The Dave Brubeck Quartet • Time Outtakes

 

Review by Matt Collar
Discovered during the research for several books marking Dave Brubeck's centennial celebration, Time Outtakes features never-before-released songs recorded during the original sessions for the pianist's landmark 1959 album Time Out. This is Brubeck's classic quartet featuring alto saxophonist Paul Desmond, bassist Eugene Wright, and drummer Joe Morello. While there have been several special edition versions of Time Out released over the years, none have included these original studio recordings from the 1959 sessions. One of the most influential and commercially successful jazz albums in history, Time Out is largely considered a perfect album, a showcase for Brubeck's innovative use of time signatures, as well as rhythms and melodies borrowed from Eastern and African musical traditions. At the center of the album was "Take Five." A kinetic 5/4 masterpiece written by Desmond, the song became an instant classic, dichotomously building mainstream interest in world rhythms while also pushing jazz musicians to embrace yet more wide-ranging and intellectual sounds. What's particularly compelling about these recordings is just how different they are from the ones that ended up on the final album. "Take Five" itself is much faster than the classic version, starting out with a more spare drum pattern and featuring a more avant-garde leaning solo from Desmond. In keeping with the song's original purpose as a showcase for Morello's drumming, here the band drops out when he starts his solo. Unmoored from Brubeck's piano vamp, he plays with the groove, ably turning the rhythm inside out with a mix of percussion sounds before inviting the band back. Equally eye-opening is "Blue Rondo a La Turk," which, while not that dissimilar to the classic version, is in some ways superior, featuring an even more organically supple groove and expansively bluesy solo from Desmond. Along with alternate takes, we get several songs not included on the original album, including the off-the-cuff "Watusi Jam" and the spritely "I'm in a Dancing Mood." While certainly a fascinating window into the development of a jazz classic, Time Outtakes is also just a superb listen.
https://www.allmusic.com/album/time-outtakes-mw0003450869

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Reseña de Matt Collar
Descubierto durante la investigación para varios libros que marcan la celebración del centenario de Dave Brubeck, Time Outtakes presenta canciones nunca antes publicadas, grabadas durante las sesiones originales del histórico álbum de 1959 del pianista, Time Out. Se trata del clásico cuarteto de Brubeck con el saxofonista alto Paul Desmond, el bajista Eugene Wright y el baterista Joe Morello. Aunque a lo largo de los años se han publicado varias ediciones especiales de Time Out, ninguna ha incluido estas grabaciones de estudio originales de las sesiones de 1959. Time Out, uno de los álbumes de jazz más influyentes y de mayor éxito comercial de la historia, se considera en gran medida un álbum perfecto, un escaparate para el uso innovador de Brubeck de los compases, así como de ritmos y melodías tomados de las tradiciones musicales orientales y africanas. En el centro del álbum estaba "Take Five". Una obra maestra de 5/4 escrita por Desmond, la canción se convirtió en un clásico instantáneo, creando un interés dicotómico en los ritmos del mundo al tiempo que empujaba a los músicos de jazz a adoptar sonidos aún más amplios e intelectuales. Lo que resulta especialmente atractivo de estas grabaciones es lo diferentes que son de las que terminaron en el álbum final. La propia "Take Five" es mucho más rápida que la versión clásica, comenzando con un patrón de batería más sobrio y presentando un solo más vanguardista de Desmond. En consonancia con el propósito original de la canción como escaparate de la batería de Morello, aquí la banda se retira cuando él comienza su solo. Desvinculado del piano de Brubeck, juega con el ritmo, dándole la vuelta con una mezcla de sonidos de percusión antes de invitar a la banda a volver. Igualmente revelador es "Blue Rondo a La Turk", que, aunque no es tan diferente de la versión clásica, es en cierto modo superior, con un ritmo aún más orgánico y un solo de blues expansivo de Desmond. Junto con las tomas alternativas, tenemos varias canciones que no se incluyeron en el álbum original, incluyendo la improvisada "Watusi Jam" y la alegre "I'm in a Dancing Mood". Además de ser una ventana fascinante al desarrollo de un clásico del jazz, Time Outtakes es también una escucha magnífica.
https://www.allmusic.com/album/time-outtakes-mw0003450869


www.davebrubeck.com ...

Junior Wells • Sings Live At The Golden Bear

 

Junior Wells was considered the direct musical descendant of modern blues harmonica legends John Lee “Sonny Boy” Williamson, “Sonny Boy” Williamson II (Rice Miller) and Little Walter Jacobs. An exponent of blues, funk and soul music, Wells developed a style incorporating all of those genres, and was a consummate stage performer who could back it all up.

Born Amos Blakemore in 1934, Junior was raised on a farm in rural West Memphis and Marion, Arkansas. He became intensely interested in the music flowing from the fertile blues culture of Memphis and learned harmonica from his cousin Little Junior Parker. After his parents separated, the wild and rebellious Junior moved with his mother to Chicago in 1946. There he discovered that music would be the most important thing in his life.

His teenage years were spent playing hooky from school, scrambling change from odd jobs and practicing his harmonica. His interest in the local blues musicians found the underage Junior sneaking into various clubs, vying to “sit-in” with bands. His earliest such escapade was in 1948 sneaking into the C & T Lounge where Tampa Red and Johnny Jones let the young harpist show his skills. A now famous incident was when Junior convinced his sister and her then-boyfriend, a Chicago policeman, to escort him to Sam's Ebony Lounge where the celebrated Muddy Waters band (with Little Walter Jacobs and Jimmy Rogers) were playing. “I went up to Muddy and told him I played harp...Muddy said he'd let me try. Little Walter said, “That little shrimp.” They stood me on a coke box to reach the mike and I made $45 in tips....Walter asked me if I ever played the sax before!”

When Little Water left the Muddy Waters band to tour with his new found fame, Junior was called to replace him. Junior stayed on with Waters until 1952. In 1953, Wells was inducted into the army, but he didn't let this get in the way of his music career - some of his first recording sessions done for the States label were done while he was AWOL. Upon his return from the army in 1955, Willie Dixon introduced Junior to Mel London, who recorded classic Wells' songs “Messin' With The Kid,” “Come On In This House,” and “Little By Little” for the Chief and Profile labels.

The 1960's found Junior working frequently with Chicago blues guitarist Buddy Guy. The duo gigged the clubs and became a regular fixture in the city. In 1965, Delmark Records released Junior's first album, the classic “Hoodoo Man Blues,” with Buddy Guy on guitar. The celebrated duo of Wells and Guy toured the world with the Rolling Stones in 1970, and went into the Atlantic studios in ’72 to record “Buddy Guy & Jr. Wells Play the Blues.” This album garnered them recognition, and the pair continued a long association of recording and playing through the late 1980's.

In 1974, Guy and Wells played the Montreaux Jazz Festival backed by Rolling Stones' bassist Bill Wyman, Terry Taylor, Dallas Taylor and Chicago blues pianist Pinetop Perkins. The explosive performance was captured on tape and released on Blind Pig Records in 1982. “Drinkin' TNT 'N' Smokin' Dynamite,” finds Guy and Wells in extraordinary form. Both artists went on to become internationally acclaimed blues legends and this stellar recording remains one of Blind Pig's most popular releases.

Wells was reunited with Delmark in the late ‘70’s where he released “On Tap,” (’75) and “Blues Hit Big Town.” (’77) He did one album for Alligator “Alone and Acoustic,” in 1991. Junior signed with Telarc in ’93 and proceeded to put out records for them peaking with “Come On In This House,” in ’96, his most unadulterated blues record since his highly acclaimed “Hoodoo Man Blues,” of more than 30 years vintage. The idea was to team Wells with some of the era's top younger traditional blues guitarists - - Corey Harris, Alvin Youngblood Hart, Sonny Landreth, Bob Margolin, and John Mooney; to have those musicians, in various combinations, accompany Wells on a variety of slide guitars; and to concentrate on vintage Chicago and Delta blues. The result is a demonstration of the timeless appeal of classic blues done well. Wells' vocals are deep and manly; his harp playing is high- pitched, and in synch with the true feeling of the session. A well received and acknowledged recording, which was nominated for a Grammy.

To say that Wells is the genuine article is to understate the matter. He hailed from the hard knock school of blues harp masters. His is the sound of the Chicago streets, the Maxwell Street market, the juke joints, the after-hours sessions, the road-weary gigs and the hostile territory into which any artist must go to prove his worth. The beauty of it is that after all those years, in the end Junior Wells didn't have anything at all to prove.

Junior Wells passed away in 1998.
https://musicians.allaboutjazz.com/juniorwells

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Junior Wells era considerado el descendiente musical directo de las leyendas modernas de la armónica del blues John Lee "Sonny Boy" Williamson, "Sonny Boy" Williamson II (Rice Miller) y Little Walter Jacobs. Exponente del blues, el funk y la música soul, Wells desarrolló un estilo que incorporaba todos esos géneros, y era un consumado intérprete en el escenario que podía respaldarlo todo.

Nacido como Amos Blakemore en 1934, Junior se crió en una granja de las zonas rurales de West Memphis y Marion, en Arkansas. Se interesó intensamente por la música que brotaba de la fértil cultura del blues de Memphis y aprendió a tocar la armónica con su primo Little Junior Parker. Tras la separación de sus padres, el salvaje y rebelde Junior se trasladó con su madre a Chicago en 1946. Allí descubrió que la música sería lo más importante de su vida.

