Shirley Scott • Like Cozy

Review by Thom Jurek:
The groove of the recordings heard on Like Cozy is what we've come to expect from Ms. Scott, late-night smooth groove that was heavy on ballads, medium bounce standards, and melodic interplay between leader and sidemen -- a trademark specialty of the label. Scott's piano playing is elegant and reminiscent of both Errol Garner's and Billy Taylor's. She has Garner's ornate sense of style, and Taylor's medium touch and sparse phrasing. A listen to the ballads and bounces here offers Scott's dimensions and inventions as a pianist. The rest of the disc, where Scott resumes her organist's duties, is a pretty and restrained affair, with just enough funk to keep the listener in the groove -- and it's all groove: smooth, slow, and slippery. Tracks such as "'Deed I Do" holds the blues firmly in its grasp as Scott extrapolates on the changes with a subtle but defined harmonic invention. There are no stunners here, but there weren't meant to be. These records were designed for the late-night-after-the-club feel, and they work that way. Like Ben Webster's Ballads or With Strings, these recordings are soundtracks for midnight rendezvous or early in the morning trysts with a loved one. [A Fantasy "two-fer" reissue added another LP from 1960, The Shirley Scott Trio, issued as Moodsville 5. It too features the talents of bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill, plus two cuts with Scott playing piano.]

 

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Reseña de Thom Jurek:
El ritmo de las grabaciones que se escuchan en Like Cozy es lo que hemos llegado a esperar de la Sra. Scott, un ritmo suave nocturno con mucho peso de las baladas, los estándares de rebote medio y la interacción melódica entre el líder y los acompañantes, una especialidad de la marca. La forma de tocar el piano de Scott es elegante y recuerda tanto a la de Errol Garner como a la de Billy Taylor. Tiene el sentido ornamentado del estilo de Garner, y el toque medio y el fraseo escaso de Taylor. Una escucha de las baladas y rebotes aquí ofrece las dimensiones e invenciones de Scott como pianista. El resto del disco, en el que Scott retoma sus funciones de organista, es un asunto bonito y comedido, con el funk justo para mantener al oyente en la onda - y es todo onda: suave, lento y resbaladizo. Temas como "'Deed I Do" mantiene el blues firmemente agarrado mientras Scott extrapola los cambios con una sutil pero definida invención armónica. No hay nada sorprendente aquí, pero no se pretendía que lo hubiera. Estos discos fueron diseñados para la sensación de la noche después del club, y funcionan de esa manera. Al igual que las baladas de Ben Webster o With Strings, estas grabaciones son bandas sonoras para las citas de medianoche o para los encuentros con la persona amada a primera hora de la mañana. Una reedición de Fantasy "two-fer" añadió otro LP de 1960, The Shirley Scott Trio, publicado como Moodsville 5. También cuenta con el talento del bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill, además de dos cortes con Scott tocando el piano].

Stanley Jordan • Bolero

 

www.stanleyjordan.com ...

Johnny Hodges & Wild Bill Davis • Mess Of Blues

Review by Scott Yanow

In the 1960s altoist Johnny Hodges took a brief time off from Duke Ellington's orchestra to record eight albums with organist Wild Bill Davis. For this, their third collaboration, the duo welcome guitarist Kenny Burrell, trumpeter Joe Wilder and either Osie Johnson or Ed Shaughnessy on drums. Hodges plays typically beautifully on such numbers as "I Cried for You," "Lost in Meditation" and "Stolen Sweets" and, although no real surprises occur (and the playing time at around a half-hour is quite brief), the performances are up to par.

https://www.allmusic.com/album/mess-of-blues-mw0000830977

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Reseña de Scott Yanow

En la década de 1960, Johnny Hodges se tomó un breve descanso de la orquesta de Duke Ellington para grabar ocho álbumes con el organista Wild Bill Davis. Para esta tercera colaboración, el dúo da la bienvenida al guitarrista Kenny Burrell, al trompetista Joe Wilder y a Osie Johnson o Ed Shaughnessy a la batería. Hodges toca maravillosamente en números como "I Cried for You", "Lost in Meditation" y "Stolen Sweets" y, aunque no se producen sorpresas reales (y el tiempo de juego de alrededor de media hora es bastante breve), las actuaciones están a la altura.

https://www.allmusic.com/album/mess-of-blues-mw0000830977

 

 

 

Walter Wanderley & Seu Conjunto • Festa Dancante

Artist Biography by Alvaro Neder

Walter Wanderley was a talented and gifted organist with an acute ear for new harmonies. With 46 recorded solo albums in his entire career, both in Brazil and the U.S., he reached number 26 on the Billboard pop charts in September 1966, opening a large pathway of success only menaced by himself and his complex character. Ten years after his death from cancer, with a new fad coming, he was repackaged by the entertainment industry as a mere lounge player, carrying his record sales even further and sending the cost of his out-of-print albums to the stratosphere, but all at the cost of minimizing his significance. It is forgotten that the time lag worked against him and what today is lounge music was then innovative and revolutionary. With all those fans of samba-canção divas feeling personally insulted by those percussive rhythms reminiscent of a Brazilian black tradition that was not dear to the average Brazilian, it has to be stressed that the bossa nova movement, and Wanderley within it, had the role of affirming Brazilian identity in a broader cultural industry which was developed out of the folkloric redoubts. In fact, he also has an upbeat production full of that energy provided by his distinctive staccato stuttering style, immediately reminiscent of authentic Brazilian rhythmic and percussive impetus. He also improvised extended melodic solos without reheated licks, but that was obviously also left out of his most popular albums.

At five, he was already playing the piano. At 12, he attended the Licee of Arts for a year of theory classes, later studying harmony and arranging. Beginning his professional career while still in Recife, a most lively city with a vibrant cultural life, he worked every night either at the piano or at the organ. At 26, in 1958, he moved to São Paulo and immediately became an active player in nightclubs such as the Claridge, the Captain's Bar, and Oásis. Wanderley's first recording was in August 1959 for Odeon, with Carlos Lyra's "Lobo Bobo." Backing his wife, Brazilian singer Isaurinha Garcia (with whom he had a daughter, Monica), he recorded for the second time one month later. At that time, he was Garcia's accompanist and arranger. He would record another six LPs accompanying Garcia and another 19 solo albums in Brazil for several labels; he was left out of some of the credits because of his contract with Philips. Wanderley became known on the artistic scene for recording young artists, like Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, and others, until then with no expression out of the little nightclubs in which they performed on a nightly basis. But as the tunes and arrangements were fun to dance to, the albums sold very well. João Gilberto's João Gilberto (later reissued as O Mito in Brazil and as The Legendary João Gilberto in the U.S. in 1990 by World Pacific) from 1961 also had Walter in it. An impatient Wanderley then bent under Gilberto's oppressive, meticulous direction on March 10. That was the third album Gilberto was recording for Odeon and would be the last. Until then, Gilberto had Tom Jobim as pianist and Aluísio de Oliveira as producer. In spite of his frequent discussions with de Oliveira, the producer was the person who mediated Gilberto's hard relationship with Jobim. But de Oliveira had left Odeon the previous September, and Jobim didn't want to be scheduled for that recording. Gilberto, not knowing how to write music, insisted on expressing his musical vision of overall arrangements by singing, and that not only included the tones themselves, but the expression, timbre, and articulation. This drove Wanderley mad, especially with a certain sound effect of a boat's siren for "O Barquinho" ("Little Boat"), which was never good enough for Gilberto. The next day, Gilberto interrupted the recording of that album, only resuming it five months later with Jobim as musical director. Wanderley went on with his career and life, beginning an association with singer Claudette Soares in 1963, as an arranger and accompanist. His marriage was broken at this period. He also recorded for several renowned Brazilian singers in that time, among them Dóris Monteiro and Geraldo Vandré. It was when Tony Bennett saw Wanderley during a Brazilian tour and was taken by his playing. He urged Wanderley to move to the U.S. and, he himself talked about him to Verve Records producer Creed Taylor, also giving Taylor some of Wanderley's albums. After some insistence, Taylor sent contracts for Wanderley and his trio to record a single. So in 1966, they recorded brothers Marcos and Paulo Sérgio Valle's "Samba de Verão" ("Summer Samba"). It was an instant success, with radio stations playing it four or five times per hour. In that same year, the LP Rain Forest came out, also selling very well and was certified platinum (one million units sold) in two years. The trio accompanied Astrud Gilberto on her A Certain Smile, a Certain Sadness album, also in 1966. He would record six more solo LPs or singles for Verve until the next year, and ten more in his career in the U.S. He always sold well and had a full performing schedule, in which local presentations at the San Francisco area were interspersed with some tours to Mexico. He never did return to Brazil after moving to the U.S. and he went on with his life until death caught up with him.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

