egroj world: March 2024

Sunday, March 31, 2024

Jim Hall • Jazz Guitar



Review by Ken Dryden
Jim Hall's debut as a leader has a somewhat tortured history. The original LP had ten tracks, though producer Richard Bock edited six of them for a later pressing and also inexplicably overdubbed Larry Bunker's drums (he wasn't originally present) on a third pressing. Over time the complete versions of the six edited tunes were lost or discarded, and the master of "This Is New" suffered the same fate. By the time of this 1988 reissue, none of the missing material could be located, although "Too Close for Comfort" and a longer alternate take of "Things Ain't What They Used to Be," both of which had been issued on separate Pacific Jazz anthologies but not on the original LP or subsequent reissues, were added to the CD, which has long since lapsed from print as well. The music deserved a better fate. Jim Hall grew into one of the most respected guitarists in jazz, and his original concept was damaged by Bock's senseless tinkering, since it was the solos of bassist Red Mitchell and pianist Carl Perkins (whose discography is already limited enough due to his premature death) that shortened or removed by the original producer. Nevertheless, what remains is still a valuable introduction to the long, successful career of Jim Hall. The music sticks to familiar standards from the swing era and is often low key, much like the man himself. A waltzing "Thanks for the Memory" is a fine example of Hall's lyricism, while other unedited songs, like the lively "9:20 Special," gives us a glimpse of what the overall album sound might have been like.

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Revisión por Ken Dryden
El debut de Jim Hall como líder tiene una historia un tanto torturada. El LP original tenía diez pistas, aunque el productor Richard Bock editó seis de ellas para una edición posterior y también la batería de Larry Bunker inexplicablemente doblada (no estaba presente originalmente) en una tercera edición. Con el tiempo, las versiones completas de las seis melodías editadas se perdieron o se descartaron, y el maestro de "This Is New" sufrió el mismo destino. En el momento de esta reedición de 1988, no se pudo localizar ninguno de los materiales faltantes, aunque "Too Close for Comfort" y una versión alternativa más larga de "Cosas que no eran lo que solían ser", ambas de las cuales se publicaron por separado. Las antologías de Pacific Jazz, pero no en el LP original o en las reediciones posteriores, se agregaron al CD, que desde hace mucho tiempo también ha caducado. La música merecía un mejor destino. Jim Hall se convirtió en uno de los guitarristas más respetados en el jazz, y su concepto original fue dañado por los retoques sin sentido de Bock, ya que eran los solos del bajista Red Mitchell y el pianista Carl Perkins (cuya discografía ya es lo suficientemente limitada debido a su muerte prematura) que acortado o eliminado por el productor original. Sin embargo, lo que queda es una introducción valiosa a la larga y exitosa carrera de Jim Hall. La música se adhiere a los estándares familiares de la era del swing y es a menudo de bajo perfil, al igual que el hombre mismo. Un valioso "Gracias por la memoria" es un buen ejemplo del lirismo de Hall, mientras que otras canciones inéditas, como el animado "9:20 Especial", nos dan una idea de cómo podría haber sido el sonido general del álbum.
https://www.allmusic.com/album/jazz-guitar-mw0000651636


Jackie Mittoo • The Keyboard King at Studio One



Jackie Mittoo (3 March 1948 – 16 December 1990) was a Jamaican keyboardist, songwriter and musical director. He was a member of The Skatalites and musical director of the Studio One record label.

He was born Donat Roy Mittoo in Browns Town, Saint Ann Parish, Jamaica, and began learning to play the piano when he was four under the tutelage of his grandmother.

In the 1960s he was a member of The Skatalites, The Sheiks, The Soul Brothers, The Soul Vendors and Sound Dimension. Mittoo's compositions in this period included "Darker Shade of Black", "Feel Like Jumping", and "Baby Why". He played with Lloyd "Matador" Daley in 1968 and 1969.

He emigrated to Toronto, Canada at the end of the 1960s. There he recorded three albums, Wishbone (Summus), Reggae Magic (CTL) and Let's Put It All Together (CTL). He also set up the Stine-Jac record label, as well as running a record store.

In 1970, his song "Peanie Wallie" was reworked into a song called "Duppy Conqueror" and recorded by The Wailers. Mittoo's song Wishbone was a hit in 1971. He performed in local Toronto lounges throughout the 1970s. Mittoo assisted Toronto-area reggae musicians, including Earth, Roots and Water, Esso Jaxxon (R. Zee Jackson), Carl Harvey, Lord Tanamo, Boyo Hammond, Carl Otway, The Sattalites, Jackie James and Jason Wilson. Mittoo continued to record for Jamaican producers in the 1970s, mostly Bunny Lee. He co-wrote "Armagideon Time" (later recorded by The Clash) with Willi Williams, release in 1980.

In the 1980s, he often worked with Sugar Minott. In 1989, he briefly rejoined the Skatalites, but left when his health started to deteriorate. In 1989 and 1990 he recorded Wild Jockey for Lloyd Barnes’ Wackies label.

Mittoo entered a hospital on 12 December 1990 and died of cancer on 16 December at the age of 42. His funeral was held at the National Arena in Kingston, Jamaica, on 2 January 1991. Hortense Ellis, Neville 'Tinga' Stewart, Desmond "Desi Roots" Young, Ruddy Thomas, Tommy Cowan, Clement "Coxsone" Dodd were among the attendees. A memorial concert was held around the same time, with performances by Vin Gordon, Leroy "Horsemouth" Wallace, Glen 'Bagga' Fagan, Pablo Black, Robbie Lyn, Michael "Ibo" Cooper, Ken Boothe, Delroy Wilson, Carlene Davis, Tinga Stewart and others.

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Jackie Mittoo (3 de marzo de 1948 - 16 de diciembre de 1990) fue un tecladista, compositor y director musical jamaicano. Fue miembro de The Skatalites y director musical del sello discográfico Studio One.

Nació Donat Roy Mittoo en Browns Town, Saint Ann Parish, Jamaica, y comenzó a aprender a tocar el piano cuando tenía cuatro años bajo la tutela de su abuela.

En la década de 1960 fue miembro de The Skatalites, The Sheiks, The Soul Brothers, The Soul Vendors y Sound Dimension. Las composiciones de Mittoo en este período incluyen "Darker Shade of Black", "Feel Like Jumping" y "Baby Why". Jugó con Lloyd "Matador" Daley en 1968 y 1969.

Emigró a Toronto, Canadá a fines de los años sesenta. Allí grabó tres álbumes, Wishbone (Summus), Reggae Magic (CTL) y Let's Put It All Together (CTL). También instaló el sello discográfico Stine-Jac, además de dirigir una tienda de discos.

En 1970, su canción "Peanie Wallie" fue reelaborada en una canción llamada "Duppy Conqueror" y grabada por The Wailers. La canción Wishbone de Mittoo fue un éxito en 1971. Tocó en salones locales de Toronto durante la década de 1970. Mittoo ayudó a los músicos de reggae del área de Toronto, incluyendo Earth, Roots and Water, Esso Jaxxon (R. Zee Jackson), Carl Harvey, Lord Tanamo, Boyo Hammond, Carl Otway, The Sattalites, Jackie James y Jason Wilson. Mittoo continuó grabando para los productores jamaiquinos en la década de 1970, principalmente Bunny Lee. Él co-escribió "Armagideon Time" (más tarde grabado por The Clash) con Willi Williams, lanzado en 1980.

En la década de 1980, a menudo trabajaba con Sugar Minott. En 1989, se reincorporó brevemente a los Skatalites, pero se fue cuando su salud comenzó a deteriorarse. En 1989 y 1990 grabó Wild Jockey para el sello Wackies de Lloyd Barnes.

Mittoo ingresó en un hospital el 12 de diciembre de 1990 y murió de cáncer el 16 de diciembre a la edad de 42 años. Su funeral se celebró en el National Arena en Kingston, Jamaica, el 2 de enero de 1991. Hortense Ellis, Neville 'Tinga' Stewart, Desmond " Desi Roots "Young, Ruddy Thomas, Tommy Cowan, Clement" Coxsone "Dodd estuvieron entre los asistentes. Un concierto conmemorativo se llevó a cabo casi al mismo tiempo, con actuaciones de Vin Gordon, Leroy "Horsemouth" Wallace, Glen 'Bagga' Fagan, Pablo Black, Robbie Lyn, Michael "Ibo" Cooper, Ken Boothe, Delroy Wilson, Carlene Davis, Tinga Stewart y otros. 
 
 
 
 


Charlie Rouse • Yeah!

