Ike Quebec • Soul Samba

Soul Samba (aka Bossa Nova Soul Samba) is an album by American saxophonist Ike Quebec recorded in 1962 and released on the Blue Note label. It was Quebec's final recording before his death in January 1963.

Review by Scott Yanow
This was veteran tenor saxophonist Ike Quebec's final recording as a leader. It was cut in October 1962 and produced by Alfred Lion a little more than three months before the saxophonist's death. Bossa Nova Soul Samba was recorded and released during the bossa nova craze, as Brazilian music was first brought to the attention of pop listeners via Stan Getz and Charlie Byrd's smash hit with Tom Jobim's "Desafinado," on their Jazz Samba record for Verve in February. After that, seemingly everyone was making a bossa nova record. Quebec's effort is a bit unusual in that none of the musicians (guitarist Kenny Burrell, bassist Wendell Marshall, drummer Willie Bobo, and percussionist Garvin Masseaux) was associated with Brazilian (as opposed to Afro-Cuban) jazz before this, and that there isn't a single tune written by Jobim on the set. Quebec emphasizes warm, long tones (reminiscent of Coleman Hawkins in a romantic fashion), and his sidemen play light and appealing but nonetheless authoritative bossa rhythms. Standout tracks here include Burrell's own "Loie," which opens the disc, "Goin' Home," based on a tune by classical composer Antonin Dvorák and arranged by Quebec -- he does the same with "Liebestraum" two tunes later -- and the stunning "Favela," by the crack composing team of Joraci Camargo and Heckel Tavares. The result is high-quality melodic Brazilian dance music with Burrell shining in particular.

 

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Soul Samba (alias Bossa Nova Soul Samba) es un álbum del saxofonista estadounidense Ike Quebec grabado en 1962 y publicado en el sello Blue Note. Fue la última grabación de Quebec antes de su muerte en enero de 1963.

Reseña de Scott Yanow
Esta fue la última grabación del veterano saxofonista tenor Ike Quebec como líder. Fue cortada en octubre de 1962 y producida por Alfred Lion un poco más de tres meses antes de la muerte del saxofonista. Bossa Nova Soul Samba se grabó y lanzó durante la locura de la bossa nova, ya que la música brasileña se puso por primera vez en conocimiento de los oyentes de pop a través del gran éxito de Stan Getz y Charlie Byrd con "Desafinado" de Tom Jobim, en su disco Jazz Samba para Verve en febrero. Después de eso, parece que todo el mundo estaba haciendo un disco de bossa nova. El esfuerzo de Québec es un poco inusual, ya que ninguno de los músicos (el guitarrista Kenny Burrell, el bajista Wendell Marshall, el baterista Willie Bobo y el percusionista Garvin Masseaux) se asoció con el jazz brasileño (a diferencia del afrocubano) antes de esto, y no hay ni una sola melodía escrita por Jobim en el set. Quebec hace hincapié en los tonos cálidos y largos (que recuerdan a Coleman Hawkins de manera romántica), y sus acompañantes tocan ritmos de bossa ligeros y atractivos, pero no obstante autoritarios. Entre los temas que se destacan aquí se encuentra el propio "Loie" de Burrell, que abre el disco, "Goin' Home", basado en un tema del compositor clásico Antonin Dvorák y arreglado por Quebec -él hace lo mismo con "Liebestraum" dos temas más tarde- y el impresionante "Favela", del equipo de composición de Joraci Camargo y Heckel Tavares. El resultado es música melódica brasileña de alta calidad, con Burrell brillando en particular.

Chet Atkins • Workshop

Review by Greg Adams

Chet Atkins, the country boy whose catholic tastes deserve some of the credit (or blame) for pushing country music toward the pop mainstream in the '60s, serves up exclusively pop and jazz material on his 1961 album Chet Atkins' Workshop. "Whispering" and "Lullaby of Birdland" are two of the jazz standards, while instrumental renditions of the Debbie Reynolds hit "Tammy" and Doris Day's "Que Sera, Sera (Whatever Will Be, WIll Be)" are pure pop. Atkins' relaxed fingerpicking works the material into a smooth consistency that sometimes belies the complexity of his technique, but the album is an engaging listen and an effortless-sounding intersection of diverse styles. Atkins was an album artist, and Chet Atkins' Workshop, though failing to produce a charting single, made the Top Ten and became his best-selling LP.

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Revisión por Greg Adams

Chet Atkins, el chico del campo cuyos gustos católicos merecen parte del crédito (o la culpa) por llevar la música country a la música pop en la década de los sesenta, ofrece material de pop y jazz en su álbum de 1961 Chet Atkins 'Workshop. "Whispering" y "Lullaby of Birdland" son dos de los estándares del jazz, mientras que las interpretaciones instrumentales de la exitosa "Tammy" de Debbie Reynolds y "Que Sera, Sera de Doris Day" son puramente pop. La selección relajada de Atkins hace que el material se convierta en una consistencia suave que a veces desmiente la complejidad de su técnica, pero el álbum es una escucha atractiva y una intersección de diversos estilos que suena sin esfuerzo. Atkins fue un artista del álbum, y Chet Atkins 'Workshop, aunque no pudo producir un single de charting, llegó al Top Ten y se convirtió en su LP más vendido.

The Lyman Woodard Trio • 7493 Live At Last!!

Review by Michael G. Nastos

This is one of several unearthed recordings by Detroit organist Lyman Woodard issued after he passed away. It's two separate sessions in live club dates from 1974 at J.J.'s Lounge in the Shelby Hotel and 1993 at Sully's in Dearborn, MI. Recorded on a reel-to-reel tape deck and a cassette-armed boom box with a condenser microphone, respectively, the digitally enhanced sound is decent but not great overall -- thin, not distorted, but balanced. With guitarist Ron English and drummer Leonard King, Woodard sounds relaxed, in good spirits, and above all inspired. So does English, and where he might be tentative in spots, he still runs rings around many other players on his instrument. The four tracks from 1974 display a good bop sensibility, a ballad, and English's spirited bossa-funk "Even Today," which represents the soul sound of Detroit at the time. Of the other six cuts, Woodard's pithy, rich, personalized penchant for Latin boogaloo crops up in parallel tunes "Lyman's Montuno" and "Belle Isle Daze," similar to his very famous composition "Cheeba." There's also more R&B on the latter-period set, including a rousing version of "I Got a Woman" sans vocals. These self-aggrandized "gems of music" will likely appeal only to completists or those just discovering Woodard, prompting them to acquire his seminal, definitive efforts.

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Revisión por Michael G. Nastos

Esta es una de varias grabaciones desenterradas por el organista de Detroit Lyman Woodard emitidas después de su fallecimiento. Son dos sesiones separadas en fechas de clubes en vivo desde 1974 en J.J.'s Lounge en el Hotel Shelby y en 1993 en Sully's en Dearborn, MI. Grabado en una platina de cinta de carrete a carrete y en un boom box armado con casete con un micrófono de condensador, respectivamente, el sonido mejorado digitalmente es decente pero no excelente en general: delgado, no distorsionado, pero equilibrado. Con el guitarrista Ron English y el baterista Leonard King, Woodard suena relajado, de buen humor y, sobre todo, inspirado. Lo mismo ocurre con el inglés, y donde podría ser tentativo en algunos lugares, todavía maneja los anillos alrededor de muchos otros jugadores con su instrumento. Las cuatro pistas de 1974 muestran una buena sensibilidad al bop, una balada y el animado bossa-funk en inglés "Even Today", que representa el sonido del alma de Detroit en ese momento. De los otros seis cortes, la concisa compenetración de Woodard, rica y personalizada por el boogaloo latino, surge en melodías paralelas "Lyman's Montuno" y "Belle Isle Daze", similar a su famosa composición "Cheeba". También hay más R&B en el conjunto del último período, incluida una versión conmovedora de "I Got a Woman" sin voces. Estas "gemas de la música" autoengrandecidas probablemente atraerán solo a los completistas o aquellos que simplemente están descubriendo a Woodard, lo que los impulsará a adquirir sus esfuerzos seminales y definitivos.

 

 

www.lymanorganization.org ...

Grand Piano Boogie • Boogie On The Move

Dutch trio.
 

 

 

Micke Muster • Something For Everybody

 

 

Micke Muster is considered to be one of Europe's best rock ’n' roll artists. Jerry Lee Lewis himself recently attested that Micke is the best rock 'n' roll pianist and singer next to himself. And that's not a bad compliment. Jerry Lee Lewis style music.

