Dave Liebman • Trust And Honesty

 

Biography
by Matt Collar
Saxophonist and educator David Liebman is a forward-thinking artist whose advanced improvisational style has made him one of the most influential and successful jazz musicians of his generation. Heavily influenced by John Coltrane, Liebman emerged in the early '70s playing with drummer Elvin Jones and recording on Miles Davis' landmark 1972 jazz-funk album On the Corner. His own early albums, like 1974's Lookout Farm on ECM and 1979's Doin' It Again, cemented his reputation as a leader in harmonically complex post-bop, modal jazz, and fusion. It was a sound he continued to explore throughout his career on solo albums and with his Quest ensemble. In 1998, he earned a Grammy nomination for Best Jazz Solo for his recording of "My Favorite Things" off Arkadia Jazz All-Stars' Thank You, John. A dedicated educator, Liebman holds an Honorary Doctorate of Music from the Sibelius Academy in Helsinki, Finland, founded the International Association of Schools of Jazz (IASJ) in 1989, and was named a National Endowment for the Arts Jazz Master in 2011.

Born in Brooklyn in 1946, Liebman studied classical piano and saxophone before focusing on jazz, a move he attributes to seeing Coltrane perform live in New York on multiple occasions. He continued his private jazz studies with such artists as Joe Allard, Lennie Tristano, and Charles Lloyd while earning a degree in American History from New York University. After graduating, he focused solely on a career in music and quickly became an active leader in the vibrant, late-'60s loft scene in New York City. After a year with the early fusion ensemble Ten Wheel Drive, Liebman was asked to join former Coltrane drummer Elvin Jones' band, and ultimately appeared on several of Jones' albums in the '70s. This brought him to the attention of trumpeter Miles Davis, who hired him from 1970 to 1974. During this period, Liebman toured and recorded with Davis, appearing on such albums as 1972's classic On the Corner as well as 1974's Dark Magus and Get Up with It.

Liebman eventually left Davis' band and began working on his own music in various ensembles including the Open Sky Trio with pianist Bob Moses, Lookout Farm with pianist Richie Beirach and guitarist John Abercrombie, and his own David Liebman Quintet, featuring guitarist John Scofield and Japanese trumpeter Terumasa Hino. This was a fertile, exploratory period for Liebman that resulted in a handful of stellar albums, including 1974's Lookout Farm (ECM), 1975's Drum Ode (ECM), 1977's Forgotten Fantasies (Timeless), 1978's Omerta (Storyville), and 1979's Doin' It Again (Timeless).

In the early '80s, Liebman formed the cooperative ensemble Quest with pianist Richie Beirach, drummer Billy Hart, and bassist George Mraz, and later bassist Ron McClure. Beginning with group's self-titled 1981 debut for Palo Alto, Quest has continued to release albums throughout Liebman's career. Also during the '80s, Liebman recorded regularly, appearing on myriad albums including Elvin Jones' 1982 album Earth Jones (Palo Alto), 1983's Things We Did Last Summer with trumpeter John McNeil (Steeplechase), 1985's Double Edge with pianist Beirach (Storyville), as well as his own albums including 1985's The Loneliness of the Long Distance Runner (CMP), 1987's Homage to John Coltrane (OWL/EMI), 1988's Trio + One (OWL/EMI), and 1989's The Blessing of Old Long Sound (Newsound).

It was also during the late '80s that Liebman began splitting his time between playing and teaching jazz. An early clinician at the Jamey Aebersold camps during the '70s, Liebman met such jazz educators as David Baker, Jerry Hearle, Jerry Coker, and other early proponents of formal jazz studies. These experiences, as well as seeing firsthand the interest and need for jazz instruction worldwide while on tours in Europe, spurred Liebman to found the International Association of Schools of Jazz (IASJ) in 1989. Along with releasing such highly regarded albums as 1990's The Tree, 1994's Songs for My Daughter, and 1998's John Coltrane's Meditations, Liebman continued to work with the IASJ to promote jazz and mentor students. For his work, Liebman received several awards in the field of jazz education including being named a National Endowment for the Arts Jazz Master for 2011.

While retaining a strong focus on jazz education, Liebman remains a vital, creative force on the jazz scene and performs and records regularly. In 2010, he released the big-band album Live: As Always and appeared as a featured guest on The Bickel-Marks Group with David Liebman. He then paired with pianist Lewis Porter and guitarist Marc Ribot for 2012's Surreality on Enja. Several more well-received dates followed, including his 2014 big-band effort A Tribute to Wayne Shorter, 2015's Sketches of Aranjuez, and the 2016 duo album Balladscapes, with pianist Richie Beirach. In 2017, Liebman collaborated with fellow saxophonist Joe Lovano on the tribute album Compassion: The Music of John Coltrane. He then joined longtime associates pianist Kenny Werner, bassist Dave Holland, and drummer Jack DeJohnette for 2018's Fire. In 2019, Liebman was a part of two different ensembles, releasing Four Visions with a sax quartet that featured Dave Binney, Donny McCaslin, and Samuel Blais, as well as the Miles Davis tribute album On the Corner Live!, which featured players like Victor Wooten and Jeff Coffin.
https://www.allmusic.com/artist/david-liebman-mn0000175407/biography

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Biografía
por Matt Collar
El saxofonista y educador David Liebman es un artista con visión de futuro cuyo avanzado estilo de improvisación le ha convertido en uno de los músicos de jazz más influyentes y exitosos de su generación. Muy influenciado por John Coltrane, Liebman surgió a principios de los años 70 tocando con el batería Elvin Jones y grabando en el emblemático álbum de jazz-funk de 1972 de Miles Davis, On the Corner. Sus primeros álbumes, como Lookout Farm, de 1974, en ECM, y Doin' It Again, de 1979, cimentaron su reputación como líder del post-bop armónicamente complejo, el jazz modal y la fusión. Fue un sonido que siguió explorando a lo largo de su carrera en discos en solitario y con su conjunto Quest. En 1998, obtuvo una nominación al Grammy al mejor solo de jazz por su grabación de "My Favorite Things" de Thank You, John, de Arkadia Jazz All-Stars. Dedicado a la enseñanza, Liebman es doctor honoris causa en música por la Academia Sibelius de Helsinki (Finlandia), fundó la Asociación Internacional de Escuelas de Jazz (IASJ) en 1989 y fue nombrado maestro de jazz del National Endowment for the Arts en 2011.

