Friday, December 31, 2021
Brother Jack McDuff • The Natural Thing
Review by Al Campbell
Hammond B-3 groovemeister "Brother" Jack McDuff carried on with his timeless patented boogaloo jazz on The Natural Thing from 1968, but is unfortunately drowned out by the overpowering punchy crunching horn charts of arranger Richard Evans. For that reason, this isn't one of McDuff's strongest dates, but it does contain enjoyable moments sans horns (especially "Funky Guru" guaranteed to please collectors of soulful funky organ. Originally recorded in Chicago for the Cadet label, this session is currently available only as a Japanese MCA import.
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Traducción Automática:
Reseña por Al Campbell
Hammond B-3 groovemeister El "Hermano" Jack McDuff continuó con su boogaloo jazz patentado y atemporal en The Natural Thing desde 1968, pero desafortunadamente está ahogado por los abrumadores gráficos de bocina crujidos del arreglista Richard Evans. Por esa razón, esta no es una de las citas más fuertes de McDuff, pero contiene momentos agradables sin cuernos (especialmente "Funky Guru" que garantiza complacer a los coleccionistas de órgano funky. Originalmente grabada en Chicago para el sello Cadet, esta sesión es actualmente disponible solo como una importación de MCA japonés.
Thursday, December 30, 2021
Kai Winding • Kai Winding's Trombones And Orchestra – Kai Olé
Trombonist Kai Christen Winding (pronounced ki-win-ding) was one of the founding fathers of be-bop music and truly one of the finest-ever jazz trombonists.
As a sideman to bop’s reigning kings “ Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Tadd Dameron “ he was more a bridesmaid than a bride. Winding recorded too infrequently as a leader during this period and none of his compositions ever really caught on. Indeed, he was adept at putting a defining stamp on others’ compositions “ a trait he picked up while outlining the artistry of Stan Kenton’s sound during the mid 1940s.
Kai was born on May 18, 1922, in Aarhaus, Denmark. He came to the United States with his family in 1934. In 1940, he made his professional debut as trombonist with Shorty Allen’s band. He played with the bands of Sonny Dunham and Alvino Rey before joining the U.S. Coast Guard during World War II. After becoming a civilian in 1945, he worked with Benny Goodman’s highly popular band and moved onto Stan Kenton’s orchestra, where he helped defined the brassy Kenton sound and, quickly became a featured soloist. Thereafter, he hooked himself up with a number of emerging stars of be-bop, the “new jazz,” and recorded prolifically “ most notably, as part of one of the nonets featured on the historic “The Birth of the Cool” (Capitol/1949).
Winding recorded and performed prolifically during the 1950s, as a leader and “ with distinction “ behind a number of significant and popular soloists such as Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.
Still, the trombone was considered an unusual instrument to lead a combo. So it was with prescient oddity that in 1954, producer Ozzie Cadena proposed the marriage of two trombones “ Winding’s quick-witted mellifluousness with fellow trombonist J.J. Johnson’s hard-edged angularity. The two leaders clicked together musically right away (check out Savoy “Jay& Kai”) and, surprisingly, became a hugely popular club attraction and critical favorite. Jay and Kai - or “Kai and Jay” or “J.J. & K” or “J & K” or any other of a number of other combinations - was born.
The duo recorded eight highly popular “ and consistently artistic “ albums over the next two years for the Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige and Columbia labels. It was during this period that Kai's great compositional skill was finally recognized with such memorable tunes as “Don't Argue,” “Wind Bag,” “That's How I Feel About You,” “Gong Rock,” “Jeanne” and “Caribe.”
At this point, Kai Winding was a well-known “ and bankable “ entity. In addition to continuing session work and well-paid gigs, Winding recorded several “concept” oriented albums for Columbia where he embarked on his own remarkable - and successful - concept of a four-trombone front line.
Producer Creed Taylor, who has always recognized a sale-able sound (and produced the duo’s fourth album on Bethlehem from 1955, K + JJ), kept close tabs on Kai Winding. The producer brought the trombonist in for the delightful 1958 album, “The Axidentals “ with the Kai Winding Trombones” (ABC Paramount) and reunited with him when the producer helmed the inception of Impulse Records “ for the Kai and J.J. reunion (The Great Kai & J.J. “ with the catalog number “A-1”) and the marvelous solo record “The Incredible Trombones of Kai Winding.”
When Creed Taylor accepted a lucrative offer from MGM to head the jazz division of their record label, Verve, Kai Winding was invited too. Winding recorded a dozen albums and 4 non-LP 45-rpm records with Creed Taylor during his stay at the label (1961-67). The music Winding made during this time is well worth hearing and, surprisingly, uncharacteristic of his recordings before or after.
This is the period that my discography is most concerned with “ and when the be-bop legend recorded what I consider some of his most interesting material. There’s no doubt that Verve Records provided Kai Winding with the most popularity he’d known during his entire career and, in some odd and sometimes wonderful coincidences, provided the great trombone player, composer and arranger with the most notable music of his career.
Kai Winding's first Verve record was the wondrous, Latin-esque “Kai Olé”(1961). Still firmly rooted in bebop, Winding goes a bit further South of the Border than he did on his Columbia records, where he simply added a conga or a bongo to spice up the mix. Winding quickly followed with 1962's “Suspense Times in Jazz,” (1962), a collection of “crime jazz” (lots of Henry Mancini covers!), arranged by either Winding or the great Oliver Nelson.
Next came “Solo,” (1963), one of the first of Kai Winding's many 1963 recordings and a landmark in the trombonist's career. While not exactly true to its title, since it was a trombone-with-rhythm-section date, “Solo” did represent Winding's first solo recording where he was the only horn player! The record also featured several titles that celebrated Winding's role as the musical director of New York's Playboy Club - a position the musician maintained throughout the 1960s. “Solo” is, perhaps, Kai Winding's best jazz record on Verve, and maybe one of his least known for the label.
The next record, “Soul Surfin” (1963) changed all the rules. Quite unexpectedly, Kai Winding's cover of Riz Orolani's “More (Theme From Mondo Cane)” became a top ten hit in 1963 - spawning innumerable covers from the bachelor-pad crowd. The album, a collection of somewhat interesting surf tunes featured Winding and guitarist Kenny Burrell behind the oddly-annoying ondioline (played, without credit, by the legendary Jean Jacques Perrey!). After the single's unbelievable success, the album was renamed “More.”
Next up was the rather strange album titled “Kai Winding” (1963). The record was also known by the title”The Lonely One” due to the release of the one 45 from the album. This one, which features some pretty rockin' tunes, notably Claus Ogerman's hip “Get Lost,” certainly features Winding. But the trombonist barely solos and hardly ever takes a lead line. This writer guesses that the album was intended to be a feature for Garry (or “Gary,” or “Gerry”) Sherman, the arranger of many of the album's tunes. But the success of “More” encouraged Verve to issue the record (or a bunch of recordings that included Kai Winding) under the trombonist's name.
“Mondo Cane #2” (1963-64) next featured Winding covering Nino Oliviero's sequel (and not as good as the oriiginal) theme to Winding's top ten hit. Covering several Ogerman tunes here (notably “Python”) and a few originals (the best, which is “ Simian Theme”), Winding seems barely present on this record. Jean Jacques Perrey is again said to have played the ondioline (credited to Winding!), which dominates the sound and solos of the record. This is not the record for those that admire hearing Winding's magical trombone sound. When the hits didn't follow, Creed Taylor moved Kai Winding away from the surfing (and, thankfully, the ondioline) gimmick to other gimmick-y pastures. “Modern Country” (1964) followed, matching Kai's trombone and arrangements with the Anita Kerr Singers and a Nashville rhythm section. Somehow, the concept (which Taylor would explore again with Hubert Laws for CTI) yielded some exceptionally notable performances. Check out “Busted,” “Wolverton Mountain” and “Dang Me.”
Getting back to basics, Taylor and Winding thereafter conceived “Rainy Day” (1965) and The In Instrumentals” (1965), both which - much in the style of the time - attempt to place Kai Winding's sound into more contemporary arenas.
Things started gelling again when the pair conceived Kai Winding's excellent “More Brass” (1966), a not-so-veiled reference to both the trombonist's biggest hit and his best asset. The record yielded several credible performances of contemporary pop - highlighted especially by the delicate harpsichord styling of Hank Jones - that still had that sound of the past (and a marvelous re-arrangement of Winding's hit, “More”).
But perhaps the “hippest” Kai Winding ever got for Verve was on his next record, 1966's”Dirty Dog.” Featuring his patented four-trombone line-up with Carl Fontana, Urbie Green and Bill Watrous, Winding surrounded himself well with two-handed genius and funk overlord Herbie Hancock, bassist Bob Cranshaw, drummer Grady Tate and guitarist Al Gafa (under the pseudonym “Buzzy Bavarian,” to hide, perhaps an unusually rock-ish quality he lays down here). Winding traverses fast takes of the Hancock hits “Cantaloupe Island” and “Blind Man, Blind Man” and Gafa's surprisingly funky title track.
