egroj world: July 2024

Tuesday, July 2, 2024

Russell Malone • Live At Lucille

Biography
by Matt Collar
An adept jazz guitarist with a clean attack and fluid, lyrical style, Russell Malone often plays in a swinging, straight-ahead style, weaving in elements of blues, gospel, and R&B. Born in Albany, Georgia in 1963, Malone first began playing guitar around age four on a toy instrument, quickly graduating to the real thing. Largely self-taught, he initially drew inspiration listening to the recordings of gospel and blues artists including the Dixie Hummingbirds and B.B. King. However, after seeing George Benson perform with Benny Goodman on a television show, Malone was hooked on jazz and began intently studying albums by legendary guitarists like Charlie Christian and Wes Montgomery.

By his twenties, Malone was an accomplished performer, and in 1988 he joined organist Jimmy Smith's band. Soon after, he also became a member of Harry Connick, Jr.'s big band, appearing on Connick's 1991 effort Blue Light, Red Light. With his growing reputation as a sideman, Malone next caught the attention of pianist/vocalist Diana Krall, with whom he would work throughout much of the '90s and 2000s. Also during this period, Malone appeared with a bevy of name artists including Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford, Ray Brown, and others.

As a solo artist, Malone made his debut with 1992's Russell Malone, followed a year later by Black Butterfly. In 1999, he released Sweet Georgia Peach, which featured a guest appearance from pianist Kenny Barron. Malone kicked off the 2000s with several albums on Verve, including 2000's Look Who's Here and 2001's orchestral jazz-themed Heartstrings. He then moved to Maxjazz for 2004's Playground, featuring a guest appearance from saxophonist Gary Bartz, followed by 2010's Triple Play.

Over the next several years, Malone appeared on albums by Wynton Marsalis, Christian McBride, and Ron Carter, as well as Krall bandmate bassist Ben Wolfe. He returned to solo work in 2015 with the eclectic small-group album Love Looks Good on You, followed a year later by All About Melody, both on HighNote. In 2017, he delivered his third HighNote album, Time for the Dancers, featuring his quartet with pianist Rick Germanson, bassist Luke Sellick, and drummer Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Biografía
por Matt Collar
Adepto guitarrista de jazz con un ataque limpio y un estilo fluido y lírico, Russell Malone toca a menudo con un estilo swing y directo, entrelazando elementos de blues, gospel y R&B. Nacido en Albany, Georgia, en 1963, Malone empezó a tocar la guitarra a los cuatro años con un instrumento de juguete, y pronto pasó a tocar la guitarra de verdad. De formación autodidacta, al principio se inspiró en las grabaciones de artistas de gospel y blues como los Dixie Hummingbirds y B.B. King. Sin embargo, tras ver a George Benson tocar con Benny Goodman en un programa de televisión, Malone se enganchó al jazz y empezó a estudiar atentamente discos de guitarristas legendarios como Charlie Christian y Wes Montgomery.

A los veinte años, Malone ya era un consumado intérprete, y en 1988 se unió a la banda del organista Jimmy Smith. Poco después, se convirtió en miembro de la big band de Harry Connick, Jr. y apareció en el álbum de Connick de 1991 Blue Light, Red Light. Con su creciente reputación como músico de acompañamiento, Malone llamó la atención de la pianista y vocalista Diana Krall, con quien trabajó durante gran parte de los años 90 y 2000. También durante este periodo, Malone actuó con un grupo de artistas de renombre como Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford y Ray Brown, entre otros.

Como solista, Malone debutó con Russell Malone en 1992, seguido un año después por Black Butterfly. En 1999 publicó Sweet Georgia Peach, que contó con la participación del pianista Kenny Barron. Malone inició la década de 2000 con varios álbumes en Verve, entre ellos Look Who's Here, de 2000, y Heartstrings, de 2001, de temática jazz orquestal. Luego pasó a Maxjazz para Playground (2004), con la participación del saxofonista Gary Bartz, y Triple Play (2010).

En los años siguientes, Malone apareció en álbumes de Wynton Marsalis, Christian McBride y Ron Carter, así como del bajista Ben Wolfe, compañero de banda de Krall. Volvió a trabajar en solitario en 2015 con el ecléctico álbum para pequeños grupos Love Looks Good on You, seguido un año después por All About Melody, ambos en HighNote. En 2017, publicó su tercer álbum en HighNote, Time for the Dancers, en el que presenta a su cuarteto con el pianista Rick Germanson, el bajista Luke Sellick y el batería Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Milton Banana Trio • Vê

Biography
by Alvaro Neder
Milton Banana is the musician who invented the bossa nova drumming style. An extremely busy session man during the first period of bossa nova, he recorded the historic Chega de Saudade (João Gilberto's debut album), the equally historic Getz-Gilberto, and recorded extensively with Tom Jobim, João Donato, and many others. He also performed gigs every night with people like Luís Eça, Johnny Alf, Roberto Menescal, Carlos Lyra, Ed Lincoln, Newton Mendoça, Claudete Soares, Baden Powell, Sérgio Mendes, Luís Bonfá, Bola Sete (in Punta del Este, Uruguay), and others.

Milton Banana started to be interested in music very early in life, especially percussion, and was always a fan of Orquestra Tabajara. A self-taught musician, soon he was playing with several dance bands, such as Steve Bernard's, Djalma Ferreira's, Gerardi e Seu Conjunto Rex, and others. In 1955, he joined Waldir Calmon's group, performing at the Arpège nightclub (Rio). Soon after, he went on to Djalma Ferreira's group, Os Milionários do Ritmo, which performed regularly at the Drink nightclub. In 1956, he joined the Luis Eça Trio, playing at the focal point of bossa nova, the Plaza nightclub. In 1959, Milton Banana debuted as a recording artist, participating inJoão Gilberto's first album, Chega de Saudade. In 1962, he participated in the important show Encontro (produced by Aluísio de Oliveira), together with João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes, and Os Cariocas, at the Au Bon Gourmet nightclub (Rio). In that same year, he traveled to Argentina with João Gilberto, where they spent a season at the 676 nightclub. In November, he went to New York and played at the Carnegie Hall Bossa Nova Festival. In 1963, he played the drums on the Getz-Gilberto album and toured with João Gilberto, João Donato (piano), and Tião Neto (bass) through Italy and France. Returning to Brazil, he formed his group, the Milton Banana Trio. At that time it was very unusual for a drummer to lead a group. The trio, which had several different lineups, recorded nine albums for Odeon and some more for RCA, another rare accomplishment for a Brazilian drummer. Some of those LPs have been reissued as CDs, such as Balançando com o Milton Banana Trio, Sambas de Bossa: Milton Banana, Os Originais: Milton Banana Trio, and Ao Meu Amigo Tom. In 1965, Milton Banana accompanied João Gilberto in his Brazil performances. In 1977, he performed, together with João Donato, in the group Fogueira 3, playing Afro-sambas. He scaled back his activities, but occasionally performed his solo acts until his death.
https://www.allmusic.com/artist/milton-banana-mn0000489989/biography

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Biografía
por Alvaro Neder

Milton Banana es el músico que inventó el estilo de batería de la bossa nova. Músico de sesión muy ocupado durante el primer período de la bossa nova, grabó el histórico Chega de Saudade (el álbum de debut de João Gilberto), el igualmente histórico Getz-Gilberto, y grabó extensamente con Tom Jobim, João Donato y muchos otros. También actuó todas las noches con gente como Luís Eça, Johnny Alf, Roberto Menescal, Carlos Lyra, Ed Lincoln, Newton Mendoça, Claudete Soares, Baden Powell, Sérgio Mendes, Luís Bonfá, Bola Sete (en Punta del Este, Uruguay), y otros.

Milton Banana empezó a interesarse por la música muy pronto, especialmente por la percusión, y siempre fue un fan de la Orquesta Tabajara. Músico autodidacta, pronto tocó con varias orquestas de baile, como la de Steve Bernard, Djalma Ferreira, Gerardi e Seu Conjunto Rex, y otras. En 1955, se unió al grupo de Waldir Calmon, actuando en la discoteca Arpège (Río). Poco después, pasó al grupo de Djalma Ferreira, Os Milionários do Ritmo, que actuaba regularmente en la discoteca Drink. En 1956, se unió al Trío Luis Eça, que actuaba en el centro neurálgico de la bossa nova, la discoteca Plaza. En 1959, Milton Banana debutó como artista discográfico, participando en el primer álbum de João Gilberto, Chega de Saudade. En 1962, participó en el importante espectáculo Encontro (producido por Aluísio de Oliveira), junto con João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes y Os Cariocas, en la discoteca Au Bon Gourmet (Río). Ese mismo año, viajó a Argentina con João Gilberto, donde pasaron una temporada en la discoteca 676. En noviembre, viajó a Nueva York y tocó en el Carnegie Hall Bossa Nova Festival. En 1963, tocó la batería en el álbum Getz-Gilberto y realizó una gira con João Gilberto, João Donato (piano) y Tião Neto (bajo) por Italia y Francia. De vuelta a Brasil, formó su grupo, el Milton Banana Trio. En aquella época era muy poco habitual que un batería dirigiera un grupo. El trío, que tuvo varias formaciones diferentes, grabó nueve álbumes para Odeon y algunos más para RCA, otro raro logro para un batería brasileño. Algunos de esos LP se han reeditado en CD, como Balançando com o Milton Banana Trio, Sambas de Bossa: Milton Banana, Os Originais: Milton Banana Trio y Ao Meu Amigo Tom. En 1965, Milton Banana acompañó a João Gilberto en sus actuaciones en Brasil. En 1977, actuó, junto con João Donato, en el grupo Fogueira 3, tocando afro-sambas. Redujo sus actividades, pero de vez en cuando actuó en solitario hasta su muerte.
https://www.allmusic.com/artist/milton-banana-mn0000489989/biography

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The Norman Amadio Trio • The Norman Amadio Trio

Norman Amadio (born April 14, 1928, Timmins, Ontario, Canada – died January 21, 2020) was a Canadian jazz pianist, piano teacher, music coach, composer, arranger, session player, band leader and accompanist. For a span of fifty years he worked for the CBC as an orchestra leader and musical director for many TV series. In 1956, he became the first and only Canadian to play at the original Birdland in New York City and played opposite Duke Ellington.
https://www.discogs.com/artist/1436275-Norman-Amadio

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Norman Amadio (nacido el 14 de abril de 1928, Timmins, Ontario, Canadá - fallecido el 21 de enero de 2020) fue un pianista de jazz canadiense, profesor de piano, entrenador musical, compositor, arreglista, músico de sesión, director de orquesta y acompañante. Durante cincuenta años trabajó para la CBC como director de orquesta y director musical de numerosas series de televisión. En 1956, se convirtió en el primer y único canadiense en tocar en el Birdland original de Nueva York y tocó junto a Duke Ellington.
https://www.discogs.com/artist/1436275-Norman-Amadio

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The Filthy Six • More Filth

The Filthy Six are possibly the most exciting, authentic Soul Jazz outfit in the UK today and have established themselves as one of the most electric live acts on the scene. Their soaring horns, blistering guitar and gut-wrenching Hammond are fuelled by one of the hardest grooving rhythm sections around producing a hip-shakingly powerful mixture of jazz, funk and boogaloo totally in keeping with the finest traditions of the late 60s Blue Note/Prestige sound. These instrumental groove merchants fuse boundless energy and musicianship to create tight, funky music for the mind, body and soul.

