Biography by Jason Ankeny Trombonist Albert Mangelsdorff pioneered the art of jazz polyphonics, introducing to the avant-garde the symphonic tradition of playing multiple notes simultaneously. Born in Frankfurt, Germany, on September 5, 1928, Mangelsdorff grew up enthralled by jazz, devouring his older brother Emil's record collection. His uncle, a professional violinist, gave him music lessons as a teen, but the rise of the Third Reich forced him to keep his passion for jazz in check. Over time Mangelsdorff taught himself guitar, but following World War II he managed to acquire a used trombone in exchange for cigarettes -- he often played for audiences comprised of the American soldiers who remained stationed overseas, finally performing to crowds who shared his appreciation for jazz. Word of Mangelsdorff's prowess on the trombone soon reached his fellow musicians, and in 1952 he made his recording debut in support of saxophonist Hans Koller. He also worked in small groups and with the Dance Hesse Radio Orchestra throughout the decade, and in 1958 was selected to serve as the German representative for the Newport Jazz Festival International Band, an opportunity that resulted in collaborations with U.S. giants like Gerry Mulligan and Louis Armstrong. Upon returning to Germany, Mangelsdorff inaugurated a prolific recording period that included collaborations with sibling Emil, Modern Jazz Quartet pianist John Lewis (the 1962 Atlantic LP Animal Dance), and his own quintet featuring his longtime associate, saxophonist Heinz Sauer. As the decade continued, Mangelsdorff moved increasingly into the realm of free jazz, culminating in his first unaccompanied solo performance at the Munich Olympic Games in 1972. He made solo trombone -- a heretofore unknown concept in jazz -- a reality via multiphonics, the physically and technically demanding simultaneous blowing and singing of notes into his horn; the method opened vast new dimensions like harmonies and chords, and over the years Mangelsdorff also incorporated modal improvising and even rock & roll elements into the equation. In 1980, the American magazine Down Beat named him the world's best trombonist -- from there, he worked with the NDR Big Band, the Manfred Schoof-led Old Friends, and the United Jazz + Rock Ensemble, and in 2003 celebrated his 75th birthday with an all-star celebration at Frankfurt's Die Alte Oper. Mangelsdorff died on July 25, 2005. https://www.allmusic.com/artist/albert-mangelsdorff-mn0000615170#biography
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Biografía de Jason Ankeny El trombonista Albert Mangelsdorff fue pionero en el arte de la polifonía jazzística, introduciendo en la vanguardia la tradición sinfónica de tocar varias notas simultáneamente. Nacido en Fráncfort (Alemania) el 5 de septiembre de 1928, Mangelsdorff creció cautivado por el jazz, devorando la colección de discos de su hermano mayor Emil. Su tío, violinista profesional, le dio clases de música cuando era adolescente, pero el ascenso del Tercer Reich le obligó a mantener a raya su pasión por el jazz. Con el tiempo, Mangelsdorff aprendió a tocar la guitarra y, tras la Segunda Guerra Mundial, se las arregló para adquirir un trombón usado a cambio de cigarrillos. A menudo tocaba para un público compuesto por los soldados estadounidenses que permanecían estacionados en el extranjero y, finalmente, actuaba ante multitudes que compartían su aprecio por el jazz. Pronto se corrió la voz de las proezas de Mangelsdorff con el trombón, y en 1952 hizo su debut discográfico como telonero del saxofonista Hans Koller. También trabajó en pequeños grupos y con la Orquesta de la Radio Dance Hesse durante toda la década, y en 1958 fue seleccionado como representante alemán para la Banda Internacional del Festival de Jazz de Newport, una oportunidad que se tradujo en colaboraciones con gigantes estadounidenses como Gerry Mulligan y Louis Armstrong. A su regreso a Alemania, Mangelsdorff inició un prolífico periodo de grabaciones que incluyó colaboraciones con su hermano Emil, el pianista del Modern Jazz Quartet John Lewis (el LP Animal Dance de Atlantic de 1962), y su propio quinteto con su viejo socio, el saxofonista Heinz Sauer. A medida que avanzaba la década, Mangelsdorff fue adentrándose cada vez más en el terreno del free jazz, que culminó con su primera actuación como solista sin acompañamiento en los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972. Hizo realidad el trombón solista -un concepto desconocido hasta entonces en el jazz- mediante la multifonía, el soplido y canto simultáneos de notas en su trompa, un método física y técnicamente exigente; el método abrió nuevas y vastas dimensiones, como las armonías y los acordes, y con los años Mangelsdorff también incorporó a la ecuación la improvisación modal e incluso elementos del rock & roll. En 1980, la revista estadounidense Down Beat le nombró mejor trombonista del mundo; a partir de entonces, trabajó con la NDR Big Band, la Manfred Schoof-led Old Friends y la United Jazz + Rock Ensemble, y en 2003 celebró su 75 cumpleaños con una fiesta en la Die Alte Oper de Fráncfort. Mangelsdorff falleció el 25 de julio de 2005. https://www.allmusic.com/artist/albert-mangelsdorff-mn0000615170#biography
In the 1960s, vibist Johnny Lytle was arguably the Milt Jackson of soul-jazz -- or perhaps the Cal Tjader of soul-jazz. Jackson and Tjader both influenced his vibraphone playing, as did Lionel Hampton. But Lytle had a recognizable sound of his own -- one that proved to be perfect for soul-jazz and organ combos. Two of the fine soul-jazz/hard bop LPs that the vibist recorded in the early '60s were Got That Feeling! (Riverside) and Moon Child (Jazzland), both of which Milestone/Fantasy reissued back to back on this 75-minute CD in 2001. Although the vibes/organ combination wasn't terribly common in the 1960s, it's one that worked quite nicely for Lytle. Organist Milt Harris is featured on all of these 1962-1963 recordings, and he proves to be a major asset to Lytle, whether the vibist is turning his attention to well-known standards ("Moonlight in Vermont," "In the Wee Small Hours of the Morning," "Our Love Is Here to Stay") or original material ("Big John Grady," "The Soulful One"). Another noteworthy Lytle original is "The House of Winchester," a swinging number that he wrote in remembrance of fellow vibist Lem Winchester (who was only 32 when, in 1961, he unsuccessfully demonstrated a trick with a loaded gun and accidentally ended his own life). The thing that all of these performances have in common is a desire to groove; Lytle wasn't the sort of player who went out of his way to be abstract, and the improviser is as accessible and groove-minded on ballads as he is on Nat Adderley's "Work Song." This CD is enthusiastically recommended to anyone who likes soul-jazz/hard bop that is expressive, infectious, and easy to absorb.
The single disc, 25-track Proper Introduction to Howlin' Wolf anthology traces, in condensed form, Howlin' Wolf's seminal recordings at Sun Studios in Memphis. While other compilations have focused on exhaustively presenting all of the recordings Wolf did for Sun and Chess, and other single discs have picked one label or the other, Proper has decided to combine them in an idiosyncratic and wonderfully listenable way. These cuts are not sequenced chronologically, and the material here is mixed between labels, offering a brilliant cross-section of the material he cut during his seminal early years in the 1950s. "Moanin' at Midnight" is here, as is "How Many More Years", but so are "Baby Ride With Me", "Oh Red", and "Saddle My Pony". In all, sound-wise and price-wise, this is a tough one to beat. /Thom Jurek, AllMusic
Artist Biography by Cub Koda In the history of the blues, there has never been anyone quite like the Howlin' Wolf. Six foot three and close to 300 pounds in his salad days, the Wolf was the primal force of the music spun out to its ultimate conclusion. A Robert Johnson may have possessed more lyrical insight, a Muddy Waters more dignity, and a B.B. King certainly more technical expertise, but no one could match him for the singular ability to rock the house down to the foundation while simultaneously scaring its patrons out of its wits.
He was born in West Point, MS, and named after the 21st President of the United States (Chester Arthur). His father was a farmer and Wolf took to it as well until his 18th birthday, when a chance meeting with Delta blues legend Charley Patton changed his life forever. Though he never came close to learning the subtleties of Patton's complex guitar technique, two of the major components of Wolf's style (Patton's inimitable growl of a voice and his propensity for entertaining) were learned first hand from the Delta blues master. The main source of Wolf's hard-driving, rhythmic style on harmonica came when Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) married his half-sister Mary and taught him the rudiments of the instrument. He first started playing in the early '30s as a strict Patton imitator, while others recall him at decade's end rocking the juke joints with a neck-rack harmonica and one of the first electric guitars anyone had ever seen. After a four-year stretch in the Army, he settled down as a farmer and weekend player in West Memphis, AR, and it was here that Wolf's career in music began in earnest.