Sus años de adolescencia los pasó haciendo novillos en la escuela, sacando el dinero de los trabajos esporádicos y practicando su armónica. Su interés por los músicos de blues locales hizo que el menor de edad se colara en varios clubes, compitiendo por "sentarse" con las bandas. Su primera escapada fue en 1948, cuando se coló en el C & T Lounge, donde Tampa Red y Johnny Jones permitieron al joven arpista mostrar sus habilidades. Un incidente ahora famoso fue cuando Junior convenció a su hermana y a su entonces novio, un policía de Chicago, para que le acompañaran al Sam's Ebony Lounge, donde tocaba la célebre banda de Muddy Waters (con Little Walter Jacobs y Jimmy Rogers). "Me acerqué a Muddy y le dije que tocaba el arpa... Muddy dijo que me dejaría probar. Little Walter dijo: "Ese pequeño camarón". Me subieron a una caja de coca-cola para llegar al micrófono y gané 45 dólares de propina....¡Walter me preguntó si había tocado alguna vez el saxo!"

Cuando Little Water dejó la banda de Muddy Waters para hacer una gira con su nueva fama, Junior fue llamado para sustituirle. Junior permaneció con Waters hasta 1952. En 1953, Wells fue alistado en el ejército, pero no dejó que esto se interpusiera en su carrera musical: algunas de sus primeras sesiones de grabación realizadas para el sello States se hicieron mientras estaba ausente sin permiso. A su regreso del ejército en 1955, Willie Dixon presentó a Junior a Mel London, que grabó las canciones clásicas de Wells "Messin' With The Kid", "Come On In This House" y "Little By Little" para los sellos Chief y Profile.

En la década de 1960, Junior trabajó con frecuencia con el guitarrista de blues de Chicago Buddy Guy. El dúo actuaba en los clubes y se convirtió en un elemento habitual de la ciudad. En 1965, Delmark Records publicó el primer álbum de Junior, el clásico "Hoodoo Man Blues", con Buddy Guy a la guitarra. El célebre dúo formado por Wells y Guy realizó una gira mundial con los Rolling Stones en 1970, y entró en los estudios de Atlantic en el 72 para grabar "Buddy Guy & Jr. Wells Play the Blues". Este álbum les valió el reconocimiento, y la pareja continuó una larga asociación de grabaciones y toques hasta finales de la década de 1980.

En 1974, Guy y Wells tocaron en el Festival de Jazz de Montreaux respaldados por el bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, Terry Taylor, Dallas Taylor y el pianista de blues de Chicago Pinetop Perkins. La explosiva actuación se grabó en cinta y se publicó en Blind Pig Records en 1982. En "Drinkin' TNT 'N' Smokin' Dynamite", Guy y Wells se encuentran en una forma extraordinaria. Ambos artistas se convirtieron en leyendas del blues aclamadas internacionalmente y esta grabación estelar sigue siendo uno de los lanzamientos más populares de Blind Pig.

Wells se reunió con Delmark a finales de los 70, donde publicó "On Tap" ('75) y "Blues Hit Big Town" ('77). ('77) Hizo un álbum para Alligator "Alone and Acoustic", en 1991. Junior firmó con Telarc en el 93 y procedió a sacar discos para ellos, alcanzando su punto álgido con "Come On In This House", en el 96, su disco de blues más puro desde su aclamado "Hoodoo Man Blues", de hace más de 30 años. La idea era asociar a Wells con algunos de los mejores guitarristas de blues tradicional más jóvenes de la época: Corey Harris, Alvin Youngblood Hart, Sonny Landreth, Bob Margolin y John Mooney; hacer que esos músicos, en diversas combinaciones, acompañaran a Wells con una variedad de guitarras slide; y concentrarse en el blues vintage de Chicago y del Delta. El resultado es una demostración del atractivo intemporal del blues clásico bien hecho. La voz de Wells es profunda y varonil; su forma de tocar el arpa es aguda y está en sintonía con el verdadero sentimiento de la sesión. Una grabación bien recibida y reconocida, que fue nominada al Grammy.

Decir que Wells es un artículo genuino es quedarse corto. Procede de la escuela de los maestros del arpa del blues. El suyo es el sonido de las calles de Chicago, del mercado de Maxwell Street, de los juke joints, de las sesiones a deshoras, de los conciertos cansados de la carretera y del territorio hostil en el que cualquier artista debe adentrarse para demostrar su valía. Lo bonito es que, después de todos esos años, al final Junior Wells no tenía nada que demostrar.

Junior Wells falleció en 1998.
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Ernest Ranglin • Boss Reggae

 

Review by Thom Jurek
By the time Boss Reggae was released in 1969 by Ken Khouri's Federal Records, guitarist Ernest Ranglin was already an instrumental star in Jamaica and England. In his twenties during the '50s and early '60s, he helped pioneer ska as a session guitarist at Studio One. As the latter decade moved toward its middle, he held down a nine-month headlining role at Ronnie Scott's Club in London. Ranglin cut a slew of "themed" records for Federal, all of which have seen reissue in the 21st century. Like many recordings of the era, the other studio players are uncredited. They are all aces however, and they had to be: Ranglin's playing, rhythm, and production approaches (there are several kinds of each here) are always from the jazz side of the equation. Opener "Grandfather's Clock" offers a rocksteady take on a British dance band classic, while the very next tune, "Soulful I," reflects Lee Perry & the Upsetters' instrumental cover of a David Issacs' "Since You Are Gone." The latter cut is wild sonically -- the guitarist's jazzy chords and solos are framed in early dubwise grooves and a production style that recalls Les Paul's '50s style. Ranglin proves his pop savvy with a cover of Fred Neil's "Everybody's Talkin'" (though it's based on the hit Nilsson version) with ample wah-wah behind multiple layers of single-string playing, all above a rocksteady-cum-county rhythm section vamp. A sense of humor is evidenced by "Dr. No-Go" with its seamless meld of surf, Northern soul, and reggae. The cover of the Melodians' "Sweet Sensation" is compelling because it's the only cut here dominated by an organ (and also contains a vocal chorus), but Ranglin guides the rhythm section expertly. The set closer is a cover of the Curly Putman and Billy Sherrill countrypolitan classic "My Elusive Dreams." Ranglin and company up the tempo and he delivers otherworldly jazz chord voicings that flow underneath his leads while the rhythm section choogles beside him until the fade. If there's a drawback to this set, it's the length -- it clocks in at under half-an-hour. That said, every single track is a winner. Boss Reggae fleshes out Ranglin's profile as a studio leader and innovator during a pivotal era for reggae.
https://www.allmusic.com/album/boss-reggae-mw0002933343

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Reseña de Thom Jurek
Cuando Boss Reggae fue publicado en 1969 por Federal Records de Ken Khouri, el guitarrista Ernest Ranglin ya era una estrella instrumental en Jamaica e Inglaterra. A los veinte años, durante los años 50 y principios de los 60, ayudó a ser pionero del ska como guitarrista de sesión en Studio One. A mediados de la última década, fue titular durante nueve meses en el Ronnie Scott's Club de Londres. Ranglin grabó una serie de discos "temáticos" para Federal, todos ellos reeditados en el siglo XXI. Como en muchas grabaciones de la época, los demás músicos de estudio no están acreditados. Sin embargo, todos son ases, y tenían que serlo: La forma de tocar, el ritmo y los enfoques de producción de Ranglin (hay varios tipos de cada uno aquí) son siempre del lado del jazz de la ecuación. El primer tema, "Grandfather's Clock", ofrece una versión rocksteady de un clásico de las bandas de baile británicas, mientras que el siguiente tema, "Soulful I", refleja la versión instrumental de Lee Perry & the Upsetters de "Since You Are Gone" de David Issacs. Este último corte es salvaje desde el punto de vista sonoro: los acordes y solos de jazz del guitarrista se enmarcan en los primeros surcos del dub y en un estilo de producción que recuerda al estilo de Les Paul de los años 50. Ranglin demuestra su conocimiento del pop con una versión de "Everybody's Talkin'" de Fred Neil (aunque está basada en la versión del éxito de Nilsson) con un amplio wah-wah detrás de múltiples capas de interpretación de una sola cuerda, todo ello por encima de un vampiro de la sección rítmica de rocksteady. El sentido del humor se pone de manifiesto en "Dr. No-Go" con su perfecta fusión de surf, Northern soul y reggae. La versión de "Sweet Sensation" de los Melodians es convincente porque es el único corte aquí dominado por un órgano (y también contiene un coro vocal), pero Ranglin guía la sección rítmica de forma experta. El cierre del set es una versión del clásico countrypolitano de Curly Putman y Billy Sherrill "My Elusive Dreams". Ranglin y compañía suben el tempo y él ofrece voicings de acordes de jazz de otro mundo que fluyen por debajo de sus pistas mientras la sección rítmica trota a su lado hasta el fundido. Si hay un inconveniente en este disco, es su duración: no llega a la media hora. Dicho esto, cada tema es un éxito. Boss Reggae refuerza el perfil de Ranglin como líder de estudio e innovador durante una época crucial para el reggae.
https://www.allmusic.com/album/boss-reggae-mw0002933343

Ben Paterson • Live At Van Gelder's

 

Following up his very well-received recordings That Old Feeling (Cellar Live Records, 2018) and For Once in My Life (Origin Records, 2015), Ben Paterson enters the sanctum santorium of jazz recording, Rudy Van Gelder's Studio in Hackensack, NJ. Having collided somewhere with saxophonist/entrepreneur Cory Weeds, the two initiate an idea perfect to the pair's hard bop sensibilities and something we can hope Weeds is considering for future recordings, hopefully a Cellar Live series with much more music like this.

