Saturday, February 1, 2025
Pat Martino • Nightwings
Biograph:
When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his
parents and his doctors and tried to piece together any memory of his
life.
One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe
brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition
could be terminal. After his operations he could remember almost
nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his
guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped
cold, empty, neutral, cleansed... naked.”
In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through
intensive study of his own historic recordings, and with the help of
computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return
to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old
friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.”
This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history.
Since playing his first notes while still in his pre-teenage years,
Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic
guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching
performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He
embodies thoughtful energy and soul.
Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz
through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and
briefly studied guitar with Eddie Lang
. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes
Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father
and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious
with my creative powers.”
He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in
tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music
teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John
Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked
about music.
Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album
Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny
Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me,
as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.
Martino became actively involved with the early rock scene in
Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and
Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a
high school friend. His reputation soon spread among other jazz
players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits
such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red
Holloway.
Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by
Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's
jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The
organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and
harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging
with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth
birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was
twenty. His seminal albums from this period include classics like
Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of
jazz's first successful ventures into psychedelia.
In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which
were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his
surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in
New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The
Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill,
and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and
then The Maker.
Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a
musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty,
is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to
his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his
rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral
arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians
flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of
his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who
has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great
importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what
matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are
alive. The guitar is just an apparatus.”
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100
Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.
Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".
En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.
Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang
. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."
Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.
Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.
Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.
Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.
En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.
Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
www.patmartino.com ...///////
Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100
Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.
Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".
En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.
Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang
. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."
Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.
Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.
Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.
Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.
En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.
Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
Houston Person • Reminiscing At Rudy's
The latest album in tenor saxophonist Houston Person's large catalogue is a tribute to his old friend, the late Rudy Van Gelder, and features Person in a quintet playing a selection of ballads and up-tempo tunes in his honour.
Tenor saxophonist Houston Person's playing has a lot in common with a perfectly brewed cup of coffee: both are bold, satisfying, smooth, eye-opening and addictive once experienced.
Whether it be during smouldering blues-tinged numbers ("Please Send Me Someone to Love"), up-tempo takes on old favorites ("At Long Last Love," "Moon River"), or steamy, sultry, late-night ballads ("Put Your Head on My Shoulder"), Person never fails to deliver a performance where expressivity is the order of the day. The band is made up of a hand-picked group from Person's cadre of regular colleagues with guitar great Russell Malone adding his imaginative voicings and swinging rhythms to the mix.
The album's title is an homage to Houston's engineer of choice, the legendary Rudy Van Gelder. Person's very first recording as a leader, the 1967 'Underground Soul!', was done at Rudy's fabled Englewood Cliffs studio and they continued their friendship and working relationship until Van Gelder's passing in 2016. But this is a not a backward-looking memorial album. That is not Person's style. If you go by his busy performance schedule and his extensive discography, Houston Person is, like his fans, always looking forward to his next gig.
https://www.prestomusic.com/jazz/products/9377100--reminiscing-at-rudys
//////
El último álbum del extenso catálogo del saxofonista tenor Houston Person es un homenaje a su viejo amigo, el difunto Rudy Van Gelder, y presenta a Person en un quinteto que interpreta una selección de baladas y temas animados en su honor.
La forma de tocar del saxofonista tenor Houston Person tiene mucho en común con una taza de café perfectamente preparada: ambas son atrevidas, satisfactorias, suaves, reveladoras y adictivas una vez experimentadas.
Ya se trate de blues ardiente ("Please Send Me Someone to Love"), de viejas canciones favoritas ("At Long Last Love", "Moon River") o de baladas nocturnas ("Put Your Head on My Shoulder"), Person nunca deja de ofrecer una interpretación en la que la expresividad está a la orden del día. La banda está formada por un grupo cuidadosamente seleccionado entre los colegas habituales de Person, con el gran Russell Malone a la guitarra, que añade a la mezcla sus imaginativos voicings y sus ritmos oscilantes.