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 Biografía del artista por Alvaro Neder

Walter Wanderley era un organista talentoso y dotado con un oído agudo para las nuevas armonías. Con 46 discos en solitario grabados en toda su carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en las listas de éxitos de Billboard en septiembre de 1966, abriendo un gran camino de éxito sólo amenazado por él mismo y su complejo personaje. Diez años después de su muerte por cáncer, con una nueva moda que se avecinaba, fue reempaquetado por la industria del entretenimiento como un simple jugador de salón, llevando sus ventas de discos aún más lejos y enviando el costo de sus álbumes agotados a la estratosfera, pero todo a costa de minimizar su importancia. Se olvida que el desfase temporal le perjudicó y que lo que hoy en día es música de salón era entonces innovadora y revolucionaria. Con todos esos fanáticos de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan a una tradición negra brasileña que no era querida por el brasileño promedio, hay que subrayar que el movimiento bossa nova, y Wanderley dentro de él, tuvo el papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más amplia que se desarrolló a partir de los reductos folclóricos. De hecho, también tiene una producción optimista llena de esa energía que le proporciona su distintivo estilo de tartamudeo del staccato, que recuerda inmediatamente el auténtico impulso rítmico y percusivo brasileño. También improvisó solos melódicos extendidos sin lametones recalentados, pero eso obviamente también fue dejado fuera de sus álbumes más populares.

A los cinco años, ya tocaba el piano. A los 12 años, asistió a la Licenciatura de Artes durante un año de clases de teoría, para luego estudiar armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife, una ciudad muy animada con una vibrante vida cultural, donde trabajó todas las noches, ya sea en el piano o en el órgano. A los 26 años, en 1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un jugador activo en clubes nocturnos como el Claridge, el Captain's Bar y Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Apoyando a su esposa, la cantante brasileña Isaurinha García (con quien tuvo una hija, Mónica), grabó por segunda vez un mes después. En ese momento, era el acompañante y arreglista de García. Grabaría otros seis LPs acompañando a García y otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; fue excluido de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley se dio a conocer en la escena artística por la grabación de jóvenes artistas, como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, y otros, hasta entonces sin expresión alguna de los pequeños clubes nocturnos en los que actuaban todas las noches. Pero como las canciones y los arreglos eran divertidos para bailar, los álbumes se vendieron muy bien. João Gilberto de João Gilberto (más tarde reeditado como O Mito en Brasil y como The Legendary João Gilberto en los EE.UU. en 1990 por World Pacific) de 1961 también tenía a Walter en él. Un Wanderley impaciente se inclinó bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto el 10 de marzo. Ese fue el tercer álbum que Gilberto estaba grabando para Odeon y sería el último. Hasta entonces, Gilberto tenía a Tom Jobim como pianista y a Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus frecuentes conversaciones con de Oliveira, el productor fue la persona que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira había dejado Odeon el pasado septiembre, y Jobim no quería que se le programara para esa grabación. Gilberto, sin saber escribir música, insistió en expresar su visión musical de los arreglos globales a través del canto, y eso no sólo incluía los tonos en sí mismos, sino también la expresión, el timbre y la articulación. Esto volvió loco a Wanderley, especialmente con un cierto efecto sonoro de la sirena de un barco para "O Barquinho" ("El Barquito"), que nunca fue suficiente para Gilberto. Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de ese disco y sólo lo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical. Wanderley continuó con su carrera y su vida, comenzando una asociación con la cantante Claudette Soares en 1963, como arreglista y acompañante. Su matrimonio se rompió en este período. También grabó para varios cantantes brasileños de renombre en esa época, entre ellos Dóris Monteiro y Geraldo Vandré. Fue cuando Tony Bennett vio a Wanderley durante una gira brasileña y se dejó llevar por su forma de tocar. Instó a Wanderley a mudarse a los Estados Unidos y él mismo habló de él con el productor de Verve Records, Creed Taylor, dándole también a Taylor algunos de los discos de Wanderley. Después de alguna insistencia, Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un sencillo. Así que en 1966, grabaron a los hermanos Marcos y Paulo Sérgio Valle "Samba de Verão" ("Samba de verano"). Fue un éxito instantáneo, con estaciones de radio que lo tocaban cuatro o cinco veces por hora. En ese mismo año, el LP Rain Forest salió a la venta, también se vendió muy bien y fue certificado platino (un millón de unidades vendidas) en dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum A Certain Smile, a Certain Sadness, también en 1966. Grabaría seis LPs o singles más para Verve hasta el próximo año, y diez más en su carrera en los Estados Unidos. Siempre se vendió bien y tenía un programa completo de presentaciones, en el que las presentaciones locales en el área de San Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a Brasil después de mudarse a Estados Unidos y continuó con su vida hasta que la muerte lo atrapó.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

 

 

 

Grant Green • Shades Of Green

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

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Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros jugadores. Colaboró con muchos organistas, entre ellos el Hermano Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green jugó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

The Exotics • Twangy Surf & Spy Themes

Formed in 1994, The Exotics have kept the sound of the Sixites Go-Go beat alive. Touring in support of their 1996 debut "Go Go Guitars," & 2009's "Lost Album," they've traveled the nation from coast to coast. The band recently released "Twangy Surf & Spy Themes," an all original retrospective containing new, remixed, & favorite tracks. 


 

VA • Jazz In Paris - Louis Armstrong And Friends [1933-39]

 

In tune with the book "Better Days Will Come Again: The Life of Arthur Briggs, Jazz Genius of Harlem, Paris, and a Nazi Prison Camp", here is a compilation of some of his performances.