Weeds has fashioned his Cellar Live Label as the equivalent for hard bop as Nagel Heyer and Arbors Jazz are for traditional jazz. Paterson had to have this in mind when selecting his ten songs to play with his organ trio a Van Gelder's Studio March 22 of this year.

Paterson addresses soul-jazz organ icons with funky performances of Brother Jack McDuff's "The Vibrator" and Richard "Groove" Holmes' "Sweatin.'" He then branches out to musicians known to frequent organ combos, with Grant Green's "Green Jeans" and Stanley Turrentine's "The Hustler." The remainder are devoted to hard bop proper, with Ray Brown's "F.S.R. (For Sonny Rollins)," Wayne Shorter's—by way of Lee Morgan—"Edda," and Benny Golson's "I Remember Clifford." Paterson is an exceptional organist, one who avoids every Jimmy Smith cliché to which lesser talents fall prey. Guitarist Ed Cherry plays with a sophisticated, round tone augmented with just a touch of reverb and echo. Drummer Jason Tiemann sounds as if he were born for organ jazz, always knowing where to be loud or not. This is not territory circuit greasy soul-jazz. It is that flavor, cleaned up ever so slightly for the concert stage. How great to hear drinking an ice-cold Vesper on a hot summer day.
C. Michael Bailey By C. MICHAEL BAILEY
August 4, 2018
https://www.allaboutjazz.com/live-at-van-gelders-ben-paterson-cellar-live-review-by-c-michael-bailey.php

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Tras sus muy bien recibidas grabaciones That Old Feeling (Cellar Live Records, 2018) y For Once in My Life (Origin Records, 2015), Ben Paterson entra en el sanctasanctórum de la grabación de jazz, el estudio de Rudy Van Gelder en Hackensack, NJ. Habiendo chocado en algún lugar con el saxofonista/empresario Cory Weeds, los dos inician una idea perfecta para la sensibilidad hard bop de la pareja y algo que podemos esperar que Weeds esté considerando para futuras grabaciones, ojalá una serie Cellar Live con mucha más música como esta.

Weeds ha configurado su sello Cellar Live como el equivalente para el hard bop de lo que Nagel Heyer y Arbors Jazz son para el jazz tradicional. Paterson tuvo que tener esto en mente al seleccionar sus diez canciones para tocarlas con su trío de órgano en el Van Gelder's Studio el 22 de marzo de este año.

Paterson aborda iconos del órgano del soul-jazz con interpretaciones funky de "The Vibrator" de Brother Jack McDuff y "Sweatin'" de Richard "Groove" Holmes. A continuación, se desplaza a músicos conocidos por frecuentar combos de órgano, con "Green Jeans" de Grant Green y "The Hustler" de Stanley Turrentine. El resto está dedicado al hard bop propiamente dicho, con "F.S.R. (For Sonny Rollins)" de Ray Brown, "Edda" de Wayne Shorter -a través de Lee Morgan- y "I Remember Clifford" de Benny Golson. Paterson es un organista excepcional, que evita todos los clichés de Jimmy Smith de los que son presa otros talentos menores. El guitarrista Ed Cherry toca con un tono sofisticado y redondo aumentado con un toque de reverberación y eco. El batería Jason Tiemann suena como si hubiera nacido para el jazz de órgano, sabiendo siempre dónde hay que hacer ruido o no. Esto no es un circuito territorial de soul-jazz grasiento. Es ese sabor, limpiado ligeramente para el escenario del concierto. Qué bien se puede escuchar bebiendo un Vesper helado en un caluroso día de verano.
C. Michael Bailey Por C. MICHAEL BAILEY
4 de agosto de 2018
https://www.allaboutjazz.com/live-at-van-gelders-ben-paterson-cellar-live-review-by-c-michael-bailey.php


benpaterson.com ...

Emily Remler • Retrospective Volume One 'Standards'

Cannonball Adderley • Cannonball's Bossa Nova

 

Both as the leader of his own bands as well as an alto and soprano saxophone stylist, Julian Edwin “Cannonball” Adderley was one of the progenitors of the swinging, rhythmically robust style of music that became known as hard-bop.

Born September 15, 1928, into a musical family in Florida, Adderley was drafted into the U.S. Army in 1950. He became leader of the 36th Army Dance Band, led his own band while studying music at the U.S. Naval Academy and then led an army band while stationed at Fort Knox, Kentucky. Originally nicknamed “Cannibal” in high school for his voracious appetite, the nickname mutated into “Cannonball” and stuck.

In 1955, Adderley traveled to New York City with his younger brother and lifelong musical partner, Nat Jr. (cornet). The elder Adderley sat in on a club date with bassist Oscar Pettiford and created such a furvor that he was signed almost immediately to a recording contract and was often (if not entirely accurately) called “the new Bird.”

Adderley's direct style on alto was indebted to the biting clarity of Charlie Parker, but it also significantly drew from the warm, rounded tones of Benny Carter; hard swingers such as Louis Jordan and Eddie “Cleanhead” Vinson were important influences as well. Adderly became a seminal influence on the hard-driving style known as hard-bop, and could swing ferociously at faster tempos, yet he was also an effective and soulful ballad stylist.

From 1956-57, Adderley led his own band featuring Nat, pianist Junior Mance and bassist Sam Jones. The group broke up when he was invited to join the Miles Davis Quintet in 1957. Davis expanded his group to a Sextet soon thereafter by hiring saxophonist John Coltrane. “I felt that Cannonball's blues-rooted alto sax up against Trane's harmonic, chordal way of playing, his more free-form approach, would create a new kind of feeling,” Davis explained in his autobiography.

From 1957-59, Adderley recorded some of his best work on the landmark Davis albums Milestones and Kind of Blue within this sextet. Davis reciprocated with a guest appearance on Adderly's 1958 solo album Somethin' Else, which also included bassist Jones, pianist Hank Jones, and drummer Art Blakey.

Adderley left the Davis band to reform his quintet in 1959, this time with his brother, Sam Jones, pianist Bobby Timmons and drummer Louis Hayes. Yusef Lateef made it a sextet around 1962; pianist Joe Zawinul replaced Timmons around 1963. Other band alumni include Charles Lloyd, and pianists Barry Harris, Victor Feldman and George Duke.

Adderley recorded for Riverside from 1959-63, for Capitol thereafter until 1973, and then for Fantasy. He suffered a stroke while on tour and died on August 8, 1975. He can also be found on recordings led by Bill Evans, John Coltrane, Wes Montgomery, Art Blakey and Oscar Peterson, and collaborated with singers Sarah Vaughan, Dinah Washington, Joe Williams, Lou Rawls, Sergio Mendes and Nancy Wilson.

During the period when the burgeoning development of polyrhythms and polytonality threatened to make jazz harder for non-musicians to appreciate, the Cannonball Adderley bands (much like bands led by Art Blakey and Horace Silver) helped preserve the music's roots in the more readily understood (and more funky) vocabulary of gospel and blues.
https://musicians.allaboutjazz.com/cannonballadderley-saxophone

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Tanto como líder de sus propias bandas como estilista de saxofón alto y soprano, Julian Edwin "Cannonball" Adderley fue uno de los progenitores del estilo musical oscilante y rítmicamente robusto que se conoció como hard-bop.

Nacido el 15 de septiembre de 1928 en el seno de una familia de músicos de Florida, Adderley fue reclutado por el ejército estadounidense en 1950. Se convirtió en el líder de la 36ª Banda de Baile del Ejército, dirigió su propia banda mientras estudiaba música en la Academia Naval de los Estados Unidos y luego dirigió una banda del ejército mientras estaba destinado en Fort Knox, Kentucky. Aunque en el instituto le llamaban "Caníbal" por su voraz apetito, el apodo se convirtió en "Cannonball" y se quedó.

En 1955, Adderley viajó a Nueva York con su hermano menor y compañero musical de toda la vida, Nat Jr. (corneta). El mayor de los Adderley se sentó en una cita en un club con el bajista Oscar Pettiford y creó tal furor que le firmaron casi inmediatamente un contrato de grabación y le llamaron a menudo (si no con toda exactitud) "el nuevo Bird".

El estilo directo de Adderley en el contralto era deudor de la claridad mordaz de Charlie Parker, pero también se nutría significativamente de los tonos cálidos y redondeados de Benny Carter; los swingers duros como Louis Jordan y Eddie "Cleanhead" Vinson también fueron influencias importantes. Adderly se convirtió en una influencia fundamental en el estilo duro conocido como hard-bop, y podía hacer un swing feroz a tempos más rápidos, aunque también era un estilista de baladas eficaz y conmovedor.

Entre 1956 y 1957, Adderley dirigió su propia banda con Nat, el pianista Junior Mance y el bajista Sam Jones. El grupo se disolvió cuando fue invitado a unirse al quinteto de Miles Davis en 1957. Davis amplió su grupo a un sexteto poco después al contratar al saxofonista John Coltrane. "Sentí que el saxo alto con raíces de blues de Cannonball frente a la forma de tocar armónica y acorde de Trane, su enfoque más libre, crearía un nuevo tipo de sentimiento", explicó Davis en su autobiografía.

Entre 1957 y 1959, Adderley grabó con este sexteto algunos de sus mejores trabajos en los emblemáticos álbumes de Davis Milestones y Kind of Blue. Davis le correspondió con una aparición como invitado en el álbum en solitario de Adderly de 1958, Somethin' Else, que también incluía al bajista Jones, al pianista Hank Jones y al batería Art Blakey.

