Jason Marshall • New Beginnings

 

Anyone who appreciates the thunderous sound of an assertive baritone sax should love New Beginnings, an emphatic quartet date that shines a light on Jason Marshall's muscular horn and keeps it there from start to finish.

While his teammates (Marc Cary, piano; Gerald Cannon, bass; Willie Jones III, drums) converse eloquently on every one of the album's eight numbers, Marshall affixes a decisive exclamation mark on every sentence. He does so with exceptional technique and a seemingly endless store of intuitive phrases. For comparison's sake, think Nick Brignola, Cecil Payne or Pepper Adams but with somewhat more weight. Even when Marshall visits the upper register, he never loses control or overpasses his destination.

As Marshall seems most comfortable at medium-to-up-tempo, there is only one number that leans close to balladry: Quincy Jones' soulful "Fallen Feathers," based on Charlie Parker's "Parker's Mood." All other numbers are sunny and swinging, from Joe Henderson's "Recorda Me" to the nimble finale, "I'll Never Stop Loving You" (which is usually slow-walked as an earnest avowal of endearment). In between are animated versions of Rodgers and Hart's "I Could Write a Book," Sonny Rollins' "Airegin," Luis Bonfa's "Black Orpheus," Charles Mingus' "Peggy's Blue Skylight" and a spunky original by Marshall, "Mrs. Garvey, Mrs. Garvey!!"

Cary, Cannon and Jones are always in step and supportive, while Cary designs several refreshing solos of his own and Cannon and Jones are given more than one chance to sparkle. Even so, it is Marshall's formidable baritone that holds the reins and lends the session the lion's share of its identity and import. That is not meant to impugn the rhythm section, merely to point out that when it comes to tempting the ear, it's hard to challenge a baritone sax—especially one as fluent and powerful as Jason Marshall's. New Beginnings rests for the most part on his shoulders, and he carries the weight with aptitude and assurance.
By Jack Bowers - https://www.allaboutjazz.com/php/member.php?id=102
December 10, 2022
https://www.allaboutjazz.com/new-beginnings-jason-marshall-cellar-records

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Cualquiera que aprecie el atronador sonido de un asertivo saxo barítono debería adorar New Beginnings, una enfática cita en cuarteto que ilumina la musculosa trompa de Jason Marshall y la mantiene ahí de principio a fin.

Mientras sus compañeros (Marc Cary, piano; Gerald Cannon, bajo; Willie Jones III, batería) conversan elocuentemente en cada uno de los ocho números del álbum, Marshall pone un signo de exclamación decisivo en cada frase. Lo hace con una técnica excepcional y un acervo aparentemente interminable de frases intuitivas. Para comparar, piense en Nick Brignola, Cecil Payne o Pepper Adams, pero con algo más de peso. Incluso cuando Marshall visita el registro superior, nunca pierde el control ni sobrepasa su destino.

Como Marshall parece sentirse más cómodo en un tempo medio-alto, sólo hay un número que se acerca a la balada: La conmovedora "Fallen Feathers" de Quincy Jones, basada en "Parker's Mood" de Charlie Parker. Todos los demás números son alegres y llenos de swing, desde "Recorda Me" de Joe Henderson hasta el ágil final, "I'll Never Stop Loving You" (que suele caminarse despacio como una sincera declaración de afecto). Entre medias hay animadas versiones de "I Could Write a Book", de Rodgers y Hart, "Airegin", de Sonny Rollins, "Black Orpheus", de Luis Bonfa, "Peggy's Blue Skylight", de Charles Mingus, y una atrevida original de Marshall, "Mrs. Garvey, Mrs. Garvey!".

Cary, Cannon y Jones están siempre acompasados y se apoyan, mientras que Cary diseña varios solos propios refrescantes y Cannon y Jones tienen más de una oportunidad para brillar. Aun así, es el formidable barítono de Marshall el que lleva las riendas y confiere a la sesión la mayor parte de su identidad e importancia. Con esto no pretendo impugnar la sección rítmica, simplemente señalar que cuando se trata de tentar al oído, es difícil desafiar a un saxo barítono, especialmente a uno tan fluido y potente como el de Jason Marshall. New Beginnings descansa en su mayor parte sobre sus hombros, y lleva el peso con aptitud y seguridad.
Por Jack Bowers - https://www.allaboutjazz.com/php/member.php?id=102
10 de diciembre de 2022
https://www.allaboutjazz.com/new-beginnings-jason-marshall-cellar-records

jasonmarshalljazz.com ...

