egroj world: 2024

Monday, December 23, 2024

Art Blakey • Get The Message

 



Review
by Ken Dryden
This is an unusual edition of Art Blakey's Jazz Messengers because it includes pianist Keith Jarrett and trumpeter Chuck Mangione (well before their respective solo careers took off), along with tenor saxophonist Frank Mitchell and bassist Reggie Workman, though this was the only commercial recording by this edition of the band. Mangione contributed several originals to the date and takes many strong solos. The influence of Bill Evans is readily apparent in several of Jarrett's brief solos, while Mitchell commands attention in the explosive romp through "Secret Love." Recorded live at the Lighthouse in Hermosa Beach, the sound quality of this reissue (originally issued by Limelight under the title Buttercorn Lady) is a bit muddy, probably due to tape deterioration. In any case, this historical curiosity is worth the search for devoted fans of Art Blakey, though this CD reissue is no longer in print because of the demise of the Drive Archive label.
https://www.allmusic.com/album/get-the-message-mw0000083625

///////


Reseña
por Ken Dryden
Esta es una edición inusual de Art Blakey's Jazz Messengers porque incluye al pianista Keith Jarrett y al trompetista Chuck Mangione (mucho antes de que sus respectivas carreras en solitario despegaran), junto con el saxofonista tenor Frank Mitchell y el bajista Reggie Workman, aunque esta fue la única grabación comercial de esta edición de la banda. Mangione contribuyó con varios originales a la fecha y toma muchos solos fuertes. La influencia de Bill Evans es evidente en varios de los breves solos de Jarrett, mientras que Mitchell acapara la atención en el explosivo revolcón de "Secret Love". Grabado en directo en el Lighthouse de Hermosa Beach, la calidad del sonido de esta reedición (originalmente publicada por Limelight con el título Buttercorn Lady) es un poco turbia, probablemente debido al deterioro de la cinta. En cualquier caso, esta curiosidad histórica merece la pena ser buscada por los fans devotos de Art Blakey, aunque esta reedición en CD ya no se imprime debido a la desaparición del sello Drive Archive.
https://www.allmusic.com/album/get-the-message-mw0000083625


artblakey.com ...


Freddie Hubbard • The Night Of The Cookers

 



Review
by Ron Wynn
Trumpeters Freddie Hubbard and Lee Morgan joined forces for two superb mid-'60s Blue Note LPs, The Night of the Cookers, Vol. 1 and Vol. 2, which have been repackaged as a two-disc set. Hubbard was a master of tonguing effects, high-voltage upper notes, and long phrases, while Morgan was a hypnotic improviser. The two trumpeters, despite their consistent brilliance, were almost outdistanced by alto saxophonist and flutist James Spaulding, then at his peak. Spaulding's effortlessly played, torrid alto solos were explosive and often dazzling. The rhythm section grounded the proceedings in elastic and sympathetic rhythms, providing the final element in the formula comprising two tremendous albums.
https://www.allmusic.com/album/the-night-of-the-cookers-live-at-club-la-marchal-vols-1-2-mw0001977669

///////


Reseña
por Ron Wynn
Los trompetistas Freddie Hubbard y Lee Morgan unieron sus fuerzas en dos magníficos LPs de Blue Note de mediados de los 60, The Night of the Cookers, Vol. 1 y Vol. 2, que han sido reempaquetados como un conjunto de dos discos. Hubbard era un maestro de los efectos de lengüeta, las notas altas de alto voltaje y las frases largas, mientras que Morgan era un improvisador hipnótico. Los dos trompetistas, a pesar de su constante brillantez, fueron casi superados por el saxofonista alto y flautista James Spaulding, entonces en su mejor momento. Los tórridos solos de alto de Spaulding, tocados sin esfuerzo, eran explosivos y a menudo deslumbrantes. La sección rítmica cimentaba el espectáculo en ritmos elásticos y simpáticos, aportando el elemento final a la fórmula que componía dos álbumes tremendos.
https://www.allmusic.com/album/the-night-of-the-cookers-live-at-club-la-marchal-vols-1-2-mw0001977669


Phil Upchurch • Free Easy

 



www.philupchurch.com ...



 


Chet Baker • The Touch of Your Lips

 



This was the perfect setting during his later years. The trumpeter (who also sings on two of the six songs) sounds very relaxed and comfortable while accompanied by the duo of guitarist Doug Raney and bassist Niels Pedersen, taking some consistently lyrical solos on the six standards.
https://www.jazzmessengers.com/es/2428/chet-baker/the-touch-of-your-lips-180-gram

///////


Este fue el escenario perfecto durante sus últimos años. El trompetista (que también canta en dos de las seis canciones) suena muy relajado y cómodo mientras está acompañado por el dúo formado por el guitarrista Doug Raney y el bajista Niels Pedersen, realizando algunos solos de gran lirismo en los seis estándares.
https://www.jazzmessengers.com/es/2428/chet-baker/the-touch-of-your-lips-180-gram


www.chetbaker.net ...

John Scofield & Pat Metheny • North Sea Jazz Festival

 


www.patmetheny.com ...
 www.johnscofield.com ... 


Mike Moreno • Three for Three

 



American jazz guitarist, born in 1978 in Houston, Texas.


Highway 61 Revisited The Tangled Roots of American Jazz, Blues, Rock, Country Music

 


What do Louis Armstrong, Ray Charles, Bob Dylan, Willie Nelson, Tom Waits, Cassandra Wilson, and Ani DiFranco have in common? In Highway 61 Revisited, acclaimed music critic Gene Santoro says the answer is jazz―not just the musical style, but jazz's distinctive ambiance and attitudes.
As legendary bebop rebel Charlie Parker once put it, "If you don't live it, it won't come out of your horn." Unwinding that Zen-like statement, Santoro traces how jazz's existential art has infused outstanding musicians in nearly every wing of American popular music―blues, folk, gospel, psychedelic rock, country, bluegrass, soul, funk, hiphop―with its parallel process of self-discovery and artistic creation through musical improvisation. Taking less-traveled paths through the last century of American pop,
Highway 61 Revisited maps unexpected musical and cultural links between such apparently disparate figures as Louis Armstrong, Willie Nelson, Bob Dylan and Herbie Hancock; Miles Davis, Lenny Bruce, The Grateful Dead, Bruce Springsteen, and many others. Focusing on jazz's power to connect, Santoro shows how the jazz milieu created a fertile space "where whites and blacks could meet in America on something like equal grounds," and indeed where art and entertainment, politics and poetry, mainstream culture and its subversive offshoots were drawn together in a heady mix whose influence has proved both far-reaching and seemingly inexhaustible.
Combining interviews and original research, and marked throughout by Santoro's wide ranging grasp of cultural history, Highway 61 Revisited offers readers a new look at―and a new way of listening to―the many ways jazz has colored the entire range of American popular music in all its dazzling profusion. 
 
Gene Santoro (Author) 
 

Vic Juris • Blue

 



Biography
by Scott Yanow
Guitarist Vic Juris is best-known for his association with Richie Cole. He made his recording debut with Eric Kloss (1975), gigged with Barry Miles' fusion group, and started his off-and-on association with Cole in 1976, appearing on some of the altoist's finest recordings. In addition to recording with Don Patterson, Mel Tormé, and Bireli Lagrene, Juris (a fine hard bop-oriented improviser) has played duets with Larry Coryell, been a member of groups led by Dave Liebman and Gary Peacock, and recorded as a leader for Muse and SteepleChase.
https://www.allmusic.com/artist/vic-juris-mn0000205581/biography

Note: Vic passed away at the end of 2019.