El título del álbum es un homenaje al ingeniero de Houston, el legendario Rudy Van Gelder. La primera grabación de Person como líder, "Underground Soul!", de 1967, se realizó en el legendario estudio de Rudy en Englewood Cliffs y mantuvieron su amistad y relación de trabajo hasta el fallecimiento de Van Gelder en 2016. Pero este no es un álbum conmemorativo retrospectivo. Ese no es el estilo de Person. Si nos guiamos por su apretada agenda de actuaciones y su extensa discografía, Houston Person está, al igual que sus fans, siempre deseando que llegue su próxima actuación.
https://www.prestomusic.com/jazz/products/9377100--reminiscing-at-rudys
Hank Jones & Cheick Tidiane Seck • Sarala
Review
by Alexander Gelfand
This must surely be one of the most unusual items in Hank Jones' catalog. Few people would probably associate Jones -- one of the finest pianists that jazz has ever known, and a man who has played with everyone from Charlie Parker to Tony Williams -- with contemporary Afro-pop; yet this album is an infectiously grooving example of just that, featuring the remarkably versatile pianist alongside a stellar cast of musicians from the West African nation of Mali. At first glance, the Malian pop music that is featured on this cross-cultural outing would seem to be light-years from the kind of harmonically sophisticated jazz that Jones has played throughout most of his long and distinguished career. The chord changes that ordinarily undergird Jones' elegantly constructed solos are conspicuously absent from Malian music, which derives much of its unique flavor from the complex rhythmic interplay between electric guitars, keyboards, and traditional African instruments. Nonetheless, Jones plays this material as if he were born to it. His solos, while brief, beautifully straddle the line between his own personal style and the equally distinctive sound of his Malian bandmates; and his lines mesh perfectly with the mesmerizing rhythmic accompaniment provided by the rest of the ensemble. And quite an ensemble it is; some of the biggest names in Malian pop are featured on this album under the direction of leader Cheick-Tidiane Seck, and traditional instruments like the n'goni lute and balafon xylophone are given plenty of solo space. In addition, every track features a traditional Malian praise-song delivered by a powerful lead vocalist and a full complement of backup singers. An unlikely partnership, perhaps, but one that yields extraordinary results.
https://www.allmusic.com/album/sarala-mw0000648311
///////
Reseña
por Alexander Gelfand
Éste debe de ser sin duda uno de los discos más inusuales del catálogo de Hank Jones. Probablemente poca gente asociaría a Jones -uno de los mejores pianistas que ha conocido el jazz, y un hombre que ha tocado con todo el mundo, desde Charlie Parker a Tony Williams- con el afro-pop contemporáneo; sin embargo, este álbum es un ejemplo contagioso de ello, presentando al pianista extraordinariamente versátil junto a un elenco estelar de músicos de la nación de África Occidental de Malí. A primera vista, la música pop maliense que aparece en este cruce de culturas parece estar a años luz del tipo de jazz armónicamente sofisticado que Jones ha tocado durante la mayor parte de su larga y distinguida carrera. Los cambios de acordes que suelen sustentar los solos elegantemente construidos de Jones brillan por su ausencia en la música maliense, que obtiene gran parte de su sabor único de la compleja interacción rítmica entre guitarras eléctricas, teclados e instrumentos tradicionales africanos. Sin embargo, Jones toca este material como si hubiera nacido para ello. Sus solos, aunque breves, se sitúan a caballo entre su estilo personal y el sonido igualmente distintivo de sus compañeros malienses, y sus líneas encajan a la perfección con el fascinante acompañamiento rítmico del resto del conjunto. Y vaya conjunto: algunos de los nombres más importantes del pop maliense aparecen en este álbum bajo la dirección del líder Cheick-Tidiane Seck, e instrumentos tradicionales como el laúd n'goni y el xilófono balafón tienen mucho espacio en solitario. Además, cada tema incluye una canción de alabanza tradicional maliense interpretada por un potente vocalista y un completo grupo de coristas. Una asociación improbable, tal vez, pero que produce resultados extraordinarios.
https://www.allmusic.com/album/sarala-mw0000648311
Joe Kap Organ Trio • Street Noise
This recording of largely original compositions from the Joe Kap (né Kaplowitz) Organ Trio is a combination of the old and the new, insofar as the genre of organ-guitar-drum groups are concerned. The band well may have been playing the last set at Dupree's Rib Joint, possibly located near the intersection of Myrtle and Bedford Avenues in Brooklyn, NY, which geographically covers the first two tracks.
