egroj world: December 2024

Friday, December 27, 2024

Coleman Hawkins • Hawk Eyes

 



Review by Scott Yanow
Tenor-great Coleman Hawkins tended to be at his best when challenged by another horn player. On this highly enjoyable CD, Hawkins is joined by the superb trumpeter Charlie Shavers and a strong rhythm section that includes guitarist Tiny Grimes and pianist Ray Bryant. With such superior songs as "Through for the Night," "I Never Knew" and "La Rosita," in addition to long jams, plenty of fireworks occur during this frequently exciting session.
https://www.allmusic.com/album/hawk-eyes-mw0000194561

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Reseña de Scott Yanow
El gran tenor Coleman Hawkins tendía a estar en su mejor momento cuando era desafiado por otro trompetista. En este CD altamente disfrutable, Hawkins está acompañado por el magnífico trompetista Charlie Shavers y una fuerte sección rítmica que incluye al guitarrista Tiny Grimes y al pianista Ray Bryant. Con canciones de calidad superior como "Through for the Night", "I Never Knew" y "La Rosita", además de largas improvisaciones, se producen muchos fuegos artificiales durante esta sesión a menudo emocionante.
https://www.allmusic.com/album/hawk-eyes-mw0000194561


Enrico Pieranunzi • Monsieur Claude (A Travel With Claude Debussy)

 


www.enricopieranunzi.it ...

 

Maynard Ferguson • Boy With Lots Of Brass

 



Kjell Öhman • Öhman Organ Grinders

 



Kjell Ingemar Öhman (3 September 1943 – 5 November 2015) was a notable Swedish jazz musician. He worked as band leader, musical director and arranger of music albums, and of TV programs, among them Notknäckarna, Allsång på Skansen (1994–2010),  Hasse och hans vänner and Café Luleå.

Öhman appeared in more than 3000 albums and worked with musicians, among them The Telstars, Marcus Österdahl, Alice Babs, Georgie Fame, Charlie Norman, Svend Asmussen, Arne Domnérus, Simons, Ulf Wakenius, Rune Gustafsson, Hans Backenroth and Ulf Lundell.

In 2006 Öhman received the Jan Johansson Scholarship.

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Kjell Ingemar Öhman (3 de septiembre de 1943 – 5 de noviembre de 2015) fue un notable músico de jazz sueco. Trabajó como líder de banda, director musical y arreglista de álbumes de música y de programas de televisión, entre ellos Notknäckarna, Allsång på Skansen (1994-2010), Hasse och hans vänner y Café Luleå.

Öhman apareció en más de 3000 álbumes y trabajó con músicos, entre ellos The Telstars, Marcus Österdahl, Alice Babs, Georgie Fame, Charlie Norman, Svend Asmussen, Arne Domnérus, Simons, Ulf Wakenius, Rune Gustafsson, Hans Backenroth y Ulf Lundell.

En 2006 Öhman recibió la beca Jan Johansson.



Charlie Dennard • From Brazil to New Orleans

 



Thousands of miles separate Brazil and New Orleans, but pianist/composer Charlie Dennard thinks these two locales are a lot closer than that. This album is his way of showing that.

Dennard, a former student of Ellis Marsalis who's served as a music director for Cirque du Soleil productions and shared the stage with drummer Stanton Moore, trumpeter Kermit Ruffins and numerous other NOLA heavies, uses a rotating cast of twenty musicians to put life into this line of thinking. While the aim of this project may have been to highlight the parallels between these places and merge the musical language(s) connected to each, the end result isn't so simple and tidy. Dennard doesn't just stick with Brazil and New Orleans; his music goes all over the map.

"Itape," the album's opening track, is a Brazilian- flavored fusion number. The follow-up—"Capoeira Mata Um"—is both swaggering and swampy. Dennard writes for an expanded instrumental line-up here, as everything from bass clarinet to guitar to flute to melodica makes an appearance, and all of it fits together perfectly. This song speaks to both of the titular cultures, proving to be the truest musical manifestation of the Brazil-meets-New Orleans ideal that the album has to offer. "Abrindo A Porta" is a refined offering that shines a spotlight on Steve Masakowski's guitar work; "Asa Branca" exists in the space where New Age music meets the southern breeze; and "Quando O Galo Cantar" speaks to New Orleans' love affair with brass bands and party atmospheres.

As the second half of the album unfolds, Dennard strips everything away. "Senhorinha" finds him behind a piano, working the simple-and-pretty angle with cellist Jack Craft. The soulful "Valsa Luisiana" and hard-grooving "Africa Mae" follow, but Dennard takes a turn in a vastly different direction on the album-ending "Ganga Zumbi." His Cirque du Soleil experiences inform this Afro-Brazilian dream. Synthesizers, programmed sounds, piano, guitar, and various other instruments move beneath Tatiana Parra's warm vocals at various times.

From Brazil to New Orleans pulls from both places but it doesn't draw a straight line between the two. Dennard's tastes are too many and varied for him to follow such a simple and direct path.
By Dan Bilawsky
April 29, 2014
https://www.allaboutjazz.com/from-brazil-to-new-orleans-charlie-dennard-self-produced-review-by-dan-bilawsky

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Miles de kilómetros separan Brasil de Nueva Orleans, pero el pianista y compositor Charlie Dennard cree que estos dos lugares están mucho más cerca que eso. Este álbum es su forma de demostrarlo.

Dennard, antiguo alumno de Ellis Marsalis, director musical de producciones del Cirque du Soleil y que ha compartido escenario con el batería Stanton Moore, el trompetista Kermit Ruffins y otros muchos pesos pesados de NOLA, utiliza un elenco rotativo de veinte músicos para dar vida a esta línea de pensamiento. Aunque el objetivo de este proyecto puede haber sido resaltar los paralelismos entre estos lugares y fusionar los lenguajes musicales relacionados con cada uno de ellos, el resultado final no es tan simple y ordenado. Dennard no se limita a Brasil y Nueva Orleans; su música recorre todo el mapa.

"Itape", la canción que abre el álbum, es un tema de fusión con sabor brasileño. La siguiente, "Capoeira Mata Um", es a la vez arrogante y pantanosa. Dennard escribe para una formación instrumental ampliada, ya que todo, desde el clarinete bajo a la guitarra, pasando por la flauta o la melódica, hace su aparición, y todo encaja a la perfección. Esta canción habla de las dos culturas titulares, demostrando ser la manifestación musical más fiel del ideal Brasil-Nueva Orleans que ofrece el álbum. "Abrindo A Porta" es una propuesta refinada que pone de relieve el trabajo de Steve Masakowski a la guitarra; "Asa Branca" existe en el espacio donde la música New Age se encuentra con la brisa del sur; y "Quando O Galo Cantar" habla del amor de Nueva Orleans por las bandas de música y los ambientes festivos.

En la segunda mitad del álbum, Dennard se despoja de todo. "Senhorinha" lo encuentra detrás de un piano, trabajando el ángulo simple y bonito con el violonchelista Jack Craft. Le siguen las conmovedoras "Valsa Luisiana" y "Africa Mae", pero Dennard da un giro en una dirección muy diferente en "Ganga Zumbi", que cierra el álbum. Sus experiencias en el Cirque du Soleil dan forma a este sueño afrobrasileño. Sintetizadores, sonidos programados, piano, guitarra y otros instrumentos se mueven bajo la cálida voz de Tatiana Parra en varios momentos.

From Brazil to New Orleans tira de ambos lugares, pero no traza una línea recta entre los dos. Los gustos de Dennard son demasiados y variados como para seguir un camino tan simple y directo.
Por Dan Bilawsky
29 de abril de 2014
https://www.allaboutjazz.com/from-brazil-to-new-orleans-charlie-dennard-self-produced-review-by-dan-bilawsky


www.charliedennard.com ...


Tal Farlow • Live in Newport 1968

 



Artist Biography by Scott Yanow

Nearly as famous for his reluctance to play as for his outstanding abilities, guitarist Tal Farlow did not take up the instrument until he was already 21, but within a year was playing professionally and in 1948 was with Marjorie Hyams' band. While with the Red Norvo Trio (which originally included Charles Mingus) from 1949-1953, Farlow became famous in the jazz world. His huge hands and ability to play rapid yet light lines made him one of the top guitarists of the era. After six months with Artie Shaw's Gramercy Five in 1953, Farlow put together his own group, which for a time included pianist Eddie Costa. Late in 1958, Farlow settled on the East Coast, became a sign painter, and just played locally. He only made one record as a leader during 1960-1975, but emerged a bit more often during 1976-1984, recording for Concord fairly regularly before largely disappearing again. Profiled in the definitive documentary Talmage Farlow, the guitarist can be heard on his own records for Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969), and Concord. He died of cancer July 25, 1998, at age 77.

