1962 with a record cut at Synanon, made a bit of a stir with his For Django set, recorded several other albums for Pacific Jazz and World Pacific, and performed with Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, and Benny Goodman (1973).
However, in general Pass maintained a low profile in Los Angeles until he was signed by Norman Granz to his Pablo label. 1973's Virtuoso made him a star and he recorded very prolifically for Pablo, unaccompanied, with small groups, on duo albums with Ella Fitzgerald, and with such masters as Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, and Dizzy Gillespie. Pass remained very active up until his death from cancer.
https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography
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Biografía del artista por Scott Yanow
Joe Pass hizo lo casi imposible. Fue capaz de tocar versiones up-tempo de temas de bop como "Cherokee" y "How High the Moon" sin estar acompañado por la guitarra. A diferencia de Stanley Jordan, Pass utilizó una técnica convencional (pero magnífica), y su serie Virtuoso sobre Pablo sigue sonando notable décadas después.
Joe Pass tuvo una salida falsa en su carrera. Tocó en algunas bandas de swing (incluyendo la de Tony Pastor) antes de graduarse de la escuela secundaria, y estuvo con Charlie Barnet por un tiempo en 1947. Pero después de servir en el ejército, Pass se convirtió en un drogadicto, cumpliendo condena en prisión y perdiendo esencialmente una década. Emergió en 1962 con un corte discográfico en Synanon, causó sensación con su set For Django, grabó varios otros álbumes para Pacific Jazz y World Pacific, y actuó con Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, y Benny Goodman (1973).
Sin embargo, en general, Pass mantuvo un perfil bajo en Los Ángeles hasta que fue fichado por Norman Granz para su sello Pablo. El Virtuoso de 1973 lo convirtió en una estrella y grabó muy prolíficamente para Pablo, solo, con pequeños grupos, en álbumes a dúo con Ella Fitzgerald, y con maestros como Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, y Dizzy Gillespie. Pass permaneció muy activo hasta su muerte por cáncer.
https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography
Al Hirt • Latin in the horn
A
phenomenally proficient trumpet player, Al Hirt was one of the most
successful instrumental recording artists of the 1960s. Perhaps modeling
his genial stage personality after Louis Armstrong, Hirt was a
tremendously popular performer, easily capturing the center of attention
with his massive 300-pound, 6-foot-2 frame (among his nicknames were
“Jumbo” and “The Round Mound of Sound”) but holding it with his joyful
spirit and jaw-dropping virtuosity.
Although
Hirt came out of New Orleans leading a Dixieland band, he never let
himself get stereotyped in that narrow genre. He was honest about his
choice of style, never calling what he played “jazz”: “I'm a pop
commercial musician,” he once said. “and I've got a successful format.
I'm not a jazz trumpet and never was a jazz trumpet.”
Hirt's
father bought him his first trumpet from a pawnshop, and by the time he
was in high school, he was sounding post time at the local race track.
Hirt was always very serious about perfecting his mastery of his
instrument, and he studied at the Cincinnati Conservatory for three
years in the early 1940s. After playing with Army bands during World War
Two, he worked with Tommy Dorsey, Ray McKinley, and Benny Goodman's big
bands--usually as first chair, but not a soloist--until he returned to
New Orleans and formed his own band in 1950.
For
most of the 1950s, he was comfortable staying close to home--musically
and professionally. Raising eight kids with his first wife probably had
something to do with it, but Hirt was always happy to have a strong
association with the music and lifestyle of New Orleans. He often
performed with clarinet player Pete Fountain, who achieved nearly the
same level of national fame, and the two remained close friends and
colleagues until Hirt's death. Hirt recorded a number of mainstream
Dixieland albums for Audio Fidelity and others during this period.
In
1960, Hirt's group, the Dixieland Six, played Las Vegas and was spotted
by Dinah Shore, who booked them onto her television variety show.
Television and Hirt took to each other, and RCA quickly signed him and
began promoting him as a major artist. To get and keep a national
audience, Hirt had to loosen his ties to Dixieland. Virtually none of
his RCA albums have a strong Dixieland flavor, most of them featuring
large studio ensembles and arrangements by veterans like Marty Paich,
Billy May, and Marty Gold. His albums “Honey in the Horn,” and “Cotton
Candy,” were both gold records, and he was named “Top Instrumentalist”
by Billboard magazine in 1965. His recording of “Java,” won him a
Grammy.
Hirt
never turned his back on his roots, though, and at the same time he was
coming to fame, he opened his own night club in the French Quarter and
appeared there regularly. Although he toured steadily well into the
1980s, often in pops concerts with symphony orchestras, he tried to work
his schedules to bring him back home quickly. His 1965 album with
Arthur Fiedler and the Boston Pops was among his best-selling records,
and Hirt enjoyed playing classical showpieces as well as popular
numbers.
