VA • Funky Jazzy Party

 

Grant Green, Ramsey Lewis, The Jazz Crusaders, Donald Byrd, Willie Bobo, Roy Ayers, Jimmy Smith, Bobbi Humphrey, Wes Montgomery, Bobby Hutcherson, Quincy Jones, Dorothy Ashby …

 

Buck Clayton • Buck Clayton And Friends

 

Biography by Ron Wynn
An excellent bandleader and accompanist for many vocalists, including Billie Holiday, Buck Clayton was a valued soloist with Count Basie Orchestra during the '30s and '40s, and later was a celebrated studio and jam session player, writer, and arranger. His tart, striking tone and melodic dexterity were his trademark, and Clayton provided several charts for Basie's orchestra and many other groups. Clayton began his career in California, where he organized a big band that had a residency in China in 1934. When he returned, Clayton led a group and played with other local bands. During a 1936 visit to Kansas City, he was invited to join Basie's orchestra as a replacement for Hot Lips Page. Clayton was also featured on sessions with Lester Young, Teddy Wilson, and Holiday in the late '30s. He remained in the Basie band until 1943, when he left for army service. After leaving the army, Clayton did arrangements for Basie, Benny Goodman, and Harry James before forming a sextet in the late '40s. He toured Europe with this group in 1949 and 1950. Clayton continued heading a combo during the '50s, and worked with Joe Bushkin, Tony Parenti, and Jimmy Rushing, among others. He organized a series of outstanding recordings for Columbia in the mid-'50s under the title Jam Session (compiled and reissued by Mosaic in 1993). There were sessions with Rushing, Ruby Braff, and Nat Pierce. Clayton led a combo with Coleman Hawkins and J.J. Johnson at the 1956 Newport Jazz Festival, then reunited with Goodman in 1957 at the Waldorf Astoria. There was another European tour, this time with Mezz Mezzrow. He appeared in the 1956 film The Benny Goodman Story and played the 1958 Brussels World Fair with Sidney Bechet. Clayton later made another European visit with a Newport Jazz Festival tour. He joined Eddie Condon's band in 1959, a year after appearing in the film Jazz on a Summer's Day. Clayton toured Japan and Australia with Condon's group in 1964, and continued to revisit Europe throughout the '60s, often with Humphrey Lyttelton's band, while playing festivals across the country. But lip and health problems virtually ended his playing career in the late '60s. After a period outside of music, Clayton once again became active in music, this time as a non-playing arranger, touring Africa as part of a State Department series in 1977. He provided arrangements and compositions for a 1974 Lyttleton and Buddy Tate album, and did more jam session albums for Chiaroscuro in 1974 and 1975. He also became an educator, teaching at Hunter College in the early '80s. Clayton led a group of Basie sidemen on a European tour in 1983, then headed his own big band in 1987 that played almost exclusively his compositions and arrangements. That same year Clayton's extensive autobiography Buck Clayton's Jazz World, with Nancy Miller-Elliot, was published.
https://www.allmusic.com/artist/buck-clayton-mn0000634674#biography

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Biografía de Ron Wynn
Buck Clayton, excelente líder de banda y acompañante de muchos vocalistas, incluida Billie Holiday, fue un valioso solista de la Orquesta Count Basie durante los años 30 y 40, y más tarde fue un célebre músico de estudio y sesiones improvisadas, escritor y arreglista. Su tono agrio y llamativo y su destreza melódica eran su marca registrada, y Clayton proporcionó varios gráficos para la orquesta de Basie y muchos otros grupos. Clayton comenzó su carrera en California, donde organizó una big band que tuvo una residencia en China en 1934. Cuando regresó, Clayton dirigió un grupo y tocó con otras bandas locales. Durante una visita a Kansas City en 1936, fue invitado a unirse a la orquesta de Basie como reemplazo de Hot Lips Page. Clayton también apareció en sesiones con Lester Young, Teddy Wilson y Holiday a finales de los años 30. Permaneció en la banda Basie hasta 1943, cuando se fue al servicio militar. Después de dejar el ejército, Clayton hizo arreglos para Basie, Benny Goodman y Harry James antes de formar un sexteto a finales de los años 40. Realizó una gira por Europa con este grupo en 1949 y 1950. Clayton continuó al frente de un combo durante los años 50 y trabajó con Joe Bushkin, Tony Parenti y Jimmy Rushing, entre otros. Organizó una serie de grabaciones destacadas para Columbia a mediados de los años 50 bajo el título Jam Session (compilado y reeditado por Mosaic en 1993). Hubo sesiones con Rushing, Ruby Braff y Nat Pierce. Clayton lideró un combo con Coleman Hawkins y J.J. Johnson en el Festival de Jazz de Newport de 1956 y luego se reunió con Goodman en 1957 en el Waldorf Astoria. Hubo otra gira europea, esta vez con Mezz Mezzrow. Apareció en la película de 1956 The Benny Goodman Story y actuó en la Feria Mundial de Bruselas de 1958 con Sidney Bechet. Más tarde, Clayton realizó otra visita europea con una gira por el Festival de Jazz de Newport. Se unió a la banda de Eddie Condon en 1959, un año después de aparecer en la película Jazz on a Summer's Day. Clayton realizó una gira por Japón y Australia con el grupo de Condon en 1964, y continuó visitando Europa a lo largo de los años 60, a menudo con la banda de Humphrey Lyttelton, mientras tocaba en festivales por todo el país. Pero los problemas de labios y de salud prácticamente acabaron con su carrera como jugador a finales de los años 60. Después de un período fuera de la música, Clayton volvió a participar activamente en la música, esta vez como arreglista no musical, y realizó una gira por África como parte de una serie del Departamento de Estado en 1977. Proporcionó arreglos y composiciones para un álbum de Lyttleton y Buddy Tate de 1974. e hizo más álbumes de sesiones improvisadas para Chiaroscuro en 1974 y 1975. También se convirtió en educador, enseñando en Hunter College a principios de los años 80. Clayton dirigió un grupo de acompañantes de Basie en una gira europea en 1983, luego encabezó su propia big band en 1987 que tocaba casi exclusivamente sus composiciones y arreglos. Ese mismo año se publicó la extensa autobiografía de Clayton, Buck Clayton's Jazz World, con Nancy Miller-Elliot.
https://www.allmusic.com/artist/buck-clayton-mn0000634674#biography

Phil Woods • Chromatic Banana

 

 