Adderley dejó la banda de Davis para reformar su quinteto en 1959, esta vez con su hermano, Sam Jones, el pianista Bobby Timmons y el baterista Louis Hayes. Yusef Lateef lo convirtió en un sexteto hacia 1962; el pianista Joe Zawinul sustituyó a Timmons hacia 1963. Otros ex alumnos de la banda son Charles Lloyd y los pianistas Barry Harris, Victor Feldman y George Duke.

Adderley grabó para Riverside entre 1959 y 63, para Capitol a partir de entonces y hasta 1973, y luego para Fantasy. Sufrió un derrame cerebral durante una gira y murió el 8 de agosto de 1975. También se le puede encontrar en grabaciones dirigidas por Bill Evans, John Coltrane, Wes Montgomery, Art Blakey y Oscar Peterson, y colaboró con los cantantes Sarah Vaughan, Dinah Washington, Joe Williams, Lou Rawls, Sergio Mendes y Nancy Wilson.

Durante el período en que el floreciente desarrollo de los polirritmos y la politonalidad amenazaba con hacer que el jazz fuera más difícil de apreciar para los no músicos, las bandas de Cannonball Adderley (al igual que las bandas dirigidas por Art Blakey y Horace Silver) ayudaron a preservar las raíces de la música en el vocabulario más fácil de entender (y más funky) del gospel y el blues.
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Billy Vaughn • A Current Set Of Standards

Rhoda Scott • Live At The Club Duc Des Lombards

Live recording at the club 'Duc des Lombards', Paris, France, 2008

 

rhoda-scott.com ...

Wild Bill Davis & Johnny Hodges • In Atlantic City

Review by Cub Koda
In jazz circles and among his immediate peers, Johnny Hodges was referred to as "Mr. Silvertone." And one great jazz story shows the high regard that other players had for his style: A sax player goes to his bandleader and asks for the night off. When the bandleader asks why, the sax player says, "I want to go see Johnny Hodges and try to hear how he gets that sound." The bandleader stuffs a 20 in the sax player's jacket and says, "You're going to hear the right man." Hodges' lines caressed the notes, and he could play in a totally authoritative fashion without resorting to a lot of upper-register squeakings or faux tenor honkings. He was always 110 percent in the pocket, the epitome of true swing. Even within the mighty Duke Ellington Orchestra, a well-oiled team with superb players, Hodges stood out as something special. The Live in Atlantic City reissue is part of RCA's celebration of Ellington's 100th birthday. It brings back a 1966 recording of Hodges sitting in with Wild Bill Davis' quartet in a small Atlantic City jazz bistro. The results are refreshing, catching Hodges in a relaxed setting. Longtime playing pals, Hodges had been sitting in with Davis' group every time Ellington came to town. The record is just about as casually swinging as you could imagine it being, the soloing all coming from a relaxed but buoyant atmosphere. Davis shows today's youngsters, the ones who have a fascination with all things swinging and Hammond B-3-influenced, where it all started. His tone ebbs and flows like a separate pulse in tandem to the music; it's Organ 101. Lawrence Brown's trombone work is exquisite and bluesy as all get out on the Hodges original "Taffy," and quartet regular Bob Brown contributes nice support on tenor and flute throughout. The drumming chores are pushed along nicely by Bobby Durham, while Dickie Thompson (who wrote "13 Women," the flip side of "Rock Around the Clock") plays some bluesy guitar riffs in between the spot-on Freddie Green-styled comping, shining brightly on Hodges' "Rockville"; six and a half minutes of the band locked in to a gentle but relentless groove with inspired soloing out of everybody. This is a top-notch session of top-notch musicians just enjoying one another's company. It's jazz that puts a smile on your face.

Review by www.musicdirect.com
In the sixties, the two master musicians Wild Bill Davis and Johnny Hodges often met up for jam sessions, at galas with Duke Ellington, and in various studios to make recordings for several record companies. However, their live concerts in Grace’s Little Belmont in Atlantic City in 1966 were the declared highlights for critics, the public and musicians alike. This is not only proved by the masses of people who swarmed to the club, which was always jam-packed, it is also reflected in the sales figures of their recordings.
On the present recording, the listener is offered a first-class program of original compositions, Duke Ellington hits, and heady arrangements. "Good Queen Bess" and "Rockville" are quite exceptional, and the other titles are hardly less enthralling. The rhythm group is hotter than hot with Lionel Hampton’s Bobby Durham on the drums, and the two grand old men of swing really let themselves go. The trombonist Lawrence Brown, musical buddy from the Duke Ellington Orchestra, grooves in the background and we can be happy (thanks to the producer Rad McCuen) that we can still thoroughly enjoy this great disc almost 50 years later!

 

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Reseña de Cub Koda
En los círculos de jazz y entre sus compañeros inmediatos, a Johnny Hodges se le llamaba "Mr. Silvertone". Y una gran anécdota del jazz muestra la gran estima que otros músicos tenían por su estilo: Un saxofonista va a ver a su director de orquesta y le pide la noche libre. Cuando el director de la banda le pregunta por qué, el saxofonista le dice: "Quiero ir a ver a Johnny Hodges e intentar escuchar cómo consigue ese sonido". El director de la banda mete un billete de 20 en la chaqueta del saxofonista y le dice: "Vas a escuchar al hombre adecuado". Las líneas de Hodges acariciaban las notas, y podía tocar con total autoridad sin recurrir a un montón de chillidos en el registro superior o falsos bocinazos de tenor. Siempre estaba al 110% en el bolsillo, el epítome del verdadero swing. Incluso dentro de la poderosa Orquesta de Duke Ellington, un equipo bien engrasado con magníficos músicos, Hodges destacaba como algo especial. La reedición de Live in Atlantic City forma parte de la celebración del centenario de Ellington por parte de RCA. Recupera una grabación de 1966 en la que Hodges se sienta con el cuarteto de Wild Bill Davis en un pequeño bistró de jazz de Atlantic City. El resultado es refrescante, ya que se ve a Hodges en un ambiente relajado. Hodges, que llevaba mucho tiempo tocando, se sentaba con el grupo de Davis cada vez que Ellington venía a la ciudad. El disco es todo lo desenfadado que se puede imaginar, y los solos surgen de una atmósfera relajada pero alegre. Davis muestra a los jóvenes de hoy, a los que les fascina todo lo relacionado con el swing y la influencia del Hammond B-3, dónde empezó todo. Su tono fluye y refluye como un pulso separado en tándem con la música; es el órgano 101. El trabajo del trombón de Lawrence Brown es exquisito y muy bluesero en "Taffy", original de Hodges, y Bob Brown, habitual del cuarteto, contribuye con un buen apoyo con el tenor y la flauta. Las tareas de la batería son impulsadas muy bien por Bobby Durham, mientras que Dickie Thompson (que escribió "13 Women", la otra cara de "Rock Around the Clock") toca algunos riffs de guitarra blues entre los compases al estilo de Freddie Green, brillando en "Rockville" de Hodges; seis minutos y medio de la banda encerrada en un ritmo suave pero implacable con inspirados solos de todos. Esta es una sesión de músicos de primera categoría que disfrutan de la compañía de los demás. Es un jazz que pone una sonrisa en tu cara.

Reseña de www.musicdirect.com
En los años sesenta, los dos maestros de la música, Wild Bill Davis y Johnny Hodges, se reunían a menudo en sesiones de improvisación, en galas con Duke Ellington y en diversos estudios para realizar grabaciones para varias compañías discográficas. Sin embargo, sus conciertos en directo en el Little Belmont de Grace, en Atlantic City, en 1966, fueron el punto culminante declarado por la crítica, el público y los músicos. Esto no sólo lo demuestran las masas de gente que se agolpaban en el club, que siempre estaba abarrotado, sino que también se refleja en las cifras de ventas de sus grabaciones.
En la presente grabación, se ofrece al oyente un programa de primera clase con composiciones originales, éxitos de Duke Ellington y arreglos embriagadores. "Good Queen Bess" y "Rockville" son bastante excepcionales, y los demás títulos no son menos apasionantes. El grupo rítmico está más que caliente con Bobby Durham, de Lionel Hampton, en la batería, y los dos grandes hombres del swing realmente se dejan llevar. El trombonista Lawrence Brown, compañero musical de la Orquesta de Duke Ellington, se mueve en el fondo y podemos alegrarnos (gracias al productor Rad McCuen) de poder seguir disfrutando de este gran disco casi 50 años después.

Ronnie Cuber And Gary Smulyan • Tough Baritones

 

It seems pretty undisputed that Gary Smulyan and Ronnie Cuber are two of the greatest living titans of the baritone saxophone. They each have a long discography and incredible career. And we are fortunate to have a new album out this week that features both of them. This isn’t the first time they’ve played together or even recorded together. The album ‘Three Baritone Band Plays Mulligan’ is listed on my 5 essential listening albums page and feature both Gary and Ronnie – as well as Nick Brignola. Interestingly that band toured a bit and the great Howard Johnson could also sometimes be seen with that band.

‘Tough Baritones’ was released this week on the Danish SteepleChase label, on which you will also find a number of other records from both Gary and Ronnie. Though I find it incredibly difficult to find any actual information about this label, or about the albums. Almost like the label goes out of its way to make sure very little information can be found even after the albums are released for sale. But regardless, the album is available on streaming platforms, or if you’re like me and enjoy a physical copy that can be found on amazon here.

This album to me is very reminiscent of a period of jazz that had a huge influence on both of the leaders here. The whole album, but especially the first couple tracks bring back the vibe of Leo Parker recordings, and some of the great two saxophone albums with the likes of Jug (Gene Ammons) and Stitt (Sonny Stitt). This is largely reflected in the tune choice and feel of those songs. A lot of singing blueses and almost boogaloo type feels, as well as some classic Cuber favorite standards – ‘Nica’s Dream’ and ‘Lover’. No sign of a ballad in sight, but that’s just as well since we’re all here for the fire anyways.