 



Review by Steve Leggett
Tenor saxophonist Charlie Rouse is best known for his work with Thelonious Monk, playing with the enigmatic pianist and composer during Monk's Columbia years from 1959 until 1970. Rouse's sound with Monk was so fluid and smooth that's it's easy to forget how many eccentric, jagged turns he had to navigate night after night, and that Rouse did it with quiet, steady grace is a testament both to his sax playing and to the space Monk built into his puzzle box compositions. Rouse headed up few sessions on his own as a bandleader, but as this calm, workmanlike set, recorded in 1960 and originally released in 1961 on Epic Records, clearly shows, he could rise to the occasion. Working with a rhythm section of Dave Bailey on drums, Peck Morrison on bass, and Billy Gardner on piano (this was actually Gardner's debut in a recording studio), Rouse's sax lines seem to float effortlessly over the top of things, feeling less urgent and angular than his work with Monk. Highlights include the opener, "You Don't Know What Love Is," the Gardner composition "Billy's Blues," and the pretty ballad, "(There Is No) Greater Love," that closes things out. It's all very pleasant, falling to the easy side of the hard bop spectrum with very few rough edges or surprises. Rouse arguably was at his best as a solid supporting player, but this session has its moments, and it shows a more romantic, gliding side to Rouse than was usually on display with Monk. Everything here on this Japanese reissue was included in Epic's Unsung Hero release, which also added three additional tracks, making it a marginally better purchase than this one.
https://www.allmusic.com/album/yeah%21-mw0000539845


Biography by Scott Yanow
Possessor of a distinctive tone and a fluid bop-oriented style, Charlie Rouse was in Thelonious Monk's Quartet for over a decade (1959-1970) and, although somewhat taken for granted, was an important ingredient in Monk's music. Rouse was always a modern player and he worked with Billy Eckstine's orchestra (1944) and the first Dizzy Gillespie big band (1945), making his recording debut with Tadd Dameron in 1947. Rouse popped up in a lot of important groups including Duke Ellington's Orchestra (1949-1950), Count Basie's octet (1950), on sessions with Clifford Brown in 1953, and with Oscar Pettiford's sextet (1955). He co-led the Jazz Modes with Julius Watkins (1956-1959), and then joined Monk for a decade of extensive touring and recordings. In the 1970s he recorded a few albums as a leader, and in 1979 he became a member of Sphere. Charlie Rouse's unique sound began to finally get some recognition during the 1980s. He participated on Carmen McRae's classic Carmen Sings Monk album and his last recording was at a Monk tribute concert.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography

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Reseña de Steve Leggett
El saxofonista tenor Charlie Rouse es más conocido por su trabajo con Thelonious Monk, tocando con el enigmático pianista y compositor durante los años de Monk en Columbia desde 1959 hasta 1970. El sonido de Rouse con Monk era tan fluido y suave que es fácil olvidar cuántas vueltas excéntricas y dentadas tenía que dar noche tras noche, y que Rouse lo hizo con una gracia tranquila y constante es un testamento tanto de su forma de tocar el saxo como del espacio que Monk construyó en sus composiciones de caja de puzzles. Rouse dirigió algunas sesiones por su cuenta como director de orquesta, pero como muestra este tranquilo y trabajador set, grabado en 1960 y originalmente lanzado en 1961 en Epic Records, pudo estar a la altura de las circunstancias. Trabajando con una sección rítmica de Dave Bailey en la batería, Peck Morrison en el bajo y Billy Gardner en el piano (este fue en realidad el debut de Gardner en un estudio de grabación), las líneas de saxo de Rouse parecen flotar sin esfuerzo sobre la cima de las cosas, sintiéndose menos urgente y angular que su trabajo con Monk. Lo más destacado es el comienzo, "You Don't Know What Love Is", la composición de Gardner "Billy's Blues", y la bonita balada, "(There Is No) Greater Love", que cierra las cosas. Todo es muy agradable, cayendo en el lado fácil del espectro del hard bop con muy pocas asperezas o sorpresas. Rouse posiblemente estaba en su mejor momento como un sólido jugador de apoyo, pero esta sesión tiene sus momentos, y muestra un lado más romántico y deslizante de Rouse de lo que normalmente se mostraba con Monk. Todo en esta reedición japonesa se incluyó en el lanzamiento de Unsung Hero de Epic, que también añadió tres temas adicionales, lo que lo convierte en una compra marginalmente mejor que ésta.
https://www.allmusic.com/album/yeah%21-mw0000539845


Biografía de Scott Yanow
Poseedor de un tono distintivo y un estilo fluido orientado al bop, Charlie Rouse estuvo en el Cuarteto de Thelonious Monk durante más de una década (1959-1970) y, aunque un tanto dado por sentado, fue un ingrediente importante en la música de Monk. Rouse siempre fue un músico moderno y trabajó con la orquesta de Billy Eckstine (1944) y la primera gran banda de Dizzy Gillespie (1945), haciendo su debut discográfico con Tadd Dameron en 1947. Rouse apareció en muchos grupos importantes, incluyendo la Orquesta de Duke Ellington (1949-1950), el octeto de Count Basie (1950), en sesiones con Clifford Brown en 1953, y con el sexteto de Oscar Pettiford (1955). Co-dirigió los Modos de Jazz con Julius Watkins (1956-1959), y luego se unió a Monk durante una década de extensas giras y grabaciones. En la década de 1970 grabó unos cuantos álbumes como líder, y en 1979 se convirtió en miembro de Sphere. El sonido único de Charlie Rouse comenzó a ser finalmente reconocido durante los años 80. Participó en el álbum clásico de Carmen McRae, Carmen Sings Monk, y su última grabación fue en un concierto tributo a Monk.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography

 

 

VA • Destination Beach - 30 Tunes For Dancing In The Sand

 



Summertime's here, and it's been so long since we've been to the beach to soak up the sun's healing rays and engage in a day of red-hot fun! Bear Family has a perfect new soundtrack to accompany your trip to the oceanfront: 30 tracks that are all about frolicking in the sand and working on your tan while relaxing on your favorite blanket. Familiar names are scattered throughout the compilation; after all, no one knew how to throw a beach party better than Frankie Avalon, and his handsome pals Bobby Darin, Bobby Vee, and Freddie Cannon are here too. But there are also killer obscurities by Buddy Skipper and The Jetty Jumpers, Wayne Hollers, Al Barkle, and Ray Doggett, while R&B sax wailers Big Al Sears and Freddie Mitchell blow up a honking sandstorm. After the sun goes down and a cool breeze begins to waft in off the water, The Danleers' dreamy 1958 doo-wop smash One Summer Night is a perfect choice for slow dancing under the stars. Even guitar mauler Link Wray gets into the act with a surprisingly melodic Summer Dream. Pack the cooler, bring plenty of sunscreen, and pop 'Destination Beach' into your portable CD player at the first opportunity. Even on the hottest summer afternoon, it's the coolest!


Harry Sweets Edison, Eddie Lockjaw Davis & Richard Boone with Leonardo Pedersens's Jazzkapel

 



Since1962, Leonardo Pedersen’s Jazzkapel has been Denmark’s tightest, hard-swinging “almost” big band, in the musical tradition of Count Basie, Quincy Jones and Louis Jordan. Thus, they provided perfect backing for the three guest soloists – Harry “Sweets” Edison, Eddie “Lockjaw” Davis and Richard Boone – all alumni of the Count Basie Band. While there is a distinct Kansas City/Count Basie feel to this album, the repertoire also includes some Horace Silver bop classics and Louis Jordan jump-jive favourites. The three guest soloists here are true individual stylists – their sound is immediately identifiable. Thanks to their obvious compatibility with Leonardo Petersen’s Jazzkapel, “Sweets”, “Lockjaw” and Richard Boone play – and sing – with the same brilliance and passion as in their heyday with the Count.
https://storyvillerecords.com/

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Desde 1962, el Jazzkapel de Leonardo Pedersen ha sido la "casi" big band más compacta y de mayor swing de Dinamarca, en la tradición musical de Count Basie, Quincy Jones y Louis Jordan. Por lo tanto, proporcionaron el respaldo perfecto para los tres solistas invitados: Harry "Sweets" Edison, Eddie "Lockjaw" Davis y Richard Boone, todos ex alumnos de Count Basie Band. Si bien hay una sensación distintiva de Kansas City/Count Basie en este álbum, el repertorio también incluye algunos clásicos del bop de Horace Silver y los favoritos del jump-jive de Louis Jordan. Los tres solistas invitados aquí son verdaderos estilistas individuales: su sonido es inmediatamente identificable. Gracias a su evidente compatibilidad con el Jazzkapel de Leonardo Petersen, “Sweets”, “Lockjaw” y Richard Boone tocan –y cantan– con la misma brillantez y pasión que en su apogeo con el Conde.
https://storyvillerecords.com/


Sonny Stitt • Shangri-La

 


Review by Richie Unterberger
On this trio date Stitt is supported by Don Patterson on organ and Billy James on drums. Shangri-La doesn't particularly stand out from other, similar albums he made at the time with organ, but it's a respectable set with both uptempo swingers and ballads. Even in 1964, a moratorium should have been declared on versions of the too-often-covered "Misty," which is here. Far more surprising, and edifying, is a rare vocal with a humorous and not entirely serious delivery by Stitt himself on "Mama Don't Allow." The album is available in its entirety on Prestige's Low Flame CD, which combines Shangri-La and Stitt's 1962 album Low Flame (which also features Patterson and Billy James, along with guitarist Paul Weeden) on the same disc.
https://www.allmusic.com/album/shangri-la-mw0000872759

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Reseña de Richie Unterberger
En este trío, Stitt cuenta con el apoyo de Don Patterson al órgano y Billy James a la batería. Shangri-La no destaca especialmente de otros álbumes similares que hizo en aquella época con órgano, pero es un conjunto respetable con swingers y baladas. Incluso en 1964, se debería haber declarado una moratoria sobre las versiones de "Misty", que está aquí. Mucho más sorprendente, y edificante, es una rara vocal con una entrega humorística y no del todo seria del propio Stitt en "Mama Don't Allow". El álbum está disponible en su totalidad en el CD Low Flame de Prestige, que combina Shangri-La y el álbum Low Flame de Stitt de 1962 (en el que también aparecen Patterson y Billy James, junto con el guitarrista Paul Weeden) en el mismo disco.
https://www.allmusic.com/album/shangri-la-mw0000872759


www.sonnystitt.com ...
 