///////


Biografía
por Scott Yanow
El guitarrista Vic Juris es más conocido por su asociación con Richie Cole. Hizo su debut discográfico con Eric Kloss (1975), actuó con el grupo de fusión de Barry Miles, y comenzó su asociación intermitente con Cole en 1976, apareciendo en algunas de las mejores grabaciones del contralto. Además de grabar con Don Patterson, Mel Tormé y Bireli Lagrene, Juris (un fino improvisador orientado al hard bop) ha tocado a dúo con Larry Coryell, ha sido miembro de grupos dirigidos por Dave Liebman y Gary Peacock, y ha grabado como líder para Muse y SteepleChase.
https://www.allmusic.com/artist/vic-juris-mn0000205581/biography

Nota: Vic falleció a finales de 2019.


Joe Zawinul • Dialects

 


www.joezawinul.com ...


Jean-Philippe Bordier • Duke Celebration


 

 facebook.com/jean.philippe.bordier ...

 

 


Cedar Walton-David Williams-Billy Higgins • Up Front

 



 


Jimmy Raney • Live At Bradley's

 


Raney Legacy ...


VA • Mojo Presentsː Paint It Black

 



Art Van Damme • Swinging The Accordion On MPS [10 albums]

 


Art Van Damme (April 9, 1920 – February 15, 2010) was an American jazz accordionist.
The hippest cat ever to swing an accordion, Art Van Damme dared go where no man had gone before: jazz accordion. He started taking accordion lessons at the age of nine, and moved on to classical studies after his family moved to Chicago, Illinois, in 1934. After leaving school. he played in a trio in local clubs under big band leader Ben Bernie hired him in 1941. He soon returned to Chicago, though, and continued to work the club circuit there throughout World War Two.

Van Damme was inspired by swing recordings, particularly Benny Goodman's, and in the late 1930s, he began experimenting, adapting Goodman solos to the accordion. Throughout his career, he would often be compared to Goodman, since the two were both classically trained, technical masters of their instruments, and versatile and creative jazz soloists. He formed a quintet with several of his studio colleagues, and recorded his first album, for the small label, Music Craft, in 1944.

More Cocktail Capers LPHe joined the staff of NBC Radio in Chicago in 1945 and remained a studio musician for over 15 years, even after he became a recording artist in his own right. His early style fits into a small but at the time quite popular niche between the cocktail piano sound and the accordion/guitar/organ sound of the Three Suns. In fact, his earliest albums for Capitol and Columbia all had titles that made this connection explicit: "Cocktail Capers"; "Martini Time"; "Manhattan Time."

Despite liner notes that described this music as "background for badinage," these are excellent albums, if far more subdued that the bebop they shared the record bins with. Van Damme's introduction of the accordion as a featured jazz instrument was well-received critically, and in 1947, Downbeat magazine put his photo on the cover of one of their issues. He would go on to voted "Top Accordionist" in Downbeat's annual poll of jazz musicians for ten years in a row. Later, he was similarly recognized by Contemporary Keyboard magazine for five years in a row.

As time went on, Van Damme moved into more adventurous territory, closer to mainstream jazz. His later Columbia albums feature him at the lead of small, tight combos, and include a mix of standards and Van Damme's own slightly bebop-ish originals. "Accordion a la Mode" may be his best album, although "A Perfect Match," in which he pairs with the fine jazz guitarist Johnny Smith, is a favorite among fans of what's been called "light jazz."

Van Damme never had a problem finding a gig, and performed at clubs and hotels throughout Europe and the U.S. Over the course of over fifty years of performing, he traveled to Europe nearly 40 times and played everywhere from the Desert Inn in Las Vegas, to the Blue Note in New York, to Disney World in Florida. He also appeared on numerous television shows, from "The Tonight Show" to "The Dinah Shore Show." In the early 1950s, his quintet also recorded over 130 15-minute segments for NBC Radio. He claims that his performing kept him so busy he never needed to practice, and says that he probably played his accordion at home less than six hours total in all that time.

After leaving NBC Radio in 1960, Van Damme opened a music store and accordion studio in Chicago, but he continued to tour regularly. He left the recording mainstream when his contract with Columbia Records ran out in 1965, but was quickly signed by the German jazz label, MPS, and went on to record 16 albums for them. Since 1980, he has recorded less frequently, usually for small jazz labels, including an excellent album with the group Singers Unlimited on the Pausa. He gradually shifted his focus from clubs to accordion and jazz workshops, telling one interview that, "The audience is more attentive and listens more intensely."

Although a number of other accordionists ventured into jazz territory after Van Damme broke the trail, he remains the acknowledged master. As one reviewer recently wrote, he dispatches "Right-hand runs with a velocity and lightness of touch that defied the presumed limitations of the instrument," while at the same time, "Consistently emphasizing the lyric contours of a melodic phrase rather than the lightning technical flourishes that led up to it."

He eventually retired to Florida. He announced at his 75th birthday party that he intended to hang up his squeezebox for good, telling one interview that he felt like he'd played enough for one lifetime, but he continued to perform occasionally, appearing at clubs throughout the U.S. until as late as 2008.
http://www.spaceagepop.com/vandamme.htm

///////

Art Van Damme (9 de abril de 1920 - 15 de febrero de 2010) fue un acordeonista de jazz americano.
Art Van Damme, el gato más a la moda en mover un acordeón, se atrevió a ir adonde ningún hombre había ido antes: el acordeón de jazz. Comenzó a tomar clases de acordeón a la edad de nueve años, y pasó a los estudios clásicos después de que su familia se mudó a Chicago, Illinois, en 1934. Después de dejar la escuela, tocó en un trío en clubes locales bajo la dirección del líder de la gran banda Ben Bernie, quien lo contrató en 1941. Sin embargo, pronto regresó a Chicago y continuó trabajando en el circuito de clubes durante la Segunda Guerra Mundial.

Van Damme se inspiró en las grabaciones de swing, especialmente las de Benny Goodman, y a finales de los años 30 comenzó a experimentar, adaptando los solos de Goodman al acordeón. A lo largo de su carrera, a menudo se le comparaba con Goodman, ya que ambos tenían una formación clásica, eran maestros técnicos de sus instrumentos y solistas de jazz versátiles y creativos. Formó un quinteto con varios de sus colegas de estudio, y grabó su primer álbum, para el pequeño sello, Music Craft, en 1944.

More Cocktail Capers LPHe se unió al personal de NBC Radio en Chicago en 1945 y permaneció como músico de estudio durante más de 15 años, incluso después de convertirse en un artista de grabación por derecho propio. Su estilo inicial encaja en un pequeño pero muy popular nicho entre el sonido del piano de cóctel y el sonido del acordeón/guitarra/órgano de los Tres Soles. De hecho, sus primeros álbumes para Capitol y Columbia tenían títulos que hacían explícita esta conexión: "Cocktail Capers"; "Martini Time"; "Manhattan Time".