By 1948, he had established himself within the community as a radio personality. As a means of advertising his own local appearances, Wolf had a 15-minute radio show on KWEM in West Memphis, interspersing his down-home blues with farm reports and like-minded advertising that he sold himself. But a change in Wolf's sound that would alter everything that came after was soon in coming because when listeners tuned in for Wolf's show, the sound was up-to-the-minute electric. Wolf had put his first band together, featuring the explosive guitar work of Willie Johnson, whose aggressive style not only perfectly suited Wolf's sound but aurally extended and amplified the violence and nastiness of it as well. In any discussion of Wolf's early success both live, over the airwaves, and on record, the importance of Willie Johnson cannot be overestimated.
Wolf finally started recording in 1951, when he caught the ear of Sam Phillips, who first heard him on his morning radio show. The music Wolf made in the Memphis Recording Service studio was full of passion and zest and Phillips simultaneously leased the results to the Bihari Brothers in Los Angeles and Leonard Chess in Chicago. Suddenly, Howlin' Wolf had two hits at the same time on the R&B charts with two record companies claiming to have him exclusively under contract. Chess finally won him over and as Wolf would proudly relate years later, "I had a 4,000 dollar car and 3,900 dollars in my pocket. I'm the onliest one drove out of the South like a gentleman." It was the winter of 1953 and Chicago would be his new home.
When Wolf entered the Chess studios the next year, the violent aggression of the Memphis sides was being replaced with a Chicago backbeat and, with very little fanfare, a new member in the band. Hubert Sumlin proved himself to be the Wolf's longest-running musical associate. He first appears as a rhythm guitarist on a 1954 session, and within a few years' time his style had fully matured to take over the role of lead guitarist in the band by early 1958. In what can only be described as an "angular attack," Sumlin played almost no chords behind Wolf, sometimes soloing right through his vocals, featuring wild skitterings up and down the fingerboard and biting single notes. If Willie Johnson was Wolf's second voice in his early recording career, then Hubert Sumlin would pick up the gauntlet and run with it right to the end of the howler's life.
By 1956, Wolf was in the R&B charts again, racking up hits with "Evil" and "Smokestack Lightnin'." He remained a top attraction both on the Chicago circuit and on the road. His records, while seldom showing up on the national charts, were still selling in decent numbers down South. But by 1960, Wolf was teamed up with Chess staff writer Willie Dixon, and for the next five years he would record almost nothing but songs written by Dixon. The magic combination of Wolf's voice, Sumlin's guitar, and Dixon's tunes sold a lot of records and brought the 50-year-old bluesman roaring into the next decade with a considerable flourish. The mid-'60s saw him touring Europe regularly with "Smokestack Lightnin'" becoming a hit in England some eight years after its American release. Certainly any list of Wolf's greatest sides would have to include "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," and "Wang Dang Doodle," Dixon compositions all. While almost all of them would eventually become Chicago blues standards, their greatest cache occurred when rock bands the world over started mining the Chess catalog for all it was worth. One of these bands was the Rolling Stones, whose cover of "The Red Rooster" became a number-one record in England. At the height of the British Invasion, the Stones came to America in 1965 for an appearance on ABC-TV's rock music show, Shindig. Their main stipulation for appearing on the program was that Howlin' Wolf would be their special guest. With the Stones sitting worshipfully at his feet, the Wolf performed a storming version of "How Many More Years," being seen on his network-TV debut by an audience of a few million. Wolf never forgot the respect the Stones paid him, and he spoke of them highly right up to his final days.
Dixon and Wolf parted company by 1964 and Wolf was back in the studio doing his own songs. One of the classics to emerge from this period was "Killing Floor," featuring a modern backbeat and a incredibly catchy guitar riff from Sumlin. Catchy enough for Led Zeppelin to appropriate it for one of their early albums, cheerfully crediting it to themselves in much the same manner as they had done with numerous other blues standards. By the end of the decade, Wolf's material was being recorded by artists including the Doors, the Electric Flag, the Blues Project, Cream, and Jeff Beck. The result of all these covers brought Wolf the belated acclaim of a young, white audience. Chess' response to this was to bring him into the studio for a "psychedelic" album, truly the most dreadful of his career. His last big payday came when Chess sent him over to England in 1970 to capitalize on the then-current trend of London Session albums, recording with Eric Clapton on lead guitar and other British superstars. Wolf's health was not the best, but the session was miles above the earlier, ill-advised attempt to update Wolf's sound for a younger audience.
As the '70s moved on, the end of the trail started coming closer. By now Wolf was a very sick man; he had survived numerous heart attacks and was suffering kidney damage from an automobile accident that sent him flying through the car's windshield. His bandleader Eddie Shaw firmly rationed Wolf to a meager half-dozen songs per set. Occasionally some of the old fire would come blazing forth from some untapped wellspring, and his final live and studio recordings show that he could still tear the house apart when the spirit moved him. He entered the Veterans Administration Hospital in 1976 to be operated on, but never survived it, finally passing away on January 10th of that year.
But his passing did not go unrecognized. A life-size statue of him was erected shortly after in a Chicago park. Eddie Shaw kept his memory and music alive by keeping his band, the Wolf Gang, together for several years afterward. A child-education center in Chicago was named in his honor and in 1980 he was elected to the Blues Foundation Hall of Fame. In 1991, he was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. A couple of years later, his face was on a United States postage stamp. Howlin' Wolf is now a permanent part of American history. https://www.allmusic.com/artist/howlin-wolf-mn0000276085/biography
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El disco sencillo, de 25 pistas de la antología Proper Introduction to Howlin' Wolf, traza, en forma condensada, las grabaciones seminales de Howlin' Wolf en Sun Studios en Memphis. Mientras que otros recopilatorios se han centrado en presentar exhaustivamente todas las grabaciones que Wolf hizo para Sun y Chess, y otros discos individuales han escogido un sello u otro, Proper ha decidido combinarlos de una forma idiosincrásica y maravillosamente escuchable. Estos cortes no están secuenciados cronológicamente, y el material aquí se mezcla entre etiquetas, ofreciendo una brillante sección transversal del material que cortó durante sus primeros años seminales en la década de 1950. "Moanin' at Midnight" está aquí, al igual que "How Many More Years", pero también "Baby Ride With Me", "Oh Red" y "Saddle My Pony". En general, en lo que se refiere al sonido y al precio, es un tema difícil de superar. /Thom Jurek, AllMusic
Biografía del artista por Cub Koda En la historia del blues, nunca ha habido nadie como el Lobo Aullador. Mide 1,95 metros y pesaba cerca de 300 libras en sus días de ensalada, el Lobo era la fuerza primordial de la música que se extendió hasta su conclusión final. Un Robert Johnson puede haber poseído más perspicacia lírica, un Muddy Waters más dignidad, y un B.B. King ciertamente más pericia técnica, pero nadie podría igualarlo por la singular habilidad de mecer la casa hasta los cimientos mientras que simultáneamente asusta a sus clientes.
Nació en West Point, MS, y recibió el nombre del 21º Presidente de los Estados Unidos (Chester Arthur). Su padre era agricultor y Wolf se dedicó a ello hasta que cumplió 18 años, cuando un encuentro casual con la leyenda del blues del Delta, Charley Patton, cambió su vida para siempre. Aunque nunca estuvo cerca de aprender las sutilezas de la compleja técnica de guitarra de Patton, dos de los componentes principales del estilo de Wolf (el inimitable gruñido de una voz de Patton y su propensión a entretenerse) fueron aprendidos de primera mano por el maestro del Delta blues. La fuente principal del estilo rítmico de Wolf en armónica vino cuando Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) se casó con su media hermana Mary y le enseñó los rudimentos del instrumento. Empezó a tocar a principios de los años 30 como un estricto imitador de Patton, mientras que otros lo recuerdan al final de la década tocando el juke con una armónica en el neck-rack y una de las primeras guitarras eléctricas que alguien había visto. Después de cuatro años en el Ejército, se estableció como granjero y jugador de fin de semana en Memphis Oeste, R.A., y fue aquí donde la carrera musical de Wolf comenzó en serio.