 

Review
by Ken Dryden  
The title of this compilation is a bit misleading, as Louis Armstrong only appears on seven of the CD's 20 tracks. All of them were recorded during a visit by the trumpeter to France in 1934 and were made on the sly, since he was under an exclusive contract to another label. The all-stars were primarily European musicians assembled for the session, though pianist Herman Chittison, a fellow American, makes his mark in "Super Tiger Rag," along with the leader's crisp, high-note solo. They compare favorably with some of Armstrong's later work back home with larger orchestras, but for the most part, the music is of minimal interest aside from his contributions. The other selections are a mixed bag. Pianist Freddy Johnson and trumpeter Arthur Briggs lead an orchestra that offers rather dated treatments of "Sweet Georgia Brown" and Spencer Williams' "Foxy and Grapesy." Actress Marlene Dietrich sings in her native German in "Wo Ist der Mann?" (Where Is the Man?), though the lyrics are half-spoken, backed by Briggs and Johnson leading a quintet. Tracks featuring vocalist Louis Cole with Briggs and Johnson are simply forgettable. Austrian singer Greta Keller is far more interesting than Dietrich on her pair of songs, including a moving "Goodbye to Summer" and the humorous, lightly swinging "I'm Gonna Lock My Heart and Throw Away the Key." The band is a good one, with expatriates Herman Chittison on piano and trumpeter Bill Coleman soloing. Clarinetist Danny Polo leads a sextet on the last four tracks, featuring either Garland Wilson or Una Mae Carlisle on piano and the phenomenal but underrated guitarist Oscar Alemán. The unaccredited "Doing the Gorgonzola" is easily the high point of this rare session. Overall, this music falls somewhat short of being essential, though the very reasonable price (like all of the CDs in Universal's Jazz in Paris series) makes it a bit more attractive.
https://www.allmusic.com/album/jazz-in-paris-louis-armstrong-and-friends-mw0000229374

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Reseña
por Ken Dryden  
El título de esta recopilación es un poco engañoso, ya que Louis Armstrong sólo aparece en siete de las 20 pistas del CD. Todas ellas fueron grabadas durante una visita del trompetista a Francia en 1934 y se hicieron a escondidas, ya que tenía un contrato de exclusividad con otra discográfica. Las estrellas eran principalmente músicos europeos reunidos para la sesión, aunque el pianista Herman Chittison, también estadounidense, deja su impronta en "Super Tiger Rag", junto con el nítido y agudo solo del líder. Las composiciones de Armstrong son de gran calidad y se pueden comparar favorablemente con algunos de sus trabajos posteriores con orquestas más grandes, pero en su mayor parte, la música tiene un interés mínimo aparte de sus contribuciones. El resto de las selecciones son variadas. El pianista Freddy Johnson y el trompetista Arthur Briggs dirigen una orquesta que ofrece tratamientos bastante anticuados de "Sweet Georgia Brown" y "Foxy and Grapesy" de Spencer Williams. La actriz Marlene Dietrich canta en su alemán nativo en "Wo Ist der Mann?" (¿Dónde está el hombre?). (¿Dónde está el hombre?), aunque la letra es medio hablada, respaldada por Briggs y Johnson al frente de un quinteto. Los temas en los que aparece el vocalista Louis Cole con Briggs y Johnson son sencillamente olvidables. La cantante austriaca Greta Keller es mucho más interesante que Dietrich en su par de canciones, incluyendo una conmovedora "Goodbye to Summer" y la humorística y ligeramente oscilante "I'm Gonna Lock My Heart and Throw Away the Key". La banda es buena, con los expatriados Herman Chittison al piano y el trompetista Bill Coleman en solitario. El clarinetista Danny Polo lidera un sexteto en los cuatro últimos temas, con Garland Wilson o Una Mae Carlisle al piano y el fenomenal pero infravalorado guitarrista Oscar Alemán. El tema no acreditado "Doing the Gorgonzola" es fácilmente el punto culminante de esta rara sesión. En general, esta música no llega a ser esencial, aunque el precio muy razonable (como todos los CD de la serie Jazz in Paris de Universal) la hace un poco más atractiva.
https://www.allmusic.com/album/jazz-in-paris-louis-armstrong-and-friends-mw0000229374

Joe Pass-J.J. Johnson • We'll Be Together Again

 

Shirley Scott with Latin Jazz Quintet • Mucho, Mucho

An excellent album that mixes Latin grooves with heavy Hammond organ -- one of the most unique albums ever recorded by the great Shirley Scott! The session features Shirley's organ backed up by the Latin Jazz Quintet of Juan Amalbert-- a very hip combo that blends together piano, vibes, and percussion -- all with a highly rhythmic approach that really drives the album! The blend of organ and Latin modes was quite unique for the time -- and still sounds pretty darn great today -- and titles include "Mucho Mucho", "Muy Azul", "Tell Me", "The Lady Is A Tramp", and a nice long Latin version of "Walkin". [Dusty Groove]

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Un excelente álbum que mezcla ritmos latinos con el pesado órgano Hammond... ¡uno de los álbumes más singulares jamás grabado por la gran Shirley Scott! La sesión presenta el órgano de Shirley respaldado por el Quinteto de Jazz Latino de Juan Amalbert - un combo muy moderno que combina el piano, las vibraciones y la percusión - todo con un enfoque muy rítmico que realmente impulsa el álbum! La mezcla de los modos de órgano y latín era bastante única para la época -- y todavía suena bastante bien hoy -- y los títulos incluyen "Mucho Mucho", "Muy Azul", "Tell Me", "The Lady Is A Tramp", y una bonita versión larga en latín de "Walkin". [Dusty Groove]

VA • Dancing the Ska

 

Studio One founder and producer Clement Dodd was the leading exponent of the ska music that has resonated with fans and influenced countless musicians throughout the world to this day. The vaults at Studio One are filled with some of the greatest ska recordings made by the top artists of the era like the Wailers, the Soul Brothers and Delroy Wilson.

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El fundador y productor de Studio One, Clement Dodd, fue el principal exponente de la música ska que ha resonado entre los aficionados e influido en innumerables músicos de todo el mundo hasta nuestros días. Las cámaras acorazadas de Studio One están repletas de algunas de las mejores grabaciones de ska realizadas por los mejores artistas de la época, como los Wailers, los Soul Brothers y Delroy Wilson.

Horace Parlan • Up & Down

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
By adding guitarist Grant Green and tenor saxophonist Booker Ervin to his standard rhythm section of bassist George Tucker and drummer Al Harewood, pianist Horace Parlan opens up his sound and brings it closer to soul-jazz on Up and Down. Green's clean, graceful style meshes well with Parlan's relaxed technique, while Ervin's robust tone and virile attack provides a good contrast to the laid-back groove the rhythm section lays down. Stylistically, the music is balanced between hard bop and soul-jazz, which are tied together by the bluesy tint in the three soloists' playing. All of the six original compositions give the band room to stretch out and to not only show off their chops, but move the music somewhat away from generic conventions and find new territory. In other words, it finds Parlan at a peak, and in many ways, coming into his own as a pianist and a leader.
https://www.allmusic.com/album/up-down-mw0000556382

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Al añadir al guitarrista Grant Green y al saxofonista tenor Booker Ervin a su sección rítmica habitual formada por el bajista George Tucker y el batería Al Harewood, el pianista Horace Parlan abre su sonido y lo acerca al soul-jazz en Up and Down. El estilo limpio y elegante de Green encaja bien con la técnica relajada de Parlan, mientras que el tono robusto y el ataque viril de Ervin ofrecen un buen contraste con el ritmo relajado de la sección rítmica. Estilísticamente, la música está equilibrada entre el hard bop y el soul-jazz, unidos por el tinte bluesy de los tres solistas. Las seis composiciones originales dan a la banda espacio para estirarse y no sólo para mostrar sus habilidades, sino también para alejar un poco la música de las convenciones genéricas y encontrar nuevos territorios. En otras palabras, Parlan se encuentra en un momento álgido y, en muchos sentidos, en su mejor momento como pianista y líder.
https://www.allmusic.com/album/up-down-mw0000556382

Pink Floyd: Album by Album

 

This stunning look back at Pink Floyd’s discography comprises a series of in-depth, frank, and entertaining conversations about all of the band's studio albums, including their soundtrack efforts and the instrumental/ambient The Endless River. Inside, prolific rock journalist Martin Popoff moderates discussions on each album with rock journalists and musicians who offer insights, opinions, and anecdotes about every release.

