B-Sides, Undercurrents and Overtones Peripheries to Popular in Music, 1960 to the Present

 

There are undercurrents and peripheral taste preferences that are a defining part of our individual and collective cultural experience. Music is no exception. George Plasketes adapts the iconic "A-side/B-side" dichotomy from the 45 r.p.m. for use as a unique conceptual, critical, historical, and cultural framework for exploring and threading together a variety of popular music and media texts. The profiles and perspectives focus on the peripheries; on texts which might be considered "B-sides"”overlooked, underappreciated, and unsung cases, creators, patterns and productions that have unassumingly, but significantly, marked popular culture, music and media during the past 40 years. The underappreciated yet enduring contributions of a variety of creative individuals in music, television and film are a centerpiece of this volume: actress Doris Day's son, Terry Melcher, a 1960s music producer whose imprint is on the surf, country blues, garage pop and most importantly the folk rock genre; Hans Fenger's kid chorus cover project, a musical variation of "outsider art" that became representative of the tribute wave that began in the 1990s and continues today; versatile guitarist virtuoso Ry Cooder's extensive film soundtrack work; World Music "missionary efforts" of American artists beyond Paul Simon's Graceland, including Neil Diamond's precursor with Tap Root Manuscript in the 1970s and the exotic adventures of Henry Kaiser and David Lindley in Madagascar and Norway”to name just a few examples. These B-sides represent undercurrents, but they resonate as overtones in the mainstream of music and culture, many as historical hinges. Collectively, these B-sides are an A-side antidote of outskirt observations, individual snapshots of artists, artifacts and rituals, genres and generations, producers and musical productions in television, film and video. They constitute an important connect-the-dots cultural chronicle with a multi-layered context”social, legal, historic, economic, technological, generational, aesthetic”for interpreting the interrelations between creators and institutions, the music market place, the production of culture and important connections between the peripheral and the popular.

 

Mort Herbert • Night People

Mort Herbert (June 30, 1925 – June 5, 1983) was an American jazz bassist and lawyer.

Herbert was born Mort Pelovitz on June 30, 1925, in Somerville, New Jersey. Self-taught on bass, Herbert is best-remembered for his stint as a member of Louis Armstrong's All-stars. Herbert served in the military from 1943 to 1946. After his discharge, he attended Rutgers University (1949-1952). Herbert later began his professional musical career. He worked with Marian McPartland, Don Elliott, the Sauter-Finegan Orchestra band, and Sol Yaged from 1955 to 1958, and other swing and mainstream players, often appearing at the Metropole. Herbert toured the world with Armstrong during 1958 to 1961, appearing on a number of records and film sound tracks and mostly functioning as a supporting player. His contributions are thoroughly documented in All of Me: The Complete Discography of Louis Armstrong. After leaving Armstrong and his All–Stars, Mort mostly worked as a lawyer, playing music only on a part-time basis (including with Herb Ellis). He led an album, Night People, for Savoy in 1956.

In 1959, Herbert, a Jew, apparently had difficulty obtaining a visa for Lebanon, to tour there with Armstrong. Joe Glaser, Armstrong's agent denied the story.

In 1979, Herbert defended Lionel Ray Williams for the murder of Sal Mineo. Williams was found guilty and sentenced to 57 years.

https://en.wikipedia.org/wiki/Mort_Herbert

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Mort Herbert (30 de junio de 1925 - 5 de junio de 1983) fue bajista y abogado de jazz americano.

Herbert nació Mort Pelovitz el 30 de junio de 1925 en Somerville, Nueva Jersey. Autodidacta en el bajo, Herbert es recordado por su etapa como miembro de All-stars de Louis Armstrong.  Herbert sirvió en el ejército de 1943 a 1946. Después de ser dado de alta, asistió a la Universidad de Rutgers (1949-1952). Más tarde, Herbert comenzó su carrera musical profesional. Trabajó con Marian McPartland, Don Elliott, la banda de la Orquesta Sauter-Finegan, y Sol Yaged de 1955 a 1958, y con otros músicos de swing y de la corriente dominante, a menudo apareciendo en el Metropole. Herbert recorrió el mundo con Armstrong durante 1958 a 1961, apareciendo en varios discos y bandas sonoras de películas y funcionando principalmente como músico de apoyo. Sus contribuciones están ampliamente documentadas en All of Me: The Complete Discography of Louis Armstrong. Después de dejar Armstrong y sus All-Stars, Mort trabajó principalmente como abogado, tocando música sólo a tiempo parcial (incluso con Herb Ellis). Dirigió un álbum, Night People, para Savoy en 1956.

En 1959, Herbert, un judío, aparentemente tuvo dificultades para obtener una visa para el Líbano, para viajar allí con Armstrong. Joe Glaser, el agente de Armstrong negó la historia.

En 1979, Herbert defendió a Lionel Ray Williams por el asesinato de Sal Mineo. Williams fue declarado culpable y condenado a 57 años.

https://en.wikipedia.org/wiki/Mort_Herbert

The Quartette Trés Bien • Bully!

The Quartette Trés Bien was an American jazz combo based in St. Louis led by pianist Jeter Thompson. The group was founded in 1959 and began recording in 1962. Jeter Thompson played with Jimmy Forrest, Oliver Nelson and Emmett Carter in his early years. The bassist of the group is Richard Simmons, the drummer Albert St. James who accompanied also Charlie Parker, Tab Smith and Jimmy Forrest. Percussionist Percy James added a latin flavor to the quartet who played more than ten years, before splitting in 1973. Jeter Thompson later assembled the Trio Tres Bien with his brothers Harold Thompson (bass) and Howard Thompson (drums).

https://www.discogs.com/artist/1433721-Quartette-Tr%C3%A9s-Bien

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El Quartette Trés Bien era un combo de jazz americano con sede en St. Louis dirigido por el pianista Jeter Thompson. El grupo fue fundado en 1959 y comenzó a grabar en 1962. Jeter Thompson tocó con Jimmy Forrest, Oliver Nelson y Emmett Carter en sus primeros años. El bajista del grupo es Richard Simmons, el baterista Albert St. James que también acompañó a Charlie Parker, Tab Smith y Jimmy Forrest. El percusionista Percy James añadió un sabor latino al cuarteto que tocó durante más de diez años, antes de separarse en 1973. Jeter Thompson más tarde montó el Trío Tres Bien con sus hermanos Harold Thompson (bajo) y Howard Thompson (batería).

https://www.discogs.com/artist/1433721-Quartette-Tr%C3%A9s-Bien

Herb Ellis • Thank You, Charlie Christian

Review by Jason Ankeny

Thank You Charlie Christian pays homage to the legendary jazz guitarist in a manner most appropriate to an innovator of his stature -- rather than merely imitate that which is inimitable, Herb Ellis channels the imagination and expressiveness of his hero to create a lean, mean sound far more forward-thinking than nostalgic. Like Christian, Ellis favors feeling over flash and economy over excess -- paired here with pianist Frank Strazzari, bassist Chuck Berghofer, cellist Harry Babasin and drummer Kenny Hume, he creates a series of compact and determinedly contemporary bop snapshots in vivid Technicolor, not the black-and-white of a bygone era. A beautiful and heartfelt record that draws from the past but refuses to live in it.

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Reseña de Jason Ankeny

Thank You Charlie Christian rinde homenaje al legendario guitarrista de jazz de la manera más apropiada para un innovador de su talla, en lugar de simplemente imitar lo que es inimitable, Herb Ellis canaliza la imaginación y la expresividad de su héroe para crear un sonido magro y mezquino mucho más previsor que nostálgico. Al igual que Christian, Ellis favorece el sentimiento por encima del flash y la economía por encima del exceso -- emparejado aquí con el pianista Frank Strazzari, el bajista Chuck Berghofer, el violonchelista Harry Babasin y el baterista Kenny Hume, crea una serie de instantáneas de bop compactas y decididamente contemporáneas en vívido Technicolor, y no en el blanco y negro de una era pasada. Un disco hermoso y sincero que se inspira en el pasado pero que se niega a vivir en él.

Performance and Popular Music History, Place And Time (Ashgate Popular and Folk Music Series)

     

 

Since the emergence of rock'n'roll in the early 1950s, there have been a number of live musical performances that were not only memorable in themselves, but became hugely influential in the way they shaped the subsequent trajectory and development of popular music. Each, in its own way, introduced new styles, confronted existing practices, shifted accepted definitions, and provided templates for others to follow.

