Infinity Music Hall, Norfolk, CT (USA) 2014
Setlist:
1.Intro
2.You Move Me
3.(Won’t Be) Coming Home
4.Chicken In the Kitchen
5.Fine Yesterday
6.Bad Influence
7.Side Dish
8.What Would You Say
9.The Forecast (Calls for Pain)
10.Hip Tight Onions
11.Time Makes Two
12.Right Next Door (Because of Me)
Musicians:
Robert Cray - guitars, vocals
Richard Cousins - bass
Les Falconer - drums, vocals
Dover Weinberg - keyboards
Setlist:
1. My Main Thang
2. Get Serious Get A Job
3. Afriquarius
4. Tracksuit
5. Where The Funk Is Art
6. Papa Bull
7. Rhythm Is Our Business
13 November 2019
Setlist:
01 Abra Kadabra
02 Seven To Four
03 Ataraxia
04 Circus Polka (Motherhood)
05 Dark Flame
06 Sahara
07 Samburada
Musicians:
Klaus Doldinger - soprano & tenor saxophone, flute
Michael Hornek - keyboards
Ernst Strцer - percussion
Biboul Darouiche - percussion
Christian Lettner - drums
Patrick Scales - bass
Martin Scales - guitar
17.05.2012
Setlist:
1). Gritos
2). Frulato
3). Fazenda Novato
4). Taynara
5). Ailin
6). Futicando
7). Tamencos E Pilhois
8). Autumn Leaves
9). Tupizando
10). Joyce
11). Pour Itibere
12). Garotte
13). Reman
14). Irnaos Latinos
Musicians:
Hermeto Pascoal - Jazz sous les Pommiers 2012
Jazz sous les Pommiers, 17.05.2012
Hermeto Pascoal - basse
Itibre Zwary - contrebasse
Marcio Bahia - batterie
Fabio Pascoal - percussion
Doris Vinicious - flute
Andres Pereira Marques - piano
Aline Morena - chant
September 17, 2015
Setlist:
01 It's Different For Girls
02 Fast Forward
03 Is She Really Going Out With Him?
04 Real Men
05 You Can't Get What You Want (Till You Know What You Want)
06 Kings Of The City
07 A Little Smile
08 Ode To Joy
09 Steppin' Out
10 One More Time
11 A Slow Song
12 closing credits
Musicians:
Joe Jackson - vocals, piano
Graham Maby - bass, vocals
Teddy Krumpel - guitar, vocals
Doug Yowell - drums
John Young
Brubeck and Jay & Kai at Newport Review
by Scott Yanow
This
historic LP finds the Dave Brubeck Quartet performing two standards
("Take the 'A' Train" and "I'm in a Dancing Mood") along with the
pianist/leader's "In Your Own Sweet Way" and "Two-Part Contention."
Altoist Paul Desmond is in fine form as is the supportive drummer Joe
Dodge who would soon leave the Quartet; Joe Morello was his eventual
replacement. The second part of this LP is the final performance by the
two-trombone J.J. Johnson-Kai Winding Quintet before they broke up after
two years of steady work. Overall, this album gives one a good look at
two of the most popular jazz groups of 1956.
https://www.allmusic.com/album/dave-brubeck-and-jay-kai-at-newport-mw0000892147?1635361318841
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Brubeck y Jay & Kai en Newport Review
por Scott Yanow
Este
histórico LP encuentra al Dave Brubeck Quartet interpretando dos
estándares ("Take the 'A' Train" y "I'm in a Dancing Mood") junto con
"In Your Own Sweet Way" y "Two-Part Contention" del pianista/líder. El
contralto Paul Desmond está en buena forma, al igual que el batería Joe
Dodge, que pronto dejaría el cuarteto; Joe Morello fue su eventual
sustituto. La segunda parte de este LP es la última actuación del
quinteto de dos trombones J.J. Johnson-Kai Winding antes de que se
disolviera tras dos años de trabajo constante. En general, este álbum
ofrece una buena visión de dos de los grupos de jazz más populares de
1956.
https://www.allmusic.com/album/dave-brubeck-and-jay-kai-at-newport-mw0000892147?1635361318841
American
jazz and blues saxophonist (tenor, baritone), born July 12, 1916 in
Lexington, Tennessee, died October 5, 1990 in Lexington, Tennessee.
Worked
with Scat Man Crothers (late 1930's), Cootie Williams, Lucky Millinder
(early 1940s), Cab Calloway, Ray Charles, Buddy Johnson, Louis Jordan,
Big Joe Turner, Ella Fitzgerald and many others.