If I am going to be incredibly objective, I’d say that Ronnie’s playing doesn’t quite have the fire that he may have had in his prime, but he is by no means at all unenjoyable here. He plays with fire and still shows why he has been one of the leading influences on the baritone for decades. Also if we are going to compare him to most 78 year old saxophonists, he is probably nearly the best in the world. Gary’s playing is top notch and while connoisseurs of the baritone will easily tell their styles apart, they both approach the music with considerable force.

Recording quality wise, having been fortunate to sit right in front of both of their bells in person, it seems to me that the recording captured Gary’s sound a bit more accurately. Ronnie’s mix on the record feels a little distantly recorded. Otherwise the sound of the album is excellent, the two baritonists are panned separately left (Cuber) and right (Smulyan) to help differentiate further. They got a great rhythm section to back the front men. Gary Versace on piano, Jay Anderson on bass, and Jason Tiemann on drums.

I think anyone with an interest in jazz or baritone saxophone, (let alone those at this site that are likely interested in both) should probably head directly to their nearest music provider and check out this album from the royalty of jazz bari sax.
by  JazzBariSax Curator, Andrew Hadro
https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/

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Parece indiscutible que Gary Smulyan y Ronnie Cuber son dos de los mayores titanes vivos del saxofón barítono. Cada uno de ellos tiene una larga discografía y una carrera increíble. Y tenemos la suerte de contar con un nuevo álbum que sale esta semana y que cuenta con la participación de ambos. No es la primera vez que tocan juntos ni que graban juntos. El álbum 'Three Baritone Band Plays Mulligan' aparece en mi página de 5 álbumes imprescindibles para escuchar y en él aparecen tanto Gary como Ronnie, además de Nick Brignola. Curiosamente, esa banda hizo algunas giras y el gran Howard Johnson también podía ser visto a veces con esa banda.

'Tough Baritones' ha salido esta semana en el sello danés SteepleChase, en el que también encontrarás otros discos tanto de Gary como de Ronnie. Aunque me resulta increíblemente difícil encontrar información real sobre este sello, o sobre los discos. Casi como si el sello se esforzara en asegurarse de que se pueda encontrar muy poca información incluso después de que los álbumes se pongan a la venta. Pero a pesar de todo, el álbum está disponible en plataformas de streaming, o si eres como yo y disfrutas de una copia física que se puede encontrar en amazon aquí.

Este álbum para mí es muy reminiscente de un período de jazz que tuvo una gran influencia en los dos líderes aquí. Todo el álbum, pero especialmente los primeros temas, me recuerdan a las grabaciones de Leo Parker, y a algunos de los grandes álbumes de dos saxofones con gente como Jug (Gene Ammons) y Stitt (Sonny Stitt). Esto se refleja en gran medida en la elección de las melodías y el sentimiento de esas canciones. Mucho blues cantado y sensaciones casi de tipo boogaloo, así como algunos estándares clásicos favoritos de Cuber: 'Nica's Dream' y 'Lover'. No hay rastro de una balada a la vista, pero menos mal, ya que todos estamos aquí por el fuego de todos modos.

Si voy a ser increíblemente objetivo, diría que la forma de tocar de Ronnie no tiene el fuego que podía tener en su mejor momento, pero no es para nada desagradable aquí. Toca con fuego y sigue demostrando por qué ha sido una de las principales influencias del barítono durante décadas. Además, si vamos a compararlo con la mayoría de los saxofonistas de 78 años, probablemente sea casi el mejor del mundo. La forma de tocar de Gary es de primera categoría y, aunque los conocedores del barítono distinguirán fácilmente sus estilos, ambos abordan la música con una fuerza considerable.

En cuanto a la calidad de la grabación, después de haber tenido la suerte de sentarme delante de las campanas de ambos en persona, me parece que la grabación capturó el sonido de Gary con un poco más de precisión. La mezcla de Ronnie en el disco se siente un poco distante en la grabación. Por lo demás, el sonido del disco es excelente, los dos baritonistas están paneados por separado a la izquierda (Cuber) y a la derecha (Smulyan) para ayudar a diferenciarlos más. Tienen una gran sección rítmica para respaldar a los delanteros. Gary Versace al piano, Jay Anderson al bajo y Jason Tiemann a la batería.

Creo que cualquiera que tenga interés en el jazz o en el saxofón barítono, (por no hablar de aquellos en este sitio que probablemente estén interesados en ambos) probablemente debería dirigirse directamente a su proveedor de música más cercano y comprobar este álbum de la realeza del saxo bari de jazz.
por JazzBariSax Curator, Andrew Hadro
https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/


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The Book of Klezmerː The History, the Music, the Folklore

 

Klezmer is Yiddish music, the music of the Jews of Europe and America, a music of laughter and tears, of weddings and festivals, of dancing and prayer. Born in the Middle Ages, it came of age in the shtetl (the Eastern European Jewish country town), where "a wedding without klezmer is worse than a funeral without tears." Most of the European klezmorim (klezmer players) were murdered in the Holocaust; in the last 25 years, however, klezmer has been reborn, with dozens of groups, often mixing klezmer with jazz or rock, gaining large followings throughout the world.

The Book of Klezmer traces the music’s entire history, making use of extensive documentary material; interviews with forgotten klezmorim as well as luminaries such as Theodore Bikel, Leonard Nimoy, Joel Grey, Andy Statman, and John Zorn; and dozens of illuminating, stirring, and previously unpublished photographs.

 

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Motifs Celtiques • David Balade

 

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Johnny Hodges & Earl 'Fatha' Hines' • Stride Right

 

Larry Goldings, Peter Bernstein & Bill Stewart • Toy Tunes

 

Review
The jazz world has seen many great organ trios over the years however Larry Golding’s trio with Peter Bernstein and Bill Stewart is not only one of the most innovative but also one of the most prolific. Next week see’s the release of their 12th Album titled “Toy Tunes”, the second for their current label Pirouet Records.

Toy Tunes, is the follow up release to “Ramshackle Serenade” released in 2014 to critical acclaim, and once again see’s trio great form. The album contains a mix of original compositions mixed with treatments of a number of standards including “I’m In The Mood For Love”, Carla Bley’s “And Now the Queen” and the title track, Wayne Shorter’s “Toy Tune”.

Larry Goldings when speaking about the trio said “Our approach has never been dictated by the ‘organ trio’ format but rather by our individual personalities, our broad range of musical interests, our desire to be highly interactive, and to grow together as musicians.” This could not be further from the truth as the trio explore many styles on the album from the more straight ahead readings of “I’m In The Mood For Love” and closing track Calm to the abstract of Carla Bley’s “And Now the Queen”.

The Album opens with a Goldings original “Fagan” referencing Steely Dan’s co-leader Donald Fagan and introduces the album well. The track with is staccato motif and straight eight feel is a strong opener without giving to much away as to what is coming. Larry stated the the music of Donald Fagan “introduced me to a whole new world of harmony and song structure” and this can be heard in this track.

I especially liked the lilting 6/8 feel of Bernstein’s “Lullaby For B” that Peter wrote for his oldest son and back beat groove of Bill Stewart’s “Don’t Ever Call Me Again”. Highlight of the album in my mind is treatment of Wayne Shorter’s “Toy Tune’. While not deviating all that far from the original Shorter recording both Bernstien and Goldings lay down impressive solo’s. Goldings says that improvising on Wayne Shorter’s pieces “is akin to playing with a Rubik’s Cube” and if this is the case on this recording he certainly was able to get all the squares lined up.

The performances on the album are excellent throughout as is the recording quality. Toy Tune is not only a welcome addition to the trios discography but a welcome addition to any Hammond fan or for that matter jazz lovers in general.
Written by Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/

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Reseña
El mundo del jazz ha visto muchos grandes tríos de órgano a lo largo de los años, pero el trío de Larry Golding con Peter Bernstein y Bill Stewart no sólo es uno de los más innovadores, sino también uno de los más prolíficos. La próxima semana saldrá a la venta su duodécimo álbum, titulado "Toy Tunes", el segundo para su actual sello, Pirouet Records.

Toy Tunes es la continuación de "Ramshackle Serenade", publicado en 2014 con gran éxito de crítica, y una vez más el trío está en plena forma. El álbum contiene una mezcla de composiciones originales mezcladas con tratamientos de una serie de estándares, incluyendo "I'm In The Mood For Love", "And Now the Queen" de Carla Bley y la pista del título, "Toy Tune" de Wayne Shorter.

Larry Goldings, al hablar del trío, dijo: "Nuestro enfoque nunca ha sido dictado por el formato de "trío de órgano", sino más bien por nuestras personalidades individuales, nuestra amplia gama de intereses musicales, nuestro deseo de ser altamente interactivos y de crecer juntos como músicos." Esto no podría estar más lejos de la realidad, ya que el trío explora muchos estilos en el álbum, desde las lecturas más directas de "I'm In The Mood For Love" y el tema de cierre Calm hasta lo abstracto de "And Now the Queen" de Carla Bley.

El álbum se abre con un original de Goldings, "Fagan", que hace referencia al colíder de Steely Dan, Donald Fagan, y que introduce bien el álbum. El tema, con un motivo entrecortado y una sensación de ocho rectos, es un fuerte comienzo, sin dar demasiadas pistas sobre lo que va a ocurrir. Larry declaró que la música de Donald Fagan "me introdujo en todo un nuevo mundo de armonía y estructura de las canciones" y esto se puede escuchar en este tema.