Winding's finest work with producer Creed Taylor, however, remains their last collaboration for Verve. “Penny Lane & Time” (1967) is an incredible accomplishment of pure pop finesse (shocking, given the number of Beatles covers here) and magical jazz arrangement (courtesy of Kai Winding himself). Winding pairs his mellifluous trombone with a four-part flute choir (featuring Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion and Jerome Richardson). The result, probably inspired by Winding's former partner, arranger Claus Ogerman, is truly ethereal. Winding ended his 12-album run at Verve much the way he began it: with great artistic beauty.
Shortly thereafter, Creed Taylor left Verve Records to form his own CTI Records label. Winding recorded yet another album - that remains unreleased - for the MGM label (with Taylor, most likely) before Taylor reunited Winding with J.J. Johnson. The pair collaborated on three high-profile reunion projects at A&M/CTI during the late 1960s. Winding also did session work at the time for such A&M/CTI recordings as Paul Desmond's “Summertime,” and Quincy Jones's “Walking in Space.”
By the early 1970s, Kai Winding toured extensively with The Giants Of Jazz, featuring such old comrades as Dizzy Gillespie and Sonny Stitt and legendary masters Thelonius Monk and Art Blakey. He was also caught on a series of records which captured the 1972 Newport in New York Festival, reuniting with such early cohorts as Billy Eckstein, Flip Phillips and Zoot Sims.
Winding eventually chose to play when he felt like it, settling in Spain with his third wife, Ezshwan. Records during these years were sparse and on very small labels: two for the Glendale label and two for Lionel Hampton's Who's Who In Jazz label. Winding still performed on a regular basis, pairing up with the great Curtis Fuller in 1979 for two excellent “Giant Bones” recordings. Finally, Winding recorded an incredible “Trombone Summit” for the German MPS label (1980), heading a bone quartet featuring Albert Mangelsdorff, Bill Watrous and Jiggs Whigham - even reuniting one last time with J.J. Johnson for “All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82” (1982).
Unfortunately, after a long and artistically fulfilling career, Kai Winding succumbed to a brain tumor in a New York hospital on May 6, 1983, just shy of his 61st birthday. One of his sons, Jai, has kept Kai Winding's musical legacy alive as a respected - and busy! - session keyboard player for a wide variety of artists including George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent and many, many others.
Kai Winding's bop legacy has been kept alive in a variety of worthwhile reissues and countless compilations. However, one hopes that eventually major labels will concede to acknowledge the considerable contribution Kai Winding made during the 1960s as part of Verve Records.
Source: Doug Payne
https://www.allaboutjazz.com/musicians/kai-winding
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El trombonista Kai Christen Winding fue uno de los padres fundadores de la música be-bop y uno de los mejores trombonistas de la historia del jazz.
Como acompañante de los reyes del bop -Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron- fue más una dama de honor que una novia. Winding grabó con muy poca frecuencia como líder durante este periodo y ninguna de sus composiciones llegó a tener éxito. De hecho, era experto en poner un sello definitorio en las composiciones de otros " un rasgo que recogió mientras perfilaba el arte del sonido de Stan Kenton a mediados de la década de 1940.
Kai nació el 18 de mayo de 1922 en Aarhaus, Dinamarca. Llegó a Estados Unidos con su familia en 1934. En 1940, debutó profesionalmente como trombonista con la banda de Shorty Allen. Tocó con las bandas de Sonny Dunham y Alvino Rey antes de alistarse en la Guardia Costera de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Tras convertirse en civil en 1945, trabajó con la popular banda de Benny Goodman y pasó a la orquesta de Stan Kenton, donde ayudó a definir el sonido descarado de Kenton y se convirtió rápidamente en un solista destacado. A partir de entonces, se unió a una serie de estrellas emergentes del be-bop, el "nuevo jazz", y grabó prolíficamente, sobre todo como parte de uno de los nonetos incluidos en el histórico "The Birth of the Cool" (Capitol/1949).
Winding grabó y actuó prolíficamente durante la década de 1950, como líder y "con distinción" detrás de una serie de solistas importantes y populares como Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.
Sin embargo, el trombón se consideraba un instrumento poco habitual para liderar un combo. Por eso, en 1954, el productor Ozzie Cadena propuso la unión de dos trombones: la melifluidad de Winding y la angulosidad del trombonista J.J. Johnson. Los dos líderes congeniaron musicalmente de inmediato (véase Savoy "Jay& Kai") y, sorprendentemente, se convirtieron en una atracción de club enormemente popular y en la favorita de la crítica. Jay y Kai -o "Kai y Jay" o "J.J. & K" o "J & K" o cualquier otra de las numerosas combinaciones- había nacido.
El dúo grabó ocho álbumes de gran popularidad y de gran calidad artística durante los dos años siguientes para los sellos Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige y Columbia. Fue durante este periodo cuando la gran habilidad compositiva de Kai fue finalmente reconocida con temas tan memorables como "Don't Argue", "Wind Bag", "That's How I Feel About You", "Gong Rock", "Jeanne" y "Caribe".
A estas alturas, Kai Winding era una entidad bien conocida " y financiable ". Además de continuar con trabajos de sesión y actuaciones bien pagadas, Winding grabó varios álbumes orientados al "concepto" para Columbia, donde se embarcó en su propio y notable -y exitoso- concepto de una línea frontal de cuatro trombones.
El productor Creed Taylor, que siempre reconoció un sonido vendible (y produjo el cuarto álbum del dúo en Bethlehem de 1955, K + JJ), siguió de cerca a Kai Winding. El productor trajo al trombonista para el delicioso álbum de 1958, "The Axidentals " con los Kai Winding Trombones" (ABC Paramount) y se reunió con él cuando el productor dirigió el inicio de Impulse Records " para la reunión de Kai y J.J. (The Great Kai & J.J. " con el número de catálogo "A-1") y el maravilloso disco en solitario "The Incredible Trombones of Kai Winding".
Cuando Creed Taylor aceptó una lucrativa oferta de MGM para dirigir la división de jazz de su sello discográfico, Verve, Kai Winding también fue invitado. Winding grabó una docena de álbumes y 4 discos de 45 rpm sin LP con Creed Taylor durante su estancia en el sello (1961-67). La música que Winding hizo durante esta época merece la pena ser escuchada y, sorprendentemente, no es característica de sus grabaciones anteriores o posteriores.
Este es el periodo que más interesa en mi discografía " y cuando la leyenda del be-bop grabó lo que considero parte de su material más interesante. No hay duda de que Verve Records proporcionó a Kai Winding la mayor popularidad que conoció durante toda su carrera y, en algunas extrañas y a veces maravillosas coincidencias, proporcionó al gran trombonista, compositor y arreglista la música más notable de su carrera.
El primer disco de Kai Winding en Verve fue el maravilloso y latino "Kai Olé" (1961). Todavía firmemente arraigado en el bebop, Winding va un poco más al sur de la frontera que en sus discos de Columbia, donde simplemente añadía una conga o un bongó para animar la mezcla. Winding no tardó en publicar "Suspense Times in Jazz" (1962), una colección de "jazz criminal" (¡muchas versiones de Henry Mancini!), con arreglos de Winding o del gran Oliver Nelson.
A continuación llegó "Solo" (1963), una de las primeras grabaciones de Kai Winding en 1963 y un hito en la carrera del trombonista. Aunque no es exactamente fiel a su título, ya que se trata de una cita con el trombón y la sección rítmica, "Solo" representó la primera grabación en solitario de Winding en la que era el único trompetista. El disco también incluía varios títulos que celebraban el papel de Winding como director musical del Playboy Club de Nueva York, un puesto que el músico mantuvo durante toda la década de 1960. "Solo" es, quizás, el mejor disco de jazz de Kai Winding en Verve, y tal vez uno de los menos conocidos para el sello.
El siguiente disco, "Soul Surfin" (1963) cambió todas las reglas. De forma bastante inesperada, la versión de Kai Winding de "More (Theme From Mondo Cane)" de Riz Orolani se convirtió en un éxito entre los diez primeros en 1963, lo que dio lugar a innumerables versiones de los solteros. El álbum, una colección de temas surfistas algo interesantes, contaba con Winding y el guitarrista Kenny Burrell detrás de la extrañamente molesta ondiolina (¡tocada, sin crédito, por el legendario Jean Jacques Perrey!). Tras el increíble éxito del single, el álbum pasó a llamarse "More".
El siguiente fue el álbum, bastante extraño, titulado "Kai Winding" (1963). El disco también fue conocido por el título "The Lonely One" (El solitario) debido a la publicación del único 45 del álbum. En este, que contiene algunos temas bastante rockeros, en particular el moderno "Get Lost" de Claus Ogerman, sí que aparece Winding. Pero el trombonista apenas hace solos y casi nunca toma una línea principal. Este escritor supone que el álbum estaba destinado a ser una característica para Garry (o "Gary", o "Gerry") Sherman, el arreglista de muchas de las melodías del álbum. Pero el éxito de "More" animó a Verve a publicar el disco (o un montón de grabaciones que incluían a Kai Winding) bajo el nombre del trombonista.