The Chet Baker Quintet • Comin' On With The Chet Baker Quintet

 

 

Biography by Matt Collar
An icon of West Coast cool jazz, Chet Baker rose to fame in '50s with his lyrical trumpet lines and spare, romantic singing. After being handpicked for a West Coast tour with Charlie Parker, he burst onto the scene as a member of Gerry Mulligan's pianoless quartet, whose recording of "My Funny Valentine" made him a star even beyond his cult jazz audience. Signed to Pacific Jazz, he released a series of popular albums beginning with 1954's Chet Baker Sings, which featured his definitive vocal take of "My Funny Valentine;" from then on his signature song. By the end of the decade, he had topped both the Downbeat and Metronome Magazine reader's polls, famously beating out two of the era's most renowned trumpeters Miles Davis and Clifford Brown. He was also named DownBeat top jazz vocalist in 1954. At the height of his success, drug addiction and numerous incarcerations dimmed his spotlight and found him living and working a peripatetic lifestyle in Europe for much of the '60s and '70s. He also suffered the loss of his teeth, which hampered his playing until he worked his way back to health and launched a comeback with 1974's She Was Too Good To Me. He was also the subject of fashion photographer and filmmaker Bruce Weber's Oscar-nominated 1988 documentary Let's Get Lost, which helped renew interest in his work. Tragically, he died that same year after falling out of a second story window of his Amsterdam hotel. Baker recorded prolifically during the last few decades of his life, leading to a wave of posthumously released albums, including My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert, which captured one of his final concerts in Germany with the NDR Big Band and Radio Orchestra Hannover. In 2001, in recognition of the album's lasting influence, Chet Baker Sings was inducted into the Grammy Hall of Fame. Ethan Hawke portrayed Baker in the 2015 film Born to Be Blue, and yet more archival recordings surfaced with 2023's Blue Room: The 1979 Vara Studio Sessions in Holland.

Born in 1929 in Yale, Oklahoma, Baker's early years were marked by a rural, dustbowl upbringing. His father, Chesney Henry Baker,Sr., was a guitarist who was forced to turn to other work during the Depression; his mother, Vera (Moser) Baker, worked in a perfumery. The family moved from Oklahoma to Glendale, CA, in 1940. As a child, Baker sang at amateur competitions and in a church choir. Before his adolescence, his father brought home a trombone for him, then replaced it with a trumpet when the larger instrument proved too much for him. He had his first formal training in music in junior high and later at Glendale High School, but would play largely by ear for the rest of his life. In 1946, when he was only 16 years old, he dropped out of high school and his parents signed papers allowing him to enlist in the army; he was sent to Berlin, Germany, where he played in the 298th Army Band. After his discharge in 1948, he enrolled at El Camino College in Los Angeles, where he studied theory and harmony while playing in jazz clubs, but he quit college in the middle of his second year. He re-enlisted in the army in 1950 and became a member of the Sixth Army Band at the Presidio in San Francisco. But he also began sitting in at clubs in the city and he finally obtained a second discharge to become a professional jazz musician.

Baker initially played in Vido Musso's band, then with Stan Getz. (The first recording featuring Baker is a performance of "Out of Nowhere" that comes from a tape of a jam session made on March 24, 1952, and was released on the Fresh Sound Records LP Live at the Trade Winds.) His break came quickly, when, in the spring of 1952, he was chosen at an audition to play a series of West Coast dates with Charlie Parker, making his debut with the famed saxophonist at the Tiffany Club in Los Angeles on May 29, 1952. That summer, he began playing in the Gerry Mulligan Quartet, a group featuring only baritone sax, trumpet, bass, and drums -- no piano -- that attracted attention during an engagement at the Haig nightclub and through recordings on the newly formed Pacific Jazz Records (later known as World Pacific Records), beginning with the 10" LP Gerry Mulligan Quartet, which featured Baker's famous rendition of "My Funny Valentine."

The Gerry Mulligan Quartet lasted for less than a year, folding when its leader went to jail on a drug charge in June 1953. Baker went solo, forming his own quartet, which initially featured Russ Freeman on piano, Red Mitchell on bass, and Bobby White on drums, and making his first recording as leader for Pacific Jazz on July 24, 1953. Baker was hailed by fans and critics and he won a number of polls in the next few years. In 1954, Pacific Jazz released Chet Baker Sings, an album that increased his popularity beyond his core jazz audience; he would continue to sing for the rest of his career. Acknowledging his chiseled good looks, nearby Hollywood came calling and he made his acting debut in the film Hell's Horizon, released in the fall of 1955. But he declined an offer of a studio contract and toured Europe from September 1955 to April 1956. When he returned to the U.S., he formed a quintet that featured saxophonist Phil Urso and pianist Bobby Timmons. Contrary to his reputation for relaxed, laid-back playing, Baker turned to more of a bop style with this group, which recorded the album Chet Baker & Crew for Pacific Jazz in July 1956.

Baker toured the U.S. in February 1957 with the Birdland All-Stars and took a group to Europe later that year. He returned to Europe to stay in 1959, settling in Italy, where he acted in the film Urlatori Alla Sbarra. Hollywood, meanwhile, had not entirely given up on him, at least as a source of inspiration, and in 1960, a fictionalized film biography of his life, All the Fine Young Cannibals, appeared with Robert Wagner in the starring role of Chad Bixby.

Baker had become addicted to heroin in the 1950s and had been incarcerated briefly on several occasions, but his drug habit only began to interfere with his career significantly in the 1960s. He was arrested in Italy in the summer of 1960 and spent almost a year and a half in jail. He celebrated his release by recording Chet Is Back! for RCA in February 1962. (It has since been reissued as The Italian Sessions and as Somewhere Over the Rainbow.) Later in the year, he was arrested in West Germany and expelled to Switzerland, then France, later moving to England in August 1962 to appear as himself in the film The Stolen Hours, which was released in 1963. He was deported from England to France because of a drug offense in March 1963. He lived in Paris and performed there and in Spain over the next year, but after being arrested again in West Germany, he was deported back to the U.S. He returned to America after five years in Europe on March 3, 1964, and played primarily in New York and Los Angeles during the mid-'60s, having switched temporarily from trumpet to flügelhorn. In the summer of 1966, he suffered a severe beating in San Francisco that was related to his drug addiction. The incident is usually misdated and frequently exaggerated in accounts of his life, often due to his own unreliable testimony. It is said, for example, that all his teeth were knocked out, which is not the case, though one tooth was broken and the general deterioration of his teeth led to his being fitted with dentures in the late '60s, forcing him to retrain his embouchure. The beating was not the cause of the decline in his career during this period, but it is emblematic of that decline. By the end of the '60s, he was recording and performing only infrequently and he stopped playing completely in the early '70s.

Regaining some control over his life by taking methadone to control his heroin addiction (though he remained an addict), Baker eventually mounted a comeback that culminated in a prominent New York club engagement in November 1973 and a reunion concert with Gerry Mulligan at Carnegie Hall in November 1974 that was recorded and released by Epic Records. Also that year, he again marked his comeback with the excellent studio album She Was Too Good To Me, which featured altoist Paul Desmond. By the mid-'70s, Baker was able to return to Europe and he spent the rest of his life performing there primarily, with occasional trips to Japan and periods back in the U.S., though he had no permanent residence. Other notable albums released during this period are 1977's Once Upon a Summertime, 1977's Don Sebesky-produced You Can't Go Home Again (which found him surrounded by luminaries, including Desmond, Michael Brecker, Ron Carter, and Tony Williams, among others), and 1980's Chet Baker/Wolfgang Lackerschmid (a gorgeously atmospheric collaboration with the German vibraphonist).

By the '80s, he started to attract the attention of rock musicians, with whom he occasionally performed, for example adding trumpet to Elvis Costello's recording of his anti-Falklands War song "Shipbuilding" in 1983. In 1987, photographer and filmmaker Bruce Weber undertook a documentary film about Baker. The following year, Baker died in a fall from a hotel window in Amsterdam. Weber's film, Let's Get Lost, premiered in September 1988 to critical acclaim and earned an Academy Award nomination.

Baker recorded often throughout the latter-half of his life and consequently there has been a steady stream of posthumously released albums. My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert arrived soon after his passing and captured one of his final concerts in Germany with the NDR Big Band and Radio Orchestra Hannover. His work has also been collected in several superb boxsets, including Mosaic's The Complete Pacific Jazz Studio Recordings Of The Chet Baker Quartet Wi… and Chet Baker: the Pacific Jazz Years, as well as The Complete Pacific Jazz Recordings Of The Gerry Mulligan Quartet With …. In 1997, Baker's unfinished autobiography was published under the title As Though I Had Wings: The Lost Memoir and the book was optioned by Miramax for a film adaptation, though never produced. A semi-fictional biopic starring Ethan Hawke as Baker, Born To Be Blue, arrived in 2015, though none of the trumpeter's actual recordings were featured in the film. In 2023, a long out-of-print collection of archival recordings, Blue Room: The 1979 Vara Studio Sessions in Holland, appeared featuring Baker with both pianist Frans Elsen's trio, as well as his own touring ensemble, including pianist Phil Markowitz, bassist Jean-Louis Rassinfosse, and drummer Charles Rice.
https://www.allmusic.com/artist/chet-baker-mn0000094210#biography