Review by Michael G. Nastos
In 1970, when Inner City Records was just getting off the ground, Phil Woods was in Europe enjoying himself, and collaborating with musicians who were definitely feeling the spell of the Miles Davis groundbreaking jazz fusion epic Bitches Brew. While always a staunch straight-ahead bebop player, Woods decided to mix it up a bit and incorporate elements of funk, rock, and free improvisation, much to the likely chagrin of his listeners. In fact, a vitriolic letter printed on the back cover from an unidentified fan residing in Chicopee Falls, MA, rips Woods for abandoning melody, criticizes his titles, and actually threatens him with physical violence should he ever show up in his town. Woods gives his terse reply, but as cynical as this discourse is, it could all have been whipped up by Woods to deflect any detractors to his "new thing." Truth be told, the music here is inspired and focused, even if it is not what devotees might expect. British electric pianist Gordon Beck (who took over for original keyboardist George Gruntz), French acoustic bassist Henri Texier, and Swiss drummer Daniel Humair are all extremely talented musicians, who alongside the excitable Woods forge strong bonds in amalgamating this modern jazz into a personalized sound. Bookended by really long jam-type pieces, the album also retains a certain amount of arranged and complex melody lines. The opener, "Chromatic Banana," is the piece that caused the letter-writing fan's consternation, and in the hilarious liner notes, Woods offers listeners a chance to win one in simulated plastic. Musically, it moves fast from 6/8 to free to 5/4, 4/4, and 7/8 meters in pre-fusion rock-funk modes, with the alto and Varitone-modified sax of Woods wheezing, wailing, improvising, and eventually vocally scatting. Beck's "The Day When the World..." has a folkish intro on the Hohner electric piano, moves from a steady rock beat to a poppish tune, and concludes with introductions of the bandmembers by one of the leader's children in English and French. A combo track of Beck and Woods, "The Last Page/Sans Melodie" starts as a pleasant ballad, then quickens to a bop and rock pace with Woods on a Varitone clarinet. The most straight jazz-oriented cut is also contributed by Beck: "Ultimate Choice" is a fleet bebop discourse between the pianist and alto saxophonist, with hard attacks and Woods digging in and establishing his territory. The short "A Look Back" is actually forward-thinking and progressive in a spontaneous manner via the spare recorder playing of Woods underpinning clacky percussion, rattles, and bowed bass. This recording, the second overall release in the Inner City catalog (with artwork containing a Rube Goldberg-type Honeywell computer schematic and the label's original skyscraper type logo), has been issued on CD, and it is a testament to the tenacity of Phil Woods to think outside the box occasionally, while losing none of his identity. The project deserves a revisit, despite some of the fans' misgivings.
https://www.allmusic.com/album/phil-woods-and-his-european-rhythm-machine-mw0000874549

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Reseña de Michael G. Nastos
En 1970, cuando Inner City Records apenas despegaba, Phil Woods estaba en Europa divirtiéndose y colaborando con músicos que definitivamente estaban sintiendo el hechizo de la innovadora epopeya de jazz fusión de Miles Davis, Bitches Brew. Aunque siempre fue un acérrimo intérprete de bebop, Woods decidió mezclarlo un poco e incorporar elementos de funk, rock e improvisación libre, para probable disgusto de sus oyentes. De hecho, una mordaz carta impresa en la contraportada de un fan no identificado que reside en Chicopee Falls, MA, critica a Woods por abandonar la melodía, critica sus títulos y, de hecho, lo amenaza con violencia física si alguna vez aparece en su ciudad. Woods da su concisa respuesta, pero por muy cínico que sea este discurso, Woods podría haberlo preparado para desviar a cualquier detractor de su "novedad". A decir verdad, la música aquí es inspirada y enfocada, incluso si no es lo que los devotos podrían esperar. El pianista eléctrico británico Gordon Beck (que reemplazó al teclista original George Gruntz), el bajista acústico francés Henri Texier y el baterista suizo Daniel Humair son músicos extremadamente talentosos que, junto con el excitable Woods, forjan fuertes vínculos al fusionar este jazz moderno en un sonido personalizado. . Respaldado por piezas realmente largas tipo improvisación, el álbum también conserva una cierta cantidad de líneas melódicas complejas y arregladas. La canción que abre, "Chromatic Banana", es la pieza que causó la consternación del fanático de escribir cartas, y en las divertidas notas, Woods ofrece a los oyentes la oportunidad de ganar una en plástico simulado. Musicalmente, se mueve rápidamente desde 6/8 a libre a 5/4, 4/4 y 7/8 metros en modos rock-funk prefusión, con el saxo alto y modificado por Varitone de Woods jadeando, gimiendo, improvisando, y, finalmente, dispersarse vocalmente. "The Day When the World..." de Beck tiene una introducción folclórica en el piano eléctrico Hohner, pasa de un ritmo de rock constante a una melodía pop y concluye con la presentación de los miembros de la banda por parte de uno de los hijos del líder en inglés y francés. . Una canción combinada de Beck y Woods, "The Last Page/Sans Melodie" comienza como una balada agradable, luego se acelera a un ritmo de bop y rock con Woods en un clarinete Varitone. Beck también aporta el corte más directo orientado al jazz: "Ultimate Choice" es un discurso de bebop fugaz entre el pianista y el saxofonista alto, con ataques duros y Woods profundizando y estableciendo su territorio. El corto "A Look Back" es en realidad progresista y progresivo de una manera espontánea a través de la flauta dulce de Woods que sustenta la percusión clac, los cascabeles y el bajo arco. Esta grabación, el segundo lanzamiento general del catálogo de Inner City (con ilustraciones que contienen un esquema de computadora Honeywell tipo Rube Goldberg y el logotipo original tipo rascacielos del sello), se publicó en CD y es un testimonio de la tenacidad de Phil Woods. pensar fuera de lo común de vez en cuando, sin perder nada de su identidad. El proyecto merece una revisión, a pesar de algunas dudas de los fans.
https://www.allmusic.com/album/phil-woods-and-his-european-rhythm-machine-mw0000874549


 

www.philwoods.com/the-chromatic-banana ...
www.philwoods.com ...

Charles Earland • Organomically Correct

Review by Al Campbell

Organomically Correct revisits selections from three of Charles Earland's late-'70s Muse recordings. While most fans of "The Mighty Burner" treasure his Prestige dates released earlier in the decade, his sessions for Muse contained as much gritty funk without the fusion-ish over-production Earland toyed with that marred recordings like Intensity. The musicians on these tracks are spectacular, including tenor saxophonists George Freeman, Frank Wess, or Houston Person; guitarist Jimmy Ponder or Melvin Sparks; and Grady Tate or Walter Perkins on drums. Of the 12 tracks, nine are Earland originals, alongside Wayne Shorter's "Infant Eyes" and the standards "Undecided" and "Old Folks." Fans of organ jazz or funk should check this out.

Charles Earland: organ; George Coleman, Houston Person, Mack Goldsbury: tenor sax; Frank Wess: flute and tenor sax; Bill Hardman: trumpet; Jimmy Ponder, Melvin Sparks: guitar; Walter Perkins, Bobby Durham, Grady Tate: drums; Ralph Dorsey, Lawrence Killian: percussion.

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Reseña de Al Campbell

Organomically Correct vuelve a revisar las selecciones de tres de las grabaciones de Charles Earland de finales de los 70's Muse. Mientras que la mayoría de los fans de "The Mighty Burner" atesoran sus fechas de prestigio publicadas a principios de la década, sus sesiones para Muse contenían tanto funk arenoso sin la sobreproducción de fusión con la que Earland jugaba con esas grabaciones estropeadas como Intensity. Los músicos de estos temas son espectaculares, incluyendo a los saxofonistas tenores George Freeman, Frank Wess o Houston Person; el guitarrista Jimmy Ponder o Melvin Sparks; y Grady Tate o Walter Perkins en la batería. De los 12 temas, nueve son originales de Earland, junto con "Infant Eyes" de Wayne Shorter y los estándares "Undecided" y "Old Folks". Los fanáticos del jazz de órgano o del funk deberían ver esto.

Charles Earland: órgano; George Coleman, Houston Person, Mack Goldsbury: saxo tenor; Frank Wess: flauta y saxo tenor; Bill Hardman: trompeta; Jimmy Ponder, Melvin Sparks: guitarra; Walter Perkins, Bobby Durham, Grady Tate: batería; Ralph Dorsey, Lawrence Killian: percusión.

