Johnny Hodges • Verve Jazz Masters 35

"Never the world's most highly animated showman or greatest stage personality, but a tone so beautiful it sometimes brought tears to the eyes, this was Johnny Hodges. Because of this great loss, our band will never sound the same. Johnny Hodges sometimes sounded beautiful, sometimes romantic, and sometimes people spoke of his tone as being sensuous. With the exception of a year or so, almost his entire career was with us. So far as our wonderful listening audience was concerned, there was a great feeling of expectancy when they looked up and saw Johnny Hodges sitting in the middle of the saxophone section, in the front row. I am glad and thankful that I had the privilege of presenting Johnny Hodges for forty years, night after night. I imagine I have been much envied, but thanks to God....” Duke Ellington eulogy.

John Cornelius Hodges was born on the 25th July 1906 in Cambridge, Mass. He started his musical career playing drums and piano before taking up the saxophone at the age of 14, beginning on the soprano and later the alto. Originally self-taught he was given lessons by Sydney Bechet, whom he got to know through his sister. He followed Bechet into Willie 'The Lion' Smith's quartet at the Rhythm Club (around 1924), then played in the house band with Bechet's Club ‘Basha’ in Harlem. He continued to live in Boston and traveled to New York at weekends playing with such musicians as Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), then from late 1926 with the great Chick Webb at The Paddock Club and The Savoy Ballroom, etc. followed by a short stint with Luckey Roberts.

In May 1928 Johnny joined Duke Ellington's orchestra and he remained a mainstay of the group for the next 40 years. From his first recording in 1928 he revealed his authority and technical mastery of the saxophone, playing with a broad, sweeping tone and producing impressive, cascading runs. In the opinion of many people, he soon became Duke's most valuable soloist. He made hundreds of recordings with Duke and from 1937 led his own small studio group drawn from the orchestra which made many successful series of recordings for Victor and other labels. Titles included “Jeep's Blues,” “Hodge Podge,” “The Jeep is Jumpin” all of which were co-written with Duke. Also in this period of great creativity he played in many other small groups with musicians such as Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., producing classics of the period.

Johnny was one of the many stars of the Ellington band of the 40s producing solos of immense authority on songs such as “Things Ain't What They Used To Be,” “Don't Get Around Much Any More,” “Passion Flower,” etc. From the 40s he concentrated on the alto leaving the soprano alone completely and in this period he regularly won the popularity polls run by magazines such as Downbeat, Metronome, and Esquire.

In March 1951 Johnny left Duke to form his own small group taking with him Lawrence Brown and Sonny Greer and in their first recording session they produced a hit record of “Castle Rock.” Johnny disbanded the group in the spring of 1955 and after a brief spell of TV work on the Ted Steele Show, rejoined Duke in August of that year where, apart from a few brief periods, he remained for the rest of his life. In the spring of 1958 he worked with Billy Strayhorn and in 1961 went to Europe with some of the other band members in a group called The Ellington Giants.

He continued to record prolifically with musicians such as Wild Bill Davis, Earl Hines, and even one session with Lawrence Welk. Duke and Billy Strayhorn continued to write compositions and arrangements featuring Johnny's unique sound and talents leaving a wonderful legacy of recorded music for the enjoyment of successive generations of enthusiasts. He won the admiration of many saxophonists such as Ben Webster and even John Coltrane who played in one of the small groups in 1953-4 said that Johnny was always one of his favorite players.

In his later years Johnny used fewer and fewer notes, remaining close to the melody in ballads and improvising simple but telling riffs on the faster numbers, many of which were based on the blues . The power of his playing came from his sound and his soul, generating immense swing and building the dramatic tension from chorus to chorus. His last attempt at recording was the monumental “New Orleans Suite,” but he would not live to see the final product.

Johnny Hodges died of a heart attack in New York City on the 11th May 1970.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

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"Nunca fue el showman más animado del mundo o la personalidad teatral más grande, pero un tono tan hermoso que a veces hacía llorar a los ojos, este era Johnny Hodges. Debido a esta gran pérdida, nuestra banda nunca sonará igual. Johnny Hodges a veces sonaba hermoso, a veces romántico y, a veces, la gente hablaba de su tono como sensual. Con la excepción de un año más o menos, casi toda su carrera estuvo con nosotros. En lo que respecta a nuestra maravillosa audiencia oyente, hubo una gran sensación de expectativa cuando levantaron la vista y vieron a Johnny Hodges sentado en el medio de la sección de saxofones, en la primera fila. Estoy contento y agradecido de haber tenido el privilegio de presentar a Johnny Hodges durante cuarenta años, noche tras noche. Me imagino que me han envidiado mucho, pero gracias a Dios...."Elogio de Duke Ellington.

John Cornelius Hodges nació el 25 de julio de 1906 en Cambridge, Massachusetts. Comenzó su carrera musical tocando la batería y el piano antes de comenzar a tocar el saxofón a los 14 años, comenzando con la soprano y luego con el alto. Originalmente autodidacta, Sydney Bechet le dio lecciones, a quien conoció a través de su hermana. Siguió a Bechet al cuarteto de Willie' The Lion ' Smith en el Rhythm Club (alrededor de 1924), luego tocó en la banda de la casa con el Club 'Basha' de Bechet en Harlem. Continuó viviendo en Boston y viajaba a Nueva York los fines de semana tocando con músicos como Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), luego desde finales de 1926 con el gran Chick Webb en el Paddock Club y el Savoy Ballroom, etc. seguido de una breve temporada con Luckey Roberts.

En mayo de 1928, Johnny se unió a la orquesta de Duke Ellington y siguió siendo un pilar del grupo durante los siguientes 40 años. Desde su primera grabación en 1928 reveló su autoridad y dominio técnico del saxofón, tocando con un tono amplio y amplio y produciendo carreras impresionantes en cascada. En opinión de mucha gente, pronto se convirtió en el solista más valioso de Duke. Hizo cientos de grabaciones con Duke y, a partir de 1937, dirigió su propio pequeño grupo de estudio extraído de la orquesta, que realizó muchas series exitosas de grabaciones para Victor y otros sellos. Los títulos incluyeron "Jeep's Blues", "Hodge Podge"," The Jeep is Jumpin", todos los cuales fueron coescritos con Duke. También en este período de gran creatividad tocó en muchos otros pequeños grupos con músicos como Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., produciendo clásicos de la época.

Johnny fue una de las muchas estrellas de la Ellington Band de los años 40 produciendo solos de inmensa autoridad en canciones como "Things Ain't What They Used To Be"," Don't Get Around Much Anymore"," Passion Flower", etc. A partir de los años 40 se concentró en el alto dejando completamente sola a la soprano y en este período ganó regularmente las encuestas de popularidad que manejan revistas como Downbeat, Metronome y Esquire.

En marzo de 1951 Johnny dejó Duke para formar su propio pequeño grupo llevándose consigo a Lawrence Brown y Sonny Greer y en su primera sesión de grabación produjeron un exitoso disco de " Castle Rock. Johnny disolvió el grupo en la primavera de 1955 y después de un breve período de trabajo televisivo en The Ted Steele Show, se reincorporó a Duke en agosto de ese año, donde, aparte de unos breves períodos, permaneció por el resto de su vida. En la primavera de 1958 trabajó con Billy Strayhorn y en 1961 se fue a Europa con algunos de los otros miembros de la banda en un grupo llamado Ellington Giants.

Continuó grabando prolíficamente con músicos como Wild Bill Davis, Earl Hines e incluso una sesión con Lawrence Welk. Duke y Billy Strayhorn continuaron escribiendo composiciones y arreglos con el sonido y los talentos únicos de Johnny, dejando un maravilloso legado de música grabada para el disfrute de sucesivas generaciones de entusiastas. Se ganó la admiración de muchos saxofonistas como Ben Webster e incluso John Coltrane, quien tocó en uno de los grupos pequeños en 1953-4, dijo que Johnny siempre fue uno de sus músicos favoritos.

En sus últimos años, Johnny usó cada vez menos notas, permaneciendo cerca de la melodía en las baladas e improvisando riffs simples pero contundentes en los números más rápidos, muchos de los cuales se basaban en el blues . El poder de su interpretación provino de su sonido y su alma, generando un swing inmenso y construyendo la tensión dramática de coro en coro. Su último intento de grabación fue la monumental "Suite de Nueva Orleans", pero no viviría para ver el producto final.

Johnny Hodges murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1970.
Fuente: James Nadal
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Champion Jack Dupree & His Blues Band • Champion Jack Dupree & His Blues Band Feat Mickey Baker

Born William Thomas Dupree, 4 July 1910, New Orleans, (Dupree's birth date is the matter of some conjecture and is sometimes listed as 23 July 1909). Orphaned in infancy, Dupree was raised in the Colored Waifs Home for Boys until the age of 14. After leaving, he led a marginal existence, singing for tips, and learning piano from musicians such as Willie “Drive-'em-down” Hall. Dupree also became a professional boxer, and blended fighting with hoboing throughout the 30s, before retiring from the ring in 1940, and heading for New York. Initially, he traveled only as far as Indianapolis, where he joined with musicians who had been associates of Leroy Carr. Dupree rapidly became a star of the local black entertainment scene, as a comedian and dancer as well as a musician. He acquired a residency at the local Cotton Club, and partnered comedienne Ophelia Hoy.

In 1940, Dupree made his recording debut, with music that blended the forceful, barrelhouse playing and rich, Creole- accented singing of New Orleans with the more suave style of Leroy Carr. Not surprisingly, a number of titles were piano/guitar duets, although on some, Jesse Ellery's use of amplification pointed the way forward. A few songs covered unusual topics, such as the distribution of grapefruit juice by relief agencies, or the effects of drugs.

Dupree's musical career was interrupted when he was drafted into the US Navy as a cook; even so he managed to become one of the first blues singers to record for the folk revival market while on leave in New York in 1943. Dupree's first wife died while he was in the navy, and he took his discharge in New York, where he worked as a club pianist, and formed a close musical association with Sonny Terry and Brownie McGhee.