Larry Goldings • Scary Goldings

 

Larry Goldings is a Grammy-nominated pianist and composer. His organ trio with Peter Bernstein and Bill Stewart has been recognized in the New York Times as "the best organ trio of the last decade." Goldings' musical inspirations draw from a lifetime of absorbing jazz, pop, funk, R&B, electronic and classical music.

As a performer and recording artist, he is known for long-term collaborations that straddle the realms of jazz and pop with such artists as Jim Hall, Maceo Parker, John Scofield, Steve Gadd, Jack DeJohnette, Pat Metheny, Michael Brecker, Sia Furler, John Mayer, and others.

Goldings has been recording and touring with singer-songwriter James Taylor since 2001, and is the featured musician on Taylor's One Man Band CD/DVD, the culmination of a two year world-wide tour with James and Larry in duet. In 2007, Scofield/Goldings/DeJohnette's Trio Beyond - Saudades (ECM) was recognized with a Best Instrumental Jazz Album Grammy nomination for their searing live recording at London's Queen Elizabeth Hall.

Goldings' music graces the soundtracks of many film and television projects. He contributed to the jazzy fabric of Clint Eastwood's Space Cowboys and enhanced John Madden's Proof and Judd Apatow's Funny People with original compositions, as well as providing ghoulish organ music for "Lurch" to play in the animated film, The Addams Family. Goldings' Nino Rota-inspired score to Jeff Garlin's Dealin' With Idiots is the backdrop to this hilarious film about the zany parents of a Little League baseball team. Listeners of NPR's This American Life can hear Goldings' music underscoring many of its dramatic stories.

Larry scored the Netflix series, Self Made: Inspired by the Life of Madam C.J. Walker, infusing the drama with shades of ragtime and early jazz, in combination with modern, back-beat oriented cues, in which early jazz meets hip-hop. The soundtrack has been released by Warner Bros. through Watertower Music.

https://www.larrygoldings.com/#about

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Larry Goldings es un pianista y compositor nominado al Grammy. Su trío de órgano con Peter Bernstein y Bill Stewart ha sido reconocido en el New York Times como "el mejor trío de órgano de la última década". Las inspiraciones musicales de Goldings proceden de toda una vida en la que ha absorbido el jazz, el pop, el funk, el R&B, la música electrónica y la clásica.

Como intérprete y artista de grabación, es conocido por sus colaboraciones a largo plazo que se extienden por los reinos del jazz y el pop con artistas como Jim Hall, Maceo Parker, John Scofield, Steve Gadd, Jack DeJohnette, Pat Metheny, Michael Brecker, Sia Furler y John Mayer, entre otros.

Goldings ha estado grabando y haciendo giras con el cantautor James Taylor desde 2001, y es el músico que aparece en el CD/DVD One Man Band de Taylor, la culminación de una gira mundial de dos años con James y Larry a dúo. En 2007, Scofield/Goldings/DeJohnette's Trio Beyond - Saudades (ECM) fue reconocido con una nominación al Grammy al Mejor Álbum de Jazz Instrumental por su abrasadora grabación en directo en el Queen Elizabeth Hall de Londres.

La música de Goldings adorna las bandas sonoras de muchos proyectos de cine y televisión. Contribuyó a la trama jazzística de Space Cowboys, de Clint Eastwood, y mejoró Proof, de John Madden, y Funny People, de Judd Apatow, con composiciones originales, además de proporcionar la macabra música de órgano que toca "Lurch" en la película de animación La familia Addams. La partitura de Goldings inspirada en Nino Rota para Dealin' With Idiots, de Jeff Garlin, es el telón de fondo de esta divertidísima película sobre los alocados padres de un equipo de béisbol de la liga infantil. Los oyentes del programa This American Life de la NPR pueden escuchar la música de Goldings como telón de fondo de muchas de sus historias dramáticas.