"Mondo Cane #2" (1963-64) presentaba a Winding cubriendo la secuela (y no tan buena como la original) del tema de Nino Oliviero que fue un éxito de Winding. Winding, que versiona varios temas de Ogerman (en particular "Python") y algunos originales (el mejor, "Simian Theme"), parece apenas presente en este disco. Se dice que Jean Jacques Perrey volvió a tocar la ondiolina (¡acreditada a Winding!), que domina el sonido y los solos del disco. Este no es el disco para los que admiran escuchar el mágico sonido del trombón de Winding. Cuando los éxitos no siguieron, Creed Taylor alejó a Kai Winding del truco del surf (y, afortunadamente, de la ondiolina) para llevarlo a otros pastizales de trucos. Le siguió "Modern Country" (1964), en el que se combinaba el trombón y los arreglos de Kai con las Anita Kerr Singers y una sección rítmica de Nashville. De alguna manera, el concepto (que Taylor exploraría de nuevo con Hubert Laws para CTI) dio lugar a algunas actuaciones excepcionalmente notables. Mira "Busted", "Wolverton Mountain" y "Dang Me".
Volviendo a lo básico, Taylor y Winding concibieron a partir de entonces "Rainy Day" (1965) y The In Instrumentals" (1965), que, muy al estilo de la época, intentan situar el sonido de Kai Winding en ámbitos más contemporáneos.
Las cosas empezaron a cuajar de nuevo cuando la pareja concibió el excelente "More Brass" (1966) de Kai Winding, una referencia no tan velada tanto al mayor éxito del trombonista como a su mejor baza. El disco produjo varias interpretaciones creíbles de pop contemporáneo -destacadas especialmente por el delicado estilo de clavicordio de Hank Jones- que todavía tenían ese sonido del pasado (y una maravillosa reordenación del éxito de Winding, "More").
Pero quizás el Kai Winding más "hippie" que consiguió para Verve fue en su siguiente disco, "Dirty Dog" de 1966. Con su alineación patentada de cuatro trombones con Carl Fontana, Urbie Green y Bill Watrous, Winding se rodeó bien con el genio de las dos manos y señor del funk Herbie Hancock, el bajista Bob Cranshaw, el baterista Grady Tate y el guitarrista Al Gafa (bajo el seudónimo de "Buzzy Bavarian", para ocultar, quizás una cualidad inusualmente rockera que pone aquí). Winding recorre tomas rápidas de los éxitos de Hancock "Cantaloupe Island" y "Blind Man, Blind Man" y el tema titular de Gafa, sorprendentemente funky.
El mejor trabajo de Winding con el productor Creed Taylor, sin embargo, sigue siendo su última colaboración para Verve. "Penny Lane & Time" (1967) es un logro increíble de pura delicadeza pop (sorprendente, dado el número de versiones de los Beatles que hay aquí) y de mágicos arreglos de jazz (cortesía del propio Kai Winding). Winding combina su melifluo trombón con un coro de flautas a cuatro voces (con Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion y Jerome Richardson). El resultado, probablemente inspirado por el antiguo socio de Winding, el arreglista Claus Ogerman, es realmente etéreo. Winding terminó su carrera de 12 álbumes en Verve del mismo modo que la empezó: con gran belleza artística.
Poco después, Creed Taylor dejó Verve Records para formar su propio sello CTI Records. Winding grabó otro álbum -que permanece inédito- para el sello MGM (con Taylor, probablemente) antes de que Taylor reuniera a Winding con J.J. Johnson. La pareja colaboró en tres proyectos de reunión de alto nivel en A&M/CTI a finales de la década de 1960. Winding también hizo trabajos de sesión en esa época para grabaciones de A&M/CTI como "Summertime" de Paul Desmond, y "Walking in Space" de Quincy Jones.
A principios de la década de 1970, Kai Winding realizó numerosas giras con The Giants Of Jazz, en las que participaron viejos camaradas como Dizzy Gillespie y Sonny Stitt y los legendarios maestros Thelonius Monk y Art Blakey. También participó en una serie de discos que recogieron el Festival de Newport en Nueva York de 1972, reuniéndose con compañeros de la época como Billy Eckstein, Flip Phillips y Zoot Sims.
Con el tiempo, Winding optó por tocar cuando le apetecía, estableciéndose en España con su tercera esposa, Ezshwan. Los discos durante estos años fueron escasos y en sellos muy pequeños: dos para el sello Glendale y dos para el sello Who's Who In Jazz de Lionel Hampton. Winding siguió actuando con regularidad, formando pareja con el gran Curtis Fuller en 1979 para dos excelentes grabaciones de "Giant Bones". Finalmente, Winding grabó un increíble "Trombone Summit" para el sello alemán MPS (1980), encabezando un cuarteto de huesos con Albert Mangelsdorff, Bill Watrous y Jiggs Whigham - incluso reuniéndose una última vez con J.J. Johnson para "All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82" (1982).
Desgraciadamente, tras una larga y artística carrera, Kai Winding sucumbió a un tumor cerebral en un hospital de Nueva York el 6 de mayo de 1983, justo antes de cumplir 61 años. Uno de sus hijos, Jai, ha mantenido vivo el legado musical de Kai Winding como respetado -¡y ocupado! - teclista de sesión para una gran variedad de artistas, como George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent y muchos, muchos otros.
El legado del bop de Kai Winding se ha mantenido vivo en una variedad de reediciones que merecen la pena y en innumerables recopilaciones. Sin embargo, uno espera que, con el tiempo, los grandes sellos discográficos reconozcan la considerable contribución que Kai Winding hizo durante la década de 1960 como parte de Verve Records.
Fuente: Doug Payne
https://www.allaboutjazz.com/musicians/kai-winding
Grant Green • Reaching Out
Review by Michael G. Nastos
Grant Green was just established as a leader by 1961 when these recordings were made, but this is not the typical Blue Note date that stamped his individuality in following years. Though Green is credited as the leader, those responsibilities are accepted by tenor saxophonist Frank Haynes, one of the most obscure but tastiest players on his instrument this side of Joe Henderson and Stanley Turrentine. The cool, spacious, thoughtful and unhurried sound of Haynes dominates this recording, as Green barely comes up for air on solos or the occasional joint melody line. Billy Gardner, better known as an organist, plays beautifully and with feeling on the piano, while bassist Ben Tucker and the great drummer Dave Bailey team up to provide the perfect, steady rhythmic foundation so essential to great mainstream jazz expressionism. Detroiter Rudy Stevenson consistently contributed to Green's repertoire, and here he delivers the title selection, a steady, subtle bop line, while Gardner wrote "One for Elena," another bop tune for Haynes and his understated demeanor, with Green's signature single-note staccato style emerging on his solo. Tucker -- always a solid musician -- contributes the compositions "A Flick of a Trick" and "Baby, You Should Know It," the former an easy swinging blues based jazz tune with Gardner's rumbling piano and a plus-plus solo, while the latter is a famous soul-jazz classic, vocalized in later years, but here a nice, long groove tune where Haynes and Green play in tandem. Harold Vick's "Our Miss Brooks" became a staple of Green's repertoire after this session, here it is rendered in a slow grinding blues base, with Green's one-note accents and simple rhythm guitar buoyancy. In only one instance, Green leads out for "Falling in Love with Love" as his true colors and personalized vibe shines. There are much longer master first takes on the CD reissue of "Reaching Out," "Our Miss Brooks," and "One for Elena." As most of Grant Green's best work is on the Blue Note label, these developmental sessions constitute a fledgling effort, easily treasured by his fans. It is also a high-water mark for Haynes, who sadly passed away only four years after this album was made.
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Traducción Automática:
Revisión por Michael G. Nastos
Grant Green se estableció como líder en 1961 cuando se hicieron estas grabaciones, pero esta no es la fecha típica de Blue Note que selló su individualidad en los años siguientes. Aunque Green es reconocido como el líder, esas responsabilidades son aceptadas por el saxofonista tenor Frank Haynes, uno de los jugadores más oscuros pero más sabrosos en su instrumento de este lado de Joe Henderson y Stanley Turrentine. El sonido fresco, espacioso, reflexivo y sin prisas de Haynes domina esta grabación, ya que Green apenas sale al aire en los solos o en la línea de la melodía conjunta ocasional. Billy Gardner, más conocido como organista, toca maravillosamente y con una sensación en el piano, mientras que el bajista Ben Tucker y el gran baterista Dave Bailey se unen para proporcionar la base rítmica perfecta y estable, tan esencial para el gran expresionismo del jazz. El destructor Rudy Stevenson contribuyó constantemente al repertorio de Green, y aquí ofrece la selección del título, una línea de bop constante y sutil, mientras que Gardner escribió "One for Elena", otra melodía de bop para Haynes y su comportamiento discreto, con el exclusivo staccato de Green. Estilo emergente en su solo. Tucker, siempre un músico sólido, contribuye con las composiciones "A Flick of a Trick" y "Baby, You Should Know It", la primera canción de jazz basada en el blues fácil con el retumbante piano de Gardner y un solo más, mientras este último es un famoso soul-jazz clásico, vocalizado en años posteriores, pero aquí una melodía agradable y larga donde Haynes y Green tocan juntos. "Our Miss Brooks" de Harold Vick se convirtió en un elemento básico del repertorio de Green después de esta sesión, aquí se presenta en una base de blues de lenta molienda, con acentos de una sola nota de Green y un simple ritmo de guitarra. En un solo caso, Green lidera "Falling in Love with Love", ya que sus verdaderos colores y su vibra personalizada brillan. La primera versión del CD de "Reaching Out", "Our Miss Brooks" y "One for Elena" es mucho más larga. Como la mayor parte del mejor trabajo de Grant Green está en la etiqueta Blue Note, estas sesiones de desarrollo constituyen un esfuerzo incipiente, fácilmente atesorado por sus fanáticos. También es un punto culminante para Haynes, quien lamentablemente falleció solo cuatro años después de que se hizo este álbum.