His own post-war recording career commenced with a splendid series of solo recordings for Joe Davis, on some of which the influence of Peetie Wheatstraw is very evident. More typical were the many tracks with small groups recorded thereafter for a number of labels from 1946-53, and for King Records between April 1953 and late 1955. As ever, these recordings blend the serious with the comic, the latter somewhat tastelessly on songs such as “Tongue Tied Blues” and “Harelip Blues”. “Walking The Blues”, a comic dialogue with Teddy “Mr Bear” McRae, was a hit on King, and the format was repeated on a number of titles recorded for RCA Records' Vik and Groove.

In 1958, Dupree made his last American recordings until 1990; “Blues From The Gutter,” this a magnificent testament to Dupree's barrelhouse background, boasting marvelous readings of “Stack-O-Lee,” “Junker's Blues,” “Frankie & Johnny” and the “Nasty Boogie.” This is considered to be his finest effort and he was able to cruise off its laurels to launch a successful career overseas.

In 1959, he moved to Europe, and lived in Switzerland, England, Sweden and Germany, touring extensively and recording prolifically. There are many reissues and compilations available on a variety of labels to cover this European period. Among these are “Walking the Blues,” for King,(’70) and the outstanding live recording, “Blues at Montreaux”(’73) on Atco that also featured sax great, King Curtis.

Dupree returned to New Orleans in 1990 for his first visit in 36 years. While there, he played the Jazz & Heritage Festival and laid down an album for Bullseye Blues, “Back Home in New Orleans.”

The tracks on the 1993 release “One Last Time” were drawn from Dupree's final recording session before his death the previous year. Champion Jack died from complications of cancer on January 21, 1992.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com › championjackdupree

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Nacido William Thomas Dupree, 4 de julio de 1910, Nueva Orleans, (la fecha de nacimiento de Dupree es el asunto de algunas conjeturas y a veces se menciona como 23 de julio de 1909). Huérfano en la infancia, Dupree se crió en el Hogar de Niños de Color Waifs hasta la edad de 14 años. Después de irse, llevó una existencia marginal, cantando a cambio de propinas y aprendiendo a tocar el piano con músicos como Willie "Drive-'em-down" Hall. Dupree también se convirtió en boxeador profesional, y mezcló la lucha con el vagabundeo a lo largo de los años 30, antes de retirarse del ring en 1940, y se dirigió a Nueva York. Inicialmente, viajó sólo hasta Indianápolis, donde se unió a músicos que habían sido asociados de Leroy Carr. Dupree se convirtió rápidamente en una estrella de la escena local de entretenimiento negro, como comediante y bailarín, así como músico. Adquirió una residencia en el Cotton Club local y fue socio de la comediante Ophelia Hoy.

En 1940, Dupree hizo su debut discográfico, con una música que mezclaba el poderoso toque de barrelhouse y el rico y acentuado canto criollo de Nueva Orleans con el estilo más suave de Leroy Carr. No es de extrañar que varios títulos fueran dúos de piano/guitarra, aunque en algunos casos, el uso de la amplificación por parte de Jesse Ellery señaló el camino a seguir. Algunas canciones cubrían temas inusuales, como la distribución de jugo de toronja por parte de las agencias de ayuda humanitaria, o los efectos de las drogas.

La carrera musical de Dupree se interrumpió cuando fue reclutado en la Marina de los Estados Unidos como cocinero; aún así, logró convertirse en uno de los primeros cantantes de blues en grabar para el mercado de renacimiento folklórico mientras estaba de permiso en Nueva York en 1943. La primera esposa de Dupree murió mientras él estaba en la marina, y él fue dado de baja en Nueva York, donde trabajó como pianista de club, y formó una estrecha asociación musical con Sonny Terry y Brownie McGhee.

Su propia carrera discográfica de posguerra comenzó con una espléndida serie de grabaciones en solitario para Joe Davis, en algunas de las cuales la influencia de Peetie Wheatstraw es muy evidente. Más típicos fueron los muchos temas con pequeños grupos grabados después para varios sellos entre 1946 y 1953, y para King Records entre abril de 1953 y finales de 1955. Como siempre, estas grabaciones mezclan lo serio con lo cómico, este último un tanto insípido en canciones como "Tongue Tied Blues" y "Harelip Blues". "Walking The Blues", un diálogo cómico con Teddy "Mr Bear" McRae, fue un éxito en King, y el formato se repitió en varios títulos grabados para Vik and Groove de RCA Records.

En 1958, Dupree hizo sus últimas grabaciones en Estados Unidos hasta 1990; "Blues From The Gutter", un magnífico testimonio de los antecedentes de Dupree en el barrelhouse, con maravillosas lecturas de "Stack-O-Lee", "Junker's Blues", "Frankie & Johnny" y el "Nasty Boogie". Este es considerado como su mejor esfuerzo y fue capaz de cruzar los laureles para lanzar una exitosa carrera en el extranjero.

En 1959, se trasladó a Europa y vivió en Suiza, Inglaterra, Suecia y Alemania, donde realizó numerosas giras y grabaciones. Hay muchas reediciones y recopilaciones disponibles en una variedad de etiquetas para cubrir este período europeo. Entre ellos están "Walking the Blues", para King, ('70) y la destacada grabación en vivo, "Blues at Montreaux" ('73) en Atco que también incluía al gran saxofonista King Curtis.

Dupree regresó a Nueva Orleans en 1990 para su primera visita en 36 años. Mientras estaba allí, tocó en el Jazz & Heritage Festival y grabó un álbum para Bullseye Blues, "Back Home in New Orleans".

Los temas del disco "One Last Time" de 1993 fueron extraídos de la última sesión de grabación de Dupree antes de su muerte el año anterior. El campeón Jack murió de complicaciones del cáncer el 21 de enero de 1992.

Fuente: James Nadal

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Ananda Shankar • Arpan Om Sai Ram

Nacido en Almora en el estado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar, bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado 'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con su tío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fue un músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de la India y el rock.

Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU. donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con Jimi Hendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañía discográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Ananda shankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional y rock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo The Doors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguió un gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.

Al volver a la India, en 1975 publicó el que sería su álbum más conocido "Ananda Shankar And His Music", en el cual siguió experimentando con la mezcla de Jazz, Funk y música hindú. Con músicos tocando la guitarra eléctrica, el sitar, la tabla, el mridangam, la batería y el sintetizador Moog. Fuera de stock por muchos años, este álbum fue reeditado en 2005.
Después de trabajar durante el resto de los Años 1970 y los años 1980 en India, poco a poco y gracias principalmente a varios DJ y músicos británicos de origen indio como Talvin Singh y Nitin Sawhney volvió a la popularidad en occidente, cosa que hizo que el sello Blue Note lo incluyera en su álbum "Blue Juice Vol 1, A rare groove compilation" de 1996.
En 1998 y 1999 Ananda realizó varios conciertos con el Dj londinense State of Bengal y otros músicos, colaboración que resultó en el Álbum "Walking On" en el que mezclaron la música clásica de Shankar con ritmos breakbeat, Tecno y Hip Hop. Durante la fase de producción de este álbum, Ananda Shankar murió repentinamente de un fallo cardíaco. [wiki]

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Born in Almora in Uttar Pradesh, India, Shankar was the son of Amala and Uday Shankar, popular dancers, and also the nephew of the renowned sitar player Ravi Shankar. He studied in The Scindia School, Gwalior. Ananda did not learn sitar from his uncle but studied instead with Lalmani Misra at Banaras Hindu University.

In the late 1960s, Shankar travelled to Los Angeles, where he played with many contemporary musicians including Jimi Hendrix. There he was signed to Reprise Records and released his first album, the self-titled Ananda Shankar, in 1970, with original Indian classical material alongside sitar-based cover versions of popular hits, The Rolling Stones' "Jumpin' Jack Flash" and The Doors' "Light My Fire". The album was included in the book 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[4]

Returning to India in the early 1970s, Shankar continued to experiment musically and in 1975 released his most critically acclaimed album, Ananda Shankar and His Music, a jazz-funk mix of Eastern sitar, Western rock guitar, tabla and mridangam, drums and Moog synthesizers. Out of print for many years, the album was re-released on CD in 2005.

After working in India during the late 1970s and 1980s, Shankar's profile in the West began to rise again in the mid-1990s as his music found its way into club DJ sets, particularly in London. His music was brought to a wider audience with the release of Blue Note Records' popular 1996 rare groove compilation album, Blue Juice Vol. 1., including two tracks from Ananda Shankar And His Music, "Dancing Drums" and "Streets of Calcutta".

In the late 1990s, Shankar worked and toured in the United Kingdom with the London DJ State of Bengal and others, a collaboration that resulted in the Walking On album, featuring Shankar's trademark sitar soundscapes mixed with breakbeat and hip hop. Walking On was released in 2000 after Shankar's sudden death from heart failure the year before.

 

 

 

Bob Crosby And His Orchestra • Bobcats Blues

 

Biography
by Scott Yanow
Bob Crosby, Bing's younger brother, often found himself in the odd position of being the least important member of his own orchestra. Indeed, he couldn't play an instrument or read a note of music, which didn't stop him from enjoying a long career in music, in that very odd position. He was born George Robert Crosby in Spokane, Washington, in 1913, and like his older brother, he did start out on a conventional career path, attending college, and like brother Bing, he also dropped out of college in favor of getting work as a singer. Actually, it was a somewhat less direct route from student to crooner, as Crosby was, by his own account, supporting himself picking cucumbers in Spokane when bandleader Anson Weeks tapped him for the singer spot in his band, where he remained for two years, from 1932 through 1934. Those were tough years, as the effects of the Great Depression swelled and lingered, and it was good to have a steady gig, especially as he learned a lot about vocalizing during this period; he jumped to a six-month stay with the Dorsey Brothers' band in 1934, and then, in 1935, fate took a hand.