Hirt's
weight and lifestyle eventually took its toll on his body, and in later
years, he had to perform in a wheelchair. He closed his club in 1983,
fed up with the deterioration of the French Quarter, but he continued to
play there, mostly at Fountain's club, until a few months before his
death in 1999.
Al
Hirt recorded more than 50 albums in his career, and played for
millions of people around the world including Pope John Paul II and 8
U.S. Presidents. He earned 4 gold albums and 1 platinum, and a Lifetime
Achievement Award from the Charlie “Bird” Parker Memorial Foundation.
He is a legend in his native New Orleans, where there is a live sized statue of him in the French Quarter.
Source: James Nadal
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Un
trompetista fenomenal, Al Hirt fue uno de los artistas instrumentales
más exitosos de la década de 1960. Tal vez modelando su genial
personalidad escénica después de Louis Armstrong, Hirt fue un artista
tremendamente popular, capturando fácilmente el centro de atención con
su enorme marco de 300 libras y 2 pies (entre sus apodos se encontraban
"Jumbo" y "The Round Mound of Sound"), pero sosteniéndolo con su
espíritu alegre y su virtuosismo asombroso.
Aunque
Hirt salió de Nueva Orleans liderando una banda de Dixieland, nunca se
dejó estereotipar por ese género tan estrecho. Fue honesto en su
elección de estilo, sin llamar nunca "jazz" a lo que tocaba: "Soy un
músico comercial de pop", dijo una vez. "y tengo un formato exitoso. No
soy una trompeta de jazz y nunca fui una trompeta de jazz".
El
padre de Hirt le compró su primera trompeta en una casa de empeño, y
para cuando estaba en la escuela secundaria, ya estaba sonando en el
hipódromo local. Hirt siempre se tomó muy en serio el perfeccionamiento
de su instrumento, y estudió en el Conservatorio de Cincinnati durante
tres años a principios de la década de 1940. Después de tocar con bandas
del Army durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó con las grandes
bandas de Tommy Dorsey, Ray McKinley y Benny Goodman, generalmente como
primer presidente, pero no como solista, hasta que regresó a Nueva
Orleáns y formó su propia banda en 1950.
Durante
la mayor parte de la década de 1950, se sintió cómodo estando cerca de
casa, musical y profesionalmente. Criar ocho hijos con su primera esposa
probablemente tuvo algo que ver con ello, pero Hirt siempre estuvo
feliz de tener una fuerte asociación con la música y el estilo de vida
de Nueva Orleáns. A menudo tocaba con el clarinetista Pete Fountain, que
alcanzó casi el mismo nivel de fama nacional, y los dos permanecieron
como amigos y colegas hasta la muerte de Hirt. Hirt grabó varios álbumes
de Dixieland para Audio Fidelity y otros durante este periodo.
En
1960, el grupo de Hirt, los Seis de Dixieland, jugó en Las Vegas y fue
visto por Dinah Shore, que lo contrató en su programa de variedades de
televisión. La televisión y Hirt se llevaron bien, y la RCA rápidamente
lo contrató y comenzó a promocionarlo como un artista importante. Para
conseguir y mantener una audiencia nacional, Hirt tuvo que aflojar sus
lazos con Dixieland. Prácticamente ninguno de sus álbumes de RCA tiene
un fuerte sabor a Dixieland, la mayoría de ellos con grandes conjuntos
de estudio y arreglos de veteranos como Marty Paich, Billy May y Marty
Gold. Sus álbumes "Honey in the Horn" y "Cotton Candy" fueron discos de
oro, y fue nombrado "Top Instrumentalist" por la revista Billboard en
1965. Su grabación de "Java" le valió un Grammy.
Sin
embargo, Hirt nunca le dio la espalda a sus raíces, y al mismo tiempo
que llegaba a la fama, abrió su propio club nocturno en el Barrio
Francés y apareció allí regularmente. Aunque hizo giras constantes hasta
bien entrada la década de 1980, a menudo en conciertos de música pop
con orquestas sinfónicas, trató de trabajar sus horarios para traerlo de
vuelta a casa rápidamente. Su álbum de 1965 con Arthur Fiedler y los
Boston Pops fue uno de sus discos más vendidos, y Hirt disfrutó tocando
obras de teatro clásicas así como números populares.
El
peso y el estilo de vida de Hirt finalmente afectaron su cuerpo, y en
años posteriores, tuvo que actuar en una silla de ruedas. Cerró su club
en 1983, harto del deterioro del French Quarter, pero siguió jugando
allí, sobre todo en el club de Fountain, hasta unos meses antes de su
muerte en 1999.
Al
Hirt grabó más de 50 álbumes en su carrera, y tocó para millones de
personas en todo el mundo, incluyendo al Papa Juan Pablo II y a 8
presidentes de los Estados Unidos. Obtuvo 4 discos de oro y 1 de
platino, y un premio a la Trayectoria de la Fundación Charlie "Bird"
Parker Memorial.