Nacido en Brooklyn en 1946, Liebman estudió piano clásico y saxofón antes de centrarse en el jazz, un movimiento que atribuye a haber visto a Coltrane actuar en directo en Nueva York en múltiples ocasiones. Continuó sus estudios privados de jazz con artistas como Joe Allard, Lennie Tristano y Charles Lloyd mientras se licenciaba en Historia de Estados Unidos en la Universidad de Nueva York. Después de graduarse, se centró exclusivamente en su carrera musical y rápidamente se convirtió en un líder activo en la vibrante escena de los lofts de finales de los 60 en la ciudad de Nueva York. Tras un año con el grupo de fusión Ten Wheel Drive, Liebman fue invitado a unirse a la banda del ex baterista de Coltrane, Elvin Jones, y finalmente apareció en varios de los álbumes de Jones en los años 70. Esto le hizo llamar la atención del trompetista Miles Davis, que le contrató de 1970 a 1974. Durante este periodo, Liebman hizo giras y grabó con Davis, apareciendo en álbumes como el clásico On the Corner de 1972, así como en Dark Magus y Get Up with It de 1974.

Liebman acabó dejando la banda de Davis y empezó a trabajar en su propia música en varios conjuntos, como el Open Sky Trio con el pianista Bob Moses, Lookout Farm con el pianista Richie Beirach y el guitarrista John Abercrombie, y su propio David Liebman Quintet, con el guitarrista John Scofield y el trompetista japonés Terumasa Hino. Este fue un período fértil y exploratorio para Liebman que dio como resultado un puñado de álbumes estelares, incluyendo Lookout Farm (ECM) de 1974, Drum Ode (ECM) de 1975, Forgotten Fantasies (Timeless) de 1977, Omerta (Storyville) de 1978 y Doin' It Again (Timeless) de 1979.

A principios de los 80, Liebman formó el conjunto cooperativo Quest con el pianista Richie Beirach, el batería Billy Hart y el bajista George Mraz, y más tarde con el bajista Ron McClure. Comenzando con el debut autotitulado del grupo en 1981 para Palo Alto, Quest ha seguido publicando álbumes a lo largo de la carrera de Liebman. También durante los años 80, Liebman grabó con regularidad, apareciendo en una miríada de álbumes, como el de Elvin Jones de 1982, Earth Jones (Palo Alto), el de 1983, Things We Did Last Summer, con el trompetista John McNeil (Steeplechase), el de 1985, Double Edge, con el pianista Beirach (Storyville), así como sus propios álbumes, como The Loneliness of the Long Distance Runner (CMP) de 1985, Homage to John Coltrane (OWL/EMI) de 1987, Trio + One (OWL/EMI) de 1988 y The Blessing of Old Long Sound (Newsound) de 1989.

Fue también a finales de los 80 cuando Liebman empezó a dividir su tiempo entre la interpretación y la enseñanza del jazz. En los años 70, Liebman fue uno de los primeros profesores de los campamentos de Jamey Aebersold y conoció a educadores de jazz como David Baker, Jerry Hearle, Jerry Coker y otros de los primeros defensores de los estudios formales de jazz. Estas experiencias, así como ver de primera mano el interés y la necesidad de la enseñanza del jazz en todo el mundo durante sus giras por Europa, impulsaron a Liebman a fundar la Asociación Internacional de Escuelas de Jazz (IASJ) en 1989. Además de publicar álbumes tan apreciados como The Tree, de 1990, Songs for My Daughter, de 1994, y John Coltrane's Meditations, de 1998, Liebman siguió trabajando con la IASJ para promover el jazz y orientar a los estudiantes. Por su trabajo, Liebman recibió varios premios en el campo de la educación del jazz, incluyendo ser nombrado Maestro de Jazz del National Endowment for the Arts en 2011.

Al tiempo que mantiene un fuerte enfoque en la educación del jazz, Liebman sigue siendo una fuerza vital y creativa en la escena del jazz y actúa y graba regularmente. En 2010, publicó el álbum para big-band Live: As Always y apareció como invitado en The Bickel-Marks Group with David Liebman. A continuación, formó pareja con el pianista Lewis Porter y el guitarrista Marc Ribot para el álbum Surreality de 2012 en Enja. Siguieron varias fechas más con buena acogida, incluyendo su esfuerzo de big-band de 2014 A Tribute to Wayne Shorter, Sketches of Aranjuez de 2015, y el álbum a dúo Balladscapes de 2016, con el pianista Richie Beirach. En 2017, Liebman colaboró con su compañero saxofonista Joe Lovano en el álbum de homenaje Compassion: The Music of John Coltrane. Luego se unió a sus asociados de siempre, el pianista Kenny Werner, el bajista Dave Holland y el baterista Jack DeJohnette, para el álbum Fire de 2018. En 2019, Liebman formó parte de dos conjuntos diferentes, publicando Four Visions con un cuarteto de saxos que incluía a Dave Binney, Donny McCaslin y Samuel Blais, así como el álbum de tributo a Miles Davis On the Corner Live!, en el que participaron músicos como Victor Wooten y Jeff Coffin.
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davidliebman.com ...

Second Direction • Four Corners & Steps Ahead

 

Coming from the jazz wing of the ever large Kraut Fusion movement, Second Direction provides the listener some of the genre's finest moments. In particular when band leader Fritz Münzer pulls out the flute (primarily on 'Storm Flute', 'Flying Carpet Ride', and the title track), the results can be divine. Second Direction have perfectly encapsulated the optimism of the era, with gorgeous melodies and sublime rhythms. Hearing this makes you want to take a ride through the countryside, and enjoy a picnic with a bottle of wine and a beautiful girl by your side. Overall I'd submit that Second Direction ties closest to the two Sunbirds' albums, though all remnants of Krautrock have been filtered out here.
https://rateyourmusic.com/release/album/second-direction/four-corners/

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Procedente del ala jazzística del siempre amplio movimiento Kraut Fusion, Second Direction ofrece al oyente algunos de los mejores momentos del género. En particular, cuando el líder de la banda, Fritz Münzer, saca la flauta (principalmente en "Storm Flute", "Flying Carpet Ride" y el tema principal), los resultados son divinos. Second Direction han encapsulado perfectamente el optimismo de la época, con melodías preciosas y ritmos sublimes. Al escuchar esto, te dan ganas de dar un paseo por el campo y disfrutar de un picnic con una botella de vino y una hermosa chica a tu lado. En general, diría que Second Direction se acerca más a los dos álbumes de Sunbirds, aunque aquí se han filtrado todos los restos de Krautrock.
https://rateyourmusic.com/release/album/second-direction/four-corners/


 

Joshua Redman, Brad Mehldau, Christian McBride & Brian Blade • RoundAgain

 

www.joshuaredman.com ...

www.bradmehldaumusic.com ...

www.christianmcbride.com ...

