Review by Scott Yanow For this interesting set, organist Larry Young (the first musician on his instrument to really move beyond Jimmy Smith's soul-jazz into the avant-garde) mostly utilized lesser-known musicians from the Newark, NJ, area: Tyrone Washington and Herbert Morgan on tenors, flugelhornist Hank White, guitarist Eddie Wright, drummer Eddie Gladden, and Stacey Edwards on congas. "Major Affair" is an organ-drums duet and Larry's wife Althea Young does a haunting version of "Wild Is the Wind," while the other four selections use all of the horns. The adventurous music is sometimes quite intense but also grooves in its own eccentric way, offering listeners a very fresh sound on organ. https://www.allmusic.com/album/contrasts-mw0000928116
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Reseña por Scott Yanow Para este interesante set, el organista Larry Young (el primer músico de su instrumento que realmente pasó del soul-jazz de Jimmy Smith a la vanguardia) utilizó sobre todo a músicos menos conocidos de la zona de Newark, NJ: Tyrone Washington y Herbert Morgan a los tenores, el fliscornista Hank White, el guitarrista Eddie Wright, el batería Eddie Gladden y Stacey Edwards a las congas. "Major Affair" es un dúo de órgano y batería, y la esposa de Larry, Althea Young, hace una inquietante versión de "Wild Is the Wind", mientras que en las otras cuatro selecciones intervienen todas las trompas. La música aventurera es a veces bastante intensa, pero también se mueve a su manera excéntrica, ofreciendo a los oyentes un sonido de órgano muy fresco. https://www.allmusic.com/album/contrasts-mw0000928116
A History of Roman Art
provides a wide-ranging survey of the subject from the founding of Rome
to the rule of Rome's first Christian emperor, Constantine.
Incorporating the most up-to-date information available on the topic,
this new textbook explores the creation, use, and meaning of art in the
Roman world.
Extensively illustrated with 375 color photographs and line drawings
Broadly defines Roman art to include the various cultures that contributed to the Roman system
Focuses throughout on the overarching themes of Rome's cultural inclusiveness and art's important role in promoting Roman values
Discusses
a wide range of Roman painting, mosaic, sculpture, and decorative arts,
as well as architecture and associated sculptures within the cultural
contexts they were created and developed
Offers
helpful and instructive pedagogical features for students, such as
timelines; key terms defined in margins; a glossary; sidebars with key
lessons and explanatory material on artistic technique, stories, and
ancient authors; textboxes on art and literature, art from the
provinces, and important scholarly perspectives; and primary sources in
translation
A book companion website is available at www.wiley.com/go/romanart with the following resources: PowerPoint slides, glossary, and timeline
Biography by Steve Huey One
of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets
lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of
Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major
soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a
blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic
enough to blur the lines of classification. His sound -- deep,
down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him
quite popular with R&B audiences, even more so than some of his
peers; what was more, he was able to condense those charms into concise,
funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the
R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a
Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl,"
"Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff
spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement,
switching to various electric keyboards and adopting an increasingly
smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to
sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck
would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a
devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his
creative vitality and take his place as one of the genre's elder
statesmen.
James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in
Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he
counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his
cousins. First getting involved in music through his family's church,
he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen
years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned
vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass
remained his primary instrument for a while, although he was inspired to
try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes
at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military
after high school, and served in the Korean War as a military policeman.
Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement
a career, and after completing the necessary training, he worked on the
Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never
lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by
working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most
frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's
Showboat club.
With the Hammond organ rising in popularity around
Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted
Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought
his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as
hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house
(where he stored the instrument). Skipping more and more work time to
play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local
Combe College to study music. He later moved on to the prestigious
Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with
Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording
was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958;
it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently
learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become
one of the instrument's quintessential performers.
McGriff was
performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout
from the small Jell label heard him and offered him a chance to record.
McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic
"I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for
Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release.
With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman"
hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the
Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue
issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in
1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off
two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl"
(number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several
more McGriff albums over the next two years, including the live At the
Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single
"Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his
highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a
collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another
chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.
In
1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up
with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through
the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found
him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie
alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff
recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade,
including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues
(1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue
material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with
"The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same
name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to
his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note
over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into
jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace
Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul
Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally,
McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and
again from 1971-1972.
McGriff made Groove Merchant his primary
label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to
start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful
to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric
outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and
more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums
included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor
and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior
Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to
the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans,
which also sold respectably.
After 1977's Tailgunner (on LRC),
McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He
resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a
return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him
back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during
the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's
acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top
Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for
Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top
Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford
during the late '80s, which released several albums, including 1990's
popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also
returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine
Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for
a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove.
As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K.,
McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both
sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo
career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David
"Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would
become familiar faces on McGriff recordings in the years to come.
Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's
McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue,
which looked back on some of his '60s hits. https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography
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Biografía de Steve Huey Jimmy
McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a
veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su
ciudad natal de Filadelfia. Era casi con certeza el más blues de los
principales pioneros del soul-jazz y, de hecho, a menudo insistía en que
era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se
mantuvo lo suficientemente ecléctico como para difuminar las líneas de
clasificación. Su sonido, ritmos profundos y realistas empapados de
blues y sentimiento gospel, lo hizo bastante popular entre el público de
R & B, incluso más que algunos de sus compañeros.; lo que es más,
fue capaz de condensar esos encantos en sencillos concisos, funky y
listos para tocadiscos que a menudo le fueron sorprendentemente bien en
las listas de R&B. Su reorganización de "I Got a Woman" de Ray
Charles fue un éxito entre los cinco primeros de R&B en 1962, y
otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a
lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los 70 tratando de
seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados
eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Al
amanecer de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y
volvió a su sonido clásico de trío de órgano; por suerte, el soul-jazz
vintage pronto volvió a ponerse de moda con un culto devoto de fanáticos
y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su
lugar como uno de los estadistas más veteranos del género.
James
Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre
y su padre tocaban el piano, y contaba con el saxofonista Benny Golson y
el cantante de soul Harold Melvin entre sus primos. Primero se
involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su
primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia,
había tomado el bajo acústico y el saxo alto, y también aprendió vibras,
piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. El bajo siguió
siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró
para probar suerte con el órgano Hammond después de ver a Richard
"Groove" Holmes en un club de Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff
fue reclutado en el ejército después de la secundaria y sirvió en la
Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos,
decidió hacer de la aplicación de la ley una carrera y, después de
completar la capacitación necesaria, trabajó en la fuerza policial de
Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés
por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando
como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor
frecuencia, Big Maybelle, quien tenía un concierto regular en el club
local Pep's Showboat.
Con el órgano Hammond ganando popularidad
en Filadelfia, los trabajos para bajistas eran escasos, y McGriff
contactó a Groove Holmes para aprender el órgano, esta vez en serio.
Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses
practicando tan duro como pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa
de Archie Shepp(donde guardaba el instrumento). Saltándose más y más
tiempo de trabajo para tocar, finalmente renunció a la fuerza policial y
se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde
se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music de Nueva York, y
también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny
Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el sencillo "Foxy Due",
grabado para el pequeño sello White Marsh en 1958; presentaba a un joven
saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el
órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los
intérpretes por excelencia del instrumento.
McGriff estaba
actuando en un pequeño club en Trenton, Nueva Jersey, en 1962, cuando un
cazatalentos del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la
oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de
McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como
sencillo y se vendió lo suficientemente bien como para que el sello Sue
de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo recogiera para un
lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción detrás
,"I've Got a Woman" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un
éxito de buena fe, subiendo al Top Cinco en las listas de R&B y al
Top 20 en el lado pop. Sue publicó el álbum debut de McGriff,
naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un
éxito, casi llegando al Top 20 del pop, y generó dos sencillos más en
las listas de éxitos de McGriff originals "All About My Girl" (número 12
de R & B, Top 50 pop) y " M. G. Blues."Sue lanzó varios álbumes más
de McGriff durante los siguientes dos años, incluidos live At the
Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (que produjo el sencillo "Kiko"), el
éxito navideño Christmas With McGriff (en realidad, su álbum más alto en
las listas en el número 15 pop), Topkapi (una colección de temas de la
banda sonora con respaldo orquestal) y otro éxito en las listas, Blues
for Mister Jimmy, que resultó ser el último con Sue.