Performance and Popular Music explores these processes by focusing on some of the specific occasions when such transformations occurred. An international array of scholars reveal that it is through the (often disruptive) dynamics of performance – and the interaction between performer and audience – that patterns of musical change and innovation can best be recognised. Through multi-disciplinary analyses which consider the history, place and time of each event, the performances are located within their social and professional contexts, and their immediate and long-term musical consequences considered. From the Beatles and Bob Dylan to Michael Jackson and Madonna, from Woodstock and Monterey to Altamont and Live Aid, this book provides an indispensable assessment of the importance of live performance in the practice of popular music, and an essential guide to some of the key moments in its history.

 

Turn on Your Mind Four Decades of Great Psychedelic Rock

 

Turn On Your Mind: Four Decades of Great Psychedelic Rock is a history and critical examination of rock's most inventive genre. Whether or not psychedelic drugs played a role (and as many musicians say they've used them as not), psychedelic rock has consistently charted brave new worlds that exist only in the space between the headphones. The history books tell us the music's high point was the Haight-Ashbury scene of 1967, but the genre didn't start in San Francisco, and its evolution didn't end with the Summer of Love. A line can be drawn from the hypnotic drones of the Velvet Underground to the disorienting swirl of My Bloody Valentine; from the artful experiments of the Beatles' Revolver to the flowing, otherworldly samples of rappers P.M. Dawn; from the dementia of the 13th Floor Elevators to the grungy lunacy of the Flaming Lips; and from the sounds and sights at Ken Kesey's '60s Acid Tests to those at present-day raves. Turn On Your Mind is an attempt to connect the dots from the very first groups who turned on, tuned in, and dropped out, to such new-millennial practitioners as Wilco, the Elephant 6 bands, Moby, the Super Furry Animals, and the so-called “stoner-rock” and “ork-pop” scenes.

 

910s Guide to the Beatles Outtakes

 

 

The latest of the essential books (released in August 1996). This book is the follow-up to the "Beatles Outtakes" book - it covers the Beatles' solo careers, starting from the late 60s. The book has separate sections for each of the Fab Four. There, one can find every bootlegged concert (including setlist), studio outtake, TV or radio appearance or home recording, all arranged chronologically within their chapter.
Each track again gets assigned a unique reference number (based on the recording date), just like in "Beatles Outtakes" or "Drugs, Divorce and a Slipping Image". The structure of the book is the same as with the "Beatles Outtakes". It ends with listing (separately for each Beatle) a "Core Collection" (of the best sounding sources) and a huge song index for convenient access.

 

Waging Heavy Peace (Neil Young)

 

The perfect gift for music lovers and Neil Young fans, telling the story behind Neil Young's legendary career and his iconic, beloved songs. 

“I think I will have to use my time wisely and keep my thoughts straight if I am to succeed and deliver the cargo I so carefully have carried thus far to the outer reaches.”—Neil Young, from Waging Heavy Peace
 
Legendary singer and songwriter Neil Young’s storied career has spanned over forty years and yielded some of the modern era’s most enduring music. Now for the first time ever, Young reflects upon his life—from his Canadian childhood, to his part in the sixties rock explosion with Buffalo Springfield and Crosby, Stills, Nash & Young, through his later career with Crazy Horse and numerous private challenges. An instant classic, Waging Heavy Peace is as uncompromising and unforgettable as the man himself. 

 

Art nouveau (español)

 

La expresión Art Nouveau hace referencia a un estilo decorativo y arquitectónico
desarrollado en Occidente en las décadas de 1880 y 1890. Nacido como reacción
a la revolución industrial y al vacío creativo que dejó tras de sí, el Art Nouveau fue
el núcleo de un “renacimiento” de las artes decorativas. El objetivo fundamental del
movimiento era la creación de una nueva estética de la Naturaleza a través de un retorno
al estudio de los temas naturales. Para lograrlo, artistas como Gustav Klimt, Koloman
Moser, Antoni Gaudí, Jan Toorop y William Morris favorecieron la innovación en la
técnica y la novedad de las formas.
Después de su triunfo en la Exposición Universal de París de 1900, la tendencia ha
continuado inspirando a muchos artistas desde entonces. El Art Déco, sucesor del Art
Nouveau, surgió tras la Segunda Guerra Mundial.

Billy Strange • Plays The Hits!

 Puede que su nombre suene al de un completo desconocido, pero lo cierto es que ha sido una de las figuras más importantes de la música contemporánea. Guitarrista, compositor, arreglista y productor, Billy Strange escribió grandes clásicos de la música y trabajó para estrellas como Frank y Nancy Sinatra, los Beach Boys, Elvis Presley o Nat King Cole.

Nacido en 1930, Strange empezó en la música a los cinco años, tocando junto a sus padres en una radio de Long Beach (California). Aunque su primer instrumento fue la trompeta, cuando le regalaron una Gibson L-7 su carrera cambió para siempre.

Tras recorrer el suroeste estadounidense en su adolescencia, Billy Strange se instaló en California, donde empezó a tocar y cantar para grupos country del momento, como The Sons of The Pioneers, Roy Rogers o Spade Cooley.

Con el tiempo, se ganó una buena reputación en Los Angeles y comenzó a participar como guitarrista en las sesiones de grabación. Así fue como haría grandes amistades con grupos como los Beach Boys o Jan & Dean, leyendas del surf-rock de la época.

El nombre de Billy Strange figura como coautor, junto a Mac Davis, de A Little Less Conversation de 1968, uno de los clásicos de Elvis Presley, para quien escribió numerosas canciones y con quien tocó en muchas otras.

Su guitarra suena en canciones de Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Wanda Jackson, los Beach Boys y, especialmente, Nancy Sinatra. El tremolo de su guitarra puede escucharse en Bang Bang (My Baby Shot Me Down) y compuso y arregló These Boots Are Made For Walking.

Su relación con los Sinatra fue muy fructífera. Trabajó en la famosa Something Stupid de Frank y a finales de los 60 dirigía la orquesta que Nancy llevaba en sus directos, hasta que en los 70 se instaló en Nashville para hacerse cargo de una empresa de ambos.

En solitario, Billy Strange puso su voz en varias bandas sonoras de programas de televisión y películas de Disney, y lanzó álbumes instrumentales con versiones de grandes éxitos, como You Only Live Twice, de la banda sonora de James Bond.

El trabajo de toda una vida fue reconocido cuando se le introdujo en el Rockabilly Hall of Fame, como merecía uno de los compositores que más han marcado la historia del rock. (europapress.es)

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Artist Biography by Mark Deming

One of the most successful session musicians of the 1960s, Billy Strange was a member of "The Wrecking Crew," the team of elite players who dominated the Los Angeles recording studios and worked on many of the biggest hits of the '60s and '70s. Strange co-wrote hits for Elvis Presley and Chubby Checker and arranged Nancy Sinatra's biggest hits in addition to lending his talents to recordings by the Beach Boys, Phil Spector, the Everly Brothers, and many more. Billy Strange was born in Long Beach, California on September 29, 1930. His parents, George and Billie Strange, were county & western musicians, and young Billy followed in their footsteps, performing with his folks on the radio and winning a yodeling contest at the age of 5. Strange took up the guitar when he was 14, and two years later he was playing with a local honky tonk band that set out for Texas in search of adventure and paying gigs. When Strange returned to California, he was a seasoned professional and was soon working with some of the biggest names on the West Coast C&W scene of the '50s, including Tennessee Ernie Ford, Roy Rogers, Spade Cooley, and Cliffie Stone. Strange also signed on as a guitarist and singer with CBS Radio in Hollywood, which led to more jobs in pop music as well as introducing him to the lucrative world of studio work. As a gifted guitarist who was as comfortable with pop and rock styles as country, Strange rose to the upper ranks of Los Angeles session players, working with many of the leading artists and producers of the day, and in addition to working on other people's recordings, he cut a series of instrumental albums for GNP Crescendo Records. In 1962, an instrumental number Strange wrote for the group the Champs was married to a lyric by Kal Mann and recorded by Chubby Checker, who scored a massive hit with "Limbo Rock." This kick-started Strange's career as a songwriter, and he was also recruited to work with Elvis Presley, playing guitar on many of his sessions, co-writing a few tunes for the King (including "A Little Less Conversation" and "Memories") and contributing to the soundtracks of several of his films. As the '60s wore on, Strange remained in demand as a session guitarist (he appeared on the Beach Boys' Pet Sounds and Love's Forever Changes), but he branched out as an arranger and bandleader, arranging the lion's share of Nancy Sinatra's hits (including "These Boots Are Made for Walkin'," "Bang Bang [He Shot Me Down]," and her duet with her father Frank, "Somethin' Stupid") and fronting her backing band for live performances. Strange also served as arranger for the early recordings by the TV-spawned group the Partridge Family, but in the early '70s he relocated to Nashville, Tennessee, where he helped run a publishing company for Nancy Sinatra and continued to write songs and record periodically. In the '80s, Strange briefly dipped his toes into acting, playing the great steel guitarist Speedy West (who Strange had worked with in his early days) in the movie Coal Miner's Daughter. By the time a remix of Presley's "A Little Less Conversation" took the song back to the charts in 2002, Strange was retired in Nashville, supporting himself through songwriting and performance royalties. After a brief illness, Strange died on February 22, 2012.