Es una leyenda en su Nueva Orleans natal, donde hay una estatua de él en el Barrio Francés.
Fuente: James NadalThe Islanders • The Enchanted Sound of the Islanders
The Islanders were an American group which included Frank Metis (accordion) and Randy Starr (guitar), in addition to using special sound effects by Ralph F. Curtiss.
They are most noted for their 1959 hit single, "The Enchanted Sea", which reached number 15 on the Billboard Hot 100 chart.
None of their subsequent singles for Mayflower were successful. An LP The Enchanted Sound of The Islanders was released by Mayflower Records in 1960. An independent, limited edition CD was produced in 2016 with the 12 songs from the original LP in stereo, plus a bonus track, "Forbidden Island" in mono on the Scion imprint.
Randy Starr, whose original name was Warren Nadel, was a guitar-playing, songwriting dentist from the Bronx. He also performed as a solo singer for a number of record labels, as well as penning songs for other artists, including "Kissin' Cousins" with Fred Wise, for Elvis Presley.
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Los Islanders eran un grupo americano que incluía a Frank Metis (acordeón) y Randy Starr (guitarra), además de usar efectos especiales de sonido de Ralph F. Curtiss.
Son más conocidos por su éxito de 1959, "The Enchanted Sea", que alcanzó el número 15 en el Billboard Hot 100 chart.
Ninguno de sus subsecuentes sencillos para Mayflower fueron exitosos. Un LP The Enchanted Sound of The Islanders fue lanzado por Mayflower Records en 1960. Un CD independiente de edición limitada fue producido en 2016 con las 12 canciones del LP original en estéreo, más un tema extra, "Forbidden Island" en mono en el sello de Scion.
Randy Starr, cuyo nombre original era Warren Nadel, era un dentista del Bronx que tocaba la guitarra y componía canciones. También actuó como cantante solista para varios sellos discográficos, así como escribiendo canciones para otros artistas, incluyendo "Kissin' Cousins" con Fred Wise, para Elvis Presley.
Sunday, May 29, 2022
Chuck Wayne • Tasty Pudding
Chuck Wayne's participation in some of the earliest bebop recordings have lead many to conclude that he was purely a bop-style guitar player. Yet on the recordings he made in the mid-1940s, first with the Billy Eckstine Band and later with Dizzy Gillespie, his swing-oriented guitar collides with the "new music" being played by the more modern musicians on the set. It was with George Shearing that Wayne had his greatest success, making a major contribution to the Shearing sound. This particular album reissues two sets cut by Wayne during the 1950s. The first, covering tracks 1-4 and 7-10, is from 1953 sessions with his Quartet featuring Zoot Sims and Brew Moore; the second session, made the following year with the John Mehegan Quartet, comprises the other four tunes. There are some standards along with seven originals, including five by Wayne. Words that can best be used to describe the latter are "innocuous," "pleasant," "nice background music." These arrangements could be heard in a hundred lounges and small clubs throughout the country during the years when this album was made. While there is virtually no inventiveness going on, the playing is entertaining. One quality that comes through with the Wayne guitar is its hornlike sound, which adds a dimension to his playing and is especially complementary when either Sims or Moore is soloing, as on "While My Lady Sleeps," "Side Walks of Cuba" and "Uncus." One exception to the ordinariness of the material is the arrangement of the Victor Young/Ned Washington masterpiece, "Stella by Starlight," where John Mehegan's piano and Wayne's guitar engage in interplay which comes close to being avant-garde. Several of the players at these sessions were from the upper echelons of jazz; it's regrettable they were not offered more interesting or challenging music to perform.
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La participación de Chuck Wayne en algunas de las primeras grabaciones de bebop ha llevado a muchos a concluir que era un guitarrista puramente bop. Sin embargo, en las grabaciones que realizó a mediados de los años 40, primero con la Billy Eckstine Band y después con Dizzy Gillespie, su guitarra orientada al swing choca con la "nueva música" que tocan los músicos más modernos del set. Fue con George Shearing que Wayne tuvo su mayor éxito, haciendo una gran contribución al sonido Shearing. Este álbum en particular reedita dos sets cortados por Wayne durante la década de 1950. La primera, que abarca los temas 1-4 y 7-10, es de 1953 con su Cuarteto con Zoot Sims y Brew Moore; la segunda sesión, realizada al año siguiente con el Cuarteto John Mehegan, comprende los otros cuatro temas. Hay algunos estándares junto con siete originales, incluyendo cinco de Wayne. Las palabras que mejor se pueden usar para describir esto último son "inocuo", "agradable", "música de fondo agradable". Estos arreglos se pudieron escuchar en un centenar de salones y clubes pequeños de todo el país durante los años en que se hizo este disco. Aunque prácticamente no hay inventiva, el juego es entretenido. Una cualidad de la guitarra Wayne es su sonido de trompa, que añade una dimensión a su toque y es especialmente complementaria cuando Sims o Moore están solos, como en "While My Lady Sleeps", "Side Walks of Cuba" y "Uncus". Una excepción a lo común del material es el arreglo de la obra maestra de Victor Young/Ned Washington, "Stella by Starlight", en la que el piano de John Mehegan y la guitarra de Wayne se entrelazan en un juego que se acerca a la vanguardia. Varios de los músicos en estas sesiones eran de los niveles superiores del jazz; es lamentable que no se les ofreciera música más interesante o desafiante para interpretar.