En 1966,
McGriff se mudó al sello Solid State, donde se conectó con el productor
Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos durante los años
70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band,que lo encontró al frente de
una orquesta de swing de estrellas con muchos alumnos de Count Basie
(más tarde se reeditó como tributo a Count Basie). McGriff grabó
prolíficamente para Solid State durante el resto de la década, incluidos
álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y
I've Got a New Woman (1968; principalmente una mirada retrospectiva a su
material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff obtuvo
otro sencillo exitoso con "The Worm", que llegó al Top 30 de R&B y
envió al LP del mismo nombre al Top Ten de R&B a principios de 1969.
Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff grabó varios álbumes
para Blue Note entre 1969 y 1971, sobre todo Electric Funk, una
incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió con el
arreglista/pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluía
versiones de pop/rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol
durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de
la banda de Buddy Rich a fines de los 60, y nuevamente entre 1971 y
1972.
McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal
en 1971, y aunque abandonó brevemente el negocio en 1972 para iniciar
una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música resultó
demasiado poderoso para superarlo. A principios de la década, alternó
entre salidas eléctricas funky (generalmente con versiones de éxitos de
rock contemporáneo y R&B) y escenarios de jazz de órgano más
tradicionales y de grupos pequeños. Álbumes notables incluyeron Giants
of the Organ Come Together de 1973, a summit con su mentor y viejo amigo
Groove Holmes; un álbum a dúo con el bluesman Junior Parker; Mean
Machine de 1976, un LP de jazz-funk más pulido que lo devolvió al Top 50
de la lista de álbumes de R&B; y el seguimiento de 1977 Red Beans,
que también se vendió respetablemente.
Después de Tailgunner de
1977 (en LRC), la producción grabada de McGriff disminuyó en los años
siguientes. Resurgió en el sello Milestone en 1983, debutando con
Countdown, un regreso a su estilo clásico de blues soul-jazz que comenzó
a llevarlo de regreso al centro de atención del jazz. Una serie de
álbumes fuertes siguieron durante los años 80, incluidos Skywalk de
1984, State of the Art de 1985, el aclamado The Starting Five de 1986 y
Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de
LP de jazz); también grabó una sesión única para Headfirst en 1990, You
Ought to Think About Me, que llegó al Top Ten del jazz. Además, McGriff
codirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a fines de los 80,
que lanzó varios álbumes, incluido popular On the Blue Side de 1990
(número tres en las listas de jazz). También regresó a sus raíces en la
iglesia tocando en el álbum en vivo de la cantante de gospel Tramaine
Hawkins en 1990. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de
álbumes entre 1994 y 1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. A medida
que el soul-jazz volvió a la popularidad de culto tanto en Estados
Unidos como en el Reino Unido, McGriff se encontró tocando en conciertos
y lugares de alto perfil a ambos lados del Atlántico. Regresó a
Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con Dream Team, que
contó con el saxofonista David "Fathead" Newman y el baterista Bernard
"Pretty" Purdie, quienes se convertirían en caras conocidas en McGriff
recordings en los años venideros. Los seguimientos incluyeron discos
sólidos como Straight Up de 1998, Mcgriff's House Party de 2000, Feelin'
It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordaba algunos de sus
éxitos de los 60. https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography
Beginnings es una compilación de temas selectos de Wes Montgomery por The Blue Note durante los años 1957 a 1959, y como los músicos acompañantes de Montgomery no fueron los mismos en esos tres años, se escucharán temas de distintas alineaciones a lo largo del compilado. Ubicado como uno de los sucesores más importantes de Charlie Christian, Wes Motgomery hizo una variación con un estilo característico y empleó sus propias técnicas con la guitarra, por ejemplo, tocar con el pulgar en lugar de con púa.
Su música no se enfoca mucho en improvisaciones, sino que mantiene ciertas rítmicas fijas y casi siempre realza una tendencia a lo melódico, ya sea desde su propia guitarra, o dejando lugar para el saxofón, vibráfono o piano. Begininngs es un compilado ideal si se quiere empezar a escuchar la obra de este guitarrista, o recorrer de forma muy agradable los mejores y más suaves territorios del Hard Bop, género del cual Wes debe citarse como un importante referente, pero más que nada en cuanto a la guitarra jazística.
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Beginnings is a compilation of selected tracks by Wes Montgomery for The Blue Note during the years 1957 to 1959, and since Montgomery's accompanists were not the same in those three years, you will hear tracks from different line-ups throughout the compilation. Positioned as one of Charlie Christian's most important successors, Wes Motgomery made a variation with a characteristic style and employed his own techniques with the guitar, for example, playing with his thumb instead of a pick.
His music does not focus much on improvisation, but maintains certain fixed rhythms and almost always enhances a tendency towards the melodic, either from his own guitar, or leaving room for the saxophone, vibraphone or piano. Begininngs is an ideal compilation if you want to start listening to the work of this guitarist, or to travel in a very pleasant way through the best and softest territories of Hard Bop, a genre of which Wes should be cited as an important reference, but more than anything else in terms of the Jazzy guitar.
Biography by Stephen Thomas Erlewine One of the more underrated soul-jazz organists of the '60s, Freddie Roach recorded a series of seven albums for Blue Note and Prestige. Where his contemporaries played hard-driving, bluesy, soul-jazz, Roach's approach was more textured and shaded. He was capable of blistering leads, but he was more interested in dynamics, harmonics, and tonal color. As his career progressed, he became more interested in funky grooves, but his knack for tasteful, shaded solos and support never subsided.
Freddie Roach was born in the Bronx borough of New York City on May 11, 1931. His mother was a church organist, and many of his relatives on his maternal side were also musical. Roach grew up in several cities as a child, living with a variety of relatives. At the age of eight, he was living with his aunt in White Plains, NY when he began playing the pipe organ. Over the next few years, he taught himself how to play the organ and piano, eventually studying at the Newark Conservatory for one term. In his late teens, he began playing professionally, joining Grachan Moncur's group the Strollers. At the age of 20, he joined the Marine Corps and stayed for two years, playing in the band. Following his discharge in 1953, Roach returned to jazz, settling in Canada for a short while before returning to the New York area. He soon hit the road, playing piano and organ with Chris Columbus, Cootie Williams and Lou Donaldson.
By the end of the decade, he had decided to concentrate on organ. He settled in Newark, NJ, where he regularly played with his own band and as a solo act. He often jammed at the Club 83 with musicians like Kenny Dorham, Cannonball Adderley, and Jackie McLean. But the key musical association for Roach was tenor saxophonist Ike Quebec, who asked the organist to join his band. Roach played on the sessions that became Quebec's Blue Note albums Heavy Soul and It Might as Well Be Spring. His playing on the two records impressed Blue Note president Alfred Lion, who offered Roach his own contract in 1962. That year, Roach recorded his debut set Down to Earth, supported by guitarist Kenny Burrell, tenor saxophonist Percy France and drummer Clarence Johnston.
Over the next two years, Roach recorded four more albums for Blue Note. In 1963, he made Mo' Greens Please, which also featured Burrell and Johnston, and Good Move, where he was supported by tenor saxophonist Hank Mobley, trumpeter Blue Mitchell and guitarist Eddie Wright. The following year, he cut Brown Sugar with tenor saxophonist Joe Henderson, Wright, and Johnston. In October 1964, he recorded his final Blue Note album, All That's Good, a bizarre variation on his signature soul-jazz that boasted a vocal choir. He left the label the following year, reappearing in 1966 on Prestige. His first album for his new label was The Soul Book, a funkier effort than any of his Blue Note recordings. Two albums, Mocha Motion and My People (Soul People), followed in 1967. None of his Prestige records were particularly successful, and he never recorded again. Over the next three decades, Roach emerged as a cult figure of sorts, appealing to soul-jazz fans who became introduced to the genre through acid jazz. https://www.allmusic.com/artist/freddie-roach-mn0000443162#biography
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Biografía de Stephen Thomas Erlewine Freddie Roach, uno de los organistas de soul-jazz más subestimados de los años 60, grabó una serie de siete álbumes para Blue Note y Prestige. Donde sus contemporáneos tocaban hard-driving, blues, soul-jazz, el enfoque de Roach era más texturizado y sombreado. Era capaz de dirigir con ampollas, pero estaba más interesado en la dinámica, los armónicos y el color tonal. A medida que avanzaba su carrera, se interesó más en los ritmos funky, pero su habilidad para los solos de buen gusto y sombreados y el apoyo nunca disminuyó.