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Biografía de Matt Collar
Un ícono del cool jazz de la Costa Oeste, Chet Baker saltó a la fama en los años 50 con sus líricas líneas de trompeta y su canto romántico y sobrio. Después de ser elegido cuidadosamente para una gira por la Costa Oeste con Charlie Parker, irrumpió en escena como miembro del cuarteto sin piano de Gerry Mulligan, cuya grabación de "My Funny Valentine" lo convirtió en una estrella incluso más allá de su audiencia de jazz de culto. Firmado con Pacific Jazz, lanzó una serie de álbumes populares que comenzaron con Chet Baker Sings de 1954, que incluía su versión vocal definitiva de "My Funny Valentine"; a partir de entonces, su canción insignia. A finales de la década, había encabezado las encuestas de lectores de Downbeat y Metronome Magazine, superando a dos de los trompetistas más reconocidos de la época, Miles Davis y Clifford Brown. También fue nombrado vocalista de jazz DownBeat top en 1954. En el apogeo de su éxito, la adicción a las drogas y numerosos encarcelamientos atenuaron su atención y lo encontraron viviendo y trabajando en un estilo de vida itinerante en Europa durante gran parte de los años 60 y 70. También sufrió la pérdida de sus dientes, lo que obstaculizó su forma de tocar hasta que recuperó la salud y lanzó su regreso con She Was Too Good To Me de 1974. También fue objeto del documental Let's Get Lost, nominado al Oscar en 1988 por el fotógrafo de moda y cineasta Bruce Weber, que ayudó a renovar el interés en su trabajo. Trágicamente, murió ese mismo año después de caerse por la ventana del segundo piso de su hotel en Ámsterdam. Baker grabó prolíficamente durante las últimas décadas de su vida, lo que llevó a una ola de álbumes lanzados póstumamente, incluidos My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert, que capturó uno de sus últimos conciertos en Alemania con la NDR Big Band y la Radio Orchestra Hannover. En 2001, en reconocimiento a la influencia duradera del álbum, Chet Baker Sings fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy. Ethan Hawke interpretó a Baker en la película Born to Be Blue de 2015, y aún surgieron más grabaciones de archivo con Blue Room: The Vara Studio Sessions de 2023 en Holanda.

Nacido en 1929 en Yale, Oklahoma, los primeros años de Baker estuvieron marcados por una educación rural y en un dustbowl. Su padre, Chesney Henry Baker, Sr., era un guitarrista que se vio obligado a dedicarse a otros trabajos durante la Depresión; su madre, Vera (Moser) Baker, trabajaba en una perfumería. La familia se mudó de Oklahoma a Glendale, California, en 1940. De niña, Baker cantaba en concursos de aficionados y en el coro de una iglesia. Antes de su adolescencia, su padre le trajo a casa un trombón y luego lo reemplazó con una trompeta cuando el instrumento más grande resultó demasiado para él. Tuvo su primera formación formal en música en la escuela secundaria y más tarde en la Escuela Secundaria Glendale, pero tocaría principalmente de oído por el resto de su vida. En 1946, cuando tenía solo 16 años, abandonó la escuela secundaria y sus padres firmaron documentos que le permitían alistarse en el ejército; fue enviado a Berlín, Alemania, donde tocó en la 298ª Banda del Ejército. Después de su baja en 1948, se matriculó en El Camino College de Los Ángeles, donde estudió teoría y armonía mientras tocaba en clubes de jazz, pero abandonó la universidad a mediados de su segundo año. Se volvió a alistar en el ejército en 1950 y se convirtió en miembro de la Sexta Banda del Ejército en el Presidio de San Francisco. Pero también comenzó a frecuentar clubes de la ciudad y finalmente obtuvo una segunda licencia para convertirse en músico profesional de jazz.

Baker tocó inicialmente en la banda de Vido Musso, luego con Stan Getz. (La primera grabación con Baker es una interpretación de "Out of Nowhere" que proviene de una cinta de una sesión improvisada realizada el 24 de marzo de 1952 y fue lanzada en el LP de Fresh Sound Records Live at the Trade Winds.) Su oportunidad llegó rápidamente, cuando, en la primavera de 1952, fue elegido en una audición para tocar en una serie de fechas en la Costa Oeste con Charlie Parker, debutando con el famoso saxofonista en el Tiffany Club de Los Ángeles el 29 de mayo de 1952. Ese verano, comenzó a tocar en el Cuarteto Gerry Mulligan, un grupo que presentaba solo saxo barítono, trompeta, bajo y batería, sin piano, que llamó la atención durante un compromiso en el club nocturno Haig y a través de grabaciones en el recién formado Pacific Jazz Records (más tarde conocido como World Pacific Records), comenzando con el LP de 10" Gerry Mulligan Quartet, que incluía la famosa interpretación de Baker de "My Funny Valentine."

El Cuarteto Gerry Mulligan duró menos de un año, retirándose cuando su líder fue a la cárcel acusado de drogas en junio de 1953. Baker se fue en solitario, formando su propio cuarteto, que inicialmente contó con Russ Freeman al piano, Red Mitchell al bajo y Bobby White a la batería, y realizó su primera grabación como líder de Pacific Jazz el 24 de julio de 1953. Baker fue aclamado por fanáticos y críticos y ganó varias encuestas en los años siguientes. En 1954, Pacific Jazz lanzó Chet Baker Sings, un álbum que aumentó su popularidad más allá de su audiencia principal de jazz; continuaría cantando por el resto de su carrera. Reconociendo su buena apariencia cincelada, el cercano Hollywood llamó e hizo su debut como actor en la película Hell's Horizon, estrenada en el otoño de 1955. Pero rechazó una oferta de contrato de estudio y realizó una gira por Europa desde septiembre de 1955 hasta abril de 1956. Cuando regresó a los Estados Unidos, formó un quinteto que incluía al saxofonista Phil Urso y al pianista Bobby Timmons. Contrariamente a su reputación de tocar relajado y relajado, Baker recurrió a un estilo más bop con este grupo, que grabó el álbum Chet Baker & Crew para Pacific Jazz en julio de 1956.

Baker realizó una gira por los Estados Unidos en febrero de 1957 con Birdland All-Stars y llevó a un grupo a Europa ese mismo año. Regresó a Europa para quedarse en 1959, estableciéndose en Italia, donde actuó en la película Urlatori Alla Sbarra. Hollywood, mientras tanto, no había renunciado por completo a él, al menos como fuente de inspiración, y en 1960, apareció una biografía cinematográfica ficticia de su vida, All the Fine Young Cannibals, con Robert Wagner en el papel protagónico de Chad Bixby.

Baker se había vuelto adicto a la heroína en la década de 1950 y había estado encarcelado brevemente en varias ocasiones, pero su adicción a las drogas solo comenzó a interferir significativamente en su carrera en la década de 1960. Fue arrestado en Italia en el verano de 1960 y pasó casi un año y medio en la cárcel. ¡Celebró su liberación grabando Chet Is Back! para RCA en febrero de 1962. (Desde entonces se ha reeditado como The Italian Sessions y Somewhere Over the Rainbow.) Más tarde ese año, fue arrestado en Alemania Occidental y expulsado a Suiza, luego a Francia, y luego se mudó a Inglaterra en agosto de 1962 para aparecer como él mismo en la película The Stolen Hours, que se estrenó en 1963. Fue deportado de Inglaterra a Francia por un delito de drogas en marzo de 1963. Vivió en París y actuó allí y en España durante el año siguiente, pero después de ser arrestado nuevamente en Alemania Occidental, fue deportado de regreso a los EE. UU. Regresó a Estados Unidos después de cinco años en Europa el 3 de marzo de 1964, y tocó principalmente en Nueva York y Los Ángeles a mediados de los 60, habiendo cambiado temporalmente de trompeta a flügelhorn. En el verano de 1966, sufrió una severa golpiza en San Francisco relacionada con su adicción a las drogas. El incidente suele estar mal fechado y con frecuencia exagerado en los relatos de su vida, a menudo debido a su propio testimonio poco confiable. Se dice, por ejemplo, que todos sus dientes fueron arrancados, lo cual no es el caso, aunque un diente se rompió y el deterioro general de sus dientes llevó a que se le colocaran dentaduras postizas a fines de los 60, lo que lo obligó a volver a entrenar su embocadura. La paliza no fue la causa del declive de su carrera durante este período, pero es emblemática de ese declive. A finales de los 60, estaba grabando y actuando con poca frecuencia y dejó de tocar por completo a principios de los 70.

Recuperando cierto control sobre su vida tomando metadona para controlar su adicción a la heroína (aunque seguía siendo un adicto), Baker finalmente montó un regreso que culminó con un destacado compromiso en un club de Nueva York en noviembre de 1973 y un concierto de reunión con Gerry Mulligan en el Carnegie Hall en noviembre de 1974 que fue grabado y lanzado por Epic Records. También ese año, volvió a marcar su regreso con el excelente álbum de estudio She Was Too Good To Me, que contó con el altoista Paul Desmond. A mediados de los 70, Baker pudo regresar a Europa y pasó el resto de su vida actuando allí principalmente, con viajes ocasionales a Japón y períodos de regreso en los EE.UU., aunque no tenía residencia permanente. Otros álbumes notables lanzados durante este período son Once Upon a Summertime de 1977, You Can't Go Home Again, producido por Don Sebesky en 1977 (que lo encontró rodeado de luminarias, incluidos Desmond, Michael Brecker, Ron Carter y Tony Williams, entre otros) y Chet Baker/Wolfgang Lackerschmid de 1980 (una colaboración maravillosamente atmosférica con el vibrafonista alemán).

Para los años 80, comenzó a atraer la atención de los músicos de rock, con quienes tocaba ocasionalmente, por ejemplo, agregando trompeta a la grabación de Elvis Costello de su canción contra la Guerra de las Malvinas "Shipbuilding" en 1983. En 1987, el fotógrafo y cineasta Bruce Weber realizó un documental sobre Baker. Al año siguiente, Baker murió al caerse de la ventana de un hotel en Ámsterdam. La película de Weber, Let's Get Lost, se estrenó en septiembre de 1988 con gran éxito de crítica y obtuvo una nominación al Premio de la Academia.