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Micke Muster está considerado como uno de los mejores artistas de rock'n' roll de Europa. Jerry Lee Lewis mismo recientemente atestiguó que Micke es el mejor pianista y cantante de rock'n' roll junto a él. Y eso no es un mal cumplido. Música al estilo de Jerry Lee Lewis.

bear-family.com/muster-micke ...

 

Scott Hamilton • After Hours

 

Biography:
Scott Hamilton was born in 1954, in Providence, Rhode Island. During his early childhood he heard a lot of jazz through his father’s extensive record collection, and became acquainted with the jazz greats. He tried out several instruments, including drums at about the age of five, piano at six and mouth-organ. He had some clarinet lessons when he was about eight years of age, but that was the only formal music tuition he has ever had. Even at that age he was attracted to the sound of Johnny Hodges, but it was not until he was about sixteen that he started playing the saxophone seriously. From his playing mainly blues on mouth organ, his little band gradually became more of a jazz band.
He moved to New York in 1976 at the age of twenty-two, and through Roy Eldridge, with whom he had played a year previously in Boston, got a six-week gig at Michael’s Pub. Roy also paved the way for him to work with Anita O’Day and Hank Jones. Although it was the tail-end of the of old New York scene, a lot of the greats were still playing and he got to work and learn from people like Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson and Jo Jones. Eldridge was Scott’s champion, but pulled no punches, and could be extremely critical, something for which Scott has always been grateful. In December of the same year John Bunch got Scott his first recording date, for Famous Door, and was also responsible for him joining Benny Goodman. He continued to work with Goodman at different times until the early 1980s.
In 1977 he formed his own quartet, which later became a quintet, with Bunch added to the group. The same year Carl Jefferson heard him, and began recording him for his Concord record label. More than forty albums later he is still recording for them, having made many under his own leadership, several with his regular British quartet of John Pearce, Dave Green and Steve Brown, including his latest, Nocturnes & Serenades. The Quartet plus two guests, Dave Cliff and Mark Nightingale recorded Our Delight! for Alan Barnes’ Woodville label. A new release, Across the Tracks on Concorde is due this May. Along the way he has made albums with Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, many with Rosemary Clooney and a number with another of his mentors, Ruby Braff, with whom he played residencies at the Pizza Express Jazz Club, London in the mid-1980s. Over the years Scott has also performed and recorded with such touring bands as the Concord Jazz All Stars, the Concord Super Band and George Wein’s Newport Jazz Festival All Stars.
For some years he was based in London, where he first played in 1978, but now travels the world from Italy. Each year, in addition to two or three residencies with the quartet at the Pizza Express Jazz Club, British jazz club dates and festival work including Brecon, where he is one of the patrons, he regularly tours Germany, the Netherlands, Scandinavia, Japan, Spain and Italy. He returns to America three or four times a year to play at festivals, including in 2007, the New York JVC festival in June and Irvine, California in September, and in February 2008 for three nights at the Lincoln Centre New York.
His playing has best been described by fellow tenor saxophonist and writer, Dave Gelly: “Following a Scott Hamilton solo is like listening to a great conversationalist in full flow. First comes the voice, the inimitable, assured sound of his tenor saxophone, then the informal style and finally the amazing fluency and eloquent command of the jazz language.” Scott was awarded the ‘Ronnie’ for International Jazz Saxophonist of the Year in the 2007 inaugural Ronnie Scott’s Jazz Awards.  It is no wonder that Scott Hamilton is in demand the world over.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/

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Biografía:
Scott Hamilton nació en 1954, en Providence, Rhode Island. Durante su infancia escuchó mucho jazz a través de la extensa colección de discos de su padre, y se familiarizó con los grandes del jazz. Probó varios instrumentos, incluyendo la batería a la edad de cinco años, el piano a los seis años y la armónica. Tomó algunas clases de clarinete cuando tenía unos ocho años, pero fue la única clase de música formal que tuvo. Incluso a esa edad se sintió atraído por el sonido de Johnny Hodges, pero no fue hasta los dieciséis años cuando empezó a tocar el saxofón en serio. De tocar principalmente blues con armónica, su pequeña banda se convirtió gradualmente en una banda de jazz.
Se mudó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y a través de Roy Eldridge, con quien había tocado un año antes en Boston, consiguió un concierto de seis semanas en el Michael's Pub. Roy también le allanó el camino para trabajar con Anita O'Day y Hank Jones. Aunque era el final de la vieja escena neoyorquina, muchos de los grandes seguían tocando y él se puso a trabajar y a aprender de gente como Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson y Jo Jones. Eldridge era el campeón de Scott, pero no se andaba con rodeos y podía ser extremadamente crítico, algo por lo que Scott siempre ha estado agradecido. En diciembre del mismo año John Bunch le consiguió a Scott su primera fecha de grabación, para Famous Door, y también fue responsable de que se uniera a Benny Goodman. Continuó trabajando con Goodman en diferentes momentos hasta principios de los 80.
En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en quinteto, con Bunch añadido al grupo. Ese mismo año Carl Jefferson lo escuchó y comenzó a grabarlo para su sello discográfico Concord. Más de cuarenta álbumes después sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchos bajo su propia dirección, varios con su cuarteto británico habitual de John Pearce, Dave Green y Steve Brown, incluyendo su último, Nocturnos y Serenatas. El cuarteto más dos invitados, Dave Cliff y Mark Nightingale grabaron Our Delight! para el sello Woodville de Alan Barnes. Un nuevo lanzamiento, Across the Tracks en el Concorde, está previsto para este mayo. Por el camino ha hecho álbumes con Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, muchos con Rosemary Clooney y un número con otra de sus mentoras, Ruby Braff, con quien hizo residencias en el Pizza Express Jazz Club de Londres a mediados de los 80. A lo largo de los años, Scott también ha tocado y grabado con bandas de gira como la Concord Jazz All Stars, la Concord Super Band y la Newport Jazz Festival All Stars de George Wein.
Durante algunos años estuvo basado en Londres, donde tocó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo desde Italia. Cada año, además de dos o tres residencias con el cuarteto en el Pizza Express Jazz Club, fechas de clubes de jazz británicos y trabajos en festivales como el de Brecon, donde es uno de los patrocinadores, realiza giras regulares por Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia. Regresa a América tres o cuatro veces al año para tocar en festivales, entre ellos, en 2007, el festival JVC de Nueva York en junio e Irvine, California, en septiembre, y en febrero de 2008 durante tres noches en el Lincoln Centre de Nueva York.
Su forma de tocar ha sido mejor descrita por su compañero saxofonista tenor y escritor, Dave Gelly: "Seguir un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador a todo volumen. Primero viene la voz, el inimitable y seguro sonido de su saxo tenor, luego el estilo informal y finalmente la asombrosa fluidez y el dominio elocuente del lenguaje del jazz". Scott fue galardonado con el premio 'Ronnie' al Saxofonista Internacional de Jazz del Año en la edición inaugural de los Premios de Jazz Ronnie Scott de 2007.  No es de extrañar que Scott Hamilton sea solicitado en todo el mundo.
(Brian Peerless)
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The Ventures • Go With The Ventures

Biography by John Bush
Not the first but definitely the most popular rock instrumental combo, the Ventures scored several hit singles during the 1960s -- most notably "Walk-Don't Run" and "Hawaii Five-O" -- but made their name in the growing album market, covering hits of the day and organizing thematically linked LPs. Almost 40 Ventures' albums charted, and 17 hit the Top 40. And though the group's popularity in America virtually disappeared by the 1970s, their enormous contribution to pop culture was far from over; the Ventures soon became one of the most popular world-wide groups, with dozens of albums recorded especially for the Japanese and European markets. They toured continually throughout the 1970s and '80s -- influencing Japanese pop music of the time more than they had American music during the '60s.

The Ventures' origins lie in a Tacoma, Washington group called the Impacts. Around 1959, construction workers and hobby guitarists Bob Bogle and Don Wilson formed the group, gigging around Washington state and Idaho with various rhythm sections as backup. They recorded a demo tape, but after it was rejected by the Liberty Records subsidiary Dolton, the duo founded their own label, Blue Horizon. They released one vocal single ("Cookies and Coke"), then recruited bassist Nokie Edwards and drummer Skip Moore and decided to instead become an instrumental group.

Hi Fi in Focus
The Ventures went into the studio in 1959 with an idea for a new single they had first heard on Chet Atkins' Hi Fi in Focus LP. Released on Blue Horizon in 1960, the single "Walk-Don't Run" became a big local hit after being aired as a news lead-in on a Seattle radio station (thanks to a friend with connections). In an ironic twist, Dolton Records came calling and licensed the single for national distribution; by summer 1960, it had risen to number two in the charts, behind only "It's Now or Never" by Elvis Presley. After Howie Johnson replaced Moore on drums, the Ventures began recording their debut album, unsurprisingly titled after their hit single.