Dave Nathan. http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=10:jcfixqygldke
Dave Nathan. http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=10:jcfixqygldke
Tyree Glenn • At The Embers
Biography by Scott Yanow
Tyree Glenn, who had the unusual double of trombone and vibes, was an important asset at various times to both Duke Ellington and Louis Armstrong. Glenn started out working in territory bands in Virginia, then moved to the West Coast, playing with groups headed by Charlie Echols (1936) and Eddie Barefield. After playing with Ethel Waters and Benny Carter, he became a longtime member of the Cab Calloway Orchestra (1939-1946). Glenn visited Europe with Don Redman's big band (1946). During his association with Ellington (1947-1951), he was an effective wah-wah trombonist in the Tricky Sam Nanton tradition and Ellington's only vibraphonist, being well-featured on the "Liberian Suite." During the 1950s, Glenn worked in the studios, led his quartet at the Embers, and freelanced in swing and Dixieland settings. Other than some European dates in 1947, Glenn's only extensive opportunity to record was for Roulette (1957-1958 and 1961-1962). During 1965-1968, he toured the world with Louis Armstrong's All-Stars. After leaving Armstrong, Tyree Glenn led his own group during his last few years.
https://www.allmusic.com/artist/tyree-glenn-mn0000806249/biography
Review by Ken Dryden
This long-forgotten recording session is a rare opportunity to hear trombonist Tyree Glenn as a bandleader, though he is far better known for his work as a valuable sideman with Duke Ellington, Louis Armstrong, and Cab Calloway. The excellent supporting cast includes Hank Jones, trumpeter Harold "Shorty" Baker, guitarist Mary Osborne, bassist Tommy Potter, and drummer Jo Jones. Glenn's memorable muted solo on a snappy take of Mary Lou Williams' "Lonely Moments," Baker's haunting treatment of "What Will I Tell My Heart," and Hank Jones' unforgettable interpretation of the often banal "How High the Moon" are among the many highlights. Glenn switches to vibes for the happy riff tune "Sinbad the Sailor"; he also wrote the lush ballad "After the Rain" (not to be confused with the song of the same name later written by John Coltrane). Like many LPs of the era that imply a live nightclub recording, the lack of audience reaction and extraneous noise indicate that this is a studio session. Out of print for decades, this somewhat rare LP is well worth acquiring.
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Biografía de Scott Yanow
Tyree Glenn, que tenía el inusual doble de trombón y vibraciones, fue un activo importante en varios momentos tanto para Duke Ellington como para Louis Armstrong. Glenn comenzó trabajando en bandas de territorio en Virginia, luego se mudó a la costa oeste, tocando con grupos encabezados por Charlie Echols (1936) y Eddie Barefield. Después de tocar con Ethel Waters y Benny Carter, se convirtió en miembro de la Orquesta Cab Calloway (1939-1946). Glenn visitó Europa con la big band de Don Redman (1946). Durante su asociación con Ellington (1947-1951), fue un eficaz trombonista wah-wah en la tradición de Tricky Sam Nanton y el único vibrafonista de Ellington, siendo bien representado en la "Liberian Suite". Durante la década de 1950, Glenn trabajó en los estudios, dirigió su cuarteto en el Embers, y trabajó como freelance en escenarios de swing y Dixieland. Aparte de algunas fechas europeas en 1947, la única oportunidad que tuvo Glenn de grabar fue para Roulette (1957-1958 y 1961-1962). Durante 1965-1968, recorrió el mundo con las All-Stars de Louis Armstrong. Después de dejar Armstrong, Tyree Glenn dirigió su propio grupo durante sus últimos años.