Grant Green se estableció como líder en 1961 cuando se hicieron estas grabaciones, pero esta no es la fecha típica de Blue Note que selló su individualidad en los años siguientes. Aunque Green es reconocido como el líder, esas responsabilidades son aceptadas por el saxofonista tenor Frank Haynes, uno de los jugadores más oscuros pero más sabrosos en su instrumento de este lado de Joe Henderson y Stanley Turrentine. El sonido fresco, espacioso, reflexivo y sin prisas de Haynes domina esta grabación, ya que Green apenas sale al aire en los solos o en la línea de la melodía conjunta ocasional. Billy Gardner, más conocido como organista, toca maravillosamente y con una sensación en el piano, mientras que el bajista Ben Tucker y el gran baterista Dave Bailey se unen para proporcionar la base rítmica perfecta y estable, tan esencial para el gran expresionismo del jazz. El destructor Rudy Stevenson contribuyó constantemente al repertorio de Green, y aquí ofrece la selección del título, una línea de bop constante y sutil, mientras que Gardner escribió "One for Elena", otra melodía de bop para Haynes y su comportamiento discreto, con el exclusivo staccato de Green. Estilo emergente en su solo. Tucker, siempre un músico sólido, contribuye con las composiciones "A Flick of a Trick" y "Baby, You Should Know It", la primera canción de jazz basada en el blues fácil con el retumbante piano de Gardner y un solo más, mientras este último es un famoso soul-jazz clásico, vocalizado en años posteriores, pero aquí una melodía agradable y larga donde Haynes y Green tocan juntos. "Our Miss Brooks" de Harold Vick se convirtió en un elemento básico del repertorio de Green después de esta sesión, aquí se presenta en una base de blues de lenta molienda, con acentos de una sola nota de Green y un simple ritmo de guitarra. En un solo caso, Green lidera "Falling in Love with Love", ya que sus verdaderos colores y su vibra personalizada brillan. La primera versión del CD de "Reaching Out", "Our Miss Brooks" y "One for Elena" es mucho más larga. Como la mayor parte del mejor trabajo de Grant Green está en la etiqueta Blue Note, estas sesiones de desarrollo constituyen un esfuerzo incipiente, fácilmente atesorado por sus fanáticos. También es un punto culminante para Haynes, quien lamentablemente falleció solo cuatro años después de que se hizo este álbum.
Raphaël Faÿs feat. Claude Mouton & Laurent Bajata • Gipsy Night
BIOGRAPHY
HIS CAREER HIS INFLUENCES
Raphaël Faÿs was born the guitar between arms, of a father guitarist of Jazz who had a lightning and promising beginning of career. He works the directory of his master Django Reinhardt and is recognized as the exceptionally gifted heir of the tradition. Raphaël Faÿs's musical world crosses Europe. His play is constituted by a large guitar experiences. Raphaël Faÿs's musical world crosses Europe. His play is constituted by a large guitar experiences.
HIS ATTRACTION FOR THE FLAMENCO
He likes the flamenco from 1987 when he met Paco de Lucia in Paris. In the same time he is already recognized as a virtuoso of the classic guitar as much as the guitar of jazz.
Although his instrumental ease favours a fast learning of the technique flamenca which he interprets with the "poua" called plectrum, it seems that, by modesty doubtless, he will have expected from long years before daring to centre his work on this style. He has already composed numerous works of inspiration flamenco : bulérias, alégrias, Fandango, a perfect success which he expresses brilliantly in his extraordinary and original interpretation.
Further to albums "Andalucia" in 2008 and "Extremadura" in 2009. Raphaël Faÿs proposes his new album today " Mi Camino Con El Flamenco ".
He matures his play and his reflection. He offers new versions of some pieces composed by el Maestro Paco de Lucia "Entre dos Aguas" and "Rio Ancho" in the expression of his own flamenco.
Therefore, he proposes a new lighting of this music and in a way he widens the limits Raphaël Fays makes more than fusing two styles, gypsies and flamenco, he reports what, beyond the borders of Spain and the Eastern Europe, is common to these two gypsies communities, European gipsies and the Spanish-Andalusian. The life took away to them but their history is common.
Rare are the musicians who in the style of Raphaël Faÿs will have known how to investigate musical fields so varied as demanding with the same conviction, the same righteousness and the same happiness. More than the performance, it is the humanity and the generosity of the work that it is advisable to greet today.
The flamenco of Raphaël Faÿs is naturally its own music, which he wants to share with the public. He pursues his road and asserts himself by his own style !
http://www.raphaelfays.com/biographie_gb.htm
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BIOGRAFÍA
SU CARRERA SUS INFLUENCIAS
Raphaël Faÿs nació la guitarra entre los brazos, de un padre guitarrista de Jazz que tuvo un relámpago y prometedor comienzo de carrera. Trabaja el repertorio de su maestro Django Reinhardt y es reconocido como el heredero excepcionalmente dotado de la tradición. El mundo musical de Raphaël Faÿs atraviesa Europa. Su obra está constituida por una gran experiencia guitarrística. El mundo musical de Raphaël Faÿs atraviesa Europa. Su obra está constituida por una gran experiencia guitarrística.
SU ATRACCIÓN PARA EL FLAMENCO
Le gusta el flamenco desde 1987 cuando conoció a Paco de Lucía en París. En el mismo tiempo ya es reconocido como un virtuoso de la guitarra clásica tanto como de la guitarra de jazz.
Aunque su facilidad instrumental favorece un rápido aprendizaje de la técnica flamenca que interpreta con la "poua" llamada púa, parece que, por modestia sin duda, habrá esperado desde hace años antes de atreverse a centrar su obra en este estilo. Ya ha compuesto numerosas obras de inspiración flamenca : bulérias, alégrias, Fandango, un éxito perfecto que expresa brillantemente en su extraordinaria y original interpretación.
Además de los álbumes "Andalucía" en 2008 y "Extremadura" en 2009. Raphaël Faÿs propone hoy su nuevo álbum " Mi Camino Con El Flamenco ".
Madura su obra y su reflexión. Ofrece nuevas versiones de algunas piezas compuestas por el Maestro Paco de Lucia "Entre dos Aguas" y "Rio Ancho" en la expresión de su propio flamenco.
Por lo tanto, propone una nueva iluminación de esta música y en cierto modo amplía los límites Raphaël Fays hace más que fusionar dos estilos, gitanos y flamenco, informa de lo que, más allá de las fronteras de España y de la Europa del Este, es común a estas dos comunidades gitanas, los gitanos europeos y los hispano-andaluces. La vida les arrebató pero su historia es común.
Raros son los músicos que al estilo de Raphaël Faÿs habrán sabido investigar campos musicales tan variados como exigentes con la misma convicción, la misma rectitud y la misma alegría. Más que la interpretación, es la humanidad y la generosidad de la obra lo que conviene saludar hoy.
El flamenco de Raphaël Faÿs es naturalmente su propia música, que quiere compartir con el público. ¡Persigue su camino y se afirma por su propio estilo !
http://www.raphaelfays.com/biographie_gb.htm
Wednesday, December 29, 2021
John Patton • Along Came John
Review:
by Stephen Thomas Erlewine
By the time John Patton recorded Along Came John, his debut as a leader, he had already become a familiar name around the Blue Note studios. He, guitarist Grant Green, and drummer Ben Dixon had become the label's regular soul-jazz rhythm section, playing on sessions by Lou Donaldson, Don Wilkerson, and Harold Vick, among others. They had developed an intuitive, empathetic interplay that elevated many of their sessions to near-greatness, at least in the realm of soul-jazz. That's one of the reasons why Along Came John is so successful -- the three know each other so well that their grooves are totally natural, which makes them quite appealing. These original compositions may not all be memorable, but the band's interaction, improvisation, and solos are. Tenor saxophonists Fred Jackson and Harold Vick provide good support, as well, but the show belongs to Patton, Green, and Dixon, who once again prove they are one of the finest soul-jazz combos of their era.
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Reseña:
por Stephen Thomas Erlewine
Por el equipo John Patton grabado Canto John, su debut en la líder, he he hecho ya un familiar name alrededor de los Blue Note studios. , Que se estrenará en el mes de mayo de este año, en la que participará en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Han sido desarrollados un intuitivo, empathetic interplay que elevó muchos de sus sesiones a cerca de la grandeza, al menos en el reino del soul-jazz. Que es una de las razones por las que el Came Juan es tan exitoso - los tres saben cada uno de ellos tan bien que sus grooves son totalmente naturales, que las marcas ellos quita la aparición. Estos originales composiciones no pueden ser memorables, pero la banda de interacción, improvisación, y los suelos. , Que se ha convertido en una de las mejores películas de la saga de la saga Crepúsculo.