Discogs ... 

The Wynton Kelly Trio • Full View

Review by Scott Yanow

Pianist Wynton Kelly's next-to-last set as a leader (he would record a slightly later date for Delmark) featured him at a time when his influence was waning and he was overshadowed by more advanced players. However, Kelly's impact would begin to grow again after his death, when the Young Lions movement began in the early '80s; certainly pianist Benny Green was greatly touched by Kelly's conception. This Milestone trio set, reissued on CD, matches Kelly with bassist Ron McClure and drummer Jimmy Cobb on a fine program mostly filled with standards but also including the then-recent Burt Bacharach hit "Walk on By" and Kelly's original "Scufflin'."

https://www.allmusic.com/album/full-view-mw0000089200

 Biography by Scott Yanow

A superb accompanist loved by Miles Davis and Cannonball Adderley, Wynton Kelly was also a distinctive soloist who decades later would be a strong influence on Benny Green. He grew up in Brooklyn and early on played in R&B bands led by Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer, and Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, who recorded 14 titles for Blue Note in a trio (1951), worked with Dinah Washington, Dizzy Gillespie, and Lester Young during 1951-1952. After serving in the military, he made a strong impression with Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), and the Dizzy Gillespie big band (1957), but he would be most famous for his stint with Miles Davis (1959-1963), recording such albums with Miles as Kind of Blue, At the Blackhawk, and Someday My Prince Will Come. When he left Davis, Kelly took the rest of the rhythm section (bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb) with him to form his trio. The group actually sounded at its best backing Wes Montgomery. Before his early death, Kelly recorded as a leader for Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve, and Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

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Reseña de Scott Yanow

El penúltimo set del pianista Wynton Kelly como líder (grabaría una fecha ligeramente posterior para Delmark) lo presentaba en un momento en que su influencia estaba disminuyendo y se veía eclipsado por jugadores más avanzados. Sin embargo, el impacto de Kelly comenzaría a crecer de nuevo después de su muerte, cuando el movimiento de los Leones Jóvenes comenzó a principios de los años 80; ciertamente el pianista Benny Green se sintió muy conmovido por la concepción de Kelly. Este trío de Milestone, reeditado en CD, combina a Kelly con el bajista Ron McClure y el baterista Jimmy Cobb en un excelente programa lleno de estándares, pero también incluye el entonces reciente éxito de Burt Bacharach "Walk on By" y el original de Kelly "Scufflin'".

https://www.allmusic.com/album/full-view-mw0000089200

 Biografía de Scott Yanow

Un magnífico acompañante amado por Miles Davis y Cannonball Adderley, Wynton Kelly fue también un solista distintivo que décadas más tarde sería una fuerte influencia para Benny Green. Creció en Brooklyn y al principio tocó en bandas de R&B lideradas por Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, que grabó 14 títulos para Blue Note en un trío (1951), trabajó con Dinah Washington, Dizzy Gillespie y Lester Young durante 1951-1952. Después de servir en el ejército, causó una fuerte impresión con Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957) y la big band Dizzy Gillespie (1957), pero sería más famoso por su paso por Miles Davis (1959-1963), grabando discos con Miles como Kind of Blue, At the Blackhawk y Someday My Prince Will Come. Cuando dejó Davis, Kelly se llevó el resto de la sección rítmica (el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) con él para formar su trío. En realidad, el grupo sonó de maravilla respaldando a Wes Montgomery. Antes de su temprana muerte, Kelly grabó como líder para Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve y Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

Stanley Turrentine & The Three Sounds • Blue Hour - The Complete Sessions

The Three Sounds were pianist Gene Harris, bassist Andy Simpkins, and drummer Bill Dowdy, and they swung in-the-pocket. Although they were not as acclaimed as the Modern Jazz Quartet, the Ramsey Lewis Trio, and other marquee combos, their streamlined sound bridged Count Basie and bebop into a modern yet grooving sensibility. This two-CD set features the trio's entire 1960 Blue Hour sessions with saxophonist Stanley Turrentine. With Turrentine's robust, storytelling tenor sound, these dates are no-nonsense straight-ahead numbers and ballads, including "Willow Weep for Me," Andy Razaf's "Gee Baby, Ain't I Been Good to You," and Oscar Pettiford's "Blues in the Closet." Harris's lyrical ivory ticklings, Dowdy's zesty drum work, and Simpkins's deep and delicious bass lines get Turrentine's driving tenor as a topping and show that this ensemble was the real deal. --Eugene Holley Jr.

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Los Tres Sonidos fueron el pianista Gene Harris, el bajista Andy Simpkins, y el baterista Bill Dowdy, y se balancearon en el bolsillo. Aunque no fueron tan aclamados como el Modern Jazz Quartet, el Ramsey Lewis Trio, y otros combos de carpa, su sonido aerodinámico unió a Count Basie y al bebop en una sensibilidad moderna y a la vez grooveante. Este set de dos CD incluye todas las sesiones del trío de 1960 de Blue Hour con el saxofonista Stanley Turrentine. Con el robusto sonido de tenor de Turrentine, estas fechas son números y baladas sin sentido, incluyendo "Willow Weep for Me", "Gee Baby, Ain't I Been Good to You", de Andy Razaf, y "Blues in the Closet", de Oscar Pettiford. Los cosquillas líricas de marfil de Harris, el trabajo de Dowdy en el tambor y las profundas y deliciosas líneas de bajo de Simpkins consiguen que el tenor impulsor de Turrentine se convierta en un toque final y demuestren que este conjunto era lo mejor. --Eugene Holley Jr. 

The Ventures • Special Olders

non-commercial selection / compilado no comercial

The Shu Shu's • Soul Slap

The Shu Shu's take you back to the 60s with their authentic organ trio combo sound. Inspired by Memphis blues, New Orleans funk and east coast organ jazz, the trio make good time music to put a smile on your face and ants in your pants.

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Los Shu Shu's te transportan a los años 60 con su auténtico sonido de trío de órgano. Inspirado en el blues de Memphis, el funk de Nueva Orleans y el jazz de órgano de la costa este, el trío hace buena música para poner una sonrisa en tu cara y hormigas en tus pantalones.

Ethel Smith • Souvenir Album

Mucho se ha escrito y dicho de la trilogia "Smith" del órgano Hammond: Johnny 'Hammond' Smith, Dr. Lonnie Smith y Jimmy Smith, pero a mi parecer es justo y necesario hacer un reconocimiento al primer Smith, o mejor dicho a la primera: Ethel Smith.

Traducción Automática:

Ethel Smith (22 noviembre 1902 hasta 10 mayo 1996) fue una organista americana que tocó principalmente en un estilo pop en el órgano Hammond.

Nacida Ethel Goldsmith, se realiza a partir de una edad bastante joven y viajó mucho, aprendiendo varios idiomas. Ella se convirtió en experto en la música latina durante su estancia en América del Sur, y es el estilo de música con el que ahora se encuentra más asociado.

Ella era un guitarrista, así como organista, y en sus últimos años de vez en cuando tocaba la guitarra en vivo para el público, pero todas sus grabaciones estaban en el órgano. Ella finalmente grabó decenas de discos, sobre todo para Decca Records.

Una mujer atractiva con una preferencia por los trajes de colores, en particular los sombreros, Smith realizó en varias películas de Hollywood.

Estaba casada con el actor de Hollywood Ralph Bellamy 1945-1947, a la altura de su fama y su amargo divorcio fue noticia. Su interpretación de "Tico Tico" se convirtió en su éxito más conocido.

Ella se realizó en la película de MGM de sirenas (1944), después de lo cual su grabación llegó a las listas de éxitos de Estados Unidos en noviembre de 1944, alcanzó el puesto # 14 el 27 de enero de 1945, y vendió cerca de dos millones de copias en todo el mundo.grabación de "Mono en una cadena" de Smith se convirtió en el tema central de Garfield ganso y de los amigos, un popular programa de televisión infantil en Chicago que funcionó desde 1952 hasta 1976.

Smith murió el 10 de mayo de 1996, a los 93 años.

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Much has been written and said of the trilogy "Smith" of Hammond organ: Johnny 'Hammond' Smith, Dr. Lonnie Smith and Jimmy Smith, but I think it is fair and necessary to acknowledge the first Smith of Hammond: Ethel Smith.

Ethel Smith (November 22, 1902 - May 10, 1996) was an American organist who played primarily in a pop style on the Hammond organ.