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Biografía del artista por Scott Yanow
Casi tan famoso por su renuencia a tocar como por sus extraordinarias habilidades, el guitarrista Tal Farlow no tomó el instrumento hasta que ya tenía 21 años, pero al cabo de un año ya estaba tocando profesionalmente y en 1948 estaba con la banda de Marjorie Hyams. Mientras que con el Trío Red Norvo (que originalmente incluía a Charles Mingus) de 1949 a 1953, Farlow se hizo famoso en el mundo del jazz. Sus enormes manos y su habilidad para tocar líneas rápidas pero ligeras lo convirtieron en uno de los mejores guitarristas de la época. Después de seis meses con Gramercy Five de Artie Shaw en 1953, Farlow formó su propio grupo, que por un tiempo incluyó al pianista Eddie Costa. A finales de 1958, Farlow se estableció en la costa este, se convirtió en pintor de signos y sólo tocaba localmente. Sólo hizo un disco como líder durante 1960-1975, pero emergió un poco más a menudo durante 1976-1984, grabando para Concord con bastante regularidad antes de volver a desaparecer en gran medida. Perfilado en el documental definitivo Talmage Farlow, el guitarrista puede ser escuchado en sus propios discos para Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969) y Concord. Murió de cáncer el 25 de julio de 1998, a la edad de 77 años.
https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography


Creedence Clearwater Revival • Bayou Country

 

 

During an all too short four-year run that spanned 1968 to 1972, Creedence Clearwater Reival crafted some of the most popular, influential and enduring music that the world has ever knwon.
Californian-based John Fogerty, Tom Fogerty, Doug Clifford and Stu Cook fused the raw, organic honesty of country music with the fire and urgency or rock 'n' roll to create a catalogue than ever four decades later still sound fresh amd vibrant.

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Durante un período demasiado corto de cuatro años que abarcó de 1968 a 1972, Creedence Clearwater Reival creó algunas de las músicas más populares, influyentes y duraderas que el mundo haya conocido.
Los californianos John Fogerty, Tom Fogerty, Doug Clifford y Stu Cook fusionaron la honestidad cruda y orgánica de la música country con el fuego y la urgencia o el rock 'n' roll para crear un catálogo que, cuatro décadas después, sigue sonando fresco y vibrante.

 

Miles Davis & Jimmy Forrest • Our Delight

 



Kai Winding Septet • Cleveland June

 


Dom Frontiere Sextet • Dom Frontiere Sextet

 


Dominic Frontiere (born June 17, 1931, New Haven, Connecticut, USA – died December 21, 2017, Tesuque, New Mexico, USA) was an American composer, arranger, and jazz accordionist. He is known for composing the theme and much of the music for the first season of the television series The Outer Limits (1963-1965).


Big Joe Turner • The Boss of The Blues

 

  

Biography
by Matt Collar
A monumental figure in American music, Big Joe Turner was the premiere blues shouter of the post-war era with a roaring voice and hard-swinging style that prefigured rock & roll. Turner started performing in the late 1920s as a singer for Bennie Moten, Count Basie, and others. Over the next couple of decades, he helped define the boogie-woogie, R&B, and jump-blues styles, alongside the likes of Louis Jordan, Wynonie Harris, and Roy Brown. In the early '50s, he laid down the template for rock & roll with hits like "Chains of Love," "Honey Hush," and the landmark "Shake, Rattle & Roll." His style proved an enormous influence on the first generation of rock & roll artists (many of whom covered the songs Turner made famous). Turner continued to perform well into the '70s, having solidified his legendary status by the time of his passing in 1985.

Born Joseph Vernon Turner, Jr. in 1911 in Kansas City, Missouri, Turner was a product of his hometown's swinging, wide-open jazz and blues scene. Blessed with both a big voice and large stature (hence the nickname) Turner looked more than mature enough by his teens to gain entry to various K.C. night clubs. He ended up simultaneously tending bar and singing the blues before hooking up with boogie piano master Pete Johnson during the early '30s. Theirs was a partnership that would endure for 13 years.

The pair initially traveled to New York at John Hammond's behest in 1936. On December 23, 1938, they appeared in the fabled Spirituals to Swing concert at Carnegie Hall on a bill with Big Bill Broonzy, Sonny Terry, the Golden Gate Quartet, and Count Basie. Turner and Johnson performed "Low Down Dog" and "It's All Right, Baby" in that historic show, kicking off a boogie-woogie craze that landed them a long-running slot at the Cafe Society (along with piano giants Meade "Lux" Lewis and Albert Ammons).

As 1938 came to a close, Turner and Johnson waxed the thundering "Roll 'Em Pete" for Vocalion. It was a thrilling uptempo number anchored by Johnson's crashing 88s, and Turner would re-record it many times over the decades. Turner and Johnson waxed their seminal blues "Cherry Red" the next year for Vocalion with trumpeter Hot Lips Page and a full combo in support. In 1940, the massive shouter moved over to Decca and cut "Piney Brown Blues" with Johnson rippling the ivories. But not all of Turner's Decca sides teamed him with Johnson; Willie "The Lion" Smith accompanied him on the mournful "Careless Love," while Freddie Slack's Trio provided backing for "Rocks in My Bed" in 1941.

Turner ventured out to the West Coast during the war years, building quite a following while ensconced on the L.A. circuit. In 1945, he signed on with National Records and cut some fine small combo platters under Herb Abramson's supervision. Turner remained with National through 1947, belting an exuberant "My Gal's a Jockey" that became his first national R&B smash. Contracts didn't stop him from waxing an incredibly risqué two-part "Around the Clock" for the aptly named Stag imprint (as Big Vernon) in 1947. There were also solid sessions for Aladdin that year that included a wild vocal duel with one of Turner's principal rivals, Wynonie Harris, on the ribald two-part "Battle of the Blues."

Most West Coast indie labels in the late '40s boasted at least one or two Turner titles in their catalogs. The shouter bounced from RPM to Down Beat/Swing Time to MGM (all those dates were anchored by Johnson's piano) to the Texas-based Freedom (which moved some of their masters to Specialty) to Imperial in 1950 (his New Orleans backing crew there included a young Fats Domino on piano). But apart from the 1950 Freedom 78 "Still in the Dark," none of Turner's records were selling particularly well. When Atlantic Records bosses Abramson and Ahmet Ertegun fortuitously dropped by the Apollo Theater to check out Count Basie's band one day, they discovered that Turner had temporarily replaced Jimmy Rushing as the Basie band's frontman, and he was having a tough go of it. Atlantic picked up his spirits by picking up his recording contract, and Turner's heyday was about to begin.

At Turner's first Atlantic date in April of 1951, he imparted a gorgeously world-weary reading to the moving blues ballad "Chains of Love" (co-penned by Ertegun and pianist Harry Van Walls) that restored him to the uppermost reaches of the R&B charts. From there, the hits came in droves: "Chill Is On," "Sweet Sixteen" (yeah, the same downbeat blues B.B. King's usually associated with; Turner did it first), and "Don't You Cry" were all done in New York, and all hit big.

Turner had no problem whatsoever adapting his prodigious pipes to whatever regional setting he was in. In 1953, he cut his first R&B chart-topper, the storming rocker "Honey Hush" (later covered by Johnny Burnette and Jerry Lee Lewis), in New Orleans, with trombonist Pluma Davis and tenor saxman Lee Allen in rip-roaring support. Before the year was through, he stopped off in Chicago to record with slide guitarist Elmore James' considerably rougher-edged combo and hit again with the salacious "T.V. Mama."

Prolific Atlantic house writer Jesse Stone was the source of Turner's biggest smash of all, "Shake, Rattle and Roll," which proved his second chart-topper in 1954. With the Atlantic brain trust reportedly chiming in on the chorus behind Turner's rumbling lead, the song sported enough pop possibilities to merit a considerably cleaned-up cover by Bill Haley & the Comets (and a subsequent version by Elvis Presley that came a lot closer to the original's leering intent).

Suddenly, at the age of 43, Turner was a rock star. His jumping follow-ups -- "Well All Right," "Flip Flop and Fly," "Hide and Seek," "Morning, Noon and Night," "The Chicken and the Hawk" -- all mined the same good-time groove as "Shake, Rattle and Roll," with crisp backing from New York's top session aces and typically superb production by Ertegun and Jerry Wexler.

Turner turned up on a couple episodes of the groundbreaking TV program Showtime at the Apollo during the mid-'50s, commanding center stage with a joyous rendition of "Shake, Rattle and Roll" in front of saxman Paul "Hucklebuck" Williams' band. Nor was the silver screen immune to his considerable charms: Turner mimed a couple of numbers in the 1957 film Shake Rattle & Rock (Fats Domino and Mike "Mannix" Connors also starred in the flick).

Updating the pre-war number "Corrine Corrina" was an inspired notion that provided Turner with another massive seller in 1956. But after the two-sided hit "Rock a While"/"Lipstick Powder and Paint" later that year, his Atlantic output swiftly faded from commercial acceptance. Atlantic's recording strategy wisely involved recording Turner in a jazzier setting for the adult-oriented album market; to that end, a Kansas City-styled set (with his former partner Johnson at the piano stool) was laid down in 1956 and remains a linchpin of his legacy.