Artist Biography by Ron Wynn
A
certified honking sax legend, Sam "The Man" Taylor's non-stop drive and
power worked perfectly in swing, blues, and R&B sessions. He had a
huge tone, perfect timing, and sense of drama, as well as relentless
energy and spirit. Taylor began working with Scat Man Crothers and the
Sunset Royal Orchestra in the late '30s. He played with Cootie Williams
and Lucky Millinder in the early '40s, then worked six years with Cab
Calloway. Taylor toured South America and the Caribbean during his
tenure with Calloway. Then, Taylor became the saxophonist of choice for
many R&B dates through the '50s, recording with Ray Charles, Buddy
Johnson, Louis Jordan, and Big Joe Turner, among others. He also did
sessions with Ella Fitzgerald and Sy Oliver. During the '60s, Taylor led
his own bands and recorded in a quintet called the Blues Chasers. He
currently has one session available on CD, recorded in the late '50s
with Charlie Shavers and Urbie Green.
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Saxofonista
americano de jazz y blues (tenor, barítono), nacido el 12 de julio de
1916 en Lexington, Tennessee, fallecido el 5 de octubre de 1990 en
Lexington, Tennessee.
Trabajó con Scat Man Crothers (finales de los
años 30), Cootie Williams, Lucky Millinder (principios de los años 40),
Cab Calloway, Ray Charles, Buddy Johnson, Louis Jordan, Big Joe Turner,
Ella Fitzgerald y muchos otros.
Biografía del artista por Ron Wynn
Una
leyenda del saxofón, Sam "The Man" Taylor, con su potencia y su
conducción ininterrumpida, funcionaba perfectamente en sesiones de
swing, blues y R&B. Tenía un tono enorme, una sincronización
perfecta y sentido del drama, así como una energía y espíritu
implacables. Taylor empezó a trabajar con Scat Man Crothers y la Sunset
Royal Orchestra a finales de los años 30. Tocó con Cootie Williams y
Lucky Millinder a principios de los 40, y luego trabajó seis años con
Cab Calloway. Taylor hizo una gira por Sudamérica y el Caribe durante su
estancia en Calloway. Luego, Taylor se convirtió en el saxofonista
elegido para muchas fechas de R&B hasta los años 50, grabando con
Ray Charles, Buddy Johnson, Louis Jordan y Big Joe Turner, entre otros.
También hizo sesiones con Ella Fitzgerald y Sy Oliver. Durante los años
60, Taylor lideró sus propias bandas y grabó en un quinteto llamado The
Blues Chasers. Actualmente tiene una sesión disponible en CD, grabada a
finales de los 50 con Charlie Shavers y Urbie Green.
Tim Kliphuis (violin) and Jimmy Grant (guitar) present a selection of Django-related songs. Recorded live in Minneapolis, USA
Review by Michael G. Nastos
Ron Carter's Uptown Conversation may very well be the most intriguing, challenging, and resonant statement of many he has made over the years as a leader. As a prelude to his funkier electric efforts for CTI and the wonderful dates for Milestone Records, where he emphasized the piccolo bass, these selections showcase Carter with unlikely partners in early creative improvised settings, a hint of R&B, and some of the hard-charging straight-ahead music that he is most well known for. Flute master Hubert Laws takes a prominent role on several tracks, including the title cut with its funky but not outdated style, where he works in tandem with Carter's basslines. On "R.J.," the short hard bop phrasings of Laws and Carter are peppy and brisk, but not clipped. The first rendering of "Little Waltz," apart from the Miles Davis repertoire to which Carter contributed, is more pensive and delicate, with Laws at the helm rather than Davis' trumpet. Carter's trio recordings with pianist Herbie Hancock and drummer Billy Cobham are cast in a different light, as the lengthy "Half a Row" (referring to six of a 12-tone row) is at once free, spacy, loose, and very atypical for these soon-to-be fusion pioneers. The three stay in a similar dynamic range during "Einbahnstrasse," but move to some hard bop changes informed by the brilliant chordal vamping and extrapolating of Hancock, while "Doom" is another 3/4 waltz with chiming piano offsetting Carter's skittering bass. There's also a free-and-easy duet with guitarist Sam Brown. Considering the music Ron Carter played preceding and following this effort, you'd be hard-pressed to find a more diverse, intellectually stimulating, enlivened, and especially unrestricted musical statement in his long and enduring career.