Together, the conversations comprise a unique historical overview of the band, covering everything from early albums with the iconic Syd Barrett to the songwriting tandem of Roger Waters and David Gilmour; the impeccable talents of drummer Nick Mason and multi-instrumentalist Richard Wright; those mega tours undertaken in support of the LPs; the monster success of breakthrough LP Dark Side of the Moon; interpersonal conflict; the band following Waters’ 1985 departure; and much more.

Popoff also includes sidebars that provide complete track listings, album personnel, and studios and dates. Every page is illustrated with thoughtfully curated performance and offstage photography, as well as rare memorabilia.

 

Kenny Dorham • Jazz Contemporary

 

Biography
by Ron Wynn
Kenny Dorham had a deeply moving, pure tone on trumpet; his sound was clear, sharp, and piercing, especially during ballads. He could spin out phrases and lines, but when he slowly and sweetly played the melody it was an evocative event. Dorham was a gifted all-round trumpeter, but seldom showcased his complete skills, preferring an understated, subtle approach. Unfortunately, he never received much publicity, and though a highly intelligent, thoughtful individual who wrote insightful commentary on jazz, he's little more than a footnote to many fans.

Dorham studied and played trumpet, tenor sax, and piano. He was a bandmember in high school and college; a college bandmate was Wild Bill Davis. Dorham started during the swing era, but was recruited by Dizzy Gillespie and Billy Eckstine to join their bands in the mid-'40s. He even sang blues with Gillespie's band. He recorded with the Be Bop Boys on Savoy in 1946. After short periods with Lionel Hampton and Mercer Ellington, Dorham joined Charlie Parker's group in 1948, staying there until 1949. He did sessions in New York during the early and mid-'50s, making his recording debut as a leader on Charles Mingus and Max Roach's Debut label in 1953. He then cut Afro-Cuban for Blue Note with Cecil Payne, Hank Mobley, and Horace Silver in 1955.

Dorham was a founding member of Art Blakey's Jazz Messengers in 1954, and also led a short-lived similar band, the Jazz Prophets. Dorham played on the soundtrack of A Star Is Born in 1954, then spent two years with Max Roach from 1956 to 1958. There were dates for Riverside in the late '50s with Paul Chambers, Tommy Flanagan, and Art Taylor, plus other sessions with ABC-Paramount, three volumes for Blue Note done live at the Cafe Bohemia, and an intriguing but uneven session with John Coltrane and Cecil Taylor, Coltrane Time, in 1958.

Dorham taught at the Lenox School of Jazz in 1958 and 1959, and wrote scores for the films Les Liaisons Dangereuses and Un Témoin dans la Ville in 1959. During the mid-'60s, he co-led a band with tenor saxophonist Joe Henderson that was shamefully neglected. There were such classic Blue Note releases as Whistle Stop, Una Mas, and Trumpet Toccata. Dorham made one album for Cadet in 1970, Kenny Dorham Sextet, with Muhal Richard Abrams. He died in 1972. Several of his Blue Note albums have been reissued, while his Prestige and Riverside dates have come out in sporadic fashion, some in two-record samplers. Other material for Pacific Jazz, United Artists, Steeplechase, Xanadu, and Time isn't as widely available.
https://www.allmusic.com/artist/kenny-dorham-mn0000768027/biography

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Biografía
por Ron Wynn
Kenny Dorham tenía un tono profundamente conmovedor y puro en la trompeta; su sonido era claro, agudo y penetrante, especialmente durante las baladas. Podía hilar frases y líneas, pero cuando tocaba la melodía lenta y dulcemente era un acontecimiento evocador. Dorham era un trompetista polifacético y dotado, pero rara vez mostraba toda su habilidad, prefiriendo un enfoque discreto y sutil. Desgraciadamente, nunca recibió mucha publicidad y, aunque era una persona muy inteligente y reflexiva que escribía comentarios perspicaces sobre el jazz, es poco más que una nota a pie de página para muchos aficionados.

Dorham estudió y tocó la trompeta, el saxo tenor y el piano. Fue miembro de una banda en el instituto y en la universidad; un compañero de banda en la universidad fue Wild Bill Davis. Dorham empezó en la época del swing, pero fue reclutado por Dizzy Gillespie y Billy Eckstine para unirse a sus bandas a mediados de los años 40. Incluso cantó blues con la banda de Gillespie. Grabó con los Be Bop Boys en Savoy en 1946. Tras breves periodos con Lionel Hampton y Mercer Ellington, Dorham se unió al grupo de Charlie Parker en 1948, donde permaneció hasta 1949. Realizó sesiones en Nueva York a principios y mediados de los años 50, y debutó como líder en el sello Debut de Charles Mingus y Max Roach en 1953. Luego grabó Afro-Cuban para Blue Note con Cecil Payne, Hank Mobley y Horace Silver en 1955.

Dorham fue miembro fundador de los Jazz Messengers de Art Blakey en 1954, y también dirigió una banda similar de corta duración, los Jazz Prophets. Dorham tocó en la banda sonora de Ha nacido una estrella en 1954, y luego pasó dos años con Max Roach, de 1956 a 1958. A finales de los años 50, grabó para Riverside con Paul Chambers, Tommy Flanagan y Art Taylor, además de otras sesiones con ABC-Paramount, tres volúmenes para Blue Note realizados en directo en el Cafe Bohemia y una intrigante pero irregular sesión con John Coltrane y Cecil Taylor, Coltrane Time, en 1958.

Dorham dio clases en la Lenox School of Jazz en 1958 y 1959, y escribió partituras para las películas Les Liaisons Dangereuses y Un Témoin dans la Ville en 1959. A mediados de los años 60, codirigió una banda con el saxofonista tenor Joe Henderson que fue vergonzosamente descuidada. Hubo lanzamientos clásicos de Blue Note como Whistle Stop, Una Mas y Trumpet Toccata. Dorham grabó un álbum para Cadet en 1970, Kenny Dorham Sextet, con Muhal Richard Abrams. Murió en 1972. Se han reeditado varios de sus álbumes para Blue Note, mientras que sus fechas para Prestige y Riverside han salido a la luz de forma esporádica, algunas en samplers de dos discos. Otros materiales para Pacific Jazz, United Artists, Steeplechase, Xanadu y Time no están tan disponibles.
https://www.allmusic.com/artist/kenny-dorham-mn0000768027/biography

Jimmy McGriff • Movin Upside The Blues

Review by Scott Yanow
For his second Jazz America LP, organist Jimmy McGriff is heard on one selection (Kenny Burrell's "All Day Long") left over from the first session (which features a septet including Harold Vick on tenor and trumpeter Danny Moore), plus four numbers from 1981 with altoist Arnold Sterling, guitarist Jimmy Ponder, trumpeter Bill Hardman, and Vick. As usual, most of the music is blues-based, although the inclusion of "Moonlight Serenade" in this soul-jazz setting is a pleasant surprise.

 

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Reseña de Scott Yanow
Para su segundo LP de Jazz America, se escucha al organista Jimmy McGriff en una selección ("All Day Long" de Kenny Burrell) que queda de la primera sesión (que presenta un septeto que incluye a Harold Vick en el tenor y el trompetista Danny Moore), más cuatro temas de 1981 con el altoista Arnold Sterling, el guitarrista Jimmy Ponder, el trompetista Bill Hardman y Vick. Como es habitual, la mayor parte de la música está basada en el blues, aunque la inclusión de "Moonlight Serenade" en este escenario de soul-jazz es una agradable sorpresa.

Gene Harris • Superband - Big Band Soul

 

Wycliffe Gordon Quintet • Dig This!