Blossom Dearie • Sings Comden And Green



Artist Biography by John Bush
A distinctive, girlish voice and crisp, impeccable delivery, plus an irrepressible sense of playful swing, made Blossom Dearie one of the most enjoyable singers of the vocal era. Her warmth and sparkle ensured that she'd never treat standards as the well-worn songs they often appeared in less capable hands. And though her reputation was made on record with a string of excellent albums for Verve during the '50s, she remained a draw with Manhattan cabaret audiences long into the new millennium.

Actually born with the name Blossom Dearie in the New York Catskills, she began playing piano at an early age and studied classical music before making the switch to jazz while in high school. After graduation, she moved to New York and began appearing with vocal groups like the Blue Flames (attached to Woody Herman) and the Blue Reys (with Alvino Rey). She also played cocktail piano around the city, and moved to Paris in 1952 to form her own group, the Blue Stars of France. Dearie also appeared in a nightclub act with Annie Ross, and made a short, uncredited appearance on King Pleasure's vocalese classic, "Moody's Mood for Love." She recorded an obscure album of piano solos, and in 1954, the Blue Stars hit the national charts with a French version of "Lullaby of Birdland."

After hearing Dearie perform in Paris in 1956, Norman Granz signed her to Verve and she returned to America by the end of the year. Her eponymous debut for Verve featured a set of standards that slanted traditional pop back to its roots in Tin Pan Alley, Broadway, and cabaret. Her focus on intimate readings of standards ("Deed I Do," "Thou Swell") and the relaxed trio setting (bassist Ray Brown and drummer Jo Jones, plus Dearie on piano) drew nods to her cabaret background.

My Gentleman Friend
On her next few records, Dearie stuck to her focus on standards and small groups, though her gift for songwriting emerged as well with songs like "Blossom's Blues." She performed in solo settings at supper clubs all over New York, and appeared on the more cultured of the late-'50s New York talk shows. Her husband, flutist Bobby Jaspar, made several appearances on her records, notably 1959's My Gentleman Friend. After a recording break in the early '60s, Blossom Dearie signed to Capitol for one album (1964's May I Come In?), but then recorded sparingly during the rest of the decade.

Finally, in the early '70s, she formed her own Daffodil Records label and began releasing her own work, including 1974's Blossom Dearie Sings and 1976's My New Celebrity Is You. She also performed at Carnegie Hall with Anita O'Day and Joe Williams, billed as the Jazz Singers. She continued to perform and record during the 1980s through to the early 2000s, centered mostly in New York but also a regular attraction in London as well. She retired from playing live in 2006 due to health concerns and died quietly in her Greenwich Village apartment on February 7, 2009.

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Biografía del artista por John Bush
Blossom Dearie, una voz distintiva y juvenil con una transmisión impecable e impecable, más un sentido irreprimible de swing juguetón, hizo de Blossom Dearie una de las cantantes más agradables de la era vocal. Su calidez y brillo le aseguraron que nunca trataría los estándares como las canciones gastadas que a menudo aparecían en manos menos capaces. Y aunque su reputación se hizo oficial con una serie de excelentes álbumes para Verve durante los años 50, siguió siendo una atracción para el público del cabaret de Manhattan hasta el nuevo milenio.

Nacida en realidad con el nombre de Blossom Dearie en los New York Catskills, comenzó a tocar el piano a temprana edad y estudió música clásica antes de cambiar al jazz cuando estaba en la escuela secundaria. Después de graduarse, se mudó a Nueva York y comenzó a aparecer con grupos vocales como Blue Flames (asociada a Woody Herman) y Blue Reys (con Alvino Rey). También tocó el piano de cóctel en la ciudad y se mudó a París en 1952 para formar su propio grupo, las Estrellas Azules de Francia. Dearie también apareció en un acto de club nocturno con Annie Ross, e hizo una breve aparición sin acreditar en el clásico vocalese de King Pleasure, "Moody's Mood for Love". Grabó un oscuro álbum de solos para piano, y en 1954, las Estrellas Azules llegaron a las listas nacionales con una versión francesa de "Canción de cuna de Birdland".

Después de escuchar a Dearie actuar en París en 1956, Norman Granz la contrató en Verve y regresó a Estados Unidos a finales de año. Su debut homónimo para Verve presentó un conjunto de estándares que desviaron el pop tradicional hasta sus raíces en Tin Pan Alley, Broadway y cabaret. Su enfoque en las lecturas íntimas de los estándares ("Deed I Do", "Thou Swell") y el ambiente relajado del trío (el bajista Ray Brown y el baterista Jo Jones, además de Dearie en el piano) atrajeron su fondo de cabaret.

Mi amigo caballero
En sus próximos discos, Dearie se concentró en los grupos pequeños y en los estándares, aunque su don para la composición de canciones también surgió con canciones como "Blossom's Blues". Actuó como solista en clubes de cenas en todo Nueva York, y apareció en los programas de entrevistas de Nueva York a finales de los cincuenta. Su esposo, el flautista Bobby Jaspar, hizo varias apariciones en sus discos, especialmente en 1959's My Gentleman Friend. Después de una pausa en la grabación a principios de los años 60, Blossom Dearie firmó con Capitol para un álbum (¿Puedo entrar en 1964?), Pero luego grabó con moderación durante el resto de la década.

Finalmente, a principios de la década de los 70, formó su propio sello Daffodil Records y comenzó a lanzar su propio trabajo, incluyendo Blossom Dearie Sings de 1974 y My New Celebrity Is You de 1976. También actuó en el Carnegie Hall con Anita O'Day y Joe Williams, catalogados como los Jazz Singers. Continuó tocando y grabando desde la década de 1980 hasta principios de la década de 2000, centrada principalmente en Nueva York, pero también en una atracción habitual en Londres. Se retiró de tocar en vivo en 2006 debido a problemas de salud y murió en silencio en su apartamento de Greenwich Village el 7 de febrero de 2009.


Blossom Dearie, Ed Thigpen, Kenny Burrell, Ray Brown.

 

The Al Casey Quartet • The Al Casey Quartet



 Artist Biography
Renowned for his long collaboration with Fats Waller, Al Casey towers alongside the finest acoustic guitarists of the swing era, boasting a subtly powerful presence that flourished in intimate musical contexts. Born September 15, 1915, in Louisville, KY, Casey was a child prodigy who first adopted the violin, briefly moving to the ukulele before zeroing in on the guitar, which he studied at New York City's DeWitt Clinton High School. He joined Waller while in his mid-teens, recommended to the legendary pianist by his uncles, who met Waller while on tour with their gospel group the Southern Singers. Waller insisted Casey remain in school and earn his diploma before he could join the group full-time, but the guitarist was a fixture of recording sessions from the early '30s onward, and even joined Waller on tour during extended holiday breaks. Casey remained with the group until Waller's 1943 death, appearing on more than 200 classic swing sides; the famous blues number "Buck Jumpin'" took shape after Casey appeared late to a gig, prompting Waller to single him out on-stage and invite him to play a solo. The result was so electrifying that it was later captured in the studio.

Casey also recorded with trumpeter Louis Armstrong, singer Billie Holiday, vibist Lionel Hampton, and pianist Teddy Wilson, even joining the latter's short-lived big band in 1939. After Waller's passing, he played with pianist Clarence Profit's trio before assembling his own trio, which headlined New York's Onyx Club for close to a year before moving to the Down Beat. Around this time Casey moved to the electric guitar, and in both 1944 and 1945 he was named the instrument's top player in Esquire magazine's annual jazz poll; he spent much of the decade to follow as a gun-for-hire, capped off by a four-year collaboration with R&B saxophonist King Curtis initiated in 1957. Casey briefly retired from music in 1961, working in a Xerox copy shop before returning to performing, recording sessions in support of singer Helen Humes and pianist Jay McShann. After another extended period of retirement, he resurfaced in 1981 with the Harlem Jazz and Blues Band, which remained his primary vehicle for the next two decades; in 1994, he also cut his first headlining date, signing to the Jazzpoint label for A Tribute to "Fats". After a long battle with colon cancer, Casey died on September 11, 2005, just days short of his 90th birthday.
by Jason Ankeny
https://www.allmusic.com/artist/al-casey-mn0000240632/biography

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 Biografía del artista
Reconocido por su larga colaboración con Fats Waller, Al Casey se alza junto a los mejores guitarristas acústicos de la era del swing, presumiendo de una presencia sutilmente poderosa que floreció en contextos musicales íntimos. Nacido el 15 de septiembre de 1915 en Louisville, KY, Casey fue un niño prodigio que primero adoptó el violín, pasando brevemente al ukelele antes de concentrarse en la guitarra, que estudió en la escuela secundaria DeWitt Clinton de la ciudad de Nueva York. Se unió a Waller cuando era un adolescente, recomendado al legendario pianista por sus tíos, que lo conocieron durante una gira con su grupo de gospel Southern Singers. Waller insistió en que Casey permaneciera en la escuela y obtuviera su diploma antes de poder unirse al grupo a tiempo completo, pero el guitarrista era un fijo en las sesiones de grabación desde principios de los años 30 en adelante, e incluso se unió a Waller en las giras durante las largas vacaciones. Casey permaneció con el grupo hasta la muerte de Waller en 1943, apareciendo en más de 200 swing side clásicos; el famoso número de blues "Buck Jumpin'" tomó forma después de que Casey apareciera tarde en un concierto, lo que hizo que Waller lo escogiera en el escenario y lo invitara a tocar un solo. El resultado fue tan electrizante que fue capturado más tarde en el estudio.