Turner stayed on at Atlantic into 1959, but nobody bought his violin-enriched remake of "Chains of Love" (on the other hand, a revival of "Honey Hush" with King Curtis blowing a scorching sax break from the same session was a gem in its own right). The '60s didn't produce too much of lasting substance for the shouter -- he actually cut an album with longtime admirer Haley and his latest batch of Comets in Mexico City in 1966.

By the tail-end of the decade, Turner's essential contributions to blues history were beginning to receive proper recognition; he cut LPs for BluesWay and BluesTime. During the '70s and '80s, Turner recorded prolifically for Norman Granz's jazz-oriented Pablo label. These were super-relaxed impromptu sessions that often paired the allegedly illiterate shouter with various jazz luminaries in what amounted to loosely run jam sessions. Turner contentedly roared the familiar lyrics of one or another of his hits, then sat back while somebody took a lengthy solo. Other notable album projects included a 1983 collaboration with Roomful of Blues, Blues Train, for Muse. Although health problems and the size of his humongous frame forced him to sit down during his latter-day performances, Turner continued to tour until shortly before his death in 1985. They called him the Boss of the Blues, and the appellation was truly a fitting one: when Turner shouted a lyric, you were definitely at his beck and call.
https://www.allmusic.com/artist/big-joe-turner-mn0000060726/biography

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Biografía
por Matt Collar
Big Joe Turner, una figura monumental de la música estadounidense, fue el principal cantante de blues de la época de posguerra, con una voz rugiente y un estilo duro que prefiguró el rock & roll. Turner empezó a actuar a finales de los años 20 como cantante de Bennie Moten, Count Basie y otros. Durante las dos décadas siguientes, ayudó a definir los estilos boogie-woogie, R&B y jump-blues, junto a músicos como Louis Jordan, Wynonie Harris y Roy Brown. A principios de los años 50, estableció la plantilla del rock & roll con éxitos como "Chains of Love", "Honey Hush" y el emblemático "Shake, Rattle & Roll". Su estilo ejerció una enorme influencia en la primera generación de artistas de rock & roll (muchos de los cuales versionaron las canciones que Turner hizo famosas). Turner continuó actuando hasta bien entrada la década de los 70, habiendo consolidado su estatus de leyenda en el momento de su fallecimiento en 1985.

Nacido como Joseph Vernon Turner, Jr. en 1911 en Kansas City, Missouri, Turner era un producto de la escena de jazz y blues de su ciudad natal. Dotado de una gran voz y una gran estatura (de ahí su apodo), Turner parecía lo suficientemente maduro en su adolescencia como para entrar en varios clubes nocturnos de Kansas City. Acabó atendiendo el bar y cantando blues al mismo tiempo, antes de unirse al maestro del piano boogie Pete Johnson a principios de los años 30. La suya fue una asociación que perduró durante 13 años.

La pareja viajó inicialmente a Nueva York a instancias de John Hammond en 1936. El 23 de diciembre de 1938, aparecieron en el legendario concierto Spirituals to Swing en el Carnegie Hall, junto a Big Bill Broonzy, Sonny Terry, el Golden Gate Quartet y Count Basie. Turner y Johnson interpretaron "Low Down Dog" y "It's All Right, Baby" en ese histórico espectáculo, iniciando una locura por el boogie-woogie que les valió un espacio de larga duración en el Cafe Society (junto con los gigantes del piano Meade "Lux" Lewis y Albert Ammons).

A finales de 1938, Turner y Johnson grabaron para Vocalion la estruendosa "Roll 'Em Pete". Se trata de un emocionante número uptempo anclado por los estruendosos 88s de Johnson, y Turner lo volvería a grabar muchas veces a lo largo de las décadas. Turner y Johnson grabaron su blues seminal "Cherry Red" al año siguiente para Vocalion con el trompetista Hot Lips Page y un combo completo de apoyo. En 1940, el enorme gritón se pasó a Decca y grabó "Piney Brown Blues" con Johnson tocando los marfiles. Pero no todos los temas de Turner en Decca se hicieron con Johnson; Willie "The Lion" Smith le acompañó en el lúgubre "Careless Love", mientras que el Freddie Slack's Trio le acompañó en "Rocks in My Bed" en 1941.

Turner se aventuró en la Costa Oeste durante los años de la guerra, y consiguió un buen número de seguidores mientras estaba instalado en el circuito de Los Ángeles. En 1945, firmó con National Records y grabó algunas pequeñas placas de combo bajo la supervisión de Herb Abramson. Turner permaneció con National hasta 1947, cantando un exuberante "My Gal's a Jockey" que se convirtió en su primer éxito nacional de R&B. Los contratos no le impidieron grabar un tema increíblemente atrevido en dos partes, "Around the Clock", para el sello Stag (como Big Vernon) en 1947. También hubo sólidas sesiones para Aladdin ese año, que incluyeron un salvaje duelo vocal con uno de los principales rivales de Turner, Wynonie Harris, en el desgarrador bipartito "Battle of the Blues".

La mayoría de los sellos discográficos independientes de la Costa Oeste a finales de los años 40 contaban con al menos uno o dos títulos de Turner en sus catálogos. El cantante pasó de RPM a Down Beat/Swing Time, a MGM (todas esas fechas estaban ancladas por el piano de Johnson), a Freedom, con sede en Texas (que trasladó algunos de sus discos a Specialty), a Imperial en 1950 (su equipo de apoyo de Nueva Orleans incluía a un joven Fats Domino al piano). Pero aparte del Freedom 78 de 1950 "Still in the Dark", ninguno de los discos de Turner se vendía especialmente bien. Cuando los jefes de Atlantic Records, Abramson y Ahmet Ertegun, se pasaron un día por el Apollo Theater para ver a la banda de Count Basie, descubrieron que Turner había sustituido temporalmente a Jimmy Rushing como líder de la banda de Basie, y que lo estaba pasando mal. Atlantic le levantó el ánimo al firmar su contrato de grabación, y el apogeo de Turner estaba a punto de comenzar.

En la primera cita de Turner con Atlantic, en abril de 1951, ofreció una magnífica lectura de la conmovedora balada de blues "Chains of Love" (coescrita por Ertegun y el pianista Harry Van Walls) que le devolvió a los primeros puestos de las listas de R&B. A partir de ahí, los éxitos se sucedieron: "Chill Is On", "Sweet Sixteen" (sí, el mismo blues deprimente con el que se suele asociar a B.B. King; Turner lo hizo primero), y "Don't You Cry" se hicieron en Nueva York, y todos triunfaron.

Turner no tuvo ningún problema en adaptar sus prodigiosas gaitas a cualquier entorno regional en el que se encontrara. En 1953, grabó en Nueva Orleans su primer éxito en las listas de R&B, el asombroso tema rockero "Honey Hush" (que más tarde fue versionado por Johnny Burnette y Jerry Lee Lewis), con el trombonista Pluma Davis y el saxo tenor Lee Allen como apoyo. Antes de que terminara el año, se detuvo en Chicago para grabar con el combo del guitarrista de slide Elmore James, considerablemente más duro, y golpeó de nuevo con la salaz "T.V. Mama".

El prolífico guionista de Atlantic Jesse Stone fue la fuente del mayor éxito de Turner, "Shake, Rattle and Roll", que fue su segundo éxito en las listas de éxitos de 1954. Con la colaboración de los cerebros de Atlantic en el estribillo tras la estruendosa voz principal de Turner, la canción tenía suficientes posibilidades pop como para merecer una versión considerablemente mejorada de Bill Haley & the Comets (y una versión posterior de Elvis Presley que se acercaba mucho más a la intención lasciva del original).

De repente, a los 43 años, Turner era una estrella del rock. Sus siguientes canciones - "Well All Right", "Flip Flop and Fly", "Hide and Seek", "Morning, Noon and Night", "The Chicken and the Hawk"- explotaron el mismo ritmo de buen tiempo que "Shake, Rattle and Roll", con el apoyo de los mejores ases de la sesión de Nueva York y una producción magnífica de Ertegun y Jerry Wexler.

Turner apareció en un par de episodios del innovador programa de televisión Showtime at the Apollo a mediados de los 50, dominando el escenario con una alegre interpretación de "Shake, Rattle and Roll" al frente de la banda del saxofonista Paul "Hucklebuck" Williams. Tampoco la pantalla de cine fue inmune a sus considerables encantos: Turner hizo la mímica de un par de números en la película de 1957 Shake Rattle & Rock (Fats Domino y Mike "Mannix" Connors también protagonizaron la película).