Born Ethel Goldsmith, she performed from a fairly young age and traveled widely, learning several languages. She became proficient in Latin music while staying in South America, and it is the style of music with which she is now most associated. She was a guitarist as well as an organist, and in her later years occasionally played the guitar live for audiences, but all her recordings were on the organ. She ultimately recorded dozens of albums, mostly for Decca Records.

An attractive woman with a preference for colorful outfits, particularly hats, Smith performed in several Hollywood films. She was married to Hollywood actor Ralph Bellamy from 1945 to 1947, at the height of her fame, and their acrimonious divorce made headlines.

Her rendition of "Tico Tico" became her best-known hit. She performed it in the MGM film Bathing Beauty (1944), after which her recording reached the U.S. pop charts in November 1944, peaked at #14 on January 27, 1945, and sold nearly two million copies worldwide.

Smith's recording of "Monkey on a String" became the theme song for Garfield Goose and Friends, a popular children's television show in Chicago that ran from 1952 until 1976.

Smith died on May 10, 1996, at age 93.

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Bill Black's Combo ‎• Bill Black Is Back!

William Patton Black Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an American musician and bandleader who is noted as one of the pioneers of rock and roll. He was the bassist in Elvis Presley's early trio. Black later formed Bill Black's Combo.

Black was born in Memphis, Tennessee, to a motorman for the Memphis Street Railway Co. He was the oldest of nine children. His father played popular songs on the banjo and fiddle to entertain the family. Black learned to play music at the age of 14 on an instrument made by his father—a cigar box with a board nailed to it and strings attached. At the age of sixteen, Black was performing "honky-tonk" music on acoustic guitar in local bars.

During World War II, Black was stationed with the U.S. Army at Fort Lee in Virginia. While in the Army, he met Evelyn, who played guitar as a member of a musical family. They married in 1946 and returned to Memphis. Black worked at the Firestone plant.

He began playing the upright bass fiddle, modeling his "slap bass" technique after one of his idols, Fred Maddox, of Maddox Brothers and Rose. Black also developed a "stage clown" persona in the same way that Maddox entertained audiences. Black performed as an exaggerated hillbilly with blacked-out teeth, straw hat and overalls. According to his son, Black said his goal was always to give his audience "a few moments of entertainment and maybe a little bit of humor that'll tickle 'em for a while."

In 1952, Black began playing in clubs and on radio shows with the guitarist Scotty Moore. Along with two other guitarists and a fiddler, they performed country music tunes by Hank Williams and Red Foley in Doug Poindexter's band, the Starlight Wranglers. Black and Moore also played in a band with Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette on steel guitar, and a drummer.

In 1959 Black joined a group of musicians which became Bill Black's Combo. The lineup was Black (bass), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitar), Martin Willis (saxophone), and Jerry Arnold (drums). There were several personnel changes. While Young was in the army, his position was filled by Hank Hankins, Chips Moman and Tommy Cogbill. On sax, Ace Cannon took over touring duties from Willis who remained in Memphis for the studio work and movie appearances. Carl McVoy replaced Hall in the studio, while Bobby Emmons replaced him on tour.

The band released blues instrumental "Smokie" for Hi Records in December 1959. "Smokie, Part 2" became a No. 17 U.S. pop hit, and made number one on the "black" music charts. It sold over one million copies, and was awarded a gold disc by the RIAA. A follow-up release, "White Silver Sands" (Hi 2021), was a Top 10 hit (#9) and, like its predecessor, topped the R&B charts for four weeks.

Eight of the recordings by Bill Black's Combo placed in the Top 40 between 1959 and 1962. Advertised as "Terrific for Dancing" their Saxy Jazz album spent a record whole year in the top 100.

The Combo appeared in the 1961 film Teenage Millionaire and on The Ed Sullivan Show, where they performed a medley of "Don't Be Cruel," "Cherry Pink," and "Hearts of Stone", and were voted Billboard's number one instrumental group of 1961.

Bill Black Combo Flyer (1962)

Albums with themes included Bill Black's Combo Plays Tunes by Chuck Berry, Bill Black's Combo Goes Big Band, Bill Black's Combo Goes West, and Bill Black's Combo Plays the Blues. The Combo's sound of danceable blues became a popular accompaniment for striptease dancers. Another characteristic of the Combo was Reggie Young thwacking on the guitar with a pencil.

In 1962, Bill Black opened a recording studio called "Lyn-Lou Studios" (a shortened nickname "Linda-Lou" he had for his daughter Nancy), and a record label named "Louis" after his son, on Chelsea Street in Memphis, Tennessee, with Larry Rogers (Studio 19, Nashville) as his engineer and producer. Johnny Black, Bill's brother and also upright bass player, who knew Elvis at Lauderdale Courts before Bill, recalls visiting Bill at the studio and reported that Bill would be totally absorbed mixing and playing back tracks.[citation needed]

Bob Tucker and Larry Rogers purchased Lyn-Lou Studios after Bill Black's death in 1965. The studio recorded many Bill Black Combo albums (with billings such as "The Best Honky Tonk Band in America" and "The band who opened for the Beatles")[citation needed] and produced number-one country hits for Charly McClain, T.G. Shepard, Billy Swan and others. The house band for these sessions was the Shylo Band, featuring guitarist/songwriter Ronnie Scaife, nephew of Cecil Scaife, famed Sun Studio engineer.

Early in 1963, Black sent from two to five different versions of the Combo to different regions of the country at the same time, while staying off the road himself, wanting to concentrate on his business, family and his health.

In 1963, Bob Tucker joined the Bill Black Combo as a road manager and guitar/bass player.

Black himself had been ill for the past year and a half and unable to travel. Nonetheless, he insisted that the band continue without him. The Bill Black Combo created musical history in 1964 when they became the opening act for the Beatles (at their request) on their historic 13-city tour of America after their appearance on The Ed Sullivan Show. Black himself was not well enough to make the tour.

After two surgeries and lengthy hospital stays, Black died of a brain tumor on October 21, 1965, at age 39. His death occurred during his third operation that doctors had hoped would eradicate the tumor permanently. Black's body was buried at Forest Hill Cemetery in Memphis, Tennessee. Presley was criticized for not attending the funeral, but he believed that his presence would turn it into a media frenzy. He decided instead to visit the family privately after the service to express his condolences. According to Louis Black, Presley said, "If there's anything that y'all need, you just let me know and it's yours."

Black's widow sold Bob Tucker and Larry Rogers the rights to use the name Bill Black's Combo. The band changed to country when it joined Columbia Records, and won Billboard's Country Instrumental Group of the Year award in 1976.

On April 4, 2009, Bill Black was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.

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William Patton Black Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de 1965)  fue un músico y director de orquesta estadounidense conocido como uno de los pioneros del rock and roll. Fue el bajista en el trío temprano de Elvis Presley. Black formó más tarde el combo de Bill Black.

Black nació en Memphis, Tennessee, hijo de un motero de la Memphis Street Railway Co. Era el mayor de nueve hijos. Su padre tocó canciones populares en el banjo y violín para entretener a la familia. Black aprendió a tocar música a la edad de 14 años con un instrumento hecho por su padre: una caja de cigarros con una tabla clavada y cuerdas atadas. A la edad de dieciséis años, Black tocaba música "honky-tonk" en guitarra acústica en bares locales.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Black estuvo estacionado con el Ejército de los Estados Unidos en Fort Lee en Virginia. Mientras estaba en el ejército, conoció a Evelyn, quien tocaba la guitarra como miembro de una familia musical. Se casaron en 1946 y regresaron a Memphis. Black trabajó en la planta de Firestone.

Comenzó a tocar el violín del bajo vertical, modelando su técnica de "bofetada" según uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers y Rose. Black también desarrolló un personaje de "payaso de escenario" de la misma manera que Maddox entretuvo al público. El negro se desempeñó como una exagerada colina con los dientes oscurecidos, un sombrero de paja y un mono. Según su hijo, Black dijo que su objetivo era siempre darle a su público "unos momentos de entretenimiento y quizás un poco de humor que les haga cosquillas por un tiempo".

En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un violinista, interpretaron canciones de música country de Hank Williams y Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers. Black y Moore también tocaron en una banda con Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette en guitarra de acero y un baterista.

En 1959, Black se unió a un grupo de músicos que se convirtió en el Combo de Bill Black. La alineación fue Black (bajo), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitarra), Martin Willis (saxofón) y Jerry Arnold (batería). Hubo varios cambios de personal. Mientras Young estaba en el ejército, su posición fue ocupada por Hank Hankins, Chips Moman y Tommy Cogbill. En el saxofón, Ace Cannon se hizo cargo de Willis, quien permaneció en Memphis para el trabajo de estudio y las apariciones en películas. Carl McVoy reemplazó a Hall en el estudio, mientras que Bobby Emmons lo reemplazó en la gira.