Led by trumpeter Nick Etwell (Tom Jones, Beck, David Axelrod, Mumford & Sons) this crack unit of musical gunslingers have played with some of the biggest names in music: Amy Winehouse, Mavis Staples, Jill Scott, Mark Ronson, Noel Gallagher, Jack White, Dionne Warwick, Roger Daltrey, Roy Harper, Ronnie Spector, Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, Basement Jaxx, Spiritualized, Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Madness, Belle & Sebastian, Galactic, Atomic Bomb Band and the James Taylor Quartet to name a few. From their literal 'underground' beginnings at the infamous Tatty Bogle Club, deep beneath the heart of London's Soho, the band built up a faithful following at their monthly 'Thursday Boogaloo' sessions in the early/mid 00's. Moving above ground and into venues across London and beyond they gained notoriety for the intensity of their live shows. This reputation took them up and down the country and out into the festival arena, spreading the Filthy gospel further afield as they went. After signing to Acid Jazz Records in 2009 the band released their eponymous debut LP in June 2010, attracting new fans and rave reviews in the process. The next couple of years saw the recording of live sessions for Mark Lamarr (Radio2), Robert Elms (BBC London) and the Craig Charles Funk & Soul Show (6Music) for BBC Radio as well as performing a series of scintillating festival sets at the London, Marlborough, Greenwich, Ealing, Reading and Isle of Wight Jazz Festivals, Vintage at Goodwood (where they also backed up Northern Soul legend Ann Sexton), Edinburgh Festival, St Paul Soul Jazz Festival (France) and a headline slot at the Jazz Lounge, Glastonbury. The Filthy horns also squeezed in a little hop across the pond to join Brit funkateers The New Mastersounds at one of their legendary 'House Of Blues' sets at the New Orleans Jazz Festival. In between all of this they topped the bill at the Acid Jazz 21st Anniversary show, recorded a second album and still found time to bring the house down at some of London’s most discerning music venues: Jazz Café, Pizza Express Jazz Club, Cargo, Vortex and the world famous Ronnie Scott's Jazz Club. 2012 brought their second release for Acid Jazz - The Fox - which garnered plaudits from scenesters and critics alike, including 'Album of the week' on Jazz FM. An 11 date tour of the UK and Ireland followed, furthering their reputation as a live act not to be missed. The next few years were busy with over 100 gigs, highlights including 3 Sold Out shows for the Craig Charles Funk & Soul Club, 2 Sold Out shows at the Pizza Express Jazz Club, London, a headline slot at the Isle Of Wight Festival (Jazz Stage), short runs in France and Spain and their first gigs in the US. In 2014 the band completed three tours over six months in the States, with two extended trips across the 'Dirty South' and a 4 date run around New York, recording live sessions for KUT Radio (Austin TX), Daytrotter (Nashville TN), The Birthplace Sessions (Tupelo MS), Spectra Sonic Sound Sessions (Birmingham AL) and the Echo Sessions, set in beautiful Asheville, North Carolina. 2015 saw the release of 2 short films documenting their forays across The South with the help of their good friends at Stetson. That year also saw the completion of their third studio album, a series of monthly nights at the Brooklyn Bowl London and a run of after-show gigs for the Mumford & Sons 'Gentlemen Of The Road' festivals across America. March 2016 brought the release of a third studio album on Acid Jazz Records - More Filth - a record scientifically engineered to have people moving and grooving so hard they burned holes in not 1 but 2 pairs of boots and a large chunk of that dance floor as well. The following few years saw the band tour the UK, Finland, Spain and the US, with a live version of Mr Morris (from their Spectra Sonic Sound Session) appearing on Freestyle Records' release - Craig Charles Funk & Soul Club : Vol 5.

After the enforced pause of the global pandemic the band headed back into the studio for two fruitful sessions in 2021, bringing out their first new music in 5 years on Color Red Music - Soho Filth (Live from Dean St Studios) - with resulting airplay on BBC Radio 2, BBC6 Music and JazzFM among others. 2022 started with a headline return to Ronnie Scott’s Jazz Club and kickstarted a run of UK club shows across the summer, tours in Finland and the US, and the release of new single - Exit Music - from their fourth full length album (out 2024). 2023 saw shows at clubs and festivals across the UK including 2 Sold Out shows at Pizza Express Jazz Club, Soho, and the hosting of 2 Late Late Shows at the one and only Ronnie Scott’s, while also putting the finishing touches to LP #4. Keep your eyes and ears open for more news on this release as we move through 2024, and in the meantime… stay Filthy.
http://thefilthysix.com/menu

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The Filthy Six son posiblemente el grupo de Soul Jazz más excitante y auténtico del Reino Unido y se han establecido como uno de los grupos más eléctricos de la escena. Sus potentes vientos, sus guitarras abrasadoras y su Hammond desgarrador son alimentados por una de las secciones rítmicas con más ritmo del momento, produciendo una poderosa mezcla de jazz, funk y boogaloo que sacude las caderas, totalmente en consonancia con las mejores tradiciones del sonido Blue Note/Prestige de finales de los años sesenta. Estos mercaderes del groove instrumental fusionan una energía y una musicalidad sin límites para crear música ajustada y funky para la mente, el cuerpo y el alma.

Liderados por el trompetista Nick Etwell (Tom Jones, Beck, David Axelrod, Mumford & Sons), este grupo de pistoleros musicales ha tocado con algunos de los nombres más importantes de la música: Amy Winehouse, Mavis Staples, Jill Scott, Mark Ronson, Noel Gallagher, Jack White, Dionne Warwick, Roger Daltrey, Roy Harper, Ronnie Spector, Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, Basement Jaxx, Spiritualized, Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Madness, Belle & Sebastian, Galactic, Atomic Bomb Band y James Taylor Quartet, por nombrar algunos. Desde sus comienzos literalmente "underground" en el infame Tatty Bogle Club, en las profundidades del corazón del Soho londinense, la banda se hizo con un público fiel en sus sesiones mensuales "Thursday Boogaloo" a principios y mediados de la década de los noventa. Al salir a la superficie y actuar en locales de Londres y otros lugares, adquirieron notoriedad por la intensidad de sus actuaciones en directo. Esta reputación les llevó por todo el país y a los festivales, extendiendo el evangelio de Filthy por todas partes. Tras firmar con Acid Jazz Records en 2009, la banda publicó su primer LP homónimo en junio de 2010, atrayendo a nuevos fans y críticas muy favorables en el proceso. Los dos años siguientes grabaron sesiones en directo para Mark Lamarr (Radio2), Robert Elms (BBC London) y el Craig Charles Funk & Soul Show (6Music) para BBC Radio, además de actuar en una serie de festivales en Londres, Marlborough, Greenwich, Ealing, Reading y los festivales de jazz de la Isla de Wight, Vintage en Goodwood (donde también actuaron como teloneros de la leyenda del Northern Soul Ann Sexton), el Festival de Edimburgo, el St Paul Soul Jazz Festival (Francia) y como cabezas de cartel en el Jazz Lounge de Glastonbury. Los Filthy Horns también dieron un pequeño salto al otro lado del charco para unirse a los funkateers británicos The New Mastersounds en una de sus legendarias actuaciones "House Of Blues" en el Festival de Jazz de Nueva Orleans. En medio de todo esto, encabezaron el cartel del 21º aniversario de Acid Jazz, grabaron un segundo álbum y aún encontraron tiempo para arrasar en algunos de los locales musicales más exigentes de Londres: Jazz Café, Pizza Express Jazz Club, Cargo, Vortex y el mundialmente famoso Ronnie Scott's Jazz Club. En 2012 publicaron su segundo álbum para Acid Jazz, The Fox, que cosechó elogios de la escena y la crítica, incluido el "Álbum de la semana" en Jazz FM. Una gira de 11 fechas por el Reino Unido e Irlanda siguió, fomentando su reputación como un acto en vivo que no debe perderse. Los años siguientes fueron ajetreados con más de 100 conciertos, entre los que destacan 3 conciertos con entradas agotadas para el Craig Charles Funk & Soul Club, 2 conciertos con entradas agotadas en el Pizza Express Jazz Club de Londres, un puesto de cabeza de cartel en el Festival de la Isla de Wight (Jazz Stage), breves giras por Francia y España y sus primeros conciertos en Estados Unidos. En 2014 la banda completó tres giras de seis meses en los Estados Unidos, con dos viajes extendidos a través del "Dirty South" y una carrera de 4 fechas alrededor de Nueva York, grabando sesiones en vivo para KUT Radio (Austin TX), Daytrotter (Nashville TN), The Birthplace Sessions (Tupelo MS), Spectra Sonic Sound Sessions (Birmingham AL) y las Echo Sessions, establecidas en la hermosa Asheville, Carolina del Norte. 2015 vio el lanzamiento de 2 cortometrajes que documentan sus incursiones a través del Sur con la ayuda de sus buenos amigos de Stetson. Ese año también terminaron su tercer álbum de estudio, una serie de noches mensuales en el Brooklyn Bowl de Londres y una serie de actuaciones después de los conciertos de los festivales "Gentlemen Of The Road" de Mumford & Sons por América. Marzo de 2016 trajo el lanzamiento de un tercer álbum de estudio en Acid Jazz Records - More Filth - un disco científicamente diseñado para que la gente se moviera y bailara tan fuerte que quemaron agujeros en no 1, sino 2 pares de botas y una gran parte de la pista de baile también. En los años siguientes, la banda realizó giras por el Reino Unido, Finlandia, España y los Estados Unidos, y una versión en directo de Mr Morris (de su Spectra Sonic Sound Session) apareció en el lanzamiento de Freestyle Records - Craig Charles Funk & Soul Club : Vol 5.

Después de la pausa forzada de la pandemia mundial, la banda volvió al estudio para dos sesiones fructíferas en 2021, sacando su primera música nueva en 5 años en Color Red Music - Soho Filth (Live from Dean St Studios) - con la consiguiente difusión en BBC Radio 2, BBC6 Music y JazzFM entre otros. 2022 comenzó con un regreso como cabeza de cartel al Ronnie Scott's Jazz Club y dio el pistoletazo de salida a una serie de conciertos en clubes del Reino Unido durante el verano, giras por Finlandia y los EE.UU., y el lanzamiento de un nuevo single - Exit Music - de su cuarto álbum de larga duración (que saldrá en 2024). 2023 fue testigo de conciertos en clubes y festivales de todo el Reino Unido, incluyendo 2 conciertos con entradas agotadas en el Pizza Express Jazz Club, Soho, y la celebración de 2 Late Late Shows en el único Ronnie Scott's, mientras que también daban los toques finales al LP #4. Mantén tus ojos y oídos abiertos para más noticias sobre este lanzamiento a medida que avanzamos hacia 2024, y mientras tanto... mantente Filthy.
http://thefilthysix.com/menu

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Al Cohn • Play It Now

Review
by Scott Yanow
Tenor saxophonist Al Cohn did some of his finest playing during his period (1975-80) with Xanadu. For this quartet set, Cohn is ably backed by the great bop pianist Barry Harris, bassist Larry Ridley and drummer Alan Dawson. Cohn, who had spent much of his career as a successful arranger/composer, contributed only one of the six numbers ("Play It Now") on the album and was content to jam spiritedly on such tunes as "Lover," "Irresistible You" and "It's Sand, Man."
https://www.allmusic.com/album/play-it-now-mw0000897852

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Reseña
por Scott Yanow
El saxofonista tenor Al Cohn realizó algunas de sus mejores interpretaciones durante su período (1975-80) con Xanadu. Para este conjunto de cuarteto, Cohn está hábilmente respaldado por el gran pianista de bop Barry Harris, el bajista Larry Ridley y el baterista Alan Dawson. Cohn, que había pasado gran parte de su carrera como exitoso arreglista/compositor, sólo contribuyó con uno de los seis números ("Play It Now") del álbum y se contentó con improvisar animadamente en temas como "Lover", "Irresistible You" y "It's Sand, Man".
https://www.allmusic.com/album/play-it-now-mw0000897852

Colaborador / Contributor: Pierre

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Louis Smith • Here Comes Louis Smith

Review
by Scott Yanow
Louis Smith had a brilliant debut on this Blue Note album, his first of two before becoming a full-time teacher. The opener (Duke Pearson's "Tribute to Brownie") was a perfect piece for Smith to interpret, since his style was heavily influenced by Clifford Brown (who had died the previous year). He is also in excellent form on four of his basic originals and takes a particularly memorable solo on a haunting rendition of "Stardust." Altoist Cannonball Adderley (who used the pseudonym of "Buckshot La Funke" on this set, a name later used by Branford Marsalis), Duke Jordan or Tommy Flanagan on piano, bassist Doug Watkins, and drummer Art Taylor make for a potent supporting cast, but the focus is mostly on the criminally obscure Louis Smith. After cutting his second Blue Note set and switching to teaching, Smith would not record again as a leader until 1978. All bop and '50s jazz fans are strongly advised to pick up this CD reissue before it disappears.
https://www.allmusic.com/album/here-comes-louis-smith-mw0000674800

Biography
by Stephen Thomas Erlewine
Louis Smith was a talented but under-recorded straight-ahead bop trumpeter who led two dates in the '50s before retiring to teach at the University of Michigan and the nearby Ann Arbor Public School system. For most of his career, he remained a teacher, making a brief comeback in the late '70s before returning to education. It wasn't until the mid-'90s that he resumed a recording career in earnest, turning out a series of albums for the Steeplechase label.