Si Zentner and His Orchestra • It's Nice to Go Trav'ling
Simon Hugh "Si" Zentner (June 13, 1917 in New York City – January 31, 2000 in Las Vegas, Nevada) was an American trombonist and jazz big-band leader.
Zentner played violin from age four and picked up trombone a few years later. As a teenager, he was awarded the Guggenheim Foundation Philharmonic Scholarship. He attended college for music and had intended to pursue a career in classical music, but became more interested in pop music after recording with Andre Kostelanetz. Zentner played in the bands of Les Brown, Harry James, and Jimmy Dorsey in the 1940s, then moved to Los Angeles, where he worked as a studio musician. He also landed a job with MGM from 1949 to the mid-50s, and was involved in the music for films such as Singin' in the Rain and A Star Is Born.
In the late 1950s Zentner put together his own studio big band and signed with Bel Canto Records. The Zentner band began recording for Liberty Records in 1959 releasing numerous successful pop/jazz albums during the 1960s and touring steadily with a large well-rehearsed outfit. He also briefly recorded for RCA Victor. Zentner was a tireless promoter and claimed to have played 178 consecutive one-night performances when the band was at its peak. His ensemble was voted "Best Big Band" for 13 straight years by Down Beat, and Zentner himself was voted Best Trombonist in Playboy Jazz Readers' Poll. Zentner was known for his bold, brash and bright playing with great breath control and distinctive vibrato. In 1962, his album Up a Lazy River (Big Band Plays the Big Hits, Vol. 2) (arranged by Bob Florence) won a Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance.
Zentner's success was thoroughly unusual; he had a thriving big band going at a time when big band music was, for the most part, on the wane. The general downturn in interest eventually caught up to him, and by mid-decade the orchestra performed only on a limited basis despite recording through the late 1960s. He then moved to Las Vegas and accompanied Mel Tormé at the Blue Room of the Tropicana Hotel. In 1968 he became musical director of the long-running Vegas show Folies Bergere. It wasn't until the 1990s that Zentner returned to big band performance, assembling a new group and releasing several more albums. He suffered from leukemia late in life, though he continued performing into 1999; he died of the disease in early 2000.
Zentner played violin from age four and picked up trombone a few years later. As a teenager, he was awarded the Guggenheim Foundation Philharmonic Scholarship. He attended college for music and had intended to pursue a career in classical music, but became more interested in pop music after recording with Andre Kostelanetz. Zentner played in the bands of Les Brown, Harry James, and Jimmy Dorsey in the 1940s, then moved to Los Angeles, where he worked as a studio musician. He also landed a job with MGM from 1949 to the mid-50s, and was involved in the music for films such as Singin' in the Rain and A Star Is Born.
In the late 1950s Zentner put together his own studio big band and signed with Bel Canto Records. The Zentner band began recording for Liberty Records in 1959 releasing numerous successful pop/jazz albums during the 1960s and touring steadily with a large well-rehearsed outfit. He also briefly recorded for RCA Victor. Zentner was a tireless promoter and claimed to have played 178 consecutive one-night performances when the band was at its peak. His ensemble was voted "Best Big Band" for 13 straight years by Down Beat, and Zentner himself was voted Best Trombonist in Playboy Jazz Readers' Poll. Zentner was known for his bold, brash and bright playing with great breath control and distinctive vibrato. In 1962, his album Up a Lazy River (Big Band Plays the Big Hits, Vol. 2) (arranged by Bob Florence) won a Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance.
Zentner's success was thoroughly unusual; he had a thriving big band going at a time when big band music was, for the most part, on the wane. The general downturn in interest eventually caught up to him, and by mid-decade the orchestra performed only on a limited basis despite recording through the late 1960s. He then moved to Las Vegas and accompanied Mel Tormé at the Blue Room of the Tropicana Hotel. In 1968 he became musical director of the long-running Vegas show Folies Bergere. It wasn't until the 1990s that Zentner returned to big band performance, assembling a new group and releasing several more albums. He suffered from leukemia late in life, though he continued performing into 1999; he died of the disease in early 2000.
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Traducción Automática:
Simon Hugh "Si" Zentner (13 de junio de 1917 en la ciudad de Nueva York - 31 de enero de 2000 en Las Vegas, Nevada) fue un trombonista estadounidense y líder de grandes bandas de jazz.
Zentner tocó el violín desde los cuatro años y recogió el trombón unos años más tarde. En su adolescencia, recibió la Beca Filarmónica de la Fundación Guggenheim. Asistió a la universidad para la música y tenía la intención de seguir una carrera en la música clásica, pero se interesó más en la música pop después de grabar con Andre Kostelanetz. Zentner tocó en las bandas de Les Brown, Harry James y Jimmy Dorsey en la década de 1940, luego se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como músico de estudio. También consiguió un trabajo en MGM desde 1949 hasta mediados de los 50, y participó en la música para películas como Singin 'in the Rain y A Star Is Born.
A fines de la década de 1950, Zentner armó su propia banda de estudio y firmó con Bel Canto Records. La banda Zentner comenzó a grabar para Liberty Records en 1959 lanzando numerosos álbumes de pop / jazz exitosos durante la década de 1960 y haciendo giras de manera constante con un gran conjunto bien ensayado. También grabó brevemente para RCA Victor. Zentner fue un incansable promotor y afirmó haber tocado 178 actuaciones consecutivas de una noche cuando la banda estaba en su apogeo. Su conjunto fue votado como "Mejor Big Band" por 13 años consecutivos por Down Beat, y el mismo Zentner fue elegido Mejor Trombonista en la Encuesta de Lectores de Playboy Jazz. Zentner era conocido por su juego audaz, temerario y brillante con un gran control de la respiración y un vibrato distintivo. En 1962, su álbum Up a Lazy River (Big Band Plays Big Hits, Vol. 2) (organizado por Bob Florence) ganó un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop.
El éxito de Zentner fue completamente inusual; él tenía una gran banda próspera en un momento en que la música de la gran banda estaba, en su mayor parte, en decadencia. La recesión general en el interés finalmente lo alcanzó, y para mediados de la década la orquesta actuó solo de manera limitada a pesar de la grabación hasta fines de los años sesenta. Luego se mudó a Las Vegas y acompañó a Mel Tormé en la habitación azul del hotel Tropicana. En 1968 se convirtió en director musical del espectáculo Folies Bergere de Las Vegas. No fue hasta la década de 1990 que Zentner regresó a la actuación de big band, formando un nuevo grupo y lanzando varios álbumes más. Sufrió leucemia en una etapa avanzada de la vida, aunque continuó actuando en 1999; Murió de la enfermedad a principios de 2000.
Zentner tocó el violín desde los cuatro años y recogió el trombón unos años más tarde. En su adolescencia, recibió la Beca Filarmónica de la Fundación Guggenheim. Asistió a la universidad para la música y tenía la intención de seguir una carrera en la música clásica, pero se interesó más en la música pop después de grabar con Andre Kostelanetz. Zentner tocó en las bandas de Les Brown, Harry James y Jimmy Dorsey en la década de 1940, luego se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como músico de estudio. También consiguió un trabajo en MGM desde 1949 hasta mediados de los 50, y participó en la música para películas como Singin 'in the Rain y A Star Is Born.
A fines de la década de 1950, Zentner armó su propia banda de estudio y firmó con Bel Canto Records. La banda Zentner comenzó a grabar para Liberty Records en 1959 lanzando numerosos álbumes de pop / jazz exitosos durante la década de 1960 y haciendo giras de manera constante con un gran conjunto bien ensayado. También grabó brevemente para RCA Victor. Zentner fue un incansable promotor y afirmó haber tocado 178 actuaciones consecutivas de una noche cuando la banda estaba en su apogeo. Su conjunto fue votado como "Mejor Big Band" por 13 años consecutivos por Down Beat, y el mismo Zentner fue elegido Mejor Trombonista en la Encuesta de Lectores de Playboy Jazz. Zentner era conocido por su juego audaz, temerario y brillante con un gran control de la respiración y un vibrato distintivo. En 1962, su álbum Up a Lazy River (Big Band Plays Big Hits, Vol. 2) (organizado por Bob Florence) ganó un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop.
El éxito de Zentner fue completamente inusual; él tenía una gran banda próspera en un momento en que la música de la gran banda estaba, en su mayor parte, en decadencia. La recesión general en el interés finalmente lo alcanzó, y para mediados de la década la orquesta actuó solo de manera limitada a pesar de la grabación hasta fines de los años sesenta. Luego se mudó a Las Vegas y acompañó a Mel Tormé en la habitación azul del hotel Tropicana. En 1968 se convirtió en director musical del espectáculo Folies Bergere de Las Vegas. No fue hasta la década de 1990 que Zentner regresó a la actuación de big band, formando un nuevo grupo y lanzando varios álbumes más. Sufrió leucemia en una etapa avanzada de la vida, aunque continuó actuando en 1999; Murió de la enfermedad a principios de 2000.