A pesar de las notas que describían esta música como "fondo para el badinage", estos son excelentes álbumes, aunque mucho más tenues que el bebop con el que compartían los cubos de los discos. La introducción de Van Damme del acordeón como instrumento de jazz fue bien recibida por la crítica, y en 1947, la revista Downbeat puso su foto en la portada de uno de sus números. En la encuesta anual de Downbeat sobre los músicos de jazz, durante diez años consecutivos, fue elegido "Top Accordionist". Más tarde, fue igualmente reconocido por la revista Contemporary Keyboard durante cinco años consecutivos.

Con el paso del tiempo, Van Damme se trasladó a un territorio más aventurero, más cercano al jazz convencional. Sus álbumes posteriores de Columbia lo presentan a la cabeza de pequeños y apretados combos, e incluyen una mezcla de estándares y los propios originales ligeramente bebop-ish de Van Damme. "Accordion a la Mode" puede ser su mejor álbum, aunque "A Perfect Match", en el que se une al guitarrista de jazz Johnny Smith, es uno de los favoritos entre los fans de lo que se ha llamado "light jazz".

Van Damme nunca tuvo problemas para encontrar un concierto, y actuó en clubes y hoteles de toda Europa y Estados Unidos. Durante más de cincuenta años de actuación, viajó a Europa casi 40 veces y tocó en todas partes, desde el Desert Inn de Las Vegas hasta el Blue Note de Nueva York y el Disney World de Florida. También apareció en numerosos programas de televisión, desde "The Tonight Show" hasta "The Dinah Shore Show". A principios de la década de 1950, su quinteto también grabó más de 130 segmentos de 15 minutos para NBC Radio. Afirma que su actuación lo mantuvo tan ocupado que nunca necesitó practicar, y dice que probablemente tocó su acordeón en casa menos de seis horas en total en todo ese tiempo.

Después de dejar NBC Radio en 1960, Van Damme abrió una tienda de música y un estudio de acordeón en Chicago, pero continuó haciendo giras regularmente. Dejó la corriente principal de la grabación cuando su contrato con Columbia Records se acabó en 1965, pero rápidamente fue firmado por el sello de jazz alemán, MPS, y grabó 16 álbumes para ellos. Desde 1980, ha grabado con menos frecuencia, generalmente para pequeños sellos de jazz, incluyendo un excelente álbum con el grupo Singers Unlimited en la Pausa. Poco a poco cambió su enfoque de los clubes a los talleres de acordeón y jazz, diciendo en una entrevista: "El público está más atento y escucha más intensamente".

Aunque otros acordeonistas se aventuraron en el territorio del jazz después de que Van Damme rompiera el camino, sigue siendo el maestro reconocido. Como escribió recientemente un crítico, despacha "Right hand runs with a velocity and lightness of touch that defied the presumed limitations of the instrument" (La mano derecha corre con una velocidad y ligereza de tacto que desafían las presuntas limitaciones del instrumento), mientras que al mismo tiempo, "Consistentemente enfatiza los contornos líricos de una frase melódica en lugar de los florecimientos técnicos relámpagos que la llevaron a ella".

Finalmente se retiró a Florida. Anunció en su fiesta de 75 años que tenía la intención de colgar su squeezebox para siempre, diciendo en una entrevista que sentía que había jugado lo suficiente para toda una vida, pero que seguía actuando ocasionalmente, apareciendo en clubes de todo Estados Unidos hasta el año 2008.

http://www.spaceagepop.com/vandamme.htm


Pharoah Sanders • Great Moments With Pharoah Sanders

 


Biography by Chris Kelsey
Tenor saxophonist Pharoah Sanders was among the most important contributors to the evolution of spiritual jazz, creating emotionally complex and uncompromisingly passionate music for over 60 years. Sanders got his start playing alongside John Coltrane in the mid-'60s, just as Coltrane's playing was turning to more chaotic free jazz expressions, and Sanders carried over some of that same euphoric upheaval into his own albums. Across multiple classics he recorded for the Impulse label in the late '60s and early '70s, however, Sanders incorporated elements of world music and even more pop-adjacent vocalizations into his sometimes chaotic style, crossing over to audiences who weren't primarily jazz listeners with the poetic mysticism of 1969's Karma or the sociopolitical sentiments of 1971's Black Unity. He remained highly active throughout the '80s and '90s, his sound mellowing somewhat into patient but no less powerful form on albums like 1987's Oh Lord, Let Me Do No Wrong. Though his output slowed in the new millennium, Sanders would continue performing and recording into his eighties, collaborating with electronic producer Floating Points and the London Symphony Orchestra on 2021's critically acclaimed album Promises.

Pharoah Sanders was born Ferrell Sanders in Little Rock, Arkansas, in 1940. Both his mother and father taught music, his mother privately and his father in public schools. His first instrument was the clarinet, but he switched to tenor sax as a high school student, under the influence of his band director, Jimmy Cannon, who also exposed Sanders to jazz for the first time. His early favorites included Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker, and John Coltrane. As a teenager, he played blues gigs for 10 and 15 dollars a night around Little Rock, backing such blues greats as Bobby "Blue" Bland and Junior Parker. After high school, Sanders moved to Oakland, California, where he lived with relatives. He attended Oakland Junior College, studying art and music. Known in the San Francisco Bay Area as "Little Rock," he soon began playing bebop, rhythm & blues, and free jazz with many of the region's finest musicians, including fellow saxophonists Dewey Redman and Sonny Simmons, as well as pianist Ed Kelly and drummer Smiley Winters.

In 1961, Sanders moved to New York, where he struggled. Unable to make a living with his music, he took to pawning his horn, working nonmusical jobs, and sometimes sleeping on the subway. During this period, he played with a number of free jazz luminaries, including Sun Ra, Don Cherry, and Billy Higgins. Sanders formed his first group in 1963, with pianist John Hicks (with whom he would continue to play off-and-on into the '90s), bassist Wilbur Ware, and drummer Higgins. When the group played an engagement at New York's Village Gate, a member of the audience was John Coltrane, who apparently liked what he heard. In late 1964, Coltrane asked Sanders to sit in with his band. By the next year, he was playing regularly with the Coltrane group, although he was never made an official member of the band. Coltrane's ensembles with Sanders were some of the most controversial in the history of jazz. Their music, as represented by the group's recordings -- Om, Live at the Village Vanguard Again, and Live in Seattle among them -- represents a near total desertion of traditional jazz concepts, like swing and functional harmony in favor of a teeming, irregularly structured, organic mixture of sound for sound's sake. Strength was a necessity in that band, and as Coltrane soon realized, Sanders had it in abundance.

Sanders made his first record as a leader in 1964 for the ESP label. After Coltrane's death in 1967, Sanders worked briefly with his widow, Alice Coltrane. From the late '60s on, however, he worked primarily as a leader of his own ensembles. From 1966 to 1971, he released several albums on Impulse including Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971), and Thembi (1971). In the mid-'70s he recorded his most commercial effort, Love Will Find a Way (Arista, 1977); it turned out to be a brief detour. From the late '70s until 1987, he recorded for the small independent label Theresa. Starting in 1987, Sanders recorded for the Evidence and Timeless labels. The former bought Theresa Records in 1991 and subsequently re-released Sanders' output for that company.