A native of Memphis, Tennessee, Smith began playing trumpet as a teenager. He graduated high school with a scholarship to Tennessee State University, where he studied music and became a member of the Tennessee State Collegians. Following his college graduation, Smith did a little graduate work at Tennessee before transferring to the University of Michigan, where he studied with professor Clifford Lillya. At Michigan, he had opportunities to play with traveling musicians, including Miles Davis and Dizzy Gillespie. In January 1954, Smith was drafted into the Army, spending a little over a year and a half in his tour of duty. Once he left the Army in late 1955, he began teaching at the Booker T. Washington High School in Atlanta, Georgia. While teaching at Booker T. Washington, Smith continued playing bop and hard bop in clubs, and was able to jam with Cannonball Adderley, Kenny Dorham, Donald Byrd, Lou Donaldson, Zoot Sims, and Philly Joe Jones, among many others.

In 1956, he made his recording debut as a sideman on Kenny Burrell's Swingin'. A year later, he had the opportunity to lead his own recording session for Tom Wilson's Boston-based Transition label. He assembled a quintet featuring Cannonball Adderley (who performed under the pseudonym Buckshot La Funke), bassist Doug Watkins, drummer Art Taylor, and pianists Duke Jordan and Tommy Flanagan, who alternated on the date. Transition went out of business before the label had the chance to release the record. Blue Note chief Alfred Lion purchased all the Transition masters and signed Smith to an exclusive contract, releasing the session as Here Comes Louis Smith. During 1958, the trumpeter played on two Blue Note sessions -- Kenny Burrell's Blue Lights and Booker Little's Booker Little 4 and Max Roach -- in addition to leading the date that became Smithville. That brief burst of activity turned out to be his only recording dates for 20 years.

Smith moved back to the Ann Arbor, Michigan area, where he taught at the University of Michigan and public schools. Between 1978 and 1979, he cut a pair of albums -- Just Friends and Prancin' -- before returning to teaching. A decade later, Smith resumed his recording career in earnest. After playing on Mickey Tucker's Sweet Lotus Lips in 1989, he signed with Steeplechase and recorded Ballads for Lulu in 1990. He didn't return to the studio for another four years, but he did record two albums -- Silvering and Strike Up the Band -- in 1994. The Very Thought of You appeared in 1995. A year later, Smith recorded I Waited for You, which was followed by There Goes My Heart in 1997. Retired from teaching, Smith suffered a stroke in 2006, and subsequently became a regular presence among audience members at Southeastern Michigan jazz venues but did not return to performing or recording. He died in Ann Arbor in August 2016.
https://www.allmusic.com/artist/louis-smith-mn0000420728/biography

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Reseña
por Scott Yanow
Louis Smith tuvo un brillante debut en este álbum de Blue Note, el primero de dos antes de convertirse en profesor a tiempo completo. La primera pieza (Duke Pearson's "Tribute to Brownie") era perfecta para que Smith la interpretara, ya que su estilo estaba fuertemente influenciado por Clifford Brown (fallecido el año anterior). También está en excelente forma en cuatro de sus originales básicos y se marca un solo especialmente memorable en una inquietante interpretación de "Stardust". El contralto Cannonball Adderley (que utilizó el seudónimo de "Buckshot La Funke" en este disco, un nombre que más tarde usaría Branford Marsalis), Duke Jordan o Tommy Flanagan al piano, el bajista Doug Watkins y el batería Art Taylor forman un potente elenco de apoyo, pero la atención se centra sobre todo en el criminalmente oscuro Louis Smith. Tras grabar su segundo disco en Blue Note y dedicarse a la enseñanza, Smith no volvería a grabar como líder hasta 1978. Se recomienda encarecidamente a todos los aficionados al bop y al jazz de los 50 que adquieran esta reedición en CD antes de que desaparezca.
https://www.allmusic.com/album/here-comes-louis-smith-mw0000674800

Biografía
por Stephen Thomas Erlewine
Louis Smith fue un trompetista de bop de gran talento pero poco conocido que lideró dos grupos en los años 50 antes de retirarse para enseñar en la Universidad de Michigan y en el cercano sistema de escuelas públicas de Ann Arbor. Durante la mayor parte de su carrera siguió ejerciendo de profesor, aunque hizo una breve reaparición a finales de los 70 antes de volver a la enseñanza. No fue hasta mediados de los 90 cuando reanudó su carrera discográfica en serio, produciendo una serie de álbumes para el sello Steeplechase.

Natural de Memphis (Tennessee), Smith empezó a tocar la trompeta de adolescente. Se graduó en el instituto con una beca para la Universidad Estatal de Tennessee, donde estudió música y formó parte de los Tennessee State Collegians. Tras graduarse en la universidad, Smith realizó algunos estudios de posgrado en Tennessee antes de trasladarse a la Universidad de Michigan, donde estudió con el profesor Clifford Lillya. En Michigan, tuvo la oportunidad de tocar con músicos itinerantes, como Miles Davis y Dizzy Gillespie. En enero de 1954, Smith fue reclutado por el Ejército, y pasó poco más de año y medio en el servicio militar. Cuando dejó el ejército a finales de 1955, empezó a dar clases en el instituto Booker T. Washington de Atlanta, Georgia. Mientras enseñaba en el Booker T. Washington, Smith siguió tocando bop y hard bop en clubes, y pudo improvisar con Cannonball Adderley, Kenny Dorham, Donald Byrd, Lou Donaldson, Zoot Sims y Philly Joe Jones, entre muchos otros.

En 1956, hizo su debut discográfico como músico de acompañamiento en el álbum Swingin' de Kenny Burrell. Un año más tarde, tuvo la oportunidad de dirigir su propia sesión de grabación para el sello Transition de Tom Wilson, con sede en Boston. Formó un quinteto con Cannonball Adderley (que actuaba bajo el seudónimo de Buckshot La Funke), el bajista Doug Watkins, el batería Art Taylor y los pianistas Duke Jordan y Tommy Flanagan, que se alternaban en la fecha. Transition quebró antes de que el sello tuviera la oportunidad de publicar el disco. El jefe de Blue Note, Alfred Lion, compró todos los masters de Transition y firmó un contrato exclusivo con Smith, publicando la sesión como Here Comes Louis Smith. Durante 1958, el trompetista tocó en dos sesiones de Blue Note -- Blue Lights de Kenny Burrell y Booker Little's Booker Little 4 and Max Roach -- además de liderar la fecha que se convirtió en Smithville. Ese breve estallido de actividad resultó ser sus únicas fechas de grabación durante 20 años.

Smith regresó a la zona de Ann Arbor, Michigan, donde enseñó en la Universidad de Michigan y en escuelas públicas. Entre 1978 y 1979 grabó un par de álbumes, Just Friends y Prancin', antes de volver a la enseñanza. Una década más tarde, Smith retomó su carrera discográfica en serio. Tras tocar en Sweet Lotus Lips de Mickey Tucker en 1989, firmó con Steeplechase y grabó Ballads for Lulu en 1990. No volvió al estudio hasta cuatro años después, pero grabó dos álbumes, Silvering y Strike Up the Band, en 1994. The Very Thought of You apareció en 1995. Un año después, Smith grabó I Waited for You, al que siguió There Goes My Heart en 1997. Retirado de la enseñanza, Smith sufrió un derrame cerebral en 2006, y posteriormente se convirtió en una presencia habitual entre el público de los locales de jazz del sureste de Michigan, pero no volvió a actuar ni a grabar. Falleció en Ann Arbor en agosto de 2016.
https://www.allmusic.com/artist/louis-smith-mn0000420728/biography

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Philip Catherine Trio • I Remember You

Biography by Matt Collar

An immensely gifted Belgian guitarist, Philip Catherine is a highly regarded performer known for his harmonically nuanced, deeply lyrical playing and crisply rounded fretboard touch evident in virtually any style of music he plays: Gypsy jazz, fusion, blues, post-bop, funk, swing, and more. While the jazz populace considered him a fusion player based on 1972's Stream and 1974's September Man, Catherine proved more adventurous -- evidenced by the other artists he worked with during the decade: Kenny Drew, Rolf and Joachim Kuhn, Jean-Luc Ponty, Peter Herbolzheimer, and Larry Coryell (with whom he recorded and toured as an acoustic duo. The following year he recorded with Charles Mingus, who dubbed him "Young Django" (resulting in an album of the same title with Stephane Grappelli, Coryell, and Niels-Henning Ørsted Pedersen in 1979). In the early '80s, Catherine toured with Benny Goodman and played in trios with Chet Baker and Didier Lockwood. After the acclaimed Chet's Choice in 1985, Catherine returned as a leader with the funky, charting Transparence in 1987. During the '90s, the guitarist recorded three albums with trumpeter Tom Harrell, two fine duos with Pedersen (Spanish Nights and Art of the Duo), and a pair of widely acclaimed trio dates with Serge Delaite and George Mraz (Emotionally and Teenagers). Two very electric post-bop fusion outings, Guitar Groove and Blue Prince, appeared under Catherine's name for Dreyfuss Jazz to kick off his 21st century as international hits. 2009's Culture Griot with Baba Sissoko, 2011's Plays Cole Porter, and the live La Belle Vie all registered internationally.

Born in London in 1942 to an English mother and Belgian father, Catherine moved to Brussels with his family at a young age. As a teenager, he became interested in the guitar, influenced at the time by French singer/songwriter and poet George Brassens. By age 14 he was taking lessons, and learning the basic elements of jazz improvisation when he discovered Django Reinhardt. He quickly absorbed the jazz legend's distinctive style, and eventually picked up other influences, including Belgian guitarist René Thomas. He also immersed himself in albums by such luminaries as Art Blakey, Clifford Brown, Max Roach, and others.