Me gustó especialmente la sensación de 6/8 de la "Canción de cuna para B" de Bernstein, que Peter escribió para su hijo mayor, y el ritmo de fondo de "Don't Ever Call Me Again" de Bill Stewart. Lo mejor del álbum, en mi opinión, es el tratamiento de "Toy Tune" de Wayne Shorter. Aunque no se desvía mucho de la grabación original de Shorter, tanto Bernstien como Goldings hacen unos solos impresionantes. Goldings dice que improvisar sobre las piezas de Wayne Shorter "es como jugar con un cubo de Rubik" y si este es el caso en esta grabación, ciertamente fue capaz de conseguir todos los cuadrados alineados.

Las interpretaciones del álbum son excelentes, al igual que la calidad de la grabación. Toy Tune no sólo es una buena adición a la discografía de los tríos, sino que también es una buena adición para cualquier fan de Hammond o para los amantes del jazz en general.
Escrito por Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/


larrygoldings.com ...
peterbernsteinmusic.com ...
billstewartmusic.com ...

Jacob Artved Quartet feat. Louis Hayes • Live at Jazzhus Montmartre

 

 Jacob Artved is the youngest of a very talented new generation of Danish jazz guitar players. At the age of 20 he has already been a working musician for years, being introduced on the scene by Danish guitar legend Jacob Fischer at the age of 15. He was admitted to the Royal Academy of Music as the youngest student ever, but chose to drop out, move to New York and spent the long nights jamming instead.
 
On this live-recording from the legendary Jazz club Montmartre in Copenhagen he is featured by one of the greatest drummers of all time, Mr. Louis Hayes. Commenting on the experience, Jacob says: “To play this music with someone you feel so much admiration for can almost be an intimidating experience and, in some cases, make you hold back your creativity in utter respect and fear of doing something wrong. This feeling is something that I think most young musicians, including myself, have experienced at some point in their career. Of course, those situations are what make you stronger, practice more, and think even harder! Although sometimes you’re lucky enough to find someone that you admire and feel all the same respect for, yet don’t feel the big gap between you in age difference, experience, mindset and accomplishments.”
 
In a very special way Hayes is the connection back to the most legendary period of jazz when he in 1962 sat behind the drums backing Bud Powell and Nat & Julian “Cannonball” Adderly. The creators of Bebop and modern jazz. It is great to see that in the year 2020 this is still relevant to the youngest of talents in the business. On this release, Jacob Artved bridges multiple generations and shows us why this artform is more alive than ever.
 
Elaborating on the subject, Artved says: “You just seem to have a common understanding of how to express yourself both musically and personally. This is what I felt when meeting these three extraordinary men - David Wong, Jeb Patton and a personal hero of mine, Louis Hayes, whose music I’ve been listening to all my life. I sincerely hope that this shines through the music we play and in the selections of tunes that I have picked out. Enjoy!”
 
The album was recorded during three sold out shows during the Copenhagen Jazz Festival 2019. The opening track, the upbeat Exodus, is a track that showcases both the albums bebop roots as well as Artved’s signature cut-through guitar tone. Exodus has plenty of space to showcase both Hayes as well as pianist Jep Patton. On track three, the ballad Nelia, Artved showcase a more sensitive side written for his girlfriend of the same name – Fittingly she’s one of the best young drummers in jazz.
 
All in all, the album has loads of live energy while retaining a crystal clear sound field. The instrumentalists are some of the best on.
https://www.storyvillerecords.com/products/live-at-jazzhus-montmartre-1018460


From www.jazzhusmontmartre.dk:
COPENHAGEN JAZZ FESTIVAL 2019
It is always a joy when a young musician decides to focus on passing on a strong jazz-tradition. Guitarist Jacob Artved lives in the tradition, but has definitely obtained inspirations from guitar players of today. His playing is skilled and honest, and he has a fine career ahead of him. These three days Artved is heard with no other than a legend; the American drummer Louis Hayes, whose strong playing was the driving force in groups led by Cannonball Adderley, Horace Silver and Woody Shaw. What a scoop! The group is completed by two incredible musicians from NYC; pianist Jeb Patton and bassist David Wong.

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 Jacob Artved es el más joven de una nueva generación de guitarristas de jazz daneses de gran talento. A sus 20 años ya es un músico en activo, introducido en la escena por la leyenda de la guitarra danesa Jacob Fischer a los 15. Fue admitido en la Real Academia de Música como el estudiante más joven de la historia, pero optó por abandonar los estudios, trasladarse a Nueva York y pasar las largas noches improvisando.
 
En esta grabación en directo desde el legendario club de jazz Montmartre de Copenhague cuenta con la colaboración de uno de los mejores bateristas de todos los tiempos, el Sr. Louis Hayes. Comentando la experiencia, Jacob dice: "Tocar esta música con alguien por quien sientes tanta admiración puede ser casi una experiencia intimidante y, en algunos casos, hacer que retengas tu creatividad por absoluto respeto y miedo a hacer algo mal. Esta sensación es algo que creo que la mayoría de los músicos jóvenes, incluido yo mismo, han experimentado en algún momento de su carrera. Por supuesto, esas situaciones son las que te hacen ser más fuerte, practicar más y pensar aún más. Aunque a veces tienes la suerte de encontrar a alguien a quien admiras y por quien sientes el mismo respeto, pero sin sentir la gran brecha que os separa en cuanto a diferencia de edad, experiencia, mentalidad y logros".
 
De una manera muy especial, Hayes es la conexión con el periodo más legendario del jazz, cuando en 1962 se sentó detrás de la batería respaldando a Bud Powell y Nat & Julian "Cannonball" Adderly. Los creadores del Bebop y del jazz moderno. Es estupendo ver que en el año 2020 esto sigue siendo relevante para los talentos más jóvenes del negocio. En este lanzamiento, Jacob Artved tiende un puente entre varias generaciones y nos muestra por qué esta forma de arte está más viva que nunca.
 
Al profundizar en el tema, Artved afirma: "Parece que tienen un entendimiento común de cómo expresarse tanto musical como personalmente. Esto es lo que sentí al conocer a estos tres extraordinarios hombres: David Wong, Jeb Patton y un héroe personal mío, Louis Hayes, cuya música he escuchado toda mi vida. Espero sinceramente que esto brille a través de la música que tocamos y en las selecciones de melodías que he escogido. Que lo disfruten".
 
El álbum se grabó durante tres espectáculos con las entradas agotadas durante el Festival de Jazz de Copenhague 2019. El tema de apertura, el optimista Exodus, es una pista que muestra tanto las raíces bebop del álbum como el tono de guitarra de corte característico de Artved. Exodus tiene mucho espacio para mostrar tanto a Hayes como al pianista Jep Patton. En la tercera pista, la balada Nelia, Artved muestra un lado más sensible escrito para su novia del mismo nombre - apropiadamente ella es una de las mejores bateristas jóvenes del jazz.
 
En general, el álbum tiene mucha energía en directo, pero conserva un campo sonoro cristalino. Los instrumentistas son de los mejores.
https://www.storyvillerecords.com/products/live-at-jazzhus-montmartre-1018460


Desde www.jazzhusmontmartre.dk:
FESTIVAL DE JAZZ DE COPENHAGUE 2019
Siempre es una alegría cuando un joven músico decide centrarse en la transmisión de una sólida tradición de jazz. El guitarrista Jacob Artved vive en la tradición, pero definitivamente ha obtenido inspiraciones de los guitarristas de hoy. Su forma de tocar es hábil y honesta, y tiene una buena carrera por delante. Estos tres días Artved se escucha nada menos que con una leyenda; el baterista estadounidense Louis Hayes, cuya fuerte forma de tocar fue el motor de los grupos liderados por Cannonball Adderley, Horace Silver y Woody Shaw. ¡Qué primicia! El grupo se completa con dos increíbles músicos de NYC; el pianista Jeb Patton y el bajista David Wong.


storyvillerecords.com ...

Gianni Oddi • Style

 
Review by Thom Jurek  
Style, released in 1974, was the last album issued under composer/arranger/multi-instrumentalist Gianni Oddi's leadership. Shortly thereafter, he was hired by Ennio Morricone as his principal soloist on saxophone. This album was privately issued by RCA Italy as a sound library recording; its compositions were to be leased by cinema and television productions and in commercials. While it was a common practice for independent labels, many of whose stock in trade was library music, RCA Italy only did it for a few years. Despite the contract purpose to create tunes to be used as soundtrack and serial material, on Style, Oddi delivers a masterwork in the genre; every tune fits its companions like the fingers in a glove. Writing charts that utilized the best in spiritual and mainstream creative jazz, Indian modalism, funk, and psychedelic rock, Oddi crystallized not only the library music era's peak, but the sound of early-'70s Italy in particular. It's there in the groovy Euro bossa on opener "Moda d'Estate," with its languid guitars, percolating berimbau, and a reverbed harpsichord among its keyboards. "Popoff" is heavy wah-wah guitar, distorted bass, and conga funk, with funky Rhodes piano and breakbeats all accompanied by a tight yet soaring horn section. A Middle Eastern groove woven by cellos, violins, winds, double bass, and careening tablas saturates "Notte a Bagdad," capped off by an outside saxophone solo. "Fine di un Amore" is lithe, languid bossa jazz, with luminous strings, spacy Rhodes, and shimmering hand-brushed percussion. "Torte in Faccia" is campy pop-psych ragtime with harpsichords, synths, toy pianos, guitars, and a one-two snare drum pop. While it's the weakest tune here, it's a fine precursor to "Chanel N.7," a sensual, atmospheric jazz tune, with lovely flute and gorgeous interplay between sparkling electric piano and resonant vibraphone. The fiery psychedelic samba on "Una Giornato a Rio" is answered by tripped-out jazzy funk on "Kimono Pop." Style is a stone killer top to bottom; it's a fitting sendoff to Oddi's years as a bandleader. A thorough, painstaking remaster has been reissued in Schema's Easy Series imprint with excellent sound.
https://www.allmusic.com/album/style-mw0002672111