 

 

 

Johnny Lytle • Done It Again

Influenced by Milt Jackson, Cal Tjader and Lionel Hampton, who hailed him as one of the greatest vibes players on the scene today, Johnny Lyttle (born October 13, 1932) was noted for his brilliant technique and a personal sound ideal for the kind of grooving organ combo he led on Blue Vibes and Happy Ground, his debut albums from the 60s included here.

He was good enough to record with the best Louis Armstrong, Hampton, Wynton Kelly, even Miles Davis but, despite a prolific recording career, never achieved iconic status as a jazzman. That was probably more due to his desire for control over his music, which made him refuse to sign up for any major label, than to any lack of talent on his part. After these early recordings gave notice of his talent as a vibes player, chart success soon followed for Lyttle with albums like A Groove, The Loop and Moonchild, which increasingly featured his own compositions.

Whether swinging at uptempo or delivering a soulful ballad, all his work has the irresistible, soul-stirring warmth of a player admiringly nicknamed Fast Hands by his peers.

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Influenciado por Milt Jackson, Cal Tjader y Lionel Hampton, que lo aclamaron como uno de los más grandes intérpretes de las vibraciones en la escena actual, Johnny Lyttle (nacido el 13 de octubre de 1932) se destacó por su brillante técnica y un sonido personal ideal para el tipo de combinación de órganos que lideró en Blue Vibes y Happy Ground, sus álbumes de debut de los años 60 incluidos aquí.

Fue lo suficientemente bueno como para grabar con los mejores Louis Armstrong, Hampton, Wynton Kelly, incluso Miles Davis pero, a pesar de una prolífica carrera discográfica, nunca alcanzó el estatus de icono como jazzista. Eso se debió probablemente más a su deseo de control sobre su música, que le hizo negarse a firmar con cualquier sello importante, que a la falta de talento por su parte. Después de que estas primeras grabaciones dieran cuenta de su talento como intérprete de vibráfono, el éxito en las listas de éxitos pronto siguió para Lyttle con álbumes como A Groove, The Loop y Moonchild, que presentaban cada vez más sus propias composiciones.

Ya sea balanceándose en el uptempo o entregando una balada conmovedora, todo su trabajo tiene la irresistible y conmovedora calidez de un jugador apodado admirablemente "Fast Hands" por sus compañeros.

Memphis Slim & Jean Paul Amouroux • Boogie Woogie Duets

Herbie Mann • Astral Island

 

Biography

The world according to flutist and composer Herbie Mann was a utopian musical paradise where jazz is made up of of Afro-Cuban, Middle-Eastern, R&B, and nearly every other kind of music. In the 1960s, he discovered Brazil's bossa-nova; in the 1970s, he even found disco rhythms in jazz.

Unlike most of his contemporaries in jazz, when Mann began playing flute in 1940s he had no forefathers to learn from, no pioneers of jazz flute to idolize. He was forced to look elsewhere—both inside and outside of jazz—to develop his approach to jazz and the flute. Among numerous musical influences, Mann was particularly drawn to rhythms and melodies from South America and the Caribbean.

Herbie Mann was born Herbert Jay Solomon in Brooklyn, New York, on April 16, 1930. Early in his childhood, Mann was so enthralled with rhythm that he wanted to be a drummer. Instead, a cousin of his mother convinced him to play the clarinet.

In 1948, Mann began serving four years in the army and while stationed in Trieste, Italy, he began playing saxophone in the military band. After his discharge from the service, he saw a jazz scene overflowing with sax players and he fell back on his second instrument, the flute. When the Dutch accordionist, Mat Matthews, told him he was looking for a jazz flute player for the first album by the then unknown Carmen McRae, Herbie immediately jumped at the opportunity and spent days “woodshedding” before going into the studio. With this opportunity he was able to distinguish himself from other players as a jazz flutist, of which there were few.

In 1954, Mann released his first album for Bethlehem Records, “Herbie Mann Plays.” Although at that time he was jamming with bebop innovators like bassist Milt Hinton, drummers Art Blakey and Kenny Clarke, and pianist Tommy Flanagan, Mann was never truly comfortable playing straight-ahead bebop. As he began to bring non-jazz elements into his sound, Mann's flute playing began to sound tougher and more aggressive.

Three years later, Mann made the first of three albums for Verve Records, titled “The Magic Flute of Herbie Mann.” The album featured, “The Evolution of Mann” which became an instant hit on the radio thanks to New York disc jockey, “Symphony Sid” Torin. Mann then formed an Afro-Cuban band with percussionists like Rudy Collins, Ray Mantilla, and Carlos “Patato” Valdez, all from Cuba's legendary Machito Orchestra. Because Mann was able to pay the percussionists more money than what they were making with the other Latin orchestras, a rift was created between Mann and many of the other Latin bandleaders. Eventually, Mann's interest in Afro-Cuban jazz led him to the music's source—Africa. In 1959, the U.S. State Department funded a trip for Mann to visit Africa, after they heard his version of “African Suite.”

After his trip to Africa, Mann moved to Atlantic Records, releasing “Common Ground (1960),” which embraced a wider sense of the African musical diaspora. Mann's band included musicians from Puerto Rico, Nigeria, and beyond. This added rhythmic element boosted Herbie's popularity and the list of Latin percussionists who played with him in the late 50's and 60's reads like a Who's Who of the genre: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo and others. Audiences around the world loved this sound.

Mann recorded a live album at New York City's Village Gate jazz club in 1961, the set featured “Comin' Home Baby” which became Mann's first major crossover hit. The immense popularity of At the Village Gate made Mann a true superstar.

Not content to rest on his laurels, Mann forged ahead into new territory. Inspired by the classic Brazilian film Black Orpheus, Mann convinced his manager Monte Kay to book him a tour to Brazil, although he was hardly known there. Mann returned to the U.S. transformed by the music he had heard in Brazil, intent on making a Brazilian jazz album. Although guitarist Charlie Byrd and saxophonist Stan Getz had already made a smash hit in 1962 with their Brazilian jazz album, “Jazz Samba,” Mann was unimpressed. His response, also released in 1962, was “Do The Bossa Nova,” featuring more of the real deal: Brazilian musicians like Sergio Mendes, guitarist Baden Powell, and pianist and arranger Antonio Carlos Jobim.

After the bossa-nova craze ran its course, Mann ventured off into Middle Eastern music, which resulted in the 1966 album, “Impressions of the Middle East.” Two years later, Mann delved deeper into yet another genre: rhythm & blues. While in London, he heard Willie Mitchell's Hi Records hit, “Mercy” and as he had done with his exploration of Afro-Cuban music, Mann went straight to the source: Memphis, Tennesee.

After absorbing Memphis' Stax and Hi records sounds, Mann came out with the soul-jazz album “Memphis Underground;” it became his best-selling disc ever. The radio-friendly music and the explosive R&B solo work from guitarist Sonny Sharrock on the disc again infuriated jazz critics.

After the breakthrough success with “Memphis Underground,” Mann continued to explore R&B and its distant cousin, disco. In 1969, Atlantic allowed Mann to start his own label, Embryo. Mann released the sexually-charged album Push Push, in 1971, generating a significant amount of controversy over the suggestive album cover—a nude Mann posing seductively with flute in hand.