Freddie Roach nació en el distrito del Bronx de la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1931. Su madre era organista de iglesia, y muchos de sus parientes por parte materna también eran músicos. Roach creció en varias ciudades cuando era niña, viviendo con una variedad de parientes. A la edad de ocho años, vivía con su tía en White Plains, Nueva York, cuando comenzó a tocar el órgano de tubos. Durante los siguientes años, aprendió por sí mismo a tocar el órgano y el piano, y finalmente estudió en el Conservatorio de Newark durante un trimestre. A finales de su adolescencia, comenzó a tocar profesionalmente, uniéndose al grupo de Grachan Moncur, the Strollers. A la edad de 20 años, se unió al Cuerpo de Marines y permaneció durante dos años, tocando en la banda. Tras su baja en 1953, Roach regresó al jazz, estableciéndose en Canadá por un corto tiempo antes de regresar al área de Nueva York. Pronto salió a la carretera, tocando el piano y el órgano con Chris Columbus, Cootie Williams y Lou Donaldson.
A finales de la década, había decidido concentrarse en el órgano. Se instaló en Newark, Nueva Jersey, donde tocaba regularmente con su propia banda y como solista. A menudo tocaba en el Club 83 con músicos como Kenny Dorham, Cannonball Adderley y Jackie McLean. Pero la asociación musical clave para Roach fue el saxofonista tenor Ike Quebec, quien le pidió al organista que se uniera a su banda. Roach tocó en las sesiones que se convirtieron en los álbumes de Blue Note de Quebec, Heavy Soul y It Might as Well Be Spring. Su interpretación en los dos discos impresionó al presidente de Blue Note, Alfred Lion, quien le ofreció a Roach su propio contrato en 1962. Ese año, Roach grabó su debut set Down to Earth, con el apoyo del guitarrista Kenny Burrell, el saxofonista tenor Percy France y el baterista Clarence Johnston.
Durante los siguientes dos años, Roach grabó cuatro álbumes más para Blue Note. En 1963, hizo Mo ' Greens Please, que también contó con Burrell y Johnston, y Good Move, donde contó con el apoyo del saxofonista tenor Hank Mobley, el trompetista Blue Mitchell y el guitarrista Eddie Wright. Al año siguiente, cortó Brown Sugar con el saxofonista tenor Joe Henderson, Wright y Johnston. En octubre de 1964, grabó su último álbum de Blue Note, All That's Good, una extraña variación de su característico soul-jazz que contaba con un coro vocal. Dejó el sello al año siguiente, reapareciendo en 1966 en Prestige. Su primer álbum para su nuevo sello fue The Soul Book, un esfuerzo más funky que cualquiera de sus grabaciones de Blue Note. Dos álbumes, Mocha Motion y My People (Soul People), siguieron en 1967. Ninguno de sus discos de Prestigio fue particularmente exitoso,y nunca volvió a grabar. Durante las siguientes tres décadas, Roach emergió como una especie de figura de culto, atrayendo a los fanáticos del soul-jazz que se introdujeron en el género a través del acid jazz. https://www.allmusic.com/artist/freddie-roach-mn0000443162#biography
Al Caiola Biography by Stephen Thomas Erlewine Guitarist Al Caiola initially made his reputation as a session musician, playing on records made by Percy Faith and Andre Kostelanetz, among others. Caiola was the conductor and arranger for United Artists Records in the late '40s and early '50s. After leaving UA, he signed with RCA, where he released a number of singles in the '50s. In the early '60s, he went back to United Artists, which is where he scored his first hit with the theme to the film The Magnificent Seven. The single peaked at 35 in early 1961 and it was quickly followed by the theme to the television series Bonanza, which climbed to number 19. For the rest of the '60s, Caiola released a number of easy listening instrumental albums and also hosted a television show, which was only aired for a short while. Caiola continued to record throughout subsequent decades; he died in Allendale, New Jersey in 2016 at the age of 96.
Alvin LeRoy Holmes (September 22, 1913 – July 27, 1986) was an American songwriter, composer, arranger, orchestra conductor and record producer.
Biography Holmes graduated from Hollywood High School, studied music at Northwestern University in Evanston, Illinois and the Juilliard School in New York, before working with a number of bandleaders during the 1930s and early 1940s. These included Ernst Toch, Vincent Lopez, and Harry James, for whose band he wrote "The Mole".
After serving as a pilot and flying instructor, a lieutenant in the US Navy during the Second World War, he moved to Hollywood, where he was hired by MGM Music Studios as a house arranger and conductor. In 1950, he relocated to New York and continued as a record producer for MGM, and later moved to United Artists. During his time with MGM, he backed numerous vocalists, including Judy Garland, and in 1954 made what is possibly his best known recording, a version of the theme to the film The High and the Mighty. It sold over one million copies, and was awarded a gold disc. The song is known for its distinctive accompanying whistling, which was provided by Fred Lowery. Holmes provided the orchestration for Tommy Edwards epic 1958 hit "It's All In The Game", and tried rock and R&B with his backing to the Impalas "Sorry (I Ran All the Way Home)". Holmes also wrote the theme song to the television series International Detective.
He moved to United Artists Records in the early 1960s, where he contributed to many compilations of movie themes, released albums under his own name and backed a succession of singers, notably Connie Francis, Gloria Lynne, Shirley Bassey and Puerto Rican singers like Tito Rodríguez and Chucho Avellanet. In addition, he produced albums for a number of United Artists acts, including the Briarwood Singers. He also worked on the music for the 1977 film The Chicken Chronicles.
Holmes died at Cedars-Sinai Medical Center in Los Angeles, California at the age of 72. https://en.wikipedia.org/wiki/LeRoy_Holmes
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Al Caiola Biografía de Stephen Thomas Erlewine El guitarrista Al Caiola inicialmente hizo su reputación como músico de sesión, tocando en discos hechos por Percy Faith y Andre Kostelanetz, entre otros. Caiola fue la directora y arreglista de United Artists Records a finales de los años 40 y principios de los 50. Después de dejar UA, firmó con RCA, donde lanzó una serie de singles en los años 50. A principios de los años 60, regresó a United Artists, que es donde anotó su primer éxito con el tema de la película The Magnificent Seven. El single alcanzó su punto máximo en 35 a principios de 1961 y fue seguido rápidamente por el tema de la serie de televisión Bonanza, que llegó al número 19. Durante el resto de los años 60, Caiola lanzó una serie de álbumes instrumentales fáciles de escuchar y también presentó una televisión. Espectáculo, que solo se emitió por un corto tiempo. Caiola continuó grabando a lo largo de décadas posteriores; murió en Allendale, Nueva Jersey en 2016 a la edad de 96 años.
Alvin LeRoy Holmes (22 de septiembre de 1913 - 27 de julio de 1986) fue un cantautor, compositor, arreglista, director de orquesta y productor discográfico estadounidense.
Biografía Holmes se graduó en el Hollywood High School, estudió música en la Northwestern University de Evanston (Illinois) y en la Juilliard School de Nueva York, antes de trabajar con varios directores de orquesta durante los años treinta y principios de los cuarenta. Entre ellos se encontraban Ernst Toch, Vincent Lopez y Harry James, para cuya banda escribió "The Mole".
Después de servir como piloto e instructor de vuelo, teniente de la Armada estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a Hollywood, donde fue contratado por los estudios musicales MGM como arreglista y director de orquesta de la casa. En 1950, se trasladó a Nueva York y continuó como productor discográfico para MGM, y más tarde se trasladó a United Artists. Durante su estancia en MGM, respaldó a numerosos vocalistas, incluida Judy Garland, y en 1954 realizó la que posiblemente sea su grabación más conocida, una versión del tema de la película The High and the Mighty. Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. La canción es conocida por su distintivo silbido de acompañamiento, que fue proporcionado por Fred Lowery. Holmes se encargó de la orquestación del épico éxito de Tommy Edwards en 1958, "It's All In The Game", y probó el rock y el R&B con sus coros en "Sorry (I Ran All the Way Home)" de los Impalas. Holmes también compuso el tema de la serie de televisión International Detective.
A principios de la década de 1960 se trasladó a United Artists Records, donde contribuyó a muchas recopilaciones de temas de películas, publicó álbumes con su propio nombre y respaldó a una sucesión de cantantes, especialmente Connie Francis, Gloria Lynne, Shirley Bassey y cantantes puertorriqueños como Tito Rodríguez y Chucho Avellanet. Además, produjo álbumes para varios artistas de United Artists, como los Briarwood Singers. También trabajó en la música de la película de 1977 The Chicken Chronicles.