https://www.allmusic.com/album/uptown-conversation-mw0000203102
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Reseña de Michael G. Nastos
Uptown Conversation de Ron Carter puede muy bien ser la declaración más intrigante, desafiante y resonante de las muchas que ha hecho a lo largo de los años como líder. Como preludio a sus esfuerzos eléctricos más funk para CTI y las maravillosas fechas para Milestone Records, donde hizo hincapié en el bajo piccolo, estas selecciones muestran a Carter con socios improbables en los primeros ajustes creativos improvisados, un toque de R & B, y algunos de la música directa de carga dura por la que es más conocido. El maestro de la flauta Hubert Laws tiene un papel destacado en varios temas, incluido el corte que da título al disco, con su estilo funky pero no anticuado, donde trabaja en tándem con las líneas de bajo de Carter. En "R.J.", los breves fraseos hard bop de Laws y Carter son alegres y enérgicos, pero no cortados. La primera versión de "Little Waltz", aparte del repertorio de Miles Davis al que contribuyó Carter, es más pensativa y delicada, con Laws al timón en lugar de la trompeta de Davis. Las grabaciones en trío de Carter con el pianista Herbie Hancock y el batería Billy Cobham se presentan bajo una luz diferente, ya que la larga "Half a Row" (en referencia a seis de una fila de 12 tonos) es a la vez libre, picante, suelta y muy atípica para estos pioneros de la fusión que pronto se convertirían en tales. Los tres se mantienen en un rango dinámico similar durante "Einbahnstrasse", pero pasan a algunos cambios de hard bop informados por el brillante vampirismo y extrapolación de acordes de Hancock, mientras que "Doom" es otro vals en 3/4 con un piano que compensa el bajo de Carter. También hay un dúo libre y desenfadado con el guitarrista Sam Brown. Teniendo en cuenta la música que Ron Carter tocó antes y después de este trabajo, sería difícil encontrar una declaración musical más diversa, intelectualmente estimulante, animada y especialmente sin restricciones en su larga y duradera carrera.
https://www.allmusic.com/album/uptown-conversation-mw0000203102
There are no disappointments here. From a quartet such as this-Andy McKee on bass and Akira Tana on drums fill out the group-one expects some fireworks. They deliver. Wilkins is a wonderfully lyrical guitarist, with great facility put to the service of a finely honed sense of melody: seldom does one have the sense that he is just running through the modes. Drew is a truly gifted pianist, who can evoke both Tatum and Evans by turns-but evocation is a by-product of inspiration here. Like his co-leader, Drew seems intent on carving out personal statements, as soloists and as a band. They give the sense of being far more than passing acquaintances on this date: all four players seem to be enjoying themselves immensely. It is likely that the listener will find himself in the same state: this is a promising and exciting recording for all parties concerned.
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Aquí no hay decepciones. De un cuarteto como éste -Andy McKee al bajo y Akira Tana a la batería completan el grupo- uno espera algunos fuegos artificiales. Y lo hacen. Wilkins es un guitarrista maravillosamente lírico, con una gran facilidad puesta al servicio de un afinado sentido de la melodía: rara vez se tiene la sensación de que se limita a recorrer los modos. Drew es un pianista realmente dotado, que puede evocar tanto a Tatum como a Evans por turnos, pero la evocación es aquí un subproducto de la inspiración. Al igual que su co-líder, Drew parece estar decidido a crear declaraciones personales, como solistas y como banda. Dan la sensación de ser mucho más que conocidos de paso en esta cita: los cuatro músicos parecen estar disfrutando inmensamente. Es probable que el oyente se encuentre en el mismo estado: se trata de una grabación prometedora y emocionante para todas las partes implicadas.
Colaborador / Contributor: peer57
Review:
An overlooked gem from trumpeter Charles Tolliver – not as well known as his Strata East sessions with Music Inc, but equally great! The sound here is a bit different than some of Tolliver's other albums of the 70s – as the group features the guitar of Nathan Page in place of the usual piano – working with an incredible rhythm duo of Steve Novosel on bass and Alvin Queen on drums, both players who gel together beautifully here, making the album a rhythmic delight throughout! Page's guitar often has these weird little edgey moments, which seems to bring out the same in Tolliver – adding in a new complexity to his well-known style of far-reaching lines on trumpet. The album's got 4 long tracks, nicely hung together with a sound that's searching, but never too loose to swing – and titles include "Earl's World", "Impact", "Truth", and "Compassion".