Catherine began playing gigs while in his teens, working in a trio with American Hammond B-3 specialist Lou Bennett and drummer Oliver Jackson. There were also stints with Belgian saxophonist Jack Sels and Philadelphia-born/Brussels-based drummer Edgar Bateman. In 1970, violinist Jean-Luc Ponty asked him to join his band and, inspired by contemporaries like John McLaughlin and Larry Coryell, Catherine stayed with Ponty for a year, dedicating himself to the progressive fusion sound. Also during this period, he attended formal music classes at Berklee College of Music in Boston.

After returning to Belgium, Catherine found himself in high demand and developed a bevy of connections, including playing with Klaus Weiss, Les McCann, Karin Krog, Dexter Gordon, and others. As a solo artist, he made his debut with 1971's Stream, a funky, inventive mix of acoustic and electric jazz. He followed up in 1975 with Guitars and September Man, both also highly inventive, fusion-influenced albums. Sessions with Herb Geller, Niels-Henning Ørsted Pedersen, and Charles Mingus followed, as did a duo tour with guitarist Coryell. Also during the '70s, he paired with close associate saxophonist Charlie Mariano for a handful of sessions, and rounded out the decade with his own Nairam, which also featured Mariano, along with trumpeter Palle Mikkelborg and others.

During the '80s, Catherine's profile continued to rise as he released several more well-regarded efforts, including Babel, End of August, and Trio with guitarist Christian Escoude and violinist Didier Lockwood. There also were dates with Aldo Romano, Stéphane Grappelli, and Kenny Drew. Also in the '80s, he gained attention for his work with legendary West Coast trumpeter/vocalist Chet Baker, touring and appearing on such albums as 1983's Mr. B and 1985's Strollin'. Although his 1986 album, Transparence, layered keyboards into his atmospheric sound, his work with Baker pointed toward a more acoustic-leaning aesthetic. It was a sound he further embraced on 1990's I Remember You. Dedicated to Baker (who died in 1989), the album also featured trumpeter/flügelhornist Tom Harrell. Throughout the '90s, Catherine released a steady stream of albums for smaller jazz labels like Enja, Criss Cross, and Dreyfus, including albums like Moods, Vol. 1, Spanish Nights, and 1999's Guitar Groove.

In 2001, he returned with Blue Prince, which found him balancing his love of acoustic jazz and electric fusion. Joining him were trumpeter Bert Joris, bassist Hein van de Geyn, and drummer Hans Van Oosterhout. Joris was also on board for 2002's Summer Night. The orchestral album Meeting Colours followed three years later. The more intimate Guitars Two appeared in 2008. He then joined bassist van de Geyn, pianist Enrico Pieranunzi, and drummer Joe La Barbera for the 2010 live album Concert in Capbreton. A year later, he delivered the trio date Plays Cole Porter, followed by 2013's warmly sophisticated Côté Jardin. The duo album New Folks with bassist Martin Wind followed a year later. He then joined the Orchestre Royal de Chambre de Wallonie for 2015's The String Project: Live in Brussels. In 2017 Catherine was a co-billed soloist with Finnish saxophone legend Eero Koivistoinen on Jazz Liisa 13, and the following year cut La Belle Vie with longtime friend and collaborator Aldo Romano on drums and organist Emmanuel Bex. In 2019, Catherine issued the trio date Manoir de Mes Rêves with upright bassist Sven Faller and acoustic guitarist Paulo Morello. The program of French standards was compiled from pop, jazz and chanson. In 2020, KTI Japan in association with Warner International remastered and reissued Stream.
https://www.allmusic.com/artist/philip-catherine-mn0000287463/biography

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Biografía de Matt Collar
Philip Catherine, un guitarrista belga de gran talento, es un intérprete muy apreciado, conocido por su toque armónico y profundamente lírico, y por su toque de diapasón nítidamente redondeado, evidente en prácticamente cualquier estilo de música que toque: Jazz gitano, fusión, blues, post-bop, funk, swing, etc. Aunque el público del jazz le consideraba un músico de fusión gracias a Stream, de 1972, y September Man, de 1974, Catherine demostró ser más aventurero, como demuestran los otros artistas con los que trabajó durante la década: Kenny Drew, Rolf y Joachim Kuhn, Jean-Luc Ponty, Peter Herbolzheimer y Larry Coryell (con quien grabó y realizó giras como dúo acústico. Al año siguiente grabó con Charles Mingus, que le apodó "el joven Django" (lo que dio lugar a un álbum del mismo título con Stephane Grappelli, Coryell y Niels-Henning Ørsted Pedersen en 1979). A principios de los 80, Catherine realizó una gira con Benny Goodman y tocó en tríos con Chet Baker y Didier Lockwood. Tras el aclamado Chet's Choice en 1985, Catherine volvió como líder con el funky Transparence en 1987. Durante los años 90, el guitarrista grabó tres álbumes con el trompetista Tom Harrell, dos excelentes dúos con Pedersen (Spanish Nights y Art of the Duo), y un par de aclamados tríos con Serge Delaite y George Mraz (Emotionally y Teenagers). Dos trabajos de fusión post-bop muy eléctricos, Guitar Groove y Blue Prince, aparecieron bajo el nombre de Catherine para Dreyfuss Jazz y dieron comienzo a su siglo XXI como éxitos internacionales. Culture Griot, de 2009, con Baba Sissoko, Plays Cole Porter, de 2011, y el directo La Belle Vie se registraron internacionalmente.

Nacido en Londres en 1942, de madre inglesa y padre belga, Catherine se trasladó a Bruselas con su familia a una edad temprana. De adolescente se interesó por la guitarra, influenciada entonces por el cantautor y poeta francés George Brassens. A los 14 años ya tomaba clases y aprendía los elementos básicos de la improvisación del jazz cuando descubrió a Django Reinhardt. Enseguida absorbió el estilo distintivo de la leyenda del jazz, y con el tiempo recogió otras influencias, como el guitarrista belga René Thomas. También se sumergió en álbumes de luminarias como Art Blakey, Clifford Brown, Max Roach y otros.

Catherine comenzó a tocar en su adolescencia, trabajando en un trío con el especialista estadounidense en Hammond B-3 Lou Bennett y el baterista Oliver Jackson. También trabajó con el saxofonista belga Jack Sels y con el baterista Edgar Bateman, nacido en Filadelfia y residente en Bruselas. En 1970, el violinista Jean-Luc Ponty le pidió que se uniera a su banda e, inspirado por contemporáneos como John McLaughlin y Larry Coryell, Catherine permaneció con Ponty durante un año, dedicándose al sonido de fusión progresiva. También durante este periodo, asistió a clases formales de música en el Berklee College of Music de Boston.

A su regreso a Bélgica, Catherine se encontró con una gran demanda y desarrolló una serie de conexiones, incluyendo tocar con Klaus Weiss, Les McCann, Karin Krog, Dexter Gordon y otros. Como artista en solitario, debutó con Stream, de 1971, una mezcla funky e inventiva de jazz acústico y eléctrico. Siguió en 1975 con Guitars y September Man, ambos álbumes de gran inventiva e influencia de la fusión. Siguieron sesiones con Herb Geller, Niels-Henning Ørsted Pedersen y Charles Mingus, así como una gira a dúo con el guitarrista Coryell. También durante los años 70, formó pareja con el saxofonista Charlie Mariano para un puñado de sesiones, y completó la década con su propio Nairam, en el que también participó Mariano, junto con el trompetista Palle Mikkelborg y otros.

Durante los años 80, el perfil de Catherine siguió aumentando, ya que publicó varios trabajos bien considerados, como Babel, End of August y Trio con el guitarrista Christian Escoude y el violinista Didier Lockwood. También se produjeron citas con Aldo Romano, Stéphane Grappelli y Kenny Drew. También en los años 80, ganó atención por su trabajo con el legendario trompetista/vocalista de la Costa Oeste Chet Baker, haciendo giras y apareciendo en álbumes como Mr. B de 1983 y Strollin' de 1985. Aunque su álbum de 1986, Transparence, incorporaba teclados a su sonido atmosférico, su trabajo con Baker apuntaba a una estética más acústica. Un sonido que adoptó en I Remember You, de 1990. Dedicado a Baker (fallecido en 1989), el álbum también contaba con la participación del trompetista y flautista Tom Harrell. A lo largo de los años 90, Catherine publicó un flujo constante de álbumes para sellos de jazz más pequeños como Enja, Criss Cross y Dreyfus, incluyendo álbumes como Moods, Vol. 1, Spanish Nights y Guitar Groove de 1999.

En 2001, volvió con Blue Prince, que le permitió equilibrar su amor por el jazz acústico y la fusión eléctrica. Se unieron a él el trompetista Bert Joris, el bajista Hein van de Geyn y el baterista Hans Van Oosterhout. Joris también participó en el álbum Summer Night de 2002. El álbum orquestal Meeting Colours le siguió tres años después. El más íntimo Guitars Two apareció en 2008. Luego se unió al bajista van de Geyn, al pianista Enrico Pieranunzi y al baterista Joe La Barbera para el álbum en vivo de 2010 Concert in Capbreton. Un año más tarde, entregó la fecha del trío Plays Cole Porter, seguido por el cálidamente sofisticado Côté Jardin de 2013. El álbum a dúo New Folks con el bajista Martin Wind le siguió un año después. Luego se unió a la Orchestre Royal de Chambre de Wallonie para The String Project de 2015: Live in Brussels. En 2017, Catherine fue co-solista con la leyenda del saxofón finlandés Eero Koivistoinen en Jazz Liisa 13, y al año siguiente cortó La Belle Vie con su viejo amigo y colaborador Aldo Romano en la batería y el organista Emmanuel Bex. En 2019, Catherine publicó la fecha del trío Manoir de Mes Rêves con el bajista vertical Sven Faller y el guitarrista acústico Paulo Morello. El programa de estándares franceses fue compilado a partir de pop, jazz y chanson. En 2020, KTI Japan en asociación con Warner International remasterizó y reeditó Stream.

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Muddy Waters • American Blues Legends

Artist Biography

Waters was born McKinley Morganfield in Issaquena County, Mississippi in 1913 (He later told people that he was born in 1915 in Rolling Fork, Mississippi; the reason for this remains unknown). His grandmother Della Grant raised him after his mother died in 1918. His fondness for playing in mud earned him his nickname at an early age. Waters started out on harmonica but by age seventeen he was playing the guitar at parties and “fish fries”, emulating two blues artists who were extremely popular in the south, Son House and Robert Johnson. “His thick heavy tone, the dark coloration of his voice and his firm almost stolid manner were all clearly derived from House,” wrote Peter Guralnick in Feel Like Going Home, “but the embellishments which he added, the imaginative slide technique and more agile rhythms, were closer to Johnson.”

In 1940 Waters moved to St. Louis before playing with Silas Green a year later and returning back to Mississippi. In the early part of the decade he ran a juke house, complete with gambling, moonshine, a jukebox and live music courtesy of Muddy himself. In the Summer of 1941 Alan Lomax came to Stovall, Mississippi, on behalf of the Library of Congress to record various country blues musicians. “He brought his stuff down and recorded me right in my house,” Waters recalled in Rolling Stone, “and when he played back the first song I sounded just like anybody's records. Man, you don't know how I felt that Saturday afternoon when I heard that voice and it was my own voice. Later on he sent me two copies of the pressing and a check for twenty bucks, and I carried that record up to the corner and put it on the jukebox. Just played it and played it and said, `I can do it, I can do it.'” Lomax came back again in July of 1942 to record Waters again. Both sessions were eventually released as Down On Stovall's Plantation on the Testament label.