In 1995, he made his first major-label album in many years, Message from Home (produced by Bill Laswell for Verve). The two followed that one up in 1999 with Save Our Children. In 2000, Sanders released Spirits -- a multi-ethnic live suite with Hamid Drake and Adam Rudolph. In the decades after his first recordings with Coltrane, Sanders developed into a more well-rounded artist, capable of playing convincingly in a variety of contexts, from free to mainstream.

Throughout the 2000s, Sanders played the festival circuit and collaborated on record with various artists including Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco, and others. In 2015, he was granted an NEA Jazz Master Award, along with Gary Burton, Wendy Oxenhorn, and Archie Shepp. It is North America's highest award for the genre. In 2020, an archival concert performance was released as Live in Paris (1975). The next year, Sanders worked with Floating Points and the London Symphony Orchestra on an album of entirely new material called Promises. Released in March 2021, the record was met with almost universal critical praise. It proved to be the last album he would release in his lifetime. Pharoah Sanders died on September 24, 2022, at his home in Los Angeles at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

///////


Biografía de Chris Kelsey
El saxofonista tenor Pharoah Sanders estuvo entre los contribuyentes más importantes a la evolución del jazz espiritual, creando música emocionalmente compleja e intransigentemente apasionada durante más de 60 años. Sanders comenzó a tocar junto a John Coltrane a mediados de los 60, justo cuando la interpretación de Coltrane se estaba volviendo hacia expresiones de free jazz más caóticas, y Sanders llevó parte de esa misma agitación eufórica a sus propios álbumes. Sin embargo, a través de múltiples clásicos que grabó para el sello Impulse a fines de los 60 y principios de los 70, Sanders incorporó elementos de world music e incluso vocalizaciones más adyacentes al pop en su estilo a veces caótico, cruzando a audiencias que no eran principalmente oyentes de jazz con el misticismo poético de Karma de 1969 o los sentimientos sociopolíticos de Black Unity de 1971. Se mantuvo muy activo durante los años 80 y 90, su sonido se suavizó un poco hasta convertirse en una forma paciente pero no menos poderosa en álbumes como Oh Lord, Let Me Do No Wrong de 1987. Aunque su producción se desaceleró en el nuevo milenio, Sanders continuaría actuando y grabando hasta los ochenta, colaborando con el productor electrónico Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en el álbum Promises, aclamado por la crítica en 2021.

El faraón Sanders nació como Ferrell Sanders en Little Rock, Arkansas, en 1940. Tanto su madre como su padre enseñaban música, su madre en privado y su padre en escuelas públicas. Su primer instrumento fue el clarinete, pero cambió al saxo tenor cuando era estudiante de secundaria, bajo la influencia del director de su banda, Jimmy Cannon, quien también expuso a Sanders al jazz por primera vez. Sus primeros favoritos incluían a Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker y John Coltrane. Cuando era adolescente, tocaba blues por 10 y 15 dólares la noche en Little Rock, respaldando a grandes del blues como Bobby "Blue" Bland y Junior Parker. Después de la secundaria, Sanders se mudó a Oakland, California, donde vivió con familiares. Asistió al Oakland Junior College, estudiando arte y música. Conocido en el área de la Bahía de San Francisco como "Little Rock", pronto comenzó a tocar bebop, rhythm & blues y free jazz con muchos de los mejores músicos de la región, incluidos los saxofonistas Dewey Redman y Sonny Simmons, así como el pianista Ed Kelly y el baterista Smiley Winters.

En 1961, Sanders se mudó a Nueva York,donde luchó. Incapaz de ganarse la vida con su música, se dedicó a empeñar su trompa, a realizar trabajos no musicales y, a veces, a dormir en el metro. Durante este período, tocó con varias luminarias del free jazz, incluidos Sun Ra, Don Cherry y Billy Higgins. Sanders formó su primer grupo en 1963, con el pianista John Hicks (con quien continuaría tocando ocasionalmente hasta los años 90), el bajista Wilbur Ware y el baterista Higgins. Cuando el grupo tocó en un compromiso en Village Gate de Nueva York, un miembro de la audiencia era John Coltrane, a quien aparentemente le gustó lo que escuchó. A finales de 1964, Coltrane le pidió a Sanders que se sentara con su banda. Para el año siguiente, tocaba regularmente con el grupo Coltrane, aunque nunca fue nombrado miembro oficial de la banda. Los conjuntos de Coltrane con Sanders fueron algunos de los más controvertidos en la historia del jazz. Su música, representada por las grabaciones del grupo (Om, Live at the Village Vanguard Nuevamente, y Live in Seattle entre ellos) representa una deserción casi total de los conceptos tradicionales del jazz , como el swing y la armonía funcional, en favor de una mezcla orgánica abundante, irregularmente estructurada, de sonido por el sonido. La fuerza era una necesidad en esa banda, y como Coltrane pronto se dio cuenta, Sanders la tenía en abundancia.

Sanders grabó su primer disco como líder en 1964 para el sello ESP. Después de la muerte de Coltrane en 1967, Sanders trabajó brevemente con su viuda, Alice Coltrane. Sin embargo, a partir de finales de los 60, trabajó principalmente como líder de sus propios conjuntos. De 1966 a 1971, lanzó varios álbumes en Impulse, incluidos Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971) y Thembi (1971). A mediados de los 70 grabó su esfuerzo más comercial, Love Will Find a Way (Arista, 1977); resultó ser un breve desvío. Desde finales de los 70 hasta 1987, grabó para el pequeño sello independiente Theresa. A partir de 1987, Sanders grabó para los sellos Evidence y Timeless. El primero compró Theresa Records en 1991 y posteriormente relanzó la producción de Sanders para esa compañía.

En 1995, hizo su primer álbum con un sello importante en muchos años, Message from Home (producido por Bill Laswell para Verve). Los dos siguieron a ese en 1999 con Save Our Children. En 2000, Sanders lanzó Spirits, una suite en vivo multiétnica con Hamid Drake y Adam Rudolph. En las décadas posteriores a sus primeras grabaciones con Coltrane, Sanders se convirtió en un artista más completo, capaz de tocar de manera convincente en una variedad de contextos, desde el libre hasta el mainstream.

A lo largo de la década de 2000, Sanders tocó en el circuito de festivales y colaboró en grabaciones con varios artistas, incluidos Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco y otros. En 2015, recibió un premio NEA Jazz Master, junto con Gary Burton, Wendy Oxenhorn y Archie Shepp. Es el premio más alto de América del Norte para el género. En 2020, se lanzó una presentación de concierto de archivo como Live in Paris (1975). Al año siguiente, Sanders trabajó con Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en un álbum de material completamente nuevo llamado Promises. Lanzado en marzo de 2021, el disco recibió elogios críticos casi universales. Resultó ser el último álbum que lanzaría en su vida. El faraón Sanders murió el 24 de septiembre de 2022 en su casa de Los Ángeles a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography


Earl Hines • The Mighty Fatha

 



The Peter Appleyard Quartet • Peter Appleyard's Quartet

 


The Real Thing • Oh No! Not... The Real Thing... Again!