The Colorful Ventures
Two singles, "Perfidia" and "Ram-Bunk-Shush," hit the Top 40 during 1960-61, but the Ventures soon began capitalizing on what became a trademark: releasing LPs which featured songs very loosely arranged around a theme implied in the title. The group's fourth LP, The Colorful Ventures, included "Yellow Jacket," "Red Top," "Orange Fire" and no less than three tracks featuring the word "blue" in the title. The Ventures put their indelible stamp on each style of '60s music they covered, and they covered many -- twist, country, pop, spy music, psychedelic, swamp, garage, TV themes. (In the '70s, the band moved on to funk, disco, reggae, soft rock and Latin music.) The Ventures' lineup changed slightly during 1962. Howie Johnson left the band, to be replaced by session man Mel Taylor; also, Nokie Edwards took over lead guitar with Bob Bogle switching to bass.

The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull
One of the few LPs not arranged around a theme became their best-selling; 1963's The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull featured a cover of the number one instrumental hit by the British studio band the Tornadoes and produced by Joe Meek. Though their cover of "Telstar" didn't even chart, the album hit the Top Ten and became the group's first of three gold records. A re-write of their signature song -- entitled "Walk-Don't Run '64" -- reached number eight that year. By the mid-'60s however, the Ventures appeared to be losing their touch. Considering the volatility of popular music during the time, it was quite forgivable that the group would lose their heads-up knowledge of current trends in the music industry to forecast which songs should be covered. The television theme "Hawaii Five-O" hit number four in 1969, but the Ventures slipped off the American charts for good in 1972. Instead, the band began looking abroad for attention and -- in Japan especially -- they found it with gusto. After leaving Dolton/Liberty and founding their own Tridex Records label, the Ventures began recording albums specifically for the Japanese market. The group eventually sold over 40 million records in that country alone, becoming one of the biggest American influences on Japanese pop music ever.

Nokie Edwards left the Ventures in 1968 to pursue his interest in horse racing for a time, and was replaced by Gerry McGee; though he returned by 1972, Mel Taylor left the group that year for a solo career, to be replaced by Joe Barile. (Taylor also returned, in 1979.) By the early '80s, the Ventures' core quartet of Wilson, Bogle, Edwards, and Taylor could boast of playing together for over 20 years. Edwards left the band for good in 1984 (replaced again by Gerry McGee), and the following decades were marked by the deaths of several of the group's earliest members -- Mel Taylor died midway through a Japanese tour in 1996 (replaced by his son Leon), co-founder Bob Bogle died in 2009, and Nokie Edwards himself died in 2018 -- yet latter-day incarnations of the Ventures continued to pack venues around the world.
https://www.allmusic.com/artist/the-ventures-mn0000921965/biography

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Biografía de John Bush
No es el primer pero definitivamente el más popular combo instrumental de rock, los Ventures consiguieron varios singles de éxito durante los años 60 - más notablemente "Walk-Don't Run" y "Hawaii Five-O" - pero se hicieron un nombre en el creciente mercado de álbumes, cubriendo éxitos del día y organizando LPs temáticamente vinculados. Casi 40 álbumes de Ventures se colocaron en la lista de éxitos, y 17 llegaron al Top 40. Y aunque la popularidad del grupo en América prácticamente desapareció en los años 70, su enorme contribución a la cultura pop estaba lejos de haber terminado; los Ventures pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares del mundo, con docenas de álbumes grabados especialmente para los mercados japonés y europeo. Hicieron giras continuas durante los años 70 y 80 - influenciando la música pop japonesa de la época más que la música americana de los años 60.

Los orígenes de The Ventures se encuentran en un grupo de Tacoma, Washington, llamado The Impacts. Alrededor de 1959, los trabajadores de la construcción y los guitarristas aficionados Bob Bogle y Don Wilson formaron el grupo, actuando en el estado de Washington y en Idaho con varias secciones rítmicas como respaldo. Grabaron una cinta de demostración, pero después de que fuera rechazada por la filial de Liberty Records, Dolton, el dúo fundó su propio sello, Blue Horizon. Lanzaron un single vocal ("Cookies and Coke"), luego reclutaron al bajista Nokie Edwards y al baterista Skip Moore y decidieron convertirse en un grupo instrumental.

Hi Fi in Focus
The Ventures entraron en el estudio en 1959 con una idea para un nuevo single que habían escuchado por primera vez en el LP Hi Fi in Focus de Chet Atkins. Lanzado en Blue Horizon en 1960, el single "Walk-Don't Run" se convirtió en un gran éxito local después de salir al aire como un avance de noticias en una estación de radio de Seattle (gracias a un amigo con conexiones). En un giro irónico, Dolton Records llamó y licenció el single para su distribución nacional; para el verano de 1960, había subido al número dos de las listas de éxitos, sólo por detrás de "It's Now or Never" de Elvis Presley. Después de que Howie Johnson reemplazara a Moore en la batería, los Ventures comenzaron a grabar su álbum debut, titulado, como era de esperar, después de su exitoso single.

The Colorful Ventures
Dos sencillos, "Perfidia" y "Ram-Bunk-Shush", estuvieron en el Top 40 durante 1960-61, pero los Ventures pronto comenzaron a capitalizar lo que se convirtió en una marca registrada: lanzaron LPs que presentaban canciones muy sueltas dispuestas alrededor de un tema implícito en el título. El cuarto LP del grupo, The Colorful Ventures, incluía "Yellow Jacket", "Red Top", "Orange Fire" y nada menos que tres temas con la palabra "blue" en el título. The Ventures puso su sello indeleble en cada estilo de música de los 60 que cubrieron, y cubrieron muchos... temas de twist, country, pop, música espía, psicodélica, pantano, garaje, TV. (En los 70, la banda pasó al funk, disco, reggae, soft rock y música latina). La alineación de The Ventures cambió ligeramente durante 1962. Howie Johnson dejó la banda, para ser reemplazado por el hombre de sesión Mel Taylor; también, Nokie Edwards tomó la guitarra principal con Bob Bogle cambiando al bajo.

Los Ventures tocan en Telstar, The Lonely Bull
Uno de los pocos LPs que no se organizaron en torno a un tema se convirtió en su best-seller; The Ventures Play Telstar de 1963, The Lonely Bull, incluía una versión del éxito instrumental número uno de la banda de estudio británica The Tornadoes y fue producido por Joe Meek. Aunque la portada de "Telstar" ni siquiera llegó a las listas de éxitos, el álbum llegó al Top Ten y se convirtió en el primero de los tres discos de oro del grupo. Una reescritura de su canción principal, titulada "Walk-Don't Run '64", alcanzó el número ocho ese año. Sin embargo, a mediados de los 60, los Ventures parecían estar perdiendo su toque. Considerando la volatilidad de la música popular de la época, era bastante perdonable que el grupo perdiera su conocimiento de las tendencias actuales de la industria musical para pronosticar qué canciones deberían ser cubiertas. El tema de televisión "Hawaii Five-O" llegó al número cuatro en 1969, pero los Ventures se salieron definitivamente de las listas de éxitos estadounidenses en 1972. En cambio, la banda comenzó a buscar atención en el extranjero y, especialmente en Japón, la encontró con gusto. Después de dejar Dolton/Liberty y fundar su propio sello Tridex Records, los Ventures comenzaron a grabar discos específicamente para el mercado japonés. El grupo finalmente vendió más de 40 millones de discos sólo en ese país, convirtiéndose en una de las mayores influencias americanas en la música pop japonesa de todos los tiempos.

Nokie Edwards dejó los Ventures en 1968 para dedicarse a las carreras de caballos durante un tiempo, y fue reemplazado por Gerry McGee; aunque regresó en 1972, Mel Taylor dejó el grupo ese año para una carrera en solitario, para ser reemplazado por Joe Barile. A principios de los años 80, el cuarteto principal de los Ventures, formado por Wilson, Bogle, Edwards y Taylor, pudo presumir de haber tocado juntos durante más de 20 años. Edwards dejó la banda definitivamente en 1984 (reemplazado nuevamente por Gerry McGee), y las décadas siguientes estuvieron marcadas por la muerte de varios de los primeros miembros del grupo: Mel Taylor murió a mitad de una gira por Japón en 1996 (reemplazado por su hijo Leon), el cofundador Bob Bogle murió en 2009, y el propio Nokie Edwards murió en 2018.
https://www.allmusic.com/artist/the-ventures-mn0000921965/biography

 

www.theventures.com/

C. J. Chenier And The Red Hot Louisiana Band • My Baby Don't Wear No Shoes

Review by Rose of Sharon Witmer

Zydeco artist C.J. Chenier is given to prefacing his songs with the statement, "Ain't nothin' but a party, ya'll!," and he ought to know, providing the auditory component for so many other people's good times. This CD illustrates the point. One dance tune after another gets the partygoers out on the dancefloor for songs that are fast and faster. Every once in a while a waltz is thrown in for a breather before the next kick-out tune begins. Chenier, son of the legendary King of Zydeco, Clifton Chenier, is aided by his Red Hot Louisiana Band on this record. The CD marks one of the last times the distinctive rub boards of the King's older brother, Cleveland Chenier, are heard before his death in 1990. C.J. Chenier, who plays accordion and saxophone and provides vocals on the CD, leads the band through a repertoire of high-octane tunes. Some highlights include the title cut, "Blue Flame Blues," "Bow-Legged Woman," "I'll Be Long Gone," and a cover of the King of Rock & Roll's "All Shook Up." The lively music put down by C.J. Chenier and company makes a body want to kick off its shoes and dance.