La actualización del número de preguerra "Corrine Corrina" fue una idea inspirada que proporcionó a Turner otro éxito de ventas en 1956. Pero después del éxito de dos caras "Rock a While"/"Lipstick Powder and Paint" de ese mismo año, su producción en Atlantic perdió rápidamente la aceptación comercial. La estrategia de grabación de Atlantic consistió en grabar a Turner en un entorno más jazzístico para el mercado de los álbumes orientados a los adultos; para ello, en 1956 se grabó un conjunto al estilo de Kansas City (con su antiguo compañero Johnson al piano) que sigue siendo uno de los pilares de su legado.

Turner permaneció en Atlantic hasta 1959, pero nadie compró su remake de "Chains of Love", enriquecido con violín (por otro lado, un revival de "Honey Hush" con King Curtis soplando un abrasador corte de saxo de la misma sesión fue una joya por derecho propio). Los años 60 no produjeron demasiada sustancia duradera para el gritón; de hecho, grabó un álbum con su admirador de siempre, Haley, y su última hornada de Comets en Ciudad de México en 1966.

A finales de la década, las contribuciones esenciales de Turner a la historia del blues empezaron a recibir el reconocimiento adecuado; grabó LPs para BluesWay y BluesTime. Durante los años 70 y 80, Turner grabó prolíficamente para el sello Pablo, orientado al jazz, de Norman Granz. Se trataba de sesiones improvisadas muy relajadas que a menudo emparejaban al supuestamente analfabeto gritón con varias luminarias del jazz en lo que equivalía a sesiones de improvisación sin rumbo fijo. Turner rugía alegremente las conocidas letras de uno u otro de sus éxitos y luego se sentaba mientras alguien hacía un largo solo. Otros proyectos discográficos notables fueron una colaboración en 1983 con Roomful of Blues, Blues Train, para Muse. Aunque los problemas de salud y el tamaño de su enorme cuerpo le obligaron a sentarse durante sus últimas actuaciones, Turner siguió de gira hasta poco antes de su muerte en 1985. Le llamaban el Jefe del Blues, y el apelativo era realmente acertado: cuando Turner gritaba una letra, estabas definitivamente a su disposición.
https://www.allmusic.com/artist/big-joe-turner-mn0000060726/biography


Calvin Keys • Shawn-Neeq

 



Review
by Thom Jurek  
Guitarist Calvin Keys' Shawn-Neeq is his 1971 leader debut for the Black Jazz label that began doing business that very year. Keys established himself in the early '60s with saxmen Eddie "Cleanhead" Vinson and Preston Love. His hard-grooving blues and bop chops landed him first-call gigs with the primary soul-jazz organists of the era, too. He worked with Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Brother Jack McDuff, and Richard "Groove" Holmes. Shawn-Neeq appeared during the same calendar year as two other future classics from Black Jazz: Doug Carn's Infant Eyes and Walter Bishop, Jr.'s Coral Keys. Label boss Gene Russell gave the guitarist the freedom to hire his own sidemen. Rather than choose an organist as an accompanist, he hired a rhythm section composed of pianist Larry Nash (L.A. Express), bassist Lawrence Evans, and drummer Bob Braye. Flutist/bass clarinetist Owen Marshall appears on several cuts as well.

Keys composed three of the set's five middle-length tracks. Marshall's "B.E.," however, opens the set. He twins a modal, droning, bass clarinet with rolling drums and a rumbling bassline to introduce Keys, who cuts loose from the jump with biting single-string lines as he and Marshall introduce an infectious yet sinister-sounding vamp. A pulsing bassline undergirds Nash's Rhodes, comping with meaty chords as Keys executes fleet, mean, nasty blues and funk lines before Marshall's squalling bass clarinet solo; the guitarist responds with chunky, exploratory chords. Nash extrapolates, but stays in the pocket as Braye breaks all over the place in double time. It is not only a set highlight, but a high-water mark in Keys' career. "Criss Cross" (no relation to the Thelonious Monk tune) is a driving hard bop jam, with a long, knotty, soulful solo from Keys. A tasty chromatic break from Nash follows as the pair's bandmates shout their approval. The title track is a gorgeous midtempo ballad that seamlessly melds soul, pop, pillowy psychedelia, impressionistic modal music, and even easy listening. The interplay between Keys, Nash, and Marshall is canny: it's songlike and spacious. "Gee Gee'' is introduced by Evans' groove-centric upright. When the band emerges with the riff, it comes straight from the Ramsey Lewis Trio's reading of the spiritual "Wade in the Water," but moves farther afield toward spiraling hard bop à la Horace Silver. Keys' solo is almost pointillistic with its edgy asides, and his tough chord voicings are so expansive, they provide a natural foundation for Marshall's funky flute break. Closer "B.K." melds the open-ended electric groove jazz of Miles Davis (Tribute to Jack Johnson was also released in 1971), mutant soul-jazz, and edgy Sly Stone-esque funk. At over nine-plus minutes, the band comps behind Keys as he goes on winding, greasy, bluesy, harmonic adventures without once forgetting where the pocket is. Half-a-century after Shawn-Neeq's initial release, it remains a primary example of '70s jazz-funk at its most creative and fierce.
https://www.allmusic.com/album/shawn-neeq-mw0000744883

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Reseña
por Thom Jurek  
Shawn-Neeq del guitarrista Calvin Keys es su debut como líder en 1971 para el sello Black Jazz que empezó a operar ese mismo año. Keys se estableció a principios de los 60 con los saxofonistas Eddie "Cleanhead" Vinson y Preston Love. Sus dotes para el blues y el bop le valieron ser el primero en tocar con los principales organistas de soul-jazz de la época. Trabajó con Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Brother Jack McDuff y Richard "Groove" Holmes. Shawn-Neeq apareció durante el mismo año natural que otros dos futuros clásicos del Black Jazz: Doug Carn's Infant Eyes y Walter Bishop, Jr.'s Coral Keys. El jefe del sello, Gene Russell, dio libertad al guitarrista para contratar a sus propios acompañantes. En lugar de elegir a un organista como acompañante, contrató a una sección rítmica compuesta por el pianista Larry Nash (L.A. Express), el bajista Lawrence Evans y el batería Bob Braye. El flautista/clarinetista bajo Owen Marshall también aparece en varios cortes.
Keys compuso tres de los cinco temas intermedios del álbum. Sin embargo, "B.E." de Marshall abre el conjunto. Enlaza un clarinete bajo modal y zumbón con una batería ondulante y una línea de bajo retumbante para presentar a Keys, que se suelta desde el salto con mordaces líneas de una sola cuerda mientras él y Marshall introducen un vamp contagioso aunque siniestro sonido. Una línea de bajo palpitante subyace al Rhodes de Nash, que compone con acordes carnosos mientras Keys ejecuta líneas de blues y funk veloces, malvadas y desagradables, antes del chirriante solo de clarinete bajo de Marshall; el guitarrista responde con acordes gruesos y exploratorios. Nash extrapola, pero se mantiene en el bolsillo mientras Braye rompe por todas partes a doble tiempo. No es sólo uno de los mejores momentos de la actuación, sino un hito en la carrera de Keys. "Criss Cross" (sin relación con la melodía de Thelonious Monk) es una jam de hard bop, con un largo, nudoso y conmovedor solo de Keys. Le sigue una sabrosa pausa cromática de Nash mientras sus compañeros de banda gritan su aprobación. La canción que da título al disco es una preciosa balada a medio tiempo que fusiona a la perfección soul, pop, psicodelia, música modal impresionista e incluso easy listening. La interacción entre Keys, Nash y Marshall es astuta, canora y espaciosa. Gee Gee" es introducida por el groove de Evans. Cuando la banda emerge con el riff, viene directamente de la lectura del Ramsey Lewis Trio del espiritual "Wade in the Water", pero se mueve más lejos hacia el hard bop en espiral à la Horace Silver. El solo de Keys es casi puntillista con sus asideros afilados, y sus duros voicings de acordes son tan expansivos, que proporcionan una base natural para el funky break de flauta de Marshall. El final, "B.K.", fusiona el groove jazz eléctrico de Miles Davis (Tribute to Jack Johnson también se publicó en 1971), el soul-jazz mutante y el funk afilado a lo Sly Stone. Con más de nueve minutos de duración, la banda acompaña a Keys en sus sinuosas, grasientas, bluesy y armónicas aventuras sin olvidar ni una sola vez dónde está el bolsillo. Medio siglo después del lanzamiento inicial de Shawn-Neeq, sigue siendo un ejemplo primario del jazz-funk de los 70 en su forma más creativa y feroz.
https://www.allmusic.com/album/shawn-neeq-mw0000744883


www.calvinkeysjazz.com ...


The Johnny Staccato Band • Girls! Girls! Girls! The Best Of Burlesque & Striptease Music

 

 

 

Mike Mainieri • Northern Lights

 


Primarily recognized as an award-winning, jazz vibraphonist, Mike Mainieri’s equally remarkable talents as producer, arranger, and composer have contributed to shaping the cutting-edge in music. Throughout his fruitful career—now spanning almost five decades—Mike has collaborated with the world’s most formidable jazz player’s produced numerous albums, and discovered a host of innovative, young talent.