Larry compuso la banda sonora de la serie de Netflix "Self Made: Inspired by the Life of Madam C.J. Walker", en la que se mezclan matices de ragtime y jazz antiguo, con otros más modernos, en los que el jazz antiguo se mezcla con el hip-hop. La banda sonora ha sido editada por Warner Bros. a través de Watertower Music.

https://www.larrygoldings.com/#about

 www.larrygoldings.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Ed Blackwell • Shades of Edward Blackwell

 

Biography by Chris Kelsey
Ed Blackwell made his reputation as a member of Ornette Coleman's band in the early '60s; without that association, one wonders whether he would be considered one of the great jazz percussionists. That's to take nothing away from his considerable ability, but Blackwell's unfashionably arcane and somewhat unpolished approach to playing time was perhaps too melodic, too subtle to attract attention independently, especially amidst the heavy-handed Art Blakey/Elvin Jones Zeitgeist that prevailed throughout much of his career. The multiplicity of musics to be heard in Blackwell's hometown of New Orleans played an unmistakable role in his peculiar evolution, yet what separated Blackwell from other modern jazz drummers was his personal interpretation of swing.

Like every other post-Kenny Clarke jazz percussionist, Blackwell kept time on his ride cymbal. However, far more than most jazz drummers, Blackwell initiated his accents on the one and three of a four-beat measure. Consequently, Blackwell's style was more martial in character, his rhythmic counterpoint to the soloist more overtly songlike. Additionally, he infused his music with a multiplicity of non-Western elements, and incorporated mannerisms of pre-modern jazz. There was a certain rather endearing quaintness to Blackwell's playing, though he swung as hard and as imaginatively as anybody.

Blackwell's incongruous "squareness" was come by honestly, for one of his earliest influences was the traditional New Orleans percussion style of Paul Barbarin. As a young player, Blackwell spent time in the rhythm & blues band of Plas and Raymond Johnson. He moved to Los Angeles in 1951, where he met his future employer, Ornette Coleman, though it would be some time before their collaboration would capture the attention of the jazz public. In 1953 he moved to Texas, then in 1956 returned to New Orleans. In 1960 he moved to New York, where he replaced Billy Higgins in the by-now-famous Coleman quartet. With Coleman over the next several years, Blackwell made a series of important records for Atlantic (This Is Our Music, Free Jazz, Ornette on Tenor). He also worked and recorded with Eric Dolphy's great quintet with Booker Little, recording At the Five Spot in 1961.

In 1965, he began playing with Randy Weston (with whom he toured Africa two years later) and Archie Shepp. Blackwell was named an Artist in Residence at Connecticut's Wesleyan University in 1975. The next year he joined with ex-Coleman mates Don Cherry, Dewey Redman, and Charlie Haden to form the collective Old and New Dreams, a band dedicated in the main to playing tunes from Ornette's book. Old and New Dreams served as Blackwell's best showcase throughout the '80s. For a variety of reasons -- ill health significant among them -- Blackwell had often been unable to record and publicly perform with Coleman's early bands, even as he contributed so greatly to their development. Hence, Old and New Dreams' well-distributed albums and intermittent tours exposed him to an audience that might have been otherwise unfamiliar with his work. The band recorded a tribute to Blackwell in 1987, "One for Blackwell," which features the drummer, giving him a bit more solo space than usual.

Until his death from kidney disease in 1992, Blackwell would continue to perform with colleagues from his Ornette days, as well as New Orleans contemporaries like Ellis Marsalis, Alvin Batiste, and Harold Battiste. Blackwell recorded very infrequently as a leader, though just before his death he made Walls-Bridges, a posthumously released trio recording with Dewey Redman and bassist Cameron Brown that showed -- especially given his deteriorating physical condition -- he was still a voice to reckon with.
https://www.allmusic.com/artist/ed-blackwell-mn0000143961#biography

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Biografía de Chris Kelsey
Ed Blackwell se ganó su reputación como miembro de la banda de Ornette Coleman a principios de los años 60; sin esa asociación, uno se pregunta si sería considerado uno de los grandes percusionistas de jazz. Eso no quita nada de su considerable habilidad, pero el enfoque arcano y poco pulido de Blackwell para el tiempo de juego era quizás demasiado melódico, demasiado sutil para atraer la atención de forma independiente, especialmente en medio del espíritu de la época artística de Blakey/Elvin Jones que prevaleció durante gran parte de su carrera. La multiplicidad de músicas que se escucharon en la ciudad natal de Blackwell, Nueva Orleans, jugó un papel inconfundible en su peculiar evolución, sin embargo, lo que separó a Blackwell de otros bateristas de jazz moderno fue su interpretación personal del swing.