Holmes falleció en el Centro Médico Cedars-Sinai de Los Ángeles, California, a la edad de 72 años. https://en.wikipedia.org/wiki/LeRoy_Holmes
Inspired to switch from piano to organ by Jimmy Smith, Don Patterson was
one of the Hammond B-3's most bop-rooted players, able to play bluesy
soul-jazz grooves or break out of the pocket for some nimble, sharply
defined solo lines. Though he led numerous recording dates for Prestige
and later Muse, he was best-known as Sonny Stitt's favorite organist,
proving eminently compatible with the Parker-influenced saxophonist.
Patterson was born in Columbus, OH, on July 22, 1936, and began studying
piano as a child. His first major influence was Erroll Garner, and some
of that flavor remained in his playing even after he heard Jimmy Smith
in 1956 and changed instruments. Patterson made his professional debut
on the organ in 1959, and played with a number of groups before Stitt
discovered him. The association helped make Patterson's name, and he
began recording for Prestige in 1964, often with a trio featuring
guitarist Pat Martino and drummer Billy James. Patterson also played
with numerous other soul-jazz sax greats over the course of the '60s,
before settling in Gary, IN, toward the end of the decade. Drug
addiction curtailed his recording activities somewhat, as only a few
sporadic sessions for Muse appeared during the '70s. He did revive his
career somewhat after moving to Philadelphia, but his health worsened,
forcing him to take dialysis frequently; he died on February 10, 1988.
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Biografía:
Inspirado por Jimmy Smith para pasar del piano al órgano, Don Patterson
fue uno de los intérpretes más arraigados del Hammond B-3, capaz de
tocar ritmos de soul-jazz o de salir del bolsillo para obtener líneas
solistas ágiles y bien definidas. Aunque dirigió numerosas grabaciones
para Prestige y más tarde para Muse, era más conocido como el organista
favorito de Sonny Stitt, demostrando ser eminentemente compatible con el
saxofonista influenciado por Parker. Patterson nació en Columbus, OH,
el 22 de julio de 1936, y comenzó a estudiar piano de niño. Su primera
gran influencia fue Erroll Garner, y parte de ese sabor permaneció en su
forma de tocar incluso después de escuchar a Jimmy Smith en 1956 y
cambiar de instrumento. Patterson debutó profesionalmente en el órgano
en 1959, y tocó con varios grupos antes de que Stitt lo descubriera. La
asociación ayudó a hacer el nombre de Patterson, y comenzó a grabar para
Prestige en 1964, a menudo con un trío que incluía al guitarrista Pat
Martino y al baterista Billy James. Patterson también tocó con muchos
otros grandes del saxo soul-jazz durante los años 60, antes de
establecerse en Gary, IN, hacia el final de la década. La adicción a las
drogas redujo un poco sus actividades de grabación, ya que sólo unas
pocas sesiones esporádicas de Muse aparecieron durante los 70. Revivió
un poco su carrera después de mudarse a Filadelfia, pero su salud
empeoró, forzándolo a tomar diálisis frecuentemente; murió el 10 de
febrero de 1988.
David Hazeltine is one of a handful of contemporary pianists who has mastered all of the major musical skills, from improvisation and technique, to accompaniment, arranging, and composition. Even more impressive, David is the rare artist able to innovate in each category. Thus it’s no surprise that he’s the most recorded contemporary jazz pianist of our time, having recorded thirty five cd’s as a leader and hundreds more as a sideman, on various major labels globally. A Milwaukee native, David was playing the clubs as a preteen, and before he’d even come of age he was already grabbing the attention and respect of jazz legends like Sonny Stitt, and Chet Baker. They urged him to make the move to New York City, which he did in 1992. Beautifully complex and memorable
The mark of a true artist, David’s style appeals to a wide range of musical tastes and levels of sophistication. His melodies and harmonies are beautifully complex and memorable. As a composer and instrumentalist, he has developed a signature style that is readily recognizable. His cooperative group “One For All” featuring tenor great Eric Alexander, has attained critical acclaim with their impressive 16 cd discography, and live concerts worldwide including appearances at the North Sea Jazz Festival and the Newport Jazz Festival.
Hazeltine is one of the most sought after pianists today. He has worked with some of the world’s most respected jazz legends including James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks, and Marlena Shaw. David is known for taking a familiar or unexpected song and making it new, making it his own. He effortlessly transfers this skill from song to stage. Whether he’s composing or interpreting, accompanying or leading, you are certain to end the set remembering the sounds of David Hazeltine. Carrying the art forward
A brilliant teacher, David is also determined to carry the art forward to the next generation. Formerly an Associate Professor at Berklee, he currently teaches at SUNY-Purchase in New York. David is also a highly skilled clinician, and has served on the Jamey Aebersold Summer Jazz Camp faculty for the past 15 years. His teaching has had a major impact on many of today’s young professional pianists including Ben Markley, who published his doctorate “The David Hazeltine Method” based on his lessons with Mr. Hazeltine. Hal Leonard has published the new “Real Book - Enhanced Edition”, featuring David’s own re-harmonizations of 200 well known standards. Lessons from David are also available on his online workshops; check out his sessions on harmony at www.jazzpianomastery.com, and on the essentials of bebop at www.mymusicmasterclass.com.
Check the itinerary for upcoming dates; don’t miss your chance to hear one of the most talented and accomplished jazz pianists of our time. https://www.davidhazeltine.com/biography
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David Hazeltine es uno de los pocos pianistas contemporáneos que domina las principales habilidades musicales, desde la improvisación y la técnica hasta el acompañamiento, los arreglos y la composición. Aún más impresionante, David es el raro artista capaz de innovar en cada categoría. Por eso no es de extrañar que sea el pianista de jazz contemporáneo más grabado de nuestro tiempo, con treinta y cinco discos como líder y cientos más como acompañante, en varios de los principales sellos del mundo. Nacido en Milwaukee, David ya tocaba en los clubes cuando era un preadolescente, y antes de cumplir la mayoría de edad ya había captado la atención y el respeto de leyendas del jazz como Sonny Stitt y Chet Baker. Ellos le animaron a trasladarse a Nueva York, lo que hizo en 1992. Bellamente complejo y memorable
La marca de un verdadero artista, el estilo de David atrae a una amplia gama de gustos musicales y niveles de sofisticación. Sus melodías y armonías son hermosamente complejas y memorables. Como compositor e instrumentista, ha desarrollado un estilo propio fácilmente reconocible. Su grupo cooperativo "One For All", en el que participa el gran tenor Eric Alexander, ha sido aclamado por la crítica gracias a su impresionante discografía de 16 CD y a sus conciertos en directo en todo el mundo, incluidas sus apariciones en el Festival de Jazz del Mar del Norte y en el Festival de Jazz de Newport.
Hazeltine es uno de los pianistas más solicitados de la actualidad. Ha trabajado con algunas de las leyendas del jazz más respetadas del mundo, como James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks y Marlena Shaw. David es conocido por tomar una canción conocida o inesperada y convertirla en algo nuevo, haciéndola suya. Transfiere sin esfuerzo esta habilidad de la canción al escenario. Ya sea componiendo o interpretando, acompañando o dirigiendo, seguro que acabas el concierto recordando los sonidos de David Hazeltine. Llevar el arte adelante
David, un brillante profesor, también está decidido a transmitir el arte a la próxima generación. Fue profesor asociado en Berklee y actualmente enseña en SUNY-Purchase, en Nueva York. David es también un clínico altamente cualificado, y ha formado parte del profesorado del Campamento de Jazz de Verano Jamey Aebersold durante los últimos 15 años. Su enseñanza ha tenido un gran impacto en muchos de los jóvenes pianistas profesionales de hoy en día, incluyendo a Ben Markley, quien publicó su doctorado "The David Hazeltine Method" basado en sus lecciones con el Sr. Hazeltine. Hal Leonard ha publicado el nuevo "Real Book - Enhanced Edition", que incluye las rearmonizaciones del propio David de 200 estándares muy conocidos. Las lecciones de David también están disponibles en sus talleres en línea; echa un vistazo a sus sesiones sobre armonía en www.jazzpianomastery.com, y sobre los fundamentos del bebop en www.mymusicmasterclass.com.