Johnny 'Hammond' Smith • Dirty Grape
Review by Richie Unterberger
On this pleasant but moderately by-numbers set of late 1960s soul-jazz, Smith leads a combo whose most notable member is tenor saxophonist Houston Person. On the original numbers (Smith and guitarist Wally Richardson contribute two apiece), they sound rather like a jazzy Booker T. & the MG's. Also included are covers of R&B and pop tunes: "Hi Heel Sneakers" is a predictable treatment with no surprises, but Smith pulls out more stops on the funky arrangement of "To Sir With Love" and offers a spirited take on Lou Rawls' "Love Is a Hurtin' Thing." These interpretations have the sly ingenuity characteristic of Smith's cover-stuffed Soul Flowers album, which he cut just four months before this session with the same supporting cast. Dirty Grape is now available in its entirety on Prestige's CD of Soul Flowers, which puts both LPs onto one disc.
Bio
Born in Louisville, Kentucky, Johnny ‘Hammond’ Smith began playing piano at age five. Growing up to influences such as Oscar Peterson, Charlie Parker, Lionel Hampton, Arthur Rubenstein, Gershwin, etc., Johnny sought to bring a new dimension to jazz piano.
Forming his first professional group at age twelve, he knew exactly what he wanted to present and how to present it. Since then he has recorded dozens of albums under his own name and even more as a guest artist, awarding him the acclaim as one of the top jazz organist record sellers in the world. He has taken the keyboard into a new realm via exciting performance and fluent technique. A true stylist and innovator of the jazz tradition, he has been a featured artist at Concerts by the Sea, the Lighthouse, the Dorothy Chandler Pavilion, the Hollywood Bowl, and the Hollywood Palladium. He has also toured outside of the U.S. in such countries as France, Japan, Spain, Canada, Germany, England, Italy, Sweden, and numerous others.
In addition to the many places he has toured, Johnny has also toured and recorded with many top performers such as George Benson, Grover Washington, Jr., and Ron Carter, to name a few. Many see Johnny as one of the founders of today’s jazz sound.
Johnny was a key part in bringing the Hammond organ from gospel into jazz, but that is not why ‘Hammond’ is in his name: “I was working at Prestige Records in 1959,” Johnny said, “and there was already a Jimmy Smith and a Johnny Smith. So a producer gave me the name ‘Hammond’ to distinguish me from the two; and I’ve had it ever since…but I don’t mind.”
Other than recording and performing, Johnny has also focused his talent in the areas of writing music, prose, and poetry. He has also worked as an executive at CTI records.
Johnny is currently spending his ‘temporary retirement’ teaching privately and at a California University to young musicians with a “desire to learn, just as I had.” Although he receives the most satisfaction and fulfillment now in writing, he still very much enjoys helping young artists and, of course, playing.
The future for Johnny Hammond Smith shines with a “brightness on the horizon.” Johnny foresees much success in the area of music composition, hoping to be a pioneer to another generation of young artists and another era of music.
Johnny passed away at home in Hesperia, California in 1997 (Other bios indicate his death in Chicago, which is erroneous. He played the Charles Earland Organ Summit in Chicago only days before his death, but did not pass away there.)
Billboard Magazine’s Obit, from August 9, 1997, page 30:
Johnny “Hammond” Smith, a highly skilled organist who came to prominence in the 1960?s, died of cancer June 4 in Victorville, Calif. Known for his deep blues feeling on the Hammond B-3 organ, he recorded for Prestige for most of the decade. One of his classic discs is 1969?s “Soul Talk.” Smith was 64 years old. http://johnnyhammondsmith.com/
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Traducción Automática:
Revisión por Richie Unterberger
En este conjunto agradable pero moderado de números de soul-jazz de fines de la década de 1960, Smith lidera un combo cuyo miembro más notable es el saxofonista tenor Houston Person. En los números originales (Smith y el guitarrista Wally Richardson contribuyen con dos cada uno), suenan como un Jazzy Booker T. & the MG's. También se incluyen versiones de R&B y melodías pop: "Hola zapatillas de tacón" es un tratamiento predecible sin sorpresas, pero Smith hace más paradas en el funky arreglo de "To Sir With Love" y ofrece una versión animada de Lou Rawls ". El amor es una cosa que daña ". Estas interpretaciones tienen el ingenio característico del álbum de Smith lleno de Soul Flowers, que cortó cuatro meses antes de esta sesión con el mismo reparto. Dirty Grape ahora está disponible en su totalidad en el CD de Prestige de Soul Flowers, que pone ambos LP en un disco.
Bio
Johnny "Hammond" Smith, nacido en Louisville, Kentucky, comenzó a tocar el piano a los cinco años. Al crecer con influencias como Oscar Peterson, Charlie Parker, Lionel Hampton, Arthur Rubenstein, Gershwin, etc., Johnny buscó darle una nueva dimensión al piano de jazz.
Al formar su primer grupo profesional a los doce años, sabía exactamente lo que quería presentar y cómo presentarlo. Desde entonces, ha grabado docenas de álbumes bajo su propio nombre y aún más como artista invitado, otorgándole el reconocimiento como uno de los mejores vendedores de discos de organistas de jazz del mundo. Ha llevado el teclado a un nuevo reino a través de un rendimiento emocionante y una técnica fluida. Un verdadero estilista e innovador de la tradición del jazz, ha sido un artista destacado en los Conciertos por el mar, el Faro, el Pabellón Dorothy Chandler, el Hollywood Bowl y el Hollywood Palladium. También ha realizado giras fuera de los EE. UU. En países como Francia, Japón, España, Canadá, Alemania, Inglaterra, Italia, Suecia y muchos otros.
Además de los muchos lugares en los que ha realizado giras, Johnny también ha realizado giras y grabaciones con muchos de los mejores artistas como George Benson, Grover Washington, Jr. y Ron Carter, por nombrar algunos. Muchos ven a Johnny como uno de los fundadores del sonido de jazz de hoy.
Johnny fue una parte clave en llevar el órgano Hammond del gospel al jazz, pero no es por eso que Hammond está a su nombre: "Trabajaba en Prestige Records en 1959", dijo Johnny, "y ya existía un Jimmy Smith. y un Johnny Smith. Así que un productor me dio el nombre "Hammond" para distinguirme de los dos; y lo he tenido desde entonces ... pero no me importa ".
Además de grabar y actuar, Johnny también ha centrado su talento en las áreas de escritura musical, prosa y poesía. También ha trabajado como ejecutivo en los registros de CTI.
Johnny actualmente está gastando su 'retiro temporal' en la enseñanza privada y en una universidad de California para jóvenes músicos con un "deseo de aprender, tal como yo lo hice". Aunque recibe la mayor satisfacción y satisfacción ahora por escrito, todavía disfruta mucho ayudando Jóvenes artistas y, por supuesto, tocando.
El futuro para Johnny Hammond Smith brilla con un "brillo en el horizonte". Johnny prevé mucho éxito en el área de la composición musical, esperando ser un pionero en otra generación de artistas jóvenes y en otra era de la música.
Johnny falleció en su casa en Hesperia, California en 1997 (Otras biografías indican su muerte en Chicago, lo cual es erróneo. Jugó en la Cumbre de Órganos Charles Earland en Chicago solo unos días antes de su muerte, pero no falleció allí).
Obit de la revista Billboard, del 9 de agosto de 1997, página 30:
Johnny "Hammond" Smith, un organista altamente calificado que llegó a la fama en la década de 1960, murió de cáncer el 4 de junio en Victorville, California. Conocido por su profundo sentimiento de blues sobre el órgano Hammond B-3, grabó para Prestige para la mayoría de la década. Uno de sus discos clásicos es "Soul Talk" de 1969. Smith tenía 64 años. http://johnnyhammondsmith.com/
Tuesday, December 28, 2021
Paul Desmond • Summertime
Review by Richard S. Ginell
In the midst of lolling away his time in semi-retirement after the Dave Brubeck Quartet broke up in 1967, Paul Desmond allowed himself to be lured back into the recording studio by producer Creed Taylor, who knew exactly what to do with his idle, but by no means spent, alto player. The result is a beautifully produced, eclectic album of music that revives Desmond's "bossa antigua" idea and sends it in different directions, directly toward Brazil and various Caribbean regions, as well as back to the jazzy States. "Samba With Some Barbecue" is a marvelous bossa nova treatment of Louis Armstrong's New Orleans rouser "Struttin' With Some Barbecue," whose opening bars bear an uncanny resemblance to those of "Samba de Orpheus" (which the erudite Desmond was no doubt aware of). No matter how many times you've heard "Autumn Leaves," Desmond's bossa nova treatment will give you a fresh jolt as he offhandedly tosses off the most exquisitely swinging ruminations; too bad it fades after only three minutes. In a pliable mood, Desmond even consents to record a then-new Beatles tune, "Ob-La-Di, Ob-La-Da," samba-style, quoting "Hey Jude" along the way (it's very possible that he was attracted by the main character of the lyric, a fellow named Desmond), and he makes potent music out of movie tunes like "Emily" and even the snazzy "Lady in Cement." Don Sebesky brings in some intelligently crafted arrangements for big band augmented by French horns, Herbie Hancock turns in some often brilliant solo work in several featured spots, Ron Carter is on bass, and Leo Morris and Airto Moreira alternate on drums. Never before had Desmond's alto been recorded so ravishingly -- Rudy Van Gelder's engineering gives it a new golden-mellow glow -- and the original LP had a great, sarcastic cover: gleaming icicles.