Throughout the 1970s, Mann created more distance between himself and the jazz establishment by recording reggae, disco, British rock, and Japanese music albums. By the time he recorded “Discotheque,” he hardly had a jazz core audience. Throughout the 1980s, Mann remained in obscurity when it came to jazz. However, towards the end of this ten-year period, he formed a group, Jasil Brazz, and once again reestablished his musical footing in the fertile sounds of his beloved Brazil. He produced two records, “Jasil Brazz,” and “Opalescence,” featuring Brazilian guitarists Romero Lubambo and Ricardo Silveira. Throughout the label “shifts”, he retained his rights to these recordings and in l992 formed his own label, Kokopelli Music. He launched the label with the release of “Deep Pocket,” an all star, soul/jazz recording featuring Les McCann, Cornell Dupree, David Newman and Chuck Rainey.

Two years later, Herbie went into a partnership and Kokopelli Music was expanded to Kokopelli Records. This year and a half venture produced nearly a dozen recordings including Herbie's “Peace Pieces,” a tribute to the music of Bill Evans, featuring guitarist Bruce Dunlap, Eddie Gomez and Randy Brecker.

Herbie released two albums on the Lightyear label from his l995 weeklong celebration of his 65th birthday. The recordings, “Celebration,” and “America Brasil,” feature many of his longtime friends and musical partners from his past, including David “Fathead” Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi and others.

By 1997, he was diagnosed with inoperable prostate cancer, and the disease finally took his life on July 1, 2003.

Herbie Mann's career does not lend itself to easy characterization. At the same time, though, his recorded work speaks volumes about his ability to merge widely-varying forms into a coherent and appealing style that was accessible to the average listener. Mann could also be described as one of the first “world” musicians; his sensitivity for non-Western musical forms, evidenced by his ability to integrate them into work that could be easily appreciated by a largely Western audience while still retaining the essential characteristics of its origin, has few parallels among the other musicians of his generation.

Source: James Nadal

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Biografía

El mundo, según el flautista y compositor Herbie Mann, era un paraíso musical utópico donde el jazz se compone de música afrocubana, de Oriente Medio, de R&B y de casi cualquier otro tipo de música. En la década de 1960, descubrió la bossa-nova de Brasil; en la década de 1970, incluso encontró ritmos de discoteca en el jazz.

A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos del jazz, cuando Mann comenzó a tocar la flauta en la década de 1940 no tenía antepasados de los que aprender, ni pioneros de la flauta de jazz a los que idolatrar. Se vio obligado a buscar en otros lugares, tanto dentro como fuera del jazz, para desarrollar su enfoque del jazz y la flauta. Entre las numerosas influencias musicales, Mann se sintió particularmente atraído por los ritmos y melodías de América del Sur y el Caribe.

Herbie Mann nació Herbert Jay Solomon en Brooklyn, Nueva York, el 16 de abril de 1930. A principios de su infancia, Mann estaba tan cautivado por el ritmo que quería ser un baterista. En cambio, un primo de su madre lo convenció de que tocara el clarinete.

En 1948, Mann comenzó a servir cuatro años en el ejército y mientras estaba destinado en Trieste, Italia, comenzó a tocar el saxofón en la banda militar. Después de su baja del servicio, vio una escena de jazz rebosante de saxofonistas y se echó atrás con su segundo instrumento, la flauta. Cuando el acordeonista holandés, Mat Matthews, le dijo que buscaba un flautista de jazz para el primer álbum de la entonces desconocida Carmen McRae, Herbie aprovechó inmediatamente la oportunidad y pasó días "woodshedding" antes de entrar en el estudio. Con esta oportunidad pudo distinguirse de otros músicos como flautista de jazz, que eran pocos.

En 1954, Mann lanzó su primer álbum para Bethlehem Records, "Herbie Mann Plays". Aunque en ese momento estaba tocando con innovadores del bebop como el bajista Milt Hinton, los bateristas Art Blakey y Kenny Clarke, y el pianista Tommy Flanagan, Mann nunca se sintió realmente cómodo tocando bebop de frente. A medida que empezó a introducir elementos de no jazz en su sonido, la flauta de Mann empezó a sonar más dura y agresiva.

Tres años después, Mann hizo el primero de tres álbumes para Verve Records, titulado "La flauta mágica de Herbie Mann". El álbum presentó "The Evolution of Mann", que se convirtió en un éxito instantáneo en la radio gracias al disc jockey neoyorquino "Symphony Sid" Torin. Mann formó entonces una banda afrocubana con percusionistas como Rudy Collins, Ray Mantilla y Carlos "Patato" Valdez, todos de la legendaria Orquesta Machito de Cuba. Debido a que Mann pudo pagar a los percusionistas más dinero del que ganaban con las otras orquestas latinas, se creó una brecha entre Mann y muchos de los otros directores de orquesta latinos. Con el tiempo, el interés de Mann en el jazz afrocubano le llevó a la fuente de la música: África. En 1959, el Departamento de Estado de los Estados Unidos financió un viaje para que Mann visitara África, después de haber escuchado su versión de "African Suite".

Después de su viaje a África, Mann se trasladó a Atlantic Records y publicó "Common Ground (1960)", que abarcaba un sentido más amplio de la diáspora musical africana. La banda de Mann incluía músicos de Puerto Rico, Nigeria y otros países. Este elemento rítmico añadido aumentó la popularidad de Herbie y la lista de percusionistas latinos que tocaron con él a finales de los años 50 y 60 se lee como un Who's Who del género: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo y otros. El público de todo el mundo amaba este sonido.

Mann grabó un álbum en vivo en el club de jazz Village Gate de la ciudad de Nueva York en 1961, el conjunto incluía "Comin' Home Baby" que se convirtió en el primer gran éxito de Mann. La inmensa popularidad de "At the Village Gate" hizo de Mann una verdadera superestrella.

No contento con dormirse en sus laureles, Mann se forjó en un nuevo territorio. Inspirado por el clásico brasileño Black Orpheus, Mann convenció a su manager Monte Kay para que le reservara un viaje a Brasil, aunque apenas era conocido allí. Mann regresó a los EE.UU. transformado por la música que había escuchado en Brasil, con la intención de hacer un álbum de jazz brasileño. Aunque el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz ya habían conseguido un gran éxito en 1962 con su álbum de jazz brasileño, "Jazz Samba", Mann no quedó impresionado. Su respuesta, también publicada en 1962, fue "Do The Bossa Nova", con más de lo real: músicos brasileños como Sergio Mendes, el guitarrista Baden Powell, y el pianista y arreglista Antonio Carlos Jobim.

Después de que la locura de la bossa-nova siguiera su curso, Mann se aventuró en la música de Oriente Medio, lo que dio lugar al álbum de 1966, "Impressions of the Middle East". Dos años más tarde, Mann profundizó en otro género: el rhythm & blues. Mientras estaba en Londres, escuchó el éxito de Willie Mitchell en Hi Records, "Mercy" y como había hecho con su exploración de la música afrocubana, Mann fue directamente a la fuente: Memphis, Tennesee.

Después de absorber los sonidos de Stax y Hi Records de Memphis, Mann sacó el álbum de soul-jazz "Memphis Underground"; se convirtió en el disco más vendido de su vida. La música apta para la radio y el explosivo trabajo en solitario de R&B del guitarrista Sonny Sharrock en el disco enfurecieron de nuevo a los críticos de jazz.