A group of musicians working for bandleader Ben Pollack had quit en masse and organized themselves under the direction of saxophonist Gil Rodin, as a cooperative venture, with all of the members owning an equal share in the group -- the Casa Loma Orchestra had done the same thing at the start of the decade and were reaping big rewards, and this group had at least as much talent as the Casa Lomans did. What they needed was a vocalist who could also provide them with a name and personality that the public could appreciate; ironically, it was "Cork" O'Keefe, their agent -- who'd also played a key role in organizing the Casa Lomans -- who steered them toward Bob Crosby. He could, by then, sing in a winning, popular style, at his best moments nearly as well as his brother -- and Bing Crosby by then was selling enough 78s to turn newly established Decca Records into a major label -- and he had a personality that the listening public liked. And he had an unassuming ego that allowed him, even as the presumptive "leader," to yield center stage to the various soloists, which included trumpet man Yank Lawson, clarinetist Matty Matlock (later succeeded by Irving Fazola), and saxman Eddie Miller, and to top it off, they had Ray Bauduc, no less, as their drummer.

In the middle of that company was Crosby, an OK singer who held the popular audience. The band had its feet planted astride two -- or three -- musical worlds; Crosby's singing gave them their pop side and their personality, while arranger Bob Haggart (and, later, Matlock as well) wrote charts that were as contemporary as any jazz of the second half of the '30s; but the band also kept some aspects of its sound rooted in familiar '20s attributes, and their devotion to Dixieland jazz was unmistakable (especially with Miller, Bauduc, and Nappy Lamare, New Orleans natives all, in the lineup). Eventually, the Bobcats -- or, sometimes, Bob Cats -- coalesced from within the larger orchestra; a Dixieland octet, they proved phenomenally popular in their own right.

The 1935-1942 period was Crosby's heyday, with his band featuring such classic soloists as Billy Butterfield, Joe Sullivan, Bob Zurke, Jess Stacy, and Muggsy Spanier. During an era when swing was the thing and New Orleans jazz was considered by many to be ancient history, Crosby's crew led the way to the eventual New Orleans revival. Such classic recordings as "South Rampart Street Parade" and "What's New" (both composed by bassist Haggart), along with the many Dixieland stomps, kept the band quite popular. The other secret to their success was the radio: in the late winter of 1938, the orchestra got a gig at the Blackhawk Restaurant in Chicago, which included 11 national broadcasts each week and gave them all of the exposure they needed. Fans of their Dixieland sound rallied to the call and orders for their recordings soared; their subsequent performances on the Camel Caravan show proved just as important in carrying them to the end of the decade. And it didn't hurt that the orchestra was nearly as fortunate in its choice of female singers as it had been in finding Crosby: Doris Day (who left because the 17-year-old was overwhelmed by the ungentlemanly antics of the members, finding a safer haven with Les Brown) and Kay Starr were among the distaff luminaries who sang with them. Crosby also made movies with the band. Though he was never remotely the screen presence that his brother was, Bob Crosby and his band showed up in performance clips in movies such as Columbia's Reveille with Beverly, and he got to do some acting (while the band was featured several times) in Republic's Sis Hopkins, and they played on the soundtrack to the Paramount production Holiday Inn, one of the most popular musicals of the early '40s (and the film that introduced the song "White Christmas").

The orchestra broke up in September of 1942, and Crosby served in the Marines during 1944-1945, and then spent the rest of his life in a variety of activities, often bringing back versions of the Bobcats for special concerts and recordings, taking an occasional vocal but mostly letting his sidemen play. Bob Crosby passed away in 1993, and in the years since many of his best recordings have remained in print on CD. Indeed, the existence of several CD anthologies covering the Crosby orchestra's and the Bobcats' seven-year history is testimony to the continuing popularity of their brand of music; similarly, the showings of the Crosby-featured (or co-starring) movies Reveille with Beverly (1944) and Sis Hopkins (1942) at New York's Film Forum in 2007 proved to be among the most heavily attended of the theater's three-week "B-musicals" series.
https://www.allmusic.com/artist/bob-crosby-mn0000067337/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Bob Crosby, el hermano menor de Bing, se encontraba a menudo en la extraña posición de ser el miembro menos importante de su propia orquesta. De hecho, no sabía tocar un instrumento ni leer una nota musical, lo que no le impidió disfrutar de una larga carrera musical, en esa posición tan extraña. Nació con el nombre de George Robert Crosby en Spokane, Washington, en 1913, y al igual que su hermano mayor, comenzó una carrera convencional, asistiendo a la universidad, y al igual que su hermano Bing, también abandonó la universidad en favor de conseguir trabajo como cantante. En realidad, el camino de estudiante a cantante fue algo menos directo, ya que Crosby, según cuenta, se mantenía recogiendo pepinos en Spokane cuando el director de orquesta Anson Weeks le ofreció el puesto de cantante en su banda, donde permaneció durante dos años, de 1932 a 1934. Fueron años duros, ya que los efectos de la Gran Depresión se agravaron y perduraron, y fue bueno tener un trabajo estable, sobre todo porque aprendió mucho sobre vocalización durante este período; pasó a una estancia de seis meses con la banda de los Dorsey Brothers en 1934, y luego, en 1935, el destino le echó una mano.

Un grupo de músicos que trabajaban para el director de la banda, Ben Pollack, habían renunciado en masa y se habían organizado bajo la dirección del saxofonista Gil Rodin, como una empresa cooperativa, en la que todos los miembros poseían una participación igual en el grupo -la Orquesta Casa Loma había hecho lo mismo a principios de la década y estaba cosechando grandes recompensas, y este grupo tenía al menos tanto talento como los Casa Loman. Lo que necesitaban era un vocalista que también les proporcionara un nombre y una personalidad que el público pudiera apreciar; irónicamente, fue "Cork" O'Keefe, su agente -que también había desempeñado un papel clave en la organización de los Casa Lomans- quien les orientó hacia Bob Crosby. Por aquel entonces podía cantar con un estilo popular y ganador, en sus mejores momentos casi tan bien como su hermano -y Bing Crosby por aquel entonces estaba vendiendo suficientes 78s para convertir la recién creada Decca Records en un sello importante- y tenía una personalidad que gustaba al público. Y tenía un ego discreto que le permitía, incluso como presunto "líder", ceder el centro del escenario a los diversos solistas, entre los que se encontraban el trompetista Yank Lawson, el clarinetista Matty Matlock (al que más tarde sucedería Irving Fazola) y el saxofonista Eddie Miller, y para rematar, tenían a Ray Bauduc, nada menos, como batería.

En medio de esa compañía estaba Crosby, un buen cantante que mantenía al público popular. La banda tenía los pies plantados a horcajadas en dos -o tres- mundos musicales; la forma de cantar de Crosby les daba su lado pop y su personalidad, mientras que el arreglista Bob Haggart (y, más tarde, también Matlock) escribía gráficos que eran tan contemporáneos como cualquier jazz de la segunda mitad de los años 30; pero la banda también mantuvo algunos aspectos de su sonido enraizados en atributos familiares de los años 20, y su devoción por el jazz Dixieland era inconfundible (especialmente con Miller, Bauduc y Nappy Lamare, todos ellos nativos de Nueva Orleans, en la formación). Con el tiempo, los Bobcats -o, a veces, Bob Cats- surgieron de la orquesta más grande; un octeto de Dixieland, que demostró ser fenomenalmente popular por derecho propio.

El período 1935-1942 fue el apogeo de Crosby, con su banda presentando solistas clásicos como Billy Butterfield, Joe Sullivan, Bob Zurke, Jess Stacy y Muggsy Spanier. En una época en la que el swing estaba de moda y el jazz de Nueva Orleans era considerado por muchos como historia antigua, el grupo de Crosby abrió el camino al eventual renacimiento de Nueva Orleans. Grabaciones clásicas como "South Rampart Street Parade" y "What's New" (ambas compuestas por el bajista Haggart), junto con los numerosos ritmos de Dixieland, mantuvieron a la banda bastante popular. El otro secreto de su éxito fue la radio: a finales del invierno de 1938, la orquesta consiguió un concierto en el restaurante Blackhawk de Chicago, que incluía 11 emisiones nacionales cada semana y les dio toda la exposición que necesitaban. Los fans de su sonido Dixieland acudieron a la llamada y los pedidos de sus grabaciones se dispararon; sus posteriores actuaciones en el programa Camel Caravan resultaron igual de importantes para llevarlos hasta el final de la década. Además, la orquesta fue tan afortunada en la elección de cantantes femeninas como lo fue en la búsqueda de Crosby: Doris Day (que se marchó porque la joven de 17 años se sintió abrumada por las travesuras poco caballerosas de los miembros, encontrando un refugio más seguro con Les Brown) y Kay Starr fueron algunas de las luminarias femeninas que cantaron con ellos. Crosby también hizo películas con la banda. Aunque nunca tuvo ni de lejos la presencia en la pantalla que tuvo su hermano, Bob Crosby y su banda aparecieron en clips de actuación en películas como Reveille con Beverly, de Columbia, y llegó a actuar (mientras la banda aparecía varias veces) en Sis Hopkins, de Republic, y tocaron en la banda sonora de la producción de Paramount Holiday Inn, uno de los musicales más populares de principios de los años 40 (y la película que introdujo la canción "White Christmas").

La orquesta se disolvió en septiembre de 1942, y Crosby sirvió en los Marines durante 1944-1945, y luego pasó el resto de su vida en una variedad de actividades, a menudo trayendo de vuelta versiones de los Bobcats para conciertos y grabaciones especiales, tomando una voz ocasional, pero sobre todo dejando que sus acompañantes tocaran. Bob Crosby falleció en 1993, y en los años transcurridos desde entonces muchas de sus mejores grabaciones se han mantenido en CD. De hecho, la existencia de varias antologías de CD que cubren los siete años de historia de la orquesta de Crosby y los Bobcats es un testimonio de la continua popularidad de su música; asimismo, las proyecciones de las películas protagonizadas (o coprotagonizadas) por Crosby, Reveille with Beverly (1944) y Sis Hopkins (1942), en el Film Forum de Nueva York en 2007, fueron de las más concurridas de la serie de "musicales de serie B" de tres semanas.
https://www.allmusic.com/artist/bob-crosby-mn0000067337/biography

The Beatles-Hunter Davies

 

 

In this behind-the-scenes look at the most famous musical group in history, Hunter Davies gives the complete story of the Beatles. As the only authorized biographer, Davies had full access to the group, as well as their help and encouragement. He spent eighteen months with them when they were at the peak of their musical genius and at the pinnacle of their popularity, and he remained friends with each of the members as they went their separate ways.