https://www.allmusic.com/artist/tyree-glenn-mn0000806249/biography
Reseña de Ken Dryden
Esta sesión de grabación tan olvidada es una oportunidad única para escuchar al trombonista Tyree Glenn como líder de banda, aunque es mucho más conocido por su trabajo como un valioso acompañante de Duke Ellington, Louis Armstrong y Cab Calloway. El excelente reparto incluye a Hank Jones, el trompetista Harold "Shorty" Baker, la guitarrista Mary Osborne, el bajista Tommy Potter y el baterista Jo Jones. El memorable y apagado solo de Glenn en una rápida toma de los "Momentos solitarios" de Mary Lou Williams, el inquietante tratamiento de Baker de "Qué le diré a mi corazón" y la inolvidable interpretación de Hank Jones de la a menudo banal "Cuán alta es la luna" son algunos de los muchos puntos destacados. Glenn cambia a las vibraciones para la alegre melodía de riff "Sinbad the Sailor"; también escribió la exuberante balada "After the Rain" (que no debe confundirse con la canción del mismo nombre escrita más tarde por John Coltrane). Como muchos LPs de la época que implican una grabación en vivo en un club nocturno, la falta de reacción de la audiencia y el ruido extraño indican que se trata de una sesión de estudio. Fuera de impresión durante décadas, este LP un tanto raro bien vale la pena adquirirlo.
Charles Kynard • Woga
Charles Elliot Kynard was born February 20, 1933. A native of Kansas City, who lived and played in Kansas City, Missouri as a child, and an adult for over forty years. Considered a Hammond organ virtuoso and electric-bass player, Kynard is unquestionably the finest organist to have played in Kansas City, Missouri. Pat Metheney of Kansas City and national fame has said Charles Kynard was the best organ player he has ever played with. Foremost, Kynard holds a very special place in jazz history as he is always mentioned along with the giants of organ mastery that includes Jimmy Smith, Richard “Groove” Holmes, and Jimmy McGriff.
Kynard received his early his early education in the Kansas City, Kansas public Schools. He received his undergraduate and graduate degrees from the University of Kansas at Lawrence; Post graduate work at UCLA, University of California at Long Beach; Avila University, Kansas City; the Ford Free University in Berlin, Germany; and the Hock-Schule for Music in Berlin, Germany. Charles Kynard started studying and playing music at the tender age of nine then switching from piano to the organ. His Mother, and father, (B.C. Kynard) both were outstanding professional musicians.
An uncle, Ben Kynard, Kansas City’s own Mr. Red Top played with the Lionel Hampton Orchestra; and an aunt was a dean of Music at Hampton Institute.
In 1956-1957 he touched the world with the U.S. Army show. He also appeared on the famous Ed Sullivan show in 1956; and with the Kansas City Philharmonic Orchestra. During the early 1960’s Kynard often played as a guest organist at Municipal stadium at Kansas City Athletics baseball games. There he played the traditional baseball songs in the 7th inning stretch such as Take Me Out To The Ball Game, while also adding his flair for improvisation.
In 1963, Kynard moved to Los Angeles, California and worked in studio orchestras for Columbia Pictures, and Warner Brothers Pictures. He also worked with studio musicians in and around Hollywood. He recorded on three labels, Prestige Records, under his own name with Pacific Jazz in the 1960’s, and Mainstream Records during 1971-74. It is, perhaps, the four records he did for Prestige between 1968 and 1970 that Kynard is best known for. “Legends of Acid Jazz” which combines the last two of these, “Afro-Disiac” (1970) and “Wa-Tu-Wa-Zui” (1970). A brief discography includes: “Where it’s at“ (1963) “Professor Soul” (1968) “Soul Brotherhood “ (1969), “Reelin With The Feelin”(1969), “Charles Kynard” (1971), “Woga” (1972) “Your Mama Don’t Dance” (1973). In addition, Charles Kynard has accumulated numerous credits for his outstanding work throughout the years, and with many artists continuing today.
Kynard, despite the number of albums produced, actually recorded infrequently choosing to appear nightly on the Los Angeles County and New York night club scenes.
Kynard was also an educator who taught mentally challenged children of both the Kansas City, Missouri public school district and the Los Angeles County public school system. In his private studio, he would teach piano and organ to budding musicians of all ages. In addition to his love of several jazz genres that included soul, jazz, and acid jazz, Kynard equally loved and played Gospel music much in the tradition of Thomas Wright Waller (Fats Waller). To that end he served as organist at the First AME Church Los Angeles under the Reverend H. Hartford Brookins before he was selected to the bishopric. Charles Kynard later led First AME Church of Pasadena as its Minister of Music and served as organist for the Fifth District of the AME Church.
Kynard traveled and performed with Gladys Knight and the Pips, and Jimmy Witherspoon, in concerts in New York, California, Rhode Island, Massachusetts and other states. Charles had been performing with the popular stage drama, “Evolution of the Blues.” The good Lord called Charles E. Kynard home July 8, 1979 as he sat at the organ that day playing the music he loved so much.