Tras el gran éxito de "Memphis Underground", Mann siguió explorando el R&B y su primo lejano, el disco. En 1969, Atlantic permitió a Mann crear su propio sello, Embryo. Mann lanzó el álbum sexualmente cargado Push Push, en 1971, generando una importante controversia sobre la sugerente portada del álbum: una Mann desnuda posando seductoramente con la flauta en la mano.

A lo largo de la década de 1970, Mann creó más distancia entre él y el establecimiento del jazz al grabar álbumes de reggae, disco, rock británico y música japonesa. Cuando grabó "Discoteca", apenas tenía un público de jazz. A lo largo de los años 80, Mann permaneció en el olvido en lo que se refiere al jazz. Sin embargo, hacia el final de este período de diez años, formó un grupo, Jasil Brazz, y una vez más restableció su base musical en los fértiles sonidos de su amado Brasil. Produjo dos discos, "Jasil Brazz" y "Opalescence", con los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Ricardo Silveira. Durante los "cambios" del sello, conservó los derechos de estas grabaciones y en 1992 formó su propio sello, Kokopelli Music. Lanzó el sello con el lanzamiento de "Deep Pocket", una grabación de soul/jazz con Les McCann, Cornell Dupree, David Newman y Chuck Rainey.

Dos años más tarde, Herbie se asoció con Kokopelli Music y se expandió a Kokopelli Records. Este año y medio la empresa produjo casi una docena de grabaciones, incluyendo "Peace Pieces" de Herbie, un tributo a la música de Bill Evans, con el guitarrista Bruce Dunlap, Eddie Gómez y Randy Brecker.

Herbie lanzó dos álbumes con el sello Lightyear en la semana de celebración de su 65 cumpleaños en 1995. Las grabaciones, "Celebration" y "America Brasil", presentan a muchos de sus viejos amigos y compañeros musicales de su pasado, incluyendo a David "Fathead" Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi y otros.

En 1997 se le diagnosticó un cáncer de próstata inoperable, y la enfermedad finalmente le quitó la vida el 1 de julio de 2003.

La carrera de Herbie Mann no se presta a una fácil caracterización. Sin embargo, al mismo tiempo, su trabajo grabado dice mucho sobre su capacidad de fusionar formas muy variadas en un estilo coherente y atractivo que era accesible para el oyente medio. Mann también podría describirse como uno de los primeros músicos "mundiales"; su sensibilidad por las formas musicales no occidentales, que se pone de manifiesto en su capacidad para integrarlas en una obra que podía ser fácilmente apreciada por un público mayoritariamente occidental, conservando al mismo tiempo las características esenciales de su origen, tiene pocos paralelismos con los demás músicos de su generación.

Fuente: James Nadal

  

 

King Baker's Combo • The Crest Sessions

King Baker's Combo present a lively Rockabilly sound which draws influences from many rockin' styles

On this 15 track set of rockin' stompers, you'll find them covering Carl Perkins, Glen Glenn and Johnny Carroll, along with The Blasters and Crazy Cavan.

Here is a rockin' band not looking to be catagorized as "Authentic" or "Teddyboy" - but instead crossing the boundaries of these styles and blending them together.

The result is straight-ahead uptempo Rockabilly music with a stompin' boppin' beat.

https://www.raucousrecords.com/king-bakers-combo-crest-sessions-cd.html

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El Combo de King Baker presenta un animado sonido de Rockabilly que recibe influencias de muchos estilos de rock.

En este conjunto de 15 pistas de rockin' stompers, los encontrarás cubriendo a Carl Perkins, Glen Glenn y Johnny Carroll, junto con The Blasters y Crazy Cavan.

Esta es una banda de rock que no busca ser catagorizada como "Auténtico" o "Teddyboy" - sino que cruza los límites de estos estilos y los mezcla juntos.

El resultado es música rockabilly de ritmo directo con un ritmo de boppin'.

https://www.raucousrecords.com/king-bakers-combo-crest-sessions-cd.html

 

 

 

Al Sears - Taft Jordan - Hilton Jefferson • Swingville Vol.10 Rockin' In Rhythm - The Swingville All-Stars

 

 

Rockin' in Rhythm is an album by The Swingville All-Stars nominally led by saxophonists Al Sears and Hilton Jefferson and trumpeter Taft Jordan recorded in 1960 and originally released on the Swingville label.
https://en.wikipedia.org/wiki/Rockin%27_in_Rhythm_(Swingville_All-Stars_album)

 

Pat Martino • El Hombre

Biograph:

When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors and tried to piece together any memory of his life.

One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed... naked.”

In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.

Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang

. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”

He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.

Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.

Martino became actively involved with the early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.

Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz's first successful ventures into psychedelia.

In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.

Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”

https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino

 

Note: Pat Martino passed away on 1 November 2021.

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Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.

Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".

En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.

Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang

. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."

Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.

Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.

Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.

Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.

En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.

Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino

 

Nota:  Pat Martino falleció el  1 de noviembre de 2021.
 

www.patmartino.com ...

Jason Rebello • Jazz Trio Grooves

 

British jazz pianist, born 29 March 1969 in London, UK.

VA • Rockabilly Roots

 

    

Milt Jackson • Bags & Flutes

Biography by Scott Yanow
Before Milt Jackson, there were only two major vibraphonists: Lionel Hampton and Red Norvo. Jackson soon surpassed both of them in significance and, despite the rise of other players (including Bobby Hutcherson and Gary Burton), still won the popularity polls throughout the decades. Jackson (or "Bags" as he was long called) was at the top of his field for 50 years, playing bop, blues, and ballads with equal skill and sensitivity. In its essence, Jackson did for the vibes what Dizzy Gillespie did for the trumpet -- revolutionize its approach. He slowed the speed on the instrument's oscillator, changed its vibrato and perfected slow, cleverly paced blues solos. His floating solos with long, sustained notes and darting rhythms became a bop staple. A former singer, guitarist and pianist, Jackson was an extremely versatile player, cutting big-band dates, working with orchestras, and fighting to maintain a successful solo career yet retain his ties with the Modern Jazz Quartet, the group he co-founded with pianist John Lewis in 1952.

Milt Jackson started on guitar when he was seven, and piano at 11; a few years later, he switched to vibes. He actually made his professional debut singing in a touring gospel quartet. After Dizzy Gillespie discovered him playing in Detroit, he offered him a job with his sextet and (shortly after) his innovative big band (1946). Jackson recorded with Gillespie, and was soon in great demand. During 1948-1949, he worked with Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee, and the Woody Herman Orchestra. After playing with Gillespie's sextet (1950-1952), which at one point included John Coltrane, Jackson recorded with a quartet comprised of John Lewis, Percy Heath, and Kenny Clarke (1952), which soon became a regular group called the Modern Jazz Quartet. Although he recorded regularly as a leader (including dates in the 1950s with Miles Davis and/or Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane, and Ray Charles), Milt Jackson stayed with the MJQ through 1974, becoming an indispensable part of their sound. By the mid-'50s, Lewis became the musical director and some felt that Bags was restricted by the format, but it actually served him well, giving him some challenging settings. And he always had an opportunity to jam on some blues numbers, including his "Bags' Groove." However, in 1974, Jackson felt frustrated by the MJQ (particularly financially) and broke up the group. He recorded frequently for Pablo in many all-star settings in the 1970s, and after a seven-year vacation, the MJQ came back in 1981. In addition to the MJQ recordings, Milt Jackson cut records as a leader throughout his career for many labels including Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters, and Qwest. He died of liver cancer on October 9, 1999, at the age of 76.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