 

Wayne Shorter • Without A Net

 

Review by Thom Jurek
Without a Net is Wayne Shorter's first Blue Note recording date since August 26, 1970, when he recorded Moto Grosso Feio and Odyssey of Iska. That's nearly 43 years. Shorter has pursued many paths since then, as a member of Weather Report, and as a bandleader. This quartet was assembled for a 2001 European tour and has been playing together ever since. It shows. The interplay Shorter shares with pianist Danilo Pérez, bassist John Pattitucci, and drummer Brian Blade is not merely intuitive, it is seamlessly empathic. All but one of these tunes were recorded during the group's 2011 tour. The lone exception is "Pegasus," recorded with the Imani Winds at the Walt Disney Concert Hall. There are six new tunes here; the quartet is credited with two of them. Shorter also revises some others, including set opener "Orbits" (the original was on Miles Davis' Miles Smiles) and "Plaza Real" (from Weather Report's Procession album). The only outlier, "Flying Down to Rio," is a version of the title tune from a 1933 film. Fireworks from this band can be heard everywhere. But the group aesthetic is especially noticeable in the penetrating romanticism of "Starry Night," where what appears restrained -- at least initially -- is actually quite exploratory and forceful. It's also apparent in the slow deliberation at play in the brooding "Myrrh." "Plaza Real" is a different animal here. Shorter's soprano soars and swoops through the melody, extending it at each turn as Pérez offers bright, pulsing chords to highlight the harmonic richness on display. Blade digs deep into his tom-toms, and finds an alternate polyrhythmic route that underscores the elegance and momentum in Shorter's lyric invention. The album's centerpiece is the 23-minute "Pegasus," which expands the band into a nonet. It is a tone poem that commences very slowly and deliberately. But its form gradually opens to allow for great expressions of individual and group freedom. Shorter's athletic soprano solo is breathtaking. The arrangement on "Flying Down to Rio" turns its catchy yet off-kilter melody into a group dialogue centered around a swirling series of complex harmonic statements. Pattitucci introduces "Zero Gravity to the 10th Power" with a funky vamp before layers of melody, harmonic extrapolation, and rhythmic interplay are added. By the time Shorter takes his tenor solo, we've heard everything from Latin grooves to modal assertions to classical motifs and some near explosions from Blade. While any new album from Shorter is an event at this juncture (he's nearly 80 yet in peak form here as composer and soloist), Without a Net is special even among the recordings made by this outstanding group.
https://www.allmusic.com/album/without-a-net-mw0002445530

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Reseña de Thom Jurek
Without a Net es la primera grabación de Wayne Shorter en Blue Note desde el 26 de agosto de 1970, cuando grabó Moto Grosso Feio y Odyssey of Iska. Son casi 43 años. Shorter ha seguido muchos caminos desde entonces, como miembro de Weather Report y como director de orquesta. Este cuarteto se reunió para una gira europea en 2001 y han estado tocando juntos desde entonces. Y se nota. La interacción que Shorter comparte con el pianista Danilo Pérez, el bajista John Pattitucci y el batería Brian Blade no es meramente intuitiva, sino perfectamente empática. Todas menos una de estas melodías fueron grabadas durante la gira del grupo en 2011. La única excepción es «Pegasus», grabada con Imani Winds en el Walt Disney Concert Hall. Aquí hay seis melodías nuevas; el cuarteto se atribuye dos de ellas. Shorter también revisa otras, como «Orbits» (la original estaba en Miles Smiles de Miles Davis) y «Plaza Real» (del álbum Procession de Weather Report). La única canción atípica, «Flying Down to Rio», es una versión de la canción principal de una película de 1933. Los fuegos artificiales de esta banda se oyen por todas partes. Pero la estética del grupo se aprecia especialmente en el penetrante romanticismo de «Starry Night», donde lo que parece comedido -al menos al principio- es en realidad bastante exploratorio y contundente. También es evidente en la lenta deliberación de la melancólica «Mirra». «Plaza Real» es un animal La soprano de Shorter se eleva y se abalanza a través de la melodía, extendiéndola en cada giro mientras Pérez ofrece acordes brillantes y pulsantes para resaltar la riqueza armónica que se despliega. Blade profundiza en sus tom-toms y encuentra una ruta polirrítmica alternativa que subraya la elegancia y el ímpetu en la invención lírica de Shorter. La pieza central del álbum es «Pegasus», de 23 minutos de duración, que convierte a la banda en un noneto. Es un poema tonal que comienza muy lenta y deliberadamente. Pero su forma se abre gradualmente para permitir grandes expresiones de libertad individual y de grupo. El atlético solo de soprano de Shorter es impresionante. Los arreglos de «Flying Down to Rio» convierten su melodía pegadiza y alocada en un diálogo de grupo centrado en una serie de complejos enunciados armónicos. Pattitucci introduce «Zero Gravity to the 10th Power» con un funky vamp antes de que se añadan capas de melodía, extrapolación armónica e interacción rítmica. Para cuando Shorter toma su solo de tenor, hemos escuchado de todo, desde grooves latinos a afirmaciones modales, pasando por motivos clásicos y algunas casi explosiones de Blade. Aunque cualquier nuevo álbum de Shorter es un acontecimiento en esta coyuntura (tiene casi 80 años pero está en plena forma como compositor y solista), Without a Net es especial incluso entre las grabaciones realizadas por este destacado grupo.
https://www.allmusic.com/album/without-a-net-mw0002445530

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The Three Sounds • Live At The Living Room

Review by Scott Yanow
The Three Sounds (pianist Gene Harris, bassist Andy Simpkins and drummer Bill Dowdy) were quite popular in the early to mid-1960s and recorded many albums, but surprisingly few have been reissued on CD yet. This Mercury LP finds the trio mostly sticking to bluesy material, plus a couple of Oscar Peterson tunes ("Blues for Big Scotia" and the joyous "Hymn to Freedom"). Whether it be "Glory of Love," "Willow Weep for Me" or even "Mississippi Mud," every song sounds a bit like the blues on this hard-to-find set.
 

 

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Reseña de Scott Yanow
Los Three Sounds (el pianista Gene Harris, el bajista Andy Simpkins y el baterista Bill Dowdy) fueron muy populares a principios y mediados de los años 60 y grabaron muchos álbumes, pero sorprendentemente pocos han sido reeditados en CD. En este LP de Mercury, el trío se ciñe principalmente a material bluesero, además de un par de temas de Oscar Peterson ("Blues for Big Scotia" y el alegre "Hymn to Freedom"). Ya sea "Glory of Love", "Willow Weep for Me" o incluso "Mississippi Mud", todas las canciones suenan un poco a blues en este conjunto difícil de encontrar.
 

Zoot Sims & Dick Nash Octet • Nashville

 

 

You're in for a huge treat, but you don't know it yet. Back in the 10-inch LP days, on February 14, 1955, tenor saxophonist Zoot Sims was in Los Angeles cutting a four-track session for Jump Records, a Hollywood label founded by Clive Acker and Ed Kocher in 1944 just after the first AFM recording ban was settled.

The leader of the Jump date was Hall Daniels, a top studio arranger who went on to score the Beach Party movies and space age pop for Les Baxter.

The four tracks recorded that day at Hollywood's Radio Screen shot 2011-06-05 at 8.25.48 PM Recorders Studio were The Way You Look Tonight, Nash-ville, You Don't Know What Love Is and Compatibility. Nash-ville and Compatibility were Daniels originals. And all four were brilliantly arranged by Daniels in typical West Coast linear fashion, with harmonies sliding back and forth behind smooth solos.

Fortunately, Acker called for multiple alternate takes that Screen shot 2011-06-05 at 8.26.07 PM day—either to allow for run downs of the tracks or extra tape from which he could splice together choice solos. I say "fortunately" because all of the complete takes were issued. So if you love The Way You Look Tonight, as I do, you'll be wallowing in it—there are three in all.

Now here's the big news: While this rare recording has been Screen shot 2011-06-05 at 8.29.01 PM out of print for some time and can't be found at Amazon or eBay, I came across it hidden at iTunes. It's under Zoot Sims' name, and it's listed incorrectly as Nashville—as though Sims had recorded a country album in California in 1955. --- jazzwax.com

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Te espera un gran placer, pero aún no lo sabes. De vuelta en los días de los LP de 10 pulgadas, el 14 de febrero de 1955, el saxofonista tenor Zoot Sims estaba en Los Ángeles grabando una sesión de cuatro pistas para Jump Records, un sello de Hollywood fundado por Clive Acker y Ed Kocher en 1944 justo después de que se resolviera la primera prohibición de grabación de AFM.

El líder de The Jump date fue Hall Daniels, un destacado arreglista de estudio que luego compuso la banda sonora de las películas Beach Party y Space age pop para Les Baxter.

Las cuatro pistas grabadas ese día en la Captura de Pantalla de Radio de Hollywood el 05/06/2011 a las 20: 25: 48 Recorders Studio fueron La Forma En Que Te Ves Esta Noche, Nash-ville, No Sabes Qué Es el Amor y la Compatibilidad. Nash-ville y Compatibility eran originales de Daniels. Y los cuatro fueron arreglados brillantemente por Daniels al estilo lineal típico de la Costa Oeste, con armonías deslizándose hacia adelante y hacia atrás detrás de solos suaves.

Afortunadamente, Acker solicitó múltiples tomas alternativas en esa captura de pantalla del 05/06/2011 a las 20: 26: 07 PM del día, ya sea para permitir el rodaje de las pistas o cinta adicional a partir de la cual podría unir solos selectos. Digo "afortunadamente" porque se emitieron todas las tomas completas. Entonces, si amas la Forma en que te ves Esta Noche, como yo, te revolcarás en ella, hay tres en total.