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Reseña de Rose of Sharon Witmer

El artista de Zydeco, C.J. Chenier, es el encargado de hacer el prefacio de sus canciones con la frase: "Ain't nothin' but a party, you'll all" (No es nada más que una fiesta), y él debería saberlo, proporcionando el componente auditivo para los buenos momentos de tantas otras personas. Este CD ilustra este punto. Una melodía de baile tras otra hace que los asistentes a la fiesta salgan a la pista de baile para escuchar canciones que son rápidas y más rápidas. De vez en cuando se lanza un vals para tomar un respiro antes de que empiece la siguiente melodía. Chenier, hijo del legendario Rey de Zydeco, Clifton Chenier, es ayudado por su Red Hot Louisiana Band en este disco. El CD marca una de las últimas veces que se escuchan los distintivos friccionamientos del hermano mayor del Rey, Cleveland Chenier, antes de su muerte en 1990. C.J. Chenier, que toca el acordeón y el saxofón y aporta voces en el CD, dirige la banda a través de un repertorio de melodías de alto octanaje. Algunos puntos destacados incluyen el corte del título, "Blue Flame Blues", "Bow-Legged Woman", "I'll Be Long Gone", y una portada de "All Shook Up" del King of Rock & Roll. La música animada de C.J. Chenier y compañía hace que el cuerpo quiera quitarse los zapatos y bailar.

 

 

www.officialcjchenier.com ... 

Stevie Wonder • The Jazz Soul Of Little Stevie

 

Armando Trovajoli • Softly

Armando Trovajoli (born September 2, 1917, Rome, Italy - died February 27, 2013, Rome, Italy) was an Italian film composer and pianist with over 300 credits as composer and/or conductor. He was married to the italian actress and singer Pier Angeli.

As a child he learned to play the violin, showing a remarkable musical talent. In 1937, he became a member of orchestra Rocco Grasso and in 1939, he played with Sesto Carlini's orchestra, one of the most renowned Italian jazz bands of that time.

After the Second World War, he resumed his musical career, alternating between playing jazz and light music. In 1948, he gained further academic qualifications, graduating in piano and composing from Santa Cecilia Conservatory in Rome. In 1949, he was chosen to represent Italy at Festival du Jazz de Paris, where he played with double bassist, Gorni Kramer and drummer, Gil Cuppini. In the following year he began a long series of recordings titled "Musica per i vostri sogni". In collaboration with Piero Morgan (also known as Piero Piccioni), he made a series of radio shows, one of the first Italian experiments to present jazz piano performances with a string orchestra. About the same time he began to have success as a popular songwriter, using the pseudonym Roman Vatro. In 1952, he was invited by the film director Alberto Lattuada to write the music for his upcoming movie Anna. One of the songs "El Negro Zumbon" became a worldwide best seller. In the same year, Trovajoli performed as a concert pianist playing Gershwin music under the direction of Artur Rodzinski at San Carlo theatre in Naples and Willy Ferrero at Basilica di Massenzio in Rome. In 1953, in addition to writing the music for the film "Due notti con Cleopatra", he served as the orchestra director at Festival della canzone di Sanremo, repeating this role in 1957. He gained more international success with the song "Che m'è mparato a ffà", recorded by Sophia Loren in 1958.

In 1962, Trovajoli, who had previously worked on some variety shows, composed the score for the musical comedy "Rugantino".

Travajoli wrote the soundtracks for many movies, working with film directors such as Vittorio De Sica, Marco Vicario, Dino Risi, Luigi Magni and Ettore Scola.

In 2007, he was awarded the "Premio Speciale David di Donatello" in recognition of his achievements.

https://www.discogs.com/artist/128977-Armando-Trovaioli

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Armando Trovajoli (nacido el 2 de septiembre de 1917 en Roma, Italia - fallecido el 27 de febrero de 2013 en Roma, Italia) fue un compositor y pianista de cine italiano con más de 300 créditos como compositor y/o director. Estuvo casado con la actriz y cantante italiana Pier Angeli.

De niño aprendió a tocar el violín, mostrando un notable talento musical. En 1937, se convirtió en miembro de la orquesta Rocco Grasso y en 1939, tocó con la orquesta de Sesto Carlini, una de las bandas de jazz italianas más renombradas de la época.

Después de la Segunda Guerra Mundial, reanudó su carrera musical, alternando entre el jazz y la música ligera. En 1948, obtuvo otras calificaciones académicas, graduándose en piano y componiendo en el Conservatorio de Santa Cecilia en Roma. En 1949, fue elegido para representar a Italia en el Festival du Jazz de París, donde tocó con el contrabajista Gorni Kramer y el baterista Gil Cuppini. En el año siguiente comenzó una larga serie de grabaciones titulada "Musica per i vostri sogni". En colaboración con Piero Morgan (también conocido como Piero Piccioni), realizó una serie de programas de radio, uno de los primeros experimentos italianos de presentar interpretaciones de piano de jazz con una orquesta de cuerda. Más o menos en la misma época empezó a tener éxito como compositor popular, usando el seudónimo de Roman Vatro. En 1952, fue invitado por el director de cine Alberto Lattuada para escribir la música de su próxima película Anna. Una de las canciones "El Negro Zumbon" se convirtió en un best seller mundial. Ese mismo año, Trovajoli actuó como concertista tocando música de Gershwin bajo la dirección de Artur Rodzinski en el teatro San Carlo de Nápoles y de Willy Ferrero en la Basílica de Massenzio en Roma. En 1953, además de escribir la música para la película "Due notti con Cleopatra", fue director de orquesta en el Festival della canzone di Sanremo, repitiendo este papel en 1957. Obtuvo más éxito internacional con la canción "Che m'è mparato a ffà", grabada por Sophia Loren en 1958.

En 1962, Trovajoli, que había trabajado anteriormente en algunos espectáculos de variedades, compuso la partitura de la comedia musical "Rugantino".

Travajoli escribió las bandas sonoras de muchas películas, trabajando con directores de cine como Vittorio De Sica, Marco Vicario, Dino Risi, Luigi Magni y Ettore Scola.

En 2007, recibió el "Premio Speciale David di Donatello" en reconocimiento a sus logros.

https://www.discogs.com/artist/128977-Armando-Trovaioli

Johnny Hodges • Verve Jazz Masters 35

"Never the world's most highly animated showman or greatest stage personality, but a tone so beautiful it sometimes brought tears to the eyes, this was Johnny Hodges. Because of this great loss, our band will never sound the same. Johnny Hodges sometimes sounded beautiful, sometimes romantic, and sometimes people spoke of his tone as being sensuous. With the exception of a year or so, almost his entire career was with us. So far as our wonderful listening audience was concerned, there was a great feeling of expectancy when they looked up and saw Johnny Hodges sitting in the middle of the saxophone section, in the front row. I am glad and thankful that I had the privilege of presenting Johnny Hodges for forty years, night after night. I imagine I have been much envied, but thanks to God....” Duke Ellington eulogy.

John Cornelius Hodges was born on the 25th July 1906 in Cambridge, Mass. He started his musical career playing drums and piano before taking up the saxophone at the age of 14, beginning on the soprano and later the alto. Originally self-taught he was given lessons by Sydney Bechet, whom he got to know through his sister. He followed Bechet into Willie 'The Lion' Smith's quartet at the Rhythm Club (around 1924), then played in the house band with Bechet's Club ‘Basha’ in Harlem. He continued to live in Boston and traveled to New York at weekends playing with such musicians as Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), then from late 1926 with the great Chick Webb at The Paddock Club and The Savoy Ballroom, etc. followed by a short stint with Luckey Roberts.