 

Review by David Dupont  
Trombonist Wycliffe Gordon was the most adventurous musician to spin off from Wynton Marsalis' orbit. Since his tenure with Marsalis, Gordon collaborated with everyone from revivalists in the Sidney Bechet Project to progressive composer Ted Nash and Randy Sandke's Inside Outside project, which brings together practitioners from the musical extremes. He's been more restricted in his own solo dates but has shown he's willing to reach beyond the confines of traditional hard bop. Dig This!! finds him employing the fashionable textures provided by the Hammond organ. True to form though, Gordon refuses to get locked into the funk clichés of the organ combo sound. Rather with its wide-open swing feel Dig This!! comes off more as a contemporary version of swing trombonist Vic Dickenson's 1952 quartet dates with Bill Doggett. Certainly "Limehouse Blues" fits the mold, albeit updated. And Gordon's unaccompanied playing on "Blues Etude #2" and elsewhere shows him a fitting successor to Dickenson's rubbery expressionism. Gordon has surrounded himself with a fine band. Organist Sam Yahel and guitarist Peter Bernstein each reveal a debt to their swing precursors while saxophonist Seamus Blake plays in a hard-driving contemporary manner. All of them swing, and regardless the context Gordon puts himself in, that's a constant.
https://www.allmusic.com/album/dig-this%21%21-mw0000562836



Biography by Rose of Sharon Witmer
Trombone player Wycliffe Gordon is best known for his work with the Lincoln Center Jazz Orchestra, under the direction of jazz maestro, Wynton Marsalis. The versatile trombonist can scat, multi-note, slide, and plunge, just like he stepped out of the 1930s. Gordon has played with many jazz luminaries, including Dizzy Gillespie, Joe Henderson, Branford Marsalis,Lionel Hampton, Tommy Flanagan, and Shirley Horn. His musical colleagues call him "Pine Cone," since he grew up in the piney woods of Georgia.

It must have been this Ellington era quality that caught the ears of jazz educator Wynton Marsalis, who heard Gordon play while the trumpeter was giving a workshop at Gordon's alma mater, Florida A&M University. Their fortuitous meeting resulted in Gordon joining the Wynton Marsalis Septet, as well as the Lincoln Center Jazz Orchestra, in 1989. As a member of the illustrious band, Gordon contributed as both musician and composer. Gordon, who like Charles Mingus says he hears music in his head all the time, has managed to write some of it down, and then hear it performed all over the world by the Lincoln Center Jazz Orchestra. Whether they know it or not, National Public Radio fans are familiar with the musician's work: In 1993, Gordon composed the NPR theme song.

Gordon, an admirer of Louis Armstrong, J.J. Johnson, and Jack Teagarden, prefers the melodic approach to playing and composition. The listener can hear that on any of his outstanding recordings. His first outing was with fellow trombonist Ron Westray on their 1996 release, Bone Structure. More good things came with Slidin' Home, recorded in 1999. Joined by Victor Goines, Eric Reed, Rodney Whitaker, Herlin Riley, Milt Grayson, Joe Temperley, and Randy Sandke, Gordon really struts his stuff on this one, showing a wide range of influences from big band to gospel.

The Search, recorded in 2000, ranges as far and wide as the title suggests, and includes Gordon holding forth on the didgeridoo. Gordon, whose father was the pianist at the church the trumpeter grew up in, devotes himself to his gospel roots on The Gospel Truth, (2000). What You Dealin' With, (2001), continues in a jazz vein with original compositions and jazz standards. Gordon's 2002 release We may be his best yet, as the trombonist collaborates with pianist Eric Reed on jazz and gospel tunes.

Besides performing and educating at his own music school in his hometown of Augusta, GA, Gordon has another important project: writing the score for the Oscar Micheaux 1925 silent film, Body and Soul. Paul Robeson starred in the movie about race, religion, and small town life in the South. Gordon drew upon his own Southern upbringing to produce music from the church, the bars, and the home, to be performed by the Lincoln Center Jazz Orchestra. Gordon has begun to evidence an interest in vocalizing, something which he says he plans to do increasingly. The results are sure to be top drawer, as the exuberant Wycliffe Gordon throws himself into things, body and soul.
https://www.allmusic.com/artist/wycliffe-gordon-mn0000960062/biography

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Reseña de David Dupont  
El trombonista Wycliffe Gordon fue el músico más aventurero que salió de la órbita de Wynton Marsalis. Desde su estancia en Marsalis, Gordon colaboró con todo el mundo, desde los reanimadores del Proyecto Sidney Bechet hasta el compositor progresivo Ted Nash y el proyecto Inside Outside de Randy Sandke, que reúne a profesionales de los extremos musicales. Ha estado más restringido en sus propias citas como solista pero ha demostrado que está dispuesto a ir más allá de los confines del hard bop tradicional. Dig This!! lo encuentra empleando las texturas de moda proporcionadas por el órgano Hammond. Sin embargo, fiel a la forma, Gordon se niega a encerrarse en los clichés funk del sonido del órgano combo. Más bien, con su amplio sentido del swing, Dig This!! se presenta más bien como una versión contemporánea del cuarteto del trombón de swing de 1952 del trombonista Vic Dickenson, que data de Bill Doggett. Ciertamente "Limehouse Blues" encaja en el molde, aunque actualizado. Y el hecho de que Gordon toque sin acompañamiento en "Blues Etude #2" y en otros lugares le muestra un sucesor adecuado para el expresionismo gomoso de Dickenson. Gordon se ha rodeado de una buena banda. El organista Sam Yahel y el guitarrista Peter Bernstein revelan una deuda con sus precursores del swing, mientras que el saxofonista Seamus Blake toca de una manera contemporánea muy dura. Todos ellos hacen swing, y sin importar el contexto en el que Gordon se ponga, es una constante.
https://www.allmusic.com/album/dig-this%21%21-mw0000562836



Biografía de Rose de Sharon Witmer
El trombonista Wycliffe Gordon es más conocido por su trabajo con la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, bajo la dirección del maestro de jazz, Wynton Marsalis. El versátil trombonista puede hacer scat, multi-notas, deslizarse y zambullirse, tal como lo hizo en los años 30. Gordon ha tocado con muchas luminarias del jazz, como Dizzy Gillespie, Joe Henderson, Branford Marsalis, Lionel Hampton, Tommy Flanagan y Shirley Horn. Sus colegas musicales lo llaman "Pine Cone", ya que creció en los bosques de pinos de Georgia.

Debe haber sido esta cualidad de la época de Ellington la que llamó la atención del educador de jazz Wynton Marsalis, que escuchó a Gordon tocar mientras el trompetista impartía un taller en el alma mater de Gordon, en la Universidad A&M de Florida. Su encuentro fortuito dio lugar a que Gordon se uniera al Septeto Wynton Marsalis, así como a la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, en 1989. Como miembro de la ilustre banda, Gordon contribuyó como músico y compositor. Gordon, que al igual que Charles Mingus dice que escucha música en su cabeza todo el tiempo, ha logrado escribir algo de ella, y luego escucharla interpretada en todo el mundo por la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Lo sepan o no, los fanáticos de la Radio Pública Nacional están familiarizados con el trabajo del músico: En 1993, Gordon compuso el tema de la NPR.

Gordon, un admirador de Louis Armstrong, J.J. Johnson y Jack Teagarden, prefiere el enfoque melódico a la interpretación y la composición. El oyente puede escuchar eso en cualquiera de sus grabaciones destacadas. Su primera salida fue con su colega trombonista Ron Westray en su lanzamiento de 1996, Bone Structure. Más cosas buenas vinieron con Slidin' Home, grabado en 1999. Junto a Victor Goines, Eric Reed, Rodney Whitaker, Herlin Riley, Milt Grayson, Joe Temperley, y Randy Sandke, Gordon realmente se pavonea en esta, mostrando un amplio rango de influencias desde la big band hasta el gospel.