Ahora, aquí está la gran noticia: Si bien esta rara grabación ha sido capturada en pantalla el 05/06/2011 a las 20: 29: 01 HORAS agotada durante algún tiempo y no se puede encontrar en Amazon o eBay, la encontré escondida en iTunes. Está bajo el nombre de Zoot Sims, y aparece incorrectamente como Nashville, como si Sims hubiera grabado un álbum country en California en 1955. --- jazzwax.com

Johnny Lytle • Good Vibes

Good Vibes is an album by American jazz vibraphonist Johnny Lytle which was recorded in 1981 for the Muse label.

Howlin' Wolf, Muddy Waters, Bo Diddley ‎• The Super Super Blues Band

 

This is easily a "super super blues bust." Power trios, of course, were hip in the late '60s -- even at down-home Chess Studios, where ad hoc "supergroups" were assembled for 1967's Super Blues and its sequel, Super Super Blues Band. (No one ever accused Chess Records of being subtle.) The band on Super Super Blues Band included two-thirds of the original Super Blues headliners -- Muddy Waters and Bo Diddley -- with Howlin' Wolf replacing Little Walter to round out the trio. Unlike Walter, who was willing to cede the spotlight to Diddley and Waters on Super Blues, Wolf adamantly refuses to back down from his rivals, resulting in a flood of contentious studio banter that turns out to be more entertaining than the otherwise unmemorable music from this stylistic train wreck. Although Wolf and Waters duke it out in earnest on the blues standards, the presence of Diddley (and his rave-up repertoire) makes the prospect of an ensemble impossible; in the end, there are just too many clashing ingredients (the squealing "girlie" choruses vs. Wolf's growl, Diddley's space guitar antics vs. Waters' uncompromising slide guitar) to make the mix digestible. Meanwhile, as the three frontmen struggle to outduel each other on every song, they drown out an underused, all-star backing band made up of Otis Spann on piano, Hubert Sumlin on guitar, Buddy Guy on bass, and Clifton James on drums. At least it sounds like they had fun doing it.

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Esto es fácilmente un "busto de súper súper azules". Los tríos de poder, por supuesto, estaban de moda a finales de los 60... incluso en los estudios de ajedrez caseros, donde se reunían "supergrupos" ad hoc para el Super Blues de 1967 y su secuela, Super Super Blues Band. (Nadie acusó a Chess Records de ser sutil.) La banda de Super Blues Band incluía dos tercios de los titulares originales de Super Blues -- Muddy Waters y Bo Diddley -- con Howlin' Wolf reemplazando a Little Walter para completar el trío. A diferencia de Walter, que estaba dispuesto a ceder el protagonismo a Diddley y Waters en el Super Blues, Wolf se niega rotundamente a retroceder ante sus rivales, lo que resulta en un aluvión de polémicas bromas de estudio que resultan ser más entretenidas que la música, de otro modo inolvidable, de este desastre estilístico. Aunque Wolf y Waters se enfrentan en serio a los estándares del blues, la presencia de Diddley (y su repertorio de juerga) hace imposible la perspectiva de un conjunto; al final, hay demasiados ingredientes en conflicto (los chillidos de los coros "femeninos" contra el gruñido de Wolf, las payasadas de Diddley con la guitarra espacial contra la guitarra deslizante de Waters) para hacer que la mezcla sea digerible. Mientras tanto, mientras los tres cantantes luchan por superarse en cada canción, ahogan a una infrautilizada y estelar banda de acompañamiento formada por Otis Spann al piano, Hubert Sumlin a la guitarra, Buddy Guy al bajo y Clifton James a la batería. Al menos parece que se divirtieron haciéndolo.

 

 

Phineas Newborn Jr. • A World of Piano!

 

Review by Scott Yanow
Phineas Newborn's Contemporary debut (he would record six albums over a 15-year period for the label) was made just before physical problems began to interrupt his career. This CD reissue has two trio sessions, and finds Newborn joined by either bassist Paul Chambers and drummer Philly Joe Jones or bassist Sam Jones and drummer Louis Hayes. Actually, the accompaniment is not that significant, for the virtuosic Newborn is essentially the whole show anyway. He performs five jazz standards and three obscurities by jazz composers on this superb recital; highlights include "Cheryl," "Manteca," "Daahoud," and "Oleo." https://www.allmusic.com/album/a-world-of-piano%21-mw0000194058

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Reseña de Scott Yanow
El debut de Phineas Newborn con Contemporary (grabaría seis álbumes en un periodo de 15 años para el sello) se realizó justo antes de que los problemas físicos empezaran a interrumpir su carrera. Esta reedición en CD tiene dos sesiones en trío, y encuentra a Newborn acompañado por el bajista Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones o por el bajista Sam Jones y el batería Louis Hayes. En realidad, el acompañamiento no es tan significativo, ya que el virtuoso Newborn es esencialmente todo el espectáculo de todos modos. En este magnífico recital interpreta cinco estándares de jazz y tres oscuridades de compositores de jazz; entre las más destacadas figuran «Cheryl», «Manteca», «Daahoud» y «Oleo». https://www.allmusic.com/album/a-world-of-piano%21-mw0000194058


 

Bud Powell • In Copenhagen

 

Review
by Scott Yanow
This Delmark recording is an excellent set by the great pianist Bud Powell in a trio with the teenage bassist Niels Pederson and drummer William Shiopffe. Recored in Copenhagen, the session features Powell exploring seven bop standards (including his own "Bouncing with Bud") and "The Best Thing for You." All eight selections (which put the emphasis on faster material other than "I Remember Clifford") showcase Bud Powell during his European renaissance period, giving pianists a definitive lesson in playing bop.
https://www.allmusic.com/album/in-copenhagen-mw0000595125

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Reseña
por Scott Yanow
Esta grabación de Delmark es un excelente conjunto del gran pianista Bud Powell en un trío con el bajista adolescente Niels Pederson y el baterista William Shiopffe. Grabado en Copenhague, la sesión presenta a Powell explorando siete estándares de bop (incluyendo su propio "Bouncing with Bud") y "The Best Thing for You". Las ocho selecciones (que ponen el énfasis en el material más rápido aparte de "I Remember Clifford") muestran a Bud Powell durante su período de renacimiento europeo, dando a los pianistas una lección definitiva para tocar bop.
https://www.allmusic.com/album/in-copenhagen-mw0000595125

VA • Boogie Chillen

 

Three CD release, the most enlightening and informative Mod collection yet to see issue, Boogie Chillen not only provides a fascinating history lesson, but also delivers a compelling 3 ½ hours of great music. At the start of the '60s, Britain bore witness to a new, brash youth movement, which up until the onset of hippy-dom later that decade, dominated the country's fashion and musical landscape. These young modernists embraced a smart, stylish look along with the coolest sounds emanating from the US, and later, Jamaica. While the subculture eventually faded from British mainstream consciousness, it has never disappeared altogether, attracting new followers worldwide with each new generation.
https://www.amazon.com/Boogie-Chillen-Various-Artists/dp/B00AO71UTY

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Boogie Chillen, la colección de música Mod más esclarecedora e informativa que se ha publicado hasta la fecha, no sólo proporciona una fascinante lección de historia, sino que también ofrece 3 horas y media de buena música. A principios de los años 60, Gran Bretaña fue testigo de un nuevo y descarado movimiento juvenil que, hasta la aparición del hippismo a finales de esa década, dominó la moda y el paisaje musical del país. Estos jóvenes modernistas adoptaron un aspecto elegante y con estilo junto con los sonidos más frescos que emanaban de Estados Unidos y, más tarde, de Jamaica. Aunque la subcultura acabó desapareciendo de la conciencia de los británicos, nunca ha desaparecido del todo, atrayendo a nuevos seguidores en todo el mundo con cada nueva generación.
https://www.amazon.com/Boogie-Chillen-Various-Artists/dp/B00AO71UTY

Warne Marsh • More Jazz From The East Village

 

 

Biography
by Scott Yanow
Along with Lee Konitz, Warne Marsh was the most successful "pupil" of Lennie Tristano and, unlike Konitz, Marsh spent most of his career exploring chordal improvisation the Tristano way. The cool-toned tenor played with Hoagy Carmichael's Teenagers during 1944-1945 and then after the Army, he was with Buddy Rich (1948) before working with Lennie Tristano (1949-1952). His recordings with Tristano and Konitz still sound remarkable today with unisons that make the two horns sound like one. Marsh had occasional reunions with Konitz and Tristano through the years, spent periods outside of music, and stayed true to his musical goals. He moved to Los Angeles in 1966 and worked with Supersax during 1972-1977, also filling in time teaching. Marsh, who collapsed and died on stage at the legendary Donte's club in 1987 while playing "Out of Nowhere," is now considered legendary. He recorded as a leader for Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reissued on V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross, and Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Junto con Lee Konitz, Warne Marsh fue el "alumno" más exitoso de Lennie Tristano y, a diferencia de Konitz, Marsh pasó la mayor parte de su carrera explorando la improvisación de acordes a la manera de Tristano. Este tenor de tono frío tocó con los Teenagers de Hoagy Carmichael durante 1944-1945 y, después del ejército, estuvo con Buddy Rich (1948) antes de trabajar con Lennie Tristano (1949-1952). Sus grabaciones con Tristano y Konitz todavía suenan de forma notable, con unísonos que hacen que las dos trompas suenen como una sola. Marsh se reunió ocasionalmente con Konitz y Tristano a lo largo de los años, pasó periodos fuera de la música y se mantuvo fiel a sus objetivos musicales. Se trasladó a Los Ángeles en 1966 y trabajó con Supersax durante 1972-1977, ocupando también tiempo en la enseñanza. Marsh, que se desplomó y murió en el escenario del legendario club Donte's en 1987 mientras tocaba "Out of Nowhere", es considerado ahora una leyenda. Grabó como líder para Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reeditado en V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross y Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