Consulte el itinerario para conocer las próximas fechas; no pierda la oportunidad de escuchar a uno de los pianistas de jazz con más talento y talento de nuestro tiempo. https://www.davidhazeltine.com/biography
Chinese people always have awe to the landscape, considering the great universe with unlimited wonders. Chinese landscape paintings present not only the colorful natural beauty, but Chinese people’s natural view and aesthetics. Also the paintings express social life indirectly. “Chinese Landscape Paintings” is divided into three volumes, containing more than 300 paintings covering Sui and Tang Dynasties, Five Dynasties, Northern and Southern Song Dynasties, Yuan Dynasty, Ming Dynasty, and Qing Dynasty.
Biography by Ron Wynn Kenny
Dorham had a deeply moving, pure tone on trumpet; his sound was clear,
sharp, and piercing, especially during ballads. He could spin out
phrases and lines, but when he slowly and sweetly played the melody it
was an evocative event. Dorham was a gifted all-round trumpeter, but
seldom showcased his complete skills, preferring an understated, subtle
approach. Unfortunately, he never received much publicity, and though a
highly intelligent, thoughtful individual who wrote insightful
commentary on jazz, he's little more than a footnote to many fans.
Dorham
studied and played trumpet, tenor sax, and piano. He was a bandmember
in high school and college; a college bandmate was Wild Bill Davis.
Dorham started during the swing era, but was recruited by Dizzy
Gillespie and Billy Eckstine to join their bands in the mid-'40s. He
even sang blues with Gillespie's band. He recorded with the Be Bop Boys
on Savoy in 1946. After short periods with Lionel Hampton and Mercer
Ellington, Dorham joined Charlie Parker's group in 1948, staying there
until 1949. He did sessions in New York during the early and mid-'50s,
making his recording debut as a leader on Charles Mingus and Max Roach's
Debut label in 1953. He then cut Afro-Cuban for Blue Note with Cecil
Payne, Hank Mobley, and Horace Silver in 1955.
Dorham was a
founding member of Art Blakey's Jazz Messengers in 1954, and also led a
short-lived similar band, the Jazz Prophets. Dorham played on the
soundtrack of A Star Is Born in 1954, then spent two years with Max
Roach from 1956 to 1958. There were dates for Riverside in the late '50s
with Paul Chambers, Tommy Flanagan, and Art Taylor, plus other sessions
with ABC-Paramount, three volumes for Blue Note done live at the Cafe
Bohemia, and an intriguing but uneven session with John Coltrane and
Cecil Taylor, Coltrane Time, in 1958.
Dorham taught at the Lenox
School of Jazz in 1958 and 1959, and wrote scores for the films Les
Liaisons Dangereuses and Un Témoin dans la Ville in 1959. During the
mid-'60s, he co-led a band with tenor saxophonist Joe Henderson that was
shamefully neglected. There were such classic Blue Note releases as
Whistle Stop, Una Mas, and Trumpet Toccata. Dorham made one album for
Cadet in 1970, Kenny Dorham Sextet, with Muhal Richard Abrams. He died
in 1972. Several of his Blue Note albums have been reissued, while his
Prestige and Riverside dates have come out in sporadic fashion, some in
two-record samplers. Other material for Pacific Jazz, United Artists,
Steeplechase, Xanadu, and Time isn't as widely available. https://www.allmusic.com/artist/kenny-dorham-mn0000768027/biography
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Biografía por Ron Wynn Kenny
Dorham tenía un tono profundamente conmovedor y puro en la trompeta; su
sonido era claro, agudo y penetrante, especialmente durante las
baladas. Podía hilar frases y líneas, pero cuando tocaba la melodía
lenta y dulcemente era un acontecimiento evocador. Dorham era un
trompetista polifacético y dotado, pero rara vez mostraba toda su
habilidad, prefiriendo un enfoque discreto y sutil. Desgraciadamente,
nunca recibió mucha publicidad y, aunque era una persona muy inteligente
y reflexiva que escribía comentarios perspicaces sobre el jazz, es poco
más que una nota a pie de página para muchos aficionados.
Dorham
estudió y tocó la trompeta, el saxo tenor y el piano. Fue miembro de
una banda en el instituto y en la universidad; un compañero de banda en
la universidad fue Wild Bill Davis. Dorham empezó en la época del swing,
pero fue reclutado por Dizzy Gillespie y Billy Eckstine para unirse a
sus bandas a mediados de los años 40. Incluso cantó blues con la banda
de Gillespie. Grabó con los Be Bop Boys en Savoy en 1946. Tras breves
periodos con Lionel Hampton y Mercer Ellington, Dorham se unió al grupo
de Charlie Parker en 1948, donde permaneció hasta 1949. Realizó sesiones
en Nueva York a principios y mediados de los años 50, y debutó como
líder en el sello Debut de Charles Mingus y Max Roach en 1953. Luego
grabó Afro-Cuban para Blue Note con Cecil Payne, Hank Mobley y Horace
Silver en 1955.
Dorham fue miembro fundador de los Jazz
Messengers de Art Blakey en 1954, y también dirigió una banda similar de
corta duración, los Jazz Prophets. Dorham tocó en la banda sonora de Ha
nacido una estrella en 1954, y luego pasó dos años con Max Roach, de
1956 a 1958. A finales de los años 50, grabó para Riverside con Paul
Chambers, Tommy Flanagan y Art Taylor, además de otras sesiones con
ABC-Paramount, tres volúmenes para Blue Note realizados en directo en el
Cafe Bohemia y una intrigante pero irregular sesión con John Coltrane y
Cecil Taylor, Coltrane Time, en 1958.
Dorham dio clases en la
Lenox School of Jazz en 1958 y 1959, y escribió partituras para las
películas Les Liaisons Dangereuses y Un Témoin dans la Ville en 1959. A
mediados de los años 60, codirigió una banda con el saxofonista tenor
Joe Henderson que fue vergonzosamente descuidada. Hubo lanzamientos
clásicos de Blue Note como Whistle Stop, Una Mas y Trumpet Toccata.
Dorham grabó un álbum para Cadet en 1970, Kenny Dorham Sextet, con Muhal
Richard Abrams. Murió en 1972. Se han reeditado varios de sus álbumes
para Blue Note, mientras que sus fechas para Prestige y Riverside han
salido a la luz de forma esporádica, algunas en samplers de dos discos.
Otros materiales para Pacific Jazz, United Artists, Steeplechase, Xanadu
y Time no están tan disponibles. https://www.allmusic.com/artist/kenny-dorham-mn0000768027/biography
Review by Al Campbell Alligator Bogaloo is one example of Lou Donaldson's successful combinations of hard bop and soul-jazz. Of the six tunes, three are Donaldson originals, including the title hit. The excellent band, consisting of Melvin Lastin, Sr. on cornet, George Benson on guitar, Lonnie Smith on organ, and Leo Morris on drums, mixes laid-back vamps beneath driving hard bop charts. As the '60s turned into the '70s, Donaldson began shaving off hard bop invention for a more radio-friendly and 45 rpm length, leaving soulful -- yet monotonous -- vamping. At that point, Donaldson's material suffered from a lack of originality. That's not the case on Alligator Bogaloo. https://www.allmusic.com/album/alligator-boogaloo-mw0000198585
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Reseña por Al Campbell Alligator Bogaloo es un ejemplo de las acertadas combinaciones de hard bop y soul-jazz de Lou Donaldson. De los seis temas, tres son originales de Donaldson, incluido el que da título al disco. La excelente banda, formada por Melvin Lastin, Sr. (corneta), George Benson (guitarra), Lonnie Smith (órgano) y Leo Morris (batería), mezcla ritmos relajados debajo de las tablas de hard bop. A medida que los 60 se convirtieron en los 70, Donaldson empezó a recortar la invención del hard bop en favor de una duración más apta para la radio y de 45 rpm, dejando el vamping soul -aunque monótono-. En ese momento, el material de Donaldson adolecía de falta de originalidad. No es el caso de Alligator Bogaloo. https://www.allmusic.com/album/alligator-boogaloo-mw0000198585
La muerte de un discreto pianista de jazz llamado Billy Tipton, ocurrida a la edad de 74 en la pequeña ciudad norteamericana de Spokane, Washington, fue una de las noticias más espectaculares del año 1989, no porque Tipton fuese un músico de renombre sino porque, una vez hallado su cadáver por los médicos, se descubrió que en verdad era una mujer que había vivido haciéndose pasar por hombre desde los diecinueve años de edad.