Afro Blues Quintet • Introducing the Afro Blues Quintet plus One

Review
by Ted Mills

An obscure album from an obscure L.A.-based jazz combo, the surprise is finding how much it swings. Possible reasons: the youthful exuberance of its then-22-year-old leader and vibesman Joe De Aguero, the clever arrangements of standards and pop tunes, the live recording (though no date or location is given). Some reasons why, on the other hand, it's not as good as it could be: a sameness to the arrangements (similar chord changes and runs in both "Liberation" and "Together" really stand out), soloing that never stakes its claim, missed opportunities to really add the "Afro" (read: African percussion) that makes up half of its name. The main ingredient here is a gospel swing that infects "Jericho" as well as an inventive take on "Walk On By." Long out of print, this album is worth hunting down. http://www.allmusic.com/album/introducing-the-afro-blues-quintet-one-mw0000871970

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Revisión

por Ted Mills

Un oscuro álbum de un oscuro combo de jazz con base en Los Ángeles, la sorpresa es descubrir cuánto se balancea. Posibles razones: la exuberancia juvenil de su entonces líder de 22 años y vibrante Joe De Aguero, los ingeniosos arreglos de estándares y melodías pop, la grabación en vivo (aunque no se da ninguna fecha ni lugar). Algunas de las razones por las que, por otro lado, no es tan bueno como podría ser: una uniformidad en los arreglos (un acorde similar cambia y se ejecuta tanto en "Liberation" como en "Together" realmente se destacan), un solo que nunca pone en juego su pretensión, oportunidades perdidas para realmente añadir el "Afro" (léase: percusión africana) que constituye la mitad de su nombre. El ingrediente principal aquí es un columpio evangélico que infecta a "Jericó", así como una versión inventiva de "Walk On By". Este álbum está agotado desde hace mucho tiempo y vale la pena buscarlo. http://www.allmusic.com/album/introducing-the-afro-blues-quintet-one-mw0000871970

Cannonball Adderley • On Savoy Cannonball Adderley

 

Julie London • In Person At The Americana

 

Grant Green • The Main Attraction

En este álbum Grant se inclina hacia el blues y el funky, lo cual puede decepcionar a su fans por abandonar en parte su estilo netamente jazzístico. En mi caso trato de escuchar el disco desde la perpectiva de la época, no olvidemos que los buenos músicos en general buscan siempre nuevos sonidos, otros enfoques a su estilo y en definitiva no quedarse con lo que dió buenos frutos.

Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros jugadores. Colaboró con muchos organistas, entre ellos el Hermano Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green jugó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

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In this album Grant leans towards the blues and the funky, which may disappoint his fans by abandoning in part his purely jazzy style. In my case I try to listen to the album from the perspective of the time, let's not forget that good musicians in general always look for new sounds, other approaches to their style and in short not to stay with what gave good results.

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Albert King • Lovejoy

Albert King cut his first blues for Parrot records in 1952 and has seen ups and downs in the nearly twenty years that followed, as he pursued the career of an urban bluesman. In succeeding years he enjoyed periods of popularity when he recorded for Bobbin and King, but it wasn’t until he came to Stax in the mid-Sixties that his career jumped. His initial 45 release (“Laundromat Blues” “Overall Junction”) proved his mettle and further releases (including his now classic Blues Power album) allowed him to make the move into the Fillmore and white audience “success” on the coattails of Butterfield and Mayall. His artistic capabilities, however, seemed to have dried up with the late-Sixties release of King Sings King which was a dismal failure, as King attempted to subvert early Presley hits into his Born Under A Bad Sign (King’s first and most brilliant Stax album) format. With this, most recent, release Albert King recaptures all that he abandoned.

From the opening doom-laden guitar intro into “Honky Tonk Woman” through King’s blues-ballad treatment of “Like A Road Leading Home” he convinces, both vocally and musically, that the fire is still there. All that was needed was material and a producer to rekindle it and Don Nix has done a fine job on both counts. Other outstanding tunes include the “autobiographical” “Bay Area Blues,” a gruff, slide-guitar reshaping of Taj Mahal’s “She Caught the Katy and Left Me A Mule To Ride,” and the moralistic “Everybody Wants To Go To Heaven,” the latter containing a brilliant, high-register guitar solo. Speaking of guitar-work, check out King’s rave-up fury on the uptempo “Going Back To luka,” that flows, with a “Mystery Train” beat, and galvanizes the essence of King’s approach to the blues. An approach that, I trust, will result in more albums like this in the near future.

Biography:

Bluesman Albert King was one of the premier electric guitar stylists of the post-World War II period. By playing left- handed and holding his guitar upside-down (with the strings set for a right-handed player), and by concentrating on tone and intensity more than flash, King fashioned over his long career, a sound that was both distinctive and highly influential. He was a master of the single-string solo and could bend strings to produce a particularly tormented blues sound that set his style apart from his contemporaries.

King was also the first major blues guitarist to cross over into modem soul; his mid- and late 1960s recordings for the Stax label, cut with the same great session musicians who played on the recordings of Otis Redding, Sam & Dave,Eddie Floyd, and others, appealed to his established black audience while broadening his appeal with rock fans. Along with B.B. King (no relation, though at times Albert suggested otherwise) and Muddy Waters, King helped nurture a white interest in blues when the music needed it most to survive.

King was born in Indianola, Mississippi and taught himself how to play on a homemade guitar. Inspired by Blind Lemon Jefferson, King quit singing in a family gospel group and took up the blues. He worked around Osceola, Arkansas, with a group called the In the Groove Boys before migrating north and ending up in Gary, Indiana, in the early 1950s. For a while, King played drums behind bluesman Jimmy Reed. In 1953, King convinced Parrot label owner Al Benson to record him as a blues singer and guitarist. That year King cut “Bad Luck Blues” and “Be On Your Merry Way” for Parrot. Because King received little in the way of financial remuneration for the record, he left Parrot and eventually moved to St. Louis, where he recorded for the Bobbin and the King labels. In 1959 he had a minor hit on Bobbin with “I'm a Lonely Man.” King's biggest release, “Don't Throw Your Love on Me So Strong,” made it to number 14 on the R&B charts in 1961.

King didn't become a major blues figure until after he signed with Stax Records in 1966. Working with producer-drummer Al Jackson, Jr., guitarist Steve Cropper, keyboards ace Booker T. Jones, and bass player Donald “Duck”Dunn, better known as Booker T. and the MG's, King created a blues sound that was laced with Memphis soul strains. Although the blues were dominant on songs such as”Laundromat Blues” and the classic “Born Under A Bad Sign”, the tunes had Memphis soul underpinnings that gave King his crossover appeal. A collection of these singles were compiled onto an LP in 1967, and it proved to be an important recording in modern Blues history. Titled, “Born Under A Bad Sign,” this performance is still quite impressive forty years after its release, a testament to Albert King’s talent and pivotal in the career of the bluesman. He was finally getting the attention and recognition he deserved.