In May 1928 Johnny joined Duke Ellington's orchestra and he remained a mainstay of the group for the next 40 years. From his first recording in 1928 he revealed his authority and technical mastery of the saxophone, playing with a broad, sweeping tone and producing impressive, cascading runs. In the opinion of many people, he soon became Duke's most valuable soloist. He made hundreds of recordings with Duke and from 1937 led his own small studio group drawn from the orchestra which made many successful series of recordings for Victor and other labels. Titles included “Jeep's Blues,” “Hodge Podge,” “The Jeep is Jumpin” all of which were co-written with Duke. Also in this period of great creativity he played in many other small groups with musicians such as Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., producing classics of the period.

Johnny was one of the many stars of the Ellington band of the 40s producing solos of immense authority on songs such as “Things Ain't What They Used To Be,” “Don't Get Around Much Any More,” “Passion Flower,” etc. From the 40s he concentrated on the alto leaving the soprano alone completely and in this period he regularly won the popularity polls run by magazines such as Downbeat, Metronome, and Esquire.

In March 1951 Johnny left Duke to form his own small group taking with him Lawrence Brown and Sonny Greer and in their first recording session they produced a hit record of “Castle Rock.” Johnny disbanded the group in the spring of 1955 and after a brief spell of TV work on the Ted Steele Show, rejoined Duke in August of that year where, apart from a few brief periods, he remained for the rest of his life. In the spring of 1958 he worked with Billy Strayhorn and in 1961 went to Europe with some of the other band members in a group called The Ellington Giants.

He continued to record prolifically with musicians such as Wild Bill Davis, Earl Hines, and even one session with Lawrence Welk. Duke and Billy Strayhorn continued to write compositions and arrangements featuring Johnny's unique sound and talents leaving a wonderful legacy of recorded music for the enjoyment of successive generations of enthusiasts. He won the admiration of many saxophonists such as Ben Webster and even John Coltrane who played in one of the small groups in 1953-4 said that Johnny was always one of his favorite players.

In his later years Johnny used fewer and fewer notes, remaining close to the melody in ballads and improvising simple but telling riffs on the faster numbers, many of which were based on the blues . The power of his playing came from his sound and his soul, generating immense swing and building the dramatic tension from chorus to chorus. His last attempt at recording was the monumental “New Orleans Suite,” but he would not live to see the final product.

Johnny Hodges died of a heart attack in New York City on the 11th May 1970.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

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"Nunca fue el showman más animado del mundo o la personalidad teatral más grande, pero un tono tan hermoso que a veces hacía llorar a los ojos, este era Johnny Hodges. Debido a esta gran pérdida, nuestra banda nunca sonará igual. Johnny Hodges a veces sonaba hermoso, a veces romántico y, a veces, la gente hablaba de su tono como sensual. Con la excepción de un año más o menos, casi toda su carrera estuvo con nosotros. En lo que respecta a nuestra maravillosa audiencia oyente, hubo una gran sensación de expectativa cuando levantaron la vista y vieron a Johnny Hodges sentado en el medio de la sección de saxofones, en la primera fila. Estoy contento y agradecido de haber tenido el privilegio de presentar a Johnny Hodges durante cuarenta años, noche tras noche. Me imagino que me han envidiado mucho, pero gracias a Dios...."Elogio de Duke Ellington.

John Cornelius Hodges nació el 25 de julio de 1906 en Cambridge, Massachusetts. Comenzó su carrera musical tocando la batería y el piano antes de comenzar a tocar el saxofón a los 14 años, comenzando con la soprano y luego con el alto. Originalmente autodidacta, Sydney Bechet le dio lecciones, a quien conoció a través de su hermana. Siguió a Bechet al cuarteto de Willie' The Lion ' Smith en el Rhythm Club (alrededor de 1924), luego tocó en la banda de la casa con el Club 'Basha' de Bechet en Harlem. Continuó viviendo en Boston y viajaba a Nueva York los fines de semana tocando con músicos como Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), luego desde finales de 1926 con el gran Chick Webb en el Paddock Club y el Savoy Ballroom, etc. seguido de una breve temporada con Luckey Roberts.

En mayo de 1928, Johnny se unió a la orquesta de Duke Ellington y siguió siendo un pilar del grupo durante los siguientes 40 años. Desde su primera grabación en 1928 reveló su autoridad y dominio técnico del saxofón, tocando con un tono amplio y amplio y produciendo carreras impresionantes en cascada. En opinión de mucha gente, pronto se convirtió en el solista más valioso de Duke. Hizo cientos de grabaciones con Duke y, a partir de 1937, dirigió su propio pequeño grupo de estudio extraído de la orquesta, que realizó muchas series exitosas de grabaciones para Victor y otros sellos. Los títulos incluyeron "Jeep's Blues", "Hodge Podge"," The Jeep is Jumpin", todos los cuales fueron coescritos con Duke. También en este período de gran creatividad tocó en muchos otros pequeños grupos con músicos como Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., produciendo clásicos de la época.

Johnny fue una de las muchas estrellas de la Ellington Band de los años 40 produciendo solos de inmensa autoridad en canciones como "Things Ain't What They Used To Be"," Don't Get Around Much Anymore"," Passion Flower", etc. A partir de los años 40 se concentró en el alto dejando completamente sola a la soprano y en este período ganó regularmente las encuestas de popularidad que manejan revistas como Downbeat, Metronome y Esquire.

En marzo de 1951 Johnny dejó Duke para formar su propio pequeño grupo llevándose consigo a Lawrence Brown y Sonny Greer y en su primera sesión de grabación produjeron un exitoso disco de " Castle Rock. Johnny disolvió el grupo en la primavera de 1955 y después de un breve período de trabajo televisivo en The Ted Steele Show, se reincorporó a Duke en agosto de ese año, donde, aparte de unos breves períodos, permaneció por el resto de su vida. En la primavera de 1958 trabajó con Billy Strayhorn y en 1961 se fue a Europa con algunos de los otros miembros de la banda en un grupo llamado Ellington Giants.

Continuó grabando prolíficamente con músicos como Wild Bill Davis, Earl Hines e incluso una sesión con Lawrence Welk. Duke y Billy Strayhorn continuaron escribiendo composiciones y arreglos con el sonido y los talentos únicos de Johnny, dejando un maravilloso legado de música grabada para el disfrute de sucesivas generaciones de entusiastas. Se ganó la admiración de muchos saxofonistas como Ben Webster e incluso John Coltrane, quien tocó en uno de los grupos pequeños en 1953-4, dijo que Johnny siempre fue uno de sus músicos favoritos.

En sus últimos años, Johnny usó cada vez menos notas, permaneciendo cerca de la melodía en las baladas e improvisando riffs simples pero contundentes en los números más rápidos, muchos de los cuales se basaban en el blues . El poder de su interpretación provino de su sonido y su alma, generando un swing inmenso y construyendo la tensión dramática de coro en coro. Su último intento de grabación fue la monumental "Suite de Nueva Orleans", pero no viviría para ver el producto final.

Johnny Hodges murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1970.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

Champion Jack Dupree & His Blues Band • Champion Jack Dupree & His Blues Band Feat Mickey Baker

Born William Thomas Dupree, 4 July 1910, New Orleans, (Dupree's birth date is the matter of some conjecture and is sometimes listed as 23 July 1909). Orphaned in infancy, Dupree was raised in the Colored Waifs Home for Boys until the age of 14. After leaving, he led a marginal existence, singing for tips, and learning piano from musicians such as Willie “Drive-'em-down” Hall. Dupree also became a professional boxer, and blended fighting with hoboing throughout the 30s, before retiring from the ring in 1940, and heading for New York. Initially, he traveled only as far as Indianapolis, where he joined with musicians who had been associates of Leroy Carr. Dupree rapidly became a star of the local black entertainment scene, as a comedian and dancer as well as a musician. He acquired a residency at the local Cotton Club, and partnered comedienne Ophelia Hoy.

In 1940, Dupree made his recording debut, with music that blended the forceful, barrelhouse playing and rich, Creole- accented singing of New Orleans with the more suave style of Leroy Carr. Not surprisingly, a number of titles were piano/guitar duets, although on some, Jesse Ellery's use of amplification pointed the way forward. A few songs covered unusual topics, such as the distribution of grapefruit juice by relief agencies, or the effects of drugs.

Dupree's musical career was interrupted when he was drafted into the US Navy as a cook; even so he managed to become one of the first blues singers to record for the folk revival market while on leave in New York in 1943. Dupree's first wife died while he was in the navy, and he took his discharge in New York, where he worked as a club pianist, and formed a close musical association with Sonny Terry and Brownie McGhee.