Cuando la ambulancia llegó al domicilio de Tipton, un sábado de enero de 1989, su hijo adoptivo William estaba esperándola para transladar a Billy de urgencia al hospital más cercano. Su padre llevaba un año separado de Kitty, su tercera esposa. Los médicos desplegaron la camilla, tendieron allí el cuerpo débil del músico y un enfermero le abrió la camisa del pijama para poder revisarlo. "Hijo", le preguntó a William, "¿tu padre se hizo un cambio de sexo?". Durante casi cuatro décadas, nadie --excepto el propio Tipton-- había visto aquel torso desnudo, ni siquiera sus mujeres. "Me quedé con la mente en blanco", contó William, años más tarde. "Pensé que estaba alucinando o algo por el estilo". El lunes, muerto ya Tipton, la autopsia determinó que el cuerpo correspondía al de una mujer biológicamente normal. Alguien del hospital llamó por teléfono al periódico local para ofrecer la primicia. La viuda, Kitty, quiso impedir el escándalo, mandó cremar el cadáver e hizo una visita al jefe de redacción del diario local para pedirle que respetara su privacidad familiar. El jefe le prometió no publicar nada hasta después del entierro.
"Músico de jazz pasó toda su vida escondiendo un fantástico secreto", fue el titular del 31 de enero. Las agencias se encargaron de diseminar la noticia y hasta el New York Times publicó un obituario de Tipton. Invitada a varios talk shows de tevé, Kitty aseguró que había vivido en la ignorancia del secreto porque Billy y ella no mantenían relaciones sexuales "dado su pésimo estado de salud". Para entonces, la familia Tipton estaba partida en dos: de un lado Kitty y William; del otro John y Scott, los hijos mayores, también adoptados. La enemistad llegó a tal extremo que, después de la cremación, se dividieron las cenizas en dos urnas, una para cada parte. "Vaya ironía", escribió un periodista, "hasta el final hubo dos Billy Tiptons".
Dorothy
Dorothy Lucille Tipton nació en la ciudad de Oklahoma, el 29 de diciembre de 1914, y volvió a nacer como Billy Lee Tipton durante el verano de 1933. Curiosamente, a la hora de elegir un nombre de varón, escogió el mismo de su hermano menor, William, nacido en 1924.
En 1928 sus padres se divorciaron y los hermanitos Tipton fueron enviados a Kansas City, donde fueron criados por la tía Bess, hermana de su madre. A partir de sus catorce años, Dorothy empezó a tomar clases de música (saxo alto y piano) y a interesarse por el jazz. De Kansas City habían surgido algunas mujeres pianistas famosas como Mary Lou Williams o Julia Lee, ambas negras.
Dorothy terminó de estudiar en una escuela de Muskogee y en otra de Warner (dos pueblos de Oklahoma, casi en la frontera con Kansas) y, a fines de 1932, volvió al lado de su madre, decidida a dedicarse profesionalmente a la música. No le resultó nada fácil. Corría la "era de la Depresión" y las bandas de jazz sólo aceptaban músicos varones. Dorothy decidió jugar el juego y hacerse pasar por hombre.
"La expresión de masculinidad empezó con la ropa", escribió Diane Middlebrook en Suits Me, biografía de Billy Tipton. Como primera medida, Billy pensó que usando trajes masculinos volvería invisible su feminidad. "Con los años Billy fue perfeccionando un estilo de presentación en público que muy pocos cuestionaron. Usando un saco, una corbata y un pantalón bien apretado, adoptando una postura notablemente erecta, Billy daba la impresión de ser un hombre, a pesar de su baja estatura". Después llegó a ponerse zapatos con suelas gruesas para fortalecer aún más la ilusión.
Tipton también rellenaba sus pantalones con un bulto, medio cargado hacia la izquierda. Al principio le bastaba con una especie de algodón pero más tarde, cuando empezó a salir con mujeres, "aparantemente adoptó un equipo más complicado", según afirma Middlebrook. Las mujeres que pensaban que Billy tenía pene siempre mencionaron la existencia, entre sus ropas, de una especie de suspensor especial.
La personificación fue depurada, año tras año. La forma de caminar, los gestos, la voz, todo fue masculinizándose. Si había una pelea, Billy se quedaba al margen porque era el pianista y, claro, tenía que "cuidar las manos", pero enseguida se ocupaba de hacer algún comentario sobre lo ocurrido, comentario que solía contener cierta pizca de ironía o hasta alguna broma homofóbica, si hacía falta.
La música
Billy Tipton no dejó muchos discos grabados, apenas un demo de los años cuarenta y algún elepé de los cincuenta. Era, en definitiva, un artista especializado en el acto vivo, cuyo estilo musical se parecía --incluso demasiado-- al del pianista Teddy Wilson, miembro de la prestigiosa orquesta de Benny Goodman.
Su primer trabajo de importancia lo obtuvo no como pianista, sino como saxofonista, en un conjunto llamado The Banner Cavaliers que solía presentarse en las radios. Los músicos se vestían de manera uniforme; y una vez, en medio de un verano caluroso, el manager D.L. Hickman les dijo que se pusieran una remera blanca. Como Tipton no quiso obedecer, Hickman le contó a los otros integrantes que el saxofonista era en verdad una mujer. No todos se asombraron. Por entonces, en Oklahoma City, mucha gente tenía claro que Billy y Dorothy eran una misma persona.
Alrededor de 1938, Billy Tipton ingresó ya como pianista a los Western Swingbillies. "Su aprendizaje, durante aquellos años, fue doble: como músico y como varón", afirma Middlebrook. La Depresión estaba llegando a su fin y, dentro del orden musical, comenzaba el esplendor del swing. Billy desechó los dos destinos esperables de Dorothy (ser una profesora de piano, formar una orquesta de señoritas) y resolvió marcharse a probar suerte en Joplin, Missouri, una ciudad cuyos pobladores desconocían su pasado. Fue entonces cuando empezó a ser un hombre de tiempo completo, al decir de Middlebrook. Mientras tanto, su madre --al tanto de la situación-- recibió de su hijo/a la instrucción de escribir cartas "neutras", por lo que sustituyó el encabezado "dear daughter" (querida hija) por el de "dear darling", siempre con una "d" que hacía velada referencia al nombre originario.
En Joplin, Tipton se unió como cantante y pianista a la pequeña orquesta de George Mayer. Una de sus especialidades consistía en interpretar un éxito de Lionel Hampton, "Exactly Like You". Llegó a usar un fugaz y delgado bigote, hecho con lápiz y pelos postizos.
Una foto de abril de 1954 lo muestra, muy sonriente, en compañía de Duke Ellington (que cumplía años), Dick O'Neil y Ron Kilde, estos dos últimos sus compañeros de ruta durante los años cincuenta, cuando llegó a liderar el Billy Tipton Trio. El trío siguió adelante, pese a algunos cambios de alineación, hasta entrados los setenta, cuandoTipton empezó a trabajar en la agencia de espectáculos de Dave Sobol, al tiempo que se alejaba de la música.
Sexo
Hasta donde se sabe, Billy Tipton tuvo en su vida cinco mujeres: Non Earl (a quien conoció en 1934), June (1943), Betty (1946), Maryann (1954) y Stella Marie "Kitty" Flaherty (1962). Con tres de ellas llevó vida de casado. Y aunque la última de todas, Kitty, afirmó que entre ella y Billy no había sexo, esto no significa que con las anteriores ocurriera lo mismo. Por lo menos una de todas sus parejas supo que Tipton era una mujer. Por lo menos dos hicieron el amor con él sin sospechar --por increíble que parezca-- que Billy no era un hombre.
No fue Billy sino Dorothy quien conoció a Non Earl, allá por 1933. Non Earl tenía un Ford-T, era propietaria de un restaurante y usaba pantalones desde 1932, algo inadmisible y casi escandaloso, si se piensa que por aquel mismo año Marlene Dietrich o Greta Garbo eran acusadas de vestir como hombres cada vez que se ponían uno. Catorce años mayor que Tipton, Non Earl fue testigo de la metamorfosis. Según el testimonio del hermano de Dorothy, Bill, "Non Earl fue su primera chica". Al año de conocerse, es decir, en 1934, Billy y Non Earl ya se presentaban a menudo en público como marido y mujer.
Hacia 1942, Non Earl tenía 42 años de edad y Billy 27. Los músicos que se iban sumando al grupo en el que por entonces tocaba Tipton creían, al verlos, que Non Earl era la madre del pianista. Entre ellos la baterista Roberta Ellis, quien llegó incluso a contar que, cuandlo Non Earl regresaba a su casa antes que Billy, él se quedaban coqueteando con su hermana Doris, de 18 años. "Billy era un hombre muy guapo. A veces comentábamos que tenía un culo demasiado grande. Así y todo, nunca, nunca sospechamos que él fuese ella", dijo la baterista.