Herbie Mann & Bobby Jaspar • Flute Flight

 

 

 

Wynton Kelly feat. Hank Mobley • Interpretations

 

Booker Ervin • Structuraly Sound

 

Review
by Matt Collar  

Mixing the dusky romanticism of Dexter Gordon and the progressive tonal ideology of John Coltrane, Booker Ervin is often filed under "A" for amalgam alongside other overlooked tenor masters such as Tina Brooks and Hank Mobley. Structurally Sound is perhaps not Ervin's most provocative album, but a solid and tasty endeavor featuring the suspended chord sounds popularized by McCoy Tyner during the late '60s. Here, the chords come via the brilliant pianist John Hicks, who opens the album with funky high-end triplet figures on Randy Weston's "Berkshire Blues." Joining in is a well-selected roster of musicians, many of whom were also overshadowed by their more well-known contemporaries, including Charles Tolliver on trumpet, Red Mitchell on bass, and Lenny McBrowne on drums. Tolliver contributes the original composition "Franess," a Wayne Shorter-influenced affair that features his fat and burnished tone. They also cover Oliver Nelson's blissful standard "Stolen Moments" to good effect. Originally ending with an athletic up-tempo version of "Take the 'A' Train," the Blue Note Connoisseur Series reissue includes a sparkling "Shiny Stockings," featuring an especially inspired chorus by Ervin. An oddball version of "White Christmas" also makes it onto the disc, as do alternate takes of "Franess" and "Deep Night."

https://www.allmusic.com/album/structurally-sound-mw0000623994

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Reseña
por Matt Collar  

Mezclando el romanticismo sombrío de Dexter Gordon y la ideología tonal progresiva de John Coltrane, Booker Ervin es a menudo archivado en la "A" de amalgama junto a otros maestros del tenor pasados por alto como Tina Brooks y Hank Mobley. Structurally Sound no es quizás el álbum más provocativo de Ervin, pero es un esfuerzo sólido y sabroso que presenta los sonidos de acordes suspendidos popularizados por McCoy Tyner a finales de los 60. Aquí, los acordes vienen a través del brillante pianista John Hicks, que abre el álbum con figuras de tresillos de alta gama en "Berkshire Blues" de Randy Weston. Se une una lista bien seleccionada de músicos, muchos de los cuales también fueron eclipsados por sus contemporáneos más conocidos, incluyendo a Charles Tolliver en la trompeta, Red Mitchell en el bajo y Lenny McBrowne en la batería. Tolliver contribuye con la composición original "Franess", un asunto influenciado por Wayne Shorter que presenta su tono gordo y bruñido. También cubren el dichoso estándar de Oliver Nelson "Stolen Moments" con buen efecto. La reedición de la Blue Note Connoisseur Series finaliza con una atlética versión de "Take the 'A' Train", pero incluye una chispeante "Shiny Stockings", con unos coros especialmente inspirados de Ervin. Una extraña versión de "White Christmas" también aparece en el disco, así como tomas alternativas de "Franess" y "Deep Night".

https://www.allmusic.com/album/structurally-sound-mw0000623994

Gabor Szabo • Small World

Artist Biography

An innovative musician who combined the folk music of his native Hungary with his passion for jazz, Gabor Szabo began his study of the guitar at the age of 14. Following a single free lesson that came as a gift with his first instrument, he then began to teach himself to play by emulating the American jazz performers he heard on the radio. Some work with various bands in the Budapest area gradually developed, but in 1956 Szabo was forced to take refuge in Austria by the Communist takeover of Hungary.

Eventually settling in California, Szabo struggled to establish himself as a musician; for a time he worked as a janitor and used his earnings to attend the Berklee School of Music in Boston between 1958 and 1960. Reaching the end of his money, Szabo returned to California and again sought to break into the music field, working in property management to support his family. In 1961, the long-sought opportunity arrived in the form of an invitation to join The Chico Hamilton Quintet. After a somewhat tenuous beginning (Szabo was actually fired by Hamilton and then re-hired later in the year), the guitarist quickly began to establish himself with jazz audiences through his strikingly unique approach to his instrument. It was during this period that Szabo first performed with Lena Horne - an association that would later evolve into a collaborative record and an appearance on Horne's television special in 1970.

By 1965 Szabo had moved on from Hamilton's group, working for a time with The Gary McFarland Quintet and in a quartet fronted by his Hamilton bandmate Charles Lloyd before initiating his solo career in 1966 with the release of “Spellbinder.” A track from this album, “Gypsy Queen,” would later be adapted into the successful single “Black Magic Woman” by the band Santana. In ’66 he also recorded “Jazz Raga,” where he experiments with the sitar, doing some interesting covers. This was an early world fusion excursion.The following year, he formed his own quintet, with whom he recorded a series of albums for the Skye label during the remainder of the decade.

Concurrent with the growing popularity of rock, Szabo began to integrate the use of feedback into his playing, as well as intergrating aspects of Indian music. Following the dissolution of his quintet, Szabo assembled a sextet; the new band concentrated on a more commercially-accesible style of music and began an active West Coast performing schedule. Numerous collaborative projects also materialized throughout the 1970s - including “High Contrast,” a critically-acclaimed album with Bobby Womack. Another recording “Mizrab,” (1972) revealed the success of his jazz, pop, Gypsy, Indian and Asian fusions.

Towards the end of the 70s, Szabo had begun to travel back to his homeland, instigating a renewed interest in his Hungarian heritage. Upon his return to the United States, Szabo sought to merge elements of both his acoustic and electric styles with a return to his musical roots. This awareness led to his eventual recording of Franz Liszt's “Hungarian Rhapsody,” on the record “Macho,” in 1975. His other sessions for the ‘70’s were “Nightflight,” (1976) “Faces,” (1977) “Belsta River,” (1978)

The guitarist's final recording, “Femme Fatale,” done in collaboration with Chick Corea followed in 1979. A brief resurgence of musical activity was managed at the start of the 80s, but in 1981 Szabo returned again to Hungary. The following year he died of liver and kidney failure in a Budapest hospital.

Guitarist Jimmy Stewart, who befriended and accompanied Gabor on many occasions, discusses the basis of the “Gabor Szabo Sound.”

Gabor Szabo's sound was extremely unusual. That, coupled with his Hungarian field, made him one of the premier guitarists during the mid 60s and early 70s. Part of that sound came from his hands. The other part of the sound came from the type of instruments that he used. One of his favorite instruments was the Martin D-45. Another guitar Gabor liked to play was a Martin D-285. Gabor Szabo used a pickup made by DeArmond, placing it in the center of the round hole and adjusting it so he could have an excellent balance between the bass strings and the treble strings. So the round pickup in the center of the round hole on the Martin D-45 was the real basic sound for Gabor Szabo.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/gaborszabo

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Biografía del artista

Un músico innovador que combinó la música folclórica de su Hungría natal con su pasión por el jazz, Gabor Szabo comenzó sus estudios de guitarra a la edad de 14 años. Después de una única lección gratuita que le fue regalada con su primer instrumento, comenzó a aprender a tocar emulando a los intérpretes de jazz estadounidenses que escuchaba en la radio. Algunos trabajos con varias bandas en la zona de Budapest se desarrollaron gradualmente, pero en 1956 Szabo se vio obligado a refugiarse en Austria por la toma de poder comunista de Hungría.

Eventualmente se estableció en California, Szabo luchó por establecerse como músico; durante un tiempo trabajó como conserje y utilizó sus ganancias para asistir a la Escuela de Música de Berklee en Boston entre 1958 y 1960. Al llegar al final de su dinero, Szabo regresó a California y de nuevo trató de entrar en el campo de la música, trabajando en la administración de propiedades para mantener a su familia. En 1961, la tan buscada oportunidad llegó en forma de invitación para unirse al Quinteto Chico Hamilton. Después de un comienzo un tanto tenue (Szabo fue despedido por Hamilton y luego contratado de nuevo más tarde en el año), el guitarrista rápidamente comenzó a establecerse entre el público de jazz a través de su enfoque sorprendentemente único de su instrumento. Fue durante este período que Szabo actuó por primera vez con Lena Horne - una asociación que más tarde se convertiría en un disco colaborativo y una aparición en el especial de televisión de Horne en 1970.

En 1965 Szabo había dejado el grupo de Hamilton, trabajando durante un tiempo con The Gary McFarland Quintet y en un cuarteto liderado por su compañero de banda de Hamilton Charles Lloyd antes de iniciar su carrera en solitario en 1966 con el lanzamiento de "Spellbinder". Un tema de este álbum, "Gypsy Queen", se adaptaría más tarde al exitoso sencillo "Black Magic Woman" de la banda Santana. En el'66 también grabó "Jazz Raga", donde experimenta con el sitar, haciendo algunas versiones interesantes. Al año siguiente formó su propio quinteto, con el que grabó una serie de discos para el sello Skye durante el resto de la década.

Paralelamente a la creciente popularidad del rock, Szabo comenzó a integrar el uso de la retroalimentación en su interpretación, así como a integrar aspectos de la música india. Después de la disolución de su quinteto, Szabo montó un sexteto; la nueva banda se concentró en un estilo de música más accesible comercialmente y comenzó un programa activo de presentaciones en la Costa Oeste. Numerosos proyectos de colaboración también se materializaron a lo largo de la década de 1970 - incluyendo "High Contrast", un álbum aclamado por la crítica con Bobby Womack. Otra grabación "Mizrab" (1972) reveló el éxito de sus fusiones de jazz, pop, gitano, indio y asiático.

A finales de los años 70, Szabo había comenzado a viajar de vuelta a su tierra natal, lo que despertó un renovado interés por su herencia húngara. A su regreso a los Estados Unidos, Szabo trató de fusionar elementos de sus estilos acústico y eléctrico con un retorno a sus raíces musicales. Esta conciencia le llevó a grabar la "Rapsodia húngara" de Franz Liszt, en el disco "Macho", en 1975. Sus otras sesiones para los años 70 fueron "Vuelo nocturno" (1976), "Caras" (1977), "Río Belsta" (1978).