His own post-war recording career commenced with a splendid series of solo recordings for Joe Davis, on some of which the influence of Peetie Wheatstraw is very evident. More typical were the many tracks with small groups recorded thereafter for a number of labels from 1946-53, and for King Records between April 1953 and late 1955. As ever, these recordings blend the serious with the comic, the latter somewhat tastelessly on songs such as “Tongue Tied Blues” and “Harelip Blues”. “Walking The Blues”, a comic dialogue with Teddy “Mr Bear” McRae, was a hit on King, and the format was repeated on a number of titles recorded for RCA Records' Vik and Groove.

In 1958, Dupree made his last American recordings until 1990; “Blues From The Gutter,” this a magnificent testament to Dupree's barrelhouse background, boasting marvelous readings of “Stack-O-Lee,” “Junker's Blues,” “Frankie & Johnny” and the “Nasty Boogie.” This is considered to be his finest effort and he was able to cruise off its laurels to launch a successful career overseas.

In 1959, he moved to Europe, and lived in Switzerland, England, Sweden and Germany, touring extensively and recording prolifically. There are many reissues and compilations available on a variety of labels to cover this European period. Among these are “Walking the Blues,” for King,(’70) and the outstanding live recording, “Blues at Montreaux”(’73) on Atco that also featured sax great, King Curtis.

Dupree returned to New Orleans in 1990 for his first visit in 36 years. While there, he played the Jazz & Heritage Festival and laid down an album for Bullseye Blues, “Back Home in New Orleans.”

The tracks on the 1993 release “One Last Time” were drawn from Dupree's final recording session before his death the previous year. Champion Jack died from complications of cancer on January 21, 1992.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com › championjackdupree

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Nacido William Thomas Dupree, 4 de julio de 1910, Nueva Orleans, (la fecha de nacimiento de Dupree es el asunto de algunas conjeturas y a veces se menciona como 23 de julio de 1909). Huérfano en la infancia, Dupree se crió en el Hogar de Niños de Color Waifs hasta la edad de 14 años. Después de irse, llevó una existencia marginal, cantando a cambio de propinas y aprendiendo a tocar el piano con músicos como Willie "Drive-'em-down" Hall. Dupree también se convirtió en boxeador profesional, y mezcló la lucha con el vagabundeo a lo largo de los años 30, antes de retirarse del ring en 1940, y se dirigió a Nueva York. Inicialmente, viajó sólo hasta Indianápolis, donde se unió a músicos que habían sido asociados de Leroy Carr. Dupree se convirtió rápidamente en una estrella de la escena local de entretenimiento negro, como comediante y bailarín, así como músico. Adquirió una residencia en el Cotton Club local y fue socio de la comediante Ophelia Hoy.

En 1940, Dupree hizo su debut discográfico, con una música que mezclaba el poderoso toque de barrelhouse y el rico y acentuado canto criollo de Nueva Orleans con el estilo más suave de Leroy Carr. No es de extrañar que varios títulos fueran dúos de piano/guitarra, aunque en algunos casos, el uso de la amplificación por parte de Jesse Ellery señaló el camino a seguir. Algunas canciones cubrían temas inusuales, como la distribución de jugo de toronja por parte de las agencias de ayuda humanitaria, o los efectos de las drogas.

La carrera musical de Dupree se interrumpió cuando fue reclutado en la Marina de los Estados Unidos como cocinero; aún así, logró convertirse en uno de los primeros cantantes de blues en grabar para el mercado de renacimiento folklórico mientras estaba de permiso en Nueva York en 1943. La primera esposa de Dupree murió mientras él estaba en la marina, y él fue dado de baja en Nueva York, donde trabajó como pianista de club, y formó una estrecha asociación musical con Sonny Terry y Brownie McGhee.

Su propia carrera discográfica de posguerra comenzó con una espléndida serie de grabaciones en solitario para Joe Davis, en algunas de las cuales la influencia de Peetie Wheatstraw es muy evidente. Más típicos fueron los muchos temas con pequeños grupos grabados después para varios sellos entre 1946 y 1953, y para King Records entre abril de 1953 y finales de 1955. Como siempre, estas grabaciones mezclan lo serio con lo cómico, este último un tanto insípido en canciones como "Tongue Tied Blues" y "Harelip Blues". "Walking The Blues", un diálogo cómico con Teddy "Mr Bear" McRae, fue un éxito en King, y el formato se repitió en varios títulos grabados para Vik and Groove de RCA Records.

En 1958, Dupree hizo sus últimas grabaciones en Estados Unidos hasta 1990; "Blues From The Gutter", un magnífico testimonio de los antecedentes de Dupree en el barrelhouse, con maravillosas lecturas de "Stack-O-Lee", "Junker's Blues", "Frankie & Johnny" y el "Nasty Boogie". Este es considerado como su mejor esfuerzo y fue capaz de cruzar los laureles para lanzar una exitosa carrera en el extranjero.

En 1959, se trasladó a Europa y vivió en Suiza, Inglaterra, Suecia y Alemania, donde realizó numerosas giras y grabaciones. Hay muchas reediciones y recopilaciones disponibles en una variedad de etiquetas para cubrir este período europeo. Entre ellos están "Walking the Blues", para King, ('70) y la destacada grabación en vivo, "Blues at Montreaux" ('73) en Atco que también incluía al gran saxofonista King Curtis.

Dupree regresó a Nueva Orleans en 1990 para su primera visita en 36 años. Mientras estaba allí, tocó en el Jazz & Heritage Festival y grabó un álbum para Bullseye Blues, "Back Home in New Orleans".

Los temas del disco "One Last Time" de 1993 fueron extraídos de la última sesión de grabación de Dupree antes de su muerte el año anterior. El campeón Jack murió de complicaciones del cáncer el 21 de enero de 1992.

Fuente: James Nadal

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Ananda Shankar • Arpan Om Sai Ram

Nacido en Almora en el estado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar, bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado 'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con su tío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fue un músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de la India y el rock.

Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU. donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con Jimi Hendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañía discográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Ananda shankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional y rock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo The Doors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguió un gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.

Al volver a la India, en 1975 publicó el que sería su álbum más conocido "Ananda Shankar And His Music", en el cual siguió experimentando con la mezcla de Jazz, Funk y música hindú. Con músicos tocando la guitarra eléctrica, el sitar, la tabla, el mridangam, la batería y el sintetizador Moog. Fuera de stock por muchos años, este álbum fue reeditado en 2005.
Después de trabajar durante el resto de los Años 1970 y los años 1980 en India, poco a poco y gracias principalmente a varios DJ y músicos británicos de origen indio como Talvin Singh y Nitin Sawhney volvió a la popularidad en occidente, cosa que hizo que el sello Blue Note lo incluyera en su álbum "Blue Juice Vol 1, A rare groove compilation" de 1996.
En 1998 y 1999 Ananda realizó varios conciertos con el Dj londinense State of Bengal y otros músicos, colaboración que resultó en el Álbum "Walking On" en el que mezclaron la música clásica de Shankar con ritmos breakbeat, Tecno y Hip Hop. Durante la fase de producción de este álbum, Ananda Shankar murió repentinamente de un fallo cardíaco. [wiki]

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Born in Almora in Uttar Pradesh, India, Shankar was the son of Amala and Uday Shankar, popular dancers, and also the nephew of the renowned sitar player Ravi Shankar. He studied in The Scindia School, Gwalior. Ananda did not learn sitar from his uncle but studied instead with Lalmani Misra at Banaras Hindu University.

In the late 1960s, Shankar travelled to Los Angeles, where he played with many contemporary musicians including Jimi Hendrix. There he was signed to Reprise Records and released his first album, the self-titled Ananda Shankar, in 1970, with original Indian classical material alongside sitar-based cover versions of popular hits, The Rolling Stones' "Jumpin' Jack Flash" and The Doors' "Light My Fire". The album was included in the book 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[4]

Returning to India in the early 1970s, Shankar continued to experiment musically and in 1975 released his most critically acclaimed album, Ananda Shankar and His Music, a jazz-funk mix of Eastern sitar, Western rock guitar, tabla and mridangam, drums and Moog synthesizers. Out of print for many years, the album was re-released on CD in 2005.

After working in India during the late 1970s and 1980s, Shankar's profile in the West began to rise again in the mid-1990s as his music found its way into club DJ sets, particularly in London. His music was brought to a wider audience with the release of Blue Note Records' popular 1996 rare groove compilation album, Blue Juice Vol. 1., including two tracks from Ananda Shankar And His Music, "Dancing Drums" and "Streets of Calcutta".