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Reseña de Thom Jurek  
Style, publicado en 1974, fue el último álbum publicado bajo la dirección del compositor, arreglista y multiinstrumentista Gianni Oddi. Poco después, fue contratado por Ennio Morricone como su principal solista de saxofón. Este álbum fue publicado de forma privada por RCA Italia como una grabación de biblioteca sonora; sus composiciones iban a ser alquiladas por producciones de cine y televisión y en anuncios publicitarios. Si bien era una práctica habitual para los sellos independientes, muchos de los cuales tenían en su haber música de librería, RCA Italia sólo lo hizo durante unos años. A pesar del propósito del contrato de crear melodías para ser utilizadas como material de banda sonora y de serie, en Style, Oddi entrega una obra maestra en el género; cada melodía se ajusta a sus compañeros como los dedos de un guante. Escribiendo temas que utilizan lo mejor del jazz creativo espiritual y convencional, el modalismo indio, el funk y el rock psicodélico, Oddi cristalizó no sólo el apogeo de la era de la música de biblioteca, sino el sonido de la Italia de principios de los 70 en particular. Está ahí en la groovy Euro bossa del primer disco, "Moda d'Estate", con sus lánguidas guitarras, su berimbau y un clavicordio reverberado entre sus teclados. "Popoff" es una guitarra wah-wah pesada, un bajo distorsionado y conga funk, con un piano Rhodes funky y breakbeats, todo ello acompañado por una sección de trompetas ajustada, pero elevada. Un groove de Oriente Medio entretejido por violonchelos, violines, vientos, contrabajos y tablas cargadas satura "Notte a Bagdad", rematado por un solo de saxofón exterior. "Fine di un Amore" es un bossa jazz ágil y lánguido, con cuerdas luminosas, Rhodes espumosos y una percusión brillante. "Torte in Faccia" es un ragtime pop-psych con clavicordios, sintetizadores, pianos de juguete, guitarras y una caja de ritmos. Aunque es el tema más flojo, es un buen precursor de "Chanel N.7", un tema de jazz sensual y atmosférico, con una encantadora flauta y una magnífica interacción entre el brillante piano eléctrico y el resonante vibráfono. La ardiente samba psicodélica de "Una Giornato a Rio" es respondida por el funk jazzístico de "Kimono Pop". El estilo es un asesino de piedra de arriba a abajo; es una despedida adecuada a los años de Oddi como líder de la banda. Se ha reeditado en el sello Easy Series de Schema con un sonido excelente.
https://www.allmusic.com/album/style-mw0002672111

Gabor Szabo • Night Flight

Review by Thom Jurek
In the 1970s, Hungarian guitarist Gabor Szabo pursued a highly individual take on the mercurial space where jazz and pop met funk. He was also no stranger to large orchestrations, dating back to his work with producers Gary McFarland and Bob Thiele. But beginning with 1971's High Contrast on Blue Thumb and carrying all the way through his CTI sides -- Rambler and Mizrab in 1973 -- he had blended all of his seemingly disparate interests together without sacrificing his own voice; namely, his signature guitar style. After 1975's Salvation release, Macho, produced by Bob James, Szabo signed to Mercury. Nightflight is his debut for the label. In hindsight, given the popularity of Barry White and the sophisticated Philly Soul sound in general, it was only a question of time before the guitarist got there. Teaming with producer/arranger/multi-instrumentalist Bunny Sigler and a host of Philly's hottest session players -- including Dexter Wansel on synths and composer Ritchie Rome (who, along with Sigler, handled the large-scale arrangements) -- at Sigma Sound Studio, Szabo created a pop disco album that bled straight through jazz and onto the club floor. Opener "Concorde (Nightflight)" was an underground -- and now almost a de rigueur -- DJ staple because of its spacy flamenco groove, cinematic horns, and bubbling synths. "Baby Rattle Snake" was downright funky, with its angular wah-wah guitar lines, chunky horns, and rubbery basslines. "Keep Smilin'," a Sigler nugget that had scored on the charts before, was given a nearly eight-minute treatment. With Szabo's deep-grooving solo atop pulsing keyboards, wafting synths, and a steady bassline vamp, it hit FM radio. Mercury subsequently released an edit that became the guitarist's biggest hit. The set's most beautiful track, however, is "Every Minute Counts," with a funky Wes Montgomery-esque guitar vamp weaving in and out of a rich, luscious woodwind, horn, and string chart and a soulful, hovering, backing chorus. Closer "Smooth Sailin'" features one of his two vocals on the set. His melancholic, understated delivery becomes just another instrument in this breezy groover. Nightflight is stronger than his CTI dates because Szabo is far more comfortable in a setting where the record label's sound doesn't need to assert itself over his own. The softer, more lustrous production by Sigler reflects a better understanding of Szabo as an artist, making Nightflight an all-around winner. [The Dutton Vocalian reissue includes three bonus tracks: the edited 45 A- and-B-side versions of "Keep Smilin' and "Baby Rattle Snake," as well as a wholly unedited take on "Keep Smilin'."]
https://www.allmusic.com/album/nightflight-mw0000903634

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Reseña de Thom Jurek
En la década de los 70, el guitarrista húngaro Gabor Szabo se adentró en el espacio mercurial en el que el jazz y el pop se encontraban con el funk. Tampoco era ajeno a las grandes orquestaciones, que se remontan a su trabajo con los productores Gary McFarland y Bob Thiele. Pero a partir de High Contrast, de 1971, en Blue Thumb, y hasta sus discos en CTI -Rambler y Mizrab, de 1973-, había mezclado todos sus intereses aparentemente dispares sin sacrificar su propia voz, es decir, su estilo de guitarra característico. Tras el lanzamiento de Salvation en 1975, Macho, producido por Bob James, Szabo firmó con Mercury. Nightflight es su debut para el sello. En retrospectiva, dada la popularidad de Barry White y el sofisticado sonido Philly Soul en general, era sólo cuestión de tiempo que el guitarrista llegara. Formando equipo con el productor, arreglista y multiinstrumentista Bunny Sigler y con un grupo de músicos de sesión de lo más selecto de Filadelfia -incluyendo a Dexter Wansel en los sintetizadores y al compositor Ritchie Rome (que, junto con Sigler, se encargó de los arreglos a gran escala)- en el Sigma Sound Studio, Szabo creó un álbum de música disco pop que se coló directamente en el jazz y en la pista de baile. La primera canción, "Concorde (Nightflight)", se convirtió en un elemento básico de los DJs, ahora casi de rigor, por su ritmo flamenco, sus vientos cinematográficos y sus sintetizadores burbujeantes. "Baby Rattle Snake" era un tema francamente funky, con sus angulosas líneas de guitarra wah-wah, sus gruesos cuernos y sus gomosas líneas de bajo. "Keep Smilin'", un tema de Sigler que ya había entrado en las listas de éxitos, recibió un tratamiento de casi ocho minutos. Con el solo de Szabo sobre teclados pulsantes, sintetizadores y una línea de bajo constante, llegó a la radio FM. Mercury publicó posteriormente una edición que se convirtió en el mayor éxito del guitarrista. Sin embargo, el tema más bello del conjunto es "Every Minute Counts", con un vampiro de guitarra al estilo de Wes Montgomery que entra y sale de una rica y deliciosa carta de maderas, trompas y cuerdas, y un estribillo conmovedor y flotante. La última canción, "Smooth Sailin'", presenta una de sus dos voces en el disco. Su melancólica y discreta voz se convierte en un instrumento más en este alegre tema. Nightflight es más fuerte que sus fechas de CTI porque Szabo se siente mucho más cómodo en un entorno en el que el sonido del sello discográfico no necesita imponerse sobre el suyo propio. La producción de Sigler, más suave y lustrosa, refleja una mejor comprensión de Szabo como artista, lo que hace que Nightflight sea un éxito total. La reedición de Dutton Vocalian incluye tres temas extra: las versiones editadas en 45 de las caras A y B de "Keep Smilin'" y "Baby Rattle Snake", así como una versión totalmente inédita de "Keep Smilin'"].
https://www.allmusic.com/album/nightflight-mw0000903634

The NYC Session • Beautiful Love

 

 Eddie Gomez, Billy Drummond, Yutaka Kobayashi Featuring Al Di Meola ‎– Beautiful Love - The NYC Session


Review by Thom Jurek
This is a nice date of solid jazz nuggets, a tango, and a few originals played by a killer group of veterans: an excellent trio that includes Eddie Gómez, Billy Drummond, and Japanese piano virtuoso and composer Yutaka Kobayashi. Guitarist Al di Meola appears on two tracks as well. The three originals by Kobayashi are beautifully subtle yet with a richly textured and harmonically compelling palette, particularly "Sundry Waltz No. 9," which builds from a very skeletal piano figure into a full-blown swinging keyboard walker -- Drummond's brushwork is gorgeous as well. The reading of Wayne Shorter's "Nefertiti" is very rich and deep, with Gómez's bassline reaching right into the heart of the mode for a near duplicate melody line. Chick Corea's "Captain Marvel" comes across as a shock due to di Meola's electric guitar sting. His other appearance occurs on the album's final cut, a deeply moving interpretation of Astor Piazzolla's "Chiquilin de Bachin," where he plays an acoustic nylon-string guitar in the nuevo tango style, which walks across both fado and flamenco in its invention. In all, this is a very satisfying and utterly engaging date.
https://www.allmusic.com/album/beautiful-love-the-nyc-session-featuring-al-di-meola-mw0001187935