In the midst of lolling away his time in semi-retirement after the Dave Brubeck Quartet broke up in 1967, Paul Desmond allowed himself to be lured back into the recording studio by producer Creed Taylor, who knew exactly what to do with his idle, but by no means spent, alto player. The result is a beautifully produced, eclectic album of music that revives Desmond's "bossa antigua" idea and sends it in different directions, directly toward Brazil and various Caribbean regions, as well as back to the jazzy States. "Samba With Some Barbecue" is a marvelous bossa nova treatment of Louis Armstrong's New Orleans rouser "Struttin' With Some Barbecue," whose opening bars bear an uncanny resemblance to those of "Samba de Orpheus" (which the erudite Desmond was no doubt aware of). No matter how many times you've heard "Autumn Leaves," Desmond's bossa nova treatment will give you a fresh jolt as he offhandedly tosses off the most exquisitely swinging ruminations; too bad it fades after only three minutes. In a pliable mood, Desmond even consents to record a then-new Beatles tune, "Ob-La-Di, Ob-La-Da," samba-style, quoting "Hey Jude" along the way (it's very possible that he was attracted by the main character of the lyric, a fellow named Desmond), and he makes potent music out of movie tunes like "Emily" and even the snazzy "Lady in Cement." Don Sebesky brings in some intelligently crafted arrangements for big band augmented by French horns, Herbie Hancock turns in some often brilliant solo work in several featured spots, Ron Carter is on bass, and Leo Morris and Airto Moreira alternate on drums. Never before had Desmond's alto been recorded so ravishingly -- Rudy Van Gelder's engineering gives it a new golden-mellow glow -- and the original LP had a great, sarcastic cover: gleaming icicles.
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Reseña de Richard S. Ginell
En medio de su tiempo de semi-retiro tras la disolución del Dave Brubeck Quartet en 1967, Paul Desmond se dejó atraer de nuevo al estudio de grabación por el productor Creed Taylor, que sabía exactamente qué hacer con su ocioso, pero en absoluto gastado, contralto. El resultado es un álbum ecléctico y bellamente producido que revive la idea de la "bossa antigua" de Desmond y la envía en diferentes direcciones, directamente hacia Brasil y varias regiones del Caribe, así como de vuelta a los Estados Unidos del jazz. "Samba With Some Barbecue" es una maravillosa versión bossa nova de la canción de Louis Armstrong "Struttin' With Some Barbecue", cuyos primeros compases guardan un asombroso parecido con los de la "Samba de Orpheus" (que el erudito Desmond sin duda conocía). No importa cuántas veces hayas escuchado "Autumn Leaves", el tratamiento de la bossa nova de Desmond te dará una nueva sacudida cuando lance las cavilaciones más exquisitamente oscilantes; lástima que se desvanezca después de sólo tres minutos. En un estado de ánimo flexible, Desmond incluso consiente en grabar un tema de los Beatles, "Ob-La-Di, Ob-La-Da", al estilo de la samba, citando de paso "Hey Jude" (es muy posible que se sintiera atraído por el personaje principal de la letra, un tipo llamado Desmond), y hace música potente de melodías de películas como "Emily" e incluso la elegante "Lady in Cement". Don Sebesky aporta algunos arreglos inteligentemente elaborados para la big band, aumentados por las trompas francesas, Herbie Hancock realiza un trabajo en solitario a menudo brillante en varios puntos destacados, Ron Carter está en el bajo, y Leo Morris y Airto Moreira se alternan en la batería. Nunca antes se había grabado el contralto de Desmond de forma tan maravillosa -la ingeniería de Rudy Van Gelder le da un nuevo brillo dorado- y el LP original tenía una portada genial y sarcástica: carámbanos brillantes.
En medio de su tiempo de semi-retiro tras la disolución del Dave Brubeck Quartet en 1967, Paul Desmond se dejó atraer de nuevo al estudio de grabación por el productor Creed Taylor, que sabía exactamente qué hacer con su ocioso, pero en absoluto gastado, contralto. El resultado es un álbum ecléctico y bellamente producido que revive la idea de la "bossa antigua" de Desmond y la envía en diferentes direcciones, directamente hacia Brasil y varias regiones del Caribe, así como de vuelta a los Estados Unidos del jazz. "Samba With Some Barbecue" es una maravillosa versión bossa nova de la canción de Louis Armstrong "Struttin' With Some Barbecue", cuyos primeros compases guardan un asombroso parecido con los de la "Samba de Orpheus" (que el erudito Desmond sin duda conocía). No importa cuántas veces hayas escuchado "Autumn Leaves", el tratamiento de la bossa nova de Desmond te dará una nueva sacudida cuando lance las cavilaciones más exquisitamente oscilantes; lástima que se desvanezca después de sólo tres minutos. En un estado de ánimo flexible, Desmond incluso consiente en grabar un tema de los Beatles, "Ob-La-Di, Ob-La-Da", al estilo de la samba, citando de paso "Hey Jude" (es muy posible que se sintiera atraído por el personaje principal de la letra, un tipo llamado Desmond), y hace música potente de melodías de películas como "Emily" e incluso la elegante "Lady in Cement". Don Sebesky aporta algunos arreglos inteligentemente elaborados para la big band, aumentados por las trompas francesas, Herbie Hancock realiza un trabajo en solitario a menudo brillante en varios puntos destacados, Ron Carter está en el bajo, y Leo Morris y Airto Moreira se alternan en la batería. Nunca antes se había grabado el contralto de Desmond de forma tan maravillosa -la ingeniería de Rudy Van Gelder le da un nuevo brillo dorado- y el LP original tenía una portada genial y sarcástica: carámbanos brillantes.
Jimmy Smith • The Cat Strikes Again
Este disco del gran Jimmy conlleva algunas rarezas: Una de ellas es que profundiza la experimentación con el jazz funk, R&B, soul e incluso disco, otra es que quien erige esta línea musical como arreglista y conductor es nada menos que Lalo Schifrin, pero la más raro de este disco es que el Rey del Hammond ... toca un Wersi ! Todos tenemos un precio.
Por suerte la relación con la Wersi Organ Company no pasó de este disco, los alemanes se enojaron al enterarse que de día en las obligadas demostraciones tocaba el Wersi, pero de noche obviamente en los clubs nocturnos de jazz tocaba su apreciado Hammond.
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This record of the great Jimmy brings some rarities: One is that delves experimenting with jazz funk, R & B, soul and even disco music, another is that whoever erected this musical line as arranger and conductor is nothing less than Lalo Schifrin, but the rarest of this album is that the King of Hammond ... playing a Wersi! We all have a price.
Luckily the relationship with Wersi Organ Company was not this record, the Germans were angry to learn that day in demonstrations forced Wersi played, but at night it is obviously on jazz nightclubs Hammond played his beloved.
Terry Gibbs And His Orchestra • Launching A New Sound In Music
Review
by Scott Yanow
It is ironic that the Contemporary label came out with five CDs worth of unknown material by the Terry Gibbs Big Band while Polygram has completely neglected its studio sides by the same group. The music on this set, last available as a Trip LP, was the first by Gibbs' "Dream Band," a swinging outfit of top studio musicians who were based in L.A. at the time. This album is comprised of two arrangements apiece by Bill Holman, Bob Brookmeyer, Manny Albam, Al Cohn, Med Flory and Marty Paich, which pay tribute to Benny Goodman, Artie Shaw, Count Basie, Duke Ellington, Lionel Hampton and Tommy Dorsey. The tunes are mostly overly familiar (including "Stardust," "Cotton Tail," "Begin the Beguine" and "Flying Home") and clock in around three minutes, meaning that the solos are quite concise, but there are some good individual moments from the vibraphonist/leader, trumpeter Conte Candoli, and trombonist Frank Rosolino.
https://www.allmusic.com/album/launching-a-new-sound-in-music-mw0000902859
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Revisión
por Scott Yanow
Es irónico que el sello Contemporary haya sacado cinco CDs de material desconocido de la Terry Gibbs Big Band mientras que Polygram ha descuidado completamente sus lados de estudio del mismo grupo. La música de este conjunto, disponible por última vez como Trip LP, fue la primera de la "Dream Band" de Gibbs, un conjunto de músicos de estudio de primera línea que tenía su base en Los Ángeles en aquella época. Este álbum está compuesto por dos arreglos cada uno de Bill Holman, Bob Brookmeyer, Manny Albam, Al Cohn, Med Flory y Marty Paich, que rinden homenaje a Benny Goodman, Artie Shaw, Count Basie, Duke Ellington, Lionel Hampton y Tommy Dorsey. Las melodías son en su mayoría demasiado conocidas (incluyendo "Stardust", "Cotton Tail", "Begin the Beguine" y "Flying Home") y rondan los tres minutos, lo que significa que los solos son bastante concisos, pero hay algunos buenos momentos individuales del vibrafonista/líder, el trompetista Conte Candoli, y el trombonista Frank Rosolino.
https://www.allmusic.com/album/launching-a-new-sound-in-music-mw0000902859
Monday, December 27, 2021
Roy Brown-Wynonie Harris • Battle Of The Blues-Vol 1
Review by Stephen Cook
This first volume of King's Battle of the Blues series features two of the label's biggest acts: Roy Brown and Wynonie Harris. Having already made their names in the late '40s as premier blues shouters on the R&B and jump blues circuit, both singers migrated to the Cincinnati independent and reached even loftier chart heights. Brown takes up the first side with seven sides of his animated and gospel-fired vocals, including the classic "Boogie at Midnight." For his part, Harris indulges his rougher-hewn vocal cords for an update of his big smash, the Brown-penned "Good Rockin' Tonight," and one of his all-time King highlights, "Bloodshot Eyes." For some whiskey-soaked R&B nostalgia, this fine collection is hard to beat.