In 1943 Waters headed north to Chicago in hopes of becoming a full-time professional. He lived with a relative for a short period while driving a truck and working in a factory by day and playing at night. Big Bill Broonzy was the leading bluesman in Chicago until his death in 1958 and the city was a very competitive market for a newcomer to become established. Broonzy helped Waters out by letting him open Broonzy's show in the rowdy clubs. In 1945 Waters's uncle gave him his first electric guitar, which enabled him to be heard above the noisy crowds. In 1946 Waters recorded some tunes for Mayo Williams at Columbia but they were never released. Later that year he began recording for Aristocrat, a newly- formed label run by two brothers, Leonard Chess and Phil Chess. In 1947 Waters played guitar with Sunnyland Slim on piano on the cuts “Gypsy Woman” and “Little Anna Mae.” These were also shelved, but in 1948 Waters's “I Can't Be Satisfied” and “I Feel Like Going Home” became big and his popularity in clubs began to take off. Soon after, Aristocrat changed their name to Chess and Waters's signature tune, “Rollin' Stone”, became a smash hit.

The Chess brothers would not allow Waters to use his own musicians (Jimmy Rogers and Blue Smitty) in the studio; instead he was only provided with a backing bass by Big Crawford. However, by 1950 Waters was recording with perhaps the best blues group ever: Little Walter Jacobs on harmonica; Jimmy Rogers on guitar; Elgin Evans on drums; Otis Spann on piano; Big Crawford on bass; and Waters handling vocals and slide guitar. The band recorded a string of blues classics during the early 1950s with the help of bassist/songwriter Willie Dixon. “Hoochie Coochie Man” (Number 8 on the R&B charts), “I Just Want To Make Love To You” (Number 4), and “I'm Ready”. These three were “the most macho songs in his repertoire,” wrote Robert Palmer in Rolling Stone. “Muddy would never have composed anything so unsubtle. But they gave him a succession of showstoppers and an image, which were important for a bluesman trying to break out of the grind of local gigs into national prominence.”

Waters reigned over the 1950s Chicago blues scene; he was its most popular artist and led its tightest band, fueled by hits from Willie Dixon, its strongest composer. On all these fronts, however, Waters contended with fierce competition from the gravel-voiced singer Howlin' Wolf. Wolf's band rivaled Water's all-star lineup, notably featuring the now-legendary guitarist Hubert Sumlin. Wolf also competed with Waters for the songwriting attention of Willie Dixon and recorded a large number of Dixon tunes. Nonetheless, Waters consistently retained an edge in popularity and esteem. Both Waters and Wolf are held in immense regard by modern rock and blues aficionados, but Waters is generally considered to be the more influential artist.[citation needed]

By the early 1950s, Waters was at the height of his career. “By the time he achieved his popular peak, Muddy Waters had become a shouting, declamatory kind of singer who had forsaken his guitar as a kind of anachronism and whose band played with a single pulsating rhythm,” wrote Guralnick in his Listener's Guide.

Waters's success as the frontman led others in his group to seek the same recognition. In 1953 Little Walter left when his single “Juke” became a hit and in 1955 Rogers quit to form his own band. Waters could never recapture the glory of his pre-1956 years as the pressures of being a leader led him to use various studio musicians for quite a few years thereafter.

He headed to England in 1958 and shocked his overseas audiences with loud, amplified electric guitar and a thunderous beat. When R&B began to die down shortly after, Waters switched back to his older style of country blues. His gig at the Newport Jazz Festival in 1960 (see At Newport 1960) turned on a whole new generation to Waters's Delta sound. After which English musicians of the likes of Eric Clapton and the Rolling Stones expressed a fondness for the new sound, Waters switched back to electric circa 1964. Thereupon expressing anger when he felt that members of his own race were turning their backs to the genre while a Caucasian audience had shown increasing respect for the blues.

However, for the better part of twenty years (since his last big hit in 1956, “I'm Ready”) Waters was put on the back shelf by the Chess label and recorded albums with various “popular” themes: Brass And The Blues, Electric Mud, etc. In 1972 he went back to England to record The London Muddy Waters Sessions with four hotshot rockers•Rory Gallagher, Steve Winwood, Rick Grech, and Mitch Mitchell • but their playing wasn't up to his standards. “These boys are top musicians, they can play with me, put the book before 'em and play it, you know,” he told Guralnick. “But that ain't what I need to sell my people, it ain't the Muddy Waters sound. An if you change my sound, then you gonna change the whole man.”

Waters sound was basically Delta country blues electrified, but his use of microtones, in both his vocals and slide playing, made it extremely difficult to duplicate and follow correctly. “When I plays onstage with my band, I have to get in there with my guitar and try to bring the sound down to me,” he said in Rolling Stone. “But no sooner than I quit playing, it goes back to another, different sound. My blues look so simple, so easy to do, but it's not. They say my blues is the hardest blues in the world to play.”

In 1977 Johnny Winter convinced his label, Blue Sky, to sign Waters and the beginning of a fruitful partnership was begun. Waters's “comeback” LP, Hard Again, was recorded in just two days and was as close to the original Chicago sound he had created as anyone could ever hope for. Winter produced/played and pushed Waters to his limit. Former Waters sideman James Cotton contributed harmonica on the Grammy Award-winning album and a brief but well received tour followed. “He sounds happy, energetic and out for business,” stated Dan Oppenheimer in Rolling Stone. “In short, Muddy Waters is kicking in another mule's stall.”

In 1978 Winter recruited Walter Horton and Jimmy Rogers to help out on Waters's I'm Ready LP duplicating the critical and commercial success of Hard Again. The comeback continued in 1979 with the lauded LP Muddy “Mississippi” Waters Live. “Muddy was loose for this one,” wrote Jas Obrecht in Guitar Player, “and the result is the next best thing to being ringside at one of his foot- thumping, head-nodding, downhome blues shows.” King Bee the following year concluded Water's reign at Blue Sky and all four LPs turned out to be his biggest-selling albums ever.

In 1983 Waters died in his sleep, aged 70. At his funeral, throngs of blues musicians showed up to pay tribute to one of the true originals of the art form. “Muddy was a master of just the right notes,” John Hammond Jr., told Guitar World. “It was profound guitar playing, deep and simple. . . . more country blues transposed to the electric guitar, the kind of playing that enhanced the lyrics, gave profundity to the words themselves.” Two years after his death, the city that made Muddy Waters (and vice versa) honored their father by changing the name of 43rd Street to Muddy Waters Drive. Following Waters's death, B.B. King told Guitar World, “It's going to be years and years before most people realize how great he was to American music.”

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Biografía del artista

Waters nació como McKinley Morganfield en el condado de Issaquena, Mississippi en 1913 (más tarde dijo a la gente que nació en 1915 en Rolling Fork, Mississippi; la razón de esto sigue siendo desconocida). Su abuela Della Grant lo crió después de la muerte de su madre en 1918. Su afición por jugar en el barro le valió su apodo a una edad temprana. Waters comenzó con la armónica, pero a los diecisiete años ya tocaba la guitarra en fiestas y "fish fries", emulando a dos artistas del blues que eran muy populares en el sur, Son House y Robert Johnson. "Su tono grueso y pesado, la coloración oscura de su voz y su manera firme y casi impasible se derivaban claramente de House", escribió Peter Guralnick en Feel Like Going Home, "pero los adornos que añadió, la técnica imaginativa del deslizamiento y los ritmos más ágiles, estaban más cerca de Johnson".

En 1940 Waters se mudó a St. Louis antes de jugar con Silas Green un año después y regresar a Mississippi. A principios de la década dirigía una casa de juke, con juegos de azar, luz de luna, una rocola y música en vivo cortesía del propio Muddy. En el verano de 1941 Alan Lomax vino a Stovall, Mississippi, en nombre de la Biblioteca del Congreso para grabar varios músicos de country blues. Él bajó sus cosas y me grabó en mi casa", recuerda Waters en Rolling Stone, "y cuando tocó la primera canción soné como los discos de cualquiera". Tío, no sabes cómo me sentí el sábado por la tarde cuando oí esa voz y era mi propia voz. Más tarde me envió dos copias de la plancha y un cheque por veinte dólares, y llevé ese disco a la esquina y lo puse en la gramola. Sólo lo tocó y lo tocó y dijo: ``Puedo hacerlo, puedo hacerlo''". Lomax volvió de nuevo en julio de 1942 para grabar Waters. Ambas sesiones fueron eventualmente lanzadas como Down On Stovall's Plantation en el sello Testament.

En 1943 Waters se dirigió al norte, a Chicago, con la esperanza de convertirse en un profesional de tiempo completo. Vivió con un pariente durante un corto período de tiempo mientras conducía un camión y trabajaba en una fábrica durante el día y jugaba por la noche. Big Bill Broonzy fue el principal bluesista de Chicago hasta su muerte en 1958 y la ciudad era un mercado muy competitivo para que un recién llegado se estableciera. Broonzy ayudó a Waters dejándolo abrir el show de Broonzy en los clubes ruidosos. En 1945, el tío de Waters le regaló su primera guitarra eléctrica, lo que le permitió ser escuchado por encima de las ruidosas multitudes. En 1946 Waters grabó algunos temas para Mayo Williams en Columbia pero nunca fueron publicados. Más tarde ese mismo año comenzó a grabar para Aristocrat, un sello recién formado dirigido por dos hermanos, Leonard Chess y Phil Chess. En 1947 Waters tocó la guitarra con Sunnyland Slim al piano en los cortes "Gypsy Woman" y "Little Anna Mae". Estos también fueron archivados, pero en 1948 los libros de Waters "I Can't Be Satisfied" y "I Feel Like Going Home" se hicieron grandes y su popularidad en los clubes comenzó a despegar. Poco después, Aristócrata cambió su nombre a Ajedrez y la melodía de Waters, "Rollin' Stone", se convirtió en un gran éxito.

Los hermanos Chess no permitieron que Waters usara sus propios músicos (Jimmy Rogers y Blue Smitty) en el estudio; en su lugar, sólo se le proporcionó un contrabajo de Big Crawford. Sin embargo, para 1950 Waters estaba grabando con quizás el mejor grupo de blues de la historia: Little Walter Jacobs en la armónica; Jimmy Rogers en la guitarra; Elgin Evans en la batería; Otis Spann en el piano; Big Crawford en el bajo; y Waters en la voz y la guitarra. La banda grabó una serie de clásicos del blues a principios de la década de 1950 con la ayuda del bajista y compositor Willie Dixon. "Hoochie Coochie Man" (Número 8 en las listas de R&B), "I Just Want To Make Love To You" (Número 4), y "I'm Ready". Estas tres fueron "las canciones más machistas de su repertorio", escribió Robert Palmer en Rolling Stone. "Muddy nunca habría compuesto algo tan sutil. Pero le dieron una sucesión de espectáculos y una imagen, que eran importantes para un bluesista que intentaba salir de la rutina de los conciertos locales para convertirse en un personaje prominente a nivel nacional".

Waters reinó en la escena del blues de Chicago en la década de 1950; fue su artista más popular y lideró su banda más cerrada, alimentada por los éxitos de Willie Dixon, su compositor más fuerte. En todos estos frentes, sin embargo, Waters se enfrentó a una feroz competencia del cantante de voz de grava Howlin' Wolf. La banda de Wolf rivalizaba con la alineación de estrellas de Water, en particular con el ahora legendario guitarrista Hubert Sumlin. Wolf también compitió con Waters por la atención compositiva de Willie Dixon y grabó un gran número de temas de Dixon. Sin embargo, Waters siempre mantuvo una ventaja en popularidad y estima. Tanto Waters como Wolf son considerados por los aficionados al rock y al blues moderno, pero Waters es generalmente considerado el artista más influyente.

A principios de la década de 1950, Waters estaba en la cúspide de su carrera. "Para cuando alcanzó su apogeo popular, Muddy Waters se había convertido en un cantante gritón y declamatorio que había abandonado su guitarra como una especie de anacronismo y cuya banda tocaba con un solo ritmo pulsante", escribió Guralnick en su Listener's Guide.