Como cualquier otro percusionista de jazz post-Kenny Clarke, Blackwell mantuvo el tiempo en su platillo ride. Sin embargo, mucho más que la mayoría de los bateristas de jazz, Blackwell inició sus acentos en el compás de uno y tres de cuatro tiempos. En consecuencia, el estilo de Blackwell era de carácter más marcial, su contrapunto rítmico al solista más abiertamente cancionero. Además, infundió en su música una multiplicidad de elementos no occidentales e incorporó gestos del jazz premoderno. Había una cierta extrañeza bastante entrañable en la forma de tocar de Blackwell, aunque se balanceaba tan fuerte e imaginativamente como cualquiera.

La incongruente "cuadratura" de Blackwell surgió honestamente, ya que una de sus primeras influencias fue el estilo tradicional de percusión de Paul Barbarin en Nueva Orleans. Cuando era joven, Blackwell pasó un tiempo en la banda de rhythm & blues de Plas y Raymond Johnson. Se mudó a Los Ángeles en 1951, donde conoció a su futuro empleador, Ornette Coleman, aunque pasaría algún tiempo antes de que su colaboración captara la atención del público del jazz. En 1953 se mudó a Texas, luego en 1956 regresó a Nueva Orleans. En 1960 se mudó a Nueva York, donde reemplazó a Billy Higgins en el ahora famoso cuarteto Coleman. Con Coleman durante los siguientes años, Blackwell hizo una serie de discos importantes para Atlantic (This Is Our Music, Free Jazz, Ornette en tenor). También trabajó y grabó con el gran quinteto de Eric Dolphy con Booker Little, grabando en el Five Spot en 1961.

En 1965, comenzó a tocar con Randy Weston (con quien realizó una gira por África dos años después) y Archie Shepp. Blackwell fue nombrado Artista Residente en la Universidad Wesleyan de Connecticut en 1975. Al año siguiente se unió a los ex compañeros de Coleman Don Cherry, Dewey Redman y Charlie Haden para formar el colectivo Old and New Dreams, una banda dedicada principalmente a tocar canciones del libro de Ornette. Viejos y Nuevos Sueños sirvieron como el mejor escaparate de Blackwell a lo largo de los años 80. Por una variedad de razones, entre ellas la mala salud, Blackwell a menudo no había podido grabar y tocar públicamente con las primeras bandas de Coleman, incluso cuando contribuyó en gran medida a su desarrollo. Por lo tanto, los álbumes bien distribuidos de Old and New Dreams y las giras intermitentes lo expusieron a un público que de otro modo no estaría familiarizado con su trabajo. La banda grabó un tributo a Blackwell en 1987, "One for Blackwell", que presenta al baterista, dándole un poco más de espacio en solitario de lo habitual.

Hasta su muerte por enfermedad renal en 1992, Blackwell continuaría actuando con colegas de sus días en Ornette, así como con contemporáneos de Nueva Orleans como Ellis Marsalis, Alvin Batiste y Harold Battiste. Blackwell grabó con muy poca frecuencia como líder, aunque justo antes de su muerte hizo Walls-Bridges, una grabación de trío lanzada póstumamente con Dewey Redman y el bajista Cameron Brown que demostró, especialmente dado su deterioro de la condición física, que todavía era una voz a tener en cuenta.
https://www.allmusic.com/artist/ed-blackwell-mn0000143961#biography

Sonny Stitt-Don Patterson • Brothers 4

 

 

Review
by Jim Todd  
In September 1969, regular collaborators saxophonist Sonny Stitt and organist Don Patterson recorded together for the last time. For the occasion, they were joined by guitarist Grant Green, forming something of an organ combo supergroup. Patterson's excellent regular drummer Billy James rounded out the quartet. The ten tracks they made together -- four of them found on the original LP, six others added to later editions -- were not the crowning achievement for any of the principals, but they still stand in the front ranks of organ jazz. Three of the LP's tracks clock in at over eight minutes, providing lots of room for stretching out. Patterson's title track -- a classic, driving soul-jazz theme -- is the highlight. James' "Creepin' Home" moves along at a slacker, shuffling pace. Irving Berlin's "Alexander's Ragtime Band" surprisingly becomes a vehicle for impressive solos from the three lead players, once they get through stating the corny melody. The Burt Bacharach/Hal David pop ballad "Walk on By" also features good work from the quartet. [The six tunes not heard on the original LP eventually appeared on the Patterson LPs Donny Brook and Tune Up, then were rounded up here.]