In the late 1990s, Shankar worked and toured in the United Kingdom with the London DJ State of Bengal and others, a collaboration that resulted in the Walking On album, featuring Shankar's trademark sitar soundscapes mixed with breakbeat and hip hop. Walking On was released in 2000 after Shankar's sudden death from heart failure the year before.

 

 

 

Bob Crosby And His Orchestra • Bobcats Blues

 

Biography
by Scott Yanow
Bob Crosby, Bing's younger brother, often found himself in the odd position of being the least important member of his own orchestra. Indeed, he couldn't play an instrument or read a note of music, which didn't stop him from enjoying a long career in music, in that very odd position. He was born George Robert Crosby in Spokane, Washington, in 1913, and like his older brother, he did start out on a conventional career path, attending college, and like brother Bing, he also dropped out of college in favor of getting work as a singer. Actually, it was a somewhat less direct route from student to crooner, as Crosby was, by his own account, supporting himself picking cucumbers in Spokane when bandleader Anson Weeks tapped him for the singer spot in his band, where he remained for two years, from 1932 through 1934. Those were tough years, as the effects of the Great Depression swelled and lingered, and it was good to have a steady gig, especially as he learned a lot about vocalizing during this period; he jumped to a six-month stay with the Dorsey Brothers' band in 1934, and then, in 1935, fate took a hand.

A group of musicians working for bandleader Ben Pollack had quit en masse and organized themselves under the direction of saxophonist Gil Rodin, as a cooperative venture, with all of the members owning an equal share in the group -- the Casa Loma Orchestra had done the same thing at the start of the decade and were reaping big rewards, and this group had at least as much talent as the Casa Lomans did. What they needed was a vocalist who could also provide them with a name and personality that the public could appreciate; ironically, it was "Cork" O'Keefe, their agent -- who'd also played a key role in organizing the Casa Lomans -- who steered them toward Bob Crosby. He could, by then, sing in a winning, popular style, at his best moments nearly as well as his brother -- and Bing Crosby by then was selling enough 78s to turn newly established Decca Records into a major label -- and he had a personality that the listening public liked. And he had an unassuming ego that allowed him, even as the presumptive "leader," to yield center stage to the various soloists, which included trumpet man Yank Lawson, clarinetist Matty Matlock (later succeeded by Irving Fazola), and saxman Eddie Miller, and to top it off, they had Ray Bauduc, no less, as their drummer.

In the middle of that company was Crosby, an OK singer who held the popular audience. The band had its feet planted astride two -- or three -- musical worlds; Crosby's singing gave them their pop side and their personality, while arranger Bob Haggart (and, later, Matlock as well) wrote charts that were as contemporary as any jazz of the second half of the '30s; but the band also kept some aspects of its sound rooted in familiar '20s attributes, and their devotion to Dixieland jazz was unmistakable (especially with Miller, Bauduc, and Nappy Lamare, New Orleans natives all, in the lineup). Eventually, the Bobcats -- or, sometimes, Bob Cats -- coalesced from within the larger orchestra; a Dixieland octet, they proved phenomenally popular in their own right.

The 1935-1942 period was Crosby's heyday, with his band featuring such classic soloists as Billy Butterfield, Joe Sullivan, Bob Zurke, Jess Stacy, and Muggsy Spanier. During an era when swing was the thing and New Orleans jazz was considered by many to be ancient history, Crosby's crew led the way to the eventual New Orleans revival. Such classic recordings as "South Rampart Street Parade" and "What's New" (both composed by bassist Haggart), along with the many Dixieland stomps, kept the band quite popular. The other secret to their success was the radio: in the late winter of 1938, the orchestra got a gig at the Blackhawk Restaurant in Chicago, which included 11 national broadcasts each week and gave them all of the exposure they needed. Fans of their Dixieland sound rallied to the call and orders for their recordings soared; their subsequent performances on the Camel Caravan show proved just as important in carrying them to the end of the decade. And it didn't hurt that the orchestra was nearly as fortunate in its choice of female singers as it had been in finding Crosby: Doris Day (who left because the 17-year-old was overwhelmed by the ungentlemanly antics of the members, finding a safer haven with Les Brown) and Kay Starr were among the distaff luminaries who sang with them. Crosby also made movies with the band. Though he was never remotely the screen presence that his brother was, Bob Crosby and his band showed up in performance clips in movies such as Columbia's Reveille with Beverly, and he got to do some acting (while the band was featured several times) in Republic's Sis Hopkins, and they played on the soundtrack to the Paramount production Holiday Inn, one of the most popular musicals of the early '40s (and the film that introduced the song "White Christmas").

The orchestra broke up in September of 1942, and Crosby served in the Marines during 1944-1945, and then spent the rest of his life in a variety of activities, often bringing back versions of the Bobcats for special concerts and recordings, taking an occasional vocal but mostly letting his sidemen play. Bob Crosby passed away in 1993, and in the years since many of his best recordings have remained in print on CD. Indeed, the existence of several CD anthologies covering the Crosby orchestra's and the Bobcats' seven-year history is testimony to the continuing popularity of their brand of music; similarly, the showings of the Crosby-featured (or co-starring) movies Reveille with Beverly (1944) and Sis Hopkins (1942) at New York's Film Forum in 2007 proved to be among the most heavily attended of the theater's three-week "B-musicals" series.
https://www.allmusic.com/artist/bob-crosby-mn0000067337/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Bob Crosby, el hermano menor de Bing, se encontraba a menudo en la extraña posición de ser el miembro menos importante de su propia orquesta. De hecho, no sabía tocar un instrumento ni leer una nota musical, lo que no le impidió disfrutar de una larga carrera musical, en esa posición tan extraña. Nació con el nombre de George Robert Crosby en Spokane, Washington, en 1913, y al igual que su hermano mayor, comenzó una carrera convencional, asistiendo a la universidad, y al igual que su hermano Bing, también abandonó la universidad en favor de conseguir trabajo como cantante. En realidad, el camino de estudiante a cantante fue algo menos directo, ya que Crosby, según cuenta, se mantenía recogiendo pepinos en Spokane cuando el director de orquesta Anson Weeks le ofreció el puesto de cantante en su banda, donde permaneció durante dos años, de 1932 a 1934. Fueron años duros, ya que los efectos de la Gran Depresión se agravaron y perduraron, y fue bueno tener un trabajo estable, sobre todo porque aprendió mucho sobre vocalización durante este período; pasó a una estancia de seis meses con la banda de los Dorsey Brothers en 1934, y luego, en 1935, el destino le echó una mano.

Un grupo de músicos que trabajaban para el director de la banda, Ben Pollack, habían renunciado en masa y se habían organizado bajo la dirección del saxofonista Gil Rodin, como una empresa cooperativa, en la que todos los miembros poseían una participación igual en el grupo -la Orquesta Casa Loma había hecho lo mismo a principios de la década y estaba cosechando grandes recompensas, y este grupo tenía al menos tanto talento como los Casa Loman. Lo que necesitaban era un vocalista que también les proporcionara un nombre y una personalidad que el público pudiera apreciar; irónicamente, fue "Cork" O'Keefe, su agente -que también había desempeñado un papel clave en la organización de los Casa Lomans- quien les orientó hacia Bob Crosby. Por aquel entonces podía cantar con un estilo popular y ganador, en sus mejores momentos casi tan bien como su hermano -y Bing Crosby por aquel entonces estaba vendiendo suficientes 78s para convertir la recién creada Decca Records en un sello importante- y tenía una personalidad que gustaba al público. Y tenía un ego discreto que le permitía, incluso como presunto "líder", ceder el centro del escenario a los diversos solistas, entre los que se encontraban el trompetista Yank Lawson, el clarinetista Matty Matlock (al que más tarde sucedería Irving Fazola) y el saxofonista Eddie Miller, y para rematar, tenían a Ray Bauduc, nada menos, como batería.

En medio de esa compañía estaba Crosby, un buen cantante que mantenía al público popular. La banda tenía los pies plantados a horcajadas en dos -o tres- mundos musicales; la forma de cantar de Crosby les daba su lado pop y su personalidad, mientras que el arreglista Bob Haggart (y, más tarde, también Matlock) escribía gráficos que eran tan contemporáneos como cualquier jazz de la segunda mitad de los años 30; pero la banda también mantuvo algunos aspectos de su sonido enraizados en atributos familiares de los años 20, y su devoción por el jazz Dixieland era inconfundible (especialmente con Miller, Bauduc y Nappy Lamare, todos ellos nativos de Nueva Orleans, en la formación). Con el tiempo, los Bobcats -o, a veces, Bob Cats- surgieron de la orquesta más grande; un octeto de Dixieland, que demostró ser fenomenalmente popular por derecho propio.