La relación con Non Earl terminó meses antes de que, en 1943, Billy se enamorara de su segunda mujer, June, una cantante diez años menor que él. El vínculo duró alrededor de tres años. Después de la ruptura, algunos músicos oyeron a June hablar mal de Billy en términos sexuales. "Llegó a afirmar que Billy era hermafrodita", le contó un músico a Middlebrook, aun cuando la autopsia indicó que el cuerpo de Tipton era "de genitalidad femenina normal".
La tercera señora Tipton, Betty Cox, tenía 18 años y trabajaba como mesera y bailarina, cuando conoció a Billy. Corría 1946 y Tipton aún estaba en pareja con June. Pero un día June desapareció literalmente, entonces Billy empezó a invitar a Betty a su casa. Terminaron viviendo en pareja y a la familia de Betty le contaron que se habían casado. En cierto sentido, Betty fue su primera esposa estable. Tenían relaciones sexuales y aunque ella no era virgen, su experiencia en la materia era tan escasa que nunca sospechó nada. Por su parte, Billy apagaba la luz, se dejaba puesta bastante ropa, impedía que ella lo tocase y se ponía --según parece-- una especie de prótesis que Betty nunca alcanzó a ver.
Tipton pasó siete años con Betty. Ella lo dejó y, meses después, él conoció a una tal Maryann que tenía por entonces 34 años y que había antes trabajado como call-girl. A pesar de su experiencia, tampoco Maryann advirtió nada raro, al menos en un principio. "La primera noche juntos, bailamos y yo sentí que él tenía algo así como una erección permanente. Qué suerte, me dije". Siete años después, antes de su ruptura definitiva, Maryann alcanzó a sospechar algo. Pero Billy ya había empezado, por aquel tiempo, 1961, a seducir a una bailarina de strip-tease apodada "la Venus irlandesa". Era Kitty, la que sería su última mujer.
Ficción
Tras su muerte, tras la revelación y la publicación de su biografía escrita por Diane Middlebrook, aparecieron una novela y una comedia musical libremente inspiradas en la vida de Billy Tipton.
La novela se llama Trumpet y es la ópera prima de una escritora norteamericana llamada Jackie Kay. Aunque el caso de Tipton actuó como disparador de su libro, Kay se tomó abundantes libertades: el protagonista de la novela es Joss Moody, un músico negro, nacido en Escocia, un trompetista y no un pianista. "No me interesó hacer una investigación acerca de Tipton ni escribir una novela que respetara una historia real", declaró la autora. La historia de Moody es contada desde el punto de vista de su único hijo adoptivo, Colman, quien recién averigua la verdad tras la muerte de su padre. Una de las cosas que más impresionaron a Kay de la historia real de Billy Tipton es, dice, "que uno de sus hijos declaró a la prensa: para mí, él siempre será mi padre".
Desde el 27 de octubre de 1997 hasta el 17 de enero de 1998, por su parte, se representó en el Whitehall Theatre de Londres una comedia musical llamada The Slow Drag, escrita por Carson Kreitzer y basada en la vida de Tipton, rebautizado en este caso Johnny Christmas. "La escena del jazz en los años cuarenta tenía reglas: reglas que eran sexistas y racistas, que no debían ser quebradas. Johnny Christman quebró esas reglas", rezaba el afiche publicitario de la obra, que antes se había podido ver en el Freedom Theatre, también en Londres, con las actuaciones de Kim Criswell, Lisa Sadovy y Christopher Colquhoun.
Tanto la comedia musical como la novela tendieron a simplificar un poco la historia original. "A la hora de inventar a Joss Moody, le adjudiqué una esposa y un hijo que nunca habían sospechado nada", dijo Jackie Kay. "Haber tenido tres esposas que no se dieron cuenta, como en el caso de Tipton, hubiese resultado demasiado inverosímil dentro mi novela. La vida real nos puede convencer de cosas que la ficción no".
Después
¿Cómo reaccionaron los allegados a Tipton cuando supieron, leyendo un diario o mirando televisión, que Billy era en verdad una mujer?
Dick O'Neil, baterista durante más de una década del Billy Tipton Trio, manifestó absoluta sorpresa. "Si alguien hubiese venido a contarme algo semejante, le habría pegado una trompada", dijo.
Loretta, hermana menor de su tercera mujer Betty, llegó a escribir una serie de artículos defendiendo el buen nombre de Billy, asgurando que Tipton era una excelente persona. "Siempre lo recordaré como un hombre adorable. Amaba su pipa y su cerveza fría. Fumaba cigarros en un momento en que ninguna mujer se atrevía a probarlos".
Poco después de la muerte de Tipton, Betty --vuelta a casar, viuda y madre de cinco hijos -- estaba en su casa cuando uno de sus hijos la llamó a los gritos. Acababan de dar la noticia por tevé. "Mamá, ¿vos sabías que Billy era mujer?". Entrevistada por Diane Middlebrook, Betty habló con gran sinceridad:
"Ahora, cuarenta, cincuenta años después, veo a esos travestis que aparecen por tevé y me doy cuenta de cuál es su verdadero sexo. Enseguida me digo, por ejemplo: "Ese que está allá, obviamente, es una mujer". Me pregunto por qué no me di cuenta de nada en aquel entonces".
Extracto de "La increíble historia de Billy Tipton"
“I kept trying to figure out what she was,” says Diane Wood Middlebrook, author of Suits Me: The Double Life of Billy Tipton, from her home in San Francisco. “We have a lot of questions in 1998 that didn’t exist in Billy’s time. They didn’t have the terms ‘transgenderist,’ or even ‘cross-dresser,’ or hardly even ‘lesbian’!”
The absence of such categories no doubt made it easier for Billy Tipton, the jazz musician/entertainer born Dorothy Lucille Tipton in 1914, to pass as a man from age 19 until her death in Spokane in 1989. But it made it no picnic for her biographer. “This was a very hard book to write,” Middlebrook confesses. Her foremost problem was the dearth of material Tipton left behind. Middlebrook’s first biography, of the poet Anne Sexton, was uncommonly source-rich. Anne Sexton: A Biography whipped up a firestorm of controversy in 1991 when Sexton’s therapist availed Middlebrook of tapes of Sexton’s therapy sessions. By contrast, Tipton left her biographer next to nothing, with the exception of a few snippets of revealing showbizzy punning that Tipton wrote for stage routines. (Straight man: “How many sexes are there?” Tipton: “The male sex, the female sex and the insects.”) The lack of material was part of Tipton’s brilliance at diverting attention away from himself.
“When I found those stage routines, I was elated,” says Middlebrook, who grew up in Spokane. “Here I’d been in the interview trenches for three years, thinking, ‘Where is this guy? How can I lay my hands on this person?’ Finally the answer began to form, very slowly, around the notion that Billy’s character is the character of the actor.”
His deflective talent included an uncanny ability to surround himself with uniquely unobservant people. “The biggest surprise for me was discovering how most of the people who knew Billy — including the five women he called his wives — could supply so little detail about him.”
Perhaps this explains why the four of his wives who believed he was a man — one a stripper, one a former call-girl — could be so monumentally duped.
“One of his wives said to me, ‘Honey, I can’t wait to read your book — I thought it was a penis!”’ Middlebrook laughs. “I think these women had a lot at stake in being taken care of, in going along with the way of life Billy offered. He was a glamorous guy, they met him on a bandstand, he had the charisma of a star. As his fourth wife Mary Ann said to me, people insist on a certain level of privacy, and if you love them, you respect that. What kind of concessions do we make in intimate life to keep our own secrets, and to provide our lovers with space? Many people don’t like to be looked at, many people don’t want to be touched, many people like sex in the dark. Once that’s a given, it becomes normal. Because normal is a pretty broad band.”
Though Tipton’s story resonates at times as almost unutterably sad, Middlebrook came away uplifted. “The thing I liked about Billy from beginning to end was that she found a way to be happy,” Middlebrook says. “There was a jauntiness to Tipton’s ruse; a hearty sense of play that expressed itself in jokes, like the stage routines; she could enjoy with herself alone.
“One of the many young musicians Billy mentored late in his life recalled Billy advising him to cut his hair, saying, ‘I used to have long hair, but I didn’t get any work until I cut it.’ I think these jokes with himself kept him going,” Middlebrook explains. “He was always playing with the role he was in. I think the actual deception fascinated him.”