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Reseña
por Jim Todd  
En septiembre de 1969, los colaboradores habituales, el saxofonista Sonny Stitt y el organista Don Patterson, grabaron juntos por última vez. Para la ocasión, se les unió el guitarrista Grant Green, formando una especie de supergrupo de combo de órgano. El excelente batería habitual de Patterson, Billy James, completaba el cuarteto. Los diez temas que grabaron juntos -cuatro de ellos en el LP original, otros seis añadidos en ediciones posteriores- no fueron el mayor logro de ninguno de los protagonistas, pero siguen estando en la primera fila del jazz para órgano. Tres de los temas del LP duran más de ocho minutos, lo que da mucho margen para extenderse. El tema que da título al disco, de Patterson, un tema clásico de soul-jazz, es el más destacado. Creepin' Home" de James avanza a un ritmo lento y arrastrado. Alexander's Ragtime Band" de Irving Berlin se convierte sorprendentemente en un vehículo para impresionantes solos de los tres músicos principales, una vez que terminan de enunciar la cursi melodía. La balada pop de Burt Bacharach/Hal David "Walk on By" también cuenta con un buen trabajo del cuarteto. [Las seis melodías que no se escucharon en el LP original aparecieron finalmente en los LPs de Patterson Donny Brook y Tune Up, y luego se reunieron aquí].

 

www.sonnystitt.com ...

Groove Quartet • Everlasting

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

VA • From Jamaica With Jazz

 

 

www.ververecords.com ...

The Supertones • Going To A Rock & Roll Dance Party

 

Supertones ...

Chick Corea • The Montreux Years

 

chickcorea.com ...

Sunnyland Slim • She got the that jive

 

Biography
by Bill Dahl
Exhibiting truly amazing longevity that was commensurate with his powerful, imposing physical build, Sunnyland Slim's status as a beloved Chicago piano patriarch endured long after most of his peers had perished. For more than 50 years, the towering Slim had rumbled the ivories around the Windy City, playing with virtually every local luminary imaginable and backing the great majority in the studio at one time or another.

He was born Albert Luandrew in Mississippi and received his early training on a pump organ. After entertaining at juke joints and movie houses in the Delta, Luandrew made Memphis his home base during the late '20s, playing along Beale Street and hanging out with the likes of Little Brother Montgomery and Ma Rainey. He adopted his colorful stage name from the title of one of his best-known songs, the mournful "Sunnyland Train." (The downbeat piece immortalized the speed and deadly power of a St. Louis-to-Memphis locomotive that mowed down numerous people unfortunate enough to cross its tracks at the wrong instant.)

Slim moved to Chicago in 1939 and set up shop as an in-demand piano man, playing for a spell with John Lee "Sonny Boy" Williamson before waxing eight sides for RCA Victor in 1947 under the somewhat misleading handle of "Doctor Clayton's Buddy." If it hadn't been for the helpful Slim, Muddy Waters may not have found his way onto Chess; it was at the pianist's 1947 session for Aristocrat that the Chess brothers made Waters' acquaintance.

Aristocrat (which issued his harrowing "Johnson Machine Gun") was but one of a myriad of labels that Slim recorded for between 1948 and 1956: Hytone, Opera, Chance, Tempo-Tone, Mercury, Apollo, JOB, Regal, Vee-Jay (unissued), Blue Lake, Club 51, and Cobra all cut dates on Slim, whose vocals thundered with the same resonant authority as his 88s. In addition, his distinctive playing enlivened hundreds of sessions by other artists during the same time frame. In 1960, Slim traveled to Englewood Cliffs, New Jersey, to cut his debut LP for Prestige's Bluesville subsidiary with King Curtis supplying diamond-hard tenor sax breaks on many cuts. The album, Slim's Shout, ranks as one of his finest, with definitive renditions of the pianist's "The Devil Is a Busy Man," "Shake It," "Brownskin Woman," and "It's You Baby."

Like a deep-rooted tree, Sunnyland Slim persevered despite the passing decades. For a time, he helmed his own label, Airway Records. As late as 1985, he made a fine set for the Red Beans logo, Chicago Jump, backed by the same crack combo that shared the stage with him every Sunday evening at a popular North side club called B.L.U.E.S. for some 12 years.