Not only was he the first blues artist to play the legendary San Francisco rock venue the Fillmore West, but he was also on the debut bill, sharing the stage opening night in1968 with Jimi Hendrix and John Mayall. King went on to become a regular at the Fillmore; his album “Live Wire/Blues Power” was recorded there in 1968.King was also one of the first bluesman to record with a symphony orchestra: in1969 he performed with the St. Louis Symphony, triumphantly bringing together the blues and classical music, if only for a fleeting moment.

During the 1970s King toured extensively, often playing to rock and soul crowds. He left Stax in 1974 to record for independent labels like Tomato and Fantasy. King was inducted into the Blues Foundation's Hall of Fame in 1983.

He continued recording and touring throughout the 1980s and early 1990s, playing festivals and concerts, often with B.B. King.

He died of a heart attack in 1992, just prior to starting a major European tour.

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Albert King cortó su primer blues para Parrot Records en 1952 y ha visto altibajos en los casi veinte años que siguieron, mientras seguía la carrera de un bluesista urbano. En los años siguientes disfrutó de períodos de popularidad cuando grabó para Bobbin y King, pero no fue hasta que llegó a Stax a mediados de los años sesenta que su carrera saltó. Su lanzamiento inicial de 45 ("Laundromat Blues" "Overall Junction") demostró su valía y otros lanzamientos (incluyendo su ya clásico álbum Blues Power) le permitieron dar el salto al Fillmore y al "éxito" de la audiencia blanca con los encadenamientos de Butterfield y Mayall. Sus capacidades artísticas, sin embargo, parecían haberse agotado con el lanzamiento de King Sings King a finales de los años sesenta, que fue un fracaso total, ya que King intentó subvertir los primeros éxitos de Presley en su formato Born Under A Bad Sign (el primer y más brillante álbum de King en Stax). Con esta liberación, la más reciente, Albert King recupera todo lo que abandonó.

Desde la introducción de guitarra en "Honky Tonk Woman" hasta el tratamiento blues-ballad de "Like A Road Leading Home", convence, tanto vocal como musicalmente, de que el fuego sigue ahí. Todo lo que se necesitaba era material y un productor para reavivarlo y Don Nix ha hecho un buen trabajo en ambos aspectos. Otras melodías destacadas incluyen la "autobiográfica" "Bay Area Blues", una ruda remodelación de guitarra de deslizamiento de "She Caught the Katy and Left Me A Mule To Ride" de Taj Mahal, y la moralista "Everybody Wants To Go To Heaven", esta última con un brillante solo de guitarra de alto registro. Hablando de guitarrería, fíjese en la furia de King en la uptempo "Going Back To luka", que fluye, con un ritmo de "Tren del Misterio", y que galvaniza la esencia del enfoque de King hacia el blues. Un enfoque que, confío, dará lugar a más álbumes como éste en un futuro próximo.

Biografía:

Bluesman Albert King fue uno de los principales estilistas de la guitarra eléctrica del periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Tocando con la mano izquierda y sosteniendo su guitarra al revés (con las cuerdas puestas para un diestro), y concentrándose en el tono y la intensidad más que en el flash, King formó su larga carrera, un sonido que era a la vez distintivo y altamente influyente. Era un maestro del solo de una sola cuerda y podía doblar las cuerdas para producir un sonido de blues particularmente atormentado que diferenciaba su estilo de los de sus contemporáneos.

King también fue el primer guitarrista de blues importante en pasar al soul moderno; sus grabaciones de mediados y finales de los 60 para el sello Stax, grabadas con los mismos grandes músicos de sesión que tocaron en las grabaciones de Otis Redding, Sam & Dave, Eddie Floyd y otros, apelaron a su audiencia negra establecida al mismo tiempo que ampliaron su atractivo entre los fans del rock. Junto con B.B. King (sin parentesco, aunque a veces Albert sugirió lo contrario) y Muddy Waters, King ayudó a nutrir un interés blanco en el blues cuando la música lo necesitaba más para sobrevivir.

King nació en Indianola, Mississippi y aprendió a tocar una guitarra casera. Inspirado por la ciega Lemon Jefferson, King dejó de cantar en un grupo de gospel familiar y se dedicó al blues. Trabajó en Osceola, Arkansas, con un grupo llamado In the Groove Boys antes de emigrar al norte y terminar en Gary, Indiana, a principios de la década de 1950. Durante un tiempo, King tocó la batería detrás del bluesista Jimmy Reed. En 1953, King convenció al propietario del sello Parrot, Al Benson, para que lo grabara como cantante y guitarrista de blues. Ese año King cortó "Bad Luck Blues" y "Be On Your Merry Way" para Parrot. Debido a que King recibió poca remuneración financiera por el disco, dejó Parrot y finalmente se mudó a St. Louis, donde grabó para los sellos Bobbin y King. En 1959 tuvo un éxito menor en Bobbin con "I'm a Lonely Man". El mayor lanzamiento de King, "Don't Throw Your Love on Me So Strong", llegó al número 14 de las listas de éxitos de R&B en 1961.

King no se convirtió en una figura importante del blues hasta que firmó con Stax Records en 1966. Trabajando con el productor-baterista Al Jackson, Jr. el guitarrista Steve Cropper, el as de los teclados Booker T. Jones, y el bajista Donald "Duck "Dunn, más conocido como Booker T. y los MG's, King creó un sonido de blues que fue mezclado con las cepas del alma de Memphis. Aunque el blues dominaba en canciones como "Laundromat Blues" y el clásico "Born Under A Bad Sign", las melodías tenían los cimientos del alma de Memphis que le dieron a King su atractivo crossover. Una colección de estos sencillos fue compilada en un LP en 1967, y resultó ser una grabación importante en la historia del Blues moderno. Titulada "Born Under A Bad Sign", esta actuación sigue siendo impresionante cuarenta años después de su estreno, un testimonio del talento de Albert King y un punto de inflexión en la carrera del bluesista. Finalmente estaba recibiendo la atención y el reconocimiento que se merecía.

No sólo fue el primer artista de blues en tocar en el legendario local de rock de San Francisco, el Fillmore West, sino que también estuvo en el cartel de debut, compartiendo la noche de apertura del escenario en 1968 con Jimi Hendrix y John Mayall. King fue uno de los primeros bluesistas en grabar con una orquesta sinfónica: en 1969 tocó con la St. Louis Symphony, uniendo triunfalmente el blues y la música clásica, aunque sólo fuera por un instante.

Durante la década de 1970, King realizó numerosas giras, a menudo tocando para multitudes de rock y soul. Dejó Stax en 1974 para grabar para sellos independientes como Tomato y Fantasy. King fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation en 1983.

Continuó grabando y haciendo giras durante los años 80 y principios de los 90, tocando en festivales y conciertos, a menudo con B.B. King.