Charles Kynard was married to the late Alice Kynard and have three children, the late Jeffrey Kynard, Kimberly Kynard of Los Angeles, and noted opera singer, Bradley Kynard of San Francisco. Two brothers, Gary Kynard of Los Angeles, and Richard Kynard of New York. An uncle Ben Kynard, and an aunt Shiverla Jones of Kansas City, Missouri in addition to several cousins in California, New York, Lee’s Sumit and Kansas City, Missouri.
Special thanks to cousin Brett Kynard for assembling this biography and working with theAmerican Jazz Museum in Kansas City with their tribute to Charles Kynard.
more Charles Kynard ... http://www.kynard.com/wp/?page_id=7
User Reviews allmusic.com ... https://www.allmusic.com/album/woga-mw0000894844/user-reviews
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Charles Elliot Kynard nació el 20 de febrero de 1933. Nacido en Kansas City, vivió y jugó en Kansas City, Missouri de niño y adulto durante más de cuarenta años. Considerado un virtuoso del órgano de Hammond y un bajista eléctrico, Kynard es sin duda el mejor organista que haya tocado en Kansas City, Missouri. Pat Metheney de Kansas City y la fama nacional han dicho que Charles Kynard fue el mejor organista con el que ha jugado. En primer lugar, Kynard ocupa un lugar muy especial en la historia del jazz, ya que siempre se lo menciona junto con los gigantes del dominio de los órganos que incluyen a Jimmy Smith, Richard "Groove" Holmes y Jimmy McGriff.
Kynard recibió su educación temprana en las escuelas públicas de Kansas City, Kansas. Recibió sus títulos de pregrado y posgrado de la Universidad de Kansas en Lawrence; Trabajo de posgrado en UCLA, Universidad de California en Long Beach; Universidad de Ávila, Kansas City; la Universidad Libre de Ford en Berlín, Alemania; y el Hock-Schule para la música en Berlín, Alemania. Charles Kynard comenzó a estudiar y tocar música a la tierna edad de nueve años y luego pasó del piano al órgano. Su madre y su padre, (B.C. Kynard) eran excelentes músicos profesionales.
Un tío, Ben Kynard, el Sr. Red Top de Kansas City, tocó con la Lionel Hampton Orchestra; y una tía era decana de música en el Instituto Hampton.
En 1956-1957 tocó el mundo con el espectáculo del Ejército de los Estados Unidos. También apareció en el famoso show de Ed Sullivan en 1956; y con la Orquesta Filarmónica de Kansas City. Durante los primeros años de la década de 1960, Kynard jugaba a menudo como organista invitado en el estadio Municipal de los juegos de béisbol de Kansas City Athletics. Allí tocó las canciones de béisbol tradicionales en el tramo de la séptima entrada, como el juego Take Me Out To The Ball, a la vez que añadió su talento para la improvisación.
En 1963, Kynard se mudó a Los Ángeles, California, y trabajó en orquestas de estudio para Columbia Pictures y Warner Brothers Pictures. También trabajó con músicos de estudio en y alrededor de Hollywood. Grabó en tres sellos discográficos, Prestige Records, bajo su propio nombre con Pacific Jazz en la década de 1960, y Mainstream Records durante 1971-74. Es, quizás, los cuatro registros que hizo para Prestige entre 1968 y 1970 que Kynard es mejor conocido. “Legends of Acid Jazz” que combina las dos últimas, “Afro-Disiac” (1970) y “Wa-Tu-Wa-Zui” (1970). Una breve discografía incluye: "Where is at" (1963) "Professor Soul" (1968) "Soul Brotherhood" (1969), "Reelin With The Feelin" (1969), "Charles Kynard" (1971), "Woga" ( 1972) "Tu mamá no baila" (1973). Además, Charles Kynard ha acumulado numerosos créditos por su trabajo sobresaliente a lo largo de los años y con muchos artistas que continúan en la actualidad.
Kynard, a pesar de la cantidad de álbumes producidos, en realidad grabó con poca frecuencia y optó por aparecer todas las noches en las escenas de los clubes nocturnos del condado de Los Ángeles y Nueva York.
Kynard también fue un educador que enseñó a niños con discapacidades mentales tanto del distrito escolar público de Kansas City, Missouri como del sistema de escuelas públicas del condado de Los Angeles. En su estudio privado, enseñaba piano y órgano a músicos en ciernes de todas las edades. Además de su amor por varios géneros de jazz que incluían soul, jazz y acid jazz, Kynard amaba y tocaba la música Gospel en la tradición de Thomas Wright Waller (Fats Waller). Con ese fin, se desempeñó como organista en la Primera Iglesia AME de Los Ángeles bajo el Reverendo H. Hartford Brookins antes de ser seleccionado para el obispado. Charles Kynard más tarde dirigió la Primera Iglesia AME de Pasadena como su Ministro de Música y se desempeñó como organista para el Quinto Distrito de la Iglesia AME.