La última grabación del guitarrista, "Femme Fatale", realizada en colaboración con Chick Corea, fue seguida en 1979. A principios de los años 80 se logró un breve resurgimiento de la actividad musical, pero en 1981 Szabo regresó de nuevo a Hungría. Al año siguiente murió de insuficiencia hepática y renal en un hospital de Budapest.

El guitarrista Jimmy Stewart, que se hizo amigo y acompañó a Gabor en muchas ocasiones, habla de las bases del "Gabor Szabo Sound".

El sonido de Gabor Szabo era extremadamente inusual. Eso, junto con su campo húngaro, lo convirtió en uno de los principales guitarristas a mediados de los años 60 y principios de los 70. Parte de ese sonido vino de sus manos. La otra parte del sonido provenía del tipo de instrumentos que utilizaba. Uno de sus instrumentos favoritos era el Martin D-45. Otra guitarra que le gustaba tocar a Gabor era una Martin D-285. Gabor Szabo utilizó una pastilla hecha por DeArmond, colocándola en el centro del agujero redondo y ajustándola para que pudiera tener un excelente equilibrio entre las cuerdas de graves y las cuerdas de agudos. Así que la pastilla redonda en el centro del agujero redondo en el Martin D-45 era el sonido básico real para Gabor Szabo.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/gaborszabo

 

Darrel Higham • Believe What You Hear

 

Biography
by Bruce Eder
An Eddie Cochran LP changed Darrel Higham's life. The British guitarist/singer, who wasn't even born when Cochran last toured England, entered his teens during the 1970s, just as punk was starting to attract a lot of teenagers -- but it was Cochran's lean, virtuoso-level playing and the most frantic beat of his best songs, on an old album that Higham found in his parents' collection, that became his inspiration. He spent the next few years learning all he could from watching other guitar players in action and also listening to lots of records that were getting reissued in England, by the likes of Carl Perkins, Scotty Moore as part of Elvis Presley's band, and Cliff Gallup in Gene Vincent's Blue Caps. Higham also became a devotee of the growing number of revival performers, especially the Stray Cats and Shakin' Stevens. At 17, he was playing lead guitar with such bands as the Baskervilles and Offbeats, and he eventually landed the most unlikely of breakthrough gigs, portraying Eddie Cochran in the London stage musical Elvis. Higham's fluent command of '50s rock & roll elicited admiration from the likes of Jeff Beck and Chrissie Hynde, and he also played upright bass with rockabilly legends Merril E. Moore ("The House of Blue Lights") and Terry Noland. In 1991, he formed Bob & the Bearcats with lead singer Bob Burfoy, and recorded a well-received album-length CD, Hold on Tight. In 1992, Higham received one of the highest personal honors of his career when he sang and played six months' worth of gigs in America with Eddie Cochran's band the Kelly Four. In the years since, with his own band the Enforcers, Higham has been one of the top young rockabilly enthusiasts of the 1990s and beyond.
https://www.allmusic.com/artist/darrel-higham-mn0000672534/biography

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Biografía
por Bruce Eder
Un LP de Eddie Cochran cambió la vida de Darrel Higham. El guitarrista y cantante británico, que ni siquiera había nacido cuando Cochran realizó su última gira por Inglaterra, entró en la adolescencia en los años setenta, justo cuando el punk empezaba a atraer a muchos adolescentes, pero fue la forma de tocar de Cochran, delgada y virtuosa, y el ritmo más frenético de sus mejores canciones, en un viejo disco que Higham encontró en la colección de sus padres, lo que se convirtió en su inspiración. Pasó los años siguientes aprendiendo todo lo que pudo observando a otros guitarristas en acción y también escuchando muchos discos que se reeditaban en Inglaterra, de gente como Carl Perkins, Scotty Moore como parte de la banda de Elvis Presley, y Cliff Gallup en los Blue Caps de Gene Vincent. Higham también se convirtió en un devoto del creciente número de artistas del revival, especialmente los Stray Cats y Shakin' Stevens. A los 17 años ya tocaba la guitarra solista en grupos como los Baskervilles y los Offbeats, y acabó consiguiendo el más improbable de los éxitos: interpretar a Eddie Cochran en el musical londinense Elvis. Su dominio del rock & roll de los 50 despertó la admiración de artistas como Jeff Beck y Chrissie Hynde, y también tocó el contrabajo con las leyendas del rockabilly Merril E. Moore ("The House of Blue Lights") y Terry Noland. En 1991, formó Bob & the Bearcats con el vocalista Bob Burfoy, y grabó un CD de larga duración muy bien recibido, Hold on Tight. En 1992, Higham recibió uno de los mayores honores personales de su carrera al cantar y tocar durante seis meses en Estados Unidos con la banda de Eddie Cochran, los Kelly Four. En los años siguientes, con su propia banda, los Enforcers, Higham ha sido uno de los mejores jóvenes entusiastas del rockabilly de la década de 1990 y posteriores.
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Johnny Maddox And His Dixie Boys • Dixieland Blues

 

Johnny Maddox, one of the most recognizable personalities in ragtime history died Tuesday, November 27th, he was 91. He planted the seeds of a ragtime revival that would bloom with the classical revival of ragtime music in the late 60s.

Johnny Maddox was born on August 4, 1927 in Gallatin, Tennessee. He learned piano as a toddler from his Aunt Zula Cothron who had played ragtime at the 1904 Louisiana Purchase Exposition in St. Louis. Maddox began performing publically at age 5 and had a professional career by the time he was 12 years old.

He became a nationally recognized star after the release of “St. Louis Tickle” backed with “Crazy Bone Rag” on Dot Records in 1950. It sold 22 thousand copies in just a few weeks. Maddox carried Dot Records, which was owned by his friend Randy Wood, to national prominence, recording a series of hits for them until 1967. His discography runs to over 50 albums and 90 additional singles.

In the early 50s, he appeared with major stars from Sophie Tucker to Elvis Presley. He had a hit playing Bob Wills’ “San Antonio Rose”, bringing the sounds of his piano to millions of ears. He had another major hit with “In The Mood”.

His sound caught on with the public and by 1954 he had been declared the “Number One Jukebox Artist in America” by the MOA (Music Operators of America). The next year he recorded his biggest hit, a version of “Crazy Otto Medley” that spent 14 weeks near the top of the Billboard Chart and became the first all-piano record to sell more than a million copies. He went on to have nine gold singles.

During his broadest fame in the 50s and 60s he appeared on all the major television variety shows, and in major city venues nationwide, but he also toured state fairs, playing a piano mounted on the back of a pickup truck. He befriended many of the surviving stars of the original ragtime and early jazz era, including W.C. Handy, and appeared with rising country musicians like Patsy Cline.

Always one to have a home base, he maintained a 17 year engagement at the Red Slipper Room in Denver, Colorado’s Cherry Creek Inn through the 50s and 60s.  He attempted to retire several times but continued to perform regularly until 2012.  He played at  Il Porto Ristorante in Old Town Alexandria, Virginia for many years and then from 1996-2012 at the Strater Hotel’s Diamond Belle Saloon in Durango, Colorado.  He amassed one of the largest collections of original ragtime sheet music in private hands, totaling more than 200,000 pieces. In recent years he has befriended and performed with young ragtime pianist Adam Swanson.
Johnny Maddox (August 4, 1927 – November 27, 2018)
https://syncopatedtimes.com/johnny-maddox-has-died/



Elliott Simon By Elliott Simon
September 17, 2005
When the Grateful Dead sang a hundred verses in ragtime to "Ramble On Rose, it was no accident that the leader of their conjured-up band was Crazy Otto. Their reference was to ragtime pianist Johnny Maddox, whose Crazy Otto Rag released in 1955, sold over 2 million copies and in the process became the first million selling all piano recording in history. Maddox, who lives in Gallatin, TN, continues to travel twice yearly to the Diamond Belle Saloon in Durango Colorado's Strater Hotel where he plays two extended solo engagements. Releases like Red Hot Ragtime, Vol. 1 (Crazy Otto Music) impress not only with their clean sound but also with the way Maddox infuses well worn classics with new life. Tunes that, through overplaying and hackneyed arrangements, can become somewhat anachronistic have their inner glory revealed through precise phrasing, a wonderful left hand, blinding speed and a unique style that Maddox has crafted over the years.

A ragtime historian whose sheet music collection numbers over 200,000 and who can play thousands of pieces from memory, Maddox easily defines his genre and differentiates it from jazz. "...you play a steady marching bass with your left hand and the right hand works against the left...that's what ragtime is...and you can rag anything...you can rag a hymn, you can rag a brand new piece of music today as long as you are playing that steady marching bass and the right hand working against the left...you were supposed to play it as it was written...jazz...you could take liberties with the music...that's absolutely the only difference...and ol' Sidney Bechet said its (all) ragtime no matter how you look at it. Things are of course not quite that simple and when asked if he plays it as it is written the answer is a resounding "No!...it has to be me...if I'm trying to play something...it comes across stiff or stilted...I have to express me...

True to his word, Maddox does infuse himself into his music and when you hear "12th Street Rag played the Johnny Maddox way, it is like hearing it for the first time. Maddox began in show business in 1939 and started recording in 1950, his 50 albums and 87 singles total over 11,000,000 in record sales. Unfortunately, most of his output has remained unreleased on CD. Crazy Otto Music however, has begun to change that with recent reissues. A jewel of this effort is a three CD collectors edition of solo piano, 3CD Collector's Edition Box Set, with beautifully illustrated booklets. Period sheet music covers and Johnny's own thoughts on each song personalize the listener's encounter. Each CD reflects a theme; be it the Southern flavored Back Home in Tennessee, Cowboys and Indians, with its homage to the West or my personal favorite, Where the Southern Crosses the Yellow Dog, a tribute to W.C. Handy. Johnny's own arrangements reflect his scrupulous approach to detail and validity. He recalled the time in 1951 that he looked up W.C. Handy in NYC to make sure he got it just right, "I met Handy. I spent a whole day with him. He called me the white boy with the colored fingers. That was a big compliment...I wanted to know the original dance tempos that he played...when he was in Memphis in 1908, 09...I wanted to know how he originally played the Memphis Blues, the tempo he played it in, and the St. Louis Blues. Because most people play those blues so slow they will put you to sleep. But they were not played that a' way way back, they were rags actually.