El período 1935-1942 fue el apogeo de Crosby, con su banda presentando solistas clásicos como Billy Butterfield, Joe Sullivan, Bob Zurke, Jess Stacy y Muggsy Spanier. En una época en la que el swing estaba de moda y el jazz de Nueva Orleans era considerado por muchos como historia antigua, el grupo de Crosby abrió el camino al eventual renacimiento de Nueva Orleans. Grabaciones clásicas como "South Rampart Street Parade" y "What's New" (ambas compuestas por el bajista Haggart), junto con los numerosos ritmos de Dixieland, mantuvieron a la banda bastante popular. El otro secreto de su éxito fue la radio: a finales del invierno de 1938, la orquesta consiguió un concierto en el restaurante Blackhawk de Chicago, que incluía 11 emisiones nacionales cada semana y les dio toda la exposición que necesitaban. Los fans de su sonido Dixieland acudieron a la llamada y los pedidos de sus grabaciones se dispararon; sus posteriores actuaciones en el programa Camel Caravan resultaron igual de importantes para llevarlos hasta el final de la década. Además, la orquesta fue tan afortunada en la elección de cantantes femeninas como lo fue en la búsqueda de Crosby: Doris Day (que se marchó porque la joven de 17 años se sintió abrumada por las travesuras poco caballerosas de los miembros, encontrando un refugio más seguro con Les Brown) y Kay Starr fueron algunas de las luminarias femeninas que cantaron con ellos. Crosby también hizo películas con la banda. Aunque nunca tuvo ni de lejos la presencia en la pantalla que tuvo su hermano, Bob Crosby y su banda aparecieron en clips de actuación en películas como Reveille con Beverly, de Columbia, y llegó a actuar (mientras la banda aparecía varias veces) en Sis Hopkins, de Republic, y tocaron en la banda sonora de la producción de Paramount Holiday Inn, uno de los musicales más populares de principios de los años 40 (y la película que introdujo la canción "White Christmas").

La orquesta se disolvió en septiembre de 1942, y Crosby sirvió en los Marines durante 1944-1945, y luego pasó el resto de su vida en una variedad de actividades, a menudo trayendo de vuelta versiones de los Bobcats para conciertos y grabaciones especiales, tomando una voz ocasional, pero sobre todo dejando que sus acompañantes tocaran. Bob Crosby falleció en 1993, y en los años transcurridos desde entonces muchas de sus mejores grabaciones se han mantenido en CD. De hecho, la existencia de varias antologías de CD que cubren los siete años de historia de la orquesta de Crosby y los Bobcats es un testimonio de la continua popularidad de su música; asimismo, las proyecciones de las películas protagonizadas (o coprotagonizadas) por Crosby, Reveille with Beverly (1944) y Sis Hopkins (1942), en el Film Forum de Nueva York en 2007, fueron de las más concurridas de la serie de "musicales de serie B" de tres semanas.
https://www.allmusic.com/artist/bob-crosby-mn0000067337/biography

The Beatles-Hunter Davies

 

 

In this behind-the-scenes look at the most famous musical group in history, Hunter Davies gives the complete story of the Beatles. As the only authorized biographer, Davies had full access to the group, as well as their help and encouragement. He spent eighteen months with them when they were at the peak of their musical genius and at the pinnacle of their popularity, and he remained friends with each of the members as they went their separate ways.

 

Wayne Shorter • Without A Net

 

Review by Thom Jurek
Without a Net is Wayne Shorter's first Blue Note recording date since August 26, 1970, when he recorded Moto Grosso Feio and Odyssey of Iska. That's nearly 43 years. Shorter has pursued many paths since then, as a member of Weather Report, and as a bandleader. This quartet was assembled for a 2001 European tour and has been playing together ever since. It shows. The interplay Shorter shares with pianist Danilo Pérez, bassist John Pattitucci, and drummer Brian Blade is not merely intuitive, it is seamlessly empathic. All but one of these tunes were recorded during the group's 2011 tour. The lone exception is "Pegasus," recorded with the Imani Winds at the Walt Disney Concert Hall. There are six new tunes here; the quartet is credited with two of them. Shorter also revises some others, including set opener "Orbits" (the original was on Miles Davis' Miles Smiles) and "Plaza Real" (from Weather Report's Procession album). The only outlier, "Flying Down to Rio," is a version of the title tune from a 1933 film. Fireworks from this band can be heard everywhere. But the group aesthetic is especially noticeable in the penetrating romanticism of "Starry Night," where what appears restrained -- at least initially -- is actually quite exploratory and forceful. It's also apparent in the slow deliberation at play in the brooding "Myrrh." "Plaza Real" is a different animal here. Shorter's soprano soars and swoops through the melody, extending it at each turn as Pérez offers bright, pulsing chords to highlight the harmonic richness on display. Blade digs deep into his tom-toms, and finds an alternate polyrhythmic route that underscores the elegance and momentum in Shorter's lyric invention. The album's centerpiece is the 23-minute "Pegasus," which expands the band into a nonet. It is a tone poem that commences very slowly and deliberately. But its form gradually opens to allow for great expressions of individual and group freedom. Shorter's athletic soprano solo is breathtaking. The arrangement on "Flying Down to Rio" turns its catchy yet off-kilter melody into a group dialogue centered around a swirling series of complex harmonic statements. Pattitucci introduces "Zero Gravity to the 10th Power" with a funky vamp before layers of melody, harmonic extrapolation, and rhythmic interplay are added. By the time Shorter takes his tenor solo, we've heard everything from Latin grooves to modal assertions to classical motifs and some near explosions from Blade. While any new album from Shorter is an event at this juncture (he's nearly 80 yet in peak form here as composer and soloist), Without a Net is special even among the recordings made by this outstanding group.
https://www.allmusic.com/album/without-a-net-mw0002445530

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Reseña de Thom Jurek
Without a Net es la primera grabación de Wayne Shorter en Blue Note desde el 26 de agosto de 1970, cuando grabó Moto Grosso Feio y Odyssey of Iska. Son casi 43 años. Shorter ha seguido muchos caminos desde entonces, como miembro de Weather Report y como director de orquesta. Este cuarteto se reunió para una gira europea en 2001 y han estado tocando juntos desde entonces. Y se nota. La interacción que Shorter comparte con el pianista Danilo Pérez, el bajista John Pattitucci y el batería Brian Blade no es meramente intuitiva, sino perfectamente empática. Todas menos una de estas melodías fueron grabadas durante la gira del grupo en 2011. La única excepción es «Pegasus», grabada con Imani Winds en el Walt Disney Concert Hall. Aquí hay seis melodías nuevas; el cuarteto se atribuye dos de ellas. Shorter también revisa otras, como «Orbits» (la original estaba en Miles Smiles de Miles Davis) y «Plaza Real» (del álbum Procession de Weather Report). La única canción atípica, «Flying Down to Rio», es una versión de la canción principal de una película de 1933. Los fuegos artificiales de esta banda se oyen por todas partes. Pero la estética del grupo se aprecia especialmente en el penetrante romanticismo de «Starry Night», donde lo que parece comedido -al menos al principio- es en realidad bastante exploratorio y contundente. También es evidente en la lenta deliberación de la melancólica «Mirra». «Plaza Real» es un animal La soprano de Shorter se eleva y se abalanza a través de la melodía, extendiéndola en cada giro mientras Pérez ofrece acordes brillantes y pulsantes para resaltar la riqueza armónica que se despliega. Blade profundiza en sus tom-toms y encuentra una ruta polirrítmica alternativa que subraya la elegancia y el ímpetu en la invención lírica de Shorter. La pieza central del álbum es «Pegasus», de 23 minutos de duración, que convierte a la banda en un noneto. Es un poema tonal que comienza muy lenta y deliberadamente. Pero su forma se abre gradualmente para permitir grandes expresiones de libertad individual y de grupo. El atlético solo de soprano de Shorter es impresionante. Los arreglos de «Flying Down to Rio» convierten su melodía pegadiza y alocada en un diálogo de grupo centrado en una serie de complejos enunciados armónicos. Pattitucci introduce «Zero Gravity to the 10th Power» con un funky vamp antes de que se añadan capas de melodía, extrapolación armónica e interacción rítmica. Para cuando Shorter toma su solo de tenor, hemos escuchado de todo, desde grooves latinos a afirmaciones modales, pasando por motivos clásicos y algunas casi explosiones de Blade. Aunque cualquier nuevo álbum de Shorter es un acontecimiento en esta coyuntura (tiene casi 80 años pero está en plena forma como compositor y solista), Without a Net es especial incluso entre las grabaciones realizadas por este destacado grupo.
https://www.allmusic.com/album/without-a-net-mw0002445530

wayneshorterofficial.com ...