Kynard viajó y actuó con Gladys Knight and the Pips y Jimmy Witherspoon en conciertos en Nueva York, California, Rhode Island, Massachusetts y otros estados. Charles había estado actuando en el popular drama teatral, "Evolution of the Blues". El buen Señor llamó a Charles E. Kynard a su casa el 8 de julio de 1979 cuando estaba sentado en el órgano ese día tocando la música que tanto amaba.
Charles Kynard se casó con la difunta Alice Kynard y tiene tres hijos, el difunto Jeffrey Kynard, Kimberly Kynard de Los Ángeles, y el destacado cantante de ópera, Bradley Kynard de San Francisco. Dos hermanos, Gary Kynard de Los Ángeles y Richard Kynard de Nueva York. Un tío Ben Kynard y una tía Shiverla Jones de Kansas City, Missouri, además de varios primos en California, Nueva York, Lee's Sumit y Kansas City, Missouri.
Un agradecimiento especial al primo Brett Kynard por reunir esta biografía y trabajar con el American Jazz Museum en Kansas City con su homenaje a Charles Kynard.
The John Coltrane reference
Few jazz musicians have had the lasting influence or attracted as much scholarly study as John Coltrane. Yet, despite dozens of books, hundreds of articles, and his own recorded legacy, the "facts" about Coltrane's life and work have never been definitely established. Well-known Coltrane biographer and jazz educator Lewis Porter has assembled an international team of scholars to write The John Coltrane Reference, an indispensable guide to the life and music of John Coltrane.
The John Coltrane Reference features a a day-by-day chronology, which extends from 1926-1967, detailing Coltrane's early years and every live performance given by Coltrane as either a sideman or leader, and a discography offering full session information from the first year of recordings, 1946, to the last, 1967. The appendices list every film and television appearance, as well as every recorded interview. Richly illustrated with over 250 album covers and photos from the collection of Yasuhiro Fujioka, The John Coltrane Reference will find a place in every major library supporting a jazz studies program, as well as John Coltrane enthusiasts.
I'd Rather Be the Devil Skip James and the Blues
Skip James (1902–1969) was perhaps the most creative and idiosyncratic of all blues musicians. Drawing on hundreds of hours of conversations with James himself, Stephen Calt here paints a dark and unforgettable portrait of a man untroubled by his own murderous inclinations, a man who achieved one moment of transcendent greatness in a life haunted by failure. And in doing so, Calt offers new insights into the nature of the blues, the world in which it thrived, and its fate when that world vanished.
Sahel – Art and Empires on the Shores of the Sahara
This groundbreaking volume examines the extraordinary artistic and cultural traditions of the African region known as the Sahel (“shore” in Arabic), a vast area on the southern edge of the Sahara Desert that includes present-day Senegal, Mauritania, Mali, Niger, Nigeria, and Chad. This is the first book to present a comprehensive overview of the diverse cultural achievements and traditions of the region, spanning more than 1,300 years from the pre-Islamic period through the 19th century. It features some of the earliest extant art from Africa as well as such iconic works as sculptures by the Dogon and Bamana peoples of Mali. Essays by leading international scholars discuss the art, architecture, archaeology, literature, philosophy, religion, and history of the Sahel, exploring the unique cultural landscape in which these ancient communities flourished. Richly illustrated and brilliantly argued, Sahel brings to life the enduring creativity of the different peoples who lived, traded, and traveled through this crossroads of the world.
Saturday, May 28, 2022
Eric Marienthal & Chuck Loeb • Bridges
What happens when the guy manning the guitar seat in Fourplay meets up with the erstwhile sax guy for the Jeff Lorber Fusion? More than what you might expect. In fact, Eric Marienthal (the sax guy) and Chuck Loeb (the guitar guy) both defy and go beyond expectations on the surprisingly eclectic and entertaining Bridges. Marienthal re-teams with Loeb since his last solo album, It's Love (eOne, 2012) and this collaboration is one of the rare pairings where musicality takes precedence over throwing some "names" together and see if anything of interest happens (too often nothing does).
These are two artists who are the quintessential "oh yeah, them too" names who get overlooked whenever lists are made of the best musicians on their respective instruments of choice. That's an oversight which Bridges will correct. Don't make the mistake of assuming this is more smooth jazz sludge or jazz fusion fuzziness. This is not that nor any other sub-category of jazz. It's only jazz and that's all it aspires to be.
Marienthal and Loeb lead a tight band with bassist John Patitucci, drummer Byron Landham and percussionist David Charles locking down the rhythm. Loeb takes a few laps around the Pat Metheny track on tunes like "Westward" while Marienthal takes an understated approach at times then alternates to fiery soloing that never stays into excess. That's always an assumed risk when musicians whose claim to fame is outside of straight-ahead jazz. They overplay which is frenzied or underplay which is dull.