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Biografía de Scott Yanow
Antes de Milt Jackson, sólo había dos grandes vibrafonistas: Lionel Hampton y Red Norvo. Jackson pronto superó a ambos en importancia y, a pesar del auge de otros intérpretes (entre ellos Bobby Hutcherson y Gary Burton), siguió ganando las encuestas de popularidad a lo largo de las décadas. Jackson (o «Bags», como se le llamó durante mucho tiempo) estuvo en la cima de su campo durante 50 años, tocando bop, blues y baladas con igual habilidad y sensibilidad. En esencia, Jackson hizo por el vibráfono lo que Dizzy Gillespie hizo por la trompeta: revolucionar su enfoque. Redujo la velocidad del oscilador del instrumento, cambió su vibrato y perfeccionó los solos de blues lentos y de ritmo inteligente. Sus solos flotantes con notas largas y sostenidas y ritmos vertiginosos se convirtieron en un elemento básico del bop. Jackson, que había sido cantante, guitarrista y pianista, era un músico extremadamente versátil, que tocaba con big bands, trabajaba con orquestas y luchaba por mantener una exitosa carrera en solitario y, al mismo tiempo, conservar sus vínculos con el Modern Jazz Quartet, el grupo que cofundó con el pianista John Lewis en 1952.

Milt Jackson empezó a tocar la guitarra a los siete años y el piano a los once; unos años más tarde, se pasó al vibráfono. En realidad, debutó profesionalmente cantando en un cuarteto de gospel de gira. Cuando Dizzy Gillespie le descubrió tocando en Detroit, le ofreció trabajar con su sexteto y (poco después) con su innovadora big band (1946). Jackson grabó con Gillespie y pronto estuvo muy solicitado. Durante 1948-1949, trabajó con Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee y la Woody Herman Orchestra. Después de tocar con el sexteto de Gillespie (1950-1952), que en un momento dado incluyó a John Coltrane, Jackson grabó con un cuarteto formado por John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke (1952), que pronto se convirtió en un grupo fijo llamado Modern Jazz Quartet. Aunque grabó regularmente como líder (incluyendo fechas en los años 50 con Miles Davis y/o Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane y Ray Charles), Milt Jackson permaneció con el MJQ hasta 1974, convirtiéndose en una parte indispensable de su sonido. A mediados de los 50, Lewis se convirtió en el director musical y algunos pensaron que Bags se veía limitado por el formato, pero en realidad le servía bien, ya que le ofrecía algunos escenarios desafiantes. Y siempre tenía la oportunidad de improvisar en algunos números de blues, incluyendo su «Bags' Groove». Sin embargo, en 1974, Jackson se sintió frustrado por el MJQ (sobre todo económicamente) y disolvió el grupo. En la década de 1970 grabó con frecuencia para Pablo en muchos grupos de estrellas y, tras unas vacaciones de siete años, el MJQ regresó en 1981. Además de las grabaciones del MJQ, Milt Jackson grabó discos como líder a lo largo de su carrera para muchos sellos, como Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters y Qwest. Murió de cáncer de hígado el 9 de octubre de 1999, a la edad de 76 años.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

 

 

Rick Allen • B3 King Of New Orleans

Throughout his career, sideman Rick Allen has played Hammond B3 organ with rock and blues legends. While still in high school, he was hired by Leon Russell’s guitarist Don Preston to play teen dances in East L.A. before moving up the ranks by playing the music he loved. Whether in the studio with Sonny Boy Williamson or Dr. John, in a Detroit lounge with Howlin' Wolf, or on cross-country tours with The Doobie Brothers, The Beach Boys, Linda Ronstadt, Loggins and Messina, Rod Stewart and Boz Skaggs, culminating in a gig at Madison Square Garden and his first visit to NYC, Rick has played every kind of venue and traveled many roads.

While still in his teens, Rick backed up The Coasters, Johnny “Guitar” Watson, The Penguins of “Earth Angel” fame, and Jimmy Clanton. A few years later, he played sessions for major label rock and blues artists in Los Angeles and New Orleans: Etta James, Delaney & Bonnie Bramlett, Ernie K-Doe (Mr. “Mother-In-Law”), Freddy Fender, King Floyd, Allen Toussaint and The Dukes of Dixieland on their Grammy-nominated album, Gloryland.

Info... 

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A lo largo de su carrera, el compañero Rick Allen ha tocado el órgano Hammond B3 con leyendas del rock y el blues. Cuando aún estaba en el instituto, fue contratado por el guitarrista de Leon Russell, Don Preston, para tocar en bailes adolescentes en el este de Los Ángeles antes de ascender de rango tocando la música que le gustaba. Ya sea en el estudio con Sonny Boy Williamson o Dr. John, en un salón de Detroit con Howlin' Wolf, o en giras por todo el país con The Doobie Brothers, The Beach Boys, Linda Ronstadt, Loggins y Messina, Rod Stewart y Boz Skaggs, culminando en un concierto en el Madison Square Garden y su primera visita a la ciudad de Nueva York, Rick ha tocado en todo tipo de lugares y ha recorrido muchos caminos.

Cuando aún era adolescente, Rick apoyó a The Coasters, a Johnny "Guitar" Watson, a los Pingüinos de la fama de "Earth Angel" y a Jimmy Clanton. Unos años más tarde, tocó en sesiones de los principales sellos de rock y blues en Los Ángeles y Nueva Orleans: Etta James, Delaney & Bonnie Bramlett, Ernie K-Doe (Mr. "Mother-In-Law"), Freddy Fender, King Floyd, Allen Toussaint y The Dukes of Dixieland en su álbum nominado a los Grammy, Gloryland.

Stereophonic Space Sound Unlimited • The Spooky Sound Sessions

Stereophonic Space Sound Unlimited are a Swiss instrumental band on the Dionysus Records label. They have released several albums. Their work has been used in American television shows such as The Chris Isaak Show, and they have created film soundtracks featuring their distinctive sound.

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Stereophonic Space Sound Unlimited es una banda instrumental suiza del sello Dionysus Records. Han publicado varios álbumes. Su trabajo ha sido utilizado en programas de televisión americanos como The Chris Isaak Show, y han creado bandas sonoras de películas con su sonido distintivo. 

 

 

 

www.stereophonic-space-sound-unlimited ...

 

Quartette Tres Bien • Our Thing

The Quartette Trés Bien was an American jazz combo based in St. Louis led by pianist Jeter Thompson. The group started to play around 1960 and began recording in the mid '60s. Jeter Thompson played with Jimmy Forrest, Oliver Nelson and Emmett Carter in his early years. The bassist of the group is Richard Simmons, the drummer Albert St. James who accompanied also Charlie Parker, Tab Smith and Jimmy Forrest. Percussionist Percy James added a Latin flavor to the quartette who played more than ten years, before splitting. Jeter Thompson is still active leading for a few years the Trio Tres Bien with brothers Harold Thompson (bass) and Howard Thompson (drums).