La banda lanzó el blues instrumental "Smokie" para Hi Records en diciembre de 1959.  "Smokie, Parte 2" se convirtió en el hit número 17 de los Estados Unidos, y se convirtió en el número uno en las listas musicales "negras".  Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA.  Un lanzamiento de seguimiento, "White Silver Sands" (Hola 2021), fue un éxito Top 10 (# 9) y, al igual que su predecesor, encabezó las listas de R&B durante cuatro semanas.

Ocho de las grabaciones de Bill Black's Combo se ubicaron en el Top 40 entre 1959 y 1962. Anunciado como "Terrific for Dancing", su álbum Saxy Jazz pasó un año entero en el top 100.

The Combo apareció en la película Teenage Millionaire de 1961 y en The Ed Sullivan Show, donde interpretaron una mezcla de "Don't Be Cruel", "Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron elegidos como el grupo instrumental número uno de Billboard. de 1961.

Bill Black Combo Flyer (1962)

Álbumes con temas incluidos Combo Plays Tunes de Bill Black, Chuck Berry, Combo Goes Big Band de Bill Black, Combo Goes West de Bill Black y Combo Plays the Blues de Bill Black. El sonido de blues bailable de The Combo se convirtió en un acompañamiento popular para los bailarines de striptease. Otra característica del Combo era Reggie Young, que golpeaba la guitarra con un lápiz.

En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado "Lyn-Lou Studios" (un apodo abreviado "Linda-Lou" que tenía para su hija Nancy), y un sello discográfico llamado "Louis" por su hijo, en Chelsea Street en Memphis. , Tennessee, con Larry Rogers (Studio 19, Nashville) como su ingeniero y productor. Johnny Black, el hermano de Bill y también bajista, que conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que Bill, recuerda haber visitado a Bill en el estudio e informó que Bill estaría totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas. [Cita requerida]

Bob Tucker y Larry Rogers compraron Lyn-Lou Studios después de la muerte de Bill Black en 1965. El estudio grabó muchos álbumes de Bill Black Combo (con facturas como "The Best Honky Tonk Band en América" ​​y "La banda que abrió para los Beatles") [cita requerida] y produjo el número uno de éxitos de país para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y otros. La banda de la casa para estas sesiones fue Shylo Band, con el guitarrista y cantante Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, famoso ingeniero de Sun Studio.

A principios de 1963, Black envió de dos a cinco versiones diferentes del Combo a diferentes regiones del país al mismo tiempo, mientras se mantenía alejado de la carretera, deseando concentrarse en su negocio, su familia y su salud.

En 1963, Bob Tucker se unió a Bill Black Combo como administrador de caminos y guitarra / bajo.

El mismo Black había estado enfermo durante el último año y medio y no había podido viajar. No obstante, insistió en que la banda continuara sin él. El Bill Black Combo creó la historia musical en 1964 cuando se convirtieron en el acto de apertura de los Beatles (a petición de ellos) en su histórica gira por 13 ciudades de América después de su aparición en The Ed Sullivan Show. El mismo Black no estaba lo suficientemente bien como para hacer la gira.

Después de dos cirugías y largas estadías en el hospital, Black murió de un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a la edad de 39 años. Su muerte ocurrió durante su tercera operación que los médicos habían esperado para erradicar el tumor de forma permanente. El cuerpo de Black fue enterrado en el cementerio Forest Hill en Memphis, Tennessee. Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero creía que su presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En su lugar, decidió visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: "Si hay algo que necesiten, hágamelo saber y será suyo".

La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para usar el nombre Combo de Bill Black. La banda cambió a país cuando se unió a Columbia Records y ganó el premio al Grupo Instrumental del Año de Billboard en 1976.

El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Turk Murphy And His Jazz Band • Barrelhouse Jazz

Artist Biography by Scott Yanow

Turk Murphy led one of the most popular bands of the San Francisco Dixieland movement. After playing with various big bands (including Mal Hallett and Will Osborne), Murphy first gained fame for his work with Lu Watters' highly influential Yerba Buena Jazz Band (1940-1947). He formed his own group in 1947 and after 13 years, they found a permanent home at Earthquake McGoon's and also toured occasionally. Although not thought of as a virtuoso trombone soloist and his occasional singing was just passable, Murphy's ensemble work was superior and he put together a stimulating repertoire filled with obscurities and favorites from the 1920s (along with some newer originals). His bands were always very musical; among his sidemen through the years were trumpeters Don Kinch, Bob Short, and Leon Oakley; clarinetist Bob Helm; pianists Wally Rose, Pete Clute, and Ray Skjelbred; and singer Pat Yankee. Turk Murphy and his beloved group made many records for such labels as Good Time Jazz, Fairmont, Columbia (1953-1956), Verve, Dawn Club, Roulette, RCA, Motherlode, Atlantic, GHB, MPS, Stomp Off, and Merry Makers.

https://www.allmusic.com/artist/turk-murphy-mn0000805536/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Turk Murphy lideró una de las bandas más populares del movimiento Dixieland de San Francisco. Después de tocar con varias grandes bandas (incluyendo Mal Hallett y Will Osborne), Murphy ganó fama por su trabajo con la influyente Yerba Buena Jazz Band de Lu Watters (1940-1947). Formó su propio grupo en 1947 y después de 13 años, encontraron un hogar permanente en Earthquake McGoon's y también hicieron giras ocasionales. Aunque no se le consideraba como un virtuoso trombonista solista y su canto ocasional era simplemente pasable, el trabajo del conjunto de Murphy era superior y reunió un estimulante repertorio lleno de oscuridades y favoritos de la década de 1920 (junto con algunos de los originales más recientes). Sus bandas siempre fueron muy musicales; entre sus acompañantes a través de los años estaban los trompetistas Don Kinch, Bob Short y Leon Oakley; el clarinetista Bob Helm; los pianistas Wally Rose, Pete Clute y Ray Skjelbred; y el cantante Pat Yankee. Turk Murphy y su amado grupo hicieron muchos discos para sellos como Good Time Jazz, Fairmont, Columbia (1953-1956), Verve, Dawn Club, Roulette, RCA, Motherlode, Atlantic, GHB, MPS, Stomp Off y Merry Makers.

https://www.allmusic.com/artist/turk-murphy-mn0000805536/biography

Super Black American Pop Culture and Black Superheroes

 

 

Super Black places the appearance of black superheroes alongside broad and sweeping cultural trends in American politics and pop culture, which reveals how black superheroes are not disposable pop products, but rather a fascinating racial phenomenon through which futuristic expressions and fantastic visions of black racial identity and symbolic political meaning are presented. Adilifu Nama sees the value—and finds new avenues for exploring racial identity—in black superheroes who are often dismissed as sidekicks, imitators of established white heroes, or are accused of having no role outside of blaxploitation film contexts.

Nama examines seminal black comic book superheroes such as Black Panther, Black Lightning, Storm, Luke Cage, Blade, the Falcon, Nubia, and others, some of whom also appear on the small and large screens, as well as how the imaginary black superhero has come to life in the image of President Barack Obama. Super Black explores how black superheroes are a powerful source of racial meaning, narrative, and imagination in American society that express a myriad of racial assumptions, political perspectives, and fantastic (re)imaginings of black identity. The book also demonstrates how these figures overtly represent or implicitly signify social discourse and accepted wisdom concerning notions of racial reciprocity, equality, forgiveness, and ultimately, racial justice.

 

Junior Mance Trio & Eric Alexander • Groovin' Blues

The blues are definitely grooving here – delivered from a strong soul jazz perspective, thanks to the mighty piano of Junior Mance, the sharp drums of Idris Muhammad, and the well-focused bass of Chip Jackson! In fact, the trio's so great at the start, we're almost surprised when tenorist Eric Alexander makes a few appearances on the record – using his deep-toned tenor to flesh out the sound even more, and maybe even unlock a bit more lyricism in Junior's piano! The tunes are a nice mix of jazz standards and postwar R&B numbers, which keeps things interesting – and titles include "Lonely Avenue", "Blues In The Closet", "Blueberry Hill", "Night Train", "I Got My Mojo Workin", "All Blues", and "Bag's Groove".

https://www.dustygroove.com/item/867124?kwfilter=Junior+Mance+Trio+%26amp;+Eric+Alexander&incl_oos=1&incl_cs=1&sort_order=artist

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El blues se está convirtiendo en una sensación de soul jazz, gracias al poderoso piano de Junior Mance, a la batería de Idris Muhammad y al bajo bien enfocado de Chip Jackson. De hecho, el trío es tan grandioso al principio, que casi nos sorprende cuando el tenorista Eric Alexander hace algunas apariciones en el disco - ¡utilizando su tenor de tono profundo para dar cuerpo al sonido aún más, y quizás incluso desbloquear un poco más de lirismo en el piano de Junior! Las melodías son una buena mezcla de estándares de jazz y números de R&B de la posguerra, lo que mantiene las cosas interesantes - y los títulos incluyen "Lonely Avenue", "Blues In The Closet", "Blues In The Closet", "Blueberry Hill", "Night Train", "I Got My Mojo Workin", "All Blues", y "Bag's Groove".

https://www.dustygroove.com/item/867124?kwfilter=Junior=Junior+Mance+Trio+%26amp;+Eric+Alexander&incl_oos=1&incl_cs=1&sort_order=artista

juniormance.com ...