https://www.dustygroove.com/item/965558/Charles-Tolliver:Compassion-aka-New-Tolliver-180-gram-pressing
Biography by Matt Collar
With his bold tone and adroit harmonic ideas, trumpeter Charles Tolliver has distinguished himself as a forward-thinking performer, often straddling the line between hard bop lyricism and avant-garde exploration. Following his initial emergence in the 1960s as a member of altoist Jackie McLean's group, Tolliver came into his own as a leader, on par with his trumpet contemporaries Woody Shaw and Freddie Hubbard. Collaborating regularly with pianist Stanley Cowell, he moved from small group dates like 1969's The Ringer to expansive big-band albums such as 1975's Impact, featuring his Music Inc. ensemble. Along the way, he and Cowell also founded Strata-East Records, releasing a string of boundary-pushing albums by Gil Scott-Heron, Pharoah Sanders, Billy Harper, and others. Following a period out of the spotlight and teaching, Tolliver re-emerged to regular activity with 2007's Grammy-nominated big-band album With Love. He has remained a vital presence, moving from big-band dates like 2009's Emperor March: Live at the Blue Note to hard-hitting small group sessions like 2020's Connect.
Born in 1942 in Jacksonville, Florida, Tolliver became interested in music at a young age while listening to his parents play Jazz at the Philharmonic albums on their Victrola. Around age eight, his grandmother bought him a cornet he had seen in a local pawnshop, and he began practicing diligently. It was around the same time that he moved with his family to New York City. There, living in Harlem, his uncle introduced him to albums by Miles Davis and Clifford Brown. Tolliver also gained further fluency playing trumpet in his high school concert, marching, and dance bands. While music was his passion, he first studied pharmacy at Howard University in Washington, D.C., where he spent his off-hours practicing trumpet and developing his jazz skills. Returning to New York in 1963, he began sitting in at local clubs, playing with rising luminaries like Chick Corea, Jack DeJohnette, Larry Willis, and others.
Tolliver caught the attention of Jackie McLean and made his recorded on the altoist's 1964 album It's Time, alongside pianist Herbie Hancock, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes. Along with continued work with McLean, Tolliver branched out, recording with Booker Ervin, Roy Ayers, Andrew Hill, Max Roach, and Horace Silver. In 1965, he contributed to the landmark concert album The New Wave in Jazz. Recorded live at the Village Gate, the record showcased leading cutting-edge players of the era, including John Coltrane, Archie Shepp, Grachan Moncur III, and Albert Ayler. Tolliver's group, which featured vibraphonist Bobby Hutcherson, tenor saxophonist James Spaulding, drummer Billy Higgins, and bassist McBee, played a cover of Thelonious Monk's "Brilliant Corners" and the trumpeter's original "Plight."
In 1966, Tolliver went on a West Coast tour with percussionist Willie Bobo. At the end of the tour, he stayed in Los Angeles, eventually joining Gerald Wilson's big band. He remained with Wilson for a year, recording an album with the group. Upon receiving an invitation to join Max Roach's band, he returned to New York, where he played with the drummer for two years, working alongside fellow avant-gardist Gary Bartz. Tolliver also made his official debut as leader with 1968's Paper Man, a hard-hitting session featuring pianist Hancock, bassist Ron Carter, and drummer Joe Chambers. Around the same time, he recorded a session for Black Lion under Charles Tolliver & His Allstars before returning to the label for 1969's The Ringer, with pianist Stanley Cowell, bassist Steve Novosel, and drummer Jimmy Hopps.
In 1970, Tolliver and Cowell launched the Strata-East Records label, a loose outgrowth of Detroit pianist Kenny Cox's Strata Records. Along with their own albums, including 1971's Music Inc., the debut from his and Cowell's innovative ensemble, they released a string of highly regarded, avant-garde-leaning albums by Pharoah Sanders, M'Boom, Billy Harper, Gil Scott-Heron, and others. Tolliver continued to tour regularly, appearing often with Cowell and Music Inc., which eventually expanded into a large big band featuring players like James Spaulding, Charles McPherson, Clint Houston, and others. It was this group that appeared on their 1975 Strata-East album Impact.
During the '80s and '90s, Tolliver kept an increasingly low profile. That said, he kept performing, appearing with various incarnations of Music Inc. and touring Europe, where he was featured alongside many top jazz orchestras. He also taught, working at the New School and continued to manage the Strata-East catalog. In 2007, he burst back into the spotlight with the big-band album With Love. Nominated for a Grammy, the album garnered widespread critical acclaim and helped reintroduce Tolliver and his harmonically sophisticated brand of post-bop. He was also presented with the award for Best Large Ensemble of the Year by the Jazz Journalists Association.