El éxito de Waters como líder llevó a otros miembros de su grupo a buscar el mismo reconocimiento. En 1953 Little Walter se fue cuando su sencillo "Juke" se convirtió en un éxito y en 1955 Rogers renunció para formar su propia banda. Waters nunca pudo recobrar la gloria de sus años anteriores a 1956, ya que la presión de ser un líder le llevó a utilizar varios músicos de estudio durante varios años a partir de entonces.

Se dirigió a Inglaterra en 1958 y sorprendió a sus audiencias en el extranjero con una guitarra eléctrica fuerte y amplificada y un ritmo estruendoso. Cuando el R&B comenzó a morir poco después, Waters volvió a su antiguo estilo de blues country. Su actuación en el Festival de Jazz de Newport en 1960 (ver En Newport 1960) convirtió a toda una nueva generación en el sonido Delta de Waters. Después de que músicos ingleses de la talla de Eric Clapton y los Rolling Stones expresaran su afición por el nuevo sonido, Waters regresó a la música eléctrica alrededor de 1964. En ese momento expresó su enojo cuando sintió que miembros de su propia raza le estaban dando la espalda al género, mientras que el público caucásico había mostrado un creciente respeto por el blues.

Sin embargo, durante casi veinte años (desde su último gran éxito en 1956, "I'm Ready"), Waters fue puesto en el estante trasero por el sello Chess y grabó álbumes con varios temas "populares": Latón y el Blues, Barro Eléctrico, etc. En 1972 regresó a Inglaterra para grabar The London Muddy Waters Sessions con cuatro grandes rockeros -Rory Gallagher, Steve Winwood, Rick Grech y Mitch Mitchell-, pero su forma de tocar no estaba a la altura de sus expectativas. "Estos chicos son los mejores músicos, pueden tocar conmigo, poner el libro delante de ellos y tocarlo, ya sabes", le dijo a Guralnick. "Pero eso no es lo que necesito vender a mi gente, no es el sonido de Muddy Waters. Y si cambias mi sonido, entonces vas a cambiar a todo el hombre".

El sonido de Waters era básicamente blues country delta electrificado, pero su uso de microtonos, tanto en su voz como en la interpretación de diapositivas, hizo extremadamente difícil duplicarlo y seguirlo correctamente. "Cuando toco en el escenario con mi banda, tengo que entrar ahí con mi guitarra y tratar de bajarme el sonido", dijo en Rolling Stone. "Pero tan pronto como dejo de tocar, vuelve a otro sonido diferente. Mis azules parecen tan simples, tan fáciles de hacer, pero no lo son. Dicen que mi blues es el más difícil de tocar del mundo".

En 1977 Johnny Winter convenció a su sello, Blue Sky, para que firmara Waters y se inició el comienzo de una fructífera asociación. El LP de Waters "comeback", Hard Again, se grabó en sólo dos días y fue lo más parecido al sonido original de Chicago que nadie podía esperar. El invierno produjo/jugó y llevó a Waters a su límite. El ex acompañante de Waters, James Cotton, contribuyó con la armónica en el álbum ganador del premio Grammy y le siguió una breve pero bien recibida gira. "Suena feliz, enérgico y con ganas de hacer negocios", declaró Dan Oppenheimer en Rolling Stone. "En resumen, Muddy Waters está pateando en el establo de otra mula."

En 1978 Winter reclutó a Walter Horton y Jimmy Rogers para ayudar en el LP I'm Ready de Waters duplicando el éxito crítico y comercial de Hard Again. El regreso continuó en 1979 con el elogiado LP Muddy "Mississippi" Waters Live. "Muddy estaba suelto para esto", escribió Jas Obrecht en Guitarrista, "y el resultado es lo mejor después de estar en primera fila en uno de sus espectáculos de blues de golpeteo, cabeceo y downhome". Al año siguiente, King Bee concluyó el reinado de Water en Blue Sky y los cuatro LPs resultaron ser sus álbumes más vendidos.

En 1983 Waters murió mientras dormía, a la edad de 70 años. En su funeral, multitudes de músicos de blues se presentaron para rendir homenaje a uno de los verdaderos originales de la forma de arte. "Muddy era un maestro de las notas correctas", dijo John Hammond Jr. a Guitar World. "Era una guitarra profunda, profunda y simple... . más country blues transpuesto a la guitarra eléctrica, el tipo de toque que realzaba las letras, daba profundidad a las palabras mismas". Dos años después de su muerte, la ciudad que hizo Muddy Waters (y viceversa) honró a su padre cambiando el nombre de 43rd Street a Muddy Waters Drive. Después de la muerte de Waters, B.B. King le dijo a Guitar World: "Pasarán años y años antes de que la mayoría de la gente se dé cuenta de lo grandioso que era para la música americana".

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Organ Fairchild • Leisure Suit

Nattily attired as Organ Fairchild is in the cover photo of Leisure Suit, the last word in the album title would seem to take the form of a verb rather than a noun. The fast-evolving ensemble strives for and reaches a playful atmosphere on this, their sophomore studio outing, but that's hardly the extent of their ambition(s).

By emphasizing exploratory electric guitar and keyboard work within concise arrangements, the threesome aims to mesh the classic jazz styles of both Jimmy Smith and Grant Green. In the economical approach to their concept, the Buffalo-based trio nevertheless travels outside the strict confines of the instrumental conceit to which its name alludes.

In doing so with such bravery, Organ Fairchild has almost but not quite fully processed their main influences. Guitarist Dave Ruch, for instance, still evokes vintage Carlos Santana a bit too obviously on "Morning Coffee." But kudos to him for his impeccable taste and artful execution in such moments: he and the comparatively young collective (together since 2020) are quite clearly having a ball finding their own voice, as evidenced by Joe Bellanti's often imaginative piano work on that very same cut.

In that respect, the unit's valiant efforts during numbers like "Chamelonious Monk"—another knowing nod to history—are further validated through the efforts of their technical collaborators. Recording and mixing the nine tracks (and even playing on the darkly atmospheric "Rusty Barge"), co-producer (with the band itself) Justin Guip is the current drummer for Hot Tuna and a three-time Grammy Award winner who worked directly with the late drummer/vocalist of The Band, Levon Helm, at his barn in Woodstock. Meanwhile, Soulive's co-founder/drummer Alan Evans—who also established and operates his own Iron Wax studio—mastered the recordings to clean and realistic effect.

Their expertise manifests itself throughout Leisure Suit and in fact, immediately comes into play on the opening title cut of Ruch's. Drummer Corey Kertie's percussion amplifies a summery air that belies an deceptive concession to the current fashion of covering compositions of the Grateful Dead. As it turns out, that move is merely a decoy to allow this triad of effervescent instrumentalists to transform Jerry Garcia and Robert Hunter's "He's Gone" almost beyond recognition.

Such action(s) hold to the vaunted jazz tradition of using popular song as fodder for extended jamming. Similarly, Organ Fairchild's assertive initiative nurtures selfawareness of their stylistic touchpoints. Along those lines, the group would do well to stretch out more as they do for just over six minutes on Kertzie's other contribution, "Glad You're Here;'' in doing so, however, the aforementioned keyboardist's use of fluid organ instead of antiseptic synthesizer would more effectively complement the guitar lines (not to mention remain more in keeping with the wry moniker of the group).

Proceeding to its collective coming of age, Organ Fairchild is the epitome of a thinking man's bar band. If their burgeoning maturity provides a gateway for listeners to discover the aforementioned masters of the jazz idiom, the readily accessible nature of this rookie band's improvisational tendencies will have served a noble purpose indeed. And that's even beyond the indelible imprint of their own distinctive persona on those who hear Leisure Suit.
By Doug Collette
September 19, 2023
https://www.allaboutjazz.com/leisure-suit/

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A pesar de que Organ Fairchild aparece muy elegantemente vestido en la portada de Leisure Suit, la última palabra del título del álbum parece más un verbo que un sustantivo. El conjunto, en rápida evolución, se esfuerza y alcanza una atmósfera lúdica en este su segundo trabajo de estudio, pero no es esa su ambición.

Enfatizando la guitarra eléctrica exploratoria y el trabajo de teclado dentro de arreglos concisos, el trío pretende engranar los estilos clásicos de jazz de Jimmy Smith y Grant Green. En el enfoque económico de su concepto, el trío con sede en Buffalo, sin embargo, viaja fuera de los límites estrictos de la concepción instrumental a la que alude su nombre.

Al hacerlo con tanta valentía, Organ Fairchild ha procesado casi por completo, aunque no del todo, sus principales influencias. El guitarrista Dave Ruch, por ejemplo, todavía evoca a Carlos Santana un poco demasiado obviamente en "Morning Coffee". Pero hay que felicitarle por su impecable gusto y ejecución artística en esos momentos: él y el relativamente joven colectivo (juntos desde 2020) están claramente disfrutando encontrando su propia voz, como lo demuestra el a menudo imaginativo trabajo de piano de Joe Bellanti en ese mismo corte.

En ese sentido, los valientes esfuerzos de la unidad durante números como "Chamelonious Monk" -otro guiño a la historia- se ven validados por los esfuerzos de sus colaboradores técnicos. Grabando y mezclando los nueve temas (e incluso tocando en la oscuramente atmosférica "Rusty Barge"), el coproductor (con la propia banda) Justin Guip es el actual batería de Hot Tuna y un ganador de tres premios Grammy que trabajó directamente con el difunto batería/vocalista de The Band, Levon Helm, en su granero de Woodstock. Por su parte, el cofundador y batería de Soulive, Alan Evans, que también fundó y dirige su propio estudio Iron Wax, masterizó las grabaciones con un efecto limpio y realista.

Su experiencia se manifiesta a lo largo de Leisure Suit y, de hecho, entra en juego inmediatamente en el primer corte de Ruch. La percusión del batería Corey Kertie amplifica un aire veraniego que oculta una engañosa concesión a la moda actual de versionar composiciones de Grateful Dead. Resulta que ese movimiento no es más que un señuelo para permitir a esta tríada de efervescentes instrumentistas transformar "He's Gone" de Jerry Garcia y Robert Hunter casi hasta hacerla irreconocible.

Este tipo de acción(es) se aferra(n) a la cacareada tradición jazzística de utilizar la canción popular como forraje para largas improvisaciones. Del mismo modo, la iniciativa asertiva de Organ Fairchild alimenta la autoconciencia de sus puntos de contacto estilísticos. En esta línea, el grupo haría bien en estirarse más, como hace durante algo más de seis minutos en la otra contribución de Kertzie, "Glad You're Here"; al hacerlo, sin embargo, el mencionado uso del teclista de un órgano fluido en lugar de un sintetizador antiséptico complementaría más eficazmente las líneas de guitarra (por no mencionar que estaría más en consonancia con el irónico apodo del grupo).

Procediendo a su mayoría de edad colectiva, Organ Fairchild es el epítome de la banda de bar de un hombre pensante. Si su floreciente madurez sirve de puerta de entrada para que los oyentes descubran a los mencionados maestros del lenguaje jazzístico, la naturaleza fácilmente accesible de las tendencias improvisadoras de esta banda de novatos habrá servido a un noble propósito. Y eso incluso más allá de la huella indeleble de su propia personalidad distintiva en quienes escuchen Leisure Suit.
Por Doug Collette
19 de septiembre de 2023
https://www.allaboutjazz.com/leisure-suit/

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Aaron Seeber • First Move

Biography
Aaron Seeber, a 29-year old drummer living in Queens, NY is making his name as an emerging Jazz drummer in New York City.