 The Real Thing (1992-1995) was a Soul Jazz Band from Oslo, Norway, founded in 1992 when Sigurd Køhn and Palle Wagnberg formed the forerunner, The B3 Blues Band with Vidar Busk and Hamlet Pedersen. They changed the name when Staffan William-Olsson and Fredrik Carl Stormer joined the band. Størmer was replaced by Torstein Ellingsen in 1995, and Ellingsen again by Børre Dalhaug in 1998. Due to the sudden death of the band's saxophonist Sigurd Køhn in December 2004 The Real Thing was hibernating until a reunion in 2010.

The quartet released eight albums, their debut in 1992 with the album The Real Thing and later both live and studio recordings. They for the most play original music, combining influences from American Blue Note jazz (represented by people such aslike Jimmy Smith, George Benson and Wes Montgomery) and elements from modern popular music. The result is a mixture of genres including swing, blues, soul, Latin, funk and rock.

///////

The Real Thing (1992-1995) fue una Soul Jazz Band de Oslo, Noruega, fundada en 1992 cuando Sigurd Køhn y Palle Wagnberg formaron el precursor, The B3 Blues Band con Vidar Busk y Hamlet Pedersen. Cambiaron el nombre cuando Staffan William-Olsson y Fredrik Carl Stormer se unieron a la banda. El Størmer fue sustituido por Torstein Ellingsen en 1995 y Ellingsen por Børre Dalhaug en 1998. Debido a la repentina muerte del saxofonista de la banda Sigurd Køhn en diciembre de 2004, The Real Thing estaba hibernando hasta una reunión en 2010.

El cuarteto publicó ocho álbumes, su debut en 1992 con el álbum The Real Thing y posteriormente en directo y en estudio. Son los que más tocan música original, combinando influencias del jazz American Blue Note (representado por gente como Jimmy Smith, George Benson y Wes Montgomery) y elementos de la música popular moderna. El resultado es una mezcla de géneros como el swing, el blues, el soul, el latín, el funk y el rock.


facebook.com ...


Roger King Mozian • El Twist


 
Biography by Tony Wilds
Roger King Mozian was born in New York. He composed, arranged, conducted, and choreographed, in addition to playing the trumpet and bongos and dancing as well. He made a name for himself leading bands playing Latin dance music, and eventually he made the progressive records Changa Rock and El Twist -- both feature hybrid Latin/rock elements. Before that, his Oriental-Latin tune "Asia Minor" drew notice; Mozian is of Near-East background himself.
https://www.allmusic.com/artist/roger-mozian-mn0000834434

///////

Biografía de Tony Wilds
Roger King Mozian nació en Nueva York. Compuso, arregló, dirigió y coreografió, además de tocar la trompeta y los bongos y bailar. Se hizo un nombre al frente de grupos que tocaban música latina de baile, y con el tiempo grabó los discos progresivos Changa Rock y El Twist, ambos con elementos híbridos de latín y rock. Antes de eso, su tema oriental-latino "Asia Minor" llamó la atención; el propio Mozian es de origen oriental.
https://www.allmusic.com/artist/roger-mozian-mn0000834434



Blue Mitchell & Sonny Red • Baltimore 1966

 



Jimmy Gourley • Repetition

 



Biography
by Eugene Chadbourne
A bebopping guitarist with a solid enough rhythmic edge for R&B, Jimmy Gourley came from a family background that more than just leaned toward conservatory training. Gourley's father actually founded the Monarch Conservatory of Music itself, located in Hammond, IN. Gourley was still popping pimples when he began bumping up against would-be boppers: one of the guitarist's high-school mates was none other than Lee Konitz, a wizard on the alto saxophone but at that point toting a tenor to high-school band class.

Heading south, Gourley went on his first tours in commercial outfits combing the territory of Louisiana and Arkansas. From 1944 through 1946 he shipped out with the Navy. When he returned he picked up a job in Chicago replacing the equally fine guitarist Jimmy Raney in a combo led by the somewhat obscure Jay Burkhart. In the late '40s Gourley was still keeping Windy City company but the names became more prominent, including singers Anita O'Day and the duo of Jackie Cain and Roy Kral.

The '50s would be best described as the guitarist's French period. Basing himself out of Paris, Gourley was associated mostly with Henri Renaud as well as his own house band stints at various clubs. Excellent recording sessions during this period present the guitarist in the company of tenor saxophonist Zoot Sims, alto saxophonist Gigi Gryce, trumpeter Clifford Brown, drummer Roy Haynes, and trombonist Bob Brookmeyer, not to mention homeboy Konitz. There was a dash back to Chicago during this decade but Gourley primarily spent his time in Paris, a long run as one of the local accompanists at the Blue Note allowing him the opportunity to continue associating with the cream of the jazz crop.

Gourley shows up on in one classic film on jazz, the noted 'Round Midnight, his featured number perhaps asking a question directly about his career, "How Long Has This Been Goin' On?" About a decade later, his own liner notes described him as "still searching, still stumbling" in a session involving his regular trio with drummer Philippe Combelle and bassist Dominique Lemerle. The guitarist is considered one of the most accomplished members of the jazz expatriate community.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-gourley-mn0000300565/biography

///////


Biografía
por Eugene Chadbourne
Jimmy Gourley, un guitarrista de bebopping con un toque rítmico suficientemente sólido para el R&B, procedía de un entorno familiar que no sólo se inclinaba hacia la formación de conservatorio. De hecho, el padre de Gourley fundó el Conservatorio de Música Monarch, situado en Hammond, Indiana. Gourley aún no se había quitado las espinillas cuando empezó a toparse con aspirantes a músicos: uno de los compañeros de instituto del guitarrista no era otro que Lee Konitz, un mago del saxofón alto pero que por aquel entonces llevaba un tenor a la clase de la banda del instituto.

Rumbo al sur, Gourley realizó sus primeras giras en conjuntos comerciales que peinaban el territorio de Luisiana y Arkansas. De 1944 a 1946 se embarcó con la Marina. A su regreso, consiguió un trabajo en Chicago sustituyendo al también excelente guitarrista Jimmy Raney en un combo dirigido por el algo oscuro Jay Burkhart. A finales de los 40, Gourley seguía acompañando a Windy City, pero los nombres se hicieron más prominentes, incluyendo a las cantantes Anita O'Day y el dúo formado por Jackie Cain y Roy Kral.

Los años 50 se describirían mejor como el periodo francés del guitarrista. Afincado en París, Gourley estuvo asociado principalmente con Henri Renaud, así como con su propia banda en varios clubes. Las excelentes sesiones de grabación de este periodo presentan al guitarrista en compañía del saxofonista tenor Zoot Sims, el saxofonista alto Gigi Gryce, el trompetista Clifford Brown, el batería Roy Haynes y el trombonista Bob Brookmeyer, sin olvidar a su amigo Konitz. Durante esta década regresó a Chicago, pero Gourley pasó principalmente su tiempo en París, donde fue uno de los acompañantes locales del Blue Note, lo que le permitió seguir relacionándose con la flor y nata del jazz.