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Revisión por Stephen Cook
Este primer volumen de la serie King's Battle of the Blues presenta dos de los actos más importantes del sello: Roy Brown y Wynonie Harris. Ya habiendo hecho sus nombres a finales de los años 40 como los mejores cantantes de blues en el circuito de R&B y jump blues, ambos cantantes emigraron a Cincinnati de forma independiente y alcanzaron niveles aún más elevados. Brown ocupa el primer lado con siete lados de sus voces animadas y de gospel, incluido el clásico "Boogie at Midnight". Por su parte, Harris se complace con sus cuerdas vocales más ásperas para una actualización de su gran éxito, el "Good Rockin 'Tonight" escrito por Brown y uno de sus momentos más destacados de King, "Bloodshot Eyes". Para un poco de nostalgia de R&B empapada en whisky, esta excelente colección es difícil de superar.
Roy Brown-Wynonie Harris • Battle Of The Blues-Vol 2
Review by Stephen Cook
The second round of King's Battle of the Blues series features another healthy dose of tracks by Roy Brown and Wynonie Harris. And while more academically minded fans will want to first check out the wealth of earlier classics these two singers cut in the '40s, this roundup of '50s material will still provide a fine introduction to both of these giants. Again, Brown kicks things off with a side of his smooth yet powerful uptown blues; showing a deft pen, he sticks to a set of top-notch originals. Harris might not have written much of his own material, but he does show why his was one of the most incendiary and impassioned voices around, especially on the confessional "Drinking Blues." A perfect accouterment to your next after-hours shindig.
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Traducción Automática:
Revisión por Stephen Cook
La segunda ronda de la serie King's Battle of the Blues presenta otra buena dosis de canciones de Roy Brown y Wynonie Harris. Y mientras que los fanáticos con una mentalidad más académica querrán ver primero la riqueza de los clásicos anteriores que estos dos cantantes cortaron en los años 40, este resumen del material de los 50 aún proporcionará una excelente introducción a estos dos gigantes. Nuevamente, Brown inicia las cosas con un lado de su suave pero potente blues de la zona alta; mostrando un hábil bolígrafo, se pega a un conjunto de originales de primer nivel. Es posible que Harris no haya escrito gran parte de su propio material, pero muestra por qué fue una de las voces más incendiarias y apasionadas, especialmente en el confesionario "Drinking Blues". Un complemento perfecto para su próximo shindig después de las horas.
VA • Bossa Nova For Lovers
Review by Tim Sendra
The bossa nova is tailor-made for romance with its languid rhythms, smooth and easy melodies, and intimate, sexy vocals. Bossa Nova for Lovers is 16 tracks of classic '60s bossa nova from Verve. The collection features a good mix of vocal tracks and instrumentals. On the vocal side there are five Astrud Gilberto songs including one from the record she did with organist Walter Wanderley. Two tracks from the landmark Getz/Gilberto album, "Vivo Sonhando" and "O Grande Amor," are also included, João Gilberto's lovely vocals much to the fore. On the instrumental side are five Antonio Carlos Jobim tracks taken from his two Verve records that feature the composer playing his guitar with very lush orchestra backing, two Stan Getz and Laurindo Almeida duets, and one duet between Stan Getz and Charlie Byrd. The music is lush and the mood is unswervingly romantic. The only problem with the disc is that instead of the famous version of "The Girl From Ipanema" with Astrud Gilberto on vocals, the disc has the Jobim instrumental version. Still it is a very nice collection and is recommended for bossa nova fans looking for a bit of romance.
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Traducción Automática:
Revisión por Tim Sendra
La bossa nova está hecha a medida para el romance con sus ritmos lánguidos, melodías suaves y fáciles, y voces íntimas y atractivas. Bossa Nova para los amantes es 16 pistas del clásico bossa nova de los años 60 de Verve. La colección presenta una buena mezcla de pistas vocales e instrumentales. En el lado vocal hay cinco canciones de Astrud Gilberto, incluida una del disco que hizo con el organista Walter Wanderley. También se incluyen dos temas del histórico álbum de Getz / Gilberto, "Vivo Sonhando" y "O Grande Amor", con las hermosas voces de João Gilberto en un primer plano. Del lado instrumental hay cinco pistas de Antonio Carlos Jobim tomadas de sus dos discos de Verve que presentan al compositor tocando su guitarra con un respaldo de orquesta muy exuberante, dos dúos de Stan Getz y Laurindo Almeida, y un dúo entre Stan Getz y Charlie Byrd. La música es exuberante y el ambiente es increíblemente romántico. El único problema con el disco es que en lugar de la famosa versión de "The Girl From Ipanema" con Astrud Gilberto en la voz, el disco tiene la versión instrumental de Jobim. Aún así, es una colección muy agradable y se recomienda para los fanáticos de bossa nova que buscan un poco de romance.
Friday, December 24, 2021
Especial de Navidad / Christmas Special: VA • Jazzy Days III, 500 tracks, by Paulo
Nuevamente nuestro amigo Paulo ha compilado otra extraordinaria selección de jazz, con la cual amenizar esta última parte del año y comenzar el 2022 con buenas vibraciones. GRACIAS Paulo.
Antes de descargar este archivo es importante saber cómo se hizo. No
tomé las canciones que más me gustaban y las puse en un set. Si es así,
habría una gran diferencia de volumen y ecualización entre ellos.
Todas las pistas se pasaron por un editor de sonido. Cuando la pista proviene de un vinilo, trato de eliminar todos los pops y clics tanto como puedo. Si la pista es mono, pongo ecos de 5-6 milisegundos para que el sonido sea más suave. Mi editor de sonido tiene un simulador estéreo que utilicé en la mayoría de las pistas mono.
Cuando la pista es estéreo, en la mayoría de las canciones transfiero del 30 al 40% de los solos de un canal a otro para aumentar la presión del sonido y aumento el volumen de algunas partes con un volumen más bajo. Después de eso, uso un ecualizador para mejorar los graves y los agudos, cuando es necesario.
Y por último ajusto el volumen para que se quede en torno a -3dB con los picos limitados al 70%. En promedio, cada pista se trabaja en 15 a 20 minutos u horas cuando la pista tiene muchos pops y clics.
Es una experiencia diferente, espero que os guste.
Todas las pistas se pasaron por un editor de sonido. Cuando la pista proviene de un vinilo, trato de eliminar todos los pops y clics tanto como puedo. Si la pista es mono, pongo ecos de 5-6 milisegundos para que el sonido sea más suave. Mi editor de sonido tiene un simulador estéreo que utilicé en la mayoría de las pistas mono.
Cuando la pista es estéreo, en la mayoría de las canciones transfiero del 30 al 40% de los solos de un canal a otro para aumentar la presión del sonido y aumento el volumen de algunas partes con un volumen más bajo. Después de eso, uso un ecualizador para mejorar los graves y los agudos, cuando es necesario.
Y por último ajusto el volumen para que se quede en torno a -3dB con los picos limitados al 70%. En promedio, cada pista se trabaja en 15 a 20 minutos u horas cuando la pista tiene muchos pops y clics.
Es una experiencia diferente, espero que os guste.
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Once again our friend Paulo has compiled another extraordinary selection of jazz, with which to liven up this last part of the year and start 2022 with good vibes. THANK YOU Paulo.
Note by Paulo :
Before downloading this file it is important to know how it was done. I
didn't take the songs I liked the most and put them in a set. If so,
there would be a big difference in volume and equalization between them.
All tracks were passed through a sound editor. When the track came from a vinyl I try to eliminate all the pops and clicks as much as I can. If the track is mono I put 5-6 millisecond echoes to make the sound softer. My sound editor has a stereo simulator which I used on most mono tracks.
When the track is stereo, on most songs I transfer 30 to 40% of the solos from one channel to another in order to increase the sound pressure and I increase the volume of some parts with lower volume. After that I use an equalizer to enhance the bass and treble, when needed.
And finally I adjust the volume so that it stays around -3dB with the peaks limited to 70%. On average each track is worked on in 15-20 minutes or hours when the track has a lot of pops and clicks.
All tracks were passed through a sound editor. When the track came from a vinyl I try to eliminate all the pops and clicks as much as I can. If the track is mono I put 5-6 millisecond echoes to make the sound softer. My sound editor has a stereo simulator which I used on most mono tracks.
When the track is stereo, on most songs I transfer 30 to 40% of the solos from one channel to another in order to increase the sound pressure and I increase the volume of some parts with lower volume. After that I use an equalizer to enhance the bass and treble, when needed.
And finally I adjust the volume so that it stays around -3dB with the peaks limited to 70%. On average each track is worked on in 15-20 minutes or hours when the track has a lot of pops and clicks.
It's a different experience and I hope you like it.
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