Casey también grabó con el trompetista Louis Armstrong, la cantante Billie Holiday, el vibrafonista Lionel Hampton, y el pianista Teddy Wilson, incluso se unió a la efímera big band de este último en 1939. Tras el fallecimiento de Waller, tocó con el trío del pianista Clarence Profit antes de formar su propio trío, que encabezó el Onyx Club de Nueva York durante casi un año antes de pasar al Down Beat. Por esta época Casey se pasó a la guitarra eléctrica, y tanto en 1944 como en 1945 fue nombrado el mejor intérprete del instrumento en la encuesta anual de jazz de la revista Esquire; pasó la mayor parte de la década siguiente como un pistolero a sueldo, rematada por una colaboración de cuatro años con el saxofonista de R&B King Curtis iniciada en 1957. Casey se retiró brevemente de la música en 1961, trabajando en una copistería de Xerox antes de volver a actuar, grabando sesiones de apoyo a la cantante Helen Humes y al pianista Jay McShann. Tras otro largo período de retiro, volvió a aparecer en 1981 con la Harlem Jazz and Blues Band, que siguió siendo su principal vehículo durante los dos decenios siguientes; en 1994, también cortó su primera cita con los titulares, firmando con el sello Jazzpoint para A Tribute to "Fats". Después de una larga batalla contra el cáncer de colon, Casey murió el 11 de septiembre de 2005, a pocos días de cumplir 90 años.
por Jason Ankeny
https://www.allmusic.com/artist/al-casey-mn0000240632/biography...


Many thanks to Chris


Bert Weedon • Honky Tonk Guitar

 



Biography
by Bruce Eder
One of the stumbling blocks to the growth of rock & roll in England during the 1950s, apart from the larger cultural differences with America, lay in the fact that the country had no popular guitar heroes, and no jazz or blues tradition to draw on from which one could easily emerge. The only exception to this rule was Bert Weedon, a guitar instrumentalist whose virtuoso playing on the electric instrument constituted just about the only socially acceptable incarnation of the instrument for many adults. His pop-instrumental music, for all of its virtuosity, was too tame to attract many teens who were listening to Lonnie Donegan, but the classically trained guitarist's command of the instrument and the offer of a guitar study course in his name was a way in for kids who weren't ready to start mimicking Scotty Moore or Buddy Holly, much less Les Paul, Charlie Christian, or Django Reinhardt, to get to know the instrument. Musically, he was the guitarist equivalent to Roger Williams or Ferrante & Teicher, and by the end of the 1950s, rock & roll had produced its own guitar heroes in the Shadows' Hank Marvin and Bruce Welch, and other axemen in various bands who followed, not to mention session man Big Jim Sullivan. Weedon, however, remained a sentimental favorite and a perennially popular figure in England, and was still recording guitar-driven instrumental versions of Broadway and Hollywood hits in the 1990s. He died in April 2012 at home in Beaconsfield, Buckinghamshire, England; Bert Weedon was 91 years old.
https://www.allmusic.com/artist/bert-weedon-mn0000757817/biography

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Biografía
por Bruce Eder
Uno de los escollos para el crecimiento del rock & roll en Inglaterra durante la década de 1950, aparte de las grandes diferencias culturales con Estados Unidos, residía en el hecho de que el país no tenía héroes populares de la guitarra, ni una tradición de jazz o blues de la que surgir fácilmente. La única excepción a esta regla era Bert Weedon, un instrumentista de guitarra cuyo virtuosismo con el instrumento eléctrico constituía prácticamente la única encarnación socialmente aceptable del instrumento para muchos adultos. Su música pop-instrumental, a pesar de todo su virtuosismo, era demasiado sosa para atraer a muchos adolescentes que escuchaban a Lonnie Donegan, pero el dominio del instrumento por parte del guitarrista de formación clásica y la oferta de un curso de guitarra en su nombre era una vía de entrada para que los chavales que no estaban preparados para empezar a imitar a Scotty Moore o Buddy Holly, y mucho menos a Les Paul, Charlie Christian o Django Reinhardt, conocieran el instrumento. Musicalmente, era el guitarrista equivalente a Roger Williams o Ferrante & Teicher, y a finales de la década de 1950, el rock & roll había producido sus propios héroes de la guitarra en Hank Marvin y Bruce Welch de los Shadows, y otros guitarristas en varias bandas que le siguieron, por no mencionar al hombre de sesión Big Jim Sullivan. Weedon, sin embargo, siguió siendo un favorito sentimental y una figura perennemente popular en Inglaterra, y en la década de 1990 seguía grabando versiones instrumentales con guitarra de éxitos de Broadway y Hollywood. Murió en abril de 2012 en su casa de Beaconsfield, Buckinghamshire, Inglaterra; Bert Weedon tenía 91 años.
https://www.allmusic.com/artist/bert-weedon-mn0000757817/biography


Jakob Bro And Joe Lovano • Once Around The Room A Tribute To Paul Motian

 

 
jakobbro.com ...

joelovano.com ...

 

I Marc 4 • Acid Lounge Experience

 


Italian four-member session group who played on soundtrack and library music recordings.

The name I Marc 4 (or Marc 4) comes from the initials of their members: Maurizio Majorana (bass), Antonello Vannucchi (Hammond/piano), Roberto Podio (drums/percussion) and Carlo Pes (guitar).
Sometimes the 'A' stood for Italian soundtrack composer Armando Trovaioli. I Marc 4 played and recorded most of Armando Travaioli's compositions. I Marc 4 were known for their funky Italian soundtrack style. They also played and record with well known Italian composers like Ennio Morricone and Piero Umiliani. 

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Grupo de sesión italiano de cuatro miembros que tocaba en grabaciones de bandas sonoras y música de biblioteca.

El nombre I Marc 4 (o Marc 4) proviene de las iniciales de sus miembros: Maurizio Majorana (bajo), Antonello Vannucchi (Hammond/piano), Roberto Podio (batería/percusión) y Carlo Pes (guitarra).
En ocasiones, la "A" representaba al compositor italiano de bandas sonoras Armando Trovaioli. I Marc 4 tocó y grabó la mayoría de las composiciones de Armando Travaioli. I Marc 4 era conocido por su estilo funky de banda sonora italiana. También tocaron y grabaron con conocidos compositores italianos como Ennio Morricone y Piero Umiliani.


Nicola Conte • Bossa Per Due





Review by Nicholas Gordon
Italian arranger, producer, DJ, musician, and general purveyor of acid jazz and bossa for the Scema label and the Fez movement, Nicola Conte's Bossa Per Due full-length for the American Eighteenth Street Lounge (ESL) label takes a much needed step in revitalizing a stagnant stateside genre. A classically trained musician, Conte has worked on several notable projects including recordings by Paolo Achenza Trio, Fez Combo, Intensive Jazz Sextet, and Balanco, where his touch, ear, and stamp of approval have propelled these projects to underground acclaim. The record works through 12 tracks of developing cool, loungy atmosphere on a foundation of steady grooving rhythms evolving from cold bossa on the stellar title track, "Bossa Per Due," and "Jet Sounds," to acid-funk breaks on the sitar/tabla-complimented "Dossier Omega," to essential samba on "The In Samba," to swinging jazz on "Jazz Pour Dadine." Regardless of the style Conte takes on and turns out with his signature sound, he produces each sample, vocal, or beat in a way that creates a punchy and vital musical environment that never ceases to strut its suave sexiness. Released in the U.S. by ESL, most notable for the Thievery Corporation, this record is sure to become a genre classic!
 
 
Biography
Italian DJ/producer Nicola Conte's loungey brand of acid jazz relies extensively on bossa nova, but is also heavily influenced by the swinging soundtracks of Italian films in the '60s and '70s, plus touches of ethnic music and easy listening kitsch reminiscent of Japan's Pizzicato Five. That said, his career trajectory has also seen him delve deeply into jazz as a guitarist, composer, and arranger, leading bands comprised of superstars, playing music that touches on '60s Brazilian traditions, '70s spiritual jazz, and even modal post-bop. He is also a curator and has released numerous volumes in his Viagem series, which compiles rare tracks from many international musical traditions in thematic collections.

Part of the loose-knit Fez collective of artsy acid jazz revivalists centered in the Italian town of Bari, Conte was a classically trained musician who moved into production and DJ'ing, working with artists like the Paolo Achenza Trio, the Fez Combo, Balanco, Quintetto X, and the Intensive Jazz Sextet. Conte also masterminded the Schema label, which gave many of those artists a home and cultivated a trademark, distinctly Italian approach to acid jazz. As for his own recording career, Conte scored an underground hit with his first single, "Bossa per Due," which appeared on a variety of compilations and was licensed in the U.S. for an Acura commercial. Conte's first album to be released in America was also titled Bossa per Due, a slightly reconfigured version of the Italian Jet Sounds; it appeared on Thievery Corporation's ESL (Eighteenth Street Lounge) label in the summer of 2001. The remix album Jet Sounds Revisited followed in late 2002. Two years later, Conte bowed on Blue Note's French subsidiary with an assured jazz date, Other Directions. Quiet Stars and a slew of singles followed before Conte would return with Viagem, his curated selection of classic Brazilian recordings in 2008, followed by four more volumes between 2009 and 2013. These were followed by a two-CD set of electronic recordings entitled The Modern Sound of Nicola Conte: Versions in Jazz Dub in early 2009.

That same year, Conte explored Latin jazz, Brazilian pop, and John Coltrane's early sense of experiments as inspirations for Rituals, an exotic, wide-ranging jazz album that featured five different vocalists. The use of singers was expanded to eight on 2011's Love & Revolution, an exercise in European pop, jazz balladry, and Eastern-tinged and modal jazz that included performances by Jose James, Gregory Porter, Melanie Charles, and Ghalia Benali, and was followed by the Brazilian-themed EP Sketches of Samba in 2013.