En 1948, se había establecido en la comunidad como una personalidad de la radio. Como medio para anunciar sus propias apariciones locales, Wolf tenía un programa de radio de 15 minutos en KWEM en West Memphis, intercalando su blues casero con informes de granjas y publicidad de ideas afines que él mismo vendía. Pero un cambio en el sonido de Wolf que alteraría todo lo que venía después pronto llegó porque cuando los oyentes sintonizaron el programa de Wolf, el sonido era eléctrico al minuto. Wolf había formado su primera banda, con el explosivo trabajo de guitarra de Willie Johnson, cuyo estilo agresivo no sólo se adaptaba perfectamente al sonido de Wolf, sino que también ampliaba y amplificaba la violencia y la maldad de la misma. En cualquier discusión sobre el éxito inicial de Wolf, tanto en vivo, a través de las ondas de radio y televisión, como en los registros, la importancia de Willie Johnson no puede ser sobreestimada.
Wolf finalmente comenzó a grabar en 1951, cuando captó la atención de Sam Phillips, quien lo escuchó por primera vez en su programa de radio matutino. La música que Wolf hizo en el estudio de Memphis Recording Service estaba llena de pasión y entusiasmo y Phillips alquiló simultáneamente los resultados a los Bihari Brothers en Los Ángeles y Leonard Chess en Chicago. De repente, Howlin' Wolf tuvo dos éxitos al mismo tiempo en las listas de éxitos de R&B con dos compañías discográficas que afirmaban tenerlo exclusivamente bajo contrato. El ajedrez finalmente lo convenció y como Wolf relataría orgullosamente años más tarde: "Tenía un coche de 4.000 dólares y 3.900 dólares en el bolsillo. Soy el único que ha salido del sur como un caballero". Era el invierno de 1953 y Chicago sería su nuevo hogar.
Cuando Wolf entró en los estudios de ajedrez al año siguiente, la violenta agresión de los equipos de Memphis fue reemplazada por un ritmo de Chicago y, con muy poca fanfarria, un nuevo miembro de la banda. Hubert Sumlin demostró ser el músico asociado más antiguo de Wolf. Aparece por primera vez como guitarrista rítmico en una sesión de 1954, y en pocos años su estilo había madurado completamente para asumir el papel de guitarrista principal en la banda a principios de 1958. En lo que sólo puede describirse como un "ataque angular", Sumlin no tocó casi ningún acorde detrás de Wolf, a veces en solitario a través de su voz, con movimientos salvajes hacia arriba y hacia abajo en el diapasón y mordiendo notas individuales. Si Willie Johnson era la segunda voz de Wolf en su temprana carrera discográfica, entonces Hubert Sumlin tomaría el guante y correría con él hasta el final de la vida del aullador.
En 1956, Wolf volvió a estar en las listas de éxitos de R&B, acumulando éxitos con "Evil" y "Smokestack Lightnin'". Se mantuvo como una de las principales atracciones tanto en el circuito de Chicago como en la carretera. Sus récords, aunque rara vez aparecían en las listas nacionales, seguían vendiéndose en números decentes en el sur. Pero en 1960, Wolf se asoció con el escritor de ajedrez Willie Dixon, y durante los siguientes cinco años no grabó casi nada más que canciones escritas por Dixon. La mágica combinación de la voz de Wolf, la guitarra de Sumlin, y las melodías de Dixon vendieron muchos discos y llevaron al bluesista de 50 años a la siguiente década con un florecimiento considerable. A mediados de los años 60, viajó regularmente por Europa con "Smokestack Lightnin'" y se convirtió en un éxito en Inglaterra ocho años después de su estreno en Estados Unidos. Ciertamente, cualquier lista de los mejores lados de Wolf tendría que incluir "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," y "Wang Dang Doodle," todas las composiciones de Dixon. Mientras que casi todos ellos se convertirían eventualmente en los estándares del blues de Chicago, su mayor caché ocurrió cuando bandas de rock de todo el mundo empezaron a minar el catálogo de ajedrez por todo lo que valía la pena. Una de estas bandas fue Rolling Stones, cuya versión de "The Red Rooster" se convirtió en el disco número uno de Inglaterra. En el apogeo de la invasión británica, los Stones llegaron a Estados Unidos en 1965 para una aparición en el programa de música rock de ABC-TV, Shindig. Su principal estipulación para aparecer en el programa era que Howlin' Wolf sería su invitado especial. Con las Piedras sentadas a sus pies, el Lobo interpretó una versión impresionante de "Cuántos años más", que fue vista en su debut en la cadena de televisión por unos pocos millones de espectadores. Wolf nunca olvidó el respeto que los Stones le pagaban, y habló de ellos hasta sus últimos días.
Dixon y Wolf se separaron en 1964 y Wolf estaba de vuelta en el estudio haciendo sus propias canciones. Uno de los clásicos que surgió de este período fue "Killing Floor", con un ritmo moderno y un riff de guitarra increíblemente pegajoso de Sumlin. Lo suficientemente pegajoso como para que Led Zeppelin se lo apropiara para uno de sus primeros álbumes, atribuyéndoselo alegremente a ellos mismos de la misma manera que lo habían hecho con muchos otros estándares de blues. A finales de la década, el material de Wolf estaba siendo grabado por artistas como The Doors, The Electric Flag, The Blues Project, Cream y Jeff Beck. El resultado de todas estas portadas trajo a Wolf el aplauso tardío de un público joven y blanco. La respuesta de Chess a esto fue traerlo al estudio para un álbum "psicodélico", verdaderamente el más espantoso de su carrera. Su último gran día de pago fue cuando Chess lo envió a Inglaterra en 1970 para capitalizar la tendencia actual de los álbumes de London Session, grabando con Eric Clapton en guitarra solista y otras superestrellas británicas. La salud de Wolf no era la mejor, pero la sesión estaba muy por encima de la anterior y desacertada tentativa de actualizar el sonido de Wolf para un público más joven.
A medida que los años 70 avanzaban, el final del camino comenzó a acercarse. Por ahora Wolf era un hombre muy enfermo; había sobrevivido a numerosos ataques cardíacos y estaba sufriendo daño renal debido a un accidente automovilístico que lo hizo volar a través del parabrisas del auto. Su director de orquesta Eddie Shaw racionó firmemente a Wolf con media docena de canciones por set. Ocasionalmente, algo del viejo fuego salía ardiendo de un manantial sin explotar, y sus grabaciones finales en vivo y en estudio muestran que todavía podía destrozar la casa cuando el espíritu lo movía. Entró en el Hospital de la Administración de Veteranos en 1976 para ser operado, pero nunca sobrevivió y finalmente falleció el 10 de enero de ese año.
Pero su muerte no pasó desapercibida. Poco después se erigió una estatua de tamaño natural en un parque de Chicago. Eddie Shaw mantuvo viva su memoria y su música al mantener a su banda, la Wolf Gang, unida durante varios años después. Un centro de educación infantil en Chicago fue nombrado en su honor y en 1980 fue elegido para el Salón de la Fama de la Blues Foundation. En 1991, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Un par de años después, su cara estaba en un sello de correos de los Estados Unidos. Lobo Aullador es ahora parte permanente de la historia de Estados Unidos. https://www.allmusic.com/artist/howlin-wolf-mn0000276085/biography Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
The duo is formed by a couple of twins who play different musical
instruments: Francesco (Kekko) at keyboards and Federico (Kikko) at sax,
flute and voice.The two brothers, sons of sax player Germano
Montefiori, a talented 60’s and 70’s musician, before becoming
Montefiori Cocktail, have worked separately.Francesco was a producer of
house and breakbeat music, while Federico played sax in many bands,
such as Ladri di Biciclette and Good Fellas.
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El dúo está formado por un par de gemelos que tocan diferentes
instrumentos musicales: Francesco (Kekko) en los teclados y Federico
(Kikko) en el saxo, flauta y voz.Los dos hermanos, hijos del
saxofonista Germano Montefiori, un talentoso músico de los años 60 y 70,
antes de convertirse en el cóctel Montefiori, han trabajado por
separado.Francesco era productor de música house y breakbeat, mientras
que Federico tocaba saxofón en muchas bandas, como Ladri di Biciclette y
Good Fellas.
Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.
In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.
In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.
The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.
In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.
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El pianista de origen jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico con un estilo urbano y de swing que se inspira en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston (Jamaica) en 1944, Alexander empezó a tocar el piano alrededor de los cuatro años de edad y tomó lecciones de música clásica a partir de los seis años. Sin embargo, en la adolescencia descubrió el jazz y ya actuaba en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera se encontraba cubriendo los éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por los artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le proporcionó la mayor inspiración.