Murió de un ataque al corazón en 1992, justo antes de comenzar una gran gira europea.

Made in Sweden: Studies in Popular Music

 

Made in Sweden: Studies in Popular Music serves as a comprehensive and rigorous introduction to the history, sociology and musicology of twentieth-century Swedish popular music. The volume consists of essays by leading scholars of Swedish popular music and covers the major figures, styles and social contexts of pop music in Swedish. Although the vast majority of the contributors are Swedish, the essays are expressly written for an international English-speaking audience. No knowledge of Swedish music or culture will be assumed. Each essay provides adequate context so readers understand why the figure or genre under discussion is of lasting significance to Swedish popular music; each section features a brief introduction by the volume editors. The book presents a general description of the history and background of Swedish popular music, followed by essays that are organized into thematic sections: The Historical Development of the Swedish Popular-Music Mainstream; The Swedishness of Swedish Popular-Music Genres; Professionalization and Diversification; and Swedish Artist Personas.

 

Satan's Pilgrims • Plymouth Rock - The Best Of

Artist Biography by James Christopher Monger

Taking their name from the 1960s B-movie Satan's Sadists, Portland, Oregon's Satan's Pilgrims' spirited blend of retro-surf and foot-stomping garage rock evokes the raw power and instrumental prowess of the Ventures, the Sonics, the Wailers, and the Kingsmen -- it also draws from horror movies, Joe Meek productions, and the British Invasion. Like contemporaries and labelmates the Fathoms and Space Cossacks, the band caught the resurgent early-'90s surf rock wave brought forth by the arrival of Quentin Tarantino's Pulp Fiction, which reintroduced the world to Dick Dale's "Misirlou," and rode it to nominal commercial success via essential outings like Around the World with Satan's Pilgrims (1997) and their eponymous fifth studio long-player (1999). The group disbanded in 2000, but reconvened for a series of shows in 2005, and in 2017 they released their first new collection of original surf rock material in nearly a decade, Siniestro.

Founded in 1992 by Dave (guitar/keyboards), Bobby (guitar), John (bass), Scott (guitar), and Ted (drums), all of whom go by the "Pilgrim" surname, Ramones style, the group started as a house party band. By 1994 they were enjoying some regional success via their energetic live shows and ghoulish attire (matching vampire capes), and in 1995 Empty Records debuted the quintet's first full-length, At Home with Satan's Pilgrims. Soul Pilgrim arrived that same year, followed in 1997 by Around the World with Satan's Pilgrims, the latter of which would be their last outing for Empty. Creature Feature was released in 1998 via Washington-based surf/garage indie Estrus, and 1999's eponymous Satan's Pilgrims saw the group moving to Los Angeles independent label Musick Recordings.

Throughout this period the band maintained a hectic tour schedule, both at home and abroad, but by 2000 they had elected to call it quits. In 2004 Musick issued a compilation called Plymouth Rock: The Best of Satan's Pilgrims, sparking renewed interest in the group. A 2005 reunion show led to a series of additional reunion appearances in 2006, and by 2009 the band was operating at full capacity again, and released a collection of new psych-rock instrumentals, the aptly named Psychsploitation. Recorded in an abandoned Masonic Lodge, 2017's Siniestro marked Satan's Pilgrims' return to the reverb-drenched surf emissions of their earliest days.

https://www.allmusic.com/artist/satans-pilgrims-mn0000254022/biography

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Biografía del artista por James Christopher Monger

Tomando su nombre de los sádicos de Satanás de los años sesenta, Portland, la mezcla espiritual de los peregrinos de Satanás de Oregon de retro-surf y rock de garaje con pisotones evoca el poder y la destreza instrumental de los Ventures, los Sonics, los Wailers y los Kingsmen - también se basa en las películas de terror, las producciones de Joe Meek, y la invasión británica. Como contemporáneos y compañeros de sello de los Fathoms y Space Cossacks, la banda captó la resurgente ola de surf rock de principios de los 90 que trajo la llegada de Pulp Fiction de Quentin Tarantino, que reintrodujo al mundo en "Misirlou" de Dick Dale, y la llevó al éxito comercial nominal a través de salidas esenciales como Around the World with Satan's Pilgrims (1997) y el quinto estudio de larga duración que lleva su nombre (1999). El grupo se disolvió en 2000, pero se volvió a reunir para una serie de espectáculos en 2005, y en 2017 lanzaron su primera nueva colección de material original de surf rock en casi una década, Siniestro.

Fundado en 1992 por Dave (guitarra/teclados), Bobby (guitarra), John (bajo), Scott (guitarra) y Ted (batería), todos ellos con el apellido "Pilgrim", al estilo de los Ramones, el grupo comenzó como una banda de house party. Para 1994 ya estaban disfrutando de algún éxito regional a través de sus enérgicos shows en vivo y su atuendo macabro (capas de vampiros a juego), y en 1995 Empty Records debutó con el primer largometraje completo del quinteto, At Home with Satan's Pilgrims (En casa con los peregrinos de Satanás). Ese mismo año llegó Soul Pilgrim, seguido en 1997 por Around the World with Satan's Pilgrims, la última de las cuales sería su última salida para Empty. Creature Feature fue lanzado en 1998 a través de Estrus, una compañía independiente de surf/garaje con sede en Washington, y en 1999, Satan's Pilgrims hizo que el grupo se mudara al sello independiente de Los Ángeles Musick Recordings.

A lo largo de este período la banda mantuvo un agitado programa de giras, tanto en el país como en el extranjero, pero para el año 2000 habían decidido dejarlo. En 2004 Musick publicó una compilación llamada Plymouth Rock: Lo Mejor de los Peregrinos de Satanás, despertando un renovado interés en el grupo. Un show de reunión en 2005 condujo a una serie de apariciones adicionales en 2006, y para 2009 la banda estaba operando a pleno rendimiento de nuevo, y lanzó una colección de nuevos instrumentales de psico-rock, el acertadamente llamado Psychsploitation. Grabado en una logia masónica abandonada, el Siniestro de 2017 marcó el regreso de los peregrinos de Satanás a las reverberantes emisiones de surf de sus primeros días.

https://www.allmusic.com/artist/satans-pilgrims-mn0000254022/biography

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Cherry Wainer ‎• Hammond Forever

 Cherry Wainer was born on March 2 1935 in South Africa, and was in showbusiness almost from infancy. Her father promoted tours by nationally renowned artistes while her mother ensured that their daughter’s obvious musical talent was formalised. “I was going to be a classical pianist,” she recalled. “At the age of eight, I performed a concerto with an orchestra. I was, I suppose, considered a child prodigy – because, in my early teens, my mother took me to London to start at the Sadler’s Wells Ballet School.”