Gourley aparece en una película clásica sobre jazz, la célebre 'Round Midnight', en la que su número principal quizá plantee una pregunta directa sobre su carrera: "How Long Has This Been' Goin' On". Aproximadamente una década más tarde, sus propias notas le describen como "todavía buscando, todavía tropezando" en una sesión de su trío habitual con el batería Philippe Combelle y el bajista Dominique Lemerle. El guitarrista está considerado uno de los miembros más consumados de la comunidad de expatriados del jazz.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-gourley-mn0000300565/biography


Paul Horn • Monday, Monday

 



James Brown • The Home Fields

 






George Adams • Suite For Swingers

 



Biography
by Scott Yanow
A passionate tenor and flute player who was not shy to break up chordal improvising with an unexpected scream or roar, George Adams was an original voice who (like his friend Don Pullen) crossed over several stylistic boundaries. He started on piano, but by the time he was in high school he was playing tenor in funk bands. In 1961, he toured with Sam Cooke, and in 1963 Adams moved to Ohio where he played with organ groups for the next few years. In 1968, he relocated to New York where he played with Roy Haynes, Gil Evans, and Art Blakey, among others. However, it was his association with Charles Mingus (1973-1976) that gave him his initial fame. After playing a bit with McCoy Tyner, Adams co-led a stimulating quartet with Don Pullen that made many records. Late in life, Adams (who enjoyed taking an occasional raspy blues vocal) teamed up with James Blood Ulmer in the group Phalanx, and occasionally played with Mingus Dynasty.
https://www.allmusic.com/artist/george-adams-mn0000804097/biography

///////


Biografía
por Scott Yanow
Tenor y flautista apasionado que no tenía reparos en romper la improvisación de acordes con un grito o un rugido inesperados, George Adams era una voz original que (como su amigo Don Pullen) traspasaba varias fronteras estilísticas. Empezó tocando el piano, pero cuando estaba en el instituto ya tocaba el tenor en bandas de funk. En 1961 realizó una gira con Sam Cooke, y en 1963 Adams se trasladó a Ohio, donde tocó con grupos de órgano durante los años siguientes. En 1968 se trasladó a Nueva York, donde tocó con Roy Haynes, Gil Evans y Art Blakey, entre otros. Sin embargo, fue su asociación con Charles Mingus (1973-1976) la que le dio su fama inicial. Después de tocar un poco con McCoy Tyner, Adams codirigió un estimulante cuarteto con Don Pullen que grabó muchos discos. Al final de su vida, Adams (que disfrutaba haciendo de vez en cuando una voz ronca de blues) formó equipo con James Blood Ulmer en el grupo Phalanx, y ocasionalmente tocó con Mingus Dynasty.
https://www.allmusic.com/artist/george-adams-mn0000804097/biography


Joe Henderson • Mirror, Mirror


 
 


Joshua Breakstone & The Cello Quartet • 88

 


www.joshuabreakstone.com ...




C 


Richie Kamuca • Drop Me Off In Harlem

 



Review
by Scott Yanow
Richie Kamuca's three Concord albums, all recorded within a year of his death, are each highly recommended. This set has inspired instrumentation. Three songs feature the cool-toned tenor in a trio with Herb Ellis (playing acoustic guitar) and bassist Ray Brown, while the remaining five are duets with pianist Dave Frishberg. Kamuca takes a surprising and effective vocal on "Dear Bix" and alternates light romps with lyrical ballads. Highlights of the consistently memorable set include "Drop Me Off In Harlem," "Three Little Words" and "Harlem Butterfly."
https://www.allmusic.com/album/drop-me-off-in-harlem-mw0000919853

///////


Reseña
por Scott Yanow
Los tres álbumes Concord de Richie Kamuca, todos grabados un año antes de su muerte, son muy recomendables. Este conjunto tiene una instrumentación inspirada. Tres canciones presentan al tenor en un trío con Herb Ellis (guitarra acústica) y el bajista Ray Brown, mientras que las cinco restantes son dúos con el pianista Dave Frishberg. Kamuca interpreta una sorprendente y efectiva voz en "Dear Bix" y alterna ligeros jugueteos con baladas líricas. Entre las canciones más destacadas de este conjunto memorable figuran "Drop Me Off In Harlem", "Three Little Words" y "Harlem Butterfly".
https://www.allmusic.com/album/drop-me-off-in-harlem-mw0000919853


B3 Kings • A Cellar Live Christmas [With Bruno Hubert Trio]

 



 


Jimmy Witherspoon • Spoon Sings N' Swings

 


Artist Biography
One of the great post-war blues shouters, Jimmy Witherspoon, or 'Spoon, as he's known throughout the jazz and blues world, straddled the line between blues and jazz, becoming an integral participant in the history of both of these classic genres of American music.

Born August 8, 1923, in Gurdon, Arkansas, the young James Witherspoon sang in church choirs much like his railroad worker father. Confidence came early as he won first prize in a singing competition at the age of five. While in his teens, Witherspoon decided to try his luck pursuing a singing career and ran away to Los Angeles. It was there that he decided to become a blues singer after seeing a performance by Big Joe Turner.

Bouncing around from job to job and not having much success as a singer, Witherspoon joined the merchant marines in 1941. Moving to San Francisco in 1944, Witherspoon would sing on weekends at a club called The Waterfront in nearby Vallejo, California. Witherspoon got his big break when he was heard by bandleader Jay McShann, with whom he spent close to four years. Witherspoon eventually did go his own way with, leaving McShann's band to record as a soloist for the Supreme label. In 1949, after a few recordings that went nowhere, 'Spoon recorded a version of “Ain't Nobody's Business,” which would become his signature song and featured McShann and others from the old band, went to number one on the R&B charts and stayed on the charts for 34 months, longer than any previous R&B tune. Witherspoon's next release, “In the Evening When the Sun Goes Down,” reached the number five spot, following this, 'Spoon released a number of albums on a variety of labels including Modern, Federal, and the legendary Chess label.

Virtually ignored by jazz and rock audiences and with financial hardships stalling large, swinging blues bands like McShann's, the rest of the 1950s found Witherspoon playing the chitlin circuit, a network of small black-owned clubs that played to mostly black audiences. For a while he played bass and sang at a club in Newport, Kentucky in a small band that also featured famed blues pianist Charles Brown. In 1959, however, 'Spoon was invited to appear at the Monterey Jazz Festival with an all-star group that included tenor saxophonist Ben Webster, trumpeter Roy Eldridge, alto saxophonist Coleman Hawkins, clarinetist Woody Herman, trombonist Urbie Green, and pianist Earl “Fatha” Hines. The electrifying performance, recorded and released as “Jimmy Witherspoon at Monterey,” propelled Witherspoon into the limelight as one of the leading singers of blues-laced jazz and put his career back on track. 'Spoon landed a recording contract with Atlantic, began to sing for larger crowds, and was featured in Jon Hendricks's historic program, “Evolution of the Blues,” at the 1960 Monterey Jazz Festival. These live recordings are available as “The Spoon Concerts.”

Like most jazz and blues performers, Witherspoon was especially successful in Europe and toured and recorded there many times since the early 1960s. Although he continued to record and tour, success on the record charts proved elusive for Witherspoon. In the 1970s, while hosting a late night radio blues program in Los Angeles, Witherspoon had his first chart success since 1960 with the song, “Love is a Five Letter Word” on Capitol Records. He continued, however, to record and perform for enthusiastic, albeit smaller, audiences.