En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció a la restauradora y socia de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los siguientes años, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacer amistad y actuar con un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios álbumes bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en el vibráfono "That's the Way It Is" del vibrafonista Milt Jackson.
En el decenio de 1970, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y publicó un flujo constante de álbumes, entre ellos Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador de toda la vida Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este periodo estableció relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en el Live! de 1976. Montreux Alexander, y seguirían trabajando juntos en varias configuraciones durante las siguientes décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, y apareció en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman y otros.
Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que siguió combinando su amor por el jazz directo y la música caribeña con el lanzamiento de álbumes como The Duke Ellington Songbook de 1983, The River de 1985 y Li'l Darlin' de 1986. También se reunió con Clayton y Hamilton en 1983 en Reunion in Europe y se emparejó con el bajista Ray Brown en varias fechas, entre ellas Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, entre ellos Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con influencias de reggae. Completó la década con Echoes of Jilly de 1997, inspirado por Frank Sinatra, y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.
En 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el Gobierno de Jamaica con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante de la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en el programa Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego volvió a formar pareja con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y Straight Ahead de 2003. A continuación, se celebraron dos sesiones de homenaje con The Good Life de 2008: Monty Alexander interpreta las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues de 2009: Las canciones de Nat King Cole. A continuación, Alexander destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center.
Houston Person wears the Boss Tenor crown, worn so long by Gene Ammons.
Mr. Person is busy working his own gigs; booking his tours, finding new
clubs, having phone numbers for every major concert promoter on every
continent. He even produces his own albums. His first big break came
while working as a sideman with organist Johnny Hammond and his group,
co-led by Etta Jones. Mr. Person's working relationship with Ms. Jones
began in 1973 and lasted for thirty years, until her recent passing in
2001. Early gigs happened while serving in the Army overseas in Germany,
where he played with Eddie Harris, Cedar Walton and others. On Mr.
Person's philosophy of jazz, he says, “Well, it's uplifting and
important. And a release and a relief. That's what it is, jazz, so
called jazz, to me. It's important that it's relaxing. Something that
when the end of the day comes, after a hard and frustrating day out in
the world, that relieves you. Relaxes you and makes you feel good.” Mr
Person adds that all he wants is to give people “good solid melodies
with some improvisation and plenty of blues feel.” He smiles, “You
always want that dance feeling there, that happy, happy feeling.”
https://musicians.allaboutjazz.com/houstonperson
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Biografía del artista
Houston Person lleva la corona Boss Tenor, que tanto tiempo lleva Gene
Ammons. El Sr. Person está ocupado trabajando en sus propios conciertos;
reservando sus giras, buscando nuevos clubes, teniendo números de
teléfono de todos los grandes promotores de conciertos en todos los
continentes. Incluso produce sus propios álbumes. Su primera gran
oportunidad llegó cuando trabajaba como acompañante con el organista
Johnny Hammond y su grupo, co-dirigido por Etta Jones. La relación de
trabajo del Sr. Person con la Sra. Jones comenzó en 1973 y duró treinta
años, hasta su reciente fallecimiento en 2001. Los primeros conciertos
tuvieron lugar mientras servía en el Ejército en el extranjero, en
Alemania, donde tocó con Eddie Harris, Cedar Walton y otros. Sobre la
filosofía del jazz del Sr. Person, dice: "Bueno, es edificante e
importante. Y una liberación y un alivio. Eso es lo que es, el jazz, el
llamado jazz, para mí. Es importante que sea relajante. Algo que cuando
llega el final del día, después de un duro y frustrante día en el mundo,
te alivia. Te relaja y te hace sentir bien". El Sr. Person añade que lo
único que quiere es dar a la gente "buenas melodías sólidas con un poco
de improvisación y un montón de sentimiento blues". Sonríe: "Siempre
quieres ese sentimiento de baile, ese sentimiento de felicidad, de
felicidad".
This well-rounded set was the first one on which Larry Goldings (formerly known as a pianist) exclusively played organ. His trio with Peter Bernstein (a fine bop guitarist) and drummer Bill Stewart (best known for his association with John Scofield) is tight in the Jimmy Smith tradition, although Goldings also displays his own musical personality. Veteran tenor saxophonist David "Fathead" Newman helps out on "Skylark" and "The Intimacy of the Blues." Other highlights include Goldings' memorable original "Pegasus," "Jive Coffee" (based on "Tea for Two"), a faster than usual version of "Wouldn't It Be Loverly," and a swinging "When Johnny Comes Marching Home."
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Revisión por Scott Yanow
Este conjunto completo fue el primero en el que Larry Goldings (anteriormente conocido como pianista) tocaba exclusivamente en el órgano. Su trío con Peter Bernstein (un guitarrista de bop fino) y el baterista Bill Stewart (mejor conocido por su asociación con John Scofield) es tímido en la tradición de Jimmy Smith, aunque Goldings también muestra su propia personalidad musical. El veterano saxofonista tenor David "Fathead" Newman ayuda en "Skylark" y "The Intimacy of the Blues". Otros aspectos destacados incluyen el memorable "Pegasus", "Jive Coffee" de Goldings (basado en "Tea for Two"), una versión más rápida de lo habitual de "Wouldn't It Be Loverly", y el columpio "When Johnny Comes Marching Home". "
Artist Biography
Terry Gibbs began his career at the age of 12 after winning the Major
Bowes Amateur Hour Contest and subsequently began touring
professionally. He spent many years as a drummer and percussionist
playing gigs until his affinity for bebop motivated him to turn down a
scholarship to Julliard as a timpanist and return to the vibes. Six
decades of inspirational vibe playing and technique, Gibbs is recognized
as one of the best ever to grace the genre of bop.
After World War II, Gibbs toured with Chubby Jackson, Buddy Rich and
Woody Herman. He co-led a sextet with Louie Bellson and Charlie Shavers;
and in 1950, he formed his own band for Mel Torme's TV show. In 1951,
he joined the Benny Goodman Sextet. Subsequently, he toured with his own
band where he won acclaim as “# 1 Vibraphonist in the world,” in both
the down beat and Metronome polls from 1950 to 1955. Gibbs also played a
role in breaking down the sex barrier in music, using pianists Terry
Pollard, who he often featured in vibe duos, and Alice McLeod, who later
married John Coltrane.
Settling in Los Angeles in 1957, he formed his big band known as “The
Dream Band.” Comprised of Mel Lewis, Joe Maini, Frank Rosolino, Conte
Candoli and Richard Kamuca, they were named “Best Band in the World” in
the Downbeat '62 Critic's Poll.
Gibbs returned to New York in the early sixties only to move back to LA
to take a position as Music Director for the Regis Philbin Show. This
gave him the opportunity to compose the music and conduct a sextet. He
later served as Music Director/Composer for the ABC TV show, Operation
Entertainment and for Steve Allen, building a substantial ASCAP rating.
Gibbs also taught Steve Allen to play the vibes.
Gibbs, throughout his illustrious career has enjoyed world acclaim
playing with greats such as clarinetist Buddy DeFranco, Charlie Parker,
Dizzy Gillespie, Horace Silver, Max Roach, Art Blakely, Elvin Jones and
Tito Puente. Co-leading a quintet, he had an unprecedented nomination in
four categories of the Playboy Jazz Poll: Best Vibraphonist, Best
Quartet, Best Big Band and Best Band Leader. His association with
DeFranco has spanned 18 years and is still an invigorating collaboration
today.
With 65 albums to his credit, winner of 3 major jazz polls and creator
of 300+ compositions (recorded by Gibbs, Nat Cole, Les Brown, Cannonball
Adderly, Count Basie, George Shearing, etc.), Gibbs has left an
indelible mark in the world of vibes.
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Biografía del artista
Terry Gibbs comenzó su carrera a la edad de 12 años después de ganar el
Major Bowes Amateur Hour Contest y posteriormente comenzó a hacer giras
profesionales. Pasó muchos años como baterista y percusionista tocando
en conciertos hasta que su afinidad por el bebop lo motivó a rechazar
una beca para Julliard como timbalista y regresar a las vibraciones.
Seis décadas de inspiración y técnica, Gibbs es reconocido como uno de
los mejores en el género del bop.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Gibbs hizo una gira con Chubby
Jackson, Buddy Rich y Woody Herman. Dirigió un sexteto con Louie Bellson
y Charlie Shavers; y en 1950, formó su propia banda para el programa de
televisión de Mel Torme. En 1951, se unió al Sexteto de Benny Goodman.