Conte forged ahead in his explorations, wedding deep modal and spiritual jazz to sophisticated pop. This resulted in Free Souls in the spring of 2014, an album that once again utilized vocalists -- including James and Charles -- and was comprised of expansive originals and standards, including tunes by Ahmad Jamal and Hoagy Carmichael. In the '90s, Conte had worked with vocalist Stefania Dipierro in a band called Fez. They reprised their partnership for 2016's Natural, a program of originals, jazz standards, and bossa/samba classics. Conte wrote some of the original tunes, produced the album, and played guitar, while Dipierro wrote others and sang in the company of a Conte-assembled band that included some of Italy's finest jazz musicians, including trumpeter Fabrizio Bosso and saxist/flutist Gaetano Partipilo. After touring the record, the pair went their separate ways with the intention of working together again in the future. Conte issued a pair of collaborative singles with Gianluca Petrella: "African Spirits"/"New World Shuffle" in December of 2017, and "Sun Song b/w "Nigeria" in the late winter of 2018. He was also the subject of the Schema compilation The Modern Sounds of Nicola Conte: Versions in Jazz-Dub. In May, Conte issued the full-length Let Your Light Shine with an international all-star cast of jazz and world music musicians under the umbrella Nicola Conte & Spiritual Galaxy. They included vocalists Bridgette Amofah, Zara McFarlane, Carolina Bubbico, and Zoe Modica, and instrumentalists Logan Richardson on alto sax, Magnus Lindgren on tenor and flute, Theo Croker on trumpet, Pietro Lussu on keyboards, and Gianluca Petrella on trombone and Moog.
by Steve Huey
https://www.allmusic.com/artist/nicola-conte-mn0000869631/biography
 



Biografía
La marca loungey de acid jazz del DJ/productor italiano Nicola Conte se basa en gran medida en la bossa nova, pero también está muy influenciada por las bandas sonoras de las películas italianas de los años 60 y 70, además de toques de música étnica y kitsch de fácil escucha que recuerdan al Pizzicato Five de Japón. Dicho esto, su trayectoria profesional también lo ha llevado a profundizar en el jazz como guitarrista, compositor y arreglista, liderando bandas compuestas por superestrellas, tocando música que toca las tradiciones brasileñas de los 60, el jazz espiritual de los 70, e incluso el post-bop modal. También es curador y ha publicado numerosos volúmenes en su serie Viagem, que recopila en colecciones temáticas temas raros de muchas tradiciones musicales internacionales.

Parte del colectivo de Fez de renacimiento del acid jazz artístico centrado en la ciudad italiana de Bari, Conte fue un músico de formación clásica que se dedicó a la producción y al DJ, trabajando con artistas como el Paolo Achenza Trio, el Fez Combo, Balanco, Quinteto X y el Sexteto de Jazz Intensivo. Conte también fue el cerebro del sello Schema, que dio a muchos de esos artistas un hogar y cultivó una marca registrada, un enfoque claramente italiano del acid jazz. En cuanto a su propia carrera discográfica, Conte consiguió un éxito underground con su primer single, "Bossa per Due", que apareció en varias recopilaciones y fue licenciado en los EE.UU. para un anuncio de Acura. El primer álbum de Conte que se lanzó en América también se tituló "Bossa per Due", una versión ligeramente reconfigurada de los Jet Sounds italianos; apareció en el sello ESL (Eighteenth Street Lounge) de Thievery Corporation en el verano de 2001. El álbum de remezclas Jet Sounds Revisited siguió a finales de 2002. Dos años más tarde, Conte se inclinó ante la filial francesa de Blue Note con una cita de jazz asegurada, Other Directions. Siguieron Quiet Stars y una serie de singles antes de que Conte volviera con Viagem, su selección curada de grabaciones clásicas brasileñas en 2008, seguida de cuatro volúmenes más entre 2009 y 2013. Estas fueron seguidas por un conjunto de grabaciones electrónicas en dos CDs titulado The Modern Sound of Nicola Conte: Versiones en Jazz Dub a principios de 2009.

Ese mismo año, Conte exploró el jazz latino, el pop brasileño y el sentido temprano de los experimentos de John Coltrane como inspiración para Rituals, un álbum de jazz exótico y de gran alcance que incluía cinco vocalistas diferentes. El uso de cantantes se amplió a ocho en Love & Revolution de 2011, un ejercicio de pop europeo, balada de jazz y jazz oriental y modal que incluía actuaciones de Jose James, Gregory Porter, Melanie Charles y Ghalia Benali, y fue seguido por el EP Sketches of Samba de temática brasileña en 2013.

Conte avanzó en sus exploraciones, uniendo el profundo jazz modal y espiritual con el pop sofisticado. Esto dio como resultado Free Souls en la primavera de 2014, un álbum que una vez más utilizó vocalistas - incluyendo a James y Charles - y estaba compuesto por amplios originales y estándares, incluyendo temas de Ahmad Jamal y Hoagy Carmichael. En los 90, Conte había trabajado con la vocalista Stefania Dipierro en una banda llamada Fez. Reiteraron su asociación para el programa Natural de 2016, un programa de originales, estándares de jazz y clásicos de bossa/samba. Conte escribió algunos de los temas originales, produjo el álbum y tocó la guitarra, mientras que Dipierro escribió otros y cantó en compañía de una banda montada por Conte que incluía a algunos de los mejores músicos de jazz de Italia, entre ellos el trompetista Fabrizio Bosso y el saxofonista/fluyente Gaetano Partipilo. Después de la gira del disco, la pareja tomó caminos separados con la intención de trabajar juntos de nuevo en el futuro. Conte publicó un par de sencillos en colaboración con Gianluca Petrella: "African Spirits"/"New World Shuffle" en diciembre de 2017, y "Sun Song b/n "Nigeria" a finales del invierno de 2018. También fue objeto de la compilación del esquema "The Modern Sounds of Nicola Conte": Versiones en Jazz-Dub. En mayo, Conte publicó el largometraje Let Your Light Shine con un elenco internacional de músicos de jazz y de música del mundo bajo el paraguas de Nicola Conte & Spiritual Galaxy. Entre ellos se encontraban los vocalistas Bridgette Amofah, Zara McFarlane, Carolina Bubbico y Zoe Modica, y los instrumentistas Logan Richardson en saxo alto, Magnus Lindgren en tenor y flauta, Theo Croker en trompeta, Pietro Lussu en teclados y Gianluca Petrella en trombón y Moog.
por Steve Huey
https://www.allmusic.com/artist/nicola-conte-mn0000869631/biography



Reseña de Nicholas Gordon
Arreglista, productor, DJ, músico y proveedor general de acid jazz y bossa para el sello Scema y el movimiento Fez, el largometraje Bossa Per Due de Nicola Conte para el sello American Eighteenth Street Lounge (ESL) da un paso muy necesario para revitalizar un género estadounidense estancado. Músico de formación clásica, Conte ha trabajado en varios proyectos notables, incluyendo grabaciones de Paolo Achenza Trio, Fez Combo, Intensive Jazz Sextet, y Balanco, donde su toque, su oído y su sello de aprobación han impulsado estos proyectos a la aclamación underground. El disco se desarrolla a través de 12 pistas de desarrollo de una atmósfera fresca y relajada sobre una base de ritmos de ritmo constante que evolucionan desde la bossa fría en el estelar tema del título, "Bossa Per Due", y "Jet Sounds", a las rupturas de acid-funk en el "Dossier Omega", complementado con tablas, a la samba esencial en "The In Samba", al jazz de swing en "Jazz Pour Dadine". Independientemente del estilo que Conte adopte y resulte con su sonido característico, produce cada muestra, vocal o ritmo de manera que crea un ambiente musical impactante y vital que nunca deja de pavonearse con su suave sensualidad. Lanzado en los EE.UU. por ESL, más notable para la Corporación Thievery, este disco se convertirá en un clásico del género!





Larry Young • Contrasts

 



Review
by Scott Yanow
For this interesting set, organist Larry Young (the first musician on his instrument to really move beyond Jimmy Smith's soul-jazz into the avant-garde) mostly utilized lesser-known musicians from the Newark, NJ, area: Tyrone Washington and Herbert Morgan on tenors, flugelhornist Hank White, guitarist Eddie Wright, drummer Eddie Gladden, and Stacey Edwards on congas. "Major Affair" is an organ-drums duet and Larry's wife Althea Young does a haunting version of "Wild Is the Wind," while the other four selections use all of the horns. The adventurous music is sometimes quite intense but also grooves in its own eccentric way, offering listeners a very fresh sound on organ.
https://www.allmusic.com/album/contrasts-mw0000928116

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Reseña
por Scott Yanow
Para este interesante set, el organista Larry Young (el primer músico de su instrumento que realmente pasó del soul-jazz de Jimmy Smith a la vanguardia) utilizó sobre todo a músicos menos conocidos de la zona de Newark, NJ: Tyrone Washington y Herbert Morgan a los tenores, el fliscornista Hank White, el guitarrista Eddie Wright, el batería Eddie Gladden y Stacey Edwards a las congas. "Major Affair" es un dúo de órgano y batería, y la esposa de Larry, Althea Young, hace una inquietante versión de "Wild Is the Wind", mientras que en las otras cuatro selecciones intervienen todas las trompas. La música aventurera es a veces bastante intensa, pero también se mueve a su manera excéntrica, ofreciendo a los oyentes un sonido de órgano muy fresco.
https://www.allmusic.com/album/contrasts-mw0000928116