Beegie Adair • My Romance

Review by William Ruhlmann

The Richard Rodgers entry in jazz pianist Beegie Adair's series of songbook albums for classic pop songwriters consists entirely of songs the composer wrote with lyricist Lorenz Hart, whose name goes unmentioned in the title, perhaps because there is no singing on the album. (If there were, one might wonder how "The Lady Is a Tramp" could be considered a romantic song.) As on albums devoted to George Gershwin, Hoagy Carmichael, and Irving Berlin, Adair leads a piano trio in low-key instrumental interpretations of these standards from the Golden Age of American Songwriting, hewing to the melodies for the most part, with some modest jazz improvising that never gets very far from the main themes. The goal here is to come up with high-quality cocktail jazz, like the tinkling you might hear in the background at a good restaurant. In this case, listeners have the opportunity to use this album and its related ones as background for a romantic evening at home.

https://www.allmusic.com/album/my-romance-mw0000488661

Artist Biography

Once in a while a musician comes along with impeccable technique, deep understanding of the jazz repertoire, an innate tendency to swing and the rare ability to communicate the heart and soul of a tune to listeners. That musician is Beegie Adair.

About her music Adair says, “Falling in love with jazz is like falling in love with a person, except with jazz you never get over it.” About Beegie (say B-G) Adair, what do others say?

Jazz great Helen Merrill salutes her “inventive jazz sense, her wonderful sense of time and improvised melody.”

Christopher Louden of Jazz Times magazine says Adair is “an accomplished artist with a delicate touch.”

The Los Angeles Times calls her music “Elegant.”

Entertainment News writes, “Beegie Adair is one of the finest piano players in the world.”

Intrigued? So are thousands of jazz fans, who agree with critics about Adair’s sophisticated and listenable jazz performances, and who have made her recordings among the biggest sellers in the jazz world.

Citing George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson and Erroll Garner among her influences, Adair has recorded 24 CDs, ranging from Cole Porter standards to Frank Sinatra classics to romantic World War II ballads. Her 6-CD Centennial Composers Collection of tunes by Rodgers, Gershwin, Kern, Ellington, Carmichael and Berlin became an instant collectible classic when it was released in 2002.

Kentucky born and raised, Adair lives and records in Nashville ” something of a surprise to people who associate the city solely with country music. In fact Nashville lives up to its “Music City” nickname by hosting a vibrant jazz scene, in which she has been a leading light for decades. A sought-after studio musician in her early days there, Adair accompanied such legendary performers as Chet Atkins, Dolly Parton and Johnny Cash ” and also worked with Lucille Ball, Dinah Shore, Mama Cass Elliott and Peggy Lee.

Her guests on Improvised Thoughts, Beegie’s radio talk/music show on the local NPR affiliate, included such greats as Tony Bennett, Joe Williams, Marian McPartland, Benny Golson and Helen Merrill. She has guested on McPartland’s Piano Jazz show and has performed with Nat Adderley, Bill Watrous, Lew Tabackin, Terry Clarke, Urbie Green and Jim Ferguson, among many others.

When she’s not in the studio or appearing in clubs and concert halls around the country, Adair wears a variety of hats, from adjunct professor at Vanderbilt University to teacher and mentor at the Nashville Jazz Workshop. Recently she co-wrote and scored an innovative theatrical production, Betsy, which in April 2006 premiered off-Broadway in New York.

She has recorded eight projects for Village Square Records in Nashville; her most recent CDs are Sentimental Journey, a popular collection of World War II-era songs, and a solo piano recording, Quiet Romance.

She performs solo and with the Beegie Adair Trio, whose members include drummer Chris Brown, a veteran of the Maynard Ferguson ensemble, and bassist Roger Spencer, who has played with the Les Brown Band, Ray Conniff, the Page Cavanaugh Trio and Pete Jolly. They are, she says, “my main guys. They’re so tuned into the way I visualize music that it’s effortless to play with them.”

In clubs and concert venues from Los Angeles to New York, Beegie and her “main guys” win kudos from audiences and critics alike who appreciate her unique take on classic jazz. She fell in love with the music a long time ago, and indeed she’s never gotten over it — a love affair the jazz world is much the better for.

https://musicians.allaboutjazz.com/beegieadair

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Reseña de William Ruhlmann

La entrada de Richard Rodgers en la serie de álbumes de la pianista de jazz Beegie Adair para compositores de pop clásico consiste enteramente en canciones que el compositor escribió con el letrista Lorenz Hart, cuyo nombre no se menciona en el título, quizás porque no hay canciones en el álbum. (Si los hubiera, uno podría preguntarse cómo "La Dama es una Vagabunda" podría ser considerada una canción romántica.) Al igual que en los álbumes dedicados a George Gershwin, Hoagy Carmichael e Irving Berlin, Adair dirige un trío de piano en interpretaciones instrumentales de bajo perfil de estos estándares de la Edad de Oro de la Canción Americana, en su mayor parte con melodías, con una modesta improvisación de jazz que nunca se aleja mucho de los temas principales. El objetivo es crear un cóctel de jazz de alta calidad, como el tintineo que se oye al fondo en un buen restaurante. En este caso, los oyentes tienen la oportunidad de usar este álbum y los relacionados como fondo para una velada romántica en casa.

https://www.allmusic.com/album/my-romance-mw0000488661

Biografía del artista

De vez en cuando un músico llega con una técnica impecable, un profundo conocimiento del repertorio de jazz, una tendencia innata al swing y la rara habilidad de comunicar el corazón y el alma de una melodía a los oyentes. Ese músico es Beegie Adair.

Sobre su música, Adair dice: "Enamorarse del jazz es como enamorarse de una persona, excepto que con el jazz nunca se supera". Acerca de Beegie Adair, ¿qué dicen los demás?

La gran Helen Merrill del jazz saluda su "inventivo sentido del jazz, su maravilloso sentido del tiempo y su improvisada melodía".

Christopher Louden de la revista Jazz Times dice que Adair es "un artista consumado con un toque delicado".

El Los Angeles Times llama a su música "Elegante".

"Beegie Adair es una de las mejores pianistas del mundo".

¿Intrigado? También lo son los miles de fans del jazz, que están de acuerdo con los críticos sobre las sofisticadas y escuchables actuaciones de jazz de Adair, y que han hecho de sus grabaciones uno de los más vendidos en el mundo del jazz.

Citando a George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson y Erroll Garner entre sus influencias, Adair ha grabado 24 CDs, desde los estándares de Cole Porter hasta los clásicos de Frank Sinatra y las románticas baladas de la Segunda Guerra Mundial. Su colección de canciones de Rodgers, Gershwin, Kern, Ellington, Carmichael y Berlín de 6 CD Centennial Composers se convirtió en un clásico coleccionable instantáneo cuando fue lanzado en 2002.

Nacido y criado en Kentucky, Adair vive y graba en Nashville " algo así como una sorpresa para la gente que asocia la ciudad únicamente con la música country. De hecho, Nashville hace honor a su apodo de "Music City" al albergar una vibrante escena de jazz, en la que ha sido una de las principales figuras durante décadas. Adair acompañó a artistas legendarios como Chet Atkins, Dolly Parton y Johnny Cash " y también trabajó con Lucille Ball, Dinah Shore, Mama Cass Elliott y Peggy Lee.

Sus invitados en Improvised Thoughts, el programa de radio de Beegie sobre la filial local de NPR, incluyó a grandes como Tony Bennett, Joe Williams, Marian McPartland, Benny Golson y Helen Merrill. Ha sido invitada en el espectáculo de Piano Jazz de McPartland y ha actuado con Nat Adderley, Bill Watrous, Lew Tabackin, Terry Clarke, Urbie Green y Jim Ferguson, entre muchos otros.

Cuando no está en el estudio o en clubes y salas de conciertos en todo el país, Adair usa una variedad de sombreros, desde profesor adjunto en la Universidad de Vanderbilt hasta profesor y mentor en el Taller de Jazz de Nashville. Recientemente co-escribió una innovadora producción teatral, Betsy, que en abril de 2006 se estrenó fuera de Broadway en Nueva York.