Posteriormente, realizó una gira con su propia banda en la que fue
aclamado como el "Vibrafonista número 1 del mundo", tanto en el compás
como en las encuestas del Metrónomo de 1950 a 1955. Gibbs también jugó
un papel en romper la barrera del sexo en la música, usando a los
pianistas Terry Pollard, a quienes a menudo presentaba en dúos
vibrantes, y a Alice McLeod, quien más tarde se casó con John Coltrane.
Se estableció en Los Ángeles en 1957 y formó su gran banda conocida como
"The Dream Band". Compuesto por Mel Lewis, Joe Maini, Frank Rosolino,
Conte Candoli y Richard Kamuca, fueron nombrados "Mejor Banda del Mundo"
en el Downbeat '62 Critic's Poll.
Gibbs regresó a Nueva York a principios de los años sesenta sólo para
regresar a Los Ángeles y tomar un puesto como Director Musical para el
Show de Regis Philbin. Esto le dio la oportunidad de componer la música y
dirigir un sexteto. Más tarde se desempeñó como Director
Musical/Compositor para el programa de televisión ABC, Operation
Entertainment y para Steve Allen, obteniendo una calificación sustancial
de ASCAP. Gibbs también enseñó a Steve Allen a tocar las vibraciones.
Gibbs, a lo largo de su ilustre carrera ha disfrutado de la aclamación
mundial tocando con grandes figuras como el clarinetista Buddy DeFranco,
Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Horace Silver, Max Roach, Art Blakely,
Elvin Jones y Tito Puente. Co-liderando un quinteto, tuvo una
nominación sin precedentes en cuatro categorías de la Playboy Jazz Poll:
Mejor Vibrafonista, Mejor Cuarteto, Mejor Big Band y Mejor Líder de
Banda. Su asociación con DeFranco ha durado 18 años y sigue siendo una
colaboración vigorizante en la actualidad.
Con 65 álbumes en su haber, ganador de 3 importantes encuestas de jazz y
creador de más de 300 composiciones (grabadas por Gibbs, Nat Cole, Les
Brown, Cannonball Adderly, Count Basie, George Shearing, etc.), Gibbs ha
dejado una huella indeleble en el mundo de las vibraciones.
Review by Scott Yanow When Farmer Met Gryce features trumpeter Art Farmer, altoist Gigi Gryce and two rhythm sections with either Horace Silver or Freddie Redd on piano, Percy Heath or Addison Farmer on bass, and Kenny Clarke or Art Taylor on drums. The early hard bop music is highlighted by "Social Call" (one of Gryce's best-known compositions), "Capri," "A Night at Tony's" and "Blue Concept" but all eight numbers will easily be enjoyed by straight-ahead jazz fans. https://www.allmusic.com/album/when-farmer-met-gryce-mw0000234769
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Reseña de Scott Yanow When Farmer Met Gryce cuenta con el trompetista Art Farmer, la contralto Gigi Gryce y dos secciones rítmicas con Horace Silver o Freddie Redd al piano, Percy Heath o Addison Farmer al bajo, y Kenny Clarke o Art Taylor a la batería. La música hard bop temprana se destaca por «Social Call» (una de las composiciones más conocidas de Gryce), «Capri», «A Night at Tony's» y «Blue Concept», pero los ocho números serán fácilmente disfrutados por los aficionados al jazz directo. https://www.allmusic.com/album/when-farmer-met-gryce-mw0000234769
This Limelight LP was the first by the Three Sounds following the departure of longtime drummer Bill Dowdy and the arrival of Kalil Mahdi. The new member stays pretty much in the background behind pianist and leader Gene Harris and bassist Andy Simpkins, barely making his presence felt. The group's brief sojourn onto the label marked a turn to a more rock and pop influence in their repertoire, as is evident in many of the poor choices for this live recording, made at the London House in Chicago in early 1966. In spite of the presence of time-tested standards like "Gee Baby, Ain't I Good to You" and "Old Folks," as well as strong jazz compositions by Sacha Distel ("The Good Life") and Ray Brown ("A.M. Blues") current hits by Petula Clark ("Downtown") and Charlie Rich ("Mohair Sam," which sounds as if it is played on a battered upright piano) hardly proved to be viable jazz vehicles. Even the pianist's two originals are a bit disappointing. Most fans will likely prefer the Three Sounds' earlier Blue Note releases or Harris' many outstanding quartet recordings during his long association with Concord during the final decades of his life over this long-out-of-print record.
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Reseña de Ken Dryden
Este LP Limelight fue el primero de los Tres Sonidos tras la salida del batería Bill Dowdy y la llegada de Kalil Mahdi. El nuevo miembro se mantiene en un segundo plano detrás del pianista y líder Gene Harris y el bajista Andy Simpkins, apenas haciendo sentir su presencia. La breve estancia del grupo en el sello marcó un giro hacia una influencia más rock y pop en su repertorio, como es evidente en muchas de las malas elecciones para esta grabación en vivo, hecha en la London House de Chicago a principios de 1966. A pesar de la presencia de estándares tan probados como "Gee Baby, Ain't I Good to You" y "Old Folks", así como de fuertes composiciones de jazz de Sacha Distel ("The Good Life") y Ray Brown ("A.M. Blues"), los éxitos actuales de Petula Clark ("Downtown") y Charlie Rich ("Mohair Sam", que suena como si se tocara en un piano vertical maltrecho) difícilmente resultaron ser vehículos de jazz viables. Incluso los dos originales del pianista son un poco decepcionantes. La mayoría de los fans probablemente preferirán los primeros lanzamientos de Blue Note de Three Sounds o las muchas grabaciones de cuarteto de Harris durante su larga asociación con Concord durante las últimas décadas de su vida, en lugar de este disco que ya está agotado.
This LRC budget release includes two unrelated sessions from a pair of the greatest jazz violinists: Joe Venuti and Stephane Grappelli. Venuti is heard in 1971 with pianist Lou Stein and a pair of Italian musicians (bassist Marco Ratti and drummer Gil Cuppini) performing "The Hot Canary" (a novelty piece) and six familiar standards including "Sweet Georgia Brown" and "Tea for Two." Grappelli is caught in 1975 jamming his "Sysmo," Bud Powell's "Parisian Thoroughfare," and five older songs in a quartet with guitarist Jimmy Shirley, pianist Johnny Guarnieri, and bassist Slam Stewart. No real surprises occur, but the violinists are in fine form. These two sessions are a bit rare and worth searching for by fans of swing violinists.
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Reseña de Scott Yanow
Esta publicación del presupuesto de LRC incluye dos sesiones no relacionadas de un par de los más grandes violinistas de jazz: Joe Venuti y Stephane Grappelli. Venuti se escucha en 1971 con el pianista Lou Stein y un par de músicos italianos (el bajista Marco Ratti y el baterista Gil Cuppini) interpretando "The Hot Canary" (una pieza novedosa) y seis estándares familiares incluyendo "Sweet Georgia Brown" y "Tea for Two". Grappelli es atrapado en 1975 tocando su "Sysmo", la "Parisian Thoroughfare" de Bud Powell, y cinco canciones más antiguas en un cuarteto con el guitarrista Jimmy Shirley, el pianista Johnny Guarnieri, y el bajista Slam Stewart. No hay sorpresas reales, pero los violinistas están en buena forma. Estas dos sesiones son un poco raras y merecen ser buscadas por los fans de los violinistas de swing.
William Patton Black Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an American musician and bandleader who is noted as one of the pioneers of rock and roll. He was the bassist in Elvis Presley's early trio. Black later formed Bill Black's Combo.
Black was born in Memphis, Tennessee, to a motorman for the Memphis Street Railway Co. He was the oldest of nine children. His father played popular songs on the banjo and fiddle to entertain the family. Black learned to play music at the age of 14 on an instrument made by his father—a cigar box with a board nailed to it and strings attached. At the age of sixteen, Black was performing "honky-tonk" music on acoustic guitar in local bars.
During World War II, Black was stationed with the U.S. Army at Fort Lee in Virginia. While in the Army, he met Evelyn, who played guitar as a member of a musical family. They married in 1946 and returned to Memphis. Black worked at the Firestone plant.
He began playing the upright bass fiddle, modeling his "slap bass" technique after one of his idols, Fred Maddox, of Maddox Brothers and Rose. Black also developed a "stage clown" persona in the same way that Maddox entertained audiences. Black performed as an exaggerated hillbilly with blacked-out teeth, straw hat and overalls. According to his son, Black said his goal was always to give his audience "a few moments of entertainment and maybe a little bit of humor that'll tickle 'em for a while."