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Reseña de Thom Jurek
Esta es una buena cita de sólidas pepitas de jazz, un tango y algunos originales interpretados por un grupo de veteranos que es excelente: un trío que incluye a Eddie Gómez, Billy Drummond y el virtuoso pianista y compositor japonés Yutaka Kobayashi. El guitarrista Al di Meola aparece también en dos temas. Los tres temas originales de Kobayashi son maravillosamente sutiles, pero con una paleta ricamente texturizada y armónicamente convincente, en particular "Sundry Waltz No. 9", que pasa de ser una figura de piano muy esquelética a ser un caminante de teclados en toda regla; la pincelada de Drummond también es magnífica. La lectura de "Nefertiti" de Wayne Shorter es muy rica y profunda, con la línea de bajo de Gómez llegando al corazón del modo para una línea melódica casi duplicada. "Captain Marvel" de Chick Corea resulta chocante por el picado de la guitarra eléctrica de di Meola. Su otra aparición se produce en el último corte del álbum, una interpretación profundamente conmovedora de "Chiquilin de Bachin" de Astor Piazzolla, donde toca una guitarra acústica de cuerdas de nylon en el estilo del nuevo tango, que camina a través del fado y el flamenco en su invención. En definitiva, se trata de una cita muy satisfactoria y absolutamente atractiva.
https://www.allmusic.com/album/beautiful-love-the-nyc-session-featuring-al-di-meola-mw0001187935


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Portico Quartet • Untitled (Aitaoa #2)

 

Biography by Michael G. Nastos
Since 2005, the Portico Quartet has created a singular, cinematic sound that melds jazz, electronica, ambient music, and minimalism. At the lead edge of South London's nu-jazz movement, theiur debut album 2007's Knee Deep in the North Sea was shortlisted for a Mercury Prize. Subsequent outings included albums for Peter Gabriel's Real World Records. They temporarily slimmed to an issued they the album Living Fields on Ninja Tune. Subsequently returning to their quartet lineup, they released 2017's Art in the Age of Automation for Matthew Halsall's Gondwana label.

Formed in 2005, the band was initially inspired to play via founding member Duncan Bellamy's purchase of an exotic yet contemporary instrument, the Hang, at a music festival. The Hang, invented in 2000 in Switzerland, is a metallic lap drum with clamped shells, the melodious sound of which resembles both a steel drum and Balinese metallaphone. Where the quartet's influences clearly reference modern jazz and African music, the trance-like sonics of the Hang draw closer comparisons to minimalists Philip Glass and Steve Reich, or gamelan music. A weekly session at the South Bank and residency at the Brixton Ritzy earned them a cult following. It also inspired London's premier jazz club, the Vortex, to start a record label to release their music.

Championed by archivist and historian/mixer Gilles Peterson, the Portico Quartet's debut release, Knee Deep in the North Sea, was acclaimed as jazz, folk, and world music Album of the Year for 2007 by Time Out magazine, and was a Mercury Music Prize honoree for 2008. With Jack Wylie on soprano saxophone, Milo Fitzpatrick on acoustic bass, and Nick Mulvey and Duncan Bellamy playing the Hang and percussion instruments, the group's modern contemporary sound was favorably compared to the diverse, ethnic-flavored work of Ben Allison, E.S.T., and the Cinematic Orchestra.

Following their signing to Peter Gabriel's Real World Records, the Portico Quartet released its sophomore effort. Isla appeared in 2009 and was recorded at Abbey Road Studios. In 2011 Mulvey left the band to pursue a solo career -- to be replaced by Keir Vine -- and his departure signaled a musical shift for the group. Their self-titled third record favored electronic sounds over the predominantly acoustic style of their previous efforts. The band experienced its largest transformation to date in 2014 as Vine departed, and the slimmed-down trio signed to the Ninja Tune label. They re-christened themselves Portico and pursued experimental pop in lieu of the jazz influence of their earlier records. However, for their 2017 record Art in the Age of Automation, they reverted to their original label and moniker, and were reunited with Vine. The foilowing year, they issued the companion outing Untitled (AITAOA #2), recorded during the Art In the Age Of Automation sessions. For 2019's Memory Streams--also on Gondwana-- Portico Quartet mined their catalogue to re-combine older sounds and musics with new ones including elements of prog-rock and abstract electronic soundscapes.
https://www.allmusic.com/artist/portico-quartet-mn0001012019/biography

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Biografía de Michael G. Nastos
Desde 2005, Portico Quartet ha creado un sonido singular y cinematográfico que fusiona el jazz, la electrónica, la música ambiental y el minimalismo. A la cabeza del movimiento nu-jazz del sur de Londres, su álbum de debut de 2007, Knee Deep in the North Sea, fue preseleccionado para el Mercury Prize. Sus siguientes trabajos incluyen álbumes para el sello Real World Records de Peter Gabriel. Se redujeron temporalmente a una emisión del álbum Living Fields en Ninja Tune. Posteriormente, volvieron a su formación de cuarteto y publicaron en 2017 Art in the Age of Automation para el sello Gondwana de Matthew Halsall.

Formada en 2005, la banda se inspiró inicialmente en la compra por parte de su miembro fundador, Duncan Bellamy, de un instrumento exótico pero contemporáneo, el Hang, en un festival de música. El Hang, inventado en el año 2000 en Suiza, es un tambor metálico con cascos de pinza, cuyo melodioso sonido se asemeja tanto a un tambor de acero como a un metaláfono balinés. Mientras que las influencias del cuarteto hacen referencia claramente al jazz moderno y a la música africana, el sonido de trance del Hang hace que se le compare más con los minimalistas Philip Glass y Steve Reich, o con la música gamelán. Una sesión semanal en el South Bank y una residencia en el Brixton Ritzy les valieron un seguimiento de culto. También inspiró al principal club de jazz de Londres, el Vortex, a crear un sello discográfico para publicar su música.

Defendido por el archivero e historiador/mezclador Gilles Peterson, el primer disco del Portico Quartet, Knee Deep in the North Sea, fue aclamado como Álbum del Año de jazz, folk y músicas del mundo en 2007 por la revista Time Out, y fue galardonado con el Mercury Music Prize en 2008. Con Jack Wylie al saxofón soprano, Milo Fitzpatrick al bajo acústico y Nick Mulvey y Duncan Bellamy tocando los instrumentos de Hang y percusión, el sonido moderno y contemporáneo del grupo fue comparado favorablemente con el trabajo diverso y de sabor étnico de Ben Allison, E.S.T. y la Cinematic Orchestra.

Tras su fichaje por el sello Real World Records de Peter Gabriel, Portico Quartet lanzó su segundo trabajo. Isla apareció en 2009 y fue grabado en los estudios Abbey Road. En 2011 Mulvey dejó la banda para seguir una carrera en solitario -para ser sustituido por Keir Vine- y su salida supuso un cambio musical para el grupo. Su tercer disco autotitulado favoreció los sonidos electrónicos sobre el estilo predominantemente acústico de sus esfuerzos anteriores. La banda experimentó su mayor transformación hasta la fecha en 2014, cuando Vine se marchó y el trío, más delgado, firmó con el sello Ninja Tune. Se rebautizaron con el nombre de Portico y buscaron el pop experimental en lugar de la influencia del jazz de sus discos anteriores. Sin embargo, para su disco de 2017 Art in the Age of Automation, volvieron a su sello y nombre originales, y se reunieron con Vine. El año siguiente, publicaron el disco complementario Untitled (AITAOA #2), grabado durante las sesiones de Art In the Age Of Automation. Para Memory Streams de 2019 -también en Gondwana- Portico Quartet extrajo su catálogo para volver a combinar sonidos y músicas antiguas con otras nuevas, incluyendo elementos de prog-rock y paisajes sonoros electrónicos abstractos.
https://www.allmusic.com/artist/portico-quartet-mn0001012019/biography


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Miles Davisː The Definitive Biography

 

The revised edition of Ian Carr’s classic biography of Miles Davis throws new light on his life and career from the early days in New York, with Charlie Parker, to his Birth of the Cool band, through his drug addiction in the early 1950s, and the years of extraordinary achievements, 1954-1960, during which he created a whole series of masterpieces on record, and drew to his band such unequalled talents as John Coltrane, Bill Evans, Wynton Kelly and Cannonball Adderly.
Carr also gives a detailed description of Miles’s dark reclusive period, 1975-1980, and his descent towards disintegration. He also tells how the events of one single day forced Davis to turn back to life and return slowly to music.
The incessant activity of his last ten years – the music-making, his painting and art exhibitions, his extraordinary trumpet playing, his marriage to and divorce from Cicely Tyson – is recounted with fascinating insight. Miles Davis, whose work has been called ‘one of the greatest musical legacies of the twentieth century’, remained controversial until the end, and this definitive biography examines the controversy from all sides.
With access to the inner circle of Davis’s friends and associates, Ian Carr includes new interviews with such jazz greats as Max Roach, George Russell, George Avakian, Ron Carter, John Carisi, John Scofield, Bill Evans and Jack and Lydia DeJohnette, and revisits those who contributed to the first edition, including Keith Jarrett, Dave Holland, Joe Zawinul and Paul Buckmaster. This edition is an essential source for those who want to understand Miles, his music and the ‘jazz life’.

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