In the late 1970s, Witherspoon was diagnosed with throat cancer and faced the possibility of never being able to sing again. For a while he couldn't even swallow. A throat operation and radiation treatment in England kept Witherspoon out of recording studios and clubs for a few years and took its toll on the veteran singer's dynamic style. After getting his singing back to where it was, Witherspoon noticed he could now reach a lower vocal register that before his operation was unattainable. Witherspoon forged ahead and went on to cut a remarkable 1986 album “Midnight Lady Called The Blues”, written and produced by Dr. John and Doc Pomus.

The1990s found Witherspoon at his most active, including touring with singer Van Morrison, in support of Morrison's “A Night in San Francisco,” album, on which Witherspoon appeared, as well as his own headlining gigs to promote reissues of earlier Witherspoon albums and recent releases. One such album, a live album with guitarist Robben Ford, entitled “Live at the Mint,” was the most welcome. A return to his roots but with a more upbeat feel, courtesy of Ford and his band, Witherspoon shouts through lively renditions of songs, some of which he'd been singing for more than 40 years. “`Spoon's swinging Jazz sensibilities are front and center on songs like Basie's `Goin' to Chicago” and his signature tune, `Ain't Nobody's Business,'” wrote DownBeat reviewer Michael Point, “but he's lost none of his ability to drop down into a convincing blues mood, as amply demonstrated by his powerful renditions of `Goin' Down Slow' and an assortment of Big Bill Broonzy classics.”

Live at the Mint went on to be nominated for a Grammy Award for Best Traditional Blues recording only to lose out to harmonica player Junior Wells. Still, the warm reception to the album and Grammy nomination did much to introduce- -or reintroduce-- Witherspoon to a group of fans.

. He re-teamed with guitarist Robben Ford for “Live At The Notodden Blues Festival”, and cut a 1992 album “The Blues, The Whole Blues and Nothin' But The Blues” for Indigo Records. Spoon's last recording “Spoon's Blues” for Stony Plain Records featured Duke Robillard and his band with special guest Long John Baldry.

Jimmy Witherspoon passed away in September of 1997 at the age of 74 an acknowledged giant in the fields of Rhythm & Blues and Jazz and a true American original. For more than a half century Jimmy Witherspoon graced the stages and recording studios of the country and showed the world that he was indeed a talent for the ages.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/jimmywitherspoon

///////

Biografía del artista
Uno de los grandes gritones del blues de la posguerra, Jimmy Witherspoon, o'Spoon, como se le conoce en todo el mundo del jazz y el blues, se situó a caballo entre el blues y el jazz, convirtiéndose en un participante integral en la historia de estos dos géneros clásicos de la música estadounidense.

Nacido el 8 de agosto de 1923 en Gurdon, Arkansas, el joven James Witherspoon cantaba en los coros de la iglesia de manera muy parecida a su padre, un trabajador ferroviario. La confianza llegó pronto, ya que ganó el primer premio en un concurso de canto a la edad de cinco años. Durante su adolescencia, Witherspoon decidió probar suerte en su carrera de cantante y huyó a Los Ángeles. Fue allí donde decidió convertirse en cantante de blues después de ver una actuación de Big Joe Turner.

Saltando de un trabajo a otro y no teniendo mucho éxito como cantante, Witherspoon se unió a la marina mercante en 1941. Al mudarse a San Francisco en 1944, Witherspoon cantaba los fines de semana en un club llamado The Waterfront en el cercano Vallejo, California. Witherspoon tuvo su gran oportunidad cuando fue escuchado por el líder de la banda Jay McShann, con quien pasó cerca de cuatro años. Witherspoon finalmente siguió su propio camino, dejando que la banda de McShann grabara como solista para el sello Supreme. En 1949, después de unas cuantas grabaciones que no llegaron a ninguna parte, 'Spoon grabó una versión de "Ain't Nobody's Business", que se convertiría en su canción de autor e incluía a McShann y a otros de la vieja banda, llegó al número uno de las listas de éxitos de R&B y permaneció en las listas de éxitos durante 34 meses, más tiempo que cualquier canción de R&B anterior. El siguiente lanzamiento de Witherspoon, "In the Evening When the Sun Goes Down", alcanzó el quinto puesto, tras lo cual, `Spoon lanzó varios álbumes en una variedad de sellos, entre ellos Modern, Federal y el legendario sello Chess.

Virtualmente ignorados por las audiencias de jazz y rock y con dificultades financieras que paralizaban a las grandes bandas de blues como McShann's, el resto de la década de 1950 encontraron a Witherspoon tocando en el circuito de chitlin, una red de pequeños clubes de propiedad de negros que tocaban para audiencias mayoritariamente negras. Durante un tiempo tocó el bajo y cantó en un club de Newport, Kentucky, en una pequeña banda que también contaba con el famoso pianista de blues Charles Brown. En 1959, sin embargo, `Spoon fue invitado a aparecer en el Festival de Jazz de Monterey con un grupo de estrellas que incluía al saxofonista tenor Ben Webster, al trompetista Roy Eldridge, al saxofonista alto Coleman Hawkins, al clarinetista Woody Herman, al trombonista Urbie Green y al pianista Earl "Fatha" Hines. La electrizante actuación, grabada y editada como "Jimmy Witherspoon at Monterey", impulsó a Witherspoon a convertirse en uno de los principales cantantes de blues de jazz y a volver a encarrilar su carrera. Spoon consiguió un contrato discográfico con Atlantic, comenzó a cantar para grandes multitudes y fue presentado en el programa histórico de Jon Hendricks, "Evolution of the Blues", en el Festival de Jazz de Monterey de 1960. Estas grabaciones en vivo están disponibles como "The Spoon Concerts".

Como la mayoría de los intérpretes de jazz y blues, Witherspoon tuvo un éxito especial en Europa y realizó giras y grabaciones allí muchas veces desde principios de la década de 1960. Aunque continuó grabando y haciendo giras, el éxito en las listas de éxitos le resultó difícil a Witherspoon. En la década de 1970, mientras era anfitrión de un programa de radio blues nocturno en Los Ángeles, Witherspoon tuvo su primer éxito en las listas de éxitos desde 1960 con la canción, "Love is a Five Letter Word" (El amor es una palabra de cinco letras) en Capitol Records. Sin embargo, continuó grabando y actuando para un público entusiasta, aunque más pequeño.

A finales de la década de 1970, a Witherspoon le diagnosticaron cáncer de garganta y se enfrentó a la posibilidad de no poder volver a cantar nunca más. Por un tiempo ni siquiera pudo tragar. Una operación de garganta y un tratamiento de radiación en Inglaterra mantuvieron a Witherspoon fuera de los estudios de grabación y clubes durante unos años y le hicieron mella en el estilo dinámico de la veterana cantante. Después de devolverle el canto a donde estaba, Witherspoon se dio cuenta de que ahora podía alcanzar un registro vocal más bajo que antes de su operación era inalcanzable. Witherspoon siguió adelante y grabó un notable álbum de 1986 "Midnight Lady Called The Blues", escrito y producido por Dr. John y Doc Pomus.