There were times when the pianist fell seriously ill, but he always defied the odds and returned to action, warbling his trademark Woody Woodpecker chortle and kicking off one more exultant slow blues as he had done for the previous half century. Finally, after a calamitous fall on the ice coming home from a gig led to numerous complications, Sunnyland Slim died of kidney failure in 1995. He's sorely missed.
https://www.allmusic.com/artist/sunnyland-slim-mn0000490769/biography

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Biografía
por Bill Dahl
Con una longevidad realmente asombrosa, acorde con su poderosa e imponente complexión física, el estatus de Sunnyland Slim como un querido patriarca del piano de Chicago perduró mucho después de que la mayoría de sus compañeros hubieran perecido. Durante más de 50 años, el imponente Slim ha hecho sonar los marfiles de la Ciudad del Viento, tocando con prácticamente todas las luminarias locales imaginables y respaldando a la gran mayoría en el estudio en un momento u otro.

Nació con el nombre de Albert Luandrew en Mississippi y se formó en un órgano de bomba. Después de actuar en bares y cines del Delta, Luandrew hizo de Memphis su base de operaciones a finales de los años 20, tocando en Beale Street y saliendo con gente como Little Brother Montgomery y Ma Rainey. Adoptó su colorido nombre artístico a partir del título de una de sus canciones más conocidas, la lúgubre "Sunnyland Train". (Esta pieza deprimente inmortalizaba la velocidad y la potencia mortal de una locomotora que iba de St. Louis a Memphis y que acribillaba a numerosas personas lo suficientemente desafortunadas como para cruzar sus vías en el instante equivocado).

Slim se trasladó a Chicago en 1939 y se convirtió en un pianista muy solicitado, tocando durante un tiempo con John Lee "Sonny Boy" Williamson antes de grabar ocho canciones para RCA Victor en 1947 bajo el nombre algo engañoso de "Doctor Clayton's Buddy". Si no hubiera sido por el servicial Slim, Muddy Waters podría no haber llegado a Chess; fue en la sesión del pianista para Aristocrat en 1947 cuando los hermanos Chess conocieron a Waters.

Aristocrat (que publicó su desgarrador "Johnson Machine Gun") no fue más que uno de los muchos sellos para los que Slim grabó entre 1948 y 1956: Hytone, Opera, Chance, Tempo-Tone, Mercury, Apollo, JOB, Regal, Vee-Jay (sin publicar), Blue Lake, Club 51 y Cobra grabaron con Slim, cuya voz retumbaba con la misma autoridad resonante que sus 88s. Además, su distintiva forma de tocar animó cientos de sesiones de otros artistas durante el mismo periodo. En 1960, Slim viajó a Englewood Cliffs, Nueva Jersey, para grabar su primer LP para la subsidiaria Bluesville de Prestige, con King Curtis aportando cortes de saxo tenor de gran dureza en muchos cortes. El álbum, Slim's Shout, está considerado como uno de sus mejores, con interpretaciones definitivas de "The Devil Is a Busy Man", "Shake It", "Brownskin Woman" y "It's You Baby" del pianista.

Como un árbol bien enraizado, Sunnyland Slim perseveró a pesar del paso de las décadas. Durante un tiempo, dirigió su propio sello, Airway Records. Ya en 1985, hizo un buen set para el logo de Red Beans, Chicago Jump, respaldado por el mismo combo de crack que compartía el escenario con él cada domingo por la noche en un popular club del lado norte llamado B.L.U.E.S. durante unos 12 años.

Hubo momentos en los que el pianista cayó gravemente enfermo, pero siempre desafiaba a las probabilidades y volvía a la acción, haciendo sonar su característico carrillón de Woody Woodpecker y arrancando un exultante slow blues más, como había hecho durante el medio siglo anterior. Finalmente, tras una calamitosa caída en el hielo al volver de un concierto que le provocó numerosas complicaciones, Sunnyland Slim murió de insuficiencia renal en 1995. Se le echa mucho de menos.
https://www.allmusic.com/artist/sunnyland-slim-mn0000490769/biography

Thelonious Monk • Palais Des Beaux-Arts, 1963

 

 

www.theloniousmonkmusic.com ...

Pat Martino • Head and Heart- Consciousness-Live!