Raised in a family of performers and musicians, Mike’s training began early. At the age of 14, his own jazz trio was touring with the PAUL WHITEMAN ORCHESTRA, and by 17 he was playing and arranging for Buddy Rich’s sextet- -a tenure which continued up until 1962. During this period, he also played with such legendary artists as Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins and Wes Montgomery, and at the age of 18 he won the International Jazz Critic’s Award.

As a solo artist, Mike has created and contributed to countless, visionary artistic endeavors. In 1962, he joined the ground-breaking jazz/rock group JEREMY & THE SATYRS led by flutist Jeremy Steig. Along with Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery, and Eddie Gomez, THE SATYRS jammed at New York’s Club Go Go, and performed with such monumental figures as Frank Zappa, Richie Havens and Jimi Hendrix. During the late 60’s, this small circle of performers grew into what became known as the WHITE ELEPHANT ORCHESTRA, a 20-piece, all- star, experimental ensemble. The group featured George Young, Frank Vacari, Michael Brecker, and Ronny Cuber —saxes; Jon Faddis, Lew Soloff, and Randy Brecker—trumpets; Barry Rogers, Jon Pierson—trombones; as well as, Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza, and Hugh McCraken in the rhythm section. Under Mike’s direction, this jazz/rock big band evolved into a laboratory for experimentation with various musical forms, ideas, and philosophies. From 1969-1972, the WHITE ELEPHANT clan of New York’s finest musicians jammed, and recorded at studios throughout the city, and its energy spawned many musical directions for the decades to follow, including DREAMS, ARS NOVA, BRECKER BROTHERS, L’IMAGES, etc.

During the late 70’s, Mike founded the pioneering jazz/ fusion groups STEPS AHEAD, which included previous cohorts Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd and Don Grolnick. Delving into contemporary sounds while maintaining experimentation and compositional integrity, STEPS AHEAD was, and is, a launching-pad for young talent and new musical ideas. STEPS Alumni include Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z., Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Daryl Jones, Mike Stern and Jimi Tunnel. Other noteworthy collaborations have included recordings with Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell, and Jim Hall, just to name a few.

As a composer, arranger, and performer, Mike has contributed to over 100 gold and platinum albums. An active participant in the rock and pop scenes, he’s worked with Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Staits, and Bonnie Raitt. He’s Produced albums for George Benson and Andy Summers, and STEPS AHEAD Alumni, Norweigan saxophonist Bendik, and pianist Rachel Z.

In 1992, Mike brought to bear his vast experience with the creation of NYC RECORDS. An extension of himself, the independent label is a vehicle for exposing new ideas grounded in the jazz idiom. With the hip, fresh sounds of Zachary Breaux and Rachel Z; saxophonists George Garzone and Myron Walden; the eclectic, musical cacophony of Philip DeGruy's solo guitar; and Mike’s own projects Mike Mainieri, AN AMERICAN DIARY series—featuring Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez, and Peter Erskine—and the ever evolving STEPS AHEAD group.
https://musicians.allaboutjazz.com/mikemainieri

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Principalmente reconocido como un vibrafonista de jazz ganador de premios, los talentos igualmente notables de Mike Mainieri como productor, arreglista y compositor han contribuido a dar forma a la vanguardia de la música. A lo largo de su fructífera carrera -que ahora abarca casi cinco décadas-, Mike ha colaborado con el músico de jazz más formidable del mundo en la producción de numerosos álbumes, y ha descubierto un sinfín de talentos jóvenes e innovadores.

Criado en una familia de intérpretes y músicos, el entrenamiento de Mike comenzó temprano. A la edad de 14 años, su propio trío de jazz estaba de gira con la PAUL WHITEMAN ORCHESTRA, y a los 17 años tocaba y arreglaba para el sexteto de Buddy Rich, un cargo que duró hasta 1962. Durante este período, también tocó con artistas legendarios como Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins y Wes Montgomery, y a la edad de 18 años ganó el Premio Internacional de la Crítica de Jazz.

Como solista, Mike ha creado y contribuido a innumerables y visionarios esfuerzos artísticos. En 1962, se unió al innovador grupo de jazz/rock JEREMY & THE SATYRS dirigido por el flautista Jeremy Steig. Junto con Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery y Eddie Gómez, THE SATYRS tocaron en el Club Go Go Go de Nueva York, y actuaron con figuras tan monumentales como Frank Zappa, Richie Havens y Jimi Hendrix. A finales de los años 60, este pequeño círculo de intérpretes se convirtió en lo que se conoció como la WHITE ELEPHANT ORCHESTRA, un conjunto experimental de 20 piezas y estrellas. El grupo incluyó a George Young, Frank Vacari, Michael Brecker y Ronny Cuber -saxes; Jon Faddis, Lew Soloff y Randy Brecker-trumpets; Barry Rogers, Jon Pierson-trombones; así como, Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza y Hugh McCraken en la sección de ritmo. Bajo la dirección de Mike, esta big band de jazz/rock se convirtió en un laboratorio para la experimentación con varias formas musicales, ideas y filosofías. De 1969 a 1972, el clan WHITE ELEPHANT de los mejores músicos de Nueva York tocó y grabó en estudios de toda la ciudad, y su energía generó muchas direcciones musicales durante las décadas siguientes, incluyendo DREAMS, ARS NOVA, BRECKER BROTHERS, L'IMAGES, etc.

A finales de los años 70, Mike fundó los grupos pioneros de jazz/fusión STEPS AHEAD, entre los que se encontraban las cohortes anteriores Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd y Don Grolnick. Sumergiéndose en sonidos contemporáneos mientras mantiene la experimentación y la integridad compositiva, STEPS AHEAD fue, y es, una plataforma de lanzamiento para jóvenes talentos y nuevas ideas musicales. Los alumnos de STEPS incluyen a Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z., Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Daryl Jones, Mike Stern y Jimi Tunnel. Otras colaboraciones notables han incluido grabaciones con Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell y Jim Hall, entre otros.

Como compositor, arreglista e intérprete, Mike ha contribuido con más de 100 discos de oro y platino. Un participante activo en las escenas de rock y pop, ha trabajado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Staits y Bonnie Raitt. Ha producido álbumes para George Benson y Andy Summers, y STEPS AHEAD Alumni, el saxofonista Norweigan Bendik, y la pianista Rachel Z.

En 1992, Mike aportó su vasta experiencia en la creación de NYC RECORDS. Una extensión de sí mismo, el sello independiente es un vehículo para exponer nuevas ideas basadas en el lenguaje del jazz. Con los sonidos frescos y modernos de Zachary Breaux y Rachel Z; los saxofonistas George Garzone y Myron Walden; la ecléctica y musical cacofonía de la guitarra solista de Philip DeGruy; y los propios proyectos de Mike Mike Mainieri, la serie AN AMERICAN DIARY (Un Diario Americano), con Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez y Peter Erskine, y el siempre en evolución grupo STEPS AHEAD.
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facebook.com/mikemainieri ...

 

 


Mike LeDonne • It's All Your Fault

 


mikeledonne.net ...


 


Wayne Boyd • New Orleans Sessions

 


Guitarrista nacido en Greenville, NC, pero vivió en New Haven casi toda su vida.
Después de que McGriff lo viera en un club, Boyd se unió a la banda del organista, realizó giras y tocó en discos de estudio con él durante más de 25 años.
Fue un gran guitarrista de blues y jazz de bajo perfil.
Falleció en diciembre de 2004.
Fuente completa: https://www.nhregister.com/news/article/Guitar-great-Wayne-Boyd-loses-battle-with-cancer-11667730.php

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Guitarist born in Greenville, NC, but lived in New Haven most of his life.
After McGriff saw him in a club, Boyd joined the organist's band, toured and played on studio albums with him for over 25 years.
He was a great low key blues and jazz guitarist.
He passed away in December 2004.
Full source: https://www.nhregister.com/news/article/Guitar-great-Wayne-Boyd-loses-battle-with-cancer-11667730.php