La década de los 90 encontró a Witherspoon en su momento más activo, incluyendo giras con el cantante Van Morrison, en apoyo al álbum "A Night in San Francisco" de Morrison, en el que apareció Witherspoon, así como sus propios conciertos de cabeza para promover reediciones de álbumes anteriores de Witherspoon y lanzamientos recientes. Uno de ellos, un álbum en vivo con el guitarrista Robben Ford, titulado "Live at the Mint", fue el más bienvenido. Un regreso a sus raíces pero con un aire más alegre, cortesía de Ford y su banda, Witherspoon grita a través de animadas interpretaciones de canciones, algunas de las cuales ha estado cantando durante más de 40 años. "La sensibilidad swing de `Spoon por el jazz está al frente y en el centro de canciones como `Goin' Goin' to Chicago" de Basie y su canción'Ain's Nobody's Business'", escribió el crítico de DownBeat Michael Point, "pero no ha perdido nada de su habilidad para caer en un estado de ánimo blues convincente, como lo demuestran sus poderosas interpretaciones de `Goin' Down Slow' y un surtido de clásicos de Big Bill Broonzy".

Live at the Mint fue nominado para un premio Grammy por la mejor grabación de Blues Tradicional, sólo para perder contra el jugador de armónica Junior Wells. Aún así, la cálida recepción del álbum y la nominación a los Grammy hicieron mucho para presentar -o reintroducir- a Witherspoon a un grupo de fans.

. Volvió a trabajar con el guitarrista Robben Ford para "Live At The Notodden Blues Festival", y grabó un álbum en 1992 "The Blues, The Whole Blues and Nothin' But The Blues" para Indigo Records. La última grabación de Spoon "Spoon's Blues" para Stony Plain Records incluyó a Duke Robillard y su banda con el invitado especial Long John Baldry.

Jimmy Witherspoon falleció en septiembre de 1997 a la edad de 74 años, un reconocido gigante en los campos del Rhythm & Blues y el Jazz y un verdadero original americano. Durante más de medio siglo, Jimmy Witherspoon adornó los escenarios y los estudios de grabación del país y mostró al mundo que era un talento para todas las edades.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/jimmywitherspoon
 

 

The New Mastersounds • Plug & Play

 


Review by Rick Anderson
If you miss the sounds of the Meters, of vintage Northern soul, of James Brown, of 1960s jazz-funk, and of Hammond organ jazz by the likes of Jimmy Smith, and if you wish you could hear all of them at the same time, then you're sure to get a kick out of this Leeds-based quartet. To call the New Mastersounds "old school" doesn't quite do justice to their simultaneously backward-looking and forward-pushing sound, which fans of modern bands like the Charlie Hunter Quartet and Medeski, Martin & Wood will recognize immediately -- but so will those who cut their teeth on Jack McDuff and Lou Donaldson records. When guest vocalist Dionne Charles comes in (especially on the barnburning "Looking for an Answer"), the result is like an unholy cross between James Brown and Aretha Franklin; when the band slips into Afro-beat mode on "Kuna Matata" (featuring singer Troy Tuscan), the result is, strangely, more like a cross between Fela Kuti and Barry White.

///////

Traducción Automática:
Revisión por Rick Anderson
Si echas de menos los sonidos de los Meters, del alma vintage del norte, de James Brown, del jazz-funk de los años 60, y del jazz de órgano Hammond de la talla de Jimmy Smith, y si lo deseas, puedes escucharlos a todos al mismo tiempo , entonces estás seguro de obtener una patada de este cuarteto basado en Leeds. Llamar al New Mastersounds "vieja escuela" no hace justicia a su sonido al mismo tiempo hacia atrás y hacia adelante, que los admiradores de bandas modernas como Charlie Hunter Quartet y Medeski, Martin & Wood reconocerán de inmediato, pero tan serán los que cortan los dientes en los registros de Jack McDuff y Lou Donaldson. Cuando la vocalista invitada Dionne Charles entra (especialmente en el barnburning "Buscando una respuesta"), el resultado es como una cruz impía entre James Brown y Aretha Franklin; cuando la banda se desliza en modo Afro-beat en "Kuna Matata" (con el cantante Troy Tuscan), el resultado es, extrañamente, más como un cruce entre Fela Kuti y Barry White.

Joshua Redman-Sam Yahel-Brian Blade • Yaya 3

 



Friday, December 20, 2024

Duke Pearson • Dedication!

 



Review
by Ronnie D. Lankford, Jr.  
Recorded for a small label that proceeded to go broke, Dedication! would not be released until nine years after its initial recording. This seems odd considering the all-star cast of players. Pianist Duke Pearson is joined by trumpeter Freddie Hubbard, baritone player Pepper Adams, trombonist Willie Wilson, bassist Thomas Howard, and drummer Lex Humphries on seven selections. The set kicks off with Tommy Flanagan's "Minor Mishap," an upbeat piece that brings forth nice solos from everyone. This might be Pearson's session, but everybody is given plenty of room to cut loose. Wilson, for instance, is featured for the length of "The Nearness of You" and for a great deal of "Time After Time." This is fortunate in retrospect; he made few recordings and would pass away in 1963, two years after this record was made. Pearson also turns in a number of nice solos. Like Hank Jones, his light touch serves him well on instrumentals like "Blues for Alvina" and "Time After Time." The performances by Hubbard and Adams are topnotch throughout; they turn in first-rate work on numbers like Donald Byrd's "Lex" and the Pearson original "The Number Five." An important factor in the success of this album is the unusual combination of trumpet, trombone, and baritone saxophone that creates a resonant, full sound. Pearson would make a number of other fine recordings for Blue Note during the '60s, but none finer than this one. Dedication! serves as a fine introduction to a talented pianist.
https://www.allmusic.com/album/dedication%21-mw0000118750

///////


Revista
por Ronnie D. Lankford, Jr.  
Grabado para un pequeño sello que quebró, Dedication! no se publicaría hasta nueve años después de su grabación inicial. Esto parece extraño teniendo en cuenta el elenco de estrellas que lo componen. El pianista Duke Pearson está acompañado por el trompetista Freddie Hubbard, el barítono Pepper Adams, el trombonista Willie Wilson, el bajista Thomas Howard y el batería Lex Humphries en siete selecciones. El set comienza con "Minor Mishap" de Tommy Flanagan, una pieza alegre que ofrece buenos solos de todos. Puede que esta sea la sesión de Pearson, pero todos tienen mucho espacio para soltarse. Wilson, por ejemplo, aparece durante toda "The Nearness of You" y gran parte de "Time After Time". Esto es una suerte en retrospectiva; hizo pocas grabaciones y falleció en 1963, dos años después de que se grabara este disco. Pearson también hace varios buenos solos. Como Hank Jones, su toque ligero le sirve bien en instrumentales como "Blues for Alvina" y "Time After Time". Las interpretaciones de Hubbard y Adams son de primera categoría; hacen un trabajo de primera clase en temas como "Lex" de Donald Byrd y el original de Pearson "The Number Five". Un factor importante en el éxito de este álbum es la inusual combinación de trompeta, trombón y saxofón barítono, que crea un sonido resonante y pleno. Pearson realizaría otras buenas grabaciones para Blue Note durante los años 60, pero ninguna mejor que ésta. Dedication! es una buena introducción a un pianista de talento.
https://www.allmusic.com/album/dedication%21-mw0000118750