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El Quartette Trés Bien fue un combo de jazz estadounidense con sede en San Luis dirigido por el pianista Jeter Thompson. El grupo comenzó a tocar alrededor de 1960 y empezó a grabar a mediados de los años 60. Jeter Thompson tocó con Jimmy Forrest, Oliver Nelson y Emmett Carter en sus primeros años. El bajista del grupo es Richard Simmons, el baterista Albert St. James que acompañó también a Charlie Parker, Tab Smith y Jimmy Forrest. El percusionista Percy James añadió un sabor latino al cuarteto que tocó más de diez años, antes de separarse. Jeter Thompson sigue activo dirigiendo desde hace unos años el Trío Tres Bien con los hermanos Harold Thompson (bajo) y Howard Thompson (batería).

Tommy McCook • Reggae In Jazz

 

 Artist Biography by Jason Ankeny
The leader of the legendary Skatalites, tenor saxophonist Tommy McCook was among the most innovative and influential Jamaican musicians of his generation, a prime catalyst behind the evolution and international popularity of ska and reggae. Born in 1932, McCook learned to play sax while attending Kingston's Alpha Cottage School, an institution for wayward boys; upon exiting the school at the age of 14, he toured with the dance bands of Eric Deans and Roy Coburn, emerging as a highly skilled jazz player. Between the late '40s and early '50s, he also frequently collaborated with the famed Count Ossie, lending his talents alongside those of the Rastafarian hand drummers and chanting vocalists who comprised Ossie's group. In 1954 McCook relocated to the Bahamas to join a dance band there, and in the years to follow his mastery of jazz became increasingly pronounced.

McCook did not return return to Jamaica on a permanent basis until 1962, arriving in time to help push the developing ska sound to the next level. In 1963, he was approached by Studio One musical director Jackie Mittoo to lead a new group he was forming dubbed the Skatalites; McCook initially declined the offer, but by mid-1964 he accepted the role of bandleader, drawing on his extensive knowledge of jazz and R&B to add distinctive new dimensions to their sound. Though existing only 14 months, the Skatalites were the quintessential ska band of their time, backing every major vocalist and producing an astounding amount of prime instrumental material. In the wake of the group's demise, McCook founded the Supersonics, who were soon installed as the house band at Duke Reid's Treasure Isle studio; the most sought-after studio unit of the rocksteady era, they appeared on classic hits from artists including Alton Ellis, Justin Hinds, and the Techniques.

McCook remained a fixture of the Jamaican session circuit throughout the years that followed, and he also issued a number of solo albums for producer Bunny Lee, among them 1974's Cookin', 1975's Brass Rockers, and 1977's Hot Lava. For Glen Brown, in 1976 McCook also issued a blank-labeled LP generally referred to as Horny Dub, and two years later he teamed with trumpeter Bobby Ellis for Blazing Horns. In 1983 he re-formed the Skatalites nearly two decades after their initial breakup, relocating them to the U.S. in 1985 just months after the release of their comeback album, Return of the Big Guns. A series of new releases from the Skatalites followed in the years to come, and they even notched a pair of Grammy nominations; in 1994 they mounted their first world tour, which included appearances as part of the Skavoovee U.S.A. tour, a package that included their descendants the Specials, the Selecter, and the Toasters. McCook died at his home in Atlanta, GA, on May 5, 1998.
https://www.allmusic.com/artist/tommy-mccook-mn0000519428/biography

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 Biografía del artista por Jason Ankeny
El líder de los legendarios Skatalites, el saxofonista tenor Tommy McCook fue uno de los músicos jamaicanos más innovadores e influyentes de su generación, un catalizador fundamental de la evolución y la popularidad internacional del ska y el reggae. Nacido en 1932, McCook aprendió a tocar el saxo mientras asistía a la Alpha Cottage School de Kingston, una institución para chicos descarriados; al salir de la escuela a la edad de 14 años, realizó una gira con las bandas de baile de Eric Deans y Roy Coburn, emergiendo como un músico de jazz altamente cualificado. Entre finales de los 40 y principios de los 50, también colaboró frecuentemente con el famoso Conde Ossie, prestando su talento junto con el de los bateristas rastafaris y cantantes que formaban el grupo de Ossie. En 1954 McCook se trasladó a las Bahamas para unirse a una banda de baile allí, y en los años siguientes su dominio del jazz se hizo cada vez más pronunciado.

McCook no regresó a Jamaica de forma permanente hasta 1962, llegando a tiempo para ayudar a impulsar el desarrollo del sonido del ska al siguiente nivel. En 1963, el director musical de Studio One, Jackie Mittoo, se puso en contacto con él para que dirigiera un nuevo grupo que estaba formando y que se denominaba Skatalites; McCook rechazó inicialmente la oferta, pero a mediados de 1964 aceptó el papel de director de la banda, aprovechando sus amplios conocimientos sobre el jazz y el R&B para añadir nuevas dimensiones distintivas a su sonido. Aunque sólo tenían 14 meses de existencia, los Skatalites eran la banda de ska por excelencia de su época, respaldando a todos los vocalistas importantes y produciendo una cantidad asombrosa de material instrumental de primera calidad. Tras la desaparición del grupo, McCook fundó Supersonics, que pronto se instaló como banda de la casa en el estudio de la Isla del Tesoro de Duke Reid; la unidad de estudio más buscada de la era del rocksteady, aparecieron en éxitos clásicos de artistas como Alton Ellis, Justin Hinds y The Techniques.

McCook permaneció fijo en el circuito de sesiones de Jamaica a lo largo de los años siguientes, y también publicó varios álbumes en solitario para el productor Bunny Lee, entre ellos Cookin' de 1974, Brass Rockers de 1975 y Hot Lava de 1977. Para Glen Brown, en 1976 McCook también publicó un LP con etiqueta en blanco, generalmente conocido como Horny Dub, y dos años más tarde se asoció con el trompetista Bobby Ellis para Blazing Horns. En 1983 volvió a formar a los Skatalites casi dos décadas después de su ruptura inicial, trasladándolos a los EE.UU. en 1985, sólo unos meses después del lanzamiento de su álbum de regreso, Return of the Big Guns. Una serie de nuevos lanzamientos de los Skatalites siguieron en los años siguientes, e incluso obtuvieron un par de nominaciones al Grammy; en 1994 montaron su primera gira mundial, que incluyó apariciones como parte de la gira Skavoovee U.S.A., un paquete que incluía a sus descendientes los Specials, los Selecter y los Toasters. McCook murió en su casa de Atlanta, GA, el 5 de mayo de 1998.
https://www.allmusic.com/artist/tommy-mccook-mn0000519428/biography

 

Suggested video: Klaus Doldinger's Passport - 40 Leverkusener Jazztage 2019

 

Setlist:
01 Abra Kadabra
02 Seven To Four
03 Ataraxia
04 Circus Polka (Motherhood)
05 Dark Flame
06 Sahara
07 Samburada

Musicians:
Klaus Doldinger - soprano & tenor saxophone, flute
Michael Hornek - keyboards
Ernst Strцer - percussion
Biboul Darouiche - percussion
Christian Lettner - drums
Patrick Scales - bass
Martin Scales - guitar

Shirley Scott • Blue Seven

Blue Seven album by Shirley Scott was released Nov 27, 2001 on the Original Jazz Classics label. One of Shirley Scott's stronger dates, this quintet outing matches her organ with tenor saxophonist Oliver Nelson, trumpeter Joe Newman, bassist George Tucker, and drummer Roy Brooks. The material is varied and includes such interesting tunes as "Blue Seven," "Wagon Wheels," and a swinging "Give Me the Simple Life." Boasting three strong soloists, there are a generous number of fireworks on this blowing session, which should greatly appeal to organ, Shirley Scott, and hard bop collectors. Blue Seven music CDs ~ Scott Yanow
A standout early session from organist Shirley Scott – noteworthy in that it's a quintet recording, different than Shirley's mostly-trio output from the time! Here, she's working in a group that includes Oliver Nelson on tenor sax and Joe Newman on trumpet – and Nelson's edgey tone adds a lot to the record, as it did on other Prestige sides from the same time – a deeper soul vibe than you might normally get from Shirley alone on the Hammond. The tracks are simple swinging soul jazz numbers – handled in tight format by the group – and other players include George Tucker on bass and Roy Brooks on drums. Tunes include "Blue Seven", "Wagon Wheels", "Nancy", "Don't Worry Bout It Baby Here I Am", and "Give Me The Simple Life". CD features the bonus track "How Sweet". 