While she finished the course, she failed the audition to join the associated ballet company. However, on returning to the Transvaal, her imagination was captured by the Hammond organ, a keyboard that was becoming increasingly more prominent in jazz, notably beneath the hands of the American exponent Jimmy Smith. “I was entirely self-taught,” she confessed, “mostly by applying what I knew on piano to organ. I wanted to be the female Jimmy Smith!”

Response to her performances in regional clubs was sufficiently encouraging for Wainer to seek engagements further afield – in the first instance in Holland, but she was too young to go on her own, so her mother went along too. “I only knew six tunes, which I played over and over again while trying to learn new ones,” said Cherry Wainer in later life.

Next, she collaborated with accordionist Nico Carstens on Flying High, the first rock and roll album recorded by South Africans before entering the orbit of Don Storer, a highly paid jobbing drummer and her future husband. They first played together in 1958 at a private function for the billionaire Johnny Schlesinger. With a musical chemistry that was, reckoned Wainer, “almost telepathic”, the duo tried their luck in Britain – where Wainer’s flatmate, the singer and actress Georgia Brown, introduced them to booking agent Tito Burns, who found them work on the variety circuit and in US military bases. Burns also got them booked on ITV’s Lunch Box, the lightest of light entertainment shows.

It was through one such appearance that they came to the attention of Jack Good, who had been commissioned to produce the first series of Oh Boy! that autumn. As well as incorporating Storer and Wainer into Lord Rockingham’s XI, he also brokered a recording contract for Wainer. Her output was to include Money (1960), historically the first Tamla-Motown number to be covered in the UK (and, later, a set track for many beat groups).

While chart entries proved elusive for Wainer in her own right, a maiden Rockingham single, Fried Onions, made the US Hot 100. Hoots Mon, the follow-up, was a domestic No 1 – and was heard on a section of Oh Boy! featured in the 1959 Royal Command Performance. Wainer became the focal point of the band – publicised as “the female Liberace” – with solo spots as both a singer and instrumentalist.

“I had my Hammond customised with quilted white-leather and diamanté studs,” she recalled. “Also, my poodle used to sit next to me. I loved every minute of it – being recognised in the street, signing autographs and when fans washed my pink saloon car when it was parked outside the hall in Islington where every Oh Boy! was rehearsed.”

After the final edition of Oh Boy! in 1959, Wainer went on to star in another ITV series, Boy Meets Girls, which was aimed at a wider audience. “It didn’t have the same pace as Oh Boy!” said Jack Good, “and was a dreadful mistake.”

“It just didn’t feel the same,” agreed Wainer, “Neither has any other television series in which I’ve been involved since.” Among the shows was Beat! Beat! Beat!, a German TV pop programme on which she and Storer were regular performers during the mid-1960s prior to their move to the United States in 1968. In America they played residencies at venues in Las Vegas where they settled.

In the wake of Storer’s death in 1977, Wainer retired as a professional entertainer. In 2013, at the time of her appearance on Rock’n’Roll Britannia on BBC4, she was working as an assistant in a small gift shop.

Cherry Wainer, born March 2 1935, died November 14 2014

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 Cherry Wainer nació el 2 de marzo de 1935 en Sudáfrica, y estuvo en el mundo del espectáculo casi desde su infancia. Su padre promovió giras de artistas de renombre nacional, mientras que su madre se aseguró de que el evidente talento musical de su hija se formalizara. "Iba a ser pianista clásica", recuerda. "A la edad de ocho años, di un concierto con una orquesta. Supongo que me consideraban un niño prodigio, porque, a principios de mi adolescencia, mi madre me llevó a Londres para empezar en la Escuela de Ballet de Sadler's Wells".

Mientras terminaba el curso, fracasó en la audición para unirse a la compañía de ballet asociada. Sin embargo, al volver a la Transvaal, su imaginación fue capturada por el órgano de Hammond, un teclado que cada vez era más prominente en el jazz, notablemente bajo las manos del exponente americano Jimmy Smith. "Era totalmente autodidacta", confesó, "sobre todo aplicando al órgano lo que sabía hacer en el piano. ¡Quería ser la Jimmy Smith femenina!"

La respuesta a sus actuaciones en clubes regionales fue lo suficientemente alentadora como para que Wainer buscara compromisos más allá, en primer lugar en Holanda, pero ella era demasiado joven para ir sola, así que su madre también lo hizo. "Sólo conocía seis melodías, que tocaba una y otra vez mientras trataba de aprender otras nuevas", dijo Cherry Wainer más tarde en su vida.

Luego, colaboró con el acordeonista Nico Carstens en Flying High, el primer álbum de rock and roll grabado por sudafricanos antes de entrar en la órbita de Don Storer, un baterista muy bien pagado y su futuro esposo. Tocaron juntos por primera vez en 1958 en una función privada para el multimillonario Johnny Schlesinger. Con una química musical que fue, según Wainer, "casi telepática", el dúo probó suerte en Gran Bretaña, donde la compañera de piso de Wainer, la cantante y actriz Georgia Brown, les presentó al agente de contratación Tito Burns, que les encontró trabajando en el circuito de variedades y en bases militares estadounidenses. Burns también los reservó en Lunch Box de ITV, el programa de entretenimiento más ligero.

Fue a través de una de esas apariciones que llamaron la atención de Jack Good, que había sido comisionado para producir la primera serie de Oh Boy! ese otoño. Además de incorporar a Storer y Wainer en el XI de Lord Rockingham, también negoció un contrato de grabación para Wainer. Su producción incluiría a Money (1960), históricamente el primer número de Tamla-Motown en ser cubierto en el Reino Unido (y, más tarde, un tema fijo para muchos grupos de beat).

Mientras que las entradas en las listas de éxitos resultaron difíciles para Wainer por derecho propio, un sencillo inaugural de Rockingham, Fried Onions, se convirtió en el Hot 100 de Estados Unidos. Hoots Mon, la continuación, fue la número 1 en el ámbito nacional, y se escuchó en una sección de Oh Boy! que apareció en la Royal Command Performance de 1959. Wainer se convirtió en el punto focal de la banda -publicada como "la Liberace femenina"- con spots en solitario como cantante e instrumentista.

"Hice personalizar mi Hammond con sementales de cuero blanco acolchado y diamantes", recuerda. "Además, mi caniche se sentaba a mi lado. Me encantó cada minuto - ser reconocido en la calle, firmar autógrafos y cuando los fans lavaron mi auto rosado cuando estaba estacionado fuera del pasillo en Islington donde cada Oh Boy! fue ensayado".

Después de la edición final de Oh Boy! en 1959, Wainer protagonizó otra serie de ITV, Boy Meets Girls, dirigida a un público más amplio. "No tenía el mismo ritmo que Oh Boy", dijo Jack Good, "y fue un terrible error".