The first half of this album seems to be blue and funky, with Kap laying down a groove at either ballad or mid-tempo pace, but relaxed and relying upon single notes as opposed to an overpowering chorded keyboard technique. The second half starts with Cole Porter's "It's Alright With Me" taken way up-tempo and "Try It Baby," an R&B tune that Berry Gordy wrote for Marvin Gaye. From this point, Kap seems more interested in providing more of a funk overlay to these tunes and it adds a bit more grease and grit to the presentation. "Mr. Heid" is a percussive tribute to Bill Heid. "Street Noise Part 2" is a free jazz venture which begins with what sounds like electronica on the Fender Rhodes. On that track, guitarist Paul Pieper, who does not get a lot of solo space, plays in the manner of Dom Minasi with one eye on the sheet music and the other on the stratosphere. There is also a touch of acid jazz on the latter half of the session.
A lot of the enjoyment of this group relates to one's affinity (or tolerance) for the organ trio. Marty Morrison is a powerhouse drummer who obviously clicks well with Mr. Kap, and Pieper gets in some good licks on guitar, but he is largely a background player here. I think that this album is too ambitious in trying to reach across several generations of B-3 followers.
By Michael P. Gladstone
May 2, 2004
https://www.allaboutjazz.com/street-noise-joe-kap-severn-records-review-by-michael-p-gladstone
///////
Esta grabación de composiciones en gran parte originales del Joe Kap (né Kaplowitz) Organ Trio es una combinación de lo viejo y lo nuevo, en lo que al género de grupos de órgano-guitarra-batería se refiere. El grupo bien podría haber estado tocando el último set en Dupree's Rib Joint, posiblemente situado cerca de la intersección de las avenidas Myrtle y Bedford en Brooklyn, NY, que geográficamente cubre las dos primeras pistas.
La primera mitad de este álbum parece azul y funky, con Kap marcando el ritmo a ritmo de balada o medio tempo, pero relajado y basándose en notas sueltas en lugar de una técnica de teclado con acordes abrumadora. La segunda mitad comienza con "It's Alright With Me" de Cole Porter, subida de tono, y "Try It Baby", un tema de R&B que Berry Gordy escribió para Marvin Gaye. A partir de este momento, Kap parece más interesado en dar un toque funk a estos temas y añade un poco más de grasa y arena a la presentación. "Mr. Heid" es un homenaje percusivo a Bill Heid. "Street Noise Part 2" es una aventura de free jazz que comienza con lo que suena a electrónica en el Fender Rhodes. En este tema, el guitarrista Paul Pieper, que no tiene mucho espacio para los solos, toca a la manera de Dom Minasi, con un ojo en la partitura y el otro en la estratosfera. También hay un toque de acid jazz en la segunda mitad de la sesión.
Gran parte del disfrute de este grupo está relacionado con la afinidad (o tolerancia) de cada uno por el trío de órgano. Marty Morrison es un potente batería que, obviamente, congenia bien con Mr. Kap, y Pieper hace algunos buenos licks a la guitarra, pero aquí es, en gran medida, un músico de fondo. Creo que este álbum es demasiado ambicioso al intentar llegar a varias generaciones de seguidores de la B-3.
Por Michael P. Gladstone
2 de mayo de 2004
https://www.allaboutjazz.com/street-noise-joe-kap-severn-records-review-by-michael-p-gladstone
joekaplowitz.com ...
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