La Búsqueda, grabada en el año 2000, se extiende tan lejos como el título sugiere, e incluye a Gordon sosteniendo el didgeridoo. Gordon, cuyo padre era el pianista de la iglesia en la que creció el trompetista, se dedica a sus raíces evangélicas en The Gospel Truth, (2000). What You Dealin' With, (2001), continúa en una línea de jazz con composiciones originales y estándares de jazz. El lanzamiento de Gordon en 2002, We may be his best yet, ya que el trombonista colabora con el pianista Eric Reed en temas de jazz y gospel.

Además de actuar y educar en su propia escuela de música en su ciudad natal de Augusta, GA, Gordon tiene otro proyecto importante: escribir la partitura para la película muda de 1925 de Oscar Micheaux, Body and Soul. Paul Robeson protagonizó la película sobre la raza, la religión y la vida en un pequeño pueblo del sur. Gordon se basó en su propia educación sureña para producir música de la iglesia, los bares y el hogar, para ser interpretada por la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Gordon ha comenzado a evidenciar un interés en la vocalización, algo que dice que planea hacer cada vez más. Los resultados serán sin duda de primer orden, ya que el exuberante Wycliffe Gordon se lanza a las cosas, en cuerpo y alma.
https://www.allmusic.com/artist/wycliffe-gordon-mn0000960062/biography


https://wycliffegordon.com/

Richard Galliano • Luz Negra

 

Biography
Richard Galliano has succeeded, through his musical emphasis on melody, rhythm, and harmony, in imposing his instrument in musical contexts that previously ignored it-jazz festivals (Marciac, Vienne, Montréal, etc.) and classical concert halls (Academia Santa-Cecilia in Rome, the Théâtre des Champs-Elysées in Paris, Milan' s la Scala, etc.).

He was born in Cannes on December 12, 1950. He studied piano and accordion with his father, Lucien Galliano, before pursuing his musical studies at the Nice Conservatory, presided at that time by organist Pierre Cochereau. He studied counterpoint, harmony, and trombone, graduating with a 1er Prix d' Excellence in 1969. In parallel with this musical apprenticeship he took part in international accordion competitions. Playing J.S. Bach, Tchaikovsky, Ravel and Gershwin, he won first prize in the accordion "World Cup" two years in a row (1966, Valence, Spain and 1967, Calais, France) as well as the President's Prize in 1968 (under President Charles de Gaulle).

In 1973 he left the south of France for Paris. For several years he collaborated with Claude Nougaro, Barbara, Serge Reggiani, Charles Aznavour, Juliette Gréco, Georges Moustaki and Zizi Jeanmaire. His duo performance with singer Allain Leprest for the album Voce A Mano won him the Grand Prix du Disque from the Académie Charles Cros. In the realm of French chanson we should also mention his musical encounters with the singer Catherine Ringer (of the group Rita Mitsouko) at the Cité de la Musique (Paris) and at the Antibes Jazz Festival in Juan-Les-Pins.

In 1983 Astor Piazzolla invited Richard Galliano to be the bandoneon soloist at the Comédie Française in his original music to accompany William Shakespeare's "A Midsummer Night's Dream", directed by Jorge Lavelli. It was the beginning of a long friendship between the two men that lasted until Piazzolla's death in 1992.

Between 1980 and 2003 Richard Galliano shared the stage with great musicians in concerts all over the world (Paris, New York, Moscow, London, Buenos Aires, Montréal, San Francisco, Istanbul, etc.). He played with : Chet BAKER, Ron CARTER, Joe ZAWINUL, Al FOSTER, Pierre MICHELOT, Birèli LAGRENE, Jean François Jenny CLARK, Eddy LOUISS, Philip CATHERINE, Aldo ROMANO, Daniel HUMAIR, André CECCARELLI, Charlie HADEN, Michel PORTAL, Didier LOCKWOOD , Maurice VANDER , Jimmy GOURLEY , Steve POTTS , StefanoBOLLANI , Hervé SELLIN , Hamilton DE HOLANDA , Lolo BELLONZI, Enrico RAVA, Toots THIELEMANS, Jean Charles CAPON, George MRAZ, Mark FELDMAN, Larry GRENADIER, Scott COLLEY, Clarence PENN, Gil GOLDSTEIN , Jan GARBAREK, Paquito DI RIVERA, Michel PETRUCCIANI, Gilberto GIL, SIVUCA, Martial SOLAL, Philippe AERTS, Antonello SALIS, Richard BONA, Manu KATCHÉ, Paolo FRESU, Jan LUNDGREN, Daniel GOYONE and many others.

During this period he also composed numerous original works, many of which were acclaimed by both the press and the public.

In 1991 Richard Galliano created the "New Musette" style and recorded it with Philip Catherine (guitar), Pierre Michelot (bass) and Aldo Romano (drums) for the record label Label Bleu.

IIn 1993 the Académie du Jazz awarded him the Django Reinhardt prize, naming him best jazz musician of the year. The same year, he recorded the album Viaggio, his first as part of an exclusive contract with the Dreyfus Jazz label, with Biréli Lagrène (guitar), Pierre Michelot (bass) and Charles Belonzi (drums). Nominated for the annual Victoires de la Musique, the album received the Django d' Or prize for best album of the year..

In 1995 Richard Galliano recorded Laurita, with Joey Baron (drums), Palle Danielsson (bass) and three other prestigious guests: Toots Thielemans (harmonica), Didier Lockwood (violin) and Michel Portal (clarinet).

In 1996 his third album for Dreyfus Jazz, New York Tango, recorded in New York with Al Foster (drums) George Mraz (bass) and Biréli Lagrène (guitar), won an award at the Victoires de la Musique.

The following album, Blow Up, recorded in 1997 in a duo with Michel Portal, met with phenomenal success, selling more than 100,000 copies and winning numerous awards: Victoire de la Musique, the Boris Vian Prize (Académie du Jazz) and Best International Album (Musica Jazz).

In 1998 Richard Galliano recorded French Touch with Jean-François Jenny-Clark (bass), Daniel Humair (drums), Michel Portal (saxophone), André Ceccarelli (drums), Rémi Vignolo (bass) and Jean-Marie Ecay (guitar). The album, nominated for the Victoires de la Musique and awarded Best International Album by Musica Jazz, was released after five years of touring by the Galliano/Jenny-Clark/Humair trio. Unfortunately its release was saddened by the death of Richard Galliano' s close friend Jean-François Jenny-Clark..

In 1999 Richard Galliano recorded his sixth album for Dreyfus Jazz, Passatori, in Florence, Italy, with string players from the Tuscan chamber orchestra L' Orchestra della Toscana and pianist Stefano Bollani, playing a program of original compositions and works by Astor Piazzolla. Passatori was nominated for the Victoires de la Musique.

Dreyfus Jazz released a three-disc boxed set of unreleased concerts the same year, comprising a solo album recorded at the Umbria Jazz Festival in Orvieto on December 31, 1998, a duo with Michel Portal recorded in Hamburg on October 29, 1998, and a trio with Daniel Humair and Jean-François Jenny-Clark recorded at the Montreux Jazz Festival on July 10, 1996.

The year 2001 saw the release of two albums - Gallianissimo and Face To Face. The first is a greatest hits compilation of his years with Dreyfus Jazz and the second a new studio recording in a duo with Eddy Louiss. The latter won the 2001 Django d' Or prize and was nominated for the Victoires de la Musique.