 

Two of guitarist Pat Martino's finest recordings for the Muse label (Live! and Consciousness) are reissued in full on this double CD from 32 Jazz. Martino is heard in 1974 performing seven numbers (plus a new alternate take of "Along Came Betty") with electric pianist Eddie Green, bassist Tyrone Brown and drummer Sherman Ferguson. Martino brought in two originals and also performs John Coltrane's "Impressions," a lengthy exploration of Eric Kloss' "Consciousness," Joni Mitchell's "Both Sides Now," and two versions of the Golson tune. The earlier set matches Martino with Brown, Ferguson and keyboardist Ron Thomas on three long selections: two originals and the pop song "Sunny." By the 1970s, Martino had his own fresh sound and an adventurous style that was quite distinctive. He is heard at the peak of his powers throughout this recommended twofer.

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Dos de las mejores grabaciones del guitarrista Pat Martino para el sello Muse (Live! y Consciousness) se reeditan íntegramente en este doble CD de 32 Jazz. Se escucha a Martino en 1974 interpretando siete números (más una nueva toma alternativa de "Along Came Betty") con el pianista eléctrico Eddie Green, el bajista Tyrone Brown y el baterista Sherman Ferguson. Martino aportó dos originales y también interpreta "Impressions" de John Coltrane, una larga exploración de "Consciousness" de Eric Kloss, "Both Sides Now" de Joni Mitchell y dos versiones del tema de Golson. El conjunto anterior hace coincidir a Martino con Brown, Ferguson y el teclista Ron Thomas en tres largas selecciones: dos originales y la canción pop "Sunny". En la década de 1970, Martino tenía su propio sonido fresco y un estilo aventurero que era bastante distintivo. Se le escucha en la cima de sus poderes a lo largo de este recomendable doble álbum.

http://www.patmartino.com/

Brian Setzer • Jump, Jive an' Wail The Best of the Brian Setzer Orchestra 1994-2000

 

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine  
After disbanding his retro-rockabilly crew the Stray Cats, Brian Setzer reinvented himself as a retro-swing big-band leader with the Brian Setzer Orchestra in the early '90s. Like the Cats, they seemingly did one thing, but that one thing encompassed a lot of music -- rock & roll, jump blues, jazz, traditional pop, to start with. Though it encompassed a lot, all the records pretty much remained in the same vein, with each touching on the same themes each time, sometimes more effectively than others. That inconsistent similarity lends itself well to a good compilation, which is what 2003's generous 23-track collection Jump, Jive an' Wail: The Best of the Brian Setzer Orchestra 1994-2000 is. This has all the big singles and all the great album tracks, and while it's not sequenced chronologically, it doesn't matter because the track listing has the propulsion of a good concert (plus, if all the records are variations on the same theme, it doesn't really matter if they don't follow in order of release). It's a fun, rocking good time, an excellent summary of Setzer's strengths in the second phase of his career.
https://www.allmusic.com/album/jump-jive-an-wail-the-best-of-the-brian-setzer-orchestra-1994-2000-mw0000031861

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
Después de disolver su grupo de rockabilly retro, los Stray Cats, Brian Setzer se reinventó como líder de una big band de swing retro con la Brian Setzer Orchestra a principios de los 90. Como los Cats, hacían aparentemente una cosa, pero esa cosa abarcaba mucha música: rock & roll, jump blues, jazz, pop tradicional. Como los Cats, aparentemente hacían una cosa, pero esa cosa abarcaba mucha música: rock & roll, jump blues, jazz, pop tradicional, para empezar. Aunque abarcaban mucho, todos los discos seguían más o menos la misma línea, tocando cada vez los mismos temas, a veces con más eficacia que otras. Esa inconsistente similitud se presta bien a una buena recopilación, que es lo que hace la generosa colección de 2003 Jump, Jive an' Wail: The Best of the Brian Setzer Orchestra 1994-2000. Tiene todos los grandes singles y todas las grandes canciones de los álbumes, y aunque no está secuenciada cronológicamente, no importa porque la lista de canciones tiene la propulsión de un buen concierto (además, si todos los discos son variaciones sobre el mismo tema, no importa realmente si no siguen el orden de publicación). Es un buen rato divertido y rockero, un excelente resumen de los puntos fuertes de Setzer en la segunda fase de su carrera.
https://www.allmusic.com/album/jump-jive-an-wail-the-best-of-the-brian-setzer-orchestra-1994-2000-mw0000031861

 

 
  briansetzer.com ...