Tolliver returned two years later with another big-band date, Emperor March: Live at the Blue Note. More accolades followed, including receiving an Award of Recognition at the 2017 FONT Festival of New Trumpet. In 2020, he released Connect, his first small group album since the 1970s. Recorded by Tony Platt at London's RAK studios, it featured alto saxophonist Jesse Davis, tenor saxophonist Binker Golding, pianist Keith Brown, bassist Buster Williams, and drummer Lenny White.
https://www.allmusic.com/artist/charles-tolliver-mn0000167787#biography
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Reseña:
Una joya pasada por alto del trompetista Charles Tolliver - no tan conocido como sus sesiones Strata East con Music Inc, ¡pero igualmente genial! El sonido aquí es un poco diferente de algunos de los otros álbumes de Tolliver de los años 70, ya que el grupo cuenta con la guitarra de Nathan Page en lugar del piano habitual, trabajando con un increíble dúo rítmico de Steve Novosel al bajo y Alvin Queen a la batería, ¡ambos jugadores que combinan maravillosamente aquí, haciendo del álbum una delicia rítmica! La guitarra de Page tiene a menudo esos extraños momentos de filo, que parecen sacar lo mismo de Tolliver, añadiendo una nueva complejidad a su conocido estilo de líneas de largo alcance con la trompeta. El álbum tiene 4 temas largos, muy bien ensamblados con un sonido que busca, pero nunca demasiado flojo para balancearse - y los títulos incluyen "Earl's World", "Impact", "Truth", y "Compassion".
https://www.dustygroove.com/item/965558/Charles-Tolliver:Compassion-aka-New-Tolliver-180-gram-pressing
Biografía de Matt Collar
Con su tono audaz y sus hábiles ideas armónicas, el trompetista Charles Tolliver se ha distinguido como un intérprete con visión de futuro, a menudo a caballo entre el lirismo hard bop y la exploración vanguardista. Tras su aparición inicial en la década de 1960 como miembro del grupo de la altoista Jackie McLean, Tolliver se destacó como líder, a la par de sus contemporáneos de trompeta Woody Shaw y Freddie Hubbard. Colaborando regularmente con el pianista Stanley Cowell, pasó de fechas de grupos pequeños como The Ringer de 1969 a álbumes expansivos de grandes bandas como Impact de 1975, con su música Inc. conjunto. En el camino, él y Cowell también fundaron Strata-East Records, lanzando una serie de álbumes que traspasaron los límites de Gil Scott-Heron, Pharoah Sanders, Billy Harper y otros. Después de un período fuera del centro de atención y la enseñanza, Tolliver resurgió a la actividad regular con el álbum de big band With Love, nominado al Grammy en 2007. Se ha mantenido como una presencia vital, pasando de fechas de grandes bandas como Emperor March: Live at the Blue Note de 2009 a sesiones contundentes de grupos pequeños como Connect de 2020.
Nacido en 1942 en Jacksonville, Florida, Tolliver se interesó por la música a una edad temprana mientras escuchaba a sus padres tocar Jazz en los álbumes de la Filarmónica en su Victrola. Alrededor de los ocho años, su abuela le compró una corneta que había visto en una casa de empeño local, y comenzó a practicar diligentemente. Fue casi al mismo tiempo que se mudó con su familia a la ciudad de Nueva York. Allí, viviendo en Harlem, su tío le presentó álbumes de Miles Davis y Clifford Brown. Tolliver también adquirió mayor fluidez tocando la trompeta en las bandas de conciertos, marchas y bailes de su escuela secundaria. Si bien la música era su pasión, primero estudió farmacia en la Universidad Howard en Washington, DC, donde pasaba sus horas libres practicando trompeta y desarrollando sus habilidades con el jazz. Al regresar a Nueva York en 1963, comenzó a sentarse en clubes locales, tocando con luminarias emergentes como Chick Corea, Jack DeJohnette, Larry Willis y otros.
Tolliver llamó la atención de Jackie McLean e hizo su grabación en el álbum It's Time de The altoist de 1964, junto al pianista Herbie Hancock, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes. Junto con el trabajo continuo con McLean, Tolliver se diversificó, grabando con Booker Ervin, Roy Ayers, Andrew Hill, Max Roach y Horace Silver. En 1965, contribuyó al álbum de conciertos histórico The New Wave in Jazz. Grabado en vivo en Village Gate, el disco mostró a los principales músicos de vanguardia de la época, incluidos John Coltrane, Archie Shepp, Grachan Moncur III y Albert Ayler. El grupo de Tolliver, que contó con el vibrafonista Bobby Hutcherson, el saxofonista tenor James Spaulding, el baterista Billy Higgins y el bajista McBee, tocó una versión de "Brilliant Corners" de Thelonious Monk y "Plight" original del trompetista."