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El álbum Blue Seven de Shirley Scott se publicó el 27 de noviembre de 2001 en el sello Original Jazz Classics. Uno de los discos más fuertes de Shirley Scott, este quinteto combina su órgano con el saxofonista tenor Oliver Nelson, el trompetista Joe Newman, el bajista George Tucker y el baterista Roy Brooks. El material es variado e incluye temas tan interesantes como "Blue Seven", "Wagon Wheels" y un swing "Give Me the Simple Life". Con tres fuertes solistas, hay un generoso número de fuegos artificiales en esta sesión de soplado, que debería atraer en gran medida a los coleccionistas de órgano, Shirley Scott y hard bop. CDs de música Blue Seven ~ Scott Yanow
Una destacada sesión temprana de la organista Shirley Scott, digna de mención por tratarse de una grabación de quinteto, ¡diferente de la producción de Shirley, mayoritariamente de trío, de la época! Aquí, ella está trabajando en un grupo que incluye a Oliver Nelson en el saxo tenor y Joe Newman en la trompeta - y el tono afilado de Nelson añade mucho al disco, como lo hizo en otros lados de Prestige de la misma época - una vibración más profunda del alma que usted podría conseguir normalmente de Shirley solo en el Hammond. Los temas son simples números de soul jazz - manejados en un formato apretado por el grupo - y otros jugadores incluyen a George Tucker en el bajo y Roy Brooks en la batería. Los temas incluyen "Blue Seven", "Wagon Wheels", "Nancy", "Don't Worry Bout It Baby Here I Am" y "Give Me The Simple Life". El CD incluye el tema extra "How Sweet".

Stéphane Grappelli • Verve Jazz Masters 11

 

Biography

Stephane Grappelli (originally surname was spelled with a 'Y') would have earned himself a place in Jazz History books if only for his important role in the Quintette of the Hot Club of France, featuring the dazzling virtuosity of Django Reindhart. Grappelli's violin was the perfect foil to Reindhart's guitar in this piano-less group.

Fired by Reindhart's tremendous rhythmic powers, Grappelli's contributions to recordings by the Quintette like Lime House Blues, China Boy and It Don't Mean A Thing (all 1935) and Them There Eyes, Three little Words and Swing '39 (these latter three tracks from 1938-39) were admirable in their execution.

Occasionally Grappelli would play piano, as when harmonica virtuoso Larry Adler recorded with the group in 1939, the year when Reindhart and Grappelli, violin, recorded (with delightful results) as a duo (all Django Reindhart).

Grappelli born (1908) and raised in Paris was involved with music at a very early age. By 12 years, he had acquired his first violin- just one of several instruments he learned to play. He began professionally with theatre bands, eventually being introduced to jazz music. A French jazz musician, Philippe Brun, introduced Grappelli to Reindhart. Soon after that meeting they put the idea of Quintette into practice.

When World War II commenced, Grappelli and the band were touring Britain. While the others returned to Paris Grappelli decided to stay. During the next six years he became a popular figure in London with habitues of nightlife in general and in musical entertainment in particular, working with local musicians in the local clubs. In 1946, he returned to Paris, renewed association with Reindhart, but he magic of pre-war days did not re-appear too often. Between 1948-55 worked in Club Saint Germain, Paris, and in the latter year played nine-month residency in St. Tropez.

During the '70s Grappelli has played throughout Europe, in Clubs, concerts and festivals, has and broadcast televised extensively, and has been a regular visitor to the recording studio.

In 1966, Grappelli was recorded in concert in Switzerland, together with fellow jazz violinist Jean-Luc Ponty, Stuff Smith and Svend Asmussen (Violin Summit). Since then he has recorded frequently in London. A live date at the Queen Elizabeth Hall (Stephane Grappelli 1972) finds him responding to an enthusiastic audience. Elsewhere he has recorded with much success, with Americans Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) and Barney Kessel (I Remember Django).

https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli

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Biografía

Stéphane Grappelli (originalmente el apellido se escribía con una "Y") se habría ganado un lugar en los libros de historia del jazz aunque sólo fuera por su importante papel en el Quinteto del Hot Club de Francia, con el deslumbrante virtuosismo de Django Reindhart. El violín de Grappelli fue el perfecto complemento de la guitarra de Reindhart en este grupo sin piano.

Impulsados por los tremendos poderes rítmicos de Reindhart, las contribuciones de Grappelli a grabaciones del Quinteto como Lime House Blues, China Boy y It Don't Mean A Thing (todas de 1935) y Them There Eyes, Three little Words y Swing '39 (estas tres últimas canciones de 1938-39) fueron admirables en su ejecución.

Ocasionalmente Grappelli tocaba el piano, como cuando el virtuoso de la armónica Larry Adler grabó con el grupo en 1939, año en que Reindhart y Grappelli, violín, grabaron (con resultados deliciosos) como dúo (todos Django Reindhart).

Grappelli, nacido en 1908 y criado en París, se involucró en la música a una edad muy temprana. A los 12 años ya había adquirido su primer violín, uno de los muchos instrumentos que aprendió a tocar. Empezó profesionalmente con bandas de teatro, y finalmente se introdujo en la música de jazz. Un músico de jazz francés, Philippe Brun, presentó a Grappelli a Reindhart. Poco después de ese encuentro pusieron en práctica la idea del Quinteto.

Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Grappelli y la banda estaban de gira por Gran Bretaña. Mientras los demás volvían a París, Grappelli decidió quedarse. Durante los siguientes seis años se convirtió en una figura popular en Londres con hábitos de vida nocturna en general y de entretenimiento musical en particular, trabajando con músicos locales en los clubes locales. En 1946, regresó a París, renovando su asociación con Reindhart, pero la magia de los días de preguerra no reapareció con demasiada frecuencia. Entre 1948-55 trabajó en el Club Saint Germain de París, y en este último año hizo una residencia de nueve meses en St.

Durante los años 70 Grappelli ha tocado en toda Europa, en Clubes, conciertos y festivales, ha transmitido por televisión y ha sido un visitante regular del estudio de grabación.

En 1966, Grappelli se grabó en concierto en Suiza, junto con su colega violinista de jazz Jean-Luc Ponty, Stuff Smith y Svend Asmussen (Violin Summit). Desde entonces ha grabado frecuentemente en Londres. Una cita en directo en el Queen Elizabeth Hall (Stéphane Grappelli 1972) le encuentra respondiendo a un público entusiasta. En otros lugares ha grabado con mucho éxito, con los americanos Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) y Barney Kessel (I Remember Django).

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