In 1952, Black began playing in clubs and on radio shows with the guitarist Scotty Moore. Along with two other guitarists and a fiddler, they performed country music tunes by Hank Williams and Red Foley in Doug Poindexter's band, the Starlight Wranglers. Black and Moore also played in a band with Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette on steel guitar, and a drummer.
In 1959 Black joined a group of musicians which became Bill Black's Combo. The lineup was Black (bass), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitar), Martin Willis (saxophone), and Jerry Arnold (drums). There were several personnel changes. While Young was in the army, his position was filled by Hank Hankins, Chips Moman and Tommy Cogbill. On sax, Ace Cannon took over touring duties from Willis who remained in Memphis for the studio work and movie appearances. Carl McVoy replaced Hall in the studio, while Bobby Emmons replaced him on tour.
The band released blues instrumental "Smokie" for Hi Records in December 1959. "Smokie, Part 2" became a No. 17 U.S. pop hit, and made number one on the "black" music charts.[3] It sold over one million copies, and was awarded a gold disc by the RIAA.[23] A follow-up release, "White Silver Sands" (Hi 2021), was a Top 10 hit (#9) and, like its predecessor, topped the R&B charts for four weeks.
Eight of the recordings by Bill Black's Combo placed in the Top 40 between 1959 and 1962. Advertised as "Terrific for Dancing" their Saxy Jazz album spent a record whole year in the top 100.
The Combo appeared in the 1961 film Teenage Millionaire and on The Ed Sullivan Show, where they performed a medley of "Don't Be Cruel," "Cherry Pink," and "Hearts of Stone", and were voted Billboard's number one instrumental group of 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)
Albums with themes included Bill Black's Combo Plays Tunes by Chuck Berry, Bill Black's Combo Goes Big Band, Bill Black's Combo Goes West, and Bill Black's Combo Plays the Blues. The Combo's sound of danceable blues became a popular accompaniment for striptease dancers. Another characteristic of the Combo was Reggie Young thwacking on the guitar with a pencil.
In 1962, Bill Black opened a recording studio called "Lyn-Lou Studios" (a shortened nickname "Linda-Lou" he had for his daughter Nancy), and a record label named "Louis" after his son, on Chelsea Street in Memphis, Tennessee, with Larry Rogers (Studio 19, Nashville) as his engineer and producer. Johnny Black, Bill's brother and also upright bass player, who knew Elvis at Lauderdale Courts before Bill, recalls visiting Bill at the studio and reported that Bill would be totally absorbed mixing and playing back tracks.[citation needed]
Bob Tucker and Larry Rogers purchased Lyn-Lou Studios after Bill Black's death in 1965. The studio recorded many Bill Black Combo albums (with billings such as "The Best Honky Tonk Band in America" and "The band who opened for the Beatles")[citation needed] and produced number-one country hits for Charly McClain, T.G. Shepard, Billy Swan and others. The house band for these sessions was the Shylo Band, featuring guitarist/songwriter Ronnie Scaife, nephew of Cecil Scaife, famed Sun Studio engineer.
Early in 1963, Black sent from two to five different versions of the Combo to different regions of the country at the same time, while staying off the road himself, wanting to concentrate on his business, family and his health.
In 1963, Bob Tucker joined the Bill Black Combo as a road manager and guitar/bass player.
Black himself had been ill for the past year and a half and unable to travel. Nonetheless, he insisted that the band continue without him. The Bill Black Combo created musical history in 1964 when they became the opening act for the Beatles (at their request) on their historic 13-city tour of America after their appearance on The Ed Sullivan Show. Black himself was not well enough to make the tour.
After two surgeries and lengthy hospital stays, Black died of a brain tumor on October 21, 1965, at age 39. His death occurred during his third operation that doctors had hoped would eradicate the tumor permanently. Black's body was buried at Forest Hill Cemetery in Memphis, Tennessee. Presley was criticized for not attending the funeral, but he believed that his presence would turn it into a media frenzy. He decided instead to visit the family privately after the service to express his condolences. According to Louis Black, Presley said, "If there's anything that y'all need, you just let me know and it's yours."
Black's widow sold Bob Tucker and Larry Rogers the rights to use the name Bill Black's Combo. The band changed to country when it joined Columbia Records, and won Billboard's Country Instrumental Group of the Year award in 1976.
On April 4, 2009, Bill Black was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.
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William Patton Black Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de 1965) [1] fue un músico y director de orquesta estadounidense conocido como uno de los pioneros del rock and roll. Fue el bajista en el trío temprano de Elvis Presley. Black formó más tarde el combo de Bill Black.
Black nació en Memphis, Tennessee, hijo de un motero de la Memphis Street Railway Co. Era el mayor de nueve hijos. Su padre tocó canciones populares en el banjo y violín para entretener a la familia. Black aprendió a tocar música a la edad de 14 años con un instrumento hecho por su padre: una caja de cigarros con una tabla clavada y cuerdas atadas. A la edad de dieciséis años, Black tocaba música "honky-tonk" en guitarra acústica en bares locales.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Black estuvo estacionado con el Ejército de los Estados Unidos en Fort Lee en Virginia. Mientras estaba en el ejército, conoció a Evelyn, quien tocaba la guitarra como miembro de una familia musical. Se casaron en 1946 y regresaron a Memphis. Black trabajó en la planta de Firestone.
Comenzó a tocar el violín del bajo vertical, modelando su técnica de "bofetada" según uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers y Rose. Black también desarrolló un personaje de "payaso de escenario" de la misma manera que Maddox entretuvo al público. El negro se desempeñó como una exagerada colina con los dientes oscurecidos, un sombrero de paja y un mono. Según su hijo, Black dijo que su objetivo era siempre darle a su público "unos momentos de entretenimiento y quizás un poco de humor que les haga cosquillas por un tiempo".
En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un violinista, interpretaron canciones de música country de Hank Williams y Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers. Black y Moore también tocaron en una banda con Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette en guitarra de acero y un baterista.
En 1959, Black se unió a un grupo de músicos que se convirtió en el Combo de Bill Black. La alineación fue Black (bajo), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitarra), Martin Willis (saxofón) y Jerry Arnold (batería). Hubo varios cambios de personal. Mientras Young estaba en el ejército, su posición fue ocupada por Hank Hankins, Chips Moman y Tommy Cogbill. En el saxofón, Ace Cannon se hizo cargo de Willis, quien permaneció en Memphis para el trabajo de estudio y las apariciones en películas. Carl McVoy reemplazó a Hall en el estudio, mientras que Bobby Emmons lo reemplazó en la gira.
La banda lanzó el blues instrumental "Smokie" para Hi Records en diciembre de 1959. "Smokie, Parte 2" se convirtió en el hit número 17 de los Estados Unidos, y se convirtió en el número uno en las listas musicales "negras". [3] Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA. [23] Un lanzamiento de seguimiento, "White Silver Sands" (Hola 2021), fue un éxito Top 10 (# 9) y, al igual que su predecesor, encabezó las listas de R&B durante cuatro semanas.
Ocho de las grabaciones de Bill Black's Combo se ubicaron en el Top 40 entre 1959 y 1962. Anunciado como "Terrific for Dancing", su álbum Saxy Jazz pasó un año entero en el top 100.
The Combo apareció en la película Teenage Millionaire de 1961 y en The Ed Sullivan Show, donde interpretaron una mezcla de "Don't Be Cruel", "Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron elegidos como el grupo instrumental número uno de Billboard. de 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)
Álbumes con temas incluidos Combo Plays Tunes de Bill Black, Chuck Berry, Combo Goes Big Band de Bill Black, Combo Goes West de Bill Black y Combo Plays the Blues de Bill Black. El sonido de blues bailable de The Combo se convirtió en un acompañamiento popular para los bailarines de striptease. Otra característica del Combo era Reggie Young, que golpeaba la guitarra con un lápiz.
En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado "Lyn-Lou Studios" (un apodo abreviado "Linda-Lou" que tenía para su hija Nancy), y un sello discográfico llamado "Louis" por su hijo, en Chelsea Street en Memphis. , Tennessee, con Larry Rogers (Studio 19, Nashville) como su ingeniero y productor. Johnny Black, el hermano de Bill y también bajista, que conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que Bill, recuerda haber visitado a Bill en el estudio e informó que Bill estaría totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas. [Cita requerida]
Bob Tucker y Larry Rogers compraron Lyn-Lou Studios después de la muerte de Bill Black en 1965. El estudio grabó muchos álbumes de Bill Black Combo (con facturas como "The Best Honky Tonk Band en América" y "La banda que abrió para los Beatles") [cita requerida] y produjo el número uno de éxitos de país para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y otros. La banda de la casa para estas sesiones fue Shylo Band, con el guitarrista y cantante Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, famoso ingeniero de Sun Studio.