Neither of those missteps are made here as the formulas and fall backs are tossed out. There are no cover tunes (unless you count one byJim Hall licks while Marienthal seems to have a ball when he solos in for a landing as Patitucci and Landham hold the bottom down. Loeb last visited this territory with the criminally overlooked Plain n' Simple (Tweety Records, 2011) where he demonstrated how comfortable he is playing it straight, but for the ears of this listener, Marienthal's range of saxophone stylings were a revelation.
Loeb's "Daily Bread" sets the table for a paired-down duet between himself and Marienthal's loney soprano sax and it's lovely and meditative. The aforementioned Jarrett offering "Lucky Southern" opens with Patitucci bass followed by Marienthal, Loeb, Landham and Charles joining in on the fun. By the time the last notes of the bluesy "Noir" fade out there's a whole new appreciation of the versatility amply displayed by the band.
When a musician goes above and beyond what is expected from them that is what the idiom is all about. Jazz is not about meeting expectations. It's about exceeding and transcending them and that's what makes this album both exciting and gratifying. Bridges finds Marienthal and Loeb nailing each and every one of those in a tour de force of finesse, artistry and simple old moxie. Highly recommended for both the devout fans of the duo as well as the skeptic with an open mind and responsive ear.
By Jeff Winbush
September 4, 2015
https://www.allaboutjazz.com/bridges-eric-marienthal-shanachie-records-review-by-jeff-winbush
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¿Qué sucede cuando el hombre que ocupa el asiento de la guitarra en Fourplay se encuentra con el antiguo saxofonista de Jeff Lorber Fusion? Más de lo que cabría esperar. De hecho, Eric Marienthal (el saxofonista) y Chuck Loeb (el guitarrista) desafían y superan las expectativas en el sorprendentemente ecléctico y entretenido Bridges. Marienthal vuelve a formar equipo con Loeb desde su último disco en solitario, It's Love (eOne, 2012) y esta colaboración es uno de los raros emparejamientos en los que la musicalidad prima sobre el hecho de lanzar algunos "nombres" juntos y ver si ocurre algo de interés (con demasiada frecuencia no ocurre nada).
Se trata de dos artistas que son la quintaesencia de los nombres "oh sí, ellos también" que se pasan por alto cuando se hacen listas de los mejores músicos en sus respectivos instrumentos de elección. Es un descuido que Bridges corregirá. No cometas el error de suponer que esto es más bien un lodo de jazz suave o una fusión de jazz difusa. Esto no es eso ni ninguna otra subcategoría del jazz. Es sólo jazz y eso es todo lo que aspira a ser.
Marienthal y Loeb lideran una banda muy compacta con el bajista John Patitucci, el baterista Byron Landham y el percusionista David Charles, que se encargan del ritmo. Loeb da unas cuantas vueltas a la pista de Pat Metheny en temas como "Westward", mientras que Marienthal adopta un enfoque discreto a veces y luego alterna con solos ardientes que nunca se quedan en el exceso. Ese es siempre un riesgo asumido cuando se trata de músicos cuyo reclamo de fama está fuera del jazz directo. Exageran, lo que resulta frenético, o se quedan cortos, lo que resulta aburrido.
Aquí no se comete ninguno de esos errores, ya que se desechan las fórmulas y los retrocesos. No hay versiones (a no ser que se cuente una de Jim Hall), mientras que Marienthal parece divertirse cuando hace un solo para aterrizar mientras Patitucci y Landham mantienen el fondo. Loeb visitó por última vez este territorio con el criminalmente pasado por alto Plain n' Simple (Tweety Records, 2011) donde demostró lo cómodo que se siente tocando directamente, pero para los oídos de este oyente, la gama de estilos de saxofón de Marienthal fue una revelación.
Daily Bread" de Loeb establece la mesa para un dúo entre él y el solitario saxo soprano de Marienthal y es encantador y meditativo. La ya mencionada "Lucky Southern" de Jarrett se abre con el bajo de Patitucci seguido por Marienthal, Loeb, Landham y Charles uniéndose a la diversión. Cuando las últimas notas del blues "Noir" se desvanecen, se aprecia la versatilidad de la banda.
Cuando un músico va más allá de lo que se espera de él, de eso se trata el lenguaje. El jazz no consiste en cumplir las expectativas. Se trata de superarlas y trascenderlas, y eso es lo que hace que este álbum sea tan emocionante como gratificante. En Bridges, Marienthal y Loeb dan en el clavo en todos y cada uno de esos aspectos, en un tour de force de delicadeza, arte y simple moxie. Muy recomendable tanto para los fans devotos del dúo como para los escépticos con una mente abierta y un oído receptivo.
Por Jeff Winbush
4 de septiembre de 2015
https://www.allaboutjazz.com/bridges-eric-marienthal-shanachie-records-review-by-jeff-winbush
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