En 1966, Tolliver realizó una gira por la Costa Oeste con el percusionista Willie Bobo. Al final de la gira, se quedó en Los Ángeles y finalmente se unió a la big band de Gerald Wilson. Permaneció con Wilson durante un año, grabando un álbum con el grupo. Al recibir una invitación para unirse a la banda de Max Roach, regresó a Nueva York, donde tocó con el baterista durante dos años, trabajando junto al también vanguardista Gary Bartz. Tolliver también hizo su debut oficial como líder con Paper Man de 1968, una sesión contundente con el pianista Hancock, el bajista Ron Carter y el baterista Joe Chambers. Casi al mismo tiempo, grabó una sesión para Black Lion con Charles Tolliver & His Allstars antes de regresar al sello para The Ringer de 1969, con el pianista Stanley Cowell, el bajista Steve Novosel y el baterista Jimmy Hopps.
En 1970, Tolliver y Cowell lanzaron el sello Strata-East Records, una extensión suelta del Strata Records del pianista de Detroit Kenny Cox. Junto con sus propios álbumes, incluido Music Inc.de 1971., el debut de su innovador conjunto con Cowell, lanzaron una serie de álbumes de gran prestigio y tendencia vanguardista de Pharoah Sanders, M'Boom, Billy Harper, Gil Scott-Heron y otros. Tolliver continuó de gira regularmente, apareciendo a menudo con Cowell y Music Inc., que eventualmente se expandió a una gran big band con músicos como James Spaulding, Charles McPherson, Clint Houston y otros. Fue este grupo el que apareció en su álbum Impact de Strata-East de 1975.
Durante los años 80 y 90, Tolliver mantuvo un perfil cada vez más bajo. Dicho esto, siguió actuando, apareciendo con varias encarnaciones de Music Inc. y de gira por Europa, donde actuó junto a muchas de las mejores orquestas de jazz. También enseñó, trabajó en The New School y continuó administrando el catálogo Strata-East. En 2007, volvió a ser el centro de atención con el álbum de big band With Love. Nominado a un Grammy, el álbum obtuvo elogios generalizados de la crítica y ayudó a reintroducir a Tolliver y su marca armónicamente sofisticada de post-bop. También recibió el premio al Mejor Conjunto Grande del Año de la Asociación de Periodistas de Jazz.
Tolliver regresó dos años después con otra cita de big band, Emperor March: Live at the Blue Note. Siguieron más elogios, incluido el Premio de Reconocimiento en el FONT Festival of New Trumpet 2017. En 2020, lanzó Connect, su primer álbum de grupo pequeño desde la década de 1970. Grabado por Tony Platt en los RAK Studios de Londres, contó con el saxofonista alto Jesse Davis, el saxofonista tenor Binker Golding, el pianista Keith Brown, el bajista Buster Williams y el baterista Lenny White.
https://www.allmusic.com/artist/charles-tolliver-mn0000167787#biography
Briyumba Palo Congo es un álbum de estudio del pianista de jazz afrocubano Chucho Valdés, lanzado en 1999 por Blue Note. Producido por René López. El disco está compuesto por una combinación de temas de autoría del propio Valdés y una selección de estándares del jazz versionados al estilo propio del intérprete. Aunque a menudo se adivinan las raíces jazzisticas en los temas, debido a que se realiza un sutil repaso por la interpretación más tradicional de los mismos, al menos durante breves compases. Al mismo tiempo, durante la ejecución de los mismos, se homenajea a diversos autores e intérpretes de la escena musical cubana y de los Estados Unidos.
El disco se compone de una elaborada mezcla entre el jazz y la música cubana, que más allá de encontrarse definida por los diversos elementos y recursos sonoros utilizados, se permite también el homenaje sentido y específico a varios personajes clave de la música popular. Esto está presente fundamentalmente en algunos temas en particular, tal es el caso de Bolero, una conmovedora balada de enorme riqueza armónica que recuerda inmediatamente la sutileza de Bill Evans, todo un experto en este estilo de pieza. "Caravan" es un vehículo perfecto para rendir tributo a dos nombres, el autor de la pieza Juan Tizol y a Duke Ellington que interpretó por vez primera a la misma, y para reafirmar sin duda alguna, cuan virtuoso pianista es Valdés. El nombre de George Gershwin hace su primera aparición en el disco de la mano del clásico "Embraceable You" que Valdés toca solo prácticamente por completo, a excepción de 14 compases en los que la sección rítmica apoya al piano momentáneamente. Ponle la clave nos aproxima desde su introducción al trabajo de Ernesto Lecuona y destaca la labor del percusionista Roberto Vizcaina. Finalmente "Rhapsody in Blue" supone el último, aunque también doble homenaje de este disco. En esta original versión es aludido desde luego su autor George Gershwin, pero también Orestes López Macho recibe tributo mediante la inclusión de un fragmento del danzón Centro San Agustín que el compusiera, otorgando una impronta fresca y diferente a la ejecución de este clásico de jazz.