A principios de 1963, Black envió de dos a cinco versiones diferentes del Combo a diferentes regiones del país al mismo tiempo, mientras se mantenía alejado de la carretera, deseando concentrarse en su negocio, su familia y su salud.
En 1963, Bob Tucker se unió a Bill Black Combo como administrador de caminos y guitarra / bajo.
El mismo Black había estado enfermo durante el último año y medio y no había podido viajar. No obstante, insistió en que la banda continuara sin él. El Bill Black Combo creó la historia musical en 1964 cuando se convirtieron en el acto de apertura de los Beatles (a petición de ellos) en su histórica gira por 13 ciudades de América después de su aparición en The Ed Sullivan Show. El mismo Black no estaba lo suficientemente bien como para hacer la gira.
Después de dos cirugías y largas estadías en el hospital, Black murió de un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a la edad de 39 años. Su muerte ocurrió durante su tercera operación que los médicos habían esperado para erradicar el tumor de forma permanente. El cuerpo de Black fue enterrado en el cementerio Forest Hill en Memphis, Tennessee. Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero creía que su presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En su lugar, decidió visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: "Si hay algo que necesiten, hágamelo saber y será suyo".
La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para usar el nombre Combo de Bill Black. La banda cambió a país cuando se unió a Columbia Records y ganó el premio al Grupo Instrumental del Año de Billboard en 1976.
El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
Ray Bryant's first solo piano album is rightfully considered a classic. Bryant, at the time thought of as a young modern traditionalist, has always felt perfectly at home playing the blues. He performs five original and diverse blues on this set along with "Lover Man" and "Rockin' Chair," showing that he really never needed a bassist or a drummer to sound like a complete band. This Prestige album was reissued in the Original Jazz Classics but thus far only as an LP; highly recommended in any case.
by Scott Yanow
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Reseña:
El primer álbum de piano solista de Ray Bryant es considerado un clásico. Bryant, considerado en su momento como un joven tradicionalista moderno, siempre se ha sentido perfectamente en casa tocando el blues. Interpreta cinco blues originales y diversos en este set junto con "Lover Man" y "Rockin' Chair", demostrando que realmente nunca necesitó un bajista o un baterista para sonar como una banda completa. Este álbum Prestige fue reeditado en los Original Jazz Classics pero hasta ahora sólo como un LP; muy recomendado en cualquier caso.
With his larger-than-life persona, roaring vocals, and the raw, skittering guitar lines of Hubert Sumlin behind him, Howlin’ Wolf turned out dozens of stellar Chicago blues singles for RPM and Chess Records between 1951 and 1962, including “Smokestack Lightnin’,” "Spoonful," "Red Rooster," and the magnificent “Killing Floor,” among many others. All of these, along with his other classic and essential singles (both A- and B-sides) from the first decade of his career, are collected here in this expansive, three-disc, 80-track set, which also includes several sides recorded at sessions during this period but never released.
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Traducción Automática:
Reseña por Steve Leggett
Con su personaje más grande que la vida, sus voces rugientes y las líneas de guitarra crudas y deslumbrantes de Hubert Sumlin detrás de él, Howlin 'Wolf produjo docenas de singles estelares de blues de Chicago para RPM y Chess Records entre 1951 y 1962, incluido Smokestack Lightnin '"," Spoonful "," Red Rooster "y el magnífico" Killing Floor ", entre muchos otros. Todos estos, junto con sus otros singles clásicos y esenciales (ambos lados A y B) de la primera década de su carrera, se recogen aquí en este conjunto expansivo de tres discos y 80 pistas, que también incluye varios lados. Grabado en sesiones durante este periodo pero nunca lanzado.
Milton Brent Buckner was born in St. Louis on July 19, 1915. His little
brother Ted, who should not be confused with their distant relative,
Texas born trumpeter Teddy Buckner, was destined to become a saxophonist
with the Jimmie Lunceford Orchestra (where he actually recorded with
Teddy in 1939) and an R&B and Motown sessionman. Milt's parents, who
encouraged him to learn to play piano, both died when he was nine years
old. The two orphans were sent to Detroit where they were adopted by
members of the Earl Walton Orchestra; Milt studied piano from age ten to
thirteen with his uncle John Tobias (Walton's trombonist), and began
writing arrangements for the band at the age of fifteen. While studying
at the Detroit Institute of Arts he performed with Mose Burke & the
Dixie Whangdoodles and the Harlem Aristocrats. After drummer and
bandleader Don Cox hired him in 1932, Buckner began to develop a
uniquely percussive technique employing parallel tonal patterns, later
referred to as "block chords," a style now associated with Oscar
Peterson and George Shearing. During the '30s Buckner also worked in
groups led by Jimmy Raschelle, Lanky Bowman, and Howard Bunts. His first
big break came in 1941 when he became Lionel Hampton's staff arranger
and assistant director. His predilection for rocking rhythms and
boogie-woogie fit nicely with Hamp's approach to entertainment. Buckner
worked with Hampton during the years 1941-1948 and 1950-1952.
Buckner's earliest recordings survive as a set of piano solos etched
into Presto transcription acetates cut on the last day of August 1941.
His next appearance in a studio was as a member of a small group led by
Lionel Hampton backing young Dinah Washington on her recording debut in
December 1943; these feisty, blues based performances were made
available to the public on Harry Lim's Keynote label. In 1945 Buckner
made records with saxophonist Herbie Fields, Ellington crooner Herb
Jeffries and R&B shouter Wynonie Harris, including Harris' smash
hit, a cover of Lionel Hampton and Curley Hamner's highly successful
"Hey! Ba-Ba-Re-Bop." In 1946 he made the first of a series of recordings
with a group variously billed as the Beale Street Boys, the Beale
Street Gang, and the Hot Shots. Over the next three years Buckner led a
series of dates for the Savoy label. In 1949 he made records with a big
band for MGM, sat in on an Eddie Condon Floorshow with drummer Buddy
Rich and tap-dancer Baby Laurence on NBC TV, and conducted Teddy
Stewart's Orchestra behind Dinah Washington on a date for Mercury
records.
In 1950 Buckner recorded with the Three Flames for MGM, with singer
Florence Wright for National, with Wynonie Harris for Vogue records,
with Rufus Thomas ("Mr. Swing") for the Bullet label in Memphis, and
with vocalist Mabel Scott and saxophonists Eddie "Cleanhead" Vinson,
Buddy Tate and Wild Bill Moore for King. It was during the Moore session
that Buckner first switched from piano to organ. He trundled it out
again in Houston TX during the spring of 1952 while backing vocalist
Sonny Parker with Gladys Hampton's Blue Boys for Peacock records. Milt
recorded for the Scooter, Regent and Brunswick labels, and jammed with
saxophonist Charlie Parker in 1953 at the bandbox in New York City. He
sat piano for the Imperials (with Willie Dixon playing bass) on a Great
Lakes session that took place in Detroit during the spring of 1954.
Buckner also visited Philadelphia over the summer to record a few tunes
with guitarist Big Ham Williams and drummer Sam Woodyard which were
issued on 20th Century records, a subsidiary of the Gotham label.
Milt Buckner was a Capitol recording artist from April 1955 through July
1957, sharing the studio with saxophonists Earle Warren and Sam Taylor,
guitarists Everett Barksdale and Skeeter Best, bassist Milt Hinton and
drummers Osie Johnson and Shadow Wilson. He taped his first Argo LP in
New York in December 1959 with guitarist Kenny Burrell and bassist Joe
Benjamin. More Argo sessions came together in Chicago in 1960 and 1961,
and he had dealings with the Bethlehem label in Cincinnati in 1962 and
1963. In March 1966 a performance with saxophonist Illinois Jacquet was
taped live at Lennie's on the turnpike in West Peabody, MA and
subsequently released on the Cadet label.