Scott Hamilton • My Romance



Biography:
Scott Hamilton was born in 1954, in Providence, Rhode Island. During his early childhood he heard a lot of jazz through his father’s extensive record collection, and became acquainted with the jazz greats. He tried out several instruments, including drums at about the age of five, piano at six and mouth-organ. He had some clarinet lessons when he was about eight years of age, but that was the only formal music tuition he has ever had. Even at that age he was attracted to the sound of Johnny Hodges, but it was not until he was about sixteen that he started playing the saxophone seriously. From his playing mainly blues on mouth organ, his little band gradually became more of a jazz band.
He moved to New York in 1976 at the age of twenty-two, and through Roy Eldridge, with whom he had played a year previously in Boston, got a six-week gig at Michael’s Pub. Roy also paved the way for him to work with Anita O’Day and Hank Jones. Although it was the tail-end of the of old New York scene, a lot of the greats were still playing and he got to work and learn from people like Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson and Jo Jones. Eldridge was Scott’s champion, but pulled no punches, and could be extremely critical, something for which Scott has always been grateful. In December of the same year John Bunch got Scott his first recording date, for Famous Door, and was also responsible for him joining Benny Goodman. He continued to work with Goodman at different times until the early 1980s.
In 1977 he formed his own quartet, which later became a quintet, with Bunch added to the group. The same year Carl Jefferson heard him, and began recording him for his Concord record label. More than forty albums later he is still recording for them, having made many under his own leadership, several with his regular British quartet of John Pearce, Dave Green and Steve Brown, including his latest, Nocturnes & Serenades. The Quartet plus two guests, Dave Cliff and Mark Nightingale recorded Our Delight! for Alan Barnes’ Woodville label. A new release, Across the Tracks on Concorde is due this May. Along the way he has made albums with Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, many with Rosemary Clooney and a number with another of his mentors, Ruby Braff, with whom he played residencies at the Pizza Express Jazz Club, London in the mid-1980s. Over the years Scott has also performed and recorded with such touring bands as the Concord Jazz All Stars, the Concord Super Band and George Wein’s Newport Jazz Festival All Stars.
For some years he was based in London, where he first played in 1978, but now travels the world from Italy. Each year, in addition to two or three residencies with the quartet at the Pizza Express Jazz Club, British jazz club dates and festival work including Brecon, where he is one of the patrons, he regularly tours Germany, the Netherlands, Scandinavia, Japan, Spain and Italy. He returns to America three or four times a year to play at festivals, including in 2007, the New York JVC festival in June and Irvine, California in September, and in February 2008 for three nights at the Lincoln Centre New York.
His playing has best been described by fellow tenor saxophonist and writer, Dave Gelly: “Following a Scott Hamilton solo is like listening to a great conversationalist in full flow. First comes the voice, the inimitable, assured sound of his tenor saxophone, then the informal style and finally the amazing fluency and eloquent command of the jazz language.” Scott was awarded the ‘Ronnie’ for International Jazz Saxophonist of the Year in the 2007 inaugural Ronnie Scott’s Jazz Awards.  It is no wonder that Scott Hamilton is in demand the world over.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/

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Biografía:
Scott Hamilton nació en 1954, en Providence, Rhode Island. Durante su infancia escuchó mucho jazz a través de la extensa colección de discos de su padre, y se familiarizó con los grandes del jazz. Probó varios instrumentos, incluyendo la batería a la edad de cinco años, el piano a los seis años y la armónica. Tomó algunas clases de clarinete cuando tenía unos ocho años, pero fue la única clase de música formal que tuvo. Incluso a esa edad se sintió atraído por el sonido de Johnny Hodges, pero no fue hasta los dieciséis años cuando empezó a tocar el saxofón en serio. De tocar principalmente blues con armónica, su pequeña banda se convirtió gradualmente en una banda de jazz.
Se mudó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y a través de Roy Eldridge, con quien había tocado un año antes en Boston, consiguió un concierto de seis semanas en el Michael's Pub. Roy también le allanó el camino para trabajar con Anita O'Day y Hank Jones. Aunque era el final de la vieja escena neoyorquina, muchos de los grandes seguían tocando y él se puso a trabajar y a aprender de gente como Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson y Jo Jones. Eldridge era el campeón de Scott, pero no se andaba con rodeos y podía ser extremadamente crítico, algo por lo que Scott siempre ha estado agradecido. En diciembre del mismo año John Bunch le consiguió a Scott su primera fecha de grabación, para Famous Door, y también fue responsable de que se uniera a Benny Goodman. Continuó trabajando con Goodman en diferentes momentos hasta principios de los 80.
En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en quinteto, con Bunch añadido al grupo. Ese mismo año Carl Jefferson lo escuchó y comenzó a grabarlo para su sello discográfico Concord. Más de cuarenta álbumes después sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchos bajo su propia dirección, varios con su cuarteto británico habitual de John Pearce, Dave Green y Steve Brown, incluyendo su último, Nocturnos y Serenatas. El cuarteto más dos invitados, Dave Cliff y Mark Nightingale grabaron Our Delight! para el sello Woodville de Alan Barnes. Un nuevo lanzamiento, Across the Tracks en el Concorde, está previsto para este mayo. Por el camino ha hecho álbumes con Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, muchos con Rosemary Clooney y un número con otra de sus mentoras, Ruby Braff, con quien hizo residencias en el Pizza Express Jazz Club de Londres a mediados de los 80. A lo largo de los años, Scott también ha tocado y grabado con bandas de gira como la Concord Jazz All Stars, la Concord Super Band y la Newport Jazz Festival All Stars de George Wein.
Durante algunos años estuvo basado en Londres, donde tocó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo desde Italia. Cada año, además de dos o tres residencias con el cuarteto en el Pizza Express Jazz Club, fechas de clubes de jazz británicos y trabajos en festivales como el de Brecon, donde es uno de los patrocinadores, realiza giras regulares por Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia. Regresa a América tres o cuatro veces al año para tocar en festivales, entre ellos, en 2007, el festival JVC de Nueva York en junio e Irvine, California, en septiembre, y en febrero de 2008 durante tres noches en el Lincoln Centre de Nueva York.
Su forma de tocar ha sido mejor descrita por su compañero saxofonista tenor y escritor, Dave Gelly: "Seguir un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador a todo volumen. Primero viene la voz, el inimitable y seguro sonido de su saxo tenor, luego el estilo informal y finalmente la asombrosa fluidez y el dominio elocuente del lenguaje del jazz". Scott fue galardonado con el premio 'Ronnie' al Saxofonista Internacional de Jazz del Año en la edición inaugural de los Premios de Jazz Ronnie Scott de 2007.  No es de extrañar que Scott Hamilton sea solicitado en todo el mundo.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/


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Jazz Cigano • Quinteto

 

Thursday, December 26, 2024

Dexter Gordon Quintet • After Hours

 



Review
by Scott Yanow
Tenor-saxophonist Dexter Gordon, the fine trumpeter Rolf Ericson and a Danish rhythm section (pianist Lars Sjosten, bassist Sture Norin and drummer Per Hulten) are heard on four rather lengthy performances: "All the Things You Are," "Darn That Dream," an 18-minute "Straight No Chaser" and a previously unissued nearly 17-minute rendition of "I Remember You." Originating from a club appearance in Stockholm probably from 1964-65 (this CD lacks liner notes), the music is well-played if sometimes a bit long-winded.
https://www.allmusic.com/album/after-hours-mw0000230965

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Reseña
por Scott Yanow
El saxofonista tenor Dexter Gordon, el excelente trompetista Rolf Ericson y una sección rítmica danesa (el pianista Lars Sjosten, el bajista Sture Norin y el batería Per Hulten) suenan en cuatro interpretaciones bastante largas: "All the Things You Are", "Darn That Dream", un "Straight No Chaser" de 18 minutos y una versión inédita de casi 17 minutos de "I Remember You". La música, que procede de una actuación en un club de Estocolmo probablemente entre 1964 y 1965 (este CD carece de notas), está bien interpretada, aunque a veces resulta un poco larga.
https://www.allmusic.com/album/after-hours-mw0000230965


Miles Davis • Miles Davis In Europe

 


www.milesdavis.com ...


Jerry Bergonzi • Just Within

 



Tenor saxophonist, Jerry Bergonzi, is an internationally recognized jazz performer, composer, author and educator. His music is renowned for its innovation, mastery, and integrity. Relentless drive, inner fire, total command, awesome technique, elastic lyricism, rich resonance, world-class, a musical visionary, are among the rave reviews credited to his sound. Bergonzi's music has been applauded throughout the world at festivals, concert halls, and jazz venues and his dedication to jazz music has been well documented by an extensive discography.

Born in Boston, Massachusetts, Bergonzi became interested in music early on. He started playing clarinet when he was eight years old listening to Duke Ellington, Count Basie, and Lester Young. His uncle, who was a jazz musician and lived upstairs, used to write out solos for him to play. At twelve years old he got his first saxophone, an old Conn alto, and a year later when a friend introduced him to Miles, Coltrane, and Sonny Rollins, there was no turning back! At thirteen, Jerry was already playing gigs with a band called The Stardusters. During his high school years he switched to tenor, and in addition to weekly sessions with Berklee College students, Jerry also played in John LaPorta's youth band. He recalls, “It was a great experience, I learned so much, John would tell you like it was. He'd let you know what your shortcomings were, he would stop the band to tell you! “Bergonzi attended Lowell University but left after one year because he was continually being thrown out of the practice rooms for playing jazz. “If I had heard me practicing in one of those cubicles I might have thrown myself out!” he adds. He and fellow student, Charlie Banacos, used to begin their day in the practice rooms at 6:00 am. After a year at Berklee College, he returned to Lowell for financial reasons and graduated in 1971. He then played bass in local bands behind singers, strippers, and comedians, saving up enough money to move to New York City in 1972.