Ten years after the death of Astor Piazzolla, Dreyfus Jazz released in 2003 a concert in his honor recorded live direct-to-two-track at the Willisau Festival on August 29, 2002 as a septet with Jean-Marc Phillips-Varjabédian (violin solo), Lyonel Schmit (second violin), Jean-Marc Apap (viola) Raphaël Pidoux (cello), Stéphane Logerot (bass), and Hervé Sellin (piano).

The septet formation, which gave its name to the album (Piazzolla Forever), was unique in playing at both jazz festivals and classical venues (Nice Jazz Festival, Amsterdam Concerttown, Montreux Jazz Festival, Théâtre des Champs-Elysées, etc.).

All that without forgetting the re-issues of Blue Rondo à la Turk (1980) and Blues sur Seine as a duo with the cellist Jean-Charles Capon, Salsamba (1983) with Chet Baker (trumpet) and Brazilian musicians, Spleen (1985) with a Latin quintet in which Richard Galliano played melody on the accordina (keyed wind instrument) and Panamanhattan (1990) as a duo with the American bassist Ron Carter.

Richard Galliano has never worried about being the world' s best accordionist but rather has always been concerned with giving his audience the very best of himself, of "playing the music of his world", and of delving into his diverse musical roots - Italian, Mediterranean, jazz, French chanson, and classical music.

He has inspired the entire new generation of international accordionists. Today many young musicians to play his music and "copy" his style (the are more than 50 versions of his "Valse à Margaux"). In addition some of his former students have embarked on interesting and rich musical careers, including Peer Glovingen (with Gidon Kremer) and Daniel Mille.

In August 2002, for the yearly Down Beat Poll, Richard Galliano is arriving first of "new generation" in the category "miscellaneous instruments".

In May 2003, Richard Galliano is appearing with Michel Portal at the Scala of Milano (recording of the Live album "Concerts").

In the years 2004/05, after the recording of the New York Trio album, Richard is touring extensively with the American rhythm section : either Larry Grenadier on bass and Clarence Penn on drums, or Clarence with Scott Colley on bass. The second trio tour culminates at the Theatre des Champs Elysées in Paris in May 2005. In June of the same year, Richard is back to Paris to record a DVD of the Piazzolla Forever Septet at the Theatre des Bouffes du Nord, the exact place where the project had been launched three years before : after 250 concerts given worldwide, the septet is ending their collaboration in the venue of their start, though this high profile event will still remain available in the future for special concerts.

In March 2006, R.Galliano invited with his New York rhythm section the very special guest Gary Burton, world famous top vibraphone master, at the initiative of the Cité de la Musique in Paris, and this project tours extensively and will be touring again in the autumn 2007. A recording took place in New York in August 2006, and will see the light in September 2007 for the Italian label Camjazz.

But it is definitely the Tangaria project, a special quartet with violin (the incredible Alexis Cardenas from Venezuela), bass (Philip Catherine's mate Philippe Aerts), and another fine player from Venezuela, percussionist Rafael Mejias, with the Brazilian special guest on mandolin, Hamilton de Holanda, that will be the highlight of the year 2007, with an extensive tour in the summer 2007, adding the fine drumming of Clarence Penn. Recorded with some Brazilian special guests in Sao Paulo in September 2006, the album will be out in February 2007 for Milan Records, a label which is very familiar to the work of Astor Piazzolla.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/richard-galliano

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Biografía

Richard Galliano ha conseguido, gracias a su énfasis musical en la melodía, el ritmo y la armonía, imponer su instrumento en contextos musicales que antes lo ignoraban: festivales de jazz (Marciac, Vienne, Montreal, etc.) y salas de conciertos clásicas (Academia Santa-Cecilia de Roma, Théâtre des Champs-Elysées de París, la Scala de Milán, etc.).

Nació en Cannes el 12 de diciembre de 1950. Estudió piano y acordeón con su padre, Lucien Galliano, antes de proseguir sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, presidido entonces por el organista Pierre Cochereau. Estudió contrapunto, armonía y trombón, y se graduó con un 1er Prix d' Excellence en 1969. Paralelamente a este aprendizaje musical, participó en concursos internacionales de acordeón. Tocando a J.S. Bach, Tchaikovsky, Ravel y Gershwin, ganó el primer premio de la "Copa del Mundo" de acordeón dos años consecutivos (1966, Valence, España, y 1967, Calais, Francia), así como el Premio del Presidente en 1968 (bajo la presidencia de Charles de Gaulle).

En 1973 abandonó el sur de Francia para instalarse en París. Durante varios años colaboró con Claude Nougaro, Barbara, Serge Reggiani, Charles Aznavour, Juliette Gréco, Georges Moustaki y Zizi Jeanmaire. Su actuación a dúo con el cantante Allain Leprest para el álbum Voce A Mano le valió el Gran Premio del Disco de la Academia Charles Cros. En el ámbito de la chanson francesa, cabe mencionar también sus encuentros musicales con la cantante Catherine Ringer (del grupo Rita Mitsouko) en la Cité de la Musique (París) y en el Festival de Jazz de Antibes, en Juan-Les-Pins.

En 1983 Astor Piazzolla invitó a Richard Galliano a ser el bandoneón solista en la Comédie Française en su música original para acompañar "El sueño de una noche de verano" de William Shakespeare, dirigida por Jorge Lavelli. Fue el comienzo de una larga amistad entre los dos hombres que duró hasta la muerte de Piazzolla en 1992.

Entre 1980 y 2003, Richard Galliano compartió escenario con grandes músicos en conciertos por todo el mundo (París, Nueva York, Moscú, Londres, Buenos Aires, Montreal, San Francisco, Estambul, etc.). Tocó con : Chet BAKER, Ron CARTER, Joe ZAWINUL, Al FOSTER, Pierre MICHELOT, Birèli LAGRENE, Jean François Jenny CLARK, Eddy LOUISS, Philip CATHERINE, Aldo ROMANO, Daniel HUMAIR, André CECCARELLI, Charlie HADEN, Michel PORTAL, Didier LOCKWOOD , Maurice VANDER , Jimmy GOURLEY , Steve POTTS , StefanoBOLLANI , Hervé SELLIN , Hamilton DE HOLANDA , Lolo BELLONZI, Enrico RAVA, Toots THIELEMANS, Jean Charles CAPON, George MRAZ, Mark FELDMAN, Larry GRENADIER, Scott COLLEY, Clarence PENN, Gil GOLDSTEIN , Jan GARBAREK, Paquito DI RIVERA, Michel PETRUCCIANI, Gilberto GIL, SIVUCA, Martial SOLAL, Philippe AERTS, Antonello SALIS, Richard BONA, Manu KATCHÉ, Paolo FRESU, Jan LUNDGREN, Daniel GOYONE y muchos otros.

Durante este periodo también compuso numerosas obras originales, muchas de las cuales fueron aclamadas tanto por la prensa como por el público.

En 1991, Richard Galliano creó el estilo "New Musette" y lo grabó con Philip Catherine (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Aldo Romano (batería) para el sello discográfico Label Bleu.

En 1993, la Academia del Jazz le concedió el premio Django Reinhardt al mejor músico de jazz del año. Ese mismo año, graba el álbum Viaggio, el primero en el marco de un contrato exclusivo con el sello Dreyfus Jazz, con Biréli Lagrène (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Charles Belonzi (batería). Nominado a las Victoires de la Musique anuales, el álbum recibió el premio Django d' Or al mejor álbum del año..