Likewise, Johnny's classic Dixieland Blues has been given special re-packaging that includes a variety of computer accessible pictures, video clips and interviews. The session itself, features top jazz players and though recorded over 40 years ago hasn't lost any of its incredible power. From the opening assault of the Original Dixieland Jazz Band's "Bluin' the Blues through W.C. Handy classics and the sweet Dixieland of pieces like Spencer Williams' "Tishomingo Blues the band cooks. Though Johnny may consider himself srictly "ragtime" he is as jazz-y a ragtime pianist as there is and his skills in that regard enable the session to come off as a "jazz" success. With Red Callendar's tuba pumping the bass throughout, drummer Nick Fatool, Mannie Klein on trumpet, Matty Matlock's searing clarinet work, Nappy LaMare's banjo, and Moe Schneider's trombone, Johnny remembers the session as a somewhat daunting experience that magically came together. "I was thrown in with a jazz group....I'm ragtime strictly...I guess I was in awe of those musicians that I worked with because they were such famous and well known musicians. I was the youngest one there. We walked in the studio and just did it...I'm the only one that is alive on the whole record. Johnny Maddox is certainly still very much alive and well and as one of America's greatest living ragtime pianists he is a national musical treasure.
https://www.allaboutjazz.com/johnny-maddox-ragtime-historian-by-elliott-simon

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Johnny Maddox, una de las personalidades más reconocidas de la historia del ragtime. Plantó las semillas de un renacimiento del ragtime que florecería con el renacimiento clásico de la música ragtime a finales de los años 60.

Johnny Maddox nació el 4 de agosto de 1927 en Gallatin, Tennessee. Aprendió a tocar el piano de pequeño con su tía Zula Cothron, que había tocado ragtime en la Exposición de la Compra de Luisiana de 1904 en San Luis. Maddox comenzó a actuar en público a los 5 años y ya tenía una carrera profesional a los 12 años.

Se convirtió en una estrella reconocida a nivel nacional tras el lanzamiento de "St. Louis Tickle" con "Crazy Bone Rag" en Dot Records en 1950. Vendió 22.000 copias en pocas semanas. Maddox llevó a Dot Records, que era propiedad de su amigo Randy Wood, a la fama nacional, grabando una serie de éxitos para ellos hasta 1967. Su discografía abarca más de 50 álbumes y 90 singles adicionales.

A principios de los años 50, actuó con grandes estrellas, desde Sophie Tucker hasta Elvis Presley. Tuvo un éxito interpretando "San Antonio Rose" de Bob Wills, llevando los sonidos de su piano a millones de oídos. Tuvo otro gran éxito con "In The Mood".

Su sonido caló en el público y en 1954 fue declarado "Artista número uno de las máquinas de discos en Estados Unidos" por la MOA (Music Operators of America). Al año siguiente grabó su mayor éxito, una versión de "Crazy Otto Medley" que pasó 14 semanas en la cima de la lista Billboard y se convirtió en el primer disco de piano que vendió más de un millón de copias. Llegó a tener nueve singles de oro.

Durante su mayor fama, en los años 50 y 60, apareció en todos los programas de variedades de la televisión y en los principales locales de las ciudades de todo el país, pero también recorrió las ferias estatales tocando un piano montado en la parte trasera de una camioneta. Se hizo amigo de muchas de las estrellas supervivientes del ragtime original y de la primera época del jazz, como W.C. Handy, y actuó con músicos country emergentes como Patsy Cline.

Siempre dispuesto a tener una base, mantuvo un compromiso de 17 años en el Red Slipper Room del Cherry Creek Inn de Denver, Colorado, durante los años 50 y 60.  Intentó retirarse varias veces, pero siguió actuando con regularidad hasta 2012.  Tocó en Il Porto Ristorante en Old Town Alexandria, Virginia, durante muchos años y luego, de 1996 a 2012, en el Diamond Belle Saloon del Hotel Strater en Durango, Colorado.  Ha acumulado una de las mayores colecciones de partituras originales de ragtime en manos privadas, con un total de más de 200.000 piezas. En los últimos años ha entablado amistad y ha actuado con el joven pianista de ragtime Adam Swanson.
Johnny Maddox (4 de agosto de 1927 - 27 de noviembre de 2018)
https://syncopatedtimes.com/johnny-maddox-has-died/



Elliott Simon Por Elliott Simon
17 de septiembre de 2005
Cuando los Grateful Dead cantaron cien versos en ragtime a "Ramble On Rose", no fue casualidad que el líder de su banda de conjuntos fuera Crazy Otto. Su referencia era el pianista de ragtime Johnny Maddox, cuyo Crazy Otto Rag, publicado en 1955, vendió más de dos millones de copias y, de paso, se convirtió en la primera grabación de un millón de ventas de todos los pianos de la historia. Maddox, que vive en Gallatin (TN), sigue viajando dos veces al año al Diamond Belle Saloon del Hotel Strater de Durango (Colorado), donde interpreta dos largos conciertos en solitario. Lanzamientos como Red Hot Ragtime, Vol. 1 (Crazy Otto Music) impresionan no sólo por su sonido limpio, sino también por la forma en que Maddox infunde nueva vida a clásicos muy gastados. Melodías que, debido a la sobreactuación y a los arreglos trillados, pueden llegar a ser algo anacrónicas, ven su gloria interior revelada a través de un fraseo preciso, una maravillosa mano izquierda, una velocidad cegadora y un estilo único que Maddox ha elaborado a lo largo de los años.

Un historiador del ragtime cuya colección de partituras supera las 200.000 y que puede tocar miles de piezas de memoria, Maddox define fácilmente su género y lo diferencia del jazz. "...tocas un bajo de marcha constante con la mano izquierda y la mano derecha trabaja contra la izquierda... eso es el ragtime... y puedes rapear cualquier cosa... puedes rapear un himno, puedes rapear una pieza musical nueva hoy en día siempre que estés tocando ese bajo de marcha constante y la mano derecha trabajando contra la izquierda. ...se suponía que debías tocarla tal y como estaba escrita... el jazz... podías tomarte libertades con la música... esa es absolutamente la única diferencia... y el viejo Sidney Bechet dijo que es (todo) ragtime, lo mires como lo mires. Las cosas, por supuesto, no son tan sencillas y cuando se le pregunta si lo toca tal y como está escrito, la respuesta es un rotundo "¡No!... tengo que ser yo... si intento tocar algo... resulta rígido o rebuscado... tengo que expresarme...".

Fiel a su palabra, Maddox se infunde a sí mismo en su música y cuando se escucha "12th Street Rag" interpretada a la manera de Johnny Maddox, es como si se oyera por primera vez. Maddox comenzó en el mundo del espectáculo en 1939 y empezó a grabar en 1950; sus 50 álbumes y 87 singles suman más de 11.000.000 de ventas de discos. Lamentablemente, la mayor parte de su producción ha permanecido inédita en CD. Sin embargo, Crazy Otto Music ha empezado a cambiar esta situación con recientes reediciones. Una joya de este esfuerzo es una edición de coleccionistas de tres CD de piano solo, 3CD Collector's Edition Box Set, con folletos bellamente ilustrados. Las portadas de las partituras de época y los pensamientos del propio Johnny sobre cada canción personalizan el encuentro con el oyente. Cada CD refleja un tema; ya sea el de sabor sureño Back Home in Tennessee, Cowboys and Indians, con su homenaje al Oeste o mi favorito personal, Where the Southern Crosses the Yellow Dog, un homenaje a W.C. Handy. Los propios arreglos de Johnny reflejan su escrupuloso enfoque de los detalles y la validez. Recordó la vez que, en 1951, buscó a W.C. Handy en Nueva York para asegurarse de que lo hacía bien: "Conocí a Handy. Pasé un día entero con él. Me llamó el chico blanco con los dedos de color. Fue un gran cumplido... Quería saber los tempos de baile originales que tocaba... cuando estaba en Memphis en 1908, 09... Quería saber cómo tocaba originalmente el Memphis Blues, el tempo en que lo tocaba, y el St. Porque la mayoría de la gente toca esos blues tan despacio que te duermen. Pero no se tocaban así hace mucho tiempo, en realidad eran trapos.

Asimismo, el clásico Dixieland Blues de Johnny ha sido objeto de un reempaquetado especial que incluye una variedad de imágenes, videoclips y entrevistas accesibles por ordenador. La sesión en sí, cuenta con los mejores músicos de jazz y, aunque se grabó hace más de 40 años, no ha perdido nada de su increíble poder. Desde el asalto inicial de "Bluin' the Blues" de la Original Dixieland Jazz Band, pasando por los clásicos de W.C. Handy y el dulce Dixieland de piezas como "Tishomingo Blues" de Spencer Williams, la banda cocina. Aunque Johnny se considere a sí mismo "ragtime", es un pianista de ragtime tan jazzístico como el que más y sus habilidades en este sentido permiten que la sesión sea un éxito "jazzístico". Con la tuba de Red Callendar, el baterista Nick Fatool, Mannie Klein en la trompeta, el clarinete de Matty Matlock, el banjo de Nappy LaMare y el trombón de Moe Schneider, Johnny recuerda la sesión como una experiencia un tanto desalentadora que se materializó mágicamente. "Me metieron en un grupo de jazz -.... Soy estrictamente ragtime... Supongo que estaba asombrado por los músicos con los que trabajé porque eran músicos muy famosos y conocidos. Yo era el más joven. Entramos en el estudio y simplemente lo hicimos... Soy el único que está vivo en todo el disco. Sin duda, Johnny Maddox sigue muy vivo y, como uno de los mejores pianistas de ragtime vivos de Estados Unidos, es un tesoro musical nacional.
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