https://es.wikipedia.org/wiki/Briyumba_palo_Congo
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Briyumba Palo Congo is a studio album by Afro-Cuban jazz pianist Chucho Valdés, released in 1999 by Blue Note and produced by René López. The album is a combination of Valdés' own compositions and a selection of jazz standards in his own style. Although the jazz roots of the themes are often discernible, due to the subtle revisiting of the more traditional interpretation of the themes, at least for a few brief measures. At the same time, during the performance, homage is paid to various authors and performers of the Cuban and American music scene.
The album is composed of an elaborate blend of jazz and Cuban music, which beyond being defined by the various elements and sound resources used, also allows itself to pay a heartfelt and specific homage to several key figures in popular music. This is present fundamentally in some themes in particular, such is the case of Bolero, a moving ballad of enormous harmonic richness that immediately recalls the subtlety of Bill Evans, an expert in this style of piece. "Caravan" is a perfect vehicle to pay tribute to two names, the author of the piece Juan Tizol and Duke Ellington who first performed it, and to reaffirm without a doubt what a virtuoso pianist Valdés is. George Gershwin's name makes its first appearance on the album in the classic "Embraceable You", which Valdés plays almost entirely solo, except for 14 bars in which the rhythm section supports the piano momentarily. Ponle la clave brings us closer from its introduction to the work of Ernesto Lecuona and highlights the work of percussionist Roberto Vizcaina. Finally, "Rhapsody in Blue" is the last, although also a double tribute on this album. In this original version, George Gershwin is of course alluded to, but Orestes López Macho also receives tribute through the inclusion of a fragment of the danzón Centro San Agustín that he composed, giving a fresh and different touch to the performance of this jazz classic.
https://es.wikipedia.org/wiki/Briyumba_palo_Congo
Review by Michael G. Nastos
It is well-known that tenor saxophonist Bill Barron was highly regarded by fellow musicians and his many students, and underappreciated by the general public. This recording displays all the why's and wherefore's as to his unsung greatness, showcasing his clever compositions and his clear, distinct, definite tenor tone that holds allegiance to no peer or predecessor. Trumpet partner Ted Curson and younger brother Kenny, a pianist, both play on the dates that were originally issued as Modern Windows and The Tenor Stylings of Bill Barron.
The first four cuts comprise "The Modern Windows Suite" with baritone saxophonist Jay Cameron, bassist Eddie Khan, and drummer Pete LaRoca Sims helping. They seg into one another; "Men at Work" is a sweet and sour hard bopper a la Sun Ra with a slowed tempo and Eastern flavor, and merging into "Tone Colors," a swirling, bluesy, swinging line promoing many solos with a young Kenny Barron's chiming chords as the highlight. "Dedication to Wanda" is a slow, pensive ballad with the leader's solo comprising the bulk of the piece, and the straight, no-chaser-needed bopper "Keystone" is portrayed accurately as being Charles Mingus-like in its original unison, with galloping phrases and inventive writing. Bassist Jimmy Garrison really lights the fuse on the seven quintet recordings, where drummer Frankie Dunlop stokes the rhythmic fire. A ballad head and waltz bridge for "Ode to an Earth Girl" utilizes a suspended animation feel from Kenny Barron's piano and the rhythm section for tenor and trumpet solos. You really hear the empathy between the leader and Curson on this, and on "Fox Hunt," as Curson's muted trumpet calls participants to the chase at the outset, outro, and in the middle of a good swinging romp. "Oriental Impressions" uses an attractive modal, two-chord motif to easy swing and back device. "Backlash" is a straight up-and-down easy bopper with the tenor's tone and approach more agitated. "Nebulae," again in a Mingus mode, is a good unison-lined swinger with a march waltz insert, and the tenor that signifies Barron's originality as Curson's trumpet pulls the band along on a "Tea for Two" quote near the coda. This is a rich, fulfilling modern jazz window into the soul of one of the most underappreciated masters of the idiom, and is clearly Bill Barron's best work in his criminally miniscule discography.
https://www.allmusic.com/album/modern-windows-suite-mw0000055319
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Reseña de Michael G. Nastos
Es bien sabido que el saxofonista tenor Bill Barron era muy apreciado por sus colegas músicos y sus muchos alumnos, y poco apreciado por el público en general. Esta grabación muestra todos los porqués de su grandeza, exhibiendo sus ingeniosas composiciones y su tono tenor claro, distinto y definido, que no tiene parangón ni predecesor. Su compañero trompetista Ted Curson y su hermano menor Kenny, pianista, tocan en los temas que se publicaron originalmente como Modern Windows y The Tenor Stylings of Bill Barron.