En 1995, Richard Galliano grabó Laurita, con Joey Baron (batería), Palle Danielsson (bajo) y otros tres prestigiosos invitados: Toots Thielemans (armónica), Didier Lockwood (violín) y Michel Portal (clarinete).

En 1996, su tercer álbum para Dreyfus Jazz, New York Tango, grabado en Nueva York con Al Foster (batería) George Mraz (bajo) y Biréli Lagrène (guitarra), fue premiado en las Victoires de la Musique.

El álbum siguiente, Blow Up, grabado en 1997 en dúo con Michel Portal, obtuvo un éxito fenomenal, vendiendo más de 100.000 copias y ganando numerosos premios: Victoire de la Musique, Premio Boris Vian (Académie du Jazz) y Mejor Álbum Internacional (Musica Jazz).

En 1998, Richard Galliano grabó French Touch con Jean-François Jenny-Clark (bajo), Daniel Humair (batería), Michel Portal (saxofón), André Ceccarelli (batería), Rémi Vignolo (bajo) y Jean-Marie Ecay (guitarra). El álbum, nominado a las Victoires de la Musique y galardonado con el premio al mejor álbum internacional por Musica Jazz, vio la luz tras cinco años de giras del trío Galliano/Jenny-Clark/Humair. Desgraciadamente, su publicación se vio empañada por la muerte de Jean-François Jenny-Clark, amigo íntimo de Richard Galliano.

En 1999, Richard Galliano grabó su sexto álbum para Dreyfus Jazz, Passatori, en Florencia, Italia, con músicos de cuerda de la orquesta de cámara toscana L' Orchestra della Toscana y el pianista Stefano Bollani, interpretando un programa de composiciones originales y obras de Astor Piazzolla. Passatori fue nominado a las Victoires de la Musique.

Ese mismo año, Dreyfus Jazz publicó una caja de tres discos con conciertos inéditos: un álbum en solitario grabado en el Festival de Jazz de Umbría (Orvieto) el 31 de diciembre de 1998, un dúo con Michel Portal grabado en Hamburgo el 29 de octubre de 1998 y un trío con Daniel Humair y Jean-François Jenny-Clark grabado en el Festival de Jazz de Montreux el 10 de julio de 1996.

En 2001 publicó dos álbumes: Gallianissimo y Face To Face. El primero es una recopilación de grandes éxitos de sus años con Dreyfus Jazz y el segundo una nueva grabación de estudio en dúo con Eddy Louiss. Este último ganó el premio Django d' Or 2001 y fue nominado a las Victoires de la Musique.

Diez años después de la muerte de Astor Piazzolla, Dreyfus Jazz publicó en 2003 un concierto en su honor grabado en directo directo a dos pistas en el Festival de Willisau el 29 de agosto de 2002 como septeto con Jean-Marc Phillips-Varjabédian (violín solo), Lyonel Schmit (segundo violín), Jean-Marc Apap (viola) Raphaël Pidoux (violonchelo), Stéphane Logerot (bajo) y Hervé Sellin (piano).

La formación del septeto, que dio nombre al álbum (Piazzolla Forever), fue única tocando tanto en festivales de jazz como en salas clásicas (Festival de Jazz de Niza, Concerttown de Ámsterdam, Festival de Jazz de Montreux, Théâtre des Champs-Elysées, etc.).

Todo ello sin olvidar las reediciones de Blue Rondo à la Turk (1980) y Blues sur Seine a dúo con el violonchelista Jean-Charles Capon, Salsamba (1983) con Chet Baker (trompeta) y músicos brasileños, Spleen (1985) con un quinteto latino en el que Richard Galliano tocaba la melodía en la accordina (instrumento de viento afinado) y Panamanhattan (1990) a dúo con el bajista estadounidense Ron Carter.

Richard Galliano nunca se ha preocupado por ser el mejor acordeonista del mundo, sino por ofrecer a su público lo mejor de sí mismo, por "tocar la música de su mundo" y por ahondar en sus diversas raíces musicales: música italiana, mediterránea, jazz, chanson francesa y clásica.

Ha inspirado a toda una nueva generación de acordeonistas internacionales. Hoy en día, muchos jóvenes músicos tocan su música y "copian" su estilo (hay más de 50 versiones de su "Valse à Margaux"). Además, algunos de sus antiguos alumnos han emprendido interesantes y ricas carreras musicales, como Peer Glovingen (con Gidon Kremer) y Daniel Mille.

En agosto de 2002, para la encuesta anual Down Beat Poll, Richard Galliano llega el primero de la "nueva generación" en la categoría "instrumentos varios".

En mayo de 2003, Richard Galliano se presenta con Michel Portal en la Scala de Milán (grabación del álbum en directo "Concerts").

En los años 2004/05, tras la grabación del álbum "New York Trio", Richard realiza numerosas giras con la sección rítmica americana: Larry Grenadier al bajo y Clarence Penn a la batería, o Clarence con Scott Colley al bajo. La segunda gira del trío culmina en el Teatro de los Campos Elíseos de París en mayo de 2005. En junio del mismo año, Richard vuelve a París para grabar un DVD del Piazzolla Forever Septet en el Theatre des Bouffes du Nord, el lugar exacto donde se había lanzado el proyecto tres años antes : después de 250 conciertos ofrecidos en todo el mundo, el septeto pone fin a su colaboración en el lugar de sus comienzos, aunque este lugar de alto nivel seguirá estando disponible en el futuro para conciertos especiales.

En marzo de 2006, R.Galliano invitó con su sección rítmica de Nueva York al invitado muy especial Gary Burton, maestro mundialmente famoso del vibráfono, por iniciativa de la Cité de la Musique de París, y este proyecto realiza numerosas giras y volverá a hacerlo en otoño de 2007. En agosto de 2006 se realizó una grabación en Nueva York, que verá la luz en septiembre de 2007 para el sello italiano Camjazz.

Pero es sin duda el proyecto Tangaria, un cuarteto especial con violín (el increíble Alexis Cárdenas de Venezuela), bajo (el compañero de Philip Catherine, Philippe Aerts), y otro buen músico de Venezuela, el percusionista Rafael Mejías, con el invitado especial brasileño a la mandolina, Hamilton de Holanda, que será lo más destacado del año 2007, con una extensa gira en el verano de 2007, añadiendo la fina batería de Clarence Penn. Grabado con algunos invitados especiales brasileños en Sao Paulo en septiembre de 2006, el álbum saldrá en febrero de 2007 para Milan Records, sello muy familiarizado con la obra de Astor Piazzolla.

https://www.allaboutjazz.com/musicians/richard-galliano

www.richardgalliano.com ...

Georges Arvanitas Trio • Classic Hits

  

Bizarre Discotheque: Frankie Stein And His Ghouls • Monster Melodies

 

A fictional studio creation designed to profit off the "Monster Kid" generation of the early 1960's. The Frankie Stein formula was as simple as it was brilliant; cool low budget horror cover art, creepy sounding song names with a suggested dance listing after the title ("Hully Gully, Frug"), and spooky sound effects laid on top of the actual music (which was a potpourri of twist & beat numbers that sometimes had frightful compositional overtones & sometimes didn't).
-scarstuff.blogspot.com

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Una creación ficticia de estudio diseñada para sacar provecho de la generación "Monster Kid" de principios de la década de 1960. La fórmula de Frankie Stein era tan simple como brillante; portadas de terror geniales de bajo presupuesto, nombres de canciones espeluznantes con una lista de baile sugerida después del título ("Hully Gully, Frug") y efectos de sonido espeluznantes colocados encima de la música real (que era un popurrí de números de twist & beat que a veces tenían matices compositivos espantosos y a veces no).
-scarstuff.blogspot.com