Ha grabado ocho proyectos para Village Square Records en Nashville; sus CDs más recientes son Sentimental Journey, una colección popular de canciones de la era de la Segunda Guerra Mundial, y una grabación de piano en solitario, Quiet Romance.

Actúa en solitario y con el Beegie Adair Trio, entre cuyos miembros se encuentran el baterista Chris Brown, un veterano del conjunto Maynard Ferguson, y el bajista Roger Spencer, que ha tocado con la Les Brown Band, Ray Conniff, el Page Cavanaugh Trio y Pete Jolly. Ellos son, dice ella, "mis principales hombres. Están tan sintonizados en la forma en que visualizo la música que es fácil tocar con ellos".

En clubes y salas de conciertos desde Los Ángeles hasta Nueva York, Beegie y sus "principales muchachos" ganan elogios tanto del público como de la crítica, que aprecian su visión única del jazz clásico. Ella se enamoró de la música hace mucho tiempo, y de hecho nunca la ha superado - una historia de amor para la que el mundo del jazz es mucho mejor.

https://musicians.allaboutjazz.com/beegieadair

beegieadair.com ... 

 

Kvartet Dubravka Majnarica • 40 Years After

Eddie 'Lockjaw' Davis • Jaws In Orbit ׀ The Eddie 'Lockjaw' Davis Cookbook

Edward Davis nació el 2 de marzo de 1922, en Nueva York. Músico autodidacta, comenzó su carrera profesional en Harlem ocho meses después de la compra de su primer saxofón y a finales de los años 30 ya trabajaba regularmente en la Clark Monroe's Uptown House. A pesar de la estrecha relación que mantendría con el bebop unos años más tarde, su estilo estaba firmemente arraigado en el blues y el swing. De hecho, sus primeras interpretaciones muestran una afinidad con el duro estilo de tocar el saxo tenor de la escuela tejana. A principios de los años 40, además de liderar sus propios pequeños grupos, Davis trabaja con grandes bandas lideradas por Cootie Williams, Lucky Millinder, Andy Kirk y Louis Armstrong.

En 1952, Davis comienza a trabajar con la banda de Count Basie, teniendo un papel protagonista en muchas de sus formaciones. "En un momento en que la banda de Basie necesitaba una enorme personalidad en sus filas", señala la Illustrated Encyclopedia of Jazz, "Jaws asumió ese papel, y los temas en los que aparecen sus solos, 'Flight of the Foo Birds' y 'After Supper' ( The Atomic Mr. Basie), resaltan por su vigor y entusiasmo ". Tal como comentaría el crítico Leonard Feather en Los Angeles Times, "La banda de Count Basie era virtualmente una escuela para solistas ... que produjo algunos de los sonidos individuales en el jazz más duraderos". Su relación con la banda de Count Basie se prolongaría a lo largo de los años, ya que volvería a incorporarse a la banda en los 60 y, más tarde, a principios de los 70. Con Basie, Davis muestra una amplia gama musical, lo que le permite salir de cualquier situación tocando a su aire. Además, su forma de interpretar las baladas, influenciada por Ben Webster, florece y desarrolla una inventiva y un tono inspirados por el legendario Coleman Hawkins. "Davis aporta a la banda de Basie vigor y tenacidad, un magnífico envoltorio para el mecanismo de precisión que es la sección rítmica de Basie".

Su debut discográfico, Modern Jazz Expression, tiene lugar en 1955. Davis también obtuvo un alto reconocimiento en sus actuaciones como líder de un quinteto de jazz con raices en el blues, en el que la estructura típica de los grupos con órgano se veía modificada al prescindir de la guitarra y sustituirla por el bajo, lo que dotaba a su música de una mayor flexibilidad rítmica. El grupo lo componen Shirley Scott al órgano, George Duvivier al bajo, Arthur Edgehill a la batería y Jerome Richardson al saxo y la flauta. El debut discográfico del grupo, "Eddie 'Lockjaw' Davis Cookbook Volumen 1", fue seguido por "Smokin'", dos volúmenes más de la serie Cookbook, y "Jaws" (grabado sin Richardson), todos ellos grabados en 1958. "Jaws In Orbit", con el trombonista Steve Pulliam, aparece en 1959, el mismo año en que Davis grabó el aclamado "Gentle Jaws", un álbum que también incluye una sesión con el trío del pianista Red Garland, el bajista Sam Jones y el baterista Taylor Arthur.

La grabación de "Trane Whistle" en 1960, acompañado de una big band y con arreglos de Oliver Nelson y Ernie Wilkins, le permite obtener mayor reconocimiento. Un año más tarde publica "Afro-Jaws", una incursión en cuarteto en la música latina que cuenta con la presencia de Ray Barrtetto, así como con una sección de trompetas, con Clark Terry a la cabeza, en dos de los temas.

En la década de los 60 se produce su asociación con el saxofonista Johnny Griffin, dando lugar a una decena de excelentes discos donde se mezclan mainstream y bebop, y en los que, como combates de boxeo, ambos saxofonistas desarrollan incruentas batallas musicales. Ambos tenores eran de diferente temperamento, tanto musical como emocionalmente (Davis interpreta con el ardor que aprendió con Basie y era conocido por su carácter atento, irónico y reservado, mientras que Griffin, que había tocado con Lionel Hampton, Art Blakey y Thelonius Monk, era extrovertido y jovial), pero sus ideas se complementaban y hacía que ambos mejoraran. Como Davis explicaría a J. Robert Bragonier en su web 52 Street Jazz: "Lo que estamos haciendo es presentar, uno al lado del otro, dos estilos diferentes de tocar el tenor - una comparación, no un concurso". Entre sus grabaciones destacan "Tough Tenors", "Battle Stations" (1960), "Griff & Lock" y "Blues Up and Down" (1961).

Davis siguió grabando durante la década de los 70, realizando "Straight Ahead" en 1976 con el trío de Tommy Flanagan y "Montreux 77" grabado el año siguiente con un cuarteto en el que figuraban Oscar Peterson en el piano, Ray Brown en el bajo, y Jimmie Smith en la batería. Ambos álbumes recibieron elogios por parte de los críticos. En sus últimos años, Davis trabajó a menudo con el trompetista Harry 'Sweets' Edison. Además de realizar grabaciones en estudio, iban juntos de gira durante meses, cogiendo músicos locales para completar el grupo. Davis mantuvo su actividad musical hasta el momento de su muerte, acaecida como consecuencia de un cáncer el 3 de noviembre de 1986, en el hospital de Culver City, California.

Existen varias versiones sobre la forma en que Eddie "Lockjaw" Davis obtuvo su apodo. Algunos sostienen que adoptó el mote en una de sus primeras sesiones de grabación, mientras buscaba títulos para sus composiciones; "Lockjaw", en consecuencia, se convirtió no sólo en el nombre de un tema, sino también en una parte importante de sí mismo. Otros apuntan a la costumbre de Davis de apretar su saxo tenor con la boca como la razón por la cual surgió su apodo. Pero independientemente de la causa, Davis se convirtió para muchos en la quintaesencia del saxofonista de jazz straight-ahead. Su sonido (agresivo, con un gran tono y bluesístico, pero también capaz de una gran sensibilidad) hizo de él un músico muy imitado. Es uno de los pocos intérpretes que han desarrollado un sonido personal inconfundible. Eddie 'Lockjaw' Davis, fue uno de los grandes instrumentistas del saxo tenor en el jazz y poseía un sonido inconfundible amén de un espléndido dominio del blues.

Fuente: http://musicadesdelasantipodas.blogspot.com.ar/2009/07/eddie-lockjaw-davis.html

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Artist Biography by Scott Yanow

Possessor of a cutting and immediately identifiable tough tenor tone, Eddie "Lockjaw" Davis could hold his own in a saxophone battle with anyone. Early on, he picked up experience playing with the bands of Cootie Williams (1942-1944), Lucky Millinder, Andy Kirk (1945-1946), and Louis Armstrong. He began heading his own groups from 1946 and Davis' earliest recordings as a leader tended to be explosive R&B affairs with plenty of screaming from his horn; he matched wits successfully with Fats Navarro on one session. Davis was with Count Basie's Orchestra on several occasional (including 1952-1953, 1957, and 1964-1973) and teamed up with Shirley Scott's trio during 1955-1960. During 1960-1962, he collaborated in some exciting performances and recordings with Johnny Griffin, a fellow tenor who was just as combative as Davis. After temporarily retiring to become a booking agent (1963-1964), Davis rejoined Basie. In his later years, Lockjaw often recorded with Harry "Sweets" Edison and he remained a busy soloist up until his death. Through the decades, he recorded as a leader for many labels, including Savoy, Apollo, Roost, King, Roulette, Prestige/Jazzland/Moodsville, RCA, Storyville, MPS, Black & Blue, Spotlite, SteepleChase, Pablo, Muse, and Enja.