Los cuatro primeros cortes componen "The Modern Windows Suite", con la colaboración del saxofonista barítono Jay Cameron, el bajista Eddie Khan y el batería Pete LaRoca Sims. Men at Work" es un hard bopper agridulce a lo Sun Ra, con un tempo más lento y sabor oriental, que se funde con "Tone Colors", una línea arremolinada, bluesera y oscilante que promueve muchos solos con los acordes de un joven Kenny Barron como punto culminante. "Dedication to Wanda" es una balada lenta y pensativa con el solo del líder comprendiendo la mayor parte de la pieza, y el bopper "Keystone" es retratado con precisión como Charles Mingus en su unísono original, con frases galopantes y escritura inventiva. El bajista Jimmy Garrison enciende realmente la mecha en las siete grabaciones del quinteto, donde el batería Frankie Dunlop aviva el fuego rítmico. La cabeza de balada y el puente de vals de "Ode to an Earth Girl" utilizan una sensación de animación suspendida del piano de Kenny Barron y la sección rítmica para los solos de tenor y trompeta. Realmente se oye la empatía entre el líder y Curson en este tema y en "Fox Hunt", ya que la trompeta silenciada de Curson llama a los participantes a la persecución al principio, al final y en medio de un buen revolcón. "Oriental Impressions" utiliza un atractivo motivo modal de dos acordes para un swing fácil y un dispositivo de vuelta. Backlash" es un "easy bopper" directo con el tono del tenor y un enfoque más agitado. "Nebulae", de nuevo en modo Mingus, es un buen swing al unísono con una inserción de vals de marcha, y el tenor que significa la originalidad de Barron mientras la trompeta de Curson arrastra a la banda en una cita de "Tea for Two" cerca de la coda. Esta es una rica y satisfactoria ventana del jazz moderno al alma de uno de los maestros más infravalorados del lenguaje, y es claramente el mejor trabajo de Bill Barron en su criminalmente minúscula discografía.
https://www.allmusic.com/album/modern-windows-suite-mw0000055319
Doug Raney is a brilliant guitarist whose style is firmly rooted in the bebop and classic modern jazz traditions. He has lived in Copenhagen for more than 30 years, shortly after he first visited the Danish capital during a duo tour with his father and famous guitarst, Jimmy Raney.
Living in Denmark may have decreased his visibility to the American audience, but he has created a substantial body of thoughful, emotionally subtle, and powerful jazz and recorded for the Danish label Steeple Chase as well as the Japanese label Marshmallow Records.
His latest Marshmallow CD is a delight! From the opening track "Oblivion," the listner is captivated by his warm tone, impeccable technique, flowing sense of swing, and a perfect balance of lyricism and emotion. Veteran bassist -- and one of the best in Europe -- Jesper Lundgaard provides great support at the bottom end, while the younger Morten Lund adds much color to the proceedings with his delicate and brilliant drumming.
This is a wonderful guitar trio album. Strongly recommended for fans of the jazz guitar!
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Doug Raney es un brillante guitarrista cuyo estilo está firmemente arraigado en las tradiciones del bebop y el jazz moderno clásico. Vive en Copenhague desde hace más de 30 años, desde que visitó por primera vez la capital danesa durante una gira a dúo con su padre y famoso guitarrista, Jimmy Raney.
Puede que el hecho de vivir en Dinamarca haya disminuido su visibilidad para el público estadounidense, pero ha creado un importante corpus de jazz reflexivo, emocionalmente sutil y poderoso, y ha grabado para el sello danés Steeple Chase y para el japonés Marshmallow Records.
Su último CD para Marshmallow es una delicia. Desde el primer tema, "Oblivion", el oyente queda cautivado por su tono cálido, su técnica impecable, su fluido sentido del swing y su perfecto equilibrio entre lirismo y emoción. El veterano bajista -y uno de los mejores de Europa- Jesper Lundgaard proporciona un gran apoyo en el extremo inferior, mientras que el más joven Morten Lund añade mucho color a las actuaciones con su delicada y brillante batería.
Este es un maravilloso álbum de trío de guitarras. Muy recomendable para los aficionados a la guitarra de jazz.