Stephane Grappelli • Planet Jazz



Biography
Stephane Grappelli (originally surname was spelled with a 'Y') would have earned himself a place in Jazz History books if only for his important role in the Quintette of the Hot Club of France, featuring the dazzling virtuosity of Django Reindhart. Grappelli's violin was the perfect foil to Reindhart's guitar in this piano-less group.
Fired by Reindhart's tremendous rhythmic powers, Grappelli's contributions to recordings by the Quintette like Lime House Blues, China Boy and It Don't Mean A Thing (all 1935) and Them There Eyes, Three little Words and Swing '39 (these latter three tracks from 1938-39) were admirable in their execution.
Occasionally Grappelli would play piano, as when harmonica virtuoso Larry Adler recorded with the group in 1939, the year when Reindhart and Grappelli, violin, recorded (with delightful results) as a duo (all Django Reindhart).
Grappelli born (1908) and raised in Paris was involved with music at a very early age. By 12 years, he had acquired his first violin- just one of several instruments he learned to play. He began professionally with theatre bands, eventually being introduced to jazz music. A French jazz musician, Philippe Brun, introduced Grappelli to Reindhart. Soon after that meeting they put the idea of Quintette into practice.
When World War II commenced, Grappelli and the band were touring Britain. While the others returned to Paris Grappelli decided to stay. During the next six years he became a popular figure in London with habitues of nightlife in general and in musical entertainment in particular, working with local musicians in the local clubs. In 1946, he returned to Paris, renewed association with Reindhart, but he magic of pre-war days did not re-appear too often. Between 1948-55 worked in Club Saint Germain, Paris, and in the latter year played nine-month residency in St. Tropez.
During the '70s Grappelli has played throughout Europe, in Clubs, concerts and festivals, has and broadcast televised extensively, and has been a regular visitor to the recording studio.
In 1966, Grappelli was recorded in concert in Switzerland, together with fellow jazz violinist Jean-Luc Ponty, Stuff Smith and Svend Asmussen (Violin Summit). Since then he has recorded frequently in London. A live date at the Queen Elizabeth Hall (Stephane Grappelli 1972) finds him responding to an enthusiastic audience. Elsewhere he has recorded with much success, with Americans Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) and Barney Kessel (I Remember Django).
https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli

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Biografía
Stéphane Grappelli (originalmente el apellido se escribía con una "Y") se habría ganado un lugar en los libros de historia del jazz aunque sólo fuera por su importante papel en el Quinteto del Hot Club de Francia, con el deslumbrante virtuosismo de Django Reindhart. El violín de Grappelli fue el perfecto complemento de la guitarra de Reindhart en este grupo sin piano.
Impulsados por los tremendos poderes rítmicos de Reindhart, las contribuciones de Grappelli a grabaciones del Quinteto como Lime House Blues, China Boy y It Don't Mean A Thing (todas de 1935) y Them There Eyes, Three little Words y Swing '39 (estas tres últimas canciones de 1938-39) fueron admirables en su ejecución.
Ocasionalmente Grappelli tocaba el piano, como cuando el virtuoso de la armónica Larry Adler grabó con el grupo en 1939, año en que Reindhart y Grappelli, violín, grabaron (con resultados deliciosos) como dúo (todos Django Reindhart).
Grappelli, nacido en 1908 y criado en París, se involucró en la música a una edad muy temprana. A los 12 años ya había adquirido su primer violín, uno de los muchos instrumentos que aprendió a tocar. Empezó profesionalmente con bandas de teatro, y finalmente se introdujo en la música de jazz. Un músico de jazz francés, Philippe Brun, presentó a Grappelli a Reindhart. Poco después de ese encuentro pusieron en práctica la idea del Quinteto.
Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Grappelli y la banda estaban de gira por Gran Bretaña. Mientras los demás volvían a París, Grappelli decidió quedarse. Durante los siguientes seis años se convirtió en una figura popular en Londres con hábitos de vida nocturna en general y de entretenimiento musical en particular, trabajando con músicos locales en los clubes locales. En 1946, regresó a París, renovando su asociación con Reindhart, pero la magia de los días de preguerra no reapareció con demasiada frecuencia. Entre 1948-55 trabajó en el Club Saint Germain de París, y en este último año hizo una residencia de nueve meses en St.
Durante los años 70 Grappelli ha tocado en toda Europa, en Clubes, conciertos y festivales, ha transmitido por televisión y ha sido un visitante regular del estudio de grabación.
En 1966, Grappelli se grabó en concierto en Suiza, junto con su colega violinista de jazz Jean-Luc Ponty, Stuff Smith y Svend Asmussen (Violin Summit). Desde entonces ha grabado frecuentemente en Londres. Una cita en directo en el Queen Elizabeth Hall (Stéphane Grappelli 1972) le encuentra respondiendo a un público entusiasta. En otros lugares ha grabado con mucho éxito, con los americanos Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) y Barney Kessel (I Remember Django).
https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli


Grant Green • Green Street




Review by Michael G. Nastos
As a trio, this edition of guitarist Grant Green's many ensembles has to rank with the best he had ever fronted. Recorded on April Fool's Day of 1961, the band and music are no joke, as bassist Ben Tucker and drummer Dave Bailey understand in the most innate sense how to support Green, lay back when needed, or strut their own stuff when called upon. Still emerging as an individualist, Green takes further steps ahead, without a pianist, saxophonist, or most importantly an organist. His willpower drives this music forward in a refined approach that definitely marks him as a distinctive, immediately recognizable player. It is also a session done in a period when Green was reeling in popular demand, as this remarkably is one of six recordings he cut for Blue Note as a leader in 1961, not to mention other projects as a sideman. To say his star was rising would be an understatement. The lean meatiness of this group allows all three musicians to play with little hesitation, no wasted notes, and plenty of soul. Another aspect of this studio date is the stereo separation of Green's guitar in one speaker, perhaps not prevalent in modern recordings, but very much in use then. Check out the atypical (for Green) ballad "'Round About Midnight," as the guitarist trims back embellishments to play this famous melody straight, with a slight vibrato, occasional trills, and a shuffled bridge. The trio cops an attitude similar to Dizzy Gillespie for the introduction to "Alone Together," with clipped melody notes and a bass filler from Tucker. Three of Green's originals stamp his personal mark on rising original soulful post-bop sounds, as "No. 1 Green Street" has basic B-flat, easy-grooving tenets similar to his previously recorded tune "Miss Ann's Tempo." Two interesting key changes and chord accents identify the outstanding "Grant's Dimensions" beyond its core bop bridge and jam configuration not the least of which contains a hefty bass solo from the criminally underrated Tucker and Bailey trading fours. "Green with Envy" should be familiar to fans of Horace Silver, as it is almost identically based on the changes of "Nica's Dream," a neat adaptation full of stop-starts and stretched-out improvising over ten minutes. (The alternate take of this one on the expanded CD reissue is a full two minutes shorter.) If this is not a definitive jazz guitar trio, they have not yet been born, and Green Street stands as one of Grant Green's best recordings of many he produced in the ten prolific years he was with the Blue Note label.

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Reseña de Michael G. Nastos
Como trío, esta edición de los muchos conjuntos del guitarrista Grant Green tiene que clasificarse entre los mejores que jamás haya liderado. Grabada el Día de los Inocentes de 1961, la banda y la música no son una broma, ya que el bajista Ben Tucker y el baterista Dave Bailey entienden en el sentido más innato cómo apoyar a Green, recostarse cuando es necesario o pavonearse cuando se les pide. Aún emergiendo como un individualista, Green da más pasos adelante, sin un pianista, saxofonista o, lo que es más importante, un organista. Su fuerza de voluntad impulsa esta música hacia adelante en un enfoque refinado que definitivamente lo marca como un intérprete distintivo e inmediatamente reconocible. También es una sesión realizada en un período en el que Green estaba ganando demanda popular, ya que esta es notablemente una de las seis grabaciones que grabó para Blue Note como líder en 1961, sin mencionar otros proyectos como acompañante. Decir que su estrella estaba en ascenso sería quedarse corto. La magra carnosidad de este grupo permite a los tres músicos tocar con poca vacilación, sin desperdiciar notas y con mucha alma. Otro aspecto de esta fecha de estudio es la separación estéreo de la guitarra de Green en un altavoz, quizás no frecuente en las grabaciones modernas, pero muy en uso entonces. Echa un vistazo a la balada atípica (para Green) "'Round About Midnight", mientras el guitarrista recorta adornos para tocar esta famosa melodía directamente, con un ligero vibrato, trinos ocasionales y un puente arrastrado. El trío adopta una actitud similar a Dizzy Gillespie para la introducción de "Alone Together", con notas de melodía recortadas y un relleno de bajo de Tucker. Tres de los originales de Green dejan su huella personal en el aumento de los sonidos conmovedores originales post-bop, ya que "No. 1 Green Street" tiene principios básicos de Si bemol y fácil de ranurar similares a su melodía grabada anteriormente " Miss Ann's Tempo."Dos interesantes cambios de tonalidad y acentos de acordes identifican las sobresalientes' Grant's Dimensions ' más allá de su puente bop central y la configuración de jam, entre las cuales no menos importante contiene un fuerte solo de bajo de los criminalmente subestimados Tucker y Bailey trading fours. "Green with Envy" debería ser familiar para los fanáticos de Horace Silver, ya que se basa casi idénticamente en los cambios de "Nica's Dream", una adaptación ordenada llena de paradas y arranques e improvisación prolongada durante diez minutos. (La toma alternativa de esta en la reedición ampliada del CD es dos minutos más corta.) Si este no es un trío definitivo de guitarras de jazz, aún no han nacido, y Green Street se erige como una de las mejores grabaciones de Grant Green de las muchas que produjo en los diez prolíficos años que estuvo con el sello Blue Note.