During 1972 and 1978 Bergonzi lived in New York City and experienced what he considers his real college education. There, where he had a third floor loft and friend and bass player, Rick Kilburn, lived on the first floor, was the scene of many sessions. “Often, there was one drummer, one bass player, and five saxophone players!” Bergonzi remembers. “Sometimes I was the drummer, each guy would tell a friend, everyone was hungry to play and it was great experience.” Joe Lovano, Steve Slagle, Billy Drewes, Paul Moen, Pat LaBarbera, Dave Liebman, John Scofield. Mike Brecker, Bob Berg, Tom Harrell, Steve Grossman, and Victor Lewis were a few of the many players who came to play.

During this time, Bergonzi gained worldwide recognition while performing with, Two Generations of Brubeck. The group, with Dave Brubeck and his kids, Darius, Chris, and Danny, also featuring Perry Robinson on clarinet and Mad Cat Ruth on harmonica, toured extensively from 1973 through 1975. Carnegie Hall, the Sydney Opera House, London's Royal Festival Hall and Alexander's Palace, Lincoln Center, and the Hollywood Bowl were among the many stages their music was applauded, as well as, at the JVC Newport, New York Kool, North Sea, Monterey, and Nice jazz festivals, to name a few.

Returning to Boston at the end of 1977, Bergonzi was gigging five nights a week at the many local venues including Michael's Pub, 1369 Jazz Club, Pooh's Pub, Ryles, and the Sunflower. “It was exactly what I needed at that point,” says Bergonzi, “making a statement on a tune in front of an audience is a lot different than playing a jam session”. It was during this period that the innovative group, Con Brio, formed. Including bassist Bruce Gertz, drummers Bob Kaufman and Jeff Williams, pianist Eric Gunnison, and guitarists Mike Stern and Mick Goodrick, the group has played on throughout the years in various incarnations. At that time they recorded six records for their own independent label called Not Fat Records. These recordings featured Bergonzi's talent as a composer. Today he has almost one hundred tunes recorded and registered with ASCAP, his most recent compositions are available in a book and play-along published by Jamey Aebersold and five of his tunes can be found in the pages of Chuck Sher's All-Jazz Real Books. During these years, Bergonzi also played with the dynamic trio called, Gonz, including Gertz and Bob Gullotti on drums. Gonz sometimes became Gargonz when they added the talents of another Boston based saxophonist, George Garzone, as well as, bassist John Lockwood of The Fringe.

While in the midst of the Boston jazz scene, Jerry received a call from Dave Brubeck asking if he'd again like to join his group in a quartet setting. From 1979 until 1981, Jerry toured the world with the Dave Brubeck Quartet. On the road for about 200 days a year, the group recorded Back Home, Tritonis, and Paper Moon for Concord Records between stops.

Bergonzi also began his career as an educator in the early 80's. He established his private practice teaching all instruments how to improvise and during those years developed the systems described in his series entitled Inside Improvisation. In this six volume series published by Advance Music, Bergonzi offers a tangible pathway to inside the creative imagination by getting inside the harmony, inside the changes. Today, he is a world renowned educator, a full time professor at New England Conservatory, Bergonzi travels throughout the United States and Europe as a clinician and performer. Some of the many places he has taught include; master classes at Berklee College of Music, North Texas State University, Eastman College, the Paris Conservatory, the Manheim Jazz School, Taller de Musicos in Madrid, S.A.C.A.E. in Adelaide, Australia , and jazz conservatories in Pitea and Haperanda, Sweden, and Oulunkyla, Finland, to name a few.

The mid to late 80's brought some changes to Bergonzi's career as work in Boston slowed while work abroad became more plentiful. So too, did the recording industry begin to change. Bergonzi's acclaimed quartet release for Blue Note Records, called Standard Gonz, was among the first of his extensive discography. He later again recorded for Blue Note with pianist Joey Calderazzo on, To Know One and In The Door. While keeping his ties with the many musicians of the Boston and New York jazz scenes, Bergonzi also developed associations abroad yielding many musical collaborations.

The Italian label, Red Records, was Bergonzi's greatest supporter. “Red Records was the first label that really believed in my music.” says Jerry. They released four CD's with Bergonzi as the leader, including, Lineage, a live recording featuring Mulgrew Miller, Dave Santoro, and Adam Nussbaum. Jerry later played with the Red Record all-stars including Kenny Barron, and Bobby Watson, as well as on a number of other Red releases with Salvatore Tranchini, Fred Hersch, and Alex Riel. He has also performed and recorded with the George Gruntz Big Band, the Gil Evans Orchestra (Miles Davis in Montreaux), and 12 Jazz Visits in Copenhagan for Stunt Records. The Riel Deal, on Stunt, featured drummer Alex Riel, Kenny Werner and Jesper Lundgaard, and was awarded a Grammy in Denmark for best jazz recording in 1997. An association with Daniel Humair and the late J.F.Jenny Clark yielded a number of recordings for the French, Label Bleu. One of which was Bergonzi's CD, Global Summit, it featured Tiger Okoshi, Joachim Kuhn, Daniel Humair and Dave Santoro. This was the product of one of three National Endowments awarded Bergonzi. Another project with pianist Kuhn won the accolade Best Jazz Album in France 1992. Among the many other artists that Bergonzi has performed and recorded with are; John Abercrombie, Nando Michelin, Antonio Farao, Bill Evans (with the National Jazz Ensemble), Joe D'Orio, Eddie Gomez, Miroslaz Vitous, George Mraz, Billy Hart, Andy Laverne, Steve Swallow, Hal Galper, Roy Haynes, Charlie Mariano, Bob Cranshaw, Ray Drummond, Billy Drummond, Danny Richmond, Danny Gottlieb, Dave Holland, Jack DeJonette, Paul Desmond, Bennie Wallace, Gerry Mulligan, Hal Crook, Herb Pomeroy, Mike Manieri, Mark Johnson, Michel Portal, Marcel Solal, Pat Martino, Franco Ambrosetti, and many more.

The Double-Time Records label has released most of Bergonzi's recent work. Just Within, Lost in the Shuffle, Wiggy, and A Different Look, were recorded by Bergonzi's burning organ trio, with Dan Wall and Adam Nussbaum. Also on Double-Time, The Dave Santoro Standard recordings feature Bergonzi's swinging tenor along with drummer Tom Melito and pianists Bruce Barth and Renato Chicco. As a band leader, Bergonzi has performed worldwide at the Red Sea, San Remo, Moomba, and North Sea Jazz festivals, to name a few. He has appeared at the World Saxophone Congress in Montreal, Canada and Valencia, Spain with fellow saxophonist Philippe Geiss. Bergonzi's performance at the Subway in Cologne has been featured on the German TV series, Round Midnight. His quartet performs at Duc de Lombarde in Paris, the Fasching in Stockholm, the Jazz House in Copenhagan, and the Bird's Eye in Basel, and many others.

Today, Bergonzi makes his home in Boston area with his wife and two children. He continues to teach and perform worldwide. He endorses Selmer Saxophones, Rico Reeds and Zildjian Cymbals.
https://musicians.allaboutjazz.com/jerrybergonzi

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El saxofonista tenor Jerry Bergonzi es un intérprete de jazz, compositor, autor y educador reconocido internacionalmente. Su música es reconocida por su innovación, maestría e integridad. Impulso implacable, fuego interior, dominio total, técnica asombrosa, lirismo elástico, rica resonancia, clase mundial, un visionario musical, son algunas de las críticas elogiosas acreditadas a su sonido. La música de Bergonzi ha sido aplaudida en todo el mundo en festivales, salas de conciertos y locales de jazz, y su dedicación a la música de jazz ha quedado bien documentada por una extensa discografía.

Nacido en Boston, Massachusetts, Bergonzi se interesó por la música desde muy pronto. Empezó a tocar el clarinete a los ocho años escuchando a Duke Ellington, Count Basie y Lester Young. Su tío, que era músico de jazz y vivía en el piso de arriba, solía escribirle solos para que los tocara. A los doce años consiguió su primer saxofón, un viejo Conn alto, y un año más tarde, cuando un amigo le presentó a Miles, Coltrane y Sonny Rollins, ya no había vuelta atrás. A los trece años, Jerry ya tocaba en conciertos con una banda llamada The Stardusters. Durante sus años de instituto, se pasó al tenor y, además de las sesiones semanales con estudiantes del Berklee College, Jerry también tocó en la banda juvenil de John LaPorta. Recuerda: "Fue una gran experiencia, aprendí mucho, John te decía las cosas como eran. Te hacía saber cuáles eran tus defectos, ¡paraba la banda para decírtelo! " Bergonzi asistió a la Universidad de Lowell, pero lo dejó después de un año porque le echaban continuamente de las salas de ensayo por tocar jazz. "¡Si me hubieran oído practicar en uno de esos cubículos, me habría echado a mí mismo!", añade. Él y su compañero de estudios, Charlie Banacos, solían empezar su jornada en las salas de ensayo a las 6:00 de la mañana. Tras un año en el Berklee College, regresó a Lowell por motivos económicos y se graduó en 1971. A continuación, tocó el bajo en bandas locales detrás de cantantes, strippers y comediantes, ahorrando suficiente dinero para mudarse a Nueva York en 1972.