Originally born in Washington DC, Aaron was exposed early on to many great musicians such as Buck Hill, Freddie Redd, Butch Warren, Larry Willis and many other legends that helped feed his enthusiasm for Jazz music. While in high school, Aaron attended Paul Carr’s Jazz Academy of Music (JAM) Camp, where Aaron is now on as faculty drum instructor and combo teacher.

Aaron attended SUNY Purchase, where he studied Jazz Drums under the tutelage of renowned instructors Kenny Washington and John Riley.

As a performer, Seeber has had the incredible opportunity to share the stage with greats Eric Reed, Pete Malinverni, Warren Wolf, Grant Stewart, Cyrille Aimée, Jeremy Pelt, Paul Bollenback, Tim Green, Ugonna Okegwo, Bruce Harris, Gary Smulyan, Mike Ledonne, Freddie Redd, Butch Warren, Chuck Redd, and many others. He has performed internationally with The Warren Wolf Trio and nationally with the grammy award winning group, The New York Voices. He leads his own Quintet at Smalls Jazz Club twice a month. Aaron has played at many of the renowned venues and festivals around the world including Blues Alley, Marian's Jazz Room (Switzerland), The Blue Note New York, Dizzy's Club Coca-Cola, Birdland, The Mid-Atlantic Jazz Festival, Twins Jazz, The Kennedy Center, Carnegie Hall, The Caramoor Jazz Festival, The DC Jazz Festival and The Falcon.

Seeber recently recorded his debut record "First Move" featuring Warren Wolf, Tim Green, Sullivan Fortner, and Ugonna Okegwo. It will be released May 13th, 2022 on Cellar Live Records.

Aaron endorses Murat-Diril Cymbals and Canopus Drums
https://www.aaronseeber.com/biography

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Biografía
Aaron Seeber, un baterista de 29 años que vive en Queens, Nueva York, se está haciendo un nombre como baterista de jazz emergente en la ciudad de Nueva York.

Nacido en Washington DC, Aaron estuvo expuesto desde muy temprano a muchos grandes músicos como Buck Hill, Freddie Redd, Butch Warren, Larry Willis y muchas otras leyendas que ayudaron a alimentar su entusiasmo por la música de Jazz. Mientras estaba en la escuela secundaria, Aaron asistió al campamento de la Academia de Música de Jazz (JAM) de Paul Carr, donde Aaron está ahora como instructor de batería de la facultad y profesor de combo.

Aaron asistió a SUNY Purchase, donde estudió Batería de Jazz bajo la tutela de los renombrados instructores Kenny Washington y John Riley.

Como intérprete, Seeber ha tenido la increíble oportunidad de compartir el escenario con los grandes Eric Reed, Pete Malinverni, Warren Wolf, Grant Stewart, Cyrille Aimée, Jeremy Pelt, Paul Bollenback, Tim Green, Ugonna Okegwo, Bruce Harris, Gary Smulyan, Mike Ledonne, Freddie Redd, Butch Warren, Chuck Redd, y muchos otros. Ha actuado a nivel internacional con The Warren Wolf Trio y a nivel nacional con el grupo ganador del Grammy, The New York Voices. Dirige su propio quinteto en el Smalls Jazz Club dos veces al mes. Aaron ha tocado en muchos de los lugares y festivales de renombre de todo el mundo, como Blues Alley, Marian's Jazz Room (Suiza), The Blue Note New York, Dizzy's Club Coca-Cola, Birdland, The Mid-Atlantic Jazz Festival, Twins Jazz, The Kennedy Center, Carnegie Hall, The Caramoor Jazz Festival, The DC Jazz Festival y The Falcon.

Seeber ha grabado recientemente su disco de debut "First Move" con Warren Wolf, Tim Green, Sullivan Fortner y Ugonna Okegwo. Se publicará el 13 de mayo de 2022 en Cellar Live Records.

Aaron respalda los platillos Murat-Diril y los tambores Canopus
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Sonny Rollins • The Meeting

Theodore Walter Rollins was born on September 7, 1930 in New York City. He grew up in Harlem not far from the Savoy Ballroom, the Apollo Theatre, and the doorstep of his idol, Coleman Hawkins. After early discovery of Fats Waller and Louis Armstrong, he started out on alto saxophone, inspired by Louis Jordan. At the age of sixteen, he switched to tenor, trying to emulate Hawkins. He also fell under the spell of the musical revolution that surrounded him, Bebop.

He began to follow Charlie Parker, and soon came under the wing of Thelonious Monk, who became his musical mentor and guru. Living in Sugar Hill, his neighborhood musical peers included Jackie McLean, Kenny Drew and Art Taylor, but it was young Sonny who was first out of the pack, working and recording with Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell and Miles Davis before he turned twenty.

“Of course, these people are there to be called on because I think I represent them in a way,” Rollins said recently of his peers and mentors. “They’re not here now so I feel like I’m sort of representing all of them, all of the guys. Remember, I’m one of the last guys left, as I’m constantly being told, so I feel a holy obligation sometimes to evoke these people.”

In the early fifties, he established a reputation first among musicians, then the public, as the most brash and creative young tenor on the scene, through his work with Miles, Monk, and the MJQ.

Miles Davis was an early Sonny Rollins fan and in his autobiography wrote that he “began to hang out with Sonny Rollins and his Sugar Hill Harlem crowd…anyway, Sonny had a big reputation among a lot of the younger musicians in Harlem. People loved Sonny Rollins up in Harlem and everywhere else. He was a legend, almost a god to a lot of the younger musicians. Some thought he was playing the saxophone on the level of Bird. I know one thing–he was close. He was an aggressive, innovative player who always had fresh musical ideas. I loved him back then as a player and he could also write his ass off…”

Sonny moved to Chicago for a few years to remove himself from the surrounding elements of negativity around the Jazz scene. He reemerged at the end of 1955 as a member of the Clifford Brown-Max Roach Quintet, with an even more authoritative presence. His trademarks became a caustic, often humorous style of melodic invention, a command of everything from the most arcane ballads to calypsos, and an overriding logic in his playing that found him hailed for models of thematic improvisation.

It was during this time that Sonny acquired a nickname,”Newk.” As Miles Davis explains in his autobiography: “Sonny had just got back from playing a gig out in Chicago. He knew Bird, and Bird really liked Sonny, or “Newk” as we called him, because he looked like the Brooklyn Dodgers’ pitcher Don Newcombe. One day, me and Sonny were in a cab…when the white cabdriver turned around and looked at Sonny and said, `Damn, you’re Don Newcombe!” Man, the guy was totally excited. I was amazed, because I hadn’t thought about it before. We just put that cabdriver on something terrible. Sonny started talking about what kind of pitches he was going to throw Stan Musial, the great hitter for the St. Louis Cardinals, that evening…”

In 1956, Sonny began recording the first of a series of landmark recordings issued under his own name: Valse Hot introduced the practice, now common, of playing bop in 3/4 meter; St. Thomasinitiated his explorations of calypso patterns; and Blue 7 was hailed by Gunther Schuller as demonstrating a new manner of “thematic improvisation,” in which the soloist develops motifs extracted from his theme. Way Out West (1957), Rollins’s first album using a trio of saxophone, double bass, and drums, offered a solution to his longstanding difficulties with incompatible pianists, and exemplified his witty ability to improvise on hackneyed material (Wagon Wheels, I’m an Old Cowhand). It Could Happen to You (also 1957) was the first in a long series of unaccompanied solo recordings, and The Freedom Suite (1958) foreshadowed the political stances taken in jazz in the 1960s. During the years 1956 to 1958 Rollins was widely regarded as the most talented and innovative tenor saxophonist in jazz.

Rollins’s first examples of the unaccompanied solo playing that would become a specialty also appeared in this period; yet the perpetually dissatisfied saxophonist questioned the acclaim his music was attracting, and between 1959 and late `61 withdrew from public performance.

Sonny remembers that he took his leave of absence from the scene because “I was getting very famous at the time and I felt I needed to brush up on various aspects of my craft. I felt I was getting too much, too soon, so I said, wait a minute, I’m going to do it my way. I wasn’t going to let people push me out there, so I could fall down. I wanted to get myself together, on my own. I used to practice on the Bridge, the Williamsburg Bridge because I was living on the Lower East Side at the time.”

sonnyonthebridgefixedWhen he returned to action in late `61, his first recording was appropriately titled The Bridge. By the mid 60’s, his live sets became grand, marathon stream-of-consciousness solos where he would call forth melodies from his encyclopedic knowledge of popular songs, including startling segues and sometimes barely visiting one theme before surging into dazzling variations upon the next. Rollins was brilliant, yet restless. The period between 1962 and `66 saw him returning to action and striking productive relationships with Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, and his idol Hawkins, yet he grew dissatisfied with the music business once again and started yet another sabbatical in `66. “I was getting into eastern religions,” he remembers. “I’ve always been my own man. I’ve always done, tried to do, what I wanted to do for myself. So these are things I wanted to do. I wanted to go on the Bridge. I wanted to get into religion. But also, the Jazz music business is always bad. It’s never good. So that led me to stop playing in public for a while, again. During the second sabbatical, I worked in Japan a little bit, and went to India after that and spent a lot of time in a monastery. I resurfaced in the early 70s, and made my first record in `72. I took some time off to get myself together and I think it’s a good thing for anybody to do.”

In 1972, with the encouragement and support of his wife Lucille, who had become his business manager, Rollins returned to performing and recording, signing with Milestone and releasing Next Album. (Working at first with Orrin Keepnews, Sonny was by the early ’80s producing his own Milestone sessions with Lucille.) His lengthy association with the Berkeley-based label produced two dozen albums in various settings – from his working groups to all-star ensembles (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); from a solo recital to tour recordings with the Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); in the studio and on the concert stage (Montreux, San Francisco, New York, Boston). Sonny was also the subject of a mid-’80s documentary by Robert Mugge entitled Saxophone Colossus; part of its soundtrack is available as G-Man.

He won his first performance Grammy for This Is What I Do (2000), and his second for 2004’s Without a Song (The 9/11 Concert), in the Best Jazz Instrumental Solo category (for “Why Was I Born”). In addition, Sonny received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Recording Arts and Sciences in 2004.

In June 2006 Rollins was inducted into the Academy of Achievement – and gave a solo performance – at the International Achievement Summit in Los Angeles. The event was hosted by George Lucas and Steven Spielberg and attended by world leaders as well as distinguished figures in the arts and sciences.

Rollins was awarded the Austrian Cross of Honor for Science and Art, First Class, in November 2009. The award is one of Austria’s highest honors, given to leading international figures for distinguished achievements. The only other American artists who have received this recognition are Frank Sinatra and Jessye Norman.

In 2010 on the eve of his 80th birthday, Sonny Rollins is one of 229 leaders in the sciences, social sciences, humanities, arts, business, and public affairs who have been elected members of the American Academy of Arts and Sciences. A center for independent policy research, the Academy is among the nation’s oldest and most prestigious honorary societies and celebrates the 230th anniversary of its founding this year.

In August 2010, Rollins was named the Edward MacDowell Medalist, the first jazz composer to be so honored. The Medal has been awarded annually since 1960 to an individual who has made an outstanding contribution to his or her field.

Yet another major award was bestowed on Rollins on March 2, 2011, when he received the Medal of Arts from President Barack Obama in a White House ceremony. Rollins accepted the award, the nation’s highest honor for artistic excellence, “on behalf of the gods of our music.”