Baja Marimba Band • Rides Again

The Baja Marimba Band was a musical group led by marimba player Julius Wechter. Formed by producer Herb Alpert after his own Tijuana Brass, the Baja Marimba Band outlasted the Tijuana Brass by several years in part due to TV producer Chuck Barris, who included the group's music on his game shows in the 1970s.

During his youth, Julius Wechter took up several percussion instruments including the vibes and marimba. In 1956 his group the Julius Wechter Quartet released a jazz album entitled Linear Sketches.

In 1958, Julius joined Martin Denny's band where he played marimba (replacing Arthur Lyman) as well as numerous other percussion instruments. Four years later he was paid $15 as a session man on Herb Alpert's debut album, The Lonely Bull. Wechter soon composed "Spanish Flea" for Alpert, which became a hit for him. Alpert encouraged Wechter to form his own group, The Baja Marimba Band, to help cash in on the faux-Mexican popularity of Albert's own Tijuana Brass.

In 1962, the Baja Marimba Band was formed using session men to supplement Wechter. These musicians included, at one time or another, Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell, and Emil Richards.

The band hit the charts with its first single "Comin' in the Back Door" and recorded a dozen albums for A&M, as well as being Alpert's support act. The main lineup from 1965-1971 was Bernie Fleischer on reeds, Ervan "Bud" Coleman on guitar (replaced upon Coleman's death in 1967 by Charlie Chiarenza), Frank DeCaro on rhythm guitar, Dave Wells on trombone, Lee Katzman on trumpet, Curry Tjader on percussion, Mel Pollan on Fender bass, and Frank DeVito on drums. Most if not all of the band's musicians were seasoned jazz musicians who performed with such artists as Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker, and Dizzy Gillespie.

The group would appear on stage dressed in sombreros and old clothes, with fake mustaches, smoking cigars, and drinking beer, all of which was regarded as stereotypical Mexican behavior. The group appeared in goofy group photos on their album covers, stylishly created by Peter Whorf Graphics, and added a comedic allure. (Nearly all of the covers showed a man turned away from the 'camera' appearing to be urinating!)

Seen by many as a marketing gimmick, the group rode the wake created by Herb Alpert and the Tijuana Brass and Sérgio Mendes and Brasil '66 in the musically fertile mid-1960s. The albums were cross marketed successfully by A&M, with images of Baja Marimba Band albums appearing on the record sleeves of other A&M products. All three acts were the staple of A&M during this period. The content was considered "adult contemporary" or "easy listening" and consisted mainly of standards, originals and pop covers. Despite the humorous album covers, the music inside was a light and sophisticated mixture of bossa nova, jazz, and pop elements.

All three groups lost momentum by the end of the 1960s as the genre faded away. By the late 1960s, Alpert's Tijuana Brass had disbanded, but the Baja Marimba Band stayed together for one more album on A&M in 1971 called As Time Goes By. They had a brief reunion in 1973 with an album called The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. During the 1970s, Julius and his wife, Cissy, collaborated on film scores and musicals.

One last reunion took place in the 1980s which lasted a couple of years and produced an album called Naturally in 1982. It featured Julius Wechter on marimba and three band alumni, Bernie Fleischer on reeds, guitarist Charlie Chiarenza and trombonist Dave Wells. New to the band were: Carmen Fanzone on horns, Jules Greenberg on 2nd marimba/percussion, Harvey Newmark on bass, and Kim Stallings on guitar. Original drummer Frank DeVito toured with the group during this time, but retired and was replaced for the recording by drummer Ed Roscetti. Still later, Julius Wechter formed a new group in the early 1990s called The Baja Marimbas with marimbaist Jules Greenberg, and they released one album, called New Deal.

After Wechter's death from lung cancer in 1999, the Baja Marimba Band disbanded.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Baja Marimba Band among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band

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La Banda de Baja Marimba era un grupo musical liderado por el marimbista Julius Wechter. Formada por el productor Herb Alpert después de su propio Tijuana Brass, la Banda de Baja Marimba duró varios años más que Tijuana Brass, en parte debido al productor de televisión Chuck Barris, quien incluyó la música del grupo en sus programas de juegos en la década de 1970.

Durante su juventud, Julius Wechter se hizo cargo de varios instrumentos de percusión, incluyendo el vibráfono y la marimba. En 1956 su grupo, el Julius Wechter Quartet, publicó un álbum de jazz titulado Linear Sketches.

En 1958, Julius se unió a la banda de Martin Denny donde tocó marimba (reemplazando a Arthur Lyman) así como otros numerosos instrumentos de percusión. Cuatro años después le pagaron $15 como hombre de sesión en el álbum debut de Herb Alpert, The Lonely Bull. Wechter pronto compuso "Spanish Flea" para Alpert, que se convirtió en un éxito para él. Alpert animó a Wechter a formar su propio grupo, The Baja Marimba Band, para ayudar a sacar provecho de la falsa popularidad mexicana del propio Tijuana Brass de Albert.

En 1962, se formó la Banda de Baja Marimba usando hombres de sesión para complementar a Wechter. Estos músicos incluyeron, en un momento u otro, a Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell y Emil Richards.

La banda llegó a las listas de éxitos con su primer sencillo "Comin' in the Back Door" y grabó una docena de álbumes para A&M, además de ser el apoyo de Alpert. La alineación principal de 1965-1971 fue Bernie Fleischer en las cañas, Ervan "Bud" Coleman en la guitarra (reemplazado a la muerte de Coleman en 1967 por Charlie Chiarenza), Frank DeCaro en la guitarra rítmica, Dave Wells en el trombón, Lee Katzman en la trompeta, Curry Tjader en la percusión, Mel Pollan en el bajo Fender, y Frank DeVito en la batería. La mayoría de los músicos de la banda, si no todos, eran músicos de jazz experimentados que tocaron con artistas como Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

El grupo se presentaba en el escenario vestido con sombreros y ropa vieja, con bigotes falsos, fumando puros y bebiendo cerveza, todo lo cual era considerado como un comportamiento estereotipado de los mexicanos. El grupo apareció en fotos de grupo tontas en las portadas de sus álbumes, creadas con estilo por Peter Whorf Graphics, y agregó un encanto cómico. (Casi todas las portadas mostraban a un hombre alejado de la `cámara' que parecía estar orinando!)

Visto por muchos como un truco de mercadeo, el grupo recorrió la estela creada por Herb Alpert y el Tijuana Brass y Sérgio Mendes y Brasil '66 a mediados de la década de 1960. Los álbumes fueron comercializados exitosamente por A&M, con imágenes de los álbumes de la Banda de Baja Marimba apareciendo en las carátulas de otros productos de A&M. Los tres actos fueron la base de A&M durante este período. El contenido era considerado "adulto contemporáneo" o "easy listening" y consistía principalmente en estándares, originales y portadas pop. A pesar de las portadas humorísticas del álbum, la música del interior era una mezcla ligera y sofisticada de elementos de bossa nova, jazz y pop.

Los tres grupos perdieron ímpetu a finales de la década de 1960 cuando el género se desvaneció. A finales de la década de 1960, Tijuana Brass de Alpert se había disuelto, pero la Banda de Baja Marimba se mantuvo unida para un álbum más en A&M en 1971 llamado As Time Goes By. Tuvieron una breve reunión en 1973 con un álbum llamado The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. Durante la década de 1970, Julius y su esposa, Cissy, colaboraron en partituras de películas y musicales.

Una última reunión tuvo lugar en la década de 1980, que duró un par de años y produjo un álbum llamado Naturally en 1982. Contó con Julius Wechter en la marimba y tres ex-alumnos de la banda, Bernie Fleischer en las cañas, el guitarrista Charlie Chiarenza y el trombonista Dave Wells. Los nuevos en la banda eran: Carmen Fanzone en las trompas, Jules Greenberg en la 2ª marimba/percusión, Harvey Newmark en el bajo y Kim Stallings en la guitarra. El baterista original Frank DeVito estuvo de gira con el grupo durante este tiempo, pero se retiró y fue reemplazado para la grabación por el baterista Ed Roscetti. Aún más tarde, Julius Wechter formó un nuevo grupo a principios de los 90 llamado The Baja Marimbas con el marimbaista Jules Greenberg, y lanzaron un álbum, llamado New Deal.

Después de la muerte de Wechter por cáncer de pulmón en 1999, la Banda de Baja Marimba se disolvió.

El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a la Banda de Baja Marimba entre cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal 2008.

https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band