"No sentí lo mismo", dijo Wainer, "Tampoco lo ha hecho ninguna otra serie de televisión en la que haya participado desde entonces". Entre los espectáculos se encontraba Beat! Beat! Beat! un programa de televisión pop alemán en el que ella y Storer actuaron regularmente a mediados de la década de 1960 antes de su traslado a los Estados Unidos en 1968. En Estados Unidos tocaron en residencias en lugares de Las Vegas donde se establecieron.

Tras la muerte de Storer en 1977, Wainer se retiró como artista profesional. En 2013, en el momento de su aparición en Rock'n'Roll Britannia en la BBC4, trabajaba como asistente en una pequeña tienda de regalos.

Cherry Wainer, nacido el 2 de marzo de 1935, fallecida el 14 de noviembre de 2014

Ralph Moore • Images

 

 

www.facebook.com/ralphmoore ...

Emily Remler • This Is Me

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

Fleetwood Mac • Ten Songs For You

 

www.fleetwoodmac.com ...

Kraftwerk: Music Non-Stop

 

When they were creating and releasing their most influential albums in the mid to late 1970s, Kraftwerk were far from the musical mainstream - and yet it is impossible now to imagine the history of popular music without them. Today, Kraftwerk are considered to be an essential part of pop's DNA, alongside artists like the Beatles, the Velvet Underground, and Little Richard.

Kraftwerk's immediate influence might have been on a generation of synth-based bands (Orchestral Manoeuvres in the Dark, the Human League, Depeche Mode, Yello, et al), but their influence on the emerging dance culture in urban America has proved longer lasting and more decisive.

This collection of original essays looks at Kraftwerk - their legacy and influence - from a variety of angles, and demonstrates persuasively and coherently that however you choose to define their art, it's impossible to underestimate the ways in which it predicted and shaped the future.

 

Made in Italy: Studies in Popular Music

 

Made in Italy serves as a comprehensive and rigorous introduction to the history, sociology, and musicology of contemporary Italian popular music. Each essay, written by a leading scholar of Italian music, covers the major figures, styles, and social contexts of pop music in Italy and provides adequate context so readers understand why the figure or genre under discussion is of lasting significance to Italian popular music. The book first presents a general description of the history and background of popular music, followed by essays organized into thematic sections: Themes; Singer-Songwriters; and Stories.

 

Rully Djohan • Instrumentalia Organ

Rully Djohan Indonesian organist, for whom I found no further information.

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Rully Djohan organista indonesio, del que no he encontrado más información.

Michael Silverman • Blues, The Whole Blues And Nothin' But The Blues

Michael Silverman is an American pianist, keyboard player and composer. He performs and records classical, jazz and New Age music. His touring band, Bach to the Future, performs the classics such as Beethoven symphonies and Bach fugues in a variety of styles, including jazz, rock and rhythms from around the world.

 Among the most downloaded solo pianists in the world, with 2 billion downloads and streams, he has 14 number one albums in the Classical, World Music, Children's Music and New Age Charts.

His music has appeared in many film and TV productions, including "Two and a Half Men," "The Good Wife," HBO's "The Leftovers" and "American Horror Story."

He and brother Rob Silverman are the founders of one of the top online record labels, Autumn Hill Records.

The Silverman Brothers have founded several music festivals as well, including the Chesterfield Wine and Jazz Festival, the U City Jazz Festival and the St. Louis Winter Jazz Festival in Grand Center, as well as being a sponsor of the Old Webster Jazz and Blues Festival, the Clearwater Jazz Holiday, the Gateway Jazz Festival and the Hermann Wine and Jazz Festival.

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Michael Silverman es un pianista, teclista y compositor estadounidense. Interpreta y graba música clásica, jazz y New Age. Su banda de gira, Bach to the Future, interpreta clásicos como las sinfonías de Beethoven y las fugas de Bach en una variedad de estilos, incluyendo jazz, rock y ritmos de todo el mundo.

 Entre los pianistas solistas más descargados del mundo, con 2.000 millones de descargas y streams, tiene 14 álbumes número uno en las listas de Música Clásica, Música del Mundo, Música Infantil y New Age.

Su música ha aparecido en muchas películas y producciones de televisión, incluyendo "Two and a Half Men", "The Good Wife", "The Leftovers" de HBO y "American Horror Story".

Él y su hermano Rob Silverman son los fundadores de uno de los principales sellos discográficos online, Autumn Hill Records.

Los Silverman Brothers también han fundado varios festivales de música, incluyendo el Chesterfield Wine and Jazz Festival, el U City Jazz Festival y el St. Louis Winter Jazz Festival en Grand Center, además de ser patrocinadores del Old Webster Jazz and Blues Festival, el Clearwater Jazz Holiday, el Gateway Jazz Festival y el Hermann Wine and Jazz Festival.

Harry Verbeke • You Or No One

 

Harry Verbeke's a tenor player we grow to love more and more over the years – especially as we discover more of his obscure Dutch recordings like this album from the 70s! Verbeke's a tenorist who's completely fully-formed and strong-voiced right from the very first note – maybe indicated by his choice of a Barney Wilen tune to lead off the set – as, like Wilen, Harry's one of these great under-discovered European talents who really helped move his instrument forward, but away from recognition on our side of the Atlantic. The rest of the group is top-shelf too – the great Irv Rochlin on piano, Harry Emmery on bass, and Max Bollerman on drums – on titles that include "Blue Bossa", "Prelude In Blue", "Mariette", "Sugar", and "Chelsea Bridge".  
1996-2022, Dusty Groove, Inc.
https://www.dustygroove.com/item/132497/Harry-Verbeke:It-s-You-Or-No-One

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Harry Verbeke es un tenor que nos gusta cada vez más a lo largo de los años, sobre todo a medida que descubrimos más grabaciones oscuras holandesas, como este álbum de los años 70. Verbeke es un tenorista completamente formado y con una voz fuerte desde la primera nota, tal vez por la elección de un tema de Barney Wilen para empezar el disco, ya que, al igual que Wilen, Harry es uno de esos grandes talentos europeos subdescubiertos que realmente ayudaron a hacer avanzar su instrumento, pero que no fueron reconocidos en nuestro lado del Atlántico. El resto del grupo también es de primera categoría -el gran Irv Rochlin al piano, Harry Emmery al bajo y Max Bollerman a la batería- en títulos que incluyen "Blue Bossa", "Prelude In Blue", "Mariette", "Sugar" y "Chelsea Bridge".  
1996-2022, Dusty Groove, Inc.
https://www.dustygroove.com/item/132497/Harry-Verbeke:It-s-You-Or-No-One

Jim Hall • Jim Hall Plays Standards

 

Biography:

A harmonically advanced cool-toned and subtle guitarist, Jim Hall was an inspiration to many guitarists, including some (such as Bill Frisell) who sound nothing like him. Hall attended the Cleveland Institute of Music and studied classical guitar in Los Angeles with Vicente Gómez. He was an original member of the Chico Hamilton Quintet (1955-1956), and during 1956-1959 was with the Jimmy Giuffre Three. After touring with Ella Fitzgerald (1960-1961) and sometimes forming duos with Lee Konitz, Hall was with Sonny Rollins' dynamic quartet in 1961-1962, recording The Bridge. He co-led a quartet with Art Farmer (1962-1964), recorded on an occasional basis with Paul Desmond during 1959-1965 (all of their quartet performances are collected on a Mosaic box set), and then became a New York studio musician. He was mostly a leader during the following years and, in addition to his own projects for World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters, and Telarc, Jim Hall recorded two classic duet albums with Bill Evans. A self-titled collaboration with Pat Metheny followed in 1999. A flurry of studio albums, reissues, and compilations followed throughout the next few years, with the exceptional Jim Hall & Basses standing out for its bass/guitar duet format. Jim Hall died at his apartment in Manhattan on December 10, 2013; he was 83 years old.

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Biografía:

Un guitarrista armónicamente avanzado de tono frío y sutil, Jim Hall fue una inspiración para muchos guitarristas, incluyendo algunos (como Bill Frisell) que no se parecen en nada a él. Hall asistió al Instituto de Música de Cleveland y estudió guitarra clásica en Los Ángeles con Vicente Gómez. Fue miembro original del Quinteto Chico Hamilton (1955-1956), y durante 1956-1959 estuvo con los Tres de Jimmy Giuffre. Después de ir de gira con Ella Fitzgerald (1960-1961) y a veces formando dúos con Lee Konitz, Hall estuvo con el dinámico cuarteto de Sonny Rollins en 1961-1962, grabando The Bridge. Dirigió un cuarteto con Art Farmer (1962-1964), grabó ocasionalmente con Paul Desmond durante 1959-1965 (todas sus actuaciones en cuarteto se recogen en una caja de Mosaico), y luego se convirtió en un músico de estudio de Nueva York. Fue principalmente un líder durante los años siguientes y, además de sus propios proyectos para World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters y Telarc, Jim Hall grabó dos álbumes clásicos a dúo con Bill Evans. En 1999 se produjo una colaboración autotitulada con Pat Metheny. Una ráfaga de álbumes de estudio, reediciones y compilaciones siguieron a lo largo de los siguientes años, con el excepcional Jim Hall & Basses destacándose por su formato de dúo bajo/guitarra. Jim Hall murió en su apartamento de Manhattan el 10 de diciembre de 2013; tenía 83 años. 

Jerome Richardson • Sastanak U Studiju

 

Bruton Music Library • BRL10 Mechanisation

 

The George Lewis Band Of New Orleans • Jazz At Preservation Hall IV

 

El clarinetista George Lewis fue el típico jazzman de New Orleans, autodidacta, incapaz de leer música y sin embargo supo desarrollar su propio estilo, un modo de tocar absolutamente personal que sólo pudo darle la escuela del segregacionismo y de la miseria.

Se estrenó profesionalmente muy joven en Nueva Orleáns; fue miembro de la "Black Eagle Band" y tocó después con Leonard Parker, Chris Kelly, Kid Rena y con la orquesta de Buddy Petit. A diferencia de muchos otros músicos, George Lewis, jamás se desplazó de su lugar de origen en busca de fortuna, pero sí consiguió formar su propia orquesta con el trompetista, Henry Red Allen. Lamentablemente, a principios de los años treinta su popularidad decayó, por lo que hubo de abandonar la escena musical y empezó a trabajar como estibador portuario en su ciudad natal.

Por fortuna, Gene Williams lo redescubrió en 1942, convirtiéndose en uno de los principales exponentes de la New Orleáns Renaissance, fenómeno que revolucionó el mundo del jazz en los años cuarenta. Por aquel entonces, Lewis fue contratado en el grupo de Bunk Johnson, el célebre trompetista de New Orleáns, también "repescado" en aquella época. En 1943, formó la "George Lewis New Orleáns Stompers", formada por el trompetista, Avery Hodward, el trombonista, Jim Robinson, el banjoísta, Lawrence Marrero, el contrabajista, Chester Zardis y el baterista, Edgar Mosley. Con esa formación grabó para la American Music y también con otra formación de Bunk Johnson denominada, "Bunk Johnson and Street Paraders".

En 1957, después de algunos años invernando en New Orleáns, viajó a Inglaterra para tocar con la orquesta de Ken Colyer. Posteriormente en 1959 realizó una gira por Europa y Japón, donde cosechó grandes éxitos. De vuelta a Nueva Orleáns, siguió tocando y actuando, sobre todo en el "Preservation Hall" con la orquesta de Deedee Pierce hasta que le sobrevino la muerte en 1968.

https://es.wikipedia.org/wiki/George_Lewis

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Biography
by Scott Yanow
George Lewis never tried to be a virtuoso soloist. He loved to play melodic ensembles where his distinctive clarinet was free to improvise as simply as he desired. When Lewis was inspired and in tune, he could hold his own with any of his contemporaries in New Orleans and he always sounded beautiful playing his "Burgundy Street Blues." To everyone's surprise (including himself), he became one of the most popular figures of the New Orleans revival movement of the 1950s.

It took Lewis a long time to achieve fame. He taught himself clarinet when he was 18 and worked in the '20s with the Black Eagle Band, Buddy Petit, the Eureka Brass Band, Chris Kelly, Kid Ory, the Olympia Orchestra, and other New Orleans groups. He played with Bunk Johnson in Evan Thomas' group in the early '30s but had a day job throughout most of the decade. When Bunk was discovered in 1942, Lewis became part of his band, playing with him Johnson, however, was difficult to get along with and a homesick Lewis returned to New Orleans by 1946. He played locally with his own group (featuring trombonist Jim Robinson) and in 1950 was portrayed in an article for Look. That exposure led to him recording regularly, and by 1952, Lewis was in such great demand that he was soon working before crowds in California and touring Europe and Japan. In addition to Robinson, Lewis' band in its prime years often featured trumpeter Kid Howard, pianist Alton Purnell, banjoist Lawrence Marrero, bassist Alcide "Slow Drag" Pavageau, and drummer Joe Watkins. George Lewis, who recorded for many labels (a Mosaic box set of his Blue Note sessions is one of the best reissues), became a symbol of what was right and wrong about the New Orleans revival movement, overpraised by his fans and overcritized by his detractors. At his best he was well worth hearing.
https://www.allmusic.com/artist/george-lewis-mn0000945658/biography