Durante 1972 y 1978 Bergonzi vivió en Nueva York y experimentó lo que él considera su verdadera educación universitaria. Allí, donde tenía un loft en el tercer piso y su amigo y bajista, Rick Kilburn, vivía en el primero, fue el escenario de muchas sesiones. "A menudo, había un batería, un bajista y ¡cinco saxofonistas!". recuerda Bergonzi. "A veces yo era el baterista, cada tipo le decía a un amigo, todos tenían hambre de tocar y era una gran experiencia". Joe Lovano, Steve Slagle, Billy Drewes, Paul Moen, Pat LaBarbera, Dave Liebman, John Scofield. Mike Brecker, Bob Berg, Tom Harrell, Steve Grossman y Victor Lewis fueron algunos de los muchos músicos que vinieron a tocar.

Durante esta época, Bergonzi obtuvo el reconocimiento mundial mientras actuaba con Two Generations of Brubeck. El grupo, con Dave Brubeck y sus hijos, Darius, Chris y Danny, y con Perry Robinson al clarinete y Mad Cat Ruth a la armónica, realizó numerosas giras entre 1973 y 1975. El Carnegie Hall, la Ópera de Sydney, el Royal Festival Hall y el Alexander's Palace de Londres, el Lincoln Center y el Hollywood Bowl fueron algunos de los muchos escenarios en los que su música fue aplaudida, así como en los festivales de jazz JVC Newport, New York Kool, North Sea, Monterey y Niza, por nombrar algunos.

Al regresar a Boston a finales de 1977, Bergonzi actuaba cinco noches a la semana en los numerosos locales, como el Michael's Pub, el 1369 Jazz Club, el Pooh's Pub, el Ryles y el Sunflower. "Era exactamente lo que necesitaba en ese momento", dice Bergonzi, "hacer una declaración sobre una melodía delante de un público es muy diferente a tocar en una jam session". Fue durante este periodo cuando se formó el innovador grupo Con Brio. Formado por el bajista Bruce Gertz, los baterías Bob Kaufman y Jeff Williams, el pianista Eric Gunnison y los guitarristas Mike Stern y Mick Goodrick, el grupo ha seguido tocando a lo largo de los años en diversas encarnaciones. En esa época grabaron seis discos para su propio sello independiente llamado Not Fat Records. Estas grabaciones pusieron de manifiesto el talento de Bergonzi como compositor. Hoy en día tiene casi cien temas grabados y registrados en ASCAP, sus composiciones más recientes están disponibles en un libro y play-along publicado por Jamey Aebersold y cinco de sus temas se pueden encontrar en las páginas de All-Jazz Real Books de Chuck Sher. Durante estos años, Bergonzi también tocó con el dinámico trío llamado, Gonz, incluyendo a Gertz y Bob Gullotti en la batería. Gonz se convirtió a veces en Gargonz cuando añadieron el talento de otro saxofonista de Boston, George Garzone, así como, el bajista John Lockwood de The Fringe.

Mientras estaba en medio de la escena del jazz de Boston, Jerry recibió una llamada de Dave Brubeck preguntándole si le gustaría volver a unirse a su grupo en forma de cuarteto. Desde 1979 hasta 1981, Jerry recorrió el mundo con el Dave Brubeck Quartet. En la carretera durante unos 200 días al año, el grupo grabó Back Home, Tritonis y Paper Moon para Concord Records entre parada y parada.

Bergonzi también comenzó su carrera como educador a principios de los 80. Estableció su práctica privada enseñando a improvisar a todos los instrumentos y durante esos años desarrolló los sistemas descritos en su serie titulada Inside Improvisation. En esta serie de seis volúmenes publicada por Advance Music, Bergonzi ofrece un camino tangible hacia el interior de la imaginación creativa, adentrándose en la armonía, en los cambios. Hoy en día, es un educador de renombre mundial, profesor a tiempo completo en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, Bergonzi viaja por todo Estados Unidos y Europa como clínico e intérprete. Algunos de los muchos lugares en los que ha enseñado incluyen: clases magistrales en el Berklee College of Music, la North Texas State University, el Eastman College, el Conservatorio de París, la Manheim Jazz School, el Taller de Músicos de Madrid, el S.A.C.A.E. de Adelaida, Australia, y los conservatorios de jazz de Pitea y Haperanda, Suecia, y Oulunkyla, Finlandia, por nombrar algunos.

A mediados y finales de los años 80, la carrera de Bergonzi sufrió algunos cambios, ya que el trabajo en Boston se ralentizó y el trabajo en el extranjero se hizo más abundante. También la industria discográfica empezó a cambiar. El aclamado lanzamiento del cuarteto de Bergonzi para Blue Note Records, llamado Standard Gonz, fue uno de los primeros de su extensa discografía. Más tarde volvió a grabar para Blue Note con el pianista Joey Calderazzo en, To Know One y In The Door. Al tiempo que mantenía sus vínculos con los numerosos músicos de la escena jazzística de Boston y Nueva York, Bergonzi también desarrolló asociaciones en el extranjero que dieron lugar a numerosas colaboraciones musicales.

El sello italiano Red Records fue el mayor apoyo de Bergonzi. "Red Records fue el primer sello que realmente creyó en mi música", dice Jerry. Publicaron cuatro CD con Bergonzi como líder, entre ellos, Lineage, una grabación en directo con Mulgrew Miller, Dave Santoro y Adam Nussbaum. Más tarde, Jerry tocó con las estrellas de Red Record, incluyendo a Kenny Barron y Bobby Watson, así como en otros lanzamientos de Red con Salvatore Tranchini, Fred Hersch y Alex Riel. También ha actuado y grabado con la George Gruntz Big Band, la Gil Evans Orchestra (Miles Davis en Montreaux), y 12 Jazz Visits en Copenhague para Stunt Records. The Riel Deal, en Stunt, contó con el baterista Alex Riel, Kenny Werner y Jesper Lundgaard, y fue galardonado con un Grammy en Dinamarca a la mejor grabación de jazz en 1997. Una asociación con Daniel Humair y el difunto J.F.Jenny Clark dio lugar a varias grabaciones para el sello francés Label Bleu. Una de ellas fue el CD de Bergonzi, Global Summit, en el que participaron Tiger Okoshi, Joachim Kuhn, Daniel Humair y Dave Santoro. Éste fue el producto de una de las tres dotaciones nacionales concedidas a Bergonzi. Otro proyecto con el pianista Kuhn ganó el premio al mejor álbum de jazz en Francia en 1992. Entre los muchos otros artistas con los que Bergonzi ha actuado y grabado se encuentran; John Abercrombie, Nando Michelin, Antonio Farao, Bill Evans (con el National Jazz Ensemble), Joe D'Orio, Eddie Gómez, Miroslaz Vitous, George Mraz, Billy Hart, Andy Laverne, Steve Swallow, Hal Galper, Roy Haynes, Charlie Mariano, Bob Cranshaw, Ray Drummond, Billy Drummond, Danny Richmond, Danny Gottlieb, Dave Holland, Jack DeJonette, Paul Desmond, Bennie Wallace, Gerry Mulligan, Hal Crook, Herb Pomeroy, Mike Manieri, Mark Johnson, Michel Portal, Marcel Solal, Pat Martino, Franco Ambrosetti, y muchos más.

El sello Double-Time Records ha publicado la mayoría de los trabajos recientes de Bergonzi. Just Within, Lost in the Shuffle, Wiggy, y A Different Look, fueron grabados por el trío de órgano en llamas de Bergonzi, con Dan Wall y Adam Nussbaum. También en Double-Time, las grabaciones de The Dave Santoro Standard presentan el swing del tenor de Bergonzi junto con el baterista Tom Melito y los pianistas Bruce Barth y Renato Chicco. Como líder de la banda, Bergonzi ha actuado en todo el mundo en los festivales de Jazz del Mar Rojo, San Remo, Moomba y Mar del Norte, por nombrar algunos. Ha actuado en el Congreso Mundial de Saxofón en Montreal, Canadá, y en Valencia, España, con su compañero saxofonista Philippe Geiss. La actuación de Bergonzi en el metro de Colonia ha sido presentada en la serie de televisión alemana Round Midnight. Su cuarteto actúa en el Duc de Lombarde de París, el Fasching de Estocolmo, la Jazz House de Copenhague y el Bird's Eye de Basilea, entre otros.

En la actualidad, Bergonzi vive en el área de Boston con su mujer y sus dos hijos. Sigue enseñando y actuando en todo el mundo. Es patrocinador de los saxofones Selmer, las cañas Rico y los platillos Zildjian.
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