Since 2006, Rollins has been releasing his music on his own label, Doxy Records. The first Doxy album was Sonny, Please, Rollins’s first studio recording since This Is What I Do. That was followed by the acclaimed Road Shows, vol. 1 (2008), the first in a planned series of recordings from Rollins’s audio archives.

Mr. Rollins released Road Shows, vol. 2 in the fall of 2011. In addition to material recorded in Sapporo and Tokyo, Japan during an October 2010 tour, the recording contains several tracks from Sonny’s September 2010 80th birthday concert in New York—including the historic and electrifying encounter with Ornette Coleman.

On December 3, 2011 Sonny Rollins was one of five 2011 Kennedy Center honorees, alongside actress Meryl Streep, singer Barbara Cook, singer/songwriter Neil Diamond and cellist Yo-Yo Ma. Rollins said of the honor, “I am deeply appreciative of this great honor. In honoring me, the Kennedy Center honors jazz, America’s classical music. For that, I am very grateful.”

The saxophonist’s most recent CD is Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony). He has just completed editing Road Shows, vol. 4, for Spring 2016 release.

https://sonnyrollins.com/biography/

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Theodore Walter Rollins nació el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York. Creció en Harlem no lejos del Savoy Ballroom, el Teatro Apolo y la puerta de su ídolo, Coleman Hawkins. Tras el descubrimiento temprano de Fats Waller y Louis Armstrong, empezó con el saxo alto, inspirado por Louis Jordan. A la edad de 16 años, cambió a tenor, tratando de emular a Hawkins. También cayó bajo el hechizo de la revolución musical que lo rodeaba, el Bebop.

Empezó a seguir a Charlie Parker, y pronto se puso bajo el ala de Thelonious Monk, que se convirtió en su mentor musical y gurú. Viviendo en Sugar Hill, entre sus compañeros musicales de barrio se encontraban Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor, pero fue el joven Sonny el primero en salir de la manada, trabajando y grabando con Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell y Miles Davis antes de cumplir los veinte años.

"Por supuesto, estas personas están ahí para ser llamadas porque creo que los represento de alguna manera", dijo Rollins recientemente sobre sus compañeros y mentores. "No están aquí ahora, así que siento que los represento a todos ellos, a todos los chicos. Recuerden que soy uno de los últimos que quedan, como me dicen constantemente, así que siento una obligación sagrada a veces de evocar a estas personas".

A principios de los 50, estableció una reputación, primero entre los músicos y luego entre el público, como el joven tenor más descarado y creativo de la escena, a través de su trabajo con Miles, Monk y el MJQ.

Miles Davis fue uno de los primeros fans de Sonny Rollins y en su autobiografía escribió que "empezó a salir con Sonny Rollins y su gente de Sugar Hill Harlem... de todas formas, Sonny tenía una gran reputación entre muchos de los músicos más jóvenes de Harlem". La gente amaba a Sonny Rollins en Harlem y en todas partes. Era una leyenda, casi un dios para muchos de los músicos jóvenes. Algunos pensaban que tocaba el saxofón al nivel de Bird. Sé una cosa, estaba cerca. Era un músico agresivo e innovador que siempre tenía ideas musicales frescas. Lo amaba en ese entonces como músico y también podía escribir su trasero..."

Sonny se mudó a Chicago por unos años para alejarse de los elementos negativos que rodean la escena del Jazz. Reapareció a finales de 1955 como miembro del Quinteto Clifford Brown-Max Roach, con una presencia aún más autoritaria. Su marca registrada se convirtió en un estilo cáustico, a menudo humorístico, de invención melódica, un dominio de todo, desde las baladas más arcanas hasta los calipsos, y una lógica primordial en su forma de tocar que lo encontró aclamado por los modelos de improvisación temática.

Fue durante este tiempo que Sonny adquirió un apodo, "Newk". Como explica Miles Davis en su autobiografía: "Sonny acababa de regresar de un concierto en Chicago. Conocía a Bird, y a Bird le gustaba mucho Sonny, o "Newk" como lo llamábamos, porque se parecía al lanzador de los Dodgers de Brooklyn, Don Newcombe. Un día, Sonny y yo estábamos en un taxi... cuando el taxista blanco se dio la vuelta y miró a Sonny y le dijo: "¡Maldita sea, eres Don Newcombe!" Tío, el tipo estaba totalmente excitado. Estaba sorprendido, porque no había pensado en ello antes. Acabamos de poner a ese taxista en algo terrible. Sonny empezó a hablar de qué tipo de lanzamientos iba a hacer Stan Musial, el gran bateador de los Cardenales de San Luis, esa noche..."

En 1956, Sonny comenzó a grabar la primera de una serie de grabaciones históricas publicadas con su propio nombre: Valse Hot introdujo la práctica, ahora común, de tocar bop en 3/4 de metro; St. Thomas inició sus exploraciones de los patrones del calipso; y Blue 7 fue aclamado por Gunther Schuller como una nueva forma de "improvisación temática", en la que el solista desarrolla motivos extraídos de su tema. Way Out West (1957), el primer álbum de Rollins con un trío de saxofón, contrabajo y batería, ofreció una solución a sus antiguas dificultades con pianistas incompatibles, y ejemplificó su ingeniosa habilidad para improvisar sobre material trillado (Wagon Wheels, I'm an Old Cowhand). It Could Happen to You (también 1957) fue la primera de una larga serie de grabaciones en solitario sin acompañamiento, y The Freedom Suite (1958) prefiguró las posturas políticas adoptadas en el jazz en el decenio de 1960. Durante los años 1956 a 1958 Rollins fue considerado como el saxofonista tenor más talentoso e innovador del jazz.

Los primeros ejemplos de Rollins de la interpretación en solitario sin acompañamiento que se convertiría en una especialidad también aparecieron en este período; sin embargo, el saxofonista, perpetuamente insatisfecho, cuestionó la aclamación que su música estaba atrayendo, y entre 1959 y finales de 1961 se retiró de la actuación pública.

Sonny recuerda que se despidió de la escena porque "me estaba volviendo muy famoso en ese momento y sentí que necesitaba repasar varios aspectos de mi oficio. Sentí que estaba recibiendo demasiado, demasiado pronto, así que dije, espera un minuto, voy a hacerlo a mi manera. No iba a dejar que la gente me empujara ahí fuera, para que me cayera. Quería recomponerme, por mi cuenta. Solía practicar en el puente, el puente de Williamsburg, porque en ese momento vivía en el Lower East Side".

Cuando volvió a la acción a finales del 61, su primera grabación se tituló apropiadamente El Puente. A mediados de los 60, sus directos se convirtieron en grandes y maratónicos solos de consciencia donde sacaba melodías de su conocimiento enciclopédico de las canciones populares, incluyendo sorprendentes segundas partes y a veces apenas visitando un tema antes de pasar a deslumbrantes variaciones sobre el siguiente. Rollins era brillante, pero inquieto. El período entre 1962 y 1966 le vio volver a la acción y establecer relaciones productivas con Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, y su ídolo Hawkins, pero se descontento con el negocio de la música una vez más y comenzó otro año sabático en 1966. "Me estaba metiendo en las religiones orientales", recuerda. "Siempre he sido mi propio hombre. Siempre he hecho, tratado de hacer, lo que he querido hacer por mí mismo. Así que estas son las cosas que quería hacer. Quería ir al puente. Quería entrar en la religión. Pero también, el negocio de la música de Jazz siempre es malo. Nunca es bueno. Así que eso me llevó a dejar de tocar en público por un tiempo, de nuevo. Durante el segundo año sabático, trabajé un poco en Japón, y después me fui a la India y pasé mucho tiempo en un monasterio. Resurgí a principios de los 70, e hice mi primer disco en el 72. Me tomé un tiempo libre para recomponerme y creo que es algo bueno para cualquiera".

En 1972, con el estímulo y el apoyo de su esposa Lucille, que se había convertido en su gerente comercial, Rollins volvió a actuar y a grabar, firmando con Milestone y lanzando Next Album. (Trabajando al principio con Orrin Keepnews, Sonny estaba a principios de los 80 produciendo sus propias sesiones de Milestone con Lucille). Su larga asociación con el sello discográfico de Berkeley produjo dos docenas de álbumes en varios escenarios - desde sus grupos de trabajo hasta conjuntos de estrellas (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); desde un recital en solitario hasta grabaciones de gira con los Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); en el estudio y en el escenario de conciertos (Montreux, San Francisco, Nueva York, Boston). Sonny también fue objeto de un documental de mediados de los años ochenta de Robert Mugge titulado Saxophone Colossus; parte de su banda sonora está disponible como G-Man.

Ganó su primer Grammy por This Is What I Do (2000), y su segundo por Without a Song (The 9/11 Concert) de 2004, en la categoría de Mejor Solo Instrumental de Jazz (por "Why Was I Born"). Además, Sonny recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación en 2004.

En junio de 2006 Rollins fue admitido en la Academia de Logros, y realizó una actuación en solitario, en la Cumbre Internacional de Logros de Los Ángeles. El evento fue presentado por George Lucas y Steven Spielberg y asistieron líderes mundiales así como distinguidas figuras de las artes y las ciencias.

Rollins fue galardonado con la Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y el Arte, de primera clase, en noviembre de 2009. El premio es uno de los más altos honores de Austria, otorgado a las principales figuras internacionales por sus distinguidos logros. Los únicos otros artistas americanos que han recibido este reconocimiento son Frank Sinatra y Jessye Norman.

En 2010, en la víspera de su 80 cumpleaños, Sonny Rollins es uno de los 229 líderes en ciencias, ciencias sociales, humanidades, artes, negocios y asuntos públicos que han sido elegidos miembros de la Academia Americana de Artes y Ciencias. La Academia, un centro de investigación política independiente, es una de las sociedades honorarias más antiguas y prestigiosas del país y celebra este año el 230 aniversario de su fundación.

En agosto de 2010, Rollins fue nombrado medallista Edward MacDowell, el primer compositor de jazz en recibir este honor. La Medalla se ha concedido anualmente desde 1960 a un individuo que ha hecho una contribución sobresaliente en su campo.

Otro premio importante fue otorgado a Rollins el 2 de marzo de 2011, cuando recibió la Medalla de las Artes del Presidente Barack Obama en una ceremonia en la Casa Blanca. Rollins aceptó el premio, el más alto honor de la nación por excelencia artística, "en nombre de los dioses de nuestra música".

Desde 2006, Rollins ha estado publicando su música en su propio sello, Doxy Records. El primer álbum de Doxy fue Sonny, Please, la primera grabación de estudio de Rollins desde This Is What I Do. A esto le siguió el aclamado Road Shows, vol. 1 (2008), el primero de una serie de grabaciones previstas de los archivos de audio de Rollins.

El Sr. Rollins publicó Road Shows, vol. 2 en el otoño de 2011. Además del material grabado en Sapporo y Tokio, Japón, durante una gira en octubre de 2010, la grabación contiene varios temas del concierto del 80º cumpleaños de Sonny en Nueva York en septiembre de 2010, incluyendo el histórico y electrizante encuentro con Ornette Coleman.

El 3 de diciembre de 2011 Sonny Rollins fue uno de los cinco homenajeados del Kennedy Center en 2011, junto con la actriz Meryl Streep, la cantante Barbara Cook, el cantante y compositor Neil Diamond y el violonchelista Yo-Yo Ma. Rollins dijo del honor: "Estoy profundamente agradecido por este gran honor. Al honrarme, el Kennedy Center honra el jazz, la música clásica de Estados Unidos. Por eso, estoy muy agradecido".

El CD más reciente del saxofonista es Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony). Acaba de terminar la edición de Road Shows, vol. 4, para su lanzamiento en la primavera de 2016.

egroj world

Tuesday, July 2, 2024

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