Like many U.S. jazz musicians who struggled at home and did better
abroad, Milt Buckner clearly preferred the cultural and vocational
climate in Europe. Over the 11 years that remained in his life, he only
returned to North America for brief concert and club bookings — five
times to the U.S. and twice to Canada. Beginning in 1966 with his first
Parisian session in the company of Illinois Jacquet and trumpeter Roy
Eldridge, Buckner's discography indicates a more stable working environment
involving skilled musicians and appreciative audiences. Milt Buckner's
final decade of professional activity is mostly measured in recordings
issued on the Black & Blue label, with the exception of a few
Prestige, Jazz Odyssey and Riff releases.
Buckner made music in Paris, Villingen, Boulogne, Cologne, Antwerpen,
Lausanne, Biarritz, Barcelona, Toulouse, London, Herouville, Valauris,
Besancon, Geneva, Salon, Yverdon, Nice, Scheveningen and Leiden. His
session mates included multi-instrumentalist Clarence "Gatemouth" Brown,
trumpeters Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman and Bill Coleman;
trombonist Gene "Mighty Flea" Connors; saxophonists Ben Webster, Candy
Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas,
Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw"
Davis and Illinois Jacquet; pianists André Persiany, Jean-Paul Amouroux
and Jay McShann; guitarist Al Casey; bassists Milt Hinton, Major Holley
and Roland Lobligeois as well as vocalists Jodie Drake, Little Mary
Anglade and Big Joe Turner. Buckner's last studio session took place in
Paris on July 4, 1977. Three weeks later, on Wednesday July 27, he
collapsed and died after setting up his Hammond organ in preparation for
a performance with Illinois Jacquet at the Jazz Showcase in Chicago.
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Milton Brent Buckner nació en St. Louis el 19 de julio de 1915. Su
hermano pequeño Ted, que no debe confundirse con su pariente lejano, el
trompetista Teddy Buckner, nacido en Texas, estaba destinado a ser
saxofonista de la Orquesta Jimmie Lunceford (donde en realidad grabó con
Teddy en 1939) y un sesionista de R&B y Motown. Los padres de Milt,
que lo animaron a aprender a tocar el piano, murieron cuando tenía
nueve años. Los dos huérfanos fueron enviados a Detroit donde fueron
adoptados por miembros de la Earl Walton Orchestra; Milt estudió piano
desde los diez a los trece años con su tío John Tobias (el trombonista
de Walton), y comenzó a escribir arreglos para la banda a la edad de
quince años. Mientras estudiaba en el Instituto de Artes de Detroit
actuó con Mose Burke & the Dixie Whangdoodles y los Harlem
Aristocrats. Después de que el baterista y director de la banda Don Cox
lo contrató en 1932, Buckner comenzó a desarrollar una técnica de
percusión única que empleaba patrones tonales paralelos, más tarde
conocidos como "acordes de bloque", un estilo que ahora se asocia con
Oscar Peterson y George Shearing. Durante los años 30, Buckner también
trabajó en grupos dirigidos por Jimmy Raschelle, Lanky Bowman y Howard
Bunts. Su primera gran oportunidad llegó en 1941 cuando se convirtió en
el arreglador y asistente de dirección de Lionel Hampton. Su
predilección por los ritmos de rock y el boogie-woogie encajaba bien con
el enfoque de Hamp en el entretenimiento. Buckner trabajó con Hampton
durante los años 1941-1948 y 1950-1952.
Las primeras grabaciones de Buckner sobreviven como un conjunto de solos
de piano grabados en acetatos de transcripción Presto cortados el
último día de agosto de 1941. Su siguiente aparición en un estudio fue
como miembro de un pequeño grupo liderado por Lionel Hampton que apoyaba
a la joven Dinah Washington en su debut discográfico en diciembre de
1943; estas actuaciones de lucha, basadas en el blues, se pusieron a
disposición del público en el sello Keynote de Harry Lim. En 1945
Buckner grabó con el saxofonista Herbie Fields, el cantante de Ellington
Herb Jeffries y el gritador de R&B Wynonie Harris, incluyendo el
gran éxito de Harris, una portada de Lionel Hampton y el muy exitoso
"Hey! Ba-Ba-Re-Bop" de Curley Hamner. En 1946 hizo la primera de una
serie de grabaciones con un grupo llamado Beale Street Boys, Beale
Street Gang y Hot Shots. Durante los siguientes tres años Buckner lideró
una serie de fechas para el sello Savoy. En 1949 grabó con una gran
banda para MGM, participó en un espectáculo de Eddie Condon Floorshow
con el baterista Buddy Rich y el bailarín de claqué Baby Laurence en la
NBC TV, y dirigió la Orquesta de Teddy Stewart detrás de Dinah
Washington en una cita para Mercury records.
En 1950 Buckner grabó con los Three Flames para MGM, con la cantante
Florence Wright para National, con Wynonie Harris para Vogue records,
con Rufus Thomas ("Mr. Swing") para el sello Bullet en Memphis, y con la
vocalista Mabel Scott y los saxofonistas Eddie "Cleanhead" Vinson,
Buddy Tate y Wild Bill Moore para King. Fue durante la sesión de Moore
que Buckner cambió por primera vez del piano al órgano. Lo hizo de nuevo
en Houston TX durante la primavera de 1952 mientras apoyaba al
vocalista Sonny Parker con los discos Blue Boys de Gladys Hampton para
Peacock. Milt grabó para los sellos Scooter, Regent y Brunswick, y tocó
con el saxofonista Charlie Parker en 1953 en el bandbox de Nueva York.
Se sentó al piano para los Imperiales (con Willie Dixon tocando el bajo)
en una sesión de los Grandes Lagos que tuvo lugar en Detroit durante la
primavera de 1954. Buckner también visitó Filadelfia durante el verano
para grabar algunos temas con el guitarrista Big Ham Williams y el
baterista Sam Woodyard que fueron publicados en 20th Century records,
una subsidiaria del sello Gotham.
Milt Buckner fue un artista de grabación del Capitolio desde abril de
1955 hasta julio de 1957, compartiendo el estudio con los saxofonistas
Earle Warren y Sam Taylor, los guitarristas Everett Barksdale y Skeeter
Best, el bajista Milt Hinton y los bateristas Osie Johnson y Shadow
Wilson. Grabó su primer LP de Argo en Nueva York en diciembre de 1959
con el guitarrista Kenny Burrell y el bajista Joe Benjamin. Más sesiones
de Argo se reunieron en Chicago en 1960 y 1961, y tuvo tratos con el
sello Bethlehem en Cincinnati en 1962 y 1963. En marzo de 1966 se grabó
en directo una actuación con el saxofonista Illinois Jacquet en Lennie's
en la autopista de West Peabody, MA, y posteriormente se publicó en el
sello Cadet.
Al igual que muchos músicos de jazz de los Estados Unidos que lucharon
en su país y se desempeñaron mejor en el extranjero, Milt Buckner
claramente prefirió el clima cultural y vocacional de Europa. Durante
los 11 años que le quedaban de vida, sólo regresó a América del Norte
para hacer breves reservas de conciertos y clubes: cinco veces a los
Estados Unidos y dos al Canadá. A partir de 1966, con su primera sesión
parisina en compañía de Illinois Jacquet y el trompetista Roy Eldridge,
la discografía de Buckner indica un entorno de trabajo más estable en el
que participan músicos capacitados y un público agradecido. La última
década de actividad profesional de Milt Buckner se mide sobre todo por
las grabaciones publicadas en el sello Black & Blue, con la
excepción de algunos lanzamientos de Prestige, Jazz Odyssey y Riff.
Buckner hizo música en París, Villingen, Boulogne, Colonia, Amberes,
Lausana, Biarritz, Barcelona, Toulouse, Londres, Herouville, Valauris,
Besancon, Ginebra, Salón, Yverdon, Niza, Scheveningen y Leiden. Entre
sus compañeros de sesión se encontraban el multiinstrumentista Clarence
"Gatemouth" Brown, los trompetistas Buck Clayton, Joe Newman, Johnny
Letman y Bill Coleman; el trombonista Gene "Mighty Flea" Connors; los
saxofonistas Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer,
Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett
Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis y Illinois Jacquet; los
pianistas André Persiany, Jean-Paul Amouroux y Jay McShann; el
guitarrista Al Casey; los bajistas Milt Hinton, Major Holley y Roland
Lobligeois, así como los vocalistas Jodie Drake, Little Mary Anglade y
Big Joe Turner. La última sesión de estudio de Buckner tuvo lugar en
París el 4 de julio de 1977. Tres semanas después, el miércoles 27 de
julio, se desplomó y murió después de montar su órgano Hammond en
preparación para una actuación con Illinois Jacquet en el Jazz Showcase
de Chicago.