Middlebrook, a poet and literary critic who teaches English at Stanford, brought to the project her feminist assumption that all gender behavior is a mask. “I wanted to make it very clear the degree to which your own gender is a construct, and how much your identity reinforces it, how all your cues are designed to show that you are a woman or a man, and that the world will generally accept whatever cues you give off,” she says. And Middlebrook found her non-essentialist gender theory borne out by Billy Tipton’s triumphant hoax — mostly. “But there’s a question behind it that Billy’s life raises,” Middlebrook muses. “Why would a woman want to be a man? It’s not enough to say, ‘Because men were the ones who played the saxophone,’ though that’s a good start. No, Billy had a real yearning to be taken as a man. Is there something fundamental in that, something essentialist in that? I just don’t know.”
Biography by Steve Huey One of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic enough to blur the lines of classification. His sound -- deep, down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him quite popular with R&B audiences, even more so than some of his peers; what was more, he was able to condense those charms into concise, funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl," "Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement, switching to various electric keyboards and adopting an increasingly smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his creative vitality and take his place as one of the genre's elder statesmen.
James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his cousins. First getting involved in music through his family's church, he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass remained his primary instrument for a while, although he was inspired to try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military after high school, and served in the Korean War as a military policeman. Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement a career, and after completing the necessary training, he worked on the Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's Showboat club.
With the Hammond organ rising in popularity around Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house (where he stored the instrument). Skipping more and more work time to play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local Combe College to study music. He later moved on to the prestigious Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958; it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become one of the instrument's quintessential performers.
McGriff was performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout from the small Jell label heard him and offered him a chance to record. McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic "I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release. With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman" hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in 1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl" (number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several more McGriff albums over the next two years, including the live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single "Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.
In 1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade, including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with "The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally, McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and again from 1971-1972.
McGriff made Groove Merchant his primary label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans, which also sold respectably.
After 1977's Tailgunner (on LRC), McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford during the late '80s, which released several albums, including 1990's popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K., McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David "Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would become familiar faces on McGriff recordings in the years to come. Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue, which looked back on some of his '60s hits. https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography
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Biografía de Steve Huey Jimmy McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su ciudad natal de Filadelfia. Era casi con certeza el más blues de los principales pioneros del soul-jazz y, de hecho, a menudo insistía en que era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se mantuvo lo suficientemente ecléctico como para difuminar las líneas de clasificación. Su sonido, ritmos profundos y realistas empapados de blues y sentimiento gospel, lo hizo bastante popular entre el público de R & B, incluso más que algunos de sus compañeros.; lo que es más, fue capaz de condensar esos encantos en sencillos concisos, funky y listos para tocadiscos que a menudo le fueron sorprendentemente bien en las listas de R&B. Su reorganización de "I Got a Woman" de Ray Charles fue un éxito entre los cinco primeros de R&B en 1962, y otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los 70 tratando de seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Al amanecer de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y volvió a su sonido clásico de trío de órgano; por suerte, el soul-jazz vintage pronto volvió a ponerse de moda con un culto devoto de fanáticos y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su lugar como uno de los estadistas más veteranos del género.
James Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre y su padre tocaban el piano, y contaba con el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin entre sus primos. Primero se involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia, había tomado el bajo acústico y el saxo alto, y también aprendió vibras, piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. El bajo siguió siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró para probar suerte con el órgano Hammond después de ver a Richard "Groove" Holmes en un club de Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff fue reclutado en el ejército después de la secundaria y sirvió en la Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos, decidió hacer de la aplicación de la ley una carrera y, después de completar la capacitación necesaria, trabajó en la fuerza policial de Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor frecuencia, Big Maybelle, quien tenía un concierto regular en el club local Pep's Showboat.
Con el órgano Hammond ganando popularidad en Filadelfia, los trabajos para bajistas eran escasos, y McGriff contactó a Groove Holmes para aprender el órgano, esta vez en serio. Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses practicando tan duro como pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa de Archie Shepp(donde guardaba el instrumento). Saltándose más y más tiempo de trabajo para tocar, finalmente renunció a la fuerza policial y se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music de Nueva York, y también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el sencillo "Foxy Due", grabado para el pequeño sello White Marsh en 1958; presentaba a un joven saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los intérpretes por excelencia del instrumento.
McGriff estaba actuando en un pequeño club en Trenton, Nueva Jersey, en 1962, cuando un cazatalentos del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como sencillo y se vendió lo suficientemente bien como para que el sello Sue de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo recogiera para un lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción detrás ,"I've Got a Woman" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un éxito de buena fe, subiendo al Top Cinco en las listas de R&B y al Top 20 en el lado pop. Sue publicó el álbum debut de McGriff, naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un éxito, casi llegando al Top 20 del pop, y generó dos sencillos más en las listas de éxitos de McGriff originals "All About My Girl" (número 12 de R & B, Top 50 pop) y " M. G. Blues."Sue lanzó varios álbumes más de McGriff durante los siguientes dos años, incluidos live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (que produjo el sencillo "Kiko"), el éxito navideño Christmas With McGriff (en realidad, su álbum más alto en las listas en el número 15 pop), Topkapi (una colección de temas de la banda sonora con respaldo orquestal) y otro éxito en las listas, Blues for Mister Jimmy, que resultó ser el último con Sue.
En 1966, McGriff se mudó al sello Solid State, donde se conectó con el productor Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos durante los años 70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band,que lo encontró al frente de una orquesta de swing de estrellas con muchos alumnos de Count Basie (más tarde se reeditó como tributo a Count Basie). McGriff grabó prolíficamente para Solid State durante el resto de la década, incluidos álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y I've Got a New Woman (1968; principalmente una mirada retrospectiva a su material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff obtuvo otro sencillo exitoso con "The Worm", que llegó al Top 30 de R&B y envió al LP del mismo nombre al Top Ten de R&B a principios de 1969. Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff grabó varios álbumes para Blue Note entre 1969 y 1971, sobre todo Electric Funk, una incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió con el arreglista/pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluía versiones de pop/rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de la banda de Buddy Rich a fines de los 60, y nuevamente entre 1971 y 1972.
McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal en 1971, y aunque abandonó brevemente el negocio en 1972 para iniciar una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música resultó demasiado poderoso para superarlo. A principios de la década, alternó entre salidas eléctricas funky (generalmente con versiones de éxitos de rock contemporáneo y R&B) y escenarios de jazz de órgano más tradicionales y de grupos pequeños. Álbumes notables incluyeron Giants of the Organ Come Together de 1973, a summit con su mentor y viejo amigo Groove Holmes; un álbum a dúo con el bluesman Junior Parker; Mean Machine de 1976, un LP de jazz-funk más pulido que lo devolvió al Top 50 de la lista de álbumes de R&B; y el seguimiento de 1977 Red Beans, que también se vendió respetablemente.
Después de Tailgunner de 1977 (en LRC), la producción grabada de McGriff disminuyó en los años siguientes. Resurgió en el sello Milestone en 1983, debutando con Countdown, un regreso a su estilo clásico de blues soul-jazz que comenzó a llevarlo de regreso al centro de atención del jazz. Una serie de álbumes fuertes siguieron durante los años 80, incluidos Skywalk de 1984, State of the Art de 1985, el aclamado The Starting Five de 1986 y Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de LP de jazz); también grabó una sesión única para Headfirst en 1990, You Ought to Think About Me, que llegó al Top Ten del jazz. Además, McGriff codirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a fines de los 80, que lanzó varios álbumes, incluido popular On the Blue Side de 1990 (número tres en las listas de jazz). También regresó a sus raíces en la iglesia tocando en el álbum en vivo de la cantante de gospel Tramaine Hawkins en 1990. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de álbumes entre 1994 y 1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. A medida que el soul-jazz volvió a la popularidad de culto tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, McGriff se encontró tocando en conciertos y lugares de alto perfil a ambos lados del Atlántico. Regresó a Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con Dream Team, que contó con el saxofonista David "Fathead" Newman y el baterista Bernard "Pretty" Purdie, quienes se convertirían en caras conocidas en McGriff recordings en los años venideros. Los seguimientos incluyeron discos sólidos como Straight Up de 1998, Mcgriff's House Party de 2000, Feelin' It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordaba algunos de